Jaka jest narodowa kultura muzyczna XIX wieku. Rosyjska kultura muzyczna XIX wieku i jej światowe znaczenie

Jaka jest narodowa kultura muzyczna XIX wieku. Rosyjska kultura muzyczna XIX wieku i jej światowe znaczenie
20.04.2019

Transkrypcja

1 tr. 1 z: 04 Kultura tu i teraz STRONA O WIELKIEJ KULTURZE ROSYJSKIEJ Dedykuję swoim Nauczycielom Muzyka rosyjska XIX wieku: okresy, style, gatunki, szkoły Wysłany przez admin Muzyka rosyjska XIX wieku dzieli się zwykle na dwa okresy: przed pojawienie się wielkiego kompozytora MI Glinka, czyli mniej więcej przed latami i po. Przed epoką wczesnego romantyzmu, czyli „przed Glinką”, w muzyce rosyjskiej zaczyna się okres klasyczny. Kropka. Era „Przed Glinką”. Na początku wieku w muzyce rosyjskiej panowała mieszanka dwóch stylów klasycyzmu i romantyzmu. W pierwszej połowie XIX wieku miały miejsce dla Rosji wydarzenia na tak wielką skalę, jak Wojna Ojczyźniana, powstanie dekabrystów; w społeczeństwie rozpowszechniły się idee Wielkiej Rewolucji Francuskiej, która miała miejsce niedługo wcześniej. Wszystko to nie mogło nie wpłynąć na kulturę kraju. M.Yu. Lermontow, W.F. Odoevsky, na obrazie O.A. Kiprensky i K.P. Bryułłow. W kulturze muzycznej Rosji w XIX wieku słychać również echa romantyzmu, które naprawdę przytłoczą kraj wraz z przybyciem M.I. Glinka.

2 tr. 2 z: 04 Najpopularniejszymi nurtami w muzyce rosyjskiej XIX wieku były: pieśń „miasta”. Został ostatecznie uformowany w XIX wieku. Najczęściej takie piosenki rodziły się z prostej gitarowej improwizacji bezimiennych amatorów do wierszy poetów (np. „Dzwonki wieczorne”, „Jak cię zdenerwowałem”). nagrywanie i przetwarzanie melodii ludowych. Pod koniec XVIII wieku V. Trutovsky opublikował zbiór rosyjskich pieśni ludowych. Niemal wszyscy mieszkańcy stolicy zainteresowali się nimi, po czym zaczęło pojawiać się wiele utworów muzycznych w stylu ludowym („Unosi się szaroskrzydła jaskółka”). kameralna muzyka wokalna z domieszką rosyjskiego folkloru, wykonywana na domowych wieczorach muzycznych. Pod wpływem romantyzmu pojawia się romans rosyjski (romansy AA Alyabyeva („Słowik”) i AE Varlamova („O ty, czas to czas”, oparty na romansie cygańskim, który nie wymagał profesjonalisty). głos wokalny i skomplikowany akompaniament (na przykład: „Twoje oczy są zielone”). Żył też taki gatunek muzyczny jak wodewil, lekki utwór z kupletami, szczególnie popularny w kulturze muzycznej Rosji XIX wieku. Shakhovsky („Mikstura miłości”, „Uciekacz od swojej narzeczonej”) i F.V. Bułgarina („Rozmowa w Królestwie Umarłych”, „Przygody Mitrofanuszki na Księżycu”), jednak każdy młody szlachcic uważał za swój obowiązek przynajmniej raz w życiu skomponować wodewil na benefis jakiegoś aktora .

3 tr. 3 z: 04 W teatrach występowały głównie włoskie i opery francuskie... W rosyjskiej operze dominowały motywy epickie; jednak wpływ romantyzmu był już zauważalny (na przykład A.N. Verstovsky często używany w swoich pracach romantyczne wątki odwołanie się do epokowej przeszłości). II okres. Początek klasycznego okresu muzyki rosyjskiej. MI. Glinka. Wraz z pojawieniem się Michaiła Iwanowicza Glinki, założyciela szkoły kompozytorskiej w Rosji, w XIX-wiecznej muzyce rosyjskiej rozpoczął się prawdziwy rozkwit. Jego utwory muzyczne nasycone są motywami ludowymi, zawierają w sobie samego Puszkina „duch rosyjski”. Oprócz wspaniałych dzieł wokalnych i symfonicznych kompozytor stworzył dwie opery (jedne z najwybitniejszych w historii muzyki): Życie za cara (1836) oraz Rusłan i Ludmiła (1842). Obie te prace są nasycone najsilniejszą zasadą patriotyczną i rosyjską, ponieważ M.I. Sam Glinka powiedział: „Muzyka powinna zawierać intonacje, a nawet całe melodie muzyki ludowej narodowości, do której należy autor”. Tak więc w operze „Życie dla cara” na obraz prostego chłopa Iwana Susanina M.I. Glinka pokazała całą siłę i potęgę narodu rosyjskiego. Najważniejszą innowacją opery było to, że głównym bohaterem utworu muzycznego stał się chłop, chłop pańszczyźniany. Nic dziwnego, że ludzie z wyższych sfer

4 tr. 4 z 04 przyznało operze niską ocenę, ale wielu klasyków literatury (np. N.V. Gogol, A.S. Puszkin) było jej prawdziwymi fanami. W epickiej baśni o żywych motywach romantycznych „Rusłan i Ludmiła” Glinka odeszła jeszcze dalej od tradycji opery francuskiej i włoskiej, dlatego utwór ten nie został przyjęty z entuzjazmem. Niemniej jednak po tych utworach muzyka rosyjska była rozpoznawana na całym świecie, a M.I. Glinka jest słusznie uznawana za twórcę klasyki muzycznej w Rosji. III okres. Druga połowa XIX wieku. W drugiej połowie XIX wieku muzyka staje się bardziej dostępna dla różnych grup społecznych. Otwarcie oddziałów carskiej Rosji w Moskwie i Petersburgu towarzystwo muzyczne, stale przechowując dostępne dla wszystkich zbiory muzyczne, powstała w Petersburgu bezpłatna szkoła muzyczna, założono konserwatoria najpierw w stolicach (na czele z braćmi Rubinstein), a pod koniec stulecia w innych miastach. Popularne stają się nowe gatunki muzyczne, cykle symfoniczne i symfonie (pierwsza symfonia (w F-dur) została stworzona przez AG Rubinsteina w 1859 roku, ale nie zyskała ona szerokiej popularności; jego II symfonia C-dur o nazwie „Ocean” bardziej znany.Ten gatunek osiągnął swój szczyt w muzyce rosyjskiej w utworach Rimskiego-Korsakowa i Czajkowskiego). Szkoły kompozytorskie.

5 tr. 5 of: 04 Również w XIX wieku powstały dwie duże szkoły kompozytorskie. Pierwsza nowa szkoła rosyjska w Petersburgu, później V.V. Stasov nazwie ją „Potężną kupą”. Obejmowała ona mgr inż. Bałakiriew, A.P. Borodin, MP Musorgski, N.A. Rimski-Korsakow i Ts.A. Cui. Widzieli M.I. Glinka i główny cel ucieleśnieniem zasady narodowej w ich utwory muzyczne... W tym czasie idee rewolucyjne były bardzo silne; cała inteligencja zastanawiała się nad problemami chłopów, a sami chłopi inscenizowali zamieszki i powstania. Na tym tle pojawiła się „Potężna garść” ze swoimi ideami bogactwa narodowego, duchowego, ludowego. Starannie zbierając rosyjski folklor, starali się przekazać w operach całą siłę ducha narodowego. II Szkoła Moskiewska; kierował nią P.I. Czajkowskiego, a wśród nich A.A. Alyabyev, S.I. Taneev, A.E. Varlamov i inni. Jeśli Petersburg szkoła kompozytorska oznaczał epos w muzyce, wtedy moskiewska szkoła kompozytorów rosyjskich była bardziej charakterystyczna dla utworów lirycznych. Na przykład przyroda, krajobraz wg P.I. Czajkowski jest zawsze przedstawiany przez pryzmat ludzkich uczuć, kompozytorzy Potężnej garści mają raczej naturę silnego, pełnoprawnego bohatera, który nie ma nic wspólnego z człowiekiem. Takich różnic jest wiele, jednak co najważniejsze, należały one do różnych okresów. Szkoła moskiewska reprezentowała mijającą epokę, „zeszły wiek”, podczas gdy szkoła petersburska (lub „nowa rosyjska”, jak ją nazywano) zawierała wszystko, co było charakterystyczne dla „obecnego stulecia”. Antagonizm tych dwóch szkół wpłynął na twórczość nie tylko ich zwolenników, ale także tych kompozytorów, którzy nie

6 tr. 6 z 04 nie określiło się jako nie uczęszczające do żadnej szkoły. Sztuki sceniczne. Jeśli chodzi o sztuki sceniczne, w XIX wieku w Rosji wiele się zmieniło. Wcześniej rozpowszechniono tylko amatorskie domowe muzykowanie (o czym już wspomniano powyżej), na początku XX wieku zaczęto wykonywać utwory muzyczne w ogromnych salach oper, zaczęły powstawać domowe szkoły gry i śpiewu, zaczęły się otwierać uczelnie wyższe. Instrumenty muzyczne. Jednym z głównych wynalazków XIX wieku jest mechanizm zaworowy do instrumentów dętych, za pomocą którego możliwości dętych instrumentów muzycznych stały się znacznie szersze; pojawiły się nowe instrumenty, takie jak tuba i flet piccolo. Ponadto fortepian, na którym dziś gramy, został wynaleziony w tym samym czasie w Ameryce i od razu zyskał niespotykaną popularność w Rosji. Podsumować. W XIX wieku nastąpił prawdziwy wzrost kultury muzycznej Rosji, powstała narodowa szkoła muzyczna, a cały świat rozpoznał i szanował rosyjskich kompozytorów. Podobało ci się? Nie ukrywaj swojej radości przed światem -

7 rosyjski<музыка> <19> <века>: epoki, style, gatunki, szkoły s. 7 z: 04 udostępnij!


Państwowa placówka oświatowa szkoła średnia 349 z pogłębioną nauką języka angielskiego Rejon Krasnogwardiejski trzystopniowa praca testowa w Saint-Petersburgu

Zadania na zaliczenie śródsemestralne z muzyki w klasie 7 Bilet 1 1. Jaki instrument muzyczny jest symbolem sztuki muzycznej? 2. Jak nazywa się pieśń wykonywana przez chór lub zespół?

Planowane efekty opanowania przedmiotu Osobiste Studenci będą mieli: - motywację i zainteresowanie poznawcze muzyką i działalnością muzyczną; - poczucie szacunku do pieśni ludowej,

ŻYCIE MUZYCZNE PETERSBURGA W PIERWSZEJ POŁOWIE XIX WIEKU Istnieje jednak ciekawy dokument ze środków Dyrekcji teatry cesarskie, wydany w 1851 roku, ale zachował swoją siłę przez dziesięciolecia.

Klasa muzyczna 2 (godziny tygodniowo - 34 godziny) Objaśnienia Program pracy nad muzyką oparty jest na federalnym standardzie kształcenia ogólnego drugiego pokolenia (2004 r.), przybliżony

Mitrofanenkova I. A., nauczycielka muzyki i MHC pierwszej kategorii gimnazjum regionalnego w Loshnitsa Lekcja muzyki w klasie 5 Temat lekcji :. Potężna gromada. Cel: kształtowanie wiedzy uczniów na temat muzyki klasycznej; zapoznać

UZGODNIONY ZATWIERDZONY Szef Departamentu ds. Kultury Dyrektor MBU DO „Dom Urzędu Miejskiego Czerepowiec Dzieciństwa i Młodzieży” Dom Wiedzy „IN Lobanov NN Khazova 2016 2016 REGULAMIN VII Ogólnorosyjskiego

Rozwój sztuki muzycznej w Rosji W starożytności śpiew i muzyka były częścią wykonywania różnych rytuałów, połączonych z poezją epicką i tańcami. Już od IX wieku. kościelny polifoniczny

Klasa 6 Johann Sebastian Bach (1685-1750) Niemiecki kompozytor, przedstawiciel epoki baroku. W twórczości Bacha reprezentowane są wszystkie współczesne gatunki, z wyjątkiem opery. JEST. Bach jest wytrawnym mistrzem polifonii.

„Klasyka dla uczniów” Proponujemy nowe programy koncertowe dla uczniów i uczniów szkół ponadgimnazjalnych. Opierając się na tradycjach filharmonicznych XX wieku zrezygnowaliśmy z akademickich klisz, nasze koncerty odbywają się

Program pracy przedmiotu „Muzyka” klasy 3 Planowane efekty opanowania przedmiotu obecność szerokiej podstawy motywacyjnej do działań edukacyjnych, w tym społecznych, edukacyjnych i poznawczych

PLANOWANE REZULTATY KSZTAŁCENIA PRZEDMIOTU EDUKACYJNEGO. Nauczanie sztuki muzycznej w klasie 7 powinno dać uczniom możliwość: - pogłębienia zrozumienia trójcy działalności muzycznej

MBOU Suponevskaya liceum 2 Testy muzyczne na pierwszą połowę roku akademickiego 2015-2016 w szóstej klasie zgodnie z programem G.P. Sergeeva, ED Cretskaya. Cel pracy: określenie poziomu asymilacji

Muzyka Starożytna Ruś Muzyka starożytnej Rusi miała głównie charakter kościelny. Od XII wieku do użytku kościelnego wszedł tzw. śpiew, od słowa „baner”, co oznacza. Te melodie były i były komponowane. Wykonywane

Sekcja „Rosja, moja Ojczyzna!” 1. Posłuchaj fragmentu. Jak nazywa się to dzieło i kto jest jego autorem: A. A. Vocalise S. Rachmaninov B. Romance G. Sviridov V. Concert 3 S. Rachmaninov G. Dead Field S. Prokofiev

Planowanie kalendarzowo-tematyczne na rok akademicki 2013 2014 „Klasa muzyki 4”, autorzy: V. O. Usacheva, L. V. Shkolyar w tempie 1 godziny tygodniowo (34 godziny) n / p Temat lekcji. Strony samouczka. I kwartał (9 godzin)

P / n Sekcje tematów programowych lekcji i Liczba godzin. Według daty kalendarzowej Fakt. Środki dydaktyczne Opis głównych zajęć 3 Melodia. 2 Witaj, moja Ojczyzno! Moja Rosja. Hymn rosyjski. 2,09

Miejska budżetowa instytucja edukacyjna edukacji dodatkowej dla dzieci Szkoła artystyczna regionu Zavitinsky Plany kalendarzowe przedmiotu Literatura muzyczna Pierwszy rok studiów Pierwszy rok

Państwowa budżetowa instytucja edukacyjna edukacji dodatkowej dla dzieci miasta Moskwy „Dziecięca Szkoła Muzyczna im. M. M. Ippolitowa-Iwanowa” „Zatwierdzony” dyrektor O. V. Cherezova

Nota wyjaśniająca Program pracy przedmiotu „MUZYKA” dla klas 5-7 został opracowany zgodnie z podstawowym programem edukacyjnym podstawowego kształcenia ogólnego MBOU Murmańsk „Średnia

2 Data lekcji Temat Opis głównych zajęć Zgodnie z planem Rzeczywiste. ka 1. 3,09 Melodia. Rozróżnij cechy rosyjskich pieśni ludowych, umieć identyfikować gatunki, ekspresyjnie wykonywać folk

TESTY „Romantyzm” 7 kl. 1 1. Romantyzm jest nurtem artystycznym w kulturze europejskiej i amerykańskiej końca A) XII wieku. B) XVI wiek C) XVIII wiek 2. W muzyce romantyzm ukształtował się w A) 1786 B)

41 IV klasa (34 godziny) Rosja Moja ojczyzna (3 godziny) Melodia. Śpiewasz mi tę piosenkę, której nie możesz wyrazić słowami, z dźwiękiem w twojej duszy, Jak złożyłeś tę piosenkę w całość. Brzmiące zdjęcia... Skąd jesteś, Rosjaninie, narodziła się muzyka? pójdę

MINISTERSTWO EDUKACJI I NAUKI LUGAŃSKIEJ REPUBLIKI LUDOWEJ ŁUGAŃSKA UNIWERSYTET IM. TARASIE SZEWCZENKO Instytut Kultury i Sztuki PROGRAM profilu egzaminu wstępnego w specjalności „Muzyka

Klasa II (34 godziny) Rosja Moja Ojczyzna (3 godziny) 19 Melodia. Witaj moja Ojczyzno! Moja Rosja. Hymn rosyjski. Muzyczny krajobraz... Obrazy rodzimej natury w muzyce kompozytorów rosyjskich. Pisanie piosenek jako charakterystyczne

Miejska budżetowa placówka oświatowa gimnazjum 2 Rozpatrzona przez MO nauczycieli historii i nauk społecznych Protokół 1 z 28.08.2015. Uzgodniono na posiedzeniu KM Protokół 1 w dniu 28.08.2015.

