Classificazione generica delle opere d'arte. letteratura

Questa è una letteratura di tipo oggettivo-soggettivo (Hegel), un'immagine oggettiva del mondo e del suo dispiegamento soggettivo.

La forma generica è il dialogo. Dal punto di vista delle caratteristiche generiche del contenuto, le opere drammatiche dovrebbero essere caratterizzate a loro volta dalla posizione

A) conflitto

Dramma(dramma greco, letteralmente - azione), 1) uno dei tre tipi di letteratura (insieme all'epica e ai testi; vedi sotto). Genere letterario ). Dramma (in letteratura) appartiene allo stesso tempo Teatro e letteratura : essendo il principio fondamentale della performance, si percepisce anche nella lettura. Dramma (in letteratura) si è formata sulla base dell'evoluzione dell'arte teatrale: la promozione degli attori in connessione pantomima con la parola parlata, segnò il suo emergere come una sorta di letteratura. La sua specificità è composta da: trama, cioè riproduzione del corso degli eventi; l'intensità drammatica dell'azione e la sua divisione in episodi scenici; la continuità delle espressioni dei personaggi; l'assenza (o subordinazione) dell'inizio narrativo (cfr. Narrazione ). Progettato per la percezione collettiva, Dramma (in letteratura) gravitò sempre verso i problemi più acuti e divenne popolare negli esempi più eclatanti. Secondo AS Pushkin, la nomina Dramma (in letteratura) in “... agendo sulla folla, sulla moltitudine, occupando la sua curiosità” (Poln. sobr. soch., vol. 7, 1958, p. 214).

Dramma (in letteratura) il conflitto profondo è inerente; il suo principio fondamentale è l'esperienza intensa ed efficace da parte delle persone delle contraddizioni umane socio-storiche o "eterne", universali. Il dramma, accessibile a tutti i tipi di arte, domina naturalmente Dramma (in letteratura) Secondo VG Belinsky, il dramma è una proprietà importante dello spirito umano, risvegliato da situazioni in cui ciò che è caro o desiderato appassionatamente, che richiede l'attuazione, è minacciato.

I conflitti drammatici sono incarnati nell'azione - nel comportamento dei personaggi, nelle loro azioni e nelle loro realizzazioni. Maggioranza Dramma (in letteratura) costruita su un'unica azione esterna (che corrisponde al principio di "unità di azione" di Aristotele), basata, di regola, sul confronto diretto dei personaggi. L'azione è tracciata da stringhe prima interscambi , catturando ampi periodi di tempo (medievale e orientale Dramma (in letteratura), ad esempio, “Shakuntala” di Kalidasa), oppure è preso solo al culmine, in prossimità dell'epilogo (tragedie antiche, ad esempio, “Edipus Rex” di Sofocle, e molti Dramma (in letteratura) nuovo tempo, ad esempio "Dote" di A. N. Ostrovsky). Estetica classica del XIX secolo. incline ad assolutizzare questi principi di costruzione Dramma (in letteratura) Prendersi cura di Hegel Dramma (in letteratura) come riproduzione di atti volitivi ("azioni" e "reazioni") che si scontrano tra loro, Belinsky ha scritto: "L'azione del dramma dovrebbe essere focalizzata su un interesse ed essere estranea agli interessi secondari ... Nel dramma non dovrebbe esserci essere una sola persona che non sarebbe necessaria nel meccanismo del suo corso e del suo sviluppo» (Poln. sobr. soch., vol. 5, 1954, p. 53). Allo stesso tempo, «... la decisione nella scelta della via dipende dall'eroe del dramma, e non dall'evento» (ibid., p. 20).

Le proprietà formali più importanti Dramma (in letteratura): una catena continua di affermazioni che agiscono come atti di comportamento dei personaggi (cioè le loro azioni) e, di conseguenza, la concentrazione del rappresentato in aree chiuse dello spazio e del tempo. La base universale della composizione Dramma (in letteratura): episodi scenici (scene), entro i quali il tempo rappresentato, cosiddetto reale, è adeguato al tempo della percezione, il cosiddetto artistico. In folk, medievale e orientale Dramma (in letteratura), così come in Shakespeare, nel "Boris Godunov" di Pushkin, nelle opere di Brecht, il luogo e il tempo dell'azione cambiano molto spesso. europeo Dramma (in letteratura) XVII-XIX secolo si basa, di regola, su pochi e lunghissimi episodi teatrali che coincidono con gli atti delle rappresentazioni teatrali. L'espressione estrema della compattezza dello sviluppo dello spazio e del tempo sono le “unità” conosciute dall'“Arte poetica” di N. Boileau, sopravvissute fino al XIX secolo. ("Guai dall'ingegno" di A. S. Griboedov).

Le opere drammatiche nella stragrande maggioranza dei casi sono destinate alla messa in scena sul palco, c'è una cerchia molto ristretta di opere drammatiche che si chiamano dramma per la lettura.

I generi drammatici hanno una loro storia, le cui caratteristiche sono in gran parte determinate dal fatto che storicamente, dall'antichità ai classici compresi, è stato un fenomeno a due generi: o la maschera piangeva (tragedia) o la maschera rideva (commedia).

Ma nel XVIII secolo apparve una sintesi di commedia e tragedia-dramma.

Il dramma ha sostituito la tragedia.

1)tragedia

2) commedia

4)palcoscenico

5)il contenuto del genere vaudeville è vicino al contenuto del genere della commedia, nella maggior parte dei casi umoristico. la forma del genere è un'opera teatrale in un atto con generi e versi..

6) tragicommedia frontale combinazione di sofferenza e gioia raffigurate con una corrispondente reazione di risate-lacrime (Eduardo de Filippo)

7) cronaca drammatica. Un genere simile nel genere al dramma, di regola, non ha un eroe e gli eventi vengono trasmessi in un flusso. Bill Berodelkovsky Storm

Il numero più grande la commedia ha storicamente avuto opzioni di genere: commedia scientifica italiana; commedia delle maschere in Spagna; , Mantelli e spade, C'era una commedia di carattere, posizione, una commedia di costume (domestica) buffoneria, ecc.

DRAMMA RUSSO. Il dramma letterario professionale russo prese forma alla fine del XVII e XVIII secolo, ma fu preceduto da un periodo secolare di drammi popolari, per lo più orali e in parte scritti a mano. In un primo momento, le azioni rituali arcaiche, poi i giochi di danza rotondi e i buffoni contenevano elementi caratteristici della drammaturgia come forma d'arte: il dialogo, la drammatizzazione dell'azione, la recitazione in volti, l'immagine dell'uno o dell'altro personaggio (travestimento). Questi elementi sono stati consolidati e sviluppati nel dramma folcloristico.

La scena pagana del dramma folcloristico russo è perduta: uno studio arte popolare in Russia iniziò solo nel 19 ° secolo, le prime pubblicazioni scientifiche di grandi drammi popolari apparvero solo nel 1890-1900 sulla rivista Ethnographic Review (con commenti degli scienziati dell'epoca V. Kallash e A. Gruzinsky). Un inizio così tardivo dello studio del dramma popolare ha portato all'opinione diffusa che l'emergere del dramma popolare in Russia risalga solo ai secoli XVI-XVII. C'è anche un punto di vista alternativo, dove la genesi Barche derivato da usanze funerarie slavi pagani. Ma in ogni caso, negli studi culturali, nella storia dell'arte e nell'etnografia vengono considerati a livello di ipotesi la trama ei cambiamenti semantici nei testi dei drammi folcloristici che si svolgono da almeno dieci secoli. Ogni periodo storico ha segnato il contenuto dei drammi folcloristici, facilitato dalla capacità e dalla ricchezza dei legami associativi dei loro contenuti.

