História sama dokazuje, že klasické umenie je večné. Jeho ideály pochádzajú z antického sveta. Čas plynul, ríše sa rúcali, generácie nasledovali generácie. Po stredoveku, ktorý bol považovaný za dekadentné obdobie, sa európske umenie obracia k ideálom minulosti a začína ich čerpať práve zo starovekého dedičstva. Začiatok novej etapy v kultúre, a najmä v architektúre a výzdobe, položila v 16. storočí talianska renesancia. V interiéroch palácov sa objavil dovtedy nevídaný luxus a dekoratívnosť, reprezentovaná jednotlivými prvkami, ktoré pochádzali z antická éra... 17. storočie bolo rozkvetom klasiky. Svoje nápadné stelesnenie dosiahlo v interiéroch francúzskych palácov za vlády Ľudovíta XVII. Práve vtedy vznikol nádherný Versailles. To isté storočie dalo rôzne štylistické smery klasiky - baroko, rokoko, impérium atď.

Klasika a klasicizmus v interiéri

Mimochodom, pri opise interiérového umenia sa často používajú výrazy „klasický“ a „klasicizmus“. Ak je medzi nimi zásadný rozdiel? Bez toho, aby sme prešli do teoretických úvah, označme: existuje uhol pohľadu, ktorý sa klasicizmus líši od klasiky v tom, že nejde o kvalitatívny, ale o funkčný koncept, ktorý odzrkadľuje osobitný typ umeleckého myslenia na základe túžby po celistvosti, jasnosti , jednoduchosť, vyváženosť a dôslednosť. V architektúre a vnútornom umení sa koncept klasicizmu často používa, aj keď prichádza o interpretácii starovekého dedičstva. A koncept „klasiky“ zovšeobecňuje rôzne odvetvia klasické umenie- barokový, francúzsky klasicizmus, rokoko, empírový štýl atď. Pre slušnosť treba poznamenať, že samotný pojem „klasicizmus“ sa objavil až v 19. storočí, keď už bola táto éra na konci a vyznávači romantického trendu začali s tým ich nezmieriteľný boj.

Barok v interiéri

Barokový štýl vznikol za čias jedného z najúžasnejších majstrov talianskej renesancie - Michelangela Buonarrotiho v 16. storočí. Baroko sa vo Francúzsku naplno odhalilo a existovalo až do polovica XVIII storočia. Slávnosť, dynamika, malebnosť sú to, čo charakterizuje baroko. Jeho obľúbené tvary sú zakrivené, oválne, skrútené. Objavujú sa v oboch architektonické prvky a v nábytku, doplnkoch, jednotlivých častiach. Nie nadarmo slovo „barokový“ pochádza z portugalskej peroly barroca - „perla bizarného tvaru“. Vnútorná výzdoba je zámerne preťažená dekorom: štuková lišta, pozlátené vyrezávané bagety, intarzie, atď. Luxus je nepokoje vo všetkých svojich prejavoch.

Rokoko v interiéri

Rokoko sa objavilo vo Francúzsku na začiatku 18. storočia a existovalo takmer do konca tohto storočia. Niektorí to považovali za „preriedenie“ baroka. Ale v podstate sa ich estetika nápadne nelíši. Rokoko, podobne ako baroko, podporuje luxus a dekoratívne bohatstvo interiéru. Na efektivite využilo rokoko všetky známe prvky baroka. Rokokový ornament si však vyberá vektor svojho umeleckého myslenia. Tento štýl je charakterizovaný komplexnými frakčnými asymetrickými vzormi, ktorých obľúbenými motívmi sú rastlinné kučery, amorky, rokajly atď. Používa sa aj elegantný štukový výlisok v podobe sviežich vencov z kvetov, zakrivených konárov, vtákov atď.

Anglická klasika

Anglická klasika alebo viktoriánsky štýl - toto dvojité meno je spôsobené tým, že anglická klasika sa formovala počas vlády kráľovnej Viktórie (1837-1901). Všetko to začalo tým, že nastupujúci štýl začal skúšať všetko, čo existovalo pred týmto smerom - rokoko, impérium, neoklasicizmus atď., Dokonca došlo k pohybu „gotickej renesancie“. Takýto eklekticizmus, ktorý niektorí vedci vnímajú ako dôkaz konvenčnosti viktoriánskeho štýlu (existujú dokonca návrhy na zapracovanie tejto definície do úvodzoviek), napriek tomu dal anglickým klasikom ich individuálny charakter. Zariadenie anglického domu zodpovedá vtedajším snahám anglickej aristokracie o prosperujúci a meraný život. Izby sú tiež plné rôznych dekoratívnych drobností. Nábytok je masívny a vyrobený z prírodných materiálov. Drevo vo forme panelov sa používalo aj pri výzdobe stien. Obľúbeným doplnkom boli starožitnosti, porcelánové súpravy, obrazy psov a koní a sochy. Obľúbené farby anglickej klasiky sú žltá, béžová, červená, tehlová, zelená. V dekorácii takého interiéru sa nezaobídete bez kvetinových vzorov na záclonách, čalúnení a obrusoch, ako aj lakonického jasného šeku na tradičnej anglickej deke. Povinným kusom nábytku v tejto dobe bola knižnica alebo knižnica. A samozrejme, krb, ktorý ohrieva obyvateľov Foggy Albion. Interiér v Anglický štýl mnohým sa to môže zdať ťažké, minulosť v tom akoby zamrzla, iba hodiny starého otca, ktoré každú hodinu hlasno bijú (jeden z kľúčových predmetov anglickej klasiky), pripomínajú nepretržitý plynutie času.