Zajęcia: 5 godzin tygodniowo: Suma godzin: 35 I trymestr. Razem tygodni 0.6 godz. Planowanie tematyczne Temat: Lekcja muzyki Sekcja, temat lekcji Sekcja: Muzyka jako forma sztuki "Muzyka i literatura".

„ZATWIERDZONY” Rektor FSBEI HPE MGUDT V.S. Belgorodsky 2016 MINISTERSTWO EDUKACJI I NAUKI FEDERACJI ROSYJSKIEJ federalna państwowa instytucja szkolnictwa wyższego zawodowego

Załącznik do programu pracy w zakresie muzyki dla klas VII 2014-2015 Certyfikacja pośrednia w formie sprawdzianu Objaśnienie do KIM dla certyfikacji pośredniej uczniów klas VII w zakresie muzyki

9 listopada 2013 r. Prezentacja na lekcję muzyki (klasa 8) na temat: Quiz intelektualny „Od baroku do klasycyzmu”. Sprawdzenie wiedzy uczniów na temat biografii znanych pisarzy rosyjskich: Łomonosowa, Puszkina.

Notatka wyjaśniająca. Program pracy oparty jest na standardowym programie „umiejętności czytania i słuchania muzyki” Blagonravova NS. Program pracy przeznaczony jest dla klas 1-5. Do musicalu

Zatwierdził: działając Dyrektor państwowej budżetowej instytucji edukacyjnej średniego szkolnictwa zawodowego regionu „Krasnodar College-Korsakov” luty 2016 r. 129-P A.N. Recepcja w Iwanowie

PIEŚNI „Old World Song” FRANZA SCHUBERTA Przygotowała nauczycielka muzyki LB Bakhmatkova. Romantyzm to sztuka dawania ludziom takich dzieł literackich, że biorąc pod uwagę obecny stan ich obyczajów

NOTA WYJAŚNIAJĄCA Niniejszy program pracy został opracowany na podstawie autorskiego programu instytucji edukacyjnych: „Muzyka: klasy 5-9”, E.D. Kreteńczyk, GP Sergeeva, T.S. Shmagina Moskwa: Oświecenie,

SPIS TREŚCI I. KOMPOZYCY W PETERSBURGU MI Glinka 1. Ankieta Blitz ... 3 2. Pamiętaj kto to jest ... 3 3. Gatunki muzyki ... 4 AS Dargomyzhsky 4. Sonda Blitz ... 4 5. Pamiętaj kto to jest ... 5

Sekcja „W teatrze muzycznym” 1. Napisz autora opery „Rusłan i Ludmiła”. A. M. Glinka B. N. A. Rimsky-Korsakov V.P.I. Czajkowski G. L. Van Beethoven 2. Wymień dzieło literackie stanowiące podstawę

Nota wyjaśniająca Program z przedmiotu „Muzyka” jest opracowywany zgodnie z wymogami federalnego standardu edukacyjnego dla podstawowego kształcenia ogólnego i programu autora

P / n Nazwa działów i tematów Kalendarz i planowanie tematyczne Muzyka Klasa 6 (34 godz.) Charakterystyka zajęć uczniów. Zaplanowany harmonogram zakończenia tematu Rzeczywisty harmonogram (i/lub korekta)

Nota wyjaśniająca Program pracy dla przedmiotu „Muzyka” dla szóstej klasy został opracowany na podstawie „Programu muzyki klas 5-7 dla instytucji edukacyjnych” V.O. Usacheva, LV Szkolar, W.A. Uczeń

TESTY MUZYCZNE (klasa 4) Test 1 1. Co to jest „wokalizacja”? a) utwór chóralny b) pieśń c) pieśń bez słów 2. Kto napisał „Wokaliza” a) Musorgsky M.P. b) Rachmaninow S.V. c) Czajkowski P.I. 3. Jaka jest narodowość?

CEL: Zbadanie wpływu wrażeń z podróży po świecie na twórczość kompozytora. CELE: 1. Zbadanie wpływu podróży po krajach europejskich na twórczość kompozytora. 2.Wybierz

Miejska budżetowa instytucja edukacyjna miasta Abakan „Szkoła średnia 4” PROGRAM PRACY na temat „Muzyka” dla klas 1-4 Nota wyjaśniająca Program pracy

Nota wyjaśniająca Ten program pracy został opracowany na podstawie federalnego komponentu stanowego standardu kształcenia ogólnego, programu G.S. Rigina „Muzyka: Edukacja. Kreatywny rozwój.

Miejska instytucja edukacyjna „Szkoła średnia 9” ZATWIERDZONA Dyrektor MOU „Szkoła średnia 9” / Gafurova L.N. / zamówienie z dnia 31 sierpnia 2016 r. Program pracy przedmiotu „Muzyka”

PROGRAM PRACY na ten temat Klasa muzyczna 9 Program został opracowany przez: Masłową Natalię Aleksandrowną Rok akademicki 2015-2016 Objaśnienie Klasa muzyczna 9 Program pracy nad muzyką dla szkoły podstawowej

P/n Temat lekcji Program przedmiotowy przedmiotu „Muzyka” (Klasa 5) Liczba godzin Temat I półrocze: Muzyka i literatura 7. kwartał.. Co sprawia, że ​​muzyka ma związek z literaturą... Muzyka wokalna. 3. 3. 4. 4. 5. 5.-

30 Kontynuacja III klasa (34 godz.) Rosja Moja ojczyzna (5 godz.) Melodia duszy muzyki. Natura i muzyka. Brzmiące obrazy. Vivat, Rosja! Naszą chwałą jest państwo rosyjskie. Kantata „Aleksander Newski”. Opera „Iwan Susanin”.

Objaśnienia Dostosowany program pracy muzycznej dla nauczyciela klasy V, dla którego rekomenduje się naukę w ramach programu klasy specjalnej (poprawczej) typu VII, opracowanego na podstawie

Miejska budżetowa instytucja edukacyjna „Gymnasium 1” „Zatwierdziła” Zastępca dyrektora MBOU „Gymnasium 1” dla OIA Chislova G.А. „29” Sierpień 2016 „Zatwierdził” Dyrektora MBOU „Gymnazjum 1”

Kreatywność A.S. Puszkin w romansach Chorev S.A. Czym jest romans? Romans (z hiszpańskiego romansu) - komora utwór wokalny na głos z towarzyszeniem instrumentalnym. Termin „romans” pochodzi z Hiszpanii

NOTA WYJAŚNIAJĄCA Program prac na temat „Muzyka” dla VII klas instytucji edukacyjnych jest opracowywany zgodnie z wymaganiami FSES LLC drugiej generacji, programy dla kształcenia ogólnego

D.G. Bashkirova M.I. GLINKA ZAŁOŻYCIEL STYLU NARODOWEGO, LUDZIE W TWÓRCZOŚCI WOKALNEJ „Szczęśliwego kompozytora! Gdyby mógł wiedzieć, że sto lat po jego śmierci w zbiorze jego romansów?

Samorządowa instytucja edukacyjna regionu Chanty Mansyjska „Szkoła średnia im. Nyalinskoe nazwany na cześć Bohatera Związku Radzieckiego Wiaczesława Fiodorowicza Czukhariewa „ZAŁĄCZNIK do OWP

W 2016 roku minęło 185 lat komedii A.S. Gribojedow „Biada Z UMYSŁU”. Nie można studiować życia i twórczości GRIBOEDOWA bez odniesienia się do Puszkina. Czasami w ich losach i pracy jest wiele niesamowitych zbiegów okoliczności

Planowanie tematyczne kalendarza zgodnie z tematem „Muzyka” w ramach kompleksu edukacyjnego „System L.V. Zankova ”w 4. klasie 1 godzina tygodniowo - 34 godziny rocznie. Rigina G.S. Muzyka: Podręcznik do klasy 4. Samara: Wydawnictwo

Lekcja Temat lekcji Liczba godzin Charakterystyka aktywności ucznia ROSJA - MOJA OJCZYZNA. (3 godz.) Data lekcji przez fakt. plan. Melodia. Lekcja-konwersacja. Nauka i lekcja w szkole podstawowej 2. Witaj, Ojczyzno

Pytania z historii literatury rosyjskiej (branża białoruska, korespondencja) 1. Ruch literacki 1800 1815. (Ewolucja klasycyzmu, sentymentalizm, pojawienie się romantyzmu. Towarzystwa literackie.) 2.

Adnotacja do programu pracy w zakresie muzyki, klasa 5. Program muzyczny dla piątej klasy został opracowany zgodnie z federalnym komponentem stanowego standardu podstawowego kształcenia ogólnego. Obejmuje

Miejska budżetowa instytucja edukacyjna „Szkoła średnia Severoonezhskaya” Zatwierdzona przez dyrektora szkoły E.R. Katrich 30 sierpnia 2016 Program roboczy na temat „Art. Muzyka "na 7 a,

Miejska budżetowa instytucja edukacyjna szkoła średnia 4 dzielnicy miasta Losino-Petrovsky Zatwierdzona zarządzeniem dyrektora MBOU SOSH 4 z Programu pracy dla muzyki

Miejska autonomiczna instytucja edukacyjna „Szkoła średnia 16” PROGRAM PRACY na temat „muzyka” Klasy 1-4 (FSES) 1. Planowane wyniki opanowania muzyki W wyniku

MIEJSKA AUTONOMICZNA INSTYTUCJA EDUKACYJNA SZKOŁA ŚREDNIA 8 Załącznik do głównego program edukacyjny podstawowe wykształcenie ogólne dla federalnego komponentu edukacji państwowej

MINISTERSTWO KULTURY FEDERACJI ROSYJSKIEJ FEDERALNE PAŃSTWO BUDŻET INSTYTUCJA EDUKACYJNA SZKOLNICTWA WYŻSZEGO "Państwowy Instytut Kultury Oryol"

Miejska Budżetowa Instytucja Oświatowa „Sergach Liceum 1” Program pracy dla przedmiotu akademickiego „Muzyka” Klasy 2-4 2016 1 Objaśnienie Program

Początki muzyki rosyjskiej sięgają twórczości plemion wschodniosłowiańskich, które zamieszkiwały tereny starożytnej Rusi przed powstaniem pierwszego państwa rosyjskiego w IX wieku. Najstarsze typy muzyki wschodniosłowiańskiej można hipotetycznie oceniać na podstawie indywidualnych dowodów historycznych, materiałów z wykopalisk archeologicznych, a także niektórych ocalałych zachowanych w późniejszych próbkach folkloru pieśni. Do czasu powstania starożytnego państwa rosyjskiego z centrum w Kijowie pieśń ludowa zajmowała ważne miejsce w życiu rodzinnym i społecznym, znane były różne instrumenty muzyczne. Już w VI wieku gusli był jednym z ulubionych instrumentów Słowian.

Popularny stał się folklor rytualny związany z pogańskimi wierzeniami religijnymi i działaniami rytualnymi, które rozwinęły się w epoce systemu komunalno-klanowego. Wiele pogańskich rytuałów nadal żyło wśród ludzi po wprowadzeniu chrześcijaństwa w Rosji (koniec X wieku), pomimo surowego potępienia i prześladowań ze strony Kościoła. Do XVII wieku władze kościelne dekrety i listy zostały wydane przeciwko ulubionym „demonicznym” zabawom i pieśniom ludu. Z czasem pogaństwo jako integralny system wierzeń i wyobrażeń o świecie wymarło, a elementem gry staje się pogański obrzęd, tracąc swoje magiczne i kultowe znaczenie. Ale jednocześnie zachowały się zewnętrzne formy obrzędu i pewne momenty regulujące jego administrację.

W starożytnej Rosji nie było rozwiniętych form profesjonalnej muzyki świeckiej, co decydowało o szczególnie dużej roli folkloru w życiu społeczeństwa. Pieśń ludowa była powszechna nie tylko wśród mas pracujących, ale także w najwyższych kręgach feudalnych, aż po dwór książęcy. Głównymi nosicielami świeckiej kultury artystycznej byli bufony, typ średniowiecznego aktora synkretycznego i muzyka. Różnili się statusem społecznym i charakterem swojej sztuki. Wędrujące błazny, które przemawiały do ​​zwykłych ludzi na ulicach i placach, znajdowały się poza hierarchią społeczną społeczeństwa feudalnego i były pozbawione wszelkich praw. Bufony „służbowe”, które przybyły na służbę feudalnych panów i książąt, miały się lepiej i cieszyły się ochroną swojego patrona. Wśród bufonów byli guslary, gudoshniki, „svirtsy” (wykonawcy na prymitywnych instrumentach dętych). Na ich repertuar składały się głównie pieśni i tańce ludowe. Dopiero w XVII wieku, pod wpływem ogólnych przemian kulturowych, błazenstwo straciło na znaczeniu i zostało zepchnięte z centralnych regionów Rosji na północne peryferie.

Wraz z przyjęciem chrześcijaństwa jako religii państwowej pod koniec X wieku zaczęła się rozwijać muzyka kościelna. Formy staroruskiego śpiewu cerkiewnego i prawdopodobnie w dużej mierze jego melodie zostały zapożyczone z Bizancjum. Stamtąd przyjęto system ich mocowania za pomocą specjalnego rodzaju znaków konwencjonalnych, które były rodzajem obłąkanego pisma.

W wyniku ponownego przemyślenia zapożyczonych form bizantyjskich powstał całkowicie oryginalny typ starożytnej rosyjskiej sztuki śpiewu - znamenny chant lub znamenny chant. Nie można prześledzić etapów tego procesu, ponieważ wczesne formy pisma Znamennego nie zostały rozszyfrowane.

Pierwsze znane zabytki staroruskiego piśmiennictwa muzycznego pochodzą z końca XI - początku XII wieku. W tym samym czasie w praktyce śpiewu kościelnego istniała tradycja ustna. Dopiero w XV - XVII wieku. wszystkie rodzaje pieśni kościelnych zostały „ułożone na chorągwiu” i weszły do ​​powszechnego użytku śpiewy „na haczykach” (haczyk jest najczęstszym znakiem pisma znamiennego).