La prima drammaturgia letteraria russa. L'origine della drammaturgia letteraria russa risale al XVII secolo. ed è associato al teatro della scuola-chiesa, che sorge in Russia sotto l'influenza recite scolastiche in Ucraina presso l'Accademia Kiev-Mohyla. Combattendo le tendenze cattoliche provenienti dalla Polonia, Chiesa ortodossa usato in Ucraina teatro folcloristico. Gli autori delle commedie hanno preso in prestito le trame dei rituali della chiesa, dipingendole in dialoghi e intervallandole con intermezzi comici, numeri musicali e di danza. In termini di genere, questa drammaturgia somigliava a un ibrido di moralità e miracoli dell'Europa occidentale. Scritte in uno stile moralistico e alto declamatorio, queste opere di teatro scolastico uniscono personaggi allegorici (Vice, Orgoglio, Verità, ecc.) con personaggi storici (Alessandro Magno, Nerone), mitologici (Fortuna, Marte) e biblici (Gesù Nun, Erode e così via). Più opere famose - Azione su Alexy, l'uomo di Dio, Azione sulla Passione di Cristo e altri Lo sviluppo del teatro scolastico è associato ai nomi di Dmitry Rostovsky ( Dramma dell'Assunzione, Dramma di Natale, Azione di Rostov e altri), Feofan Prokopovich ( Vladimir), Mitrofan Dovgalevsky ( L'immagine potente dell'amore di Dio per l'uomo), George Konissky ( Resurrezione dei morti) e altri Simeon Polotsky iniziò anche nel teatro della scuola della chiesa

Dramma russo del 18° secolo Dopo la morte di Alexei Mikhailovich, il teatro fu chiuso e fu rianimato solo sotto Pietro I. Tuttavia, la pausa nello sviluppo del dramma russo durò un po' più a lungo: nel teatro di Pietro il Grande furono principalmente rappresentate opere tradotte. In questo periodo si diffusero vere azioni panegiriche con patetici monologhi, cori, divertissementi musicali e solenni processioni. Hanno glorificato le attività di Pietro e hanno risposto a eventi di attualità ( Il trionfo del mondo ortodosso, Liberazione di Livonia e Ingria ecc.), ma non hanno avuto un'influenza speciale sullo sviluppo della drammaturgia. I testi per queste esibizioni erano di natura piuttosto applicata ed erano anonimi. La drammaturgia russa iniziò a sperimentare una rapida ascesa dalla metà del XVIII secolo, contemporaneamente alla formazione teatro professionale che aveva bisogno di un repertorio nazionale.

A metà del 18° secolo è necessaria la formazione del classicismo russo (in Europa, il periodo d'oro del classicismo era ormai lontano: Corneille morì nel 1684, Racine - nel 1699.) V. Trediakovsky e M. Lomonosov si cimentarono nella tragedia del classicismo, ma il fondatore del classicismo russo (e del dramma letterario russo in generale) fu A. Sumarokov, che nel 1756 divenne il direttore del primo teatro russo professionale. Ha scritto 9 tragedie e 12 commedie, che hanno costituito la base del repertorio teatrale degli anni 1750 e 1760. Sumarokov possiede anche le prime opere letterarie e teoriche russe. In particolare, nel Epistola sulla poesia(1747) difende principi simili ai canoni classicisti di Boileau: una rigida divisione dei generi di drammaturgia, osservanza "tre unità". A differenza dei classicisti francesi, Sumarokov non si basava su storie antiche, ma su cronache russe ( Khorev, Sinav e Truvor) e la storia russa ( Dmitrij pretendente e così via.). Altri importanti rappresentanti del classicismo russo hanno lavorato allo stesso modo: N. Nikolev ( Sorena e Zamir), Ya. Knyaznin ( Rossano, Vadim Novgorodsky e così via.).

La drammaturgia classicista russa aveva un'altra differenza rispetto al francese: gli autori di tragedie scrivevano contemporaneamente commedie. Ciò ha offuscato i rigidi confini del classicismo e ha contribuito alla diversità delle tendenze estetiche. Il dramma classico, educativo e sentimentale in Russia non si sostituiscono a vicenda, ma si sviluppano quasi contemporaneamente. I primi tentativi di creare una commedia satirica furono già fatti da Sumarokov ( Mostri, Contesa vuota, Uomo avido, Dote con l'inganno, Narciso e così via.). Inoltre, in queste commedie ha usato dispositivi stilistici intercollege e farse folcloristiche - nonostante il fatto che nelle opere teoriche fosse critico nei confronti dei "giochi" popolari. Negli anni 1760-1780. il genere dell'opera comica è ampiamente utilizzato. Le rendono omaggio come classicisti - Knyazhnin ( Problemi dalla carrozza, Sbitenshčik, spaccone ecc.), Nikolaev ( Rosana e l'Amore), e comici-satirici: I. Krylov ( caffettiera) e altri. Compaiono le direzioni della commedia lacrimosa e del dramma piccolo-borghese - V. Lukin ( Mot, corretto dall'amore), M. Verevkin ( Quindi dovrebbe, Esattamente la stessa), P. Plavilshchikov ( Bobil, Sidelets) e altri Questi generi hanno contribuito non solo alla democratizzazione e all'aumento della popolarità del teatro, ma hanno anche costituito la base del teatro psicologico amato in Russia con le sue tradizioni di sviluppo dettagliato di personaggi sfaccettati. L'apice del dramma russo nel 18° secolo. possono essere definite commedie quasi realistiche V.Kapnista (Yabeda), D. Fonvizina (sottobosco, Brigadiere), I. Krylova (negozio di moda, Lezione per le figlie e così via.). La "tragedia da giullare" di Krylov sembra interessante Trumpf, o Podshchipa, in cui una satira sul regno di Paolo I si combinava con una caustica parodia delle tecniche classiche. L'opera teatrale è stata scritta nel 1800: ci sono voluti solo 53 anni perché l'estetica classicista, che era innovativa per la Russia, iniziasse a essere percepita come arcaica. Krylov ha anche prestato attenzione alla teoria del dramma ( Nota sulla commedia "Risate e dolore", Recensione della commedia di A. Klushin "Alchimista" e così via.).

Drammaturgia russa del XIX secolo Entro l'inizio del 19 ° secolo. il divario storico tra la drammaturgia russa e il dramma europeo è venuto a mancare. Da quel momento, il teatro russo si è sviluppato in un contesto generale Cultura europea. Viene preservata una varietà di tendenze estetiche nel dramma russo: il sentimentalismo ( N. Karamzin, N. Ilyin, V. Fedorov, ecc.) coesiste con una tragedia romantica di natura alquanto classica (V. Ozerov, N. Kukolnik, N. Polevoy, ecc.), Un dramma lirico ed emotivo (I. Turgenev) - con una satira da pamphlet caustica (A. Sukhovo-Kobylin, M. Saltykov-Shchedrin). I vaudeville leggeri, divertenti e spiritosi sono popolari (A. Shakhovskoy, N. Khmelnitsky, M. Zagoskin, A. Pisarev, D. Lensky, F. Koni, V. Karatigin e così via.). Ma fu il 19° secolo, il tempo della grande letteratura russa, che divenne il "periodo d'oro" del dramma russo, dando origine ad autori le cui opere sono ancora oggi incluse nel fondo d'oro dei classici del teatro mondiale.

La prima commedia di un nuovo tipo è stata una commedia A.Griboedova Guai dallo Spirito. L'autore raggiunge una straordinaria maestria nello sviluppo di tutte le componenti dell'opera: i personaggi (in cui il realismo psicologico è organicamente combinato con un alto grado tipizzazione), intrigo (dove le vicissitudini amorose sono indissolubilmente intrecciate con conflitti civili e ideologici), lingua (quasi l'intera commedia è stata completamente dispersa in detti, proverbi ed espressioni alate che sono state conservate in un discorso vivace oggi).

sulla vera scoperta della drammaturgia russa di quel tempo, che era molto in anticipo sui tempi e che determinò il vettore per l'ulteriore sviluppo del teatro mondiale, furono le opere teatrali A. Cechov. Ivanov, Gabbiano, zio Ivan, Tre sorelle, Il frutteto di ciliegie non rientrano nel sistema tradizionale dei generi drammatici e di fatto confutano tutti i canoni teorici della drammaturgia. Non c'è praticamente nessun intrigo di trama in loro - in ogni caso, la trama non ha mai un valore organizzativo, non esiste uno schema drammatico tradizionale: trama - alti e bassi - epilogo; non esiste un unico conflitto "end-to-end". Gli eventi cambiano continuamente la loro scala semantica: le cose grandi diventano insignificanti e le piccole cose quotidiane crescono su scala globale.

Drammaturgia russa dopo il 1917. Dopo la Rivoluzione d'Ottobre e il successivo insediamento del controllo statale sui teatri, sorse la necessità di un nuovo repertorio che corrispondesse all'ideologia moderna. Tuttavia, dai più prime opere teatrali, forse, oggi puoi nominarne solo uno - Buffo Mistero V. Mayakovsky (1918). Fondamentalmente lo stesso repertorio contemporaneo del primo periodo sovietico si formò su "agitazioni" d'attualità che persero la loro rilevanza in breve tempo.

Il nuovo dramma sovietico, che riflette la lotta di classe, si formò negli anni '20. Durante questo periodo divennero famosi drammaturghi come L. Seifullina ( Virineya), A. Serafimoviè (Mariana, drammatizzazione dell'autore del romanzo corrente di ferro), L.Leonov ( tassi), K.Trenev (Lyubov Yarovaya), B. Lavrenev (Colpa), V. Ivanov (Treno blindato 14-69), V. Bill-Belotserkovsky ( Tempesta), D. Furmanov ( ribellione), ecc. La loro drammaturgia nel suo insieme si distingueva per un'interpretazione romantica degli eventi rivoluzionari, una combinazione di tragedia e ottimismo sociale. Negli anni '30 V. Vishnevsky ha scritto un'opera teatrale il cui titolo è stato accuratamente definito genere principale nuova drammaturgia patriottica: Una tragedia ottimista(questo nome ha cambiato le opzioni originali e più pretenziose - Inno ai marinai e tragedia trionfante).