Najważniejszymi cechami starożytnej rosyjskiej sztuki śpiewu były - ściśle podtrzymana monofonia, bez akompaniamentu instrumentalnego, płynność ruchu melodycznego, brak skoków w dużych interwałach, ścisłe powiązanie melodii z tekstem słownym składającym się z linii o nierównej długości, w konsekwencji - swoboda organizacji metrorytmicznej, asymetria struktury melodii, konstruowanie melodii na podstawie gotowych kanonizowanych formuł poprzez ich konkatenację i przekształcenia wariantowe. Suma formuł-pieśni składających się na fundusz melodyczny śpiewu znamiennego została objęta systemem osmoglazji.

Na Rusi Kijowskiej obok zwykłego śpiewu znamiennego istniał szczególny rodzaj śpiewu kondakar, wyróżniający się bogactwem dekoracji melodycznych, długimi śpiewami sylab.

Po upadku Rusi Kijowskiej powstało wiele szkół śpiewu, wśród których szczególnie wyróżniała się nowogrodzka. W okresie rozdrobnienia feudalnego Nowogród był głównym opiekunem starożytnych rosyjskich tradycji śpiewu. Od końca XIV wieku Moskwa promowana jest jako ogólnorosyjski ośrodek sztuki śpiewaczej, łączący i syntetyzujący dorobek miejscowych szkół.

W XVI wieku powstał wzorowy chór suwerennych urzędników śpiewu, który oprócz udziału w królewskich nabożeństwach pełnił funkcje kontrolujące i monitorujące stan śpiewu kościelnego w kraju.

W połowie XVI wieku powstała moskiewska szkoła śpiewaków i pieśniarzy, która odegrała ważną rolę w rozwoju sztuki śpiewu kościelnego. Jej założycielem jest Savva Rogov, wśród jego uczniów i zwolenników słynęli Fiodor Krestyanin, Iwan Nos, Stefan Golysh.

W tym okresie pieśń znamienna osiągnęła apogeum, powstało wiele wariantów melodycznych. Szczególne odmiany monodicznego śpiewu chóralnego rozgałęziły się od chorału znamiennego - chorału demiestnego i chorału utworu.

Wiek XVII był punktem zwrotnym w dziejach muzyki rosyjskiej, dopełniając dawne i jednocześnie przygotowując nowe okresy jej rozwoju. Kryzys średniowiecznego światopoglądu, załamanie się utartej struktury pojęć i poglądów, odzwierciedlały spory wokół problematyki śpiewu kościelnego, w którym zderzyły się dwa kierunki. Jeden z nich dążył do częściowych reform wzmacniających starą tradycję, drugi wysuwał i bronił nowych form, związanych z innym systemem poglądów estetycznych, innym rozumieniem sztuki w życiu.

W połowie XVII w. wprowadzono znaki cynobru (oznaczenia literowe umieszczane nad głównym rzędem znaków śpiewających i wskazujące dokładną wysokość tonu). System ten opiera się na tzw. skali dobowej dwunastu stopni diatonicznych, podzielonej na cztery „akordy”. Wraz z rozwojem i usystematyzowaniem teoretycznych podstaw chorału znamiennego w XVII w. nastąpiło jego dalsze wzbogacanie melodyczne, nowe chorały i ich odmiany, style śpiewu lub, jak je wówczas nazywano, chorał – chorał kijowski, chorał bułgarski, Pojawił się grecki śpiew.

W drugiej połowie XVII wieku nowy styl polifonia chóralna - śpiew partyjny, który pierwotnie rozwinął się na Ukrainie i Białorusi (N. Diletsky, I. Korenev). Najprostsze rodzaje śpiewu partyzanckiego opierały się na melodiach chorału znamiennego. Najwyższą formą śpiewu partyjnego był koncert chóralny a cappella na 8-12 lub więcej głosów.

W XVII wieku na dworze i w domach oświeconych bojarów rosyjskich pojawił się klawesyn, organy i inne instrumenty europejskie, powstały też domowe kaplice instrumentalne. W teatrze dworskim ważną rolę odgrywała muzyka (1672-1676).

Niektóre z form stylistycznych i gatunków muzyki rosyjskiej, które rozwinęły się w XVII wieku, przetrwały w następnym stuleciu. Tym samym koncert częściowy pozostał najważniejszym rodzajem twórczości kompozytorów rosyjskich do połowy XVIII wieku. Wśród wielu jego mistrzów są N. Kałasznikow, N. Bavykin, F. Redrikov.

Pod bezpośrednim wpływem postępowych tendencji demokratycznych w rosyjskiej myśli społecznej i literaturze, w ostatniej trzeciej połowie XVIII wieku powstała narodowa szkoła kompozytorska. Jej przedstawiciele starali się łączyć w swojej twórczości zasady stylistyczne i formy wczesnego klasycyzmu europejskiego z tematami i obrazami z życia rosyjskiego, z magazynem melodycznym rosyjskich pieśni ludowych. Pojawiły się pierwsze drukowane kolekcje pieśni ludowych - Trutovsky, Lwów i Prach. Wiele z zawartych w nich nagrań melodii ludowych zostało wykorzystanych przez kompozytorów.

W twórczości kompozytorów XVIII wieku najważniejsze miejsce zajmował gatunek operowy. Najwybitniejszymi kompozytorami tego czasu są V.A. Pashkevich, E.I.Fomin, D.S. Bortnyansky, M. Berezovsky, I. Khandoshkin i inni.

Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy korzystający z bazy wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.witryna/

HistoriajestemRosyjska kultura muzyczna XIX wieka

Historyczne cechy rosyjskiej kultury muzycznej XIX wieku

Wiek XIX wszedł do historii rosyjskiej kultury muzycznej jako okres jej pełnego i wszechstronnego rozwoju. W tym okresie ich nieśmiertelne dzieła stworzony przez M.I. Glinka, A.S. Dargomyzhsky, A.P. Borodin, MP Musorgski, N.A. Rimski-Korsakow, M.A. Bałakiriew, P.I. Czajkowski. Dalszy rozwój rosyjskiej klasyki muzycznej wiąże się z nazwiskami A.K. Głazunow, A.K. Lyadova, S.I. Taneeva, A.N. Skriabin i S.V. Rachmaninow, którego znaczna część pracy przypada już na XX wiek.

Proces tworzenia rosyjskiej kultury muzycznej przebiegał szybko i gwałtownie. Szedł jednocześnie w różnych kierunkach: w dziedzinie nowych osiągnięć twórczych w różnych gatunkach, aktywnego wzbogacania środków wyrazowych, w rozwoju myśli muzyczno-krytycznej i estetycznej.

Dorobek pierwszej połowy XIX wieku został przygotowany przez poprzedni okres, ale wiele zupełnie nowych, spowodowanych zmianami w samym życiu. Treść oraz ideologiczny i estetyczny kierunek rozwoju sztuki zdeterminowała napięta i złożona sytuacja społeczno-polityczna, która rozwinęła się nie tylko w Rosji, ale także w Europie Zachodniej. Ekonomiczne i rozwój polityczny wiele krajów europejskich zostało utrudnione przez agresywną politykę Napoleona I, który po klęsce został cesarzem Francji Rewolucja Francuska koniec XVIII wieku. Kampania wojenna przeciwko Rosji zakończyła się porażką Napoleona. W Wojnie Ojczyźnianej 1812 r. w obronie Ojczyzny stanął cały naród rosyjski. Wydarzenia te dały początek wielkiemu zrywowi społecznemu, spowodowały manifestację żarliwego patriotyzmu ludu, wzrost jego obywatelskiej, samoświadomości. Jednocześnie zwycięstwo nad Napoleonem wymusiło nowe spojrzenie na pozycję mas. Narasta niezadowolenie społeczne, nasila się niepokój chłopski, nastroje opozycyjne powstają wśród najlepszych przedstawicieli szlachty, którzy rozumieją straszliwą sprzeczność między potężną bohaterską siłą ludu a jego pozbawioną praw, uciskaną pozycją w kraju. To właśnie te wydarzenia dały najsilniejszy impuls ruchowi dekabrystów, brutalnie stłumionemu w 1825 roku.

W historii sztuki rosyjskiej powstanie dekabrystów położyło kamień milowy. Ideologia dekabrystów była gruntem, na którym twórczość A.S. Puszkina. W przeddzień powstania grudniowego Puszkin napisał pierwszą realistyczną tragedię ludową „Borys Godunow”, Gribojedow napisał oskarżycielską komedię „Biada dowcipowi”, lata dekabrystów spowodowały bezprecedensowy rozkwit gatunków poetyckich.

Zdecydowany postęp nastąpił w dziedzinie muzyki. Kompozytorzy początku XIX wieku dużo pracują w dziedzinie gatunków teatralnych. Bajeczne opery Niewidzialny książę i Ilja Bogatyr, patriotyczna opera Ivan Susanin Kavosa, muzyka Kozłowskiego do tragedii V.A. Ozerow „Edyp w Atenach” i „Fingal”, „Deborah” Szachowskiego, oratorium S.A. Degtyarev „Minin i Pożarski” lub „Wyzwolenie Moskwy”.

Wodewil, lekka komedia z numerami muzycznymi, stała się popularna. Za pierwszy rosyjski wodewil uważa się sztukę Szachowskiego „Kozak poeta” z muzyką Kavosa.

Twórczość instrumentalna kompozytorów rosyjskich kojarzyła się głównie z muzykowaniem domowym. Uwertura koncertowa, jednoczęściowa symfonia A.A. Alyabyeva. Jako autor utworów fortepianowych różnego gatunku i charakteru, A.L. Gurilew. Najważniejsze z nich to Sonata, 24 Preludia i Fugi. Gatunek wariacji był bardzo rozwinięty. Powstają także kwartety i inne utwory na zespoły instrumentalne. Szczególną popularność zyskała gitara, założycielem szkoły gitarowej był A.O. Sychra.

Kompozytorzy A.N. Wierstowski, A.A. Alyabyev, A.E. Varlamov, A.L. Gurilew.

Wierstowski wszedł do historii muzyki jako kompozytor teatralny, autor oper romantycznych. To Wierstowski wskrzesił rosyjską operę. Przez 10 lat nie powstało ani jedno znaczące dzieło z tego gatunku. W swojej najlepszej operze Grób Askolda wprowadził nowe tematy, obrazy i środki wyrazu muzycznego i dramatycznego.

W latach dwudziestych M.I. Glinka. Rozważany okres można nazwać okresem Glinki. Potężna osobowość twórcza Glinki podniosła muzykę rosyjską do nowy krok rozwój, przysłaniając prawie wszystko, co stworzyli poprzednicy. Twórca rosyjskiej opery klasycznej i klasycznego romansu, położył również podwaliny pod klasyczny rosyjski symfonizm. Głównymi cechami, które wywyższają go wśród innych kompozytorów, są szerokie spojrzenie na świat, głęboki związek ze swoim czasem i życiem swojego ludu.

W drugiej połowie lat 30. w muzyce rosyjskiej pojawiła się nowa nazwa - Dargomyzhsky. Początek XIX wieku w Rosji upłynął pod znakiem szybkiego rozwoju nowego trendu, który ogarnął wszystkie kraje Europy - romantyzmu. Romantyzm miał ogromny wpływ na losy sztuki światowej. Wyrażał niezadowolenie nowego młodego pokolenia z otaczającej rzeczywistości, protest przeciwko niesprawiedliwości struktura społecznaświat. Marzenia o wolności osoby ludzkiej, swobodnej manifestacji sił duchowych osoby o niezwykłej mocy znalazły odzwierciedlenie w twórczości Byrona. Największe postacie sztuki - Chopin i Mickiewicz, Hugo, Berlioz i Liszt - nawiązywali swoje nazwiska do ideologii "wojującego romantyzmu".

Szczególne znaczenie dla rozwoju sztuki rosyjskiej miała ważna tendencja romantyzmu - walka o narodową oryginalność form artystycznych, stylu i środków wyrazu. Romantycy bronili wszystkiego, co indywidualne, oryginalne i charakterystyczne. Starali się rozbudzać zainteresowanie życiem swoich rdzennych mieszkańców, ich historyczną przeszłością, pieśniami ludowymi, opowieściami i legendami. To właśnie te aspekty estetyki romantycznej wpłynęły przede wszystkim na twórczość kompozytorów epoki Puszkina i pomogły im znacząco wzbogacić język i styl muzyki rosyjskiej.

W najlepszych utworach epoki romantyzmu, w romansach Glinki, Alabijewa, w operach Wierstowskiego, w temperamentnych tekstach Warłamowa, znajdujemy żywą refleksję życie ludowe, postacie i typy, chęć wniknięcia w głąb ludzkiej duszy. Pokonując skrajności estetyki romantycznej – subiektywizm, przesadę uczuć, dążenie do „wyjątkowości” – kompozytorzy rosyjscy, podobnie jak ich współcześni – poeci, przechodzą do bardziej realnego i wszechstronnego odtworzenia rzeczywistości.

Puszkin miał decydujący wpływ na cały rozwój muzyki rosyjskiej. koncepcja Puszkina dramat historyczny przygotował drogę dla Glinki do ludowo-heroicznej opery „Iwan Susanin”. Dzieła Puszkina, Rusłana i Ludmiły oraz Rusałki, głęboko ludowe w duchu i temperamencie, zdeterminowały dalszy rozwój rosyjskiej opery klasycznej Glinki i Dargomyżskiego. Jego wiersze liryczne stały się podstawą rosyjskiego romansu klasycznego.

Już w środku połowa XIX wiekowa rosyjska klasyka muzyczna jest przykładem jedności głębokiej treści i doskonałej formy artystycznej. Gatunek opery znacznie się zmienił. Nie jest to już sieć osobnych numerów muzycznych, zjednoczonych jednym wątkiem, ale integralne dzieło muzyczno-dramatyczne z jednym konceptem tematycznym i monolityczną formą. Sednem dramatycznego rozwoju jest konflikt. W swoich operach Glinka wywoływał obrazy historii Rosji (Iwan Susanin, 1836), eposy epickie (Rusłan i Ludmiła, 1842). Jego współczesny Dargomyzhsky pokazał w operze „Syrenka” dramat nierówności społecznych, dramat zwykłego człowieka.

W muzyce symfonicznej Glinki, w jego „Kamarinskiej” i „Uwerturze hiszpańskiej” położono podwaliny muzyka programu... Te same zasady rozwoju symfonicznego realizowali jego uczeń Bałakiriew, Czajkowski i kompozytorzy Potężnej garści.

Rozwój kultury muzycznej w XIX wieku był złożony i pełen sprzeczności. Początek XIX wieku to okres rozwoju gatunku romansu. Wpływ na rosyjski romans wywarła rosyjska poezja, zwłaszcza twórczość A.S. Puszkina. kultura muzyczna rosyjska

Rosyjski codzienny romans tamtych czasów stał się niejako laboratorium twórczej retonacji, tworzenia nowego stylu muzycznego. Rosyjskie i ukraińskie melodie, rosyjskie i zachodnioeuropejskie rytmy taneczne, mowa i intonacje deklamacyjne w muzyce wokalnej, indywidualne „włoski” i wspólne zwroty muzyki niemieckiej, francuskiej – to wszystko można znaleźć w gatunku romansu codziennego.

Główne cechy muzyki romansu potocznego: wiodąca rola w melodii należy do intonacji szóstej: podskok o sekstę i skok sekty w dół do harmonicznego tonu wprowadzającego z późniejszym rozwiązaniem; powszechne stosowanie technik retencji melodycznej; częste stosowanie niskiego rejestru, co nadaje muzyce szczególny, patetyczny charakter; włączenie zwrotów recytatywnych i deklamacyjnych jako środków dramatyzacji; przewaga moll harmonicznego; częste odchylenia w najbliższych tonacjach, zestawienie durowych i mollowych dla ukazania zmiany nastroju, częste stosowanie IV wyższego poziomu; wykorzystanie rytmów tańców codziennych, zwłaszcza walca, mazura, poloneza, serenady; związek z codzienną muzyką instrumentalną, wyrażony w figuracji gitarowej i harfowej; forma romansu jest najczęściej dwuwierszowa; rozprzestrzenianie się cygańskiego stylu występów.

W gatunkach ballad przejawiały się wpływy romantyczne. Pojawiają się wspaniałe ballady Wierstowskiego, Alyabyeva, Varlamova. Skonstruowana w swobodnej formie rozbudowanego monologu dramatycznego ballada wyróżniała się złożonością kompozycji.

Za twórcę ballady uważa się Wierstowskiego. Jego ballady „Czarny szal” do słów A.S. Puszkin, „Trzy pieśni Skalda”, „Biedny piosenkarz” do słów Żukowskiego. Jednym z najbardziej rozpowszechnionych gatunków w muzyce pierwszej połowy XIX wieku jest „pieśń rosyjska”, która powstała jako naśladownictwo muzyki ludowej. To są pieśni w stylu ludowym. Znaczenie ten gatunek otrzymał od Alyabyeva, Gurileva, Varlamova. Ich „rosyjskie piosenki” są bogate i różnorodne w treści.

W epoce Puszkina elegia stała się ulubionym rodzajem twórczości zarówno poetów, jak i muzyków - szczególny rodzaj romansu, w którym przeważa kontemplacja, refleksja i głęboka myśl. Bogate w treści filozoficzne i obywatelskie elegie Puszkina przyciągały wielu kompozytorów. Dobrze znana jest elegia Genishty do słów Puszkina „Światło dzienne zgasło”. Niezwykła jest elegia młodej Glinki „Nie kuś” do słów Baratyńskiego. Szczególne miejsce w rosyjskiej twórczości wokalnej zajmują pijaństwo i pieśni marszowe, które poruszają temat heroiczno-patriotyczny.

O rozwoju rosyjskiej kultury muzycznej w drugiej ćwierci XIX wieku świadczyły dzieła Alabijewa, Warlamowa i Gurilewa.

AlyabyevAA(1787-1851)

Aleksander Aleksandrowicz Alyabyev urodził się w Tobolsku. Jak wielu jego wielkich współczesnych pochodził z dobrze urodzonej rodziny szlacheckiej, w dzieciństwie otrzymał doskonałe i wszechstronne wykształcenie. Od najmłodszych lat wykazywał talent twórczy. W 1812 r. zgłosił się na ochotnika do pułku huzarów, brał udział w wielu bitwach, był ranny i odznaczany orderami za zasługi wojskowe. Od 1823 mieszkał w Moskwie. Razem z A.N. Verstovsky i F.C. Scholz napisali muzykę do prologu „Triumf muz” na otwarcie Teatru Bolszoj. W 1825 został fałszywie oskarżony o morderstwo i zesłany na Syberię z pozbawieniem wszelkich praw i szlachty. Powodem surowego wyroku była najwyraźniej jego bliskość do kręgów dekabrystów. W 1828 r. Alyabyev został wysłany do Tobolska. Tutaj kierował orkiestrą symfoniczną i chórem, występował jako dyrygent i pianista. Dużo pisze, mimo słabego zdrowia. Wraz z nim do rosyjskiego romansu wkroczyły wątki patriotyzmu i umiłowania wolności. Ważna była dla niego komunikacja z A.S. Griboyedov, poeci - dekabryści, Dargomyzhsky.

Alyabyev wniósł znaczący wkład w kameralną muzykę instrumentalną. Napisał 3 kwartety smyczkowe, 2 tria fortepianowe, kwintet fortepianowy, kwartety i kwintety na instrumenty dęte, utwory i cykle wariacji na różne instrumenty, muzykę na spektakle dramatyczne, opery " Księżycowa noc lub Brownies ”,„ Burza ”,„ Edwin i Oscar ”,„ Rybak i syrenka ”,„ Amalat-Bek ”.

Współczesny Glinki i Dargomyżskiemu Alyabyev w swoich najlepszych utworach zbliża się do metody twórczej tych kompozytorów. Wiele jego oper nie zostało wystawionych i zachowało się w rękopisie. Szczególne miejsce w twórczości Alyabyeva zajmują „rosyjskie pieśni” i romanse-monologie. Autor słynnego „Słowika” do słów Delviga Alyabyev wprowadził romantyczny nurt do rosyjskiej muzyki wokalnej.

Jest jednym z pierwszych kompozytorów, którzy pisali duża liczba romanse do słów Puszkina („Kochałem cię”, „Przebudzenie”, „ Zimowa droga" itd.). Szczególne miejsce zajmują romanse-monologi związane z tematem samotności, wygnania, trudnych wędrówek: „Irtysz”, „Dzwony wieczorne”. W pracach lat 40. zwraca się do fabuł znaczenie społeczne: „Kabak”, „Izba”, „Strażnik wsi” słowami NP Ogareva, „Żebrak” słowami Berangera, który przedstawia wizerunki pokrzywdzonych. Piosenki te zostały przygotowane przez nowatorskie dzieła Dargomyżskiego („Lichoraduszka”) i Musorgskiego („Kalistrat”, „Hopak”, „Trepak”).

Alyabyev starał się unowocześnić środki wyrazu. Rozwinął deklamacyjne elementy melodii wokalnej, zwiększył wartość ekspresyjną harmonii i faktury, nadał niezależne znaczenie fortepianowej części romansu.

VarlamovA.E.(1801-1848)

Alexander Yegorovich Varlamov to rosyjski kompozytor, śpiewak, pedagog-wokalista i dyrygent. Wykształcenie muzyczne zdobywał w petersburskiej kaplicy dworskiej, gdzie był śpiewakiem i studiował u dyrektora kaplicy D.S. Bortniański.

W 1819 r. został mianowany nauczycielem śpiewaków w rosyjskiej kaplicy dworskiej w Holandii. Tu rozpoczął karierę jako dyrygent chóralny, śpiewak kameralny i gitarzysta. W 1823 r. wrócił do Petersburga, pracował jako nauczyciel śpiewu w szkoła teatralna... W 1843 r. awansował na „kompozytora muzyki” i asystenta dyrygenta teatrów cesarskich.

W 1833 r. wydał pierwszy zbiór romansów i pieśni oraz pierwszy rosyjski przewodnik metodyczny pedagogiki wokalnej „Kompletna szkoła śpiewu”. On sam był utalentowany piosenkarz, mistrz kantyleny, subtelny i rozważny tłumacz.

Varlamov wszedł do historii muzyki rosyjskiej jako mistrz romansu. Jego romanse odzwierciedlały figuratywną strukturę rosyjskiej pieśni ludowej, jej intonację i cechy modalne. Subtelna wiedza sztuka wokalna pomógł mu stworzyć żywe przykłady rosyjskiej kantyleny, swobodnie płynących melodii o szerokim oddechu. Na styl Varlamova duży wpływ miał sposób występów cygańskich śpiewaków.

Varlamov stworzył około 200 romansów i piosenek opartych na wierszach rosyjskich poetów M.Yu. Lermontow, A. N. Plescheeva, A. A. Feta, AV Kolcowa i inni.

Wśród „rosyjskich pieśni” Varlamova przeważają 2 gatunki - liryczne utrzymywanie się i szybki taniec. W pieśniach uporczywych - hojność melodyczna, plastyczność melodii wokalnej, wykorzystanie technik rosyjskiej pieśni ludowej - odmianowy rozwój śpiewu, śpiewy wewnątrzzgłoskowe ("Och, czas, czas", "Za wcześnie trawo"). Piosenki o aktywnym rytmie należą do drugiego rodzaju: „Po ulicy zamiata śnieżyca”, „Latający słowik”.

Ekspozycja na miejski folklor z typowym rytmy taneczne dotknięte romansami „O świcie nie budzisz jej”, „Nie śpiewasz słowiku”, Wraz z „Dzwonek” Gurilewa i „Słowik” Alyabyeva romans „Nie mów mi, mamo, czerwona sukienka” stał się własnością narodową.

Bliskie elegijnym tekstom MI Glinki i AS Dargomyzhsky są romanse Warlamowa „Samotność”, „Górskie szczyty”. Dramatyczny monolog „Przypomnienie”, „Smutek”, ballada „Ride the Horse”, temperamentny romans do słów Lermontowa „Samotny żagiel świeci na biało” stworzył własną tradycję w rosyjskich tekstach i znalazł odpowiedź w twórczości A.S. Dargomyzhsky, P.I. Czajkowski, S.V. Rachmaninow.

Ważniejsze dzieła: Balety „Zabawa sułtana lub sprzedawca niewolników”, „Chypi chłopiec i kanibal”, 200 romansów i pieśni, zespoły wokalne, chóry, muzyka do spektakli dramatycznych.

GurilewGLIN.(1803-1858)

Alexander Lvovich Gurilev - rosyjski kompozytor, skrzypek, pedagog pianista. Syn muzyka pańszczyźnianego, urodził się w Moskwie. Studiował muzykę pod kierunkiem ojca. Od najmłodszych lat grał w orkiestrze pańszczyźnianej na skrzypcach i altówce. W 1831 r. wraz z ojcem uzyskał wolność. Zasłynął jako kompozytor, pianista i pedagog. Trudne warunki materialne i ciężka choroba psychiczna w ostatnie latażycie utrudniało mu twórczą działalność. Ale mimo to napisał wiele prac.

Spuścizna fortepianowa Gurilewa jest obszerna – małe utwory, koncertowe fantazje na tematy z opery Donizettiego Lukrecja Borgia, fantazja na tematy z opery Glinki Iwan Susanin, wariacje na temat romansów Alabijewa Słowik, Mój słowik, Warlamowa Dawn Don't wake her up ”, wariacje na temat rosyjskich pieśni ludowych, polonez, 2 walce, 5 mazurków itp. Szeroki wachlarz technik harmonicznych, biegłość w pisaniu na fortepianie, wirtuozowski zakres dają podstawy, by mówić o Gurilowie jako utalentowany kompozytor i jako subtelny muzyk - wykonawca z doskonałą znajomością fortepianu. Napisał wiele romansów do słów Y. Lermontowa, A.N. Koltsov, I. Makarov, N. P. Grekov i inni poeci: Piosenki „The Bell”, „The Swallow Curls” są nasycone elegijnymi nastrojami. Urocze wizerunki dziewcząt podane są w piosenkach „Kochana matka”, „Smutek dziewczyny”, „Sarafanchik”. Wszystkich wyróżnia gatunkowa określoność, płynność trójtaktowego ruchu w rytmie walca.

Najlepsze romanse Gurilewa mają coś wspólnego z tekstami Glinki i Dargomyżskiego. Wpływ Glinki odnajdujemy w zwrotach intonacyjnych, typowych technikach skoku w górę i jego wypełnieniu, śpiewie dźwięku centralnego z figurami typu gruppetto itp.

Ale w najlepszych romansach Gurilow ujawnia najbardziej atrakcyjne aspekty swojego talentu lirycznego. Takie są jego romanse "Nie możesz zrozumieć mego smutku", "Wewnętrzna muzyka", "Rozstanie". Zbliżenie z Dargomyżskim widać w romansie do słów Lermontowa „Zarówno nudne, jak i smutne”. Deklamacyjna struktura melodii, jej skompresowany zakres, wyraziste akcenty mowy nadają muzyce charakter rozmowy z samym sobą. Alyabyev, Varlamov, Gurilev na wiele sposobów przewidzieli, przygotowali przyszłą ścieżkę rosyjskiego romansu.

RosyjskimuzykaXviiiorazpierwszypołowaXIXstulecie

Rosyjska muzyka przeszła w swoim rozwoju długą i chwalebną drogę. Ilu wielkich kompozytorów: Glinka, Dargomyżski, Borodin, Musorgski, Rimski-Korsakow, Czajkowski, Skriabin, Rachmaninow, Głazunow i wielu innych! Ich sztuka uwielbiła naszą Ojczyznę. We wszystkich krajach Globus ich muzyka brzmi i budzi jasne, miłe i czyste uczucia w sercach ludzi. Rozkwit kultury muzycznej w XIX wieku przygotowywany był przez cały jej rozwój w Rosji. Od wieków wśród ludzi gromadzą się cenne źródła sztuki muzycznej. Ludowa twórczość poetycka i muzyczna istniała już w starożytności i odzwierciedlała całe życie i historię ludu: jego obyczaje i obrzędy, jego pracę i walkę o wolność, jego nadzieje i marzenia o lepszym życiu. Wiele ostrych, odważnych piosenek zostało stworzonych przez ludzi o Stepanie Razinie, Jemelanie Pugaczowie i innych przywódcach chłopskich powstań i wojen. Wielki rosyjski poeta A. Puszkin wysoko ocenił piosenki o Razinie i Pugaczowie. W swojej opowieści „Córka kapitana” Puszkin cytuje piosenkę „Nie rób hałasu, matko zielony dąb” i mówi o niej jako o ulubionej piosence Pugaczowa. Nasi rosyjscy kompozytorzy klasyczni starannie zbierali i studiowali ich rodzimą pieśń. Niektórzy z nich - Balakirev, Rimsky-Korsakov, Lyadov - zebrali kolekcje rosyjskich pieśni na głos i fortepian. W swoich pracach często wykorzystywali melodie rosyjskie. A komponując własne melodie, wprowadzali do nich intonacje, melodie i zwroty melodyczne charakterystyczne dla pieśni rosyjskich. Muzyka Glinki i Czajkowskiego, Borodina i Musorgskiego jest zrozumiała i dostępna dla szerokiej publiczności właśnie dlatego, że jest bogata w piękne melodie i piosenki. W XVIII wieku gospodarstwo domowe Miejski piosenka, z akompaniamentem akordowym harmonicznym, nowy w wyrazistym charakterze. Pieśń miejska, prostsza w swej naturze, powstała na bazie melodycznej starej pieśni ludowej, którą często określa się mianem „chłopskiej”. I prawie w każdej pieśni miejskiej w jakimś stopniu wykorzystywane są melodie, modalne i rytmiczne cechy starej pieśni. Twórczość rosyjskich poetów miała zauważalny wpływ na rozwój pieśni miejskiej. Przykładem tego jest piosenka „Dlaczego cię zdenerwowałem?” śpiewacy ludowi do nieco zmodyfikowanych słów słynnego rosyjskiego poety XVIII wieku A. Sumarokova. W XVIII wieku notacja muzyczna dokumentacja Rosyjskie pieśni ludowe. Pierwszy zbiór pieśni ludowych wydał piosenkarz i autor tekstów V. Trutovsky; po nim nastąpił obszerny zbiór sporządzony przez słynnego rosyjskiego poetę N. Lwowa we współpracy z I. Pracchem. Kolekcje te obejmują nie tylko najpopularniejsze i lubiane przez ludzi stare piosenki, ale także nowsze piosenki miejskie. Kolekcje wprowadzały melomanów do wspaniałych rosyjskich melodii. Wiele pieśni zostało później wykorzystanych przez kompozytorów w operach i utworach instrumentalnych. W ciągu XVIII wieku znajome melodie pieśni ludowych są coraz częściej słyszane w różnych utwory instrumentalne, w muzyce do spektakli teatralnych i oper. Oczywiście zainteresowanie melodiami ludowymi nie pojawiło się od razu. Początkowo z prac zadowalali się mieszkańcy obu rosyjskich stolic kompozytorzy zagraniczni... Na dworze w Petersburgu często wystawiano wspaniałe przedstawienia operowe dla wąskiego kręgu słuchaczy. Dużo ważniejsza była jednak działalność małych trup operowych, które od lat 30. często odwiedzały Petersburg i Moskwę. Rozsądne ceny przyczyniły się do ogólnej dostępności spektakli. Były to włoskie i francuskie zabawne opery komiczne oparte na codziennych wątkach, w których śpiew często przeplatał się z mówionymi dialogami. Z biegiem czasu, wzorem oper mówionych, pierwszy Rosjanie opera... Na początku byli bezpretensjonalni codzienne komedie z wstawkami muzycznymi opartymi na melodiach piosenek rosyjskich. Niektórzy z nich wyśmiewali sposób życia i obyczaje różnych klas - kupców, urzędników ("Petersburg Gostiny Dvor" przez muzyka pańszczyźnianego M. Matinskiego). I w tym niewątpliwie przejawił się związek między pierwszymi rosyjskimi operami a zaawansowaną literaturą rosyjską (w szczególności z twórczością Fonvizina). W tamtych latach dużą popularnością cieszył się w Petersburgu ogólnodostępny „Teatr Rosyjski”. Na scenach Petersburga i Moskwy występowali utalentowani rosyjscy artyści, tacy jak E. Sandunova. Ozdobą kina domowego Szeremietiewa była wspaniała aktorka pańszczyźniana Parasha Zhemchugova (wśród ludzi powstała piosenka „Wieczór późny z lasu” o jej niezwykłym losie). Jednak los utalentowanych rosyjskich aktorów i muzyków w warunkach feudalnej Rosji często okazywał się tragiczny, wielu muzyków zmarło przedwcześnie. Mimo trudnej, pozbawionej praw wyborczych pozycji muzyków, w ostatniej ćwierci XVIII w. Rosja wykształciła już własną szkołę kompozytorską. Młodzi kompozytorzy tworzą ekspresyjne romanse i aranżacje pieśni rosyjskich, utworów fortepianowych i skrzypcowych, uwertur symfonicznych, muzyki do spektakli i wreszcie oper. Wśród nich byli Dubianski, Bieriezowski, Bortniański, Fomin, Chandoszkin i inni.