La fine degli anni '50 - l'inizio degli anni '70 furono caratterizzati da una personalità brillante A. Vampilova. Durante la sua breve vita scrisse solo alcune opere teatrali: Arrivederci a giugno, figlio maggiore, caccia alle anatre, Scherzi provinciali (Venti minuti con un angelo e Il caso con la pagina metropolitana), L'estate scorsa a Chulimsk e vaudeville incompiuto Suggerimenti incomparabili. Tornando all'estetica di Cechov, Vampilov ha stabilito la direzione per lo sviluppo del dramma russo nei due decenni successivi. I principali successi drammatici degli anni '70 e '80 in Russia sono legati al genere tragicomedie. Queste erano le commedie E. Radzinskij, L. Petrushevskaja, A. Sokolova, L. Razumovskaya, M.Roshchina, A. Galina, G. Gorina, A. Chervinsky, A. Smirnova, V. Slavkin, A. Kazantsev, S. Zlotnikov, N. Kolyada, V. Merezhko, O. Kuchkina e altri L'estetica di Vampilov ha avuto un impatto indiretto, ma tangibile sui maestri del dramma russo. Motivi tragicomici sono palpabili nelle opere teatrali dell'epoca scritte da V. Rozov ( Cinghiale), A. Volodin ( due frecce, Lucertola, sceneggiatura Maratona d'autunno), e in particolare A. Arbuzov ( La mia gioia per gli occhi, Giorni felici persona infelice , Racconti del vecchio Arbat,In questa dolce vecchia casa, vincitore, giochi crudeli). All'inizio degli anni '90, i drammaturghi di San Pietroburgo hanno creato la propria associazione: "The Playwright's House". Nel 2002 dall'associazione " maschera d'oro", Theater.doc e il Moscow Art Theatre intitolato a Cechov hanno organizzato il festival annuale "New Drama". In queste associazioni, laboratori, concorsi, si formò una nuova generazione di scrittori teatrali che divennero famosi nel periodo post-sovietico: M. Ugarov, O. Ernev, E. Gremina, O. Shipenko, O. Mikhailova, I. Vyrypaev, O. e V. Presnyakov, K. Dragunskaya, O. Bogaev, N. Ptushkina, O. Mukhina, I. Okhlobystin, M . Kurochkin, V. Sigarev, A. Zinchuk , A. Obraztsov, I. Shprits e altri.

Tuttavia, i critici notano che oggi in Russia si è sviluppata una situazione paradossale: il teatro moderno e drammaturgia moderna esistono in parallelo, in un certo isolamento l'uno dall'altro. Le ricerche registiche di più alto profilo dell'inizio del 21° secolo. legati alla produzione di opere classiche. La drammaturgia moderna, invece, conduce i suoi esperimenti più "sulla carta" e nello spazio virtuale di Internet.

Cos'è la drammaturgia? La risposta a questa domanda dipenderà dal contesto in cui la parola è stata usata. Innanzitutto, questo è un tipo di letteratura destinata alle produzioni teatrali, che implica l'interazione dei personaggi con il mondo esterno, che è accompagnata da una spiegazione dell'autore.

La drammaturgia è anche un'opera che si costruisce secondo un unico principio e leggi.

Caratteristiche della drammaturgia

• L'azione dovrebbe svolgersi al presente e svilupparsi rapidamente nello stesso luogo. Lo spettatore diventa un testimone e deve essere in suspense ed entrare in empatia con ciò che sta accadendo.
• La produzione può coprire un arco di tempo di diverse ore e anche anni. Tuttavia, l'azione non dovrebbe durare più di un giorno sul palco, poiché è limitata dalle possibilità di visione degli spettatori.
• A seconda della cronologia dell'opera, un dramma può consistere in uno o più atti. Pertanto, la letteratura del classicismo francese è solitamente rappresentata da 5 atti e 2 atti sono caratteristici della drammaturgia spagnola.
• Tutti gli attori del dramma sono divisi in due gruppi: antagonisti e protagonisti (potrebbero essere presenti anche personaggi fuori scena) e ogni atto è un duello. Ma l'autore non dovrebbe sostenere la parte di nessuno: lo spettatore può solo indovinare dai suggerimenti del contesto dell'opera.

Costruzione drammatica

Il dramma ha una trama, una trama, un tema e un intrigo.

• La trama è un conflitto, il rapporto dei personaggi con gli eventi, che, a loro volta, comprendono diversi elementi: esposizione, trama, sviluppo dell'azione, climax, declino dell'azione, epilogo e finale.
• La trama sono gli eventi reali o immaginari interconnessi in sequenza temporale. Sia la trama che la trama sono una narrazione di eventi, ma la trama è solo un fatto di ciò che è accaduto e la trama è una relazione causale.
• Un tema è una serie di eventi che costituiscono la base di un'opera drammatica, che sono accomunati da un problema, ovvero ciò su cui l'autore voleva che lo spettatore o il lettore pensasse.
• L'intrigo drammatico è l'interazione di personaggi che influenza il corso previsto degli eventi in un'opera.

Elementi di dramma

• Esposizione - una dichiarazione dello stato attuale delle cose, che dà origine al conflitto.
• Il legame è l'instaurarsi di un conflitto o un prerequisito per il suo sviluppo.
• culmine - il punto più alto conflitto.
• L'epilogo è il colpo di stato o il crollo del personaggio principale.
• Il finale è la risoluzione del conflitto, che può concludersi in tre modi: il conflitto è risolto e ha un lieto fine, il conflitto non è risolto o il conflitto è risolto tragicamente - la morte del protagonista o qualsiasi altro ritiro del eroe dal lavoro in finale.

La domanda "che cos'è la drammaturgia" può ora essere risolta con un'altra definizione: è la teoria e l'arte di costruire un'opera drammatica. Dovrebbe basarsi sulle regole per costruire una trama, avere un piano e un'idea principale. Ma nel corso sviluppo storico la drammaturgia, i generi (tragedia, commedia, dramma), i suoi elementi e i suoi mezzi espressivi cambiarono, il che divise la storia della drammaturgia in più cicli.

La nascita della drammaturgia

Per la prima volta, iscrizioni murali e papiri testimoniano l'emergere della drammaturgia nell'epoca antico Egitto, in cui c'era anche una trama, un climax e un epilogo. I sacerdoti, che avevano conoscenza delle divinità, influenzarono la coscienza del popolo egiziano proprio a causa dei miti.

Il mito di Iside, Osiride e Horus rappresentava per gli egizi una specie di Bibbia. La drammaturgia fu ulteriormente sviluppata nell'antica Grecia nel V-VI secolo a.C. e. Il genere della tragedia è nato nell'antica drammaturgia greca. La trama della tragedia si esprimeva nell'opposizione di un eroe buono e giusto al male. Il finale si è concluso con la tragica morte del protagonista e avrebbe dovuto suscitare forti sentimenti nello spettatore per una profonda pulizia della sua anima. Questo fenomeno ha una definizione: catarsi.

I miti erano dominati da temi militari e politici, poiché gli stessi tragici di quel tempo parteciparono alle guerre più di una volta. La drammaturgia dell'antica Grecia è rappresentata da quanto segue scrittori famosi: Eschilo, Sofocle, Euripide. Oltre alla tragedia, è stato ripreso anche il genere della commedia, in cui Aristofane ha fatto il tema principale del mondo. Le persone sono stanche delle guerre e dell'illegalità delle autorità, quindi chiedono una vita pacifica e calma. La commedia nasceva da canzoni comiche a volte anche frivole. Umanesimo e democrazia erano le idee principali nel lavoro dei comici. Le tragedie più famose dell'epoca sono le commedie "Persiani" e "Prometeo incatenato" di Eschilo, "Edipo re" di Sofocle e "Medea" di Euripide.

Sullo sviluppo della drammaturgia nel II-III secolo a.C. e. influenzato dagli antichi drammaturghi romani: Plauto, Terenzio e Seneca. Plauto simpatizzava con gli strati inferiori della società schiavista, ridicolizzava avidi usurai e mercanti, quindi, prendendo come base le storie dell'antica Grecia, le integrava con storie sulla difficile vita dei cittadini comuni. C'erano molte canzoni e battute nelle sue opere, l'autore era popolare tra i suoi contemporanei e successivamente influenzò la drammaturgia europea. Quindi, la sua famosa commedia "The Treasure" è stata presa come base da Moliere quando ha scritto la sua opera "The Miser".