Opublikowano na stronie

Podobne dokumenty

    Ujawnienie perspektyw poszerzenia zakresu procesu dydaktycznego i wykonawczego w celu rozbudzenia zainteresowań uczniów muzyką fortepianową kompozytorów rosyjskich. Analiza twórczości fortepianowej Glinki, jemu współczesnych: Alyabyev, Gurilyov, Varlamov.

    praca dyplomowa, dodana 13.07.2015 r.

    Druga połowa XIX wieku to czas wielkiego rozkwitu muzyki rosyjskiej. „Potężna garść” – społeczność kreatywna kompozytorzy rosyjscy, który ukształtował się pod koniec lat 50. i na początku lat 60. XIX wieku. Michaił Iwanowicz Glinka jako twórca rosyjskiej muzyki klasycznej.

    prezentacja dodana 20.12.2014

    Cechy i kierunki kształtowania się kultury muzycznej w Rosji w badanym okresie historycznym, pojawienie się i wykorzystanie organów, klawikordu, fletu, wiolonczeli. Droga rozwoju rosyjskiej muzyki polifonicznej w epoce baroku. Śpiew koncertowy.

    prezentacja dodana 10.06.2014

    Cechy muzyki polskiej początku XIX wieku. Chopin, Glinka, Liszt byli założycielami ruchu na rzecz tworzenia szkół narodowych. Chopin jako najjaśniejszy przedstawiciel polskiej kultury muzycznej. Obraz Polski i obrazy jej majestatycznej przeszłości, pieśni ludowe.

    praca semestralna dodana 06.12.2012

    Cechy muzyki rosyjskiej XVIII wieku. Barok to epoka, w której kształtowały się pomysły na to, jaka muzyka powinna się kształtować, te formy muzyczne nie straciły dziś na aktualności. Świetni przedstawiciele i utwory muzyczne epoki baroku.

    streszczenie, dodane 14.01.2010

    Życie i twórczość V.F. Odoevsky. Rola V.F. Odoevsky w rosyjskiej kulturze muzycznej. Analiza muzyki kościelnej. Profesjonalna analiza specyfiki środków wyrazowych w muzyce, cechy polifonii Bacha. Oznaki psychologizmu w muzyce.

    streszczenie dodane 12.02.2013 r.

    Historia czeskiej kultury muzycznej skrzypiec od jej początków do XIX wieku. Elementy muzyki ludowej w twórczości wybitnych kompozytorów czeskich. Biografia i twórczość czeskiego kompozytora A. Dvořáka, jego utwory z gatunku kwartetu smyczkowego.

    streszczenie dodane 19.05.2013

    Studiowanie historii powstania bluesa jako forma muzyczna i gatunek w późny XIX stulecie. Specyficzne cechy i rodzaje jazzu. Gatunki klasycznego chanson. Charakterystyczne cechy piosenki autorskiej lub muzyki bardyjskiej. Główne elementy reggae i nowoczesnej rzepy.

    prezentacja dodana 23.11.2015

    Miejsce muzyki rockowej w popularnej kulturze muzycznej XX wieku, jej emocjonalny i ideowy wpływ na młodzież. Obecna sytuacja Rosyjski rock na przykładzie twórczości W. Tsoia: osobowość i twórczość, tajemnica zjawiska kulturowego.

    praca semestralna dodana 26.12.2010

    Cecha charakterystyczna zespołów uzbeckich. Rosnące zainteresowanie rosyjskich badaczy badaniem uzbeckiej kultury muzycznej w latach 20. XX wieku. Przedstawiciele szkoły wykonawczej Buchary. Historia powstania uzbeckich instrumentów ludowych.

Federalna Agencja ds. Edukacji

Państwowa Akademia Ekonomiczna i Usługowa w Ufa

Katedra Turystyki i Hotelarstwa


KURS PRACA

według dyscypliny " Kultura światowa i sztuka "

na temat: Rosyjska kultura muzyczna XIX wieku i jej światowe znaczenie


ukończone: student gr. SD-21

Michajłowa I.V.

sprawdził: dr hab., prof. nadzw.

Kotowa T.P.



Wstęp

Tło historyczne

Rozwój rosyjskiej kultury pieśni w XIX wieku

Rosyjska szkoła kompozytorska

Michaił Iwanowicz Glinka

Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski

· „Potężna garść”

· Pomysłowy Piotr Iljicz Czajkowski

Wniosek

Bibliografia

Aplikacje


Wstęp


Bez muzykażycie byłoby błędem. (Fryderyk Nietzsche)

Muzyka- to umysł, ucieleśniony w pięknych dźwiękach. (Iwan Siergiejewicz Turgieniew)

Muzyka- pośrednik między życiem umysłu a życiem zmysłów. (Ludwig van Beethoven)

Rosyjskie słowo „muzyka” ma pochodzenie greckie. Ze wszystkich sztuk muzyka ma najbardziej bezpośredni wpływ na ludzką percepcję, „zaraża emocjami”. Język duszy, więc przyjęło się mówić o muzyce właśnie dlatego, że ma ona silny wpływ na poziom podświadomy na sferę ludzkich uczuć, ale jednocześnie nie da się wykluczyć wpływu na sferę umysł. Daj wyczerpująco precyzyjna definicja zjawisko (lub substancja) zwane „muzyką” jest niemożliwe.

Bogactwo muzyki rosyjskiej jest niezmierzone. Przez ponad dziesięć wieków jej tradycje kształtowały się i rozwijały w bliskim kontakcie z kulturą muzyczną innych krajów oraz w nieustannej interakcji z innymi rodzajami twórczości artystycznej.

Muzyka rosyjska jest najważniejszą częścią kultury rosyjskiej. Podobnie jak rosyjska literatura, poezja, malarstwo, teatr, żywo odzwierciedla wszystkie etapy życia społecznego, kształtowanie się rosyjskiej myśli filozoficznej i estetycznej. Historia narodu, jego walka o wyzwolenie, charakter narodu rosyjskiego, oryginalność rosyjskiej natury i życia znalazły swoje ucieleśnienie w różnych gatunkach i formach.

W jego Praca semestralna Postanowiłem pokazać rozwój muzyczny Rosji w XIX wieku, który miał miejsce na tle najważniejszych wydarzeń historycznych – Wojny Ojczyźnianej, powstania dekabrystów, zniesienia pańszczyzny itp.

Zadaniem utworu jest analiza stanu kultury muzycznej Rosji w XIX wieku, ujawnienie jej cech, opowiedzenie o kompozytorach tego stulecia i ich twórczości, a także ujawnienie znaczenia muzyki rosyjskiej w XIX wiek dla kultury światowej.

W swojej pracy dydaktycznej będą zaangażowane takie metody badawcze, jak badanie i analiza literatury i dokumentów, uogólnianie, analiza wytworów działalności, opis.

Podczas studiowania tego tematu będę korzystał z literatury: Encyklopedia „Krugosvet”, rosyjska literatura muzyczna E. E. Smirnova, Nikitina L. D. Historia muzyki rosyjskiej itp.

Tło historyczne

muzyka piosenka kultura kompozytor

XIX wiek w Rosji wiąże się z poważnymi zmianami politycznymi i społecznymi, a ważną rolę odegrała w tym wojna 1812 r. i zniesienie pańszczyzny. W literaturze, poezji, muzyce, malarstwie temat nierówności społecznych został mocno zaostrzony.

Już w pierwszej połowie XIX wieku kultura rosyjska osiągnęła genialny, olśniewająco jasny rozkwit. Uwolniony od elementów naśladownictwa, odnajduje oryginalne i wyraziste formy wyrazu dla najróżniejszych, najszerszych w zakresie treści i tworzy wielkie, trwałe wartości o uniwersalnym, ludzkim znaczeniu. Twórczość tak błyskotliwych przedstawicieli jak Puszkin, Lermontow, Gogol w literaturze, Glinka w muzyce jest jednym z najwyższych szczytów nie tylko rosyjskiej, ale także światowej sztuki.

Silny impuls do powstania inicjatywy społecznej dała Wojna Ojczyźniana 1812 r. Patriotyzm narodu rosyjskiego przejawia się w rosnącej trosce o dobro wspólne, w szerokiej świadomości wspólnych interesów narodu, w dążeniu do podniesienia poziom kultury narodowej i dobrobytu.

Powstanie dekabrystów miało znaczący wpływ na rozwój kultury rosyjskiej w XIX wieku. Wszystkie emocje, myśli, przeżycia znalazły odzwierciedlenie w wielu utworach muzycznych tamtych czasów. Era dekabrystów zapoczątkowała rozwój pieśni rewolucyjnej w Rosji. Wielkie zasługi w tym zakresie należą do przywódców ruchu dekabrystów - Ryleeva i Bestużewa. Tradycje pieśni rewolucyjnej, ustanowione przez poetów dekabrystów, zostały podchwycone i rozwinięte przez ich współczesnych. Tematy umiłowania wolności i protestu, walki z uciskiem społecznym głęboko przeniknęły do ​​pieśni codzienności.

Gdy idee wyzwoleńcze rosły i rozprzestrzeniały się, sprzeciw rządu wobec nich wzrastał. Już w drugiej połowie panowania Aleksandra I ustalił się ten reakcyjny kurs, którego wyrazem była klęska uniwersytetów i umocnienie cenzury. Po stłumieniu powstania dekabrystów i wstąpieniu na tron ​​Mikołaja I. Istnienie dziennikarstwa demokratycznego, a tym bardziej organizacji politycznych prowadzących praktyczną działalność rewolucyjną, było w Rosji niemożliwe.

W tych warunkach literatura nabiera szczególnego znaczenia, twórczość Puszkina, Gogola, Lermontowa staje się głównym rzecznikiem myśli wyzwoleńczej.

Wszystko to stwarza warunki do powstania klasycznych szkół rosyjskiej literatury narodowej i sztuki.

Glinka odegrała rolę w rozwoju muzyki rosyjskiej, pod wieloma względami analogiczną do tej, jaką należy do Puszkina w rozwoju literatury rosyjskiej. Podobnie jak Puszkin, Glinka w najszerszy sposób postrzegała i realizowała różne elementy współczesnej kultury artystycznej. Asymilując wszystko, co wartościowe i wartościowe ze spuścizny swoich poprzedników, Glinka pokonuje ich ograniczenia i osiąga ogromne bogactwo, kompletność treści i doskonałość artystycznego wcielenia. Pod względem wewnętrznej równowagi, idealnej harmonijnej integralności i kompletności twórczość Glinki okazała się dla kolejnych pokoleń tym samym niezaprzeczalnym wzorem i klasyczną normą, co poezja Puszkina. Glinka swoją pracą położyła podwaliny pod wpływy na świecie. Dargomyzhsky podąża w swojej pracy ścieżką Glinki. Wprowadza do muzyki rosyjskiej elementy o większej ostrości społecznej, cechach życia codziennego i psychologicznego, satyrze i humorze, przygotowując wiele z tego, co otrzyma wyraźną formę w twórczości młodej szkoły narodowej lat 60-tych. Glinka swoją pracą położyła podwaliny pod wpływy na świecie.

Od tego czasu w prasie zagranicznej coraz częściej zaczęły pojawiać się przekazy o muzyce rosyjskiej. Na kilka miesięcy przed ukazaniem się artykułów Berlioza o Glinki słynny francuski muzykolog Fetis pisał o młodym jeszcze Dargomyżskim jako oryginalnym i obiecującym muzycznym talencie Rosji.

Okres historyczny 60-80 XIX wiek nazywany jest zwykle postreformą – w 1861 r. dekret carski został uchylony poddaństwo, co doprowadziło do liberalizacji rosyjskiego życia publicznego. Ten etap charakteryzował się wysokim rozkwitem kultury artystycznej jako zjawiska integralnego i charakterystycznego. Wtedy to w sztuce ukształtował się pewien system wartości duchowych i estetycznych, których ucieleśnieniem była literatura i teatr, malarstwo i muzyka.

Rozwój rosyjskiej kultury pieśni w XIX wieku


„Było stulecie pieśni” – tak poeta G.R. Derżawin. Wygląd ówczesnej kultury pieśniarskiej był niezwykle różnorodny, a nawet wielojęzyczny. W życiu codziennym fantazyjnie przeplatają się pieśni rosyjskie i francuskie, cygańskie i niemieckie, chłopskie i miejskie, amatorskie i zawodowe. Piosenka zabrzmiała ze stron dzieła literackie i został opublikowany w zbiorach specjalnych „dla przyjemności wielu amatorów”, wykonywany w domach arystokratów.

W XIX wieku. nadal przywiązywali wielką wagę do studiowania folkloru. Kompozytorzy rosyjscy uważali muzykę ludową za źródło inspiracji. Zbierali pieśni ludowe i często wykorzystywali je w swoich utworach, nie tracąc przy tym oryginalności własnego języka muzycznego.

Pojawiają się nowe gatunki, stare formy (pieśni codzienne, pieśni o tematyce wędrownej, pieśni satyryczne) ewoluują pod wpływem nowej treści życiowej, zmienia się charakter obrazów i środków wyrażających intonację. Codzienna pieśń ludowa jest odpowiedzią na ważne wydarzenia polityczne i społeczne o znaczeniu ogólnopolskim.

Wojna Ojczyźniana z 1812 r. jest w niej szeroko odzwierciedlona. Cały cykl pieśni około dwunastego roku związany z oralnym tradycja folklorystyczna... Są bardzo zróżnicowane pod względem treści i form muzycznych i poetyckich. Czasami używają technik starych tradycyjnych typów. pieśni ludowe.

Wojna Ojczyźniana spowodowała również pojawienie się wyrazistej liryki

pieśni, które uchwyciły głęboki żal narodowy, żal i żal spowodowany poważnymi nieszczęściami ojczyzny, dewastacją ojczyzna, utrata bliskich.

Rosyjska pieśń ludowa zaczęła cieszyć się niezwykle szeroką popularnością, rozprzestrzeniając się w wielu różnych aranżacjach – na chór, głos z akompaniamentem i poszczególne instrumenty. W latach 1806-1815 zbiory Pracha ukazywały się w drugim i trzecim wydaniu. Na jej podstawie powstały kolekcje pieśni typu publicznego.

Danila Kashin, utalentowany rosyjski muzyk wywodzący się z chłopów pańszczyźnianych, był powszechnie znany ze swoich adaptacji pieśni ludowych. W latach 1833-1834. jego zbiór „Rosyjskie pieśni ludowe” ukazał się w trzech częściach. Na swoje czasy jest tak samo charakterystyczna jak Kolekcja Pracha z przełomu XVIII i XIX wieku. Na początku lat 40. pojawiła się druga edycja kolekcji Kashin, co świadczyło o jej popularności i dużym na nią zapotrzebowaniu. W metodach przetwarzania Kashina wyraźnie widać dążenie do podkreślenia wrażliwości, czasem o nieco histerycznym charakterze.

Przechadzał się też inny znany kolekcjoner pieśni, chłop z pochodzenia Iwan Rupin, który był także utalentowanym piosenkarzem-performerem (jego nazwisko wymawiali współcześni z włoską końcówką - Rupini) i kompilatorem popularnej kolekcji pieśni. tą samą drogą, co Kaszyńskie przenikanie się pieśni ludowej i intonacji miejskich romansów, opublikowane w 1831 r.

Wraz z różnymi codziennymi załamaniami rosyjskiej pieśni ludowej rozwija się liryczny romans sentymentalny, niezwykle popularny także w najróżniejszych warstwach społeczeństwa. Podobnie jak „pieśń rosyjska” z XVIII w., rosyjski romans kojarzył się przede wszystkim ze sferą domowego muzykowania.W muzycznym języku romansu potocznego prostota środków łączy się ze szczerą spontanicznością i szczerością wypowiedzi. Kompozytorzy Alyabyev, Varlamov, Gurilev, Verstovsky odegrali ważną rolę w rozwoju rosyjskiego romansu XIX wieku (zob. Aneks 1).

Aleksander Aleksandrowicz Alyabyev(1787-1851) urodził się w starej szlacheckiej rodzinie. W młodości służył w wojsku, brał udział w Wojnie Ojczyźnianej 1812 roku. Następnie opuścił służbę wojskową i poświęcił się działalności twórczej. Alyabyev jest autorem słynnych romansów: „Kochałem cię”, „Zimowa droga” (oba w wierszach Aleksandra Siergiejewicza Puszkina), „Słowik” i innych. " Słowik„- jedna z ulubionych i najbardziej rozpowszechnionych piosenek Alyabyeva. Wszystko w niej jest skromne i proste. Piosenka poprzedzona jest żywym intro w stylu gitary. Już od pierwszych intonacji partii wokalnej rozwija się urzekająco miękka, zamyślona melodia. Szeroka i gładko zaokrąglona, ​​od razu ujmuje i podbija swoim surowym pięknem.

Kompozytor Aleksander Jegorowicz Varlamov(1801-1848) - autor popularnych romansów. W sumie stworzył około dwustu dzieł tego gatunku, głównie na podstawie wierszy rosyjskich poetów („Red Sarafan”, „Blizzard Sweeps Along the Street”, „Don't Wake Up at Dawn”, „Lonely Sail Whitens” itp.). Varlamov znany był również jako wokalista, gitarzysta, dyrygent i pedagog. Napisał jeden z pierwszych rosyjskich podręczników dla wokalistów - Kompletna Szkoła Śpiewu (1840).

Aleksander Lwowicz Gurilow(1803-1858) był synem pańszczyźnianego muzyka (w 1831 r. wraz z ojcem otrzymał wolność). Kompozytor, pianista, skrzypek, altowiolista i pedagog, Gurilow zasłynął jako autor pieśni i romansów. Najsłynniejsze z jego piosenek to „Mother Dear”, „Bell”, „Sarafanchik”, „Swallow Is Curling” i romanse „Separation”, „Nie zrozumiesz mojego smutku”. Oprócz tekstów wokalnych kompozytor pracował w gatunkach muzyki fortepianowej, zbierał i przetwarzał pieśni ludowe.

Twórczość Alyabyeva, Varlamova i Gurileva jest cennym wkładem do skarbca muzyki rosyjskiej. Ich najlepsze piosenki i romanse znajdują się w repertuarze koncertowym śpiewaków i chórów, są śpiewane z miłością wśród ludzi naszych czasów.

rosyjski kompozytor szkoła XIX stulecie


Michaił Iwanowicz Glinka


Bez wątpienia najjaśniejszym przedstawicielem szkoły kompozytorskiej pierwszej połowy XIX wieku jest Michaił Iwanowicz Glinka(1804-1857). Twórczość Michaiła Iwanowicza Glinki stoi u początków rosyjskiej szkoły kompozytorskiej, a jego twórczość, metody pracy, stosunek do gatunków i tradycji muzycznych były w XIX wieku postrzegane jako wzorcowe. Po otrzymaniu poważnego edukacja muzyczna w Europie Glinka jako pierwsza dogłębnie zrozumiała cechy rosyjskiego muzyka narodowa i w dużej mierze dzięki temu mistrzowi gatunki europejskie otrzymały w Rosji oryginalną interpretację. Wrażenia z dzieciństwa Glinki znalazły odzwierciedlenie w jego twórczości. Pierwsze lata życia spędził w majątku ojca wśród wiejskiej przyrody regionu smoleńskiego. Tam uczył się i zakochał w pieśniach ludowych, słuchał ich. Opowieści poddanej niani Awdotyi Iwanowny, która czule i oddanie go kochała, głęboko zatopiły się we wrażliwej dziecięcej duszy małej Glinki.

Glinka była pod wielkim wrażeniem wydarzeń z 1812 roku. Uciekając przed najazdem wojsk napoleońskich, rodzina Glinki opuściła majątek. Chłopiec słyszał wiele opowieści o bohaterstwie partyzantów i na zawsze był przepojony miłością i szacunkiem do narodu rosyjskiego, jego potężnej siły i duchowego piękna.

W domu krewni Glinki często grali muzykę. Mój wujek, który mieszkał niedaleko, miał dobrą orkiestrę pańszczyźnianych muzyków. Muzyka zrobiła na chłopaku niesamowite wrażenie, po koncertach chodził z roztargnieniem. „Muzyka jest moją duszą” – powiedział kiedyś. Wystąpił zespół pańszczyźniany wujka różne prace, były wśród nich także pieśni ludowe. Wspominając wrażenia z dzieciństwa, Glinka pisał: „...Być może te piosenki, które słyszałem jako dziecko, były pierwszym powodem, dla którego później zacząłem rozwijać głównie rosyjską muzykę ludową”.

Umiejętności kompozytorskie Glinki najdobitniej zamanifestowały się w dwóch operach - Życie dla króla„(„ Iwan Susanin ”) i” Rusłan i Ludmiła”. Stworzył próbki narodowej rosyjskiej opery - opery heroiczno-epickiej i opery bajkowej. Dalszy rozwój tych gatunków wiąże się z zasadami określonymi przez Glinkę.

Opera „Życie za cara” (w ZSRR w latach 30-80 przyjęto imię „Iwan Susanin”; 1836) została napisana w wątku historyczno-patriotycznym. Kompozytor zwrócił się ku wydarzeniom początku XVII wieku. - walka narodu rosyjskiego z polskimi zdobywcami. Fabuła dzieła - wyczyn Iwana Susanina - zasugerował Glinki poeta Wasilij Andriejewicz Żukowski.

„Życie dla cara” – pierwsza rosyjska opera bez dialogów mówionych; opiera się na ciągłym rozwoju muzycznym. Muzyczną tkankę kompozycji przenikają sceny chóralne. W szczególności otwierają (chór „Moja ojczyzna”) i uzupełniają utwór (ostatni, radosny, zwycięski chór „Chwała”).

W centrum opery znajduje się wizerunek rosyjskiego chłopa Iwana Susanina. Kompozytor podkreśla siłę moralną bohatera. Dla jego cechy muzyczne używana intonacja melodii ludowych. Antonida, córka Susanin, jest lekkim i poetyckim (według własnej definicji Glinki „delikatnym wdziękiem”) wizerunkiem rosyjskiej dziewczyny. Sobinin, narzeczony Antonidy, jest milicją, odważnym, nieustraszonym człowiekiem, Wania - Przybrany syn Susanina, - „prostolitu”, według Glinki, trzynastoletniego chłopca. Wizerunki młodych członków rodziny Susanin - Wania, Antonida, Sobinin nawiązują do tradycji i intonacji codziennej pieśni romansu.

Wrogi obóz Polaków sprzeciwia się rosyjskim wizerunkom. Szczegółowy obraz choreograficzny przedstawia „akt polski” opery – wspaniały bal w starym zamku. Ta symfoniczna kompozycja oddaje blask, wdzięk i dumę szlachty - szlachty polskiej. Słychać melodie i rytmy poloneza, mazurka, krakowiaka. Piękno muzyki jest hipnotyzujące, ale ogólnie prostota i szczerość „rosyjskich” scen kontrastuje z ostentacyjnym przepychem „polskiego aktu”.

W końcu oba obozy zderzają się bezpośrednio - polski oddział przybywa do wsi Domnino do Susanin i żąda, aby poprowadził ich do miejsca, w którym przebywa car Michaił Romanow. Kulminacją opery jest scena Susanin z Polakami w leśnej gąszczu, gdzie doprowadził ich do zagłady. Rozwiązanie jest tragiczne – główny bohater oddaje życie za Rosję. Nocą w lesie Susanin wykonuje umierający monolog, recytatyw „Czują prawdę”, który zamienia się w arię z modlitwą „Wznosisz się, świt mój”, w której bohater prosi Boga o siłę na spotkanie ostatniego godzina. Zawiera w sobie głęboki smutek i nadzieję. Muzyka - wolna w tempie, surowa i skupiona w nastroju - przypomina śpiewy kościelne.

Opera „Życie dla cara” została wystawiona z wielkim sukcesem 27 listopada 1836 roku na scenie Teatru Bolszoj w Petersburgu. Postępowi ludzie rosyjskiego społeczeństwa wysoko ją cenili.

Świadomość twórczego zwycięstwa zainspirowała kompozytora do nowych pomysłów, a kilka lat później opera” Rusłan i Ludmiła„(1842). Jest napisany na fabule wiersza o tym samym tytule autorstwa A.S. Puszkina. Niespieszny rozwój akcji muzycznej przypomina starożytne eposy i legendy. W operze znajdują się ludowe sceny rytualne, kolorowe obrazy przyrody oraz fantastyczne obrazy... Świat rosyjskich bohaterów (Rusłana, Ratmira), autora piosenek Boyana, księcia Włodzimierza przeciwstawia się baśniowemu światu czarodziejów – Czernomoru i Nainy. Bohaterowie ukazani są z epicką powagą i epickim majestatem. Czernomor i Naina (a także nieszczęsny rywal Rusłana - Farlaf) rysują się z niewątpliwym humorem; autor zdaje się mówić słuchaczowi: to tylko postacie bajkowe, bardziej komiczne niż złe. Główną cechą Czernomoru, władcy magicznego zamku, jest marsz na wpół żartobliwy. Orkiestra odgrywa ważną rolę w tworzeniu obrazów. Malując królestwo Czernomoru, kompozytor posługuje się intonacjami muzyki Wschodu. turecki i arabski taniec lezginka. Opera Rusłan i Ludmiła, jak każda bajka, kończy się zwycięstwem dobra nad złem i triumfem miłości.

Romanse i piosenki Glinka- duma rosyjskiej klasyki. Kompozytor pisał je przez całe życie. Liryczne romanse Glinki są rodzajem wyznania jego duszy. Niektóre z nich przedstawiają zdjęcia rosyjskiej przyrody i życia. W romansach Glinka uogólniał i rozwijał wszystko to, co najlepsze, co stworzyli jego poprzednicy i współcześni - autorzy romansu potocznego. Na wierszach Aleksandra Puszkina napisano wiele znanych romansów, na przykład „Jestem tutaj, Inesilla”, „Pamiętam cudowny moment”. Glinka odniósł się także do twórczości V. A. Żukowskiego, A. A. Delviga i innych poetów rosyjskich. Na słowach popularnego wówczas poety Nestora Wasiljewicza Kukolnika kompozytor stworzył cykl dwunastu romansów „Pożegnanie z Petersburgiem” (1838), a także słynny romans „Wątpliwość”, który kochał wybitny rosyjski śpiewak Fiodor Iwanowicz Szaliapin występować.

Glinka napisała dla orkiestry jedną prywatną uwerturę symfoniczną do fantazji. Jego najlepsze prace z tego gatunku to „Camaryn” (1848), „Aragonese Hota” (1845) i „Noc w Madrycie” (1851). „Kamarinskaya”, według powszechnej opinii kompozytorów rosyjskich, położyła podwaliny pod rosyjską muzykę symfoniczną. Uwertury „Hiszpańskie” „Aragonese Jota” i „Noc w Madrycie” są doskonałym przykładem opanowania przez Glinkę intonacji i stylu muzyki hiszpańskiej. Utwór na orkiestrę „Walc Fantasy” (1856) przygotował pojawienie się symfonicznych walców Czajkowskiego.

Dzięki pracy Michaiła Iwanowicza Glinki rosyjska szkoła muzyczna zyskała uznanie w Europie. Kolejne pokolenia kompozytorów i po prostu melomanów zawsze wysoko oceniały wkład mistrza w kulturę Rosji.

Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski (1813-1869)


Dargomyzhsky to młodszy współczesny i wyznawca Glinki. Do historii muzyki rosyjskiej wszedł jako „wielki nauczyciel prawdy muzycznej”, odważny innowator.

Poglądy Dargomyzhsky'ego ukształtowały się w latach 30-40. XIX wiek, czas szybkiego rozwoju kultury rosyjskiej. Był wrażliwy na wszystko, co zaawansowane i postępowe w sztuce rosyjskiej. W swojej twórczości był bliski demokratycznym pisarzom i artystom Rosji. Szczególnie bliskie są związki między muzyką wokalną Dargomyżskiego a Puszkinem, Gogolem, Lermontowem. To nie przypadek, że najlepsze dzieła Dargomyzhsky'ego są napisane na wierszach Puszkina i Lermontowa.

W dziełach Dargomyzhsky romanse i opery zajmują centralne miejsce... Kompozytor przez całe życie komponował kameralną muzykę wokalną: napisał ponad sto romansów, pieśni, zespołów wokalnych. Gatunki te były dla Dargomyzhsky'ego rodzajem kreatywnego laboratorium - w nich ukształtował się jego język muzyczny. Najsłynniejsze romanse - „Kochałem cię” (do wierszy Aleksandra Puszkina), „Zarówno nudne, jak i smutne”, „Jestem smutne” (do wersetów Michaiła Juriewicza Lermontowa) Są nasycone subtelnym liryzmem, nastrojem samotność.

W pracach A.S.Dargomyzhsky'ego pojawił się nowy gatunek tekstów wokalnych - piosenka satyryczna... Żywymi przykładami takich dzieł są piosenki „Worm” i „Titular Counselor” (obie lata 50.). Posługując się recytatywem zbliżonym do mowy naturalnej, kompozytor malował ekspresyjne portrety społeczne.

Wśród najlepszych dzieł Dargomyzhsky'ego jest opera „Syrenka”(1855). Na podstawie tekstu niedokończonej sztuki A. Puszkina o tym samym tytule sam kompozytor napisał libretto. „Syrenka” to pierwsza rosyjska opera o charakterze psychologicznego dramatu muzycznego na co dzień. Głównym zadaniem postawionym przez kompozytora jest odzwierciedlenie świata duchowego bohaterów, ich przeżyć i charakterów.