Terence è un rappresentante di una generazione successiva. Non si concentra sui mezzi espressivi, ma approfondisce la descrizione della componente psicologica del carattere dei personaggi, e i temi delle commedie sono quotidiani e conflitti familiari tra padri e figli. La sua famosa commedia "Brothers" riflette questo problema in modo molto vivido.

Un altro drammaturgo che ha dato un grande contributo allo sviluppo del dramma è Seneca. Fu tutore di Nerone, imperatore di Roma, e sotto di lui mantenne un'alta posizione. Le tragedie del drammaturgo si sono sempre sviluppate intorno alla vendetta del protagonista, che lo ha spinto a terribili crimini. Gli storici lo spiegano con le sanguinose atrocità avvenute allora nel palazzo imperiale. L'opera "Medea" di Seneca influenzò in seguito il teatro dell'Europa occidentale, ma, a differenza della "Medea" di Euripide, la regina è rappresentata carattere negativo, assetato di vendetta e non vivendo alcuna esperienza.

Le tragedie dell'era imperiale furono sostituite da un altro genere: la pantomima. Questa è una danza accompagnata da musica e canti, che di solito veniva eseguita da un attore con la bocca sigillata. Ma ancora più popolari erano gli spettacoli circensi negli anfiteatri: combattimenti di gladiatori e gare di carri, che portarono al declino della morale e al crollo dell'Impero Romano. I drammaturghi per la prima volta hanno presentato al pubblico in modo più dettagliato cos'è la drammaturgia, ma il teatro è stato distrutto e il dramma è stato ripreso di nuovo solo dopo un'interruzione di sviluppo di seimila anni.

Dramma liturgico

Dopo la caduta dell'Impero Romano, la drammaturgia è ripresa solo nel IX secolo nei riti e nelle preghiere ecclesiastiche. La chiesa, per attirare quante più persone possibile al culto e controllare le messe attraverso il culto di Dio, introduce piccole rappresentazioni spettacolari, come la risurrezione di Gesù Cristo o altri racconti biblici. Così si sviluppò il dramma liturgico.

Tuttavia, le persone si sono radunate per le rappresentazioni e sono state distratte dal servizio stesso, a seguito del quale è sorto un dramma semi-liturgico: le rappresentazioni sono state trasferite nei portici e le storie di vita basate su storie bibliche più comprensibili per il pubblico hanno iniziato a essere preso come base.

Rinascita della drammaturgia in Europa

La drammaturgia si sviluppò ulteriormente durante il Rinascimento nel XIV-XVI secolo, tornando ai valori della cultura antica. Le trame degli antichi miti greci e romani ispirano gli autori del Rinascimento

Fu in Italia che il teatro iniziò a rinascere, apparve un approccio professionale alle produzioni teatrali, si formò un tipo di lavoro musicale come l'opera, furono rianimati la commedia, la tragedia e la pastorale - un genere di drammaturgia, il cui tema principale era quello rurale vita. La commedia nel suo sviluppo ha dato due direzioni:

• commedia scientifica, pensata per una cerchia di persone colte;
• commedia di strada - teatro improvvisato di maschere.

I rappresentanti più importanti della drammaturgia italiana sono Angelo Beolco ("Coquette", "Commedia senza titolo"), Giangiorgio Trissino ("Sofonisba") e Lodovico Ariosto ("Commedia sul petto", "Furious Orlando").

Il dramma inglese rafforza la posizione del teatro del realismo. Miti e misteri vengono sostituiti da una comprensione socio-filosofica della vita. Il fondatore del dramma rinascimentale è considerato il drammaturgo inglese - Christopher Marlo ("Tamerlano", " storia tragica Dottor Faust). Il teatro del realismo è stato sviluppato sotto William Shakespeare, che ha anche sostenuto le idee umanistiche nelle sue opere: Romeo e Giulietta, Re Lear, Otello, Amleto. Gli autori di questo tempo ascoltavano i desideri della gente comune e gli eroi preferiti delle commedie erano sempliciotti, usurai, guerrieri e cortigiane, nonché modeste eroine sacrificali. I personaggi si adattano alla trama, che trasmetteva la realtà di quel tempo.

Il periodo del XVII-XVIII secolo è rappresentato dalla drammaturgia del barocco e del classicismo. L'umanesimo come direzione passa in secondo piano e l'eroe si sente perso. Le idee barocche separano Dio e l'uomo, cioè ora l'uomo stesso è lasciato a influenzare il proprio destino. La direzione principale della drammaturgia barocca è il manierismo (l'impermanenza del mondo e la posizione precaria dell'uomo), che è inerente ai drammi "Fuente Ovehuna" e "La stella di Siviglia" di Lope de Vega e alle opere di Tirso de Molina - "Seduttore di Siviglia", "Pia Marta".

Il classicismo è l'opposto del barocco principalmente perché si basa sul realismo. La tragedia diventa il genere principale. Un tema preferito nelle opere di Pierre Corneille, Jean Racine e Jean-Baptiste Moliere è il conflitto di interessi, sentimenti e doveri personali e civili. Il servizio allo stato è il più alto nobile obiettivo per una persona. La tragedia "The Sid" ha portato un grande successo a Pierre Corneille e due opere teatrali di Jean Racine "Alexander the Great", "Thebais, or the Brothers Enemies" sono state scritte e messe in scena su consiglio di Molière.

Molière era il drammaturgo più popolare di quel tempo ed era sotto il patrocinio del regnante e lasciò 32 commedie scritte nella maggior parte dei generi diversi. I più significativi sono "Madcap", "Doctor in Love" e "Imaginary Sick".

Durante l'Illuminismo si svilupparono tre tendenze: classicismo, sentimentalismo e rococò, che influenzarono la drammaturgia di Inghilterra, Francia, Germania e Italia nel XVIII secolo. L'ingiustizia del mondo nei confronti della gente comune è diventata un tema importante per i drammaturghi. Le classi superiori condividono i posti con la gente comune. Il Teatro dei Lumi libera le persone dai pregiudizi consolidati e diventa per loro non solo spettacolo, ma anche scuola morale. Il dramma filisteo sta guadagnando popolarità (George Lilo "The London Merchant" e Edward Moore "The Gambler"), che mette in luce i problemi della borghesia, considerandoli importanti quanto i problemi della regalità.

La drammaturgia gotica è stata presentata per la prima volta da John Home nelle tragedie "Douglas" e "Fatal Discovery", i cui temi erano di natura familiare e quotidiana. Il dramma francese è stato rappresentato in misura maggiore dal poeta, storico e pubblicista Francois Voltaire ("Edipo", "La morte di Cesare", " Figliol prodigo"). John Gay ("The Beggar's Opera") e Bertolt Brecht ("The Threepenny Opera") hanno aperto nuove direzioni per la commedia: moralistica e realistica. E Henry Fielding ha quasi sempre criticato il sistema politico inglese attraverso commedie satiriche (Love in Various Disguises, The Coffeehouse Politician), parodie teatrali (Pasquin), farse e ballate (The Lottery, The Scheming Maid), dopodiché la legge sulla censura teatrale è stato presentato.

Poiché la Germania è l'antenata del romanticismo, la drammaturgia tedesca è stata maggiormente sviluppata nel XVIII e XIX secolo. Il protagonista delle opere è una persona idealizzata e dotata di creatività, contrapposta al mondo reale. F. Schelling ha avuto una grande influenza sulla visione del mondo dei romantici. Successivamente, Gotthald Lessing pubblicò la sua opera "Drammaturgia di Amburgo", dove criticò il classicismo e promosse le idee del realismo dell'Illuminismo di Shakespeare. Johann Goethe e Friedrich Schiller creano il teatro di Weimar e migliorano la scuola di recitazione. Heinrich von Kleist ("La famiglia Schroffenstein", "Il principe Federico di Homburg") e Johann Ludwig Tieck ("Il gatto con gli stivali", "Il mondo dentro e fuori") sono considerati i rappresentanti più brillanti della drammaturgia tedesca.

Il periodo d'oro della drammaturgia in Russia

Il dramma russo iniziò a svilupparsi attivamente nel 18 ° secolo sotto il rappresentante del classicismo - A.P. Sumarokov, chiamato il "padre del teatro russo", le cui tragedie ("Mostri", "Narciso", "Guardiano", "Cornuto dall'immaginazione") erano incentrati sul lavoro di Molière. Ma fu nel XIX secolo che questa direzione svolse un ruolo di primo piano nella storia della cultura.

Diversi generi si sono sviluppati nei drammi russi. Queste sono le tragedie di V. A. Ozerov ("Yaropolk e Oleg", "Edipo ad Atene", "Dimitri Donskoy"), che riflettevano i problemi socio-politici rilevanti nel periodo Guerre napoleoniche, commedie satiriche di I. Krylov ("Famiglia pazza", "Coffee House") e drammi educativi di A. Griboedov ("Woe from Wit"), N. Gogol ("The Government Inspector") e A. Pushkin ("Boris Godunov”, “Festa del tempo della peste).

Nella seconda metà del 19° secolo, il realismo stabilì saldamente la sua posizione nei drammi russi e A. Ostrovsky divenne il drammaturgo più sorprendente in questa direzione. Il suo lavoro consisteva in commedie storiche ("Voevoda"), drammi ("Tempesta"), commedie satiriche ("Lupi e pecore") e fiabe. Il personaggio principale delle opere era un avventuriero pieno di risorse, mercante e attore di provincia.

Caratteristiche della nuova direzione

Il periodo che va dal XIX al XX secolo ci introduce a un nuovo dramma, che è la drammaturgia naturalistica. Gli scrittori di questo tempo hanno cercato di trasmettere la vita "reale", mostrando gli aspetti più sgradevoli della vita delle persone di quel tempo. Le azioni di una persona erano determinate non solo dalle sue convinzioni interiori, ma anche dalle circostanze circostanti che le hanno influenzate, quindi il personaggio principale del lavoro potrebbe essere non una persona, ma anche un'intera famiglia o un problema separato, evento.

Il nuovo dramma rappresenta diverse correnti letterarie. Sono tutti accomunati dall'attenzione dei drammaturghi allo stato d'animo del personaggio, alla plausibile trasmissione della realtà e alla spiegazione di tutte le azioni umane dal punto di vista delle scienze naturali. Fu Henrik Ibsen il fondatore del nuovo dramma e l'influenza del naturalismo si manifestò più chiaramente nella sua commedia Ghosts.

A cultura teatrale Nel 20° secolo iniziano a svilupparsi 4 direzioni principali: simbolismo, espressionismo, dadaismo e surrealismo. Tutti i fondatori di queste correnti drammatiche erano accomunati dal rifiuto della cultura tradizionale e dalla ricerca di nuovi mezzi espressivi. Maeterlinck ("The Blind", "Joan of Arc") e Hofmannsthal ("The Fool and Death"), come rappresentanti del simbolismo, usano la morte e il ruolo dell'uomo nella società come tema principale delle loro opere, e Hugo Ball, un rappresentante della drammaturgia dadaista, ha sottolineato l'insensatezza esistenza umana e totale rifiuto di tutte le credenze. Il surrealismo è associato al nome di Andre Breton ("Please"), i cui eroi sono caratterizzati da dialoghi incoerenti e autodistruzione. Il dramma espressionista eredita il romanticismo, in cui il personaggio principale si oppone al mondo intero. Rappresentanti questa direzione nella drammaturgia c'erano Gan Jost ("Giovane uomo", "L'eremita"), Arnolt Bronnen ("Rivolta contro Dio") e Frank Wedekind ("Il vaso di Pandora").

dramma contemporaneo

A cavallo tra il XX e il XXI secolo, la drammaturgia moderna ha perso le sue posizioni e si è spostata in uno stato di ricerca di nuovi generi e mezzi espressivi. In Russia si formò la direzione dell'esistenzialismo, che successivamente si sviluppò in Germania e Francia.

Jean-Paul Sartre nei suoi drammi ("Behind Closed Doors", "Flies") e altri drammaturghi scelgono una persona che pensa costantemente alla vita sconsiderata come l'eroe delle loro opere. Questa paura gli fa pensare all'imperfezione del mondo che lo circonda e cambiarlo.

Sotto l'influenza di Franz Kafka, sorge il teatro dell'assurdo, che nega i personaggi realistici, e le opere dei drammaturghi sono scritte sotto forma di dialoghi ripetitivi, incoerenza delle azioni e assenza di relazioni causali. La drammaturgia russa sceglie i valori umani universali come tema principale. Difende gli ideali dell'uomo e si batte per la bellezza.

Lo sviluppo della drammaturgia in letteratura è direttamente correlato al corso eventi storici nel mondo. drammaturghi paesi diversi, costantemente sotto l'impressione di problemi socio-politici, spesso guidavano essi stessi la direzione dell'arte e quindi influenzavano le masse. Il periodo di massimo splendore della drammaturgia cadde nell'era dell'Impero Romano, dell'Antico Egitto e della Grecia, durante il cui sviluppo le forme e gli elementi del dramma cambiarono e il tema delle opere introduceva nuovi problemi nella trama o tornava al vecchi problemi dell'antichità. E se i drammaturghi dei primi millenni prestavano attenzione all'espressività del discorso e al carattere dell'eroe, che è più chiaramente espresso nell'opera del drammaturgo di quel tempo - Shakespeare, allora i rappresentanti della direzione moderna hanno rafforzato il ruolo di atmosfera e sottotesto nelle loro opere. Sulla base di quanto sopra, possiamo dare una terza risposta alla domanda: che cos'è la drammaturgia? Si tratta di opere drammatiche unite da un'epoca, paese o scrittore.

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I concetti di "genere", specie, "genere"

Genere letterario - una serie di opere letterarie simili nel tipo di organizzazione del discorso e focus cognitivo su un oggetto o soggetto, o l'atto stesso dell'espressione artistica.

La divisione della letteratura in generi si basa sulla distinzione tra le funzioni della parola: la parola o raffigura il mondo oggettivo, o esprime lo stato di chi parla, oppure riproduce il processo di comunicazione verbale.

Tradizionalmente, ci sono tre tipi letterari, ognuno dei quali corrisponde a una specifica funzione della parola:
epico (funzione pittorica);
testi (funzione espressiva);
Dramma ( funzione comunicativa).

Obbiettivo:
L'immagine della personalità umana è oggettiva, in interazione con altre persone ed eventi.
Materia:
Il mondo esterno nel suo volume plastico, estensione spazio-temporale e ricchezza di eventi: personaggi, circostanze, ambiente sociale e naturale in cui i personaggi interagiscono.
Contenuto:
Il contenuto oggettivo della realtà nei suoi aspetti materiali e spirituali, presentato in personaggi e circostanze artisticamente tipizzati dall'autore.
Il testo ha una struttura prevalentemente descrittiva-narrativa; un ruolo speciale è svolto dal sistema dei dettagli soggetto-pittorici.

Obbiettivo:
Espressione di pensieri e sentimenti dell'autore-poeta.
Materia:
Il mondo interiore della personalità nella sua impulsività e spontaneità, la formazione e il cambiamento di impressioni, sogni, stati d'animo, associazioni, meditazioni, riflessioni provocate dall'interazione con il mondo esterno.
Contenuto:
Il mondo interiore soggettivo del poeta e la vita spirituale dell'umanità.
Caratteristiche dell'organizzazione sottile. discorsi:
Il testo si distingue per una maggiore espressività, le possibilità figurative del linguaggio, la sua organizzazione ritmica e sonora svolgono un ruolo speciale.

Obbiettivo:
Immagine della personalità umana in azione, in conflitto con altre persone.
Materia:
Il mondo esterno, rappresentato attraverso i personaggi e le azioni intenzionali dei personaggi, e il mondo interiore dei personaggi.
Contenuto:
Il contenuto oggettivo della realtà, presentato in personaggi e circostanze artisticamente caratterizzati dall'autore, e che coinvolgono un'incarnazione scenica.
Caratteristiche dell'organizzazione sottile. discorsi:
Il testo ha una struttura prevalentemente dialogica, che include monologhi dei personaggi.
Tipo letterario - tipo stabile struttura poetica all'interno del genere letterario.

Genere - un gruppo di opere all'interno di un tipo letterario, unite da caratteristiche formali, significative o funzionali comuni. Per ciascuno epoca letteraria e le tendenze in genere hanno il loro specifico sistema di generi.

Epos: tipi e generi

Forme grandi:
epico;
Romanzo (generi del romanzo: romanzo familiare, socio-psicologico, filosofico, storico, fantastico, utopico, romanzo di educazione, Storia d'amore, Romanzo d'avventura, Romanzo di viaggio, Lyro-epic (romanzo in versi))
romanzo epico;
Poema epico.

Forme medie:
Racconto (generi del racconto: Famiglia-familiare, Sociale-psicologico, Filosofico, Storico, Fantastico, Fiabesco, Avventura, Racconto in versi);
Poesia (generi poetici: epico, eroico, lirico, lirico-epico, drammatico, ironico-fumetto, didattico, satirico, burlesco, lirico-drammatico (romantico));

Piccole forme:
Storia (generi narrativi: Saggio (descrittivo-narrativo, “morale-descrittivo”), Romanzo (conflitto-narrativo);
Novella;
Fiaba (generi di fiabe: magico, sociale, satirico, socio-politico, lirico, fantastico, animalista, scientifico ed educativo);
Favola;
Saggio (generi di saggistica: Artistico, Giornalistico, Documentario).