W latach 60. Dargomyzhsky zyskał szerokie uznanie publiczne. Premiery jego oper odniosły wielki sukces, kompozytor został wybrany na członka komitetu petersburskiego oddziału Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego.


„Potężna gromada”


Druga połowa XIX wieku - okres poreformacyjny, zniesienie pańszczyzny, liberalizacja życia publicznego, rozkwit nastrojów rewolucyjnych w społeczeństwie rosyjskim. Ten etap charakteryzował się wysokim rozkwitem kultury artystycznej jako zjawiska integralnego i charakterystycznego. Wtedy to w sztuce ukształtował się pewien system wartości duchowych i estetycznych, których ucieleśnieniem była literatura i teatr, malarstwo i muzyka.

Sztuka muzyczna nie pozostała z dala od palących problemów naszych czasów. Postawy populistyczne są charakterystyczne dla światopoglądu wielu kompozytorów, którzy wierzyli w mesjańską rolę narodu rosyjskiego, w triumf ich historycznego czynu duchowego. Muzyka odzwierciedlała całe spektrum czasów moralne poszukiwanie rosyjskiej inteligencji tamtych lat, ucieleśniała w obrazach muzycznych ideały inspirowane czasem. Niektórzy mistrzowie idealizowali rosyjską historię, czystość życia ludowego, inni wierzyli w samodoskonalenie jednostki w oparciu o prawa etyki ludowej, podczas gdy inni starali się wcielić w swoją pracę prototyp. Kultura ludowa zrodzony z wiecznie żywego źródła - pierwotnej natury.

Oryginalność gatunkowa muzyki rosyjskiej jest ściśle związana z „literackim centryzmem” charakterystycznym dla kultury artystycznej epoki poreformacyjnej. Wygenerowana estetyką realizmu wyrażała się w priorytetowej roli słowa, artystycznej i publicystycznej. Wiodącym gatunkiem muzyki w tym czasie była opera - historyczna, epicka, liryczna, dramatyczna. Inne syntetyczne gatunki muzyczne nadal się rozwijają - romans, piosenka. Muzyka wokalna uzupełnia „encyklopedię muzyczną” poezji rosyjskiej, wzbogacając ją o obrazy społeczno-oskarżające i liryczno-psychologiczne.

Druga połowa XIX wieku to czas powstania spółki, która lekką ręką krytyka V.V. Stasowa, imię „Potężna gromada”... Obejmowała ona mgr inż. Bałakiriew, Ts.A. Cui, MP Musorgski, N.A. Rimski-Korsakow, A.P. Borodin.

Potężna garść to wybitny fenomen sztuki rosyjskiej. Odcisnęła głęboki ślad w wielu sferach życia kulturalnego Rosji - i nie tylko w Rosji. W następnych pokoleniach muzyków - aż do naszych czasów - jest wielu bezpośrednich spadkobierców Musorgskiego, Borodina, Rimskiego-Korsakowa, Bałakiriewa. Łączące ich idee, ich postępowe poglądy były przez wiele lat wzorem dla czołowych artystów.

Szefem i przywódcą „Potężnej garści” był Milij Aleksiejewicz Bałakiriew(1836/37-1910). Jest jednym z założycieli (1862) i dyrektorem (1868-73 i 1881-1908) Wolnej Szkoły Muzycznej. W latach 1867-69 był dyrygentem Rosyjskiego Towarzystwa Muzycznego, a od 1883 do 1894 kierownikiem Chóru Dworskiego. Jego najsłynniejsze dzieła to Uwertura na tematy trzech pieśni rosyjskich (1858), poematy symfoniczne Tamara (1882), Rus (1887), W Czechach (1905), orientalna fantazja na fortepian Islamey (1869), romanse, aranżacje rosyjskich pieśni ludowych itp.

Wśród kompozytorów Potężnej garści Modest Pietrowicz Musorgski(1839-1881) był najwybitniejszym przedstawicielem muzyki rewolucyjne idee demokratyczne60x. dwuletnia XIX wiek. To Musorgski, bardziej niż kiedykolwiek wcześniej, potrafił w muzyce na wiele sposobów, z wielką oskarżycielską mocą ukazać szorstką prawdę o życiu narodu rosyjskiego, by odtworzyć, jak powiedział WW Stasow, „cały ocean narodu rosyjskiego”. , życie, postacie, związki, nieszczęście, ciężar nie do udźwignięcia, upokorzenie”... Cokolwiek Musorgski pisze: opery, pieśni, chóry, pojawia się wszędzie jako gniewny i namiętny demaskator społecznej niesprawiedliwości.

W 1863 roku kompozytor zaczął komponować operę Salammbô (na podstawie powieści o tym samym tytule francuski pisarz Gustave Flaubert), aw 1868 r. - do opery „Wesele” (do niezmienionego tekstu komedii N. V. Gogola). Oba utwory pozostały niedokończone, ale przygotowały Musorgskiego do stworzenia opery Borys Godunow (1869), która stała się znaczącym zjawiskiem w muzyce rosyjskiej.

Cała moc talentu Musorgskiego została ujawniona w: opera „Borys Godunow”na podstawie tragedii Puszkina. W tej tragedii Musorgskiego przyciągnęła możliwość pokazania w operze przebudzenia siły ludu, co przekłada się na otwarte niezadowolenie, aw końcu na spontaniczne powstanie. Główną ideą opery jest konflikt między zbrodniczym carem Borysem a ludem, prowadzący do powstania. Uwaga kompozytora skupiła się na ujawnieniu głównej idei: starcia króla z ludem. Bohaterami są ludzie w operze Musorgskiego. Mimo wielkiego znaczenia scen zbiorowych, w operze główną uwagę przywiązuje się do scharakteryzowania wewnętrznego świata bohaterów. Na pierwszym planie jest oczywiście obraz Borysa, który ukazuje się poprzez rozwinięte sceny monologu. Świetnie opanowując technikę recytatywną, Musorgski oddaje w muzyce stan umysłu bohatera - niejasny niepokój, żal i depresję, dręczące udręki sumienia, strach, a nawet halucynacje. Rola orkiestry w operze jest bardzo trudna. Elastycznie podąża za głosem, dodając partii wokalnej ważne niuanse psychologiczne. Ta opera jest zbliżona duchem do rewolucyjnych nastrojów demokratycznych, które były społeczeństwo rosyjskie w latach 60-70. XIX wiek.

W 1872 roku kompozytor rozpoczął pracę nad operą Khovanshchina, którą sam nazwał „ludowym dramatem muzycznym”. W tym samym czasie napisał dzieło o zupełnie innym planie - liryczno-komediową operę Sorochinskaya Yarmarka opartą na historii N. V. Gogola (niedokończona).

Według współczesnych Musorgski był znakomitym pianistą. W hołdzie swojemu ulubionemu instrumentowi stworzył duży suita fortepianowa dziesięciu sztuk Zdjęcia z wystawy(1874). Pomysł na apartament został zainspirowany pośmiertną wystawą prac jego przyjaciela, artysty i architekta Wiktora Aleksandrowicza Hartmana. Cykl rozpoczyna introdukcja, która staje się motywem przewodnim utworu. Autor nazwał go „Spacerem” nie jest przypadkowy: przekazuje ruch zwiedzającego przez sale wystawy. Po nim następują oddzielne „obrazy”: „Gnom”, „ stary zamek"," Ogród Tuileries "," Bydło "," Balet niewyklutych piskląt itp. Muzyka wstępu powtarza się cyklicznie, dzięki czemu cykl nabiera jedności i jest odbierany jako całość.

Musorgski jest autorem słynnych pieśni i romansów. Pierwsza opublikowana piosenka „Gdzie jesteś, mała gwiazdo…” (słowa poety i tłumacza Nikołaja Porfiriewicza Grekowa) dała początek lirycznemu tematowi w dziele wokalnym kompozytora, który osiągnął szczyt w romansie fantasy „Noc” ( słowa A. Puszkina). Śmieszne szkice rosyjskiego życia rodzinnego są przedstawione w romansach „Ale gdybym mógł się z tobą spotkać” (słowa poety Wasilija Stiepanowicza Kuroczkina) oraz „Svetik Savishna” i „Seminarist” (słowa kompozytora).

Musorgski to prawdziwie ludowy kompozytor, który całą swoją pracę poświęcił historii życia, smutków i nadziei narodu rosyjskiego. Jego praca była taka charakterystyczny i innowacyjny, który wciąż ma głęboki wpływ na kompozytorów z różnych krajów.

Aleksander Porfiriewicz Borodin (1833-1887) -wyjątkowo oryginalny kompozytor. W muzyce pod wieloma względami kontynuował tradycje Glinki. W swojej muzyce Borodin ucieleśniał wielkość i potęgę narodu rosyjskiego, bohaterskie cechy charakteru narodu rosyjskiego, dostojne obrazy narodowej epopei. A wraz z tym w twórczości Borodina pojawiają się liryczne, uduchowione obrazy, pełne pasji i czułości.

Borodin jest jednym z założycieli rosyjskiego symfonia klasyczna(2., " Bogatyrskaja”, 1876, który otworzył heroiczno-epicki kierunek w rosyjskiej symfonii; obraz symfoniczny „W Azji Środkowej”, 1980), rosyjski klasyczny kwartet smyczkowy. Mistrz liryki wokalnej („Na brzegi dalekiej ojczyzny”); wprowadził do romansu obrazy heroicznej epopei, ucieleśniał idee wyzwolenia lat 60. 19 wiek („Śpiąca Księżniczka”, „Pieśń Mrocznego Lasu”).

Niezwykłe dzieło starożytnej literatury rosyjskiej XII wieku - "Kampania świeckich Igora" - porwało Borodina, porwało go i zainspirowało do stworzenia opery. „Lay” opowiada o nieudanej kampanii dzielnego księcia Igora przeciwko Połowcom. Autor wezwał książąt do zjednoczenia, a ta patriotyczna orientacja dzieła była jego progresywną rolą. Borodin stworzył na ten temat swoją wspaniałą operę. „Książę Igor”(ukończony przez Rimskiego-Korsakowa w 1890 r.).

„Książę Igor” to opera liryczno-epicka w 4 aktach z prologiem. Muzyka opery oparta jest w dużej mierze na intonacjach pieśni ludowych – rosyjskich i orientalnych. Sceny ludowe, zarówno rosyjskie, jak i orientalne, malowane są w jasnych kolorach. Borodin był w tym wyznawcą Glinki, który również znalazł przekonującą artystycznie charakterystykę, przedstawiającą obóz wrogów.

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow (1844-1908).Wśród kompozytorów Potężnej garści Rimski-Korsakow zajmuje szczególne miejsce. Swoją kreatywnością rozkwitł soczystymi kolorami w rosyjskiej muzyce fabuła... Całe jego życie to bezinteresowna i bezinteresowna służba sztuce, wierność swoim ideałom.

Zakres tematów i wątków, które uosabia Rimsky-Korsakov, jest szeroki i zróżnicowany. Jak wszyscy „kuczkości” kompozytor zwrócił się do historii Rosji, obrazów z życia ludowego, obrazów Wschodu, dotknął także dziedziny dramatu codzienności oraz sfery lirycznej i psychologicznej. Ale talent Rimskiego-Korsakowa najpełniej ujawnił się w pracach związanych ze światem science fiction i różnymi formami rosyjskiej sztuki ludowej. Baśń, legenda, epos, mit, obrzęd określają nie tylko temat, ale także ideowe znaczenie większości jego dzieł. Ujawniając filozoficzny podtekst gatunków folklorystycznych, Rimski-Korsakow ujawnia światopogląd ludu: jego odwieczne marzenie o lepszym życiu, o szczęściu, ucieleśnione w obrazach jasnych, baśniowych krajów i miast (królestwo Berendee w „Śnieżnej Pannie”, miasto Ledenets w „Opowieści o carze Saltanie”); jego ideały moralne i estetyczne, które z jednej strony ucieleśniają urzekająco czyste i łagodne bohaterki oper (Księżniczka w Kashchee the Immortal), z drugiej – legendarni śpiewacy(Lel, Sadko), te symbole niegasnącej sztuki ludowej; jego podziw dla życiodajnej mocy i wiecznego piękna natury; wreszcie nieusuwalna wiara ludu w triumf sił światła, sprawiedliwości i dobroci jest źródłem optymizmu nieodłącznego w twórczości Rimskiego-Korsakowa.

Osobliwości stylu i metody artystycznej kompozytora najpełniej ujawniono w: twórczość operowa... 15 oper Rimskiego-Korsakowa reprezentuje niezwykłą różnorodność rozwiązań gatunkowych, dramatycznych, kompozycyjnych i stylistycznych. Wśród nich są kompozycje o numerowanej strukturze ("May Night", "Snow Maiden", " narzeczona cara") I do ciągłego rozwoju (" Mozart i Salieri "," Kashchei nieśmiertelny "," Legenda niewidzialne miasto Kiteż ”,„ Złoty Kogucik ”); opery z dużymi scenami tłumu („Kobieta z Pskowa”, „Majowa noc”, „Snow Maiden”, „Mlada”, „Sadko”, „Kiteż” i bez nich („Mozart i Salieri”, „Vera Sheloga”) "Kashchey Immortal") , z rozłożonymi kompletnymi zespołami ("Oblubienica cara") i bez zespołów ("Mozart i Salieri", "Złoty Kogucik") .W każdym przypadku (dobór gatunku, zasady dramaturgii i rozwiązań stylistycznych) wynikają z warunków działki. Nigdy nie wierzyłem i nie wierzę - podkreślał Rimski-Korsakow - w jedną prawdziwą formę operową, biorąc pod uwagę, że tyle wątków na świecie, ile powinno być, tyle (prawie tyle) powinno odpowiadać niezależnym formom operowym .... Afirmując pogląd na operę jako dzieło przede wszystkim muzyczne, Rimski-Korsakow stawiał jednocześnie wysokie wymagania dotyczące jej poetyckiej podstawy, jedności i konsekwencji. styl literacki... Aktywnie kierował pracą librecistów. Wiersz libretta operowe kompozytor sam napisał.

Dzieło symfoniczne Rimskiego-Korsakowa nie jest tak obszerne i zróżnicowane w porównaniu z operą. Jednak w tej dziedzinie wniósł uderzający i oryginalny wkład. Figuratywna konkretność muzycznego myślenia kompozytora determinowała jego skłonność do symfonii programowej (głównie obrazowej, obrazkowej) i gatunkowej (związanej z tematami pieśni ludowej i tańca). Stąd charakterystyczny dobór gatunków i form – uwertura (fantazja), obraz symfoniczny, suita i pewien kierunek stylu – tendencja do wariacji, ornamentyka w rozwoju materiału, szczególna dbałość o kolorystyczne możliwości harmonii i orkiestracji.

Rimski-Korsakow pozostawił po sobie ogromną spuściznę artystyczną w prawie wszystkich gatunkach muzycznych. Jego prace są różnorodne w treści, ale ich główną cechą jest głębokie wnikanie w życie i codzienność ludzi, ich myśli i aspiracje.


Pomysłowy Piotr Czajkowski (1840-1893)


Wśród rosyjskich kompozytorów klasycznych wyróżnia się Czajkowski. Jest droga miłośnikom muzyki na całym świecie. Jego utwory w równym stopniu urzekają i ekscytują wszystkich – profesjonalnych muzyków i szeroką publiczność. Czajkowski poświęcił swoją pracę człowiekowi, swoją miłość do Ojczyzny i rosyjskiej natury, swoje dążenia do szczęścia, odważną walkę z ciemnymi siłami zła. W muzyce kompozytora - całe życie człowieka z jego radością, smutkiem, nadziejami, walką, rozpaczą. I bez względu na to, co mówi Czajkowski, zawsze jest prawdomówny i szczery.