Un'epopea è un'opera epica di problemi nazionali che ha una forma monumentale.

Un romanzo è una grande forma di epopea, un'opera con una trama dettagliata, in cui la narrazione è incentrata sul destino di diverse personalità nel processo di formazione, sviluppo e interazione, schierate in spazio artistico e tempo a sufficienza per trasmettere l'"organizzazione" del mondo e analizzarla essenza storica. Essendo un'epopea della vita privata, il romanzo presenta la vita individuale e sociale come relativamente indipendenti, non esaustive e non assorbenti a vicenda. La storia del destino individuale nel romanzo acquista un significato generale, sostanziale.

La storia è la forma media dell'epopea, un'opera con una cronaca, di regola, una trama in cui la narrazione è incentrata sul destino di un individuo nel processo di formazione e sviluppo.

Poesia: un'opera poetica di grandi o medie dimensioni con una trama narrativa o lirica; in varie modificazioni di genere, ne svela la sintesi, coniugando esordi moralistici ed eroici, vissuti intimi e grandi sconvolgimenti storici, tendenze lirico-epiche e monumentali.

Storia - piccola forma epica finzione, piccolo in termini di volume dei fenomeni della vita raffigurati, e quindi in termini di volume del testo, un'opera in prosa.

Un racconto è un piccolo genere di prosa, paragonabile per volume a un racconto, ma ne differisce per una trama fortemente centripeta, spesso paradossale, per mancanza di descrittività e rigore compositivo.

Fiaba letteraria - prosa artistica o opera poetica dell'autore, basata su fonti folcloristiche o puramente originale; l'opera è prevalentemente fantastica, magica, raffigurante le meravigliose avventure di personaggi di fantasia o fiabe tradizionali, in cui la magia, un miracolo svolge il ruolo di fattore di formazione della trama, funge da punto di partenza principale per la caratterizzazione dei personaggi.

Una favola è una piccola forma di epopea didattica, storia breve in versi o in prosa con una conclusione morale esplicitamente formulata che dà la storia significato allegorico. L'esistenza di una favola è universale: è applicabile a diverse occasioni. Mondo dell'arte le favole includono il tradizionale cerchio di immagini e motivi (animali, piante, figure schematiche di persone, storie istruttive), spesso dipinte con toni di commedia e critica sociale.

Un saggio è una sorta di piccola forma di letteratura epica, che si differenzia da un racconto e da un racconto per l'assenza di un unico conflitto rapidamente risolto e per un maggiore sviluppo di un'immagine descrittiva. Il saggio tocca non tanto i problemi della formazione del carattere della personalità nei suoi conflitti con l'ambiente sociale costituito, ma i problemi dello stato civile e morale dell'“ambiente” e presenta una grande diversità cognitiva.

Testi: gruppi tematici e generi

Gruppi tematici:
Testi meditativi
testi intimi
(amichevole e testi d'amore)
testi di paesaggi
Testi civili (socio-politici).
Testi filosofici

Generi:
o si
Inno
Elegia
Idillio
Sonetto
Canzone
Romanza
Ditirambo
Madrigale
Pensiero
Messaggio
Epigramma
Ballata

Ode - il genere principale di alto stile, caratteristico principalmente per la poesia del classicismo. L'ode si distingue per temi canonici (glorificazione di Dio, patria, saggezza di vita, ecc.), tecniche (attacco "tranquillo" o "rapido", presenza di digressioni, "disordine lirico consentito") e tipi (le odi sono spirituale, solenne - "pindarico", moralizzante - "oraziano", amore - "anacreonte").

Anthem è una canzone solenne di versi di natura programmatica.

L'elegia è un genere di testi, una poesia di media lunghezza, di contenuto meditativo o emotivo (solitamente triste), il più delle volte in prima persona, senza una composizione distinta.

Idillio - un genere di testi, una piccola opera raffigurante una natura eternamente bella, a volte in contrasto con una persona irrequieta e viziosa, una vita pacifica e virtuosa nel seno della natura, ecc.

Sonetto - una poesia di 14 versi, che formano 2 quartine e 2 terzine o 3 quartine e 1 distico. Sono noti i seguenti tipi di sonetti:
Sonetto "francese" - abba abba ccd eed (o ccd ede);
Sonetto "italiano" - abab abab cdc dcd (o cde cde);
“Sonetto inglese” - abab cdcd efef gg.

Una corona di sonetti è un ciclo di 14 sonetti, in cui il primo verso di ciascuno ripete l'ultimo verso del precedente (formando una "ghirlanda"), e insieme questi primi versi si sommano al 15° sonetto "principale" ( formare una lucentezza).

Romance è una breve poesia scritta per canto solista con accompagnamento strumentale, il cui testo è caratterizzato da una melodia melodiosa, semplicità e armonia sintattica, completezza della frase entro i confini della strofa.

Dithyramb - un genere di testi antichi che sorse come una canzone corale, un inno in onore del dio Dioniso, o Bacco, in seguito - in onore di altri dei ed eroi.

Madrigal è una piccola poesia dal contenuto prevalentemente amorevole-complimentare (meno spesso astratto-meditativo), di solito con un'affilatura paradossale alla fine.

Duma è una canzone epica lirica, il cui stile è caratterizzato da immagini simboliche, parallelismi negativi, ritardo, frasi tautologiche, determinazione.

Il messaggio è un genere di testi, una lettera poetica, la cui caratteristica formale è la presenza di un appello a un destinatario specifico e, di conseguenza, motivi come richieste, desideri, esortazioni, ecc. Il contenuto del messaggio, secondo la tradizione (da Orazio), è prevalentemente morale-filosofica e didattica, ma sono stati numerosi i messaggi narrativi, panegirici, satirici, d'amore, ecc.

Un epigramma è un breve poema satirico, di solito con uno acuto alla fine.

Ballad - una poesia con uno sviluppo drammatico della trama, su cui si basa storia straordinaria, che riflette i momenti essenziali delle interazioni tra una persona e la società o le relazioni interpersonali. I tratti caratteristici della ballata sono un piccolo volume, una trama tesa, solitamente satura di tragedia e mistero, narrazione a scatti, dialogismo drammatico, melodiosità e musicalità.

Sintesi di testi con altri tipi di letteratura

Generi (tipi) lirico-epici - opere letterarie e artistiche che combinano le caratteristiche dell'epica e dei testi; la narrazione della trama sugli eventi si combina in essi con le affermazioni emotivo-meditative del narratore, creando l'immagine dell'io lirico. La connessione dei due principi può agire come unità del tema, come autoriflessione del narratore, come motivazione psicologica e quotidiana del racconto, come partecipazione diretta dell'autore allo svolgersi della trama, come esposizione da parte dell'autore delle proprie tecniche , che diventa un elemento del concept artistico. Dal punto di vista compositivo, questa connessione è spesso realizzata sotto forma di digressioni liriche.

Una poesia in prosa è un'opera lirica in forma di prosa che ha caratteristiche di una poesia lirica come un piccolo volume, una maggiore emotività, una composizione solitamente senza trama, un'impostazione generale per esprimere un'impressione o un'esperienza soggettiva.

Eroe lirico- l'immagine del poeta nei testi, uno dei modi per rivelare la coscienza dell'autore. L'eroe lirico è un "doppio" artistico dell'autore-poeta, che nasce dal testo delle composizioni liriche (un ciclo, un libro di poesie, un poema lirico, l'intera serie di testi) come una figura chiaramente definita o ruolo vitale, come persona dotata della certezza del destino individuale, della distinzione psicologica mondo interiore, e talvolta anche caratteristiche di un aspetto plastico.

Forme di espressione lirica:
monologo in prima persona (AS Pushkin - "Ti ho amato ...");
testi di ruolo - un monologo a nome del personaggio introdotto nel testo (A.A. Blok - "I am Hamlet, / Il sangue si sta raffreddando ...");
espressione dei sentimenti e dei pensieri dell'autore attraverso un'immagine del soggetto (A.A. Fet - "Il lago si addormentò ...");
espressione dei sentimenti e dei pensieri dell'autore attraverso riflessioni in cui le immagini oggettive svolgono un ruolo subordinato o sono fondamentalmente condizionali (A.S. Pushkin - "Echo");
espressione dei sentimenti e dei pensieri dell'autore attraverso il dialogo di personaggi condizionali (F. Villon - “La disputa tra Villon e la sua anima”);
fare appello a una persona indefinita (F.I. Tyutchev - "Silentium");
trama (M.Yu. Lermontov - "Tre palme").

Tragedia - "Tragedia del Rock", "Alta Tragedia";
Commedia - Commedia dei personaggi, Commedia del quotidiano (morale), Commedia delle posizioni, Commedia delle maschere (commedia dell'arte), Commedia dell'intrigo, Commedia buffoneria, Commedia lirica, Commedia satirica, commedia sociale, “alta commedia”;
Dramma (vista) - "Dramma piccolo-borghese", Dramma psicologico, Dramma lirico, Dramma narrativo (epico);
Tragicommedia;
Mistero;
Melodramma;
Vaudeville;
Palcoscenico.

La tragedia è un tipo di dramma basato su una collisione irrisolvibile di personaggi eroici con il mondo, il suo tragico esito. La tragedia è caratterizzata da severa serietà, dipinge la realtà in modo più esplicito, come un grumo di contraddizioni interne, rivela i conflitti più profondi della realtà in una forma estremamente intensa e ricca, che acquista il significato di un simbolo artistico.

La commedia è un tipo di dramma in cui vengono presentati personaggi, situazioni e azioni forme divertenti o intriso di comicità. La commedia mira principalmente a ridicolizzare il brutto (contraddicendo l'ideale sociale o la norma): gli eroi della commedia sono internamente insostenibili, incoerenti, non corrispondono alla loro posizione, al loro scopo, e quindi sono dati come vittime di risate, che sfatano loro, compiendo così la loro missione “ideale”.

Il dramma (vista) è uno dei principali tipi di dramma come genere letterario, insieme alla tragedia e alla commedia. Come una commedia, recita principalmente privacy persone, ma il suo obiettivo principale non è ridicolizzare la morale, ma rappresentare l'individuo nel suo drammatico rapporto con la società. Come la tragedia, il dramma tende a ricreare forti contraddizioni; allo stesso tempo, i suoi conflitti non sono così tesi e inevitabili e, in linea di principio, consentono la possibilità di una risoluzione di successo, ei suoi personaggi non sono così eccezionali.

La tragicommedia è un tipo di dramma che ha caratteristiche sia della tragedia che della commedia. La visione tragicomica del mondo alla base della tragicommedia è associata al senso della relatività dei criteri di vita esistenti e al rifiuto dell'assoluto morale della commedia e della tragedia. La tragicommedia non riconosce affatto l'assoluto, il soggettivo qui può essere visto come oggettivo e viceversa; un senso di relatività può portare al relativismo completo; la rivalutazione dei principi morali può ridursi all'incertezza nella loro onnipotenza o al definitivo rifiuto di una ferma moralità; una comprensione poco chiara della realtà può causare un ardente interesse per essa o una completa indifferenza, può comportare una minore certezza nel mostrare loro le leggi dell'essere o l'indifferenza e persino la loro negazione - fino al riconoscimento dell'illogicità del mondo.

Mistero - un genere di teatro dell'Europa occidentale dell'epoca tardo medioevo, il cui contenuto era storie bibliche; scene religiose si alternavano in esse con intermezzi, il misticismo si combinava con il realismo, la pietà - con la blasfemia.

Il melodramma è un tipo di dramma, un'opera teatrale con intrighi acuti, emotività esagerata, una forte opposizione tra il bene e il male e una tendenza morale e istruttiva.

Vaudeville è uno dei tipi di dramma, un gioco di luci con un intrigo divertente, con canti e balli distici.

La farsa è un tipo di teatro e letteratura popolare dei paesi dell'Europa occidentale del XIV-XVI secolo, principalmente la Francia, che si distingueva per un orientamento comico, spesso satirico, concretezza realistica, libero pensiero ed era pieno di buffoneria.

Le opere drammatiche (un'altra grande azione), come quelle epiche, ricreano la serie di eventi, le azioni delle persone e le loro relazioni. Come l'autore di un'opera epica, il drammaturgo è soggetto alla "legge dello sviluppo dell'azione". Ma non c'è un'immagine narrativa-descrittiva dettagliata nel dramma.

In realtà, il discorso dell'autore qui è ausiliario ed episodico. Tali sono gli elenchi degli attori, talvolta accompagnati da brevi caratteristiche, designazione del tempo e luogo dell'azione; descrizioni della situazione scenica all'inizio di atti ed episodi, nonché commenti su repliche individuali dei personaggi e indicazioni dei loro movimenti, gesti, espressioni facciali, intonazioni (osservazioni).

Tutto ciò costituisce un testo a margine di un'opera drammatica, il cui testo principale è una catena di affermazioni di personaggi, loro repliche e monologhi.

Da qui qualche limitazione. possibilità artistiche Dramma. Lo scrittore-drammaturgo usa solo una parte dei mezzi visivi a disposizione del creatore di un romanzo o di un poema epico, di un racconto o di un racconto. E i personaggi dei personaggi si rivelano nel dramma con meno libertà e pienezza che nell'epopea. "Percepisco il dramma", ha osservato T. Mann, "come l'arte della silhouette, e sento solo la persona raccontata come un'immagine voluminosa, integrale, reale e plastica".

Allo stesso tempo, i drammaturghi, a differenza degli autori opere epiche, sono costretti a limitarsi al volume di testo verbale che soddisfi i requisiti dell'art. Il tempo dell'azione rappresentato nel dramma deve rientrare nella rigida struttura del tempo scenico.

E lo spettacolo nelle forme familiari al nuovo teatro europeo dura, come sapete, non più di tre o quattro ore. E questo richiede una dimensione adeguata del testo drammatico.

Il tempo degli eventi riprodotti dal drammaturgo durante l'episodio teatrale non è compresso o allungato; i personaggi del dramma si scambiano osservazioni senza intervalli di tempo evidenti e le loro dichiarazioni, come notato da K.S. Stanislavsky, forma una linea solida e continua.

Se con l'aiuto della narrazione l'azione viene impressa come qualcosa di passato, allora la catena di dialoghi e monologhi nel dramma crea l'illusione del tempo presente. La vita qui parla come dalla sua stessa faccia: tra ciò che è raffigurato e il lettore non c'è intermediario-narratore.

L'azione viene ricreata nel dramma con la massima immediatezza. Scorre come davanti agli occhi del lettore. “Tutte le forme narrative”, scriveva F. Schiller, “trasferiscono il presente nel passato; tutto il drammatico rende il passato presente”.

Il dramma è orientato al palcoscenico. E il teatro è un'arte pubblica, di massa. La performance colpisce direttamente molte persone, come se si unisse in una sola in risposta a ciò che sta accadendo prima di loro.

Lo scopo del dramma, secondo Pushkin, è quello di agire sulla moltitudine, di occupare la sua curiosità” e per questo catturare la “verità delle passioni”: “Il dramma nasce sulla piazza e costituisce il divertimento del popolo. Le persone, come i bambini, richiedono divertimento, azione. Il dramma gli presenta avvenimenti straordinari e strani. Le persone vogliono sentimenti forti. Risata, pietà e orrore sono le tre corde della nostra immaginazione, scossa dall'arte drammatica.

Il genere letterario drammatico è particolarmente legato alla sfera della risata, poiché il teatro si è consolidato e sviluppato in stretto collegamento con le feste di massa, in un clima di gioco e divertimento. " genere comicoè universale per l'antichità", ha osservato O. M. Freidenberg.

Lo stesso vale per il teatro e il teatro di altri paesi ed epoche. Aveva ragione T. Mann quando definì "l'istinto del comico" "il principio fondamentale di ogni abilità drammatica".

Non sorprende che il dramma graviti verso una rappresentazione apparentemente spettacolare di ciò che viene rappresentato. Il suo immaginario risulta essere iperbolico, accattivante, teatrale e luminoso. "Il teatro richiede linee generali esagerate sia nella voce, nella recitazione e nei gesti", ha scritto N. Boileau. E questa proprietà arti dello spettacolo invariabilmente lascia il segno sul comportamento degli eroi delle opere drammatiche.

"Come si è comportato a teatro", commenta Bubnov (At the Bottom di Gorky) sulla frenetica filippica del disperato Klesh, che, con un'intrusione inaspettata nella conversazione generale, gli ha dato un effetto teatrale.

Significativi (come caratteristica della letteratura drammatica) sono i rimproveri di Tolstoj contro W. Shakespeare per l'abbondanza di iperboli, per cui, per così dire, "viene violata la possibilità di un'impressione artistica". "Fin dalle prime parole", ha scritto sulla tragedia "King Lear", "si può vedere un'esagerazione: un'esagerazione degli eventi, un'esagerazione dei sentimenti e un'esagerazione delle espressioni".

L. Tolstoj aveva torto nel valutare l'opera di Shakespeare, ma l'idea dell'impegno del grande drammaturgo inglese per l'iperbole teatrale è del tutto giustificata. Ciò che è stato detto su "Re Lear" non meno ragione può essere attribuito a commedie e tragedie antiche, opere drammatiche classicismo, ai drammi di F. Schiller e V. Hugo, ecc.