Styl muzyczny Czajkowskiego rozwijał się w kontekście niekonwencjonalnych wyobrażeń kompozytora o naturze tożsamości narodowej. W interpretacji „narodowej” i „popularnej” podążał inną drogą niż zwolennicy „kuczkizmu”. Rosyjski folklor nie był dla niego uniwersalnym źródłem, podstawową zasadą języka muzycznego. Za pomocą uogólnionych, zapośredniczonych intonacji pieśni ludowych Czajkowski ucieleśniał narodowy obraz „rosyjskości”, Rosji, rosyjskiej rzeczywistości we współczesnej wszechstronności. Kompozytor nie postawił więc sobie za zadanie wykorzystania w muzyce określonych gatunków autentycznego folkloru chłopskiego, lecz sięgnął po „słownik intonacyjny” otaczającego go miejskiego życia muzycznego. Zwykłe miejskie intonacje w połączeniu z emocjonalną otwartością, szczerością i melodią sprawiły, że muzyka Czajkowskiego była zrozumiała i dostępna dla najszerszej publiczności zarówno w Rosji, jak i za granicą. Dlatego utwory Czajkowskiego szybko zdobyły sympatię Europejczyków i przyczyniły się do międzynarodowego uznania muzyki rosyjskiej na całym świecie.

Czajkowski pisał prawie we wszystkich gatunkach i w każdym z nich wypowiadał swoje nowe słowo genialny artysta... Ale być może jego ulubionym gatunkiem był: opera.Czajkowski był w nim prawdziwym reformatorem. Kompozytor wyobrażał sobie operę jako gatunek najbardziej demokratyczny. „Opera”, pisał, „i tylko opera przybliża cię do ludzi, upodabnia twoją muzykę do prawdziwej publiczności…”. Spektakl operowy oparty jest na silnych ludzkich odczuciach i przeżyciach. Czajkowski przywiązywał wielką wagę do treści swoich oper, zawsze preferując fabułę z życia rosyjskiego, bo to Rosjanin naprawdę dobrze znał i rozumiał.

Jeden z najlepsze prace Czajkowski opera „Eugeniusz Oniegin”.Na długo przed podjęciem decyzji o napisaniu opery opartej na fabule Eugeniusza Oniegina, Czajkowski namiętnie porwał wiersze Puszkina. Jednym z jego ulubionych fragmentów powieści poetyckiej był list Tatiany do Oniegina, a kompozytorowi marzyło się skomponowanie muzyki do tych słów. Prawykonanie opery na prośbę kompozytora miało miejsce 17 marca 1879 roku przez studentów Konserwatorium Moskiewskiego pod kierunkiem N. Rubinsteina.

Czajkowski nazwał swoją operę „scenami lirycznymi”. Kompozytor skupił całą uwagę na ujawnieniu wewnętrznego, duchowego świata swoich bohaterów.

Opera „Eugeniusz Oniegin” jest jednym z najwyższych osiągnięć rosyjskiej sztuki operowej. Prawdziwe obrazy powieść Puszkina pomógł rozwiązać problem stworzenia „intymnego, ale mocnego dramatu”, którego bohaterami byli „prawdziwi żyjący ludzie”. Osobisty dramat bohaterów rozgrywa się na tle codziennych obrazów. Różnorodne sceny z życia codziennego nadają operze szczególnego uroku.

Innowacyjność „Jeziora łabędziego” – jego wyjątkowość i odmienność do wszystkiego, co je poprzedzało – jeśli nie została od razu w pełni zrozumiana, od razu została zauważona zarówno przez publiczność, jak i krytyków, choć czasami powodowała dezorientację światłych melomanów. Niektórzy zarzucali kompozytorowi ubóstwo twórczej wyobraźni, monotonię tematów i melodii, w pewnej monotonii. Inni uważali, że muzyka jest piękna, a nawet za dobra na balet. Mimo to premiera baletu w Moskiewskim Teatrze Bolszoj (20 lutego 1877) zakończyła się sukcesem, a przedstawienie pozostało w repertuarze do 1883 roku, kiedy scenografia do tego spektaklu stała się całkowicie bezużyteczna.

Pierwszy komentarz w prasie, w którym doceniono powstanie nowego baletu, należał do G.A. Laroche: „Dla muzyki” jezioro łabędzie„- najlepszy balet, jaki kiedykolwiek słyszałem… Melodie, każda bardziej plastyczna, melodyjna i urzekająca, płyną jak róg obfitości; dominujący między tanecznymi numerami rytm walca jest ucieleśniony w tak różnorodnych wdzięcznych i urzekających wzorach, które nigdy nie melodyjne wizerunek utalentowanego i wszechstronnego kompozytora nie mógł znieść bardziej błyskotliwej próby...”

Jednocześnie w twórczości Czajkowskiego ważne miejsce zajmuje muzyka symfoniczna. Napisał 6 symfonii i symfonia programu Manfred, trzy koncerty na fortepian i orkiestrę, jeden na skrzypce oraz szereg suit orkiestrowych. Wśród jednoczęściowych utworów symfonicznych wyróżnia się fantastyczna „Francesca da Rimini” oraz utwory programowe oparte na wątkach Szekspira (uwertura fantasy „Romeo i Julia”, fantasy „Burza”).

Wachlarz zainteresowań twórczych kompozytora jest niezwykle szeroki. W jego spuściźnie znajduje się dziesięć oper (Eugeniusz Oniegin, Ondyna, Kowal Vakula, Dama pikowa itp.), trzy balety (Jezioro łabędzie, Śpiąca królewna, Dziadek do orzechów), siedem symfonii, kilkanaście utworów orkiestrowych, koncerty instrumentalne , muzyka chóralna i fortepianowa, kameralne utwory wokalne. W każdym regionie Czajkowski był innowatorem, choć nigdy nie dążył do reform. Posługując się tradycyjnymi gatunkami, kompozytor znalazł możliwości ich odnowienia.

„Chciałbym z całej duszy”, pisał Czajkowski, „aby moja muzyka szerzyła się, aby powiększała się liczba ludzi, którzy ją kochają, znajdowali w niej pocieszenie i wsparcie”.... Życzenie kompozytora się spełniło.

Twórczość Czajkowskiego to szczyt światowej kultury muzycznej XIX wieku - wiecznie żywe i cenne źródło, z którego kompozytorzy XX wieku i współcześni nieustannie czerpią inspirację.


Wniosek


XIX wiek dał wspaniałe kompozycje muzyce rosyjskiej i światowej. Rusłan i Ludmiła i Iwan Susanin, Eugeniusz Oniegin i Jezioro Łabędzie są dumą kultury rosyjskiej. Złoty fundusz muzyki rosyjskiej obejmuje utwory Borodina, romanse Bałakiriewa, Rimskiego-Korsakowa, Borodina, Cui.

Rosyjscy kompozytorzy zaczęli wyjeżdżać za granicę. Porozumiewali się tam z wybitnymi mistrzami sztuki muzycznej, a co najważniejsze zdobyli europejskie wykształcenie muzyczne. Rosja wzbudziła obustronne zainteresowanie w Europie, aw ciągu stulecia w Moskwie i Petersburgu koncertowało wielu wybitnych muzyków. Wprowadzenie do kultury europejskiej nie tylko podniosło poziom intelektualny i poziom profesjonalny Rosyjscy kompozytorzy i wykonawcy, ale także pomogli im lepiej zrozumieć tradycje muzyki narodowej, lepiej poznać siebie.

Kto jest obecnie najbardziej ukochanym rosyjskim kompozytorem w Ameryce? Oczywiście Czajkowski. Wielu Amerykanów uważa nawet Piotra Iljicza za amerykańskiego kompozytora. Swoje prace dyrygował w Ameryce, gdy został zaproszony na otwarcie słynnej Carnegie Hall w Nowym Jorku. Jego muzyka grana jest w radiu prawie codziennie w Ameryce, zwłaszcza IV i VI Symfonia oraz I Koncert na fortepian i orkiestrę. Ulubionym baletem Ameryki jest Dziadek do orzechów.

Twórczość klasycznych kompozytorów Glinka, Dargomyzhsky, Borodin, Rimsky-Korsakov, Czajkowski to prawdziwy skarb kultury rosyjskiej XIX wieku. Ich tradycje zostały ucieleśnione i rozwinięte w dziełach kompozytorów końca XIX i początku XX wieku - Tanejewa i Głazunowa, Liadowa i Arenskiego, Kalinikowa, Skriabina i Rachmaninowa. Wszyscy są godnymi następcami swoich wielkich poprzedników.

W mojej pracy semestralnej przedstawiłem rozwój muzyczny Rosji w XIX wieku, przeanalizowałem stan kultury muzycznej, zidentyfikowałem jej cechy, opowiedziałem o kompozytorach tego stulecia i ich twórczości, a także ujawniłem znaczenie muzyki rosyjskiej XIX wieku. wieku dla kultury światowej.

Rosyjska kultura muzyczna XIX wieku, poprzez połączenie się z kulturą europejską, poprzez jej przekształcenia, nabrała cech charakterystycznych, a z kolei zaczęła wywierać na nią znaczący wpływ, rozwijając się do dziś.


Bibliografia


1. Wielka sowiecka encyklopedia

2.Levashova O., Keldysh Y. Historia muzyki rosyjskiej-M., 1980

Encyklopedia na całym świecie

Smirnova E. Rosyjska literatura muzyczna - M., 2001

Nikitina L. D. Historia muzyki rosyjskiej-M., 1999

Rapaskaja LA Historia muzyki rosyjskiej: od starożytnej Rusi do „srebrnej epoki” -M., 2001

7.www.rimskykorsakov.ru

Aneks 1


Gurilew, Warlamow, Aliabyev, Wierstowski

Fiodor Iwanowicz Glinka


Projekt kostiumu dla Svetozara. Opera „Rusłan i Ludmiła”


Załącznik 2


Piotr Iljicz Czajkowski


Balet Dziadek do orzechów z udziałem aktorów Teatru Bolszoj


Korepetycje

Potrzebujesz pomocy w zgłębianiu tematu?

Nasi eksperci doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Wyślij zapytanie ze wskazaniem tematu już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.

Główne kierunki artystyczne. Powstanie rosyjskiej klasycznej szkoły kompozytorskiej

Wiek XIX wszedł do historii rosyjskiej kultury narodowej jako okres wielkich podbojów sztuki muzycznej, jej pełnego, wszechstronnego rozwoju. Już w latach 30. muzyka rosyjska osiągnęła w twórczości Glinki poziom klasyki. A w drugiej połowie stulecia szybko wzniosła się na wyżyny światowej kultury, wzbogacając świat dziełami o trwałej wartości artystycznej. W twórczości Glinki i jego następców – Czajkowskiego, Musorskiego, Rimskiego-Korsakowa, Borodina, muzyka stała się prawdziwym wyrazem myśli i dążeń ludzi, efektem wieków doświadczeń nagromadzonych w umysłach ludzi.

W swoim historycznym rozwoju rosyjska szkoła kompozycji w XIX wieku przeszła nie tylko szybką, ale i trudną ścieżkę. W rozwoju kultury rosyjskiej w pierwszej połowie XIX wieku wyraźnie rozwijają się dwa etapy, ostro ograniczone wydarzeniami z 14 grudnia 1825 r.: pierwsze ćwierć wieku - lata wojny patriotycznej i dojrzewania dekabryzmu. Cały kolejny okres po powstaniu dekabrystów, aż do 1855 roku, naznaczony końcem wojna krymska... W historii sztuki rosyjskiej powstanie dekabrystów było kamieniem milowym. Ideologia dekabryzmu służyła jako grunt, na którym rosła praca Puszkina. Oto bogata, różnorodna twórczość poetów kręgu Puszkina N.M. Yazykova, AA Delvig, E.A. Baratyński, D.V. Weniwitynowa.

Zdecydowane postępy poczyniono także w dziedzinie młodszej sztuki muzycznej. W latach 20. Glinka rozpoczęła karierę zawodową. Rośnie popularność rosyjskich tekstów romantycznych, podsycanych kreatywnością rosyjskich poetów. Nominowani są utalentowani współcześni Glinki - Alyabyev i Verstovsky. Na scena teatralna pierwsze pojawienie się i odniesienie ogromnego sukcesu opery romantyczne Wierstowskiego, a w twórczości Alabjewa powstaje nowy, bogaty psychologicznie gatunek romansu-monologu.

Wszystkie te znaczące zjawiska muzyki rosyjskiej powstały w ścisłym związku z poszukiwaniami estetycznymi, zrodzonymi w atmosferze burzliwych, niepokojących wydarzeń. Dotyczy to przede wszystkim twórczości Puszkina, która miała decydujący wpływ nie tylko na Glinkę, ale i na całą drogę rozwoju muzyki rosyjskiej.

Realistyczna estetyka Puszkina, „poety rzeczywistości”, odcisnęła głębokie piętno na rosyjskiej muzyce XIX wieku. Koncepcja dramatu historycznego Puszkina utorowała drogę do ludowo-heroicznej opery Glinki Iwan Susanin. Twórczość Puszkina, „Rusłana i Ludmiły” i „Rusałki”, które są głęboko ludowe w duchu i temperamencie, zdeterminowały dalszy rozwój rosyjskiej opery klasycznej w twórczości Glinki i Dargomyżskiego. Jego wiersze liryczne stały się podstawą rosyjskiego romansu klasycznego.

Za najważniejszą podstawę twórczej działalności kompozytorów klasycznych posłużyły zasady estetyki realistycznej, które zasilały myśl muzyczną. W rosyjskiej muzyce klasycznej. Podobnie jak w dziełach wielkich pisarzy rosyjskich, wszechstronność metody realistycznej przejawiała się ze szczególną kompletnością. Otrzymał określone wyrażenie w każdym niezależny obszar Sztuka.

Rozważając złożony obraz rozwoju kultury muzycznej XIX wieku nie należy zapominać o głębokich sprzecznościach, które temu procesowi towarzyszyły. W walce z zacofanymi gustami dworu i arystokracji rosyjscy kompozytorzy utwierdzali się w swojej sztuce, swoich zasadach estetycznych, z dominacją bladej, naśladowczej muzyki, która rozkwitała w tym środowisku z banalnymi gustami „wykształconej” publiczności, w zasadzie nie zaangażowanej w wysokiej kulturze muzycznej. Przykładem jest historia sceniczna oper Glinki i Dargomyżskiego, która spotkała się z ostrym potępieniem reakcyjnej krytyki. Walka o rosyjską klasykę jeszcze bardziej nasiliła się w związku z rewolucyjnym ruchem demokratycznym lat 60. Los Bałakiriewa. Zmuszony do wycofania się z działalności muzycznej w kwiecie wieku i talentu, przedwczesna śmierć Musorskiego – to fakty świadczące o wyjątkowej złożoności drogi twórczej rosyjskich kompozytorów klasycznych.

Najwybitniejszymi sojusznikami tych muzyków byli: krytycy muzyczni, twórca rosyjskiej nauki muzykologicznej Odoevsky, Serov, Stasov. Ich poglądy ukształtowały się pod bezpośrednim wpływem Glinki. Odoevsky był rówieśnikiem i przyjacielem wielkiego kompozytora, Stasov i Serov byli jego młodszymi rówieśnikami i wielbicielami. Przypisuje się im teoretyczne uzasadnienie twórczych zasad szkoły Glinki, ustanowienie najważniejszych zasad narodowości i realizmu w rosyjskiej naukach muzycznych i krytyce muzycznej.