Nel XIX-XX secolo, quando nella letteratura prevaleva il desiderio di autenticità mondana, le convenzioni inerenti al dramma divennero meno evidenti, spesso ridotte al minimo. All'origine di questo fenomeno c'è il cosiddetto "dramma piccolo-borghese" del XVIII secolo, i cui ideatori e teorici furono D. Diderot e G.E. Lessing.

Opere dei più grandi drammaturghi russi del XIX secolo. e l'inizio del XX secolo - A.N. Ostrovsky, A.P. Cechov e M. Gorky - si distinguono per l'affidabilità delle forme di vita ricreate. Ma anche quando i drammaturghi hanno messo gli occhi sulla plausibilità, la trama, l'iperbole psicologica e in realtà verbale è rimasta.

Le convenzioni teatrali si facevano sentire anche nella drammaturgia di Cechov, che era il limite massimo della "realtà". Diamo un'occhiata alla scena finale de Le tre sorelle. Una giovane donna ha rotto con una persona cara dieci o quindici minuti fa, probabilmente per sempre. Altri cinque minuti fa ha saputo della morte del suo fidanzato. E ora loro, insieme alla sorella maggiore, terza, riassumono i risultati morali e filosofici del passato, pensando al suono di una marcia militare sul destino della loro generazione, sul futuro dell'umanità.

È difficile immaginare che ciò accada nella realtà. Ma non ci accorgiamo dell'implausibilità del finale de Le tre sorelle, perché siamo abituati al fatto che il dramma cambia in modo significativo le forme di vita delle persone.

Quanto sopra convince della giustizia del giudizio di A. S. Pushkin (dal suo articolo già citato) che "l'essenza stessa dell'arte drammatica esclude la plausibilità"; “Leggendo una poesia, un romanzo, spesso possiamo dimenticare noi stessi e credere che l'incidente descritto non sia finzione, ma verità.

In un'ode, in un'elegia, possiamo pensare che il poeta abbia rappresentato i suoi veri sentimenti, in circostanze reali. Ma dov'è la credibilità in un edificio diviso in due parti, di cui una piena di spettatori che hanno acconsentito.

Il ruolo più importante nelle opere drammatiche spetta alle convenzioni del discorso di auto-rivelazione dei personaggi, i cui dialoghi e monologhi, spesso saturati di aforismi e massime, risultano essere molto più estesi ed efficaci di quelle osservazioni che potrebbero essere pronunciate in un situazione di vita simile.

Le repliche "a parte" sono convenzionali, che, per così dire, non esistono per gli altri personaggi sul palco, ma sono chiaramente udibili dal pubblico, così come i monologhi pronunciati dai personaggi soli, soli con se stessi, che sono puramente teatrali tecnica per far emergere il discorso interiore (ci sono molti monologhi come in antiche tragedie, e nella drammaturgia dei tempi moderni).

Il drammaturgo, impostando una sorta di esperimento, mostra come si esprimerebbe una persona se esprimesse i suoi stati d'animo con la massima pienezza e luminosità nelle parole pronunciate. E il discorso in un'opera drammatica assume spesso una somiglianza con il discorso artistico lirico o oratorio: i personaggi qui tendono ad esprimersi come improvvisatori-poeti o maestri del parlare in pubblico.

Pertanto, Hegel aveva in parte ragione, considerando il dramma come una sintesi dell'inizio epico (eventi) e lirico (espressione vocale).

Il dramma ha, per così dire, due vite nell'arte: teatrale e letteraria. Costituendo la base drammatica degli spettacoli, esistenti nella loro composizione, l'opera drammatica è percepita anche dal pubblico dei lettori.

ma questo non era sempre il caso. L'emancipazione del dramma dalla scena è avvenuta gradualmente - nel corso di diversi secoli e si è conclusa in tempi relativamente recenti: nei secoli XVIII-XIX. Esempi significativi di drammaturgia a livello mondiale (dall'antichità al XVII secolo) al momento della loro creazione non erano praticamente riconosciuti come Lavori letterari: esistevano solo come parte delle arti dello spettacolo.

Né W. Shakespeare né JB Molière furono percepiti dai loro contemporanei come scrittori. La “scoperta” nella seconda metà del XVIII secolo Shakespeare come un grande poeta drammatico.

Nel 19 ° secolo (soprattutto nella sua prima metà) i meriti letterari del dramma erano spesso posti al di sopra di quelli scenici. Quindi, Goethe credeva che "le opere di Shakespeare non sono per gli occhi del corpo", e Griboyedov definì "infantile" il suo desiderio di ascoltare i versi di "Woe from Wit" dal palco.

Si è diffuso il cosiddetto Lesedrama (dramma per la lettura), creato con un focus principalmente sulla percezione nella lettura. Tali sono il Faust di Goethe, le opere drammatiche di Byron, le piccole tragedie di Pushkin, i drammi di Turgenev, sui quali l'autore ha osservato: "Le mie opere teatrali, insoddisfacenti sul palcoscenico, possono essere di qualche interesse da leggere".

Non ci sono differenze fondamentali tra il Lesedrama e l'opera teatrale, che l'autore orienta verso la messa in scena. I drammi creati per la lettura sono spesso potenzialmente drammi teatrali. E il teatro (compreso quello moderno) cerca ostinatamente e talvolta trova le chiavi, la cui prova sono le produzioni di successo di "Un mese in campagna" di Turgenev (prima di tutto, questa è la famosa rappresentazione pre-rivoluzionaria Teatro d'Arte) e numerose (sebbene tutt'altro che sempre riuscite) letture teatrali delle piccole tragedie di Puskin nel XX secolo.

La vecchia verità rimane in vigore: lo scopo più importante e principale del dramma è il palcoscenico. "Solo quando viene eseguita sul palco", ha osservato A. N. Ostrovsky, "la narrativa drammatica dell'autore assume una forma completamente finita e produce esattamente l'azione morale che l'autore si è prefissato come obiettivo da raggiungere".

La creazione di una performance basata su un'opera drammatica è associata al suo completamento creativo: gli attori creano disegni intonato-plastici dei ruoli che interpretano, l'artista progetta lo spazio scenico, il regista sviluppa le messe in scena. A questo proposito, il concetto di gioco cambia un po' (più attenzione ad alcuni suoi lati, meno attenzione ad altri), spesso si concretizza e si arricchisce: produzione scenica porta nuovi significati al dramma.

Allo stesso tempo, il principio della lettura fedele della letteratura è di fondamentale importanza per il teatro. Il regista e gli attori sono chiamati a trasmettere al pubblico l'opera messa in scena con la massima completezza possibile. La fedeltà della lettura scenica avviene dove il regista e gli attori comprendono profondamente l'opera drammatica nei suoi principali contenuti, genere e caratteristiche stilistiche.

Le produzioni teatrali (così come gli adattamenti cinematografici) sono legittime solo nei casi in cui vi sia accordo (anche se relativo) tra il regista e gli attori e la cerchia di idee del drammaturgo sceneggiatore, quando le figure di scena siano attentamente attente al significato di l'opera messa in scena, alle caratteristiche del suo genere, alle caratteristiche del suo stile e al testo stesso.

Nell'estetica classica del XVIII-XIX secolo, in particolare da Hegel e Belinsky, il dramma (principalmente il genere della tragedia) era considerato la forma più alta di creatività letteraria: la “corona della poesia”.

Tutta la linea epoche artistiche ed anzi si dimostrò per eccellenza nelle arti drammatiche. Eschilo e Sofocle nel periodo d'oro della cultura antica, Molière, Racine e Corneille nel periodo del classicismo non ebbero eguali tra gli autori di opere epiche.

Significativa in questo senso è l'opera di Goethe. Per il grande scrittore tedesco tutto era a disposizione generi letterari, ha coronato la sua vita nell'arte con la creazione di un'opera drammatica: l'immortale Faust.

Nei secoli passati (fino al 18° secolo), il dramma non solo ha gareggiato con successo con l'epopea, ma spesso è diventato la forma principale di riproduzione artistica della vita nello spazio e nel tempo.

Ciò è dovuto a una serie di motivi. In primo luogo, è stato svolto un ruolo importante arte teatrale, accessibile (a differenza di un libro manoscritto e stampato) alle fasce più ampie della società. In secondo luogo, le proprietà delle opere drammatiche (la rappresentazione di personaggi con lineamenti pronunciati, la riproduzione delle passioni umane, l'attrazione per il pathos e il grottesco) nell'era "prerealista" corrispondevano pienamente alle tendenze letterarie e artistiche generali.

E sebbene nei secoli XIX-XX. il romanzo socio-psicologico, genere di letteratura epica, si è spostato alla ribalta della letteratura; le opere drammatiche hanno ancora un posto d'onore.

V.E. Khalizev Teoria della Letteratura. 1999

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