Text - Natalia Novikova

Úvod ………………………………………………………………………

Barokový …………………………………………………………………

Klasicizmus ……………………………………………………… ..

Romantizmus ………………………………………………………………

Realizmus ………………………………………………………………….

Bibliografia………………………………

Úvod.

Dejiny umenia sa vyznačujú zmenou rôznych štýlov a trendov.

Pod umelecký štýl porozumieť súhrnu všetkých prostriedkov umelecký prejav, všetky tvorivé techniky, ktoré vo všeobecnosti tvoria určitý obrazový systém.

Štýl ako jeden obrazový systém na základe jednoty ideologický obsah, čím vzniká jednota všetkých prvkov výtvarnej formy, všetkých výtvarných a výrazových prostriedkov. Slovo „štýl“ teda označuje viditeľnú a hmatateľnú originalitu, ktorá upúta predovšetkým pozornosť a pomocou ktorej je možné okamžite určiť rozdiel medzi jedným fenoménom umenia od ostatných.

Tieto javy sú nekonečne rozmanité: môžeme hovoriť o štýle jednotlivého diela alebo skupiny diel, o individuálnom štýle, autorovom štýle, o štýle určitých krajín, národov a geografických oblastí.

Pojem „umelecký štýl“ však najčastejšie označuje veľké „historické“ štýly určitých období, keď jednota sociálno-historického obsahu určuje stabilnú jednotu umelecko-figurálnych princípov, prostriedkov, techník.

V oblasti umenia v druhá polovica 17. storočia... štýl prekvital barokový, ktorá bola úzko spätá s vtedajšou cirkevnou a šľachtickou kultúrou. Prejavovali sa tendencie oslavovať život, všetko bohatstvo skutočného života. Maliarstvo, sochárstvo, architektúra, baroková hudba spievali a vznešení panovníci, kostol, šľachta.

V európskom umení a literatúre bol kanonizovaný iný druh estetiky, oproti umeleckým prostriedkom baroka. klasicizmus... Klasicizmus, úzko spojený s kultúrou renesancie, sa obrátil k starodávnym normám umenia o dokonalých modeloch a bol charakterizovaný racionalistickou jasnosťou a závažnosťou.

Prvá polovica 19. storočia sa stal časom intenzívneho rozvoja duchovnej kultúry. Medzi jeho rôzne prejavy patrí romantizmus charakterizovaná výnimočnou všestrannosťou. V oblasti umeleckej tvorby bol živo vtlačený ako trend v literatúre, výtvarnom umení, hudbe, divadle. Romantizmus zároveň predstavoval určitý svetonázor: romantický smer vyvinutý v oblasti filozofických a estetických myšlienok, historickej vedy, vznikol romantický typ osobnosť a správanie.

V 30.-40. rokoch 19. storočia. spolu s romantizmom v beletrii a maľbe, realizmus. Diela realistických spisovateľov Balzaca, Stendhala, Dickensa, Thackeraya a ďalších sa vyznačujú mimoriadne širokým pokrytím reality a prevahou sociálnych problémov. Život spoločnosti v jej najrozmanitejších prejavoch, život, zvyky, psychológia ľudí patriacich k rôzne triedy, nikdy v literatúre nedostali taký mnohostranný odraz.

Historické a kultúrne procesy novej doby - vývoj kapitalizmu, vedecký a technologický pokrok, sociálny systém postavený na liberálno -demokratických princípoch, idey a hodnoty osvietenstva a pozitivizmu, estetika veľkých štýlov 17. 19. storočie (baroko, rokoko, sentimentalizmus, klasicizmus, romantizmus, realizmus) - malo rozhodujúci vplyv na formovanie moderného sveta.

Barokový.

Barokový (Talianske barocco - „začarovaný“, „nemorálny“, „náchylný k excesom“, port. Perola barroca - „perla nepravidelného tvaru“ (doslova „perla so zlozvykom“); existujú ďalšie predpoklady o pôvode tohto slova) - - charakteristická kultúra storočí XVII-XVIII, ktorej centrom bolo Taliansko. Barokový štýl sa objavil v r Storočia XVI-XVII v talianskych mestách: Rím, Mantova, Benátky, Florencia. Baroková éra je považovaná za začiatok víťazného pochodu „západnej civilizácie“. Baroko sa vyznačuje kontrastom, napätím, dynamikou obrazov, afektom, snahou o vznešenosť a nádheru, o spájanie reality a ilúzie, o fúziu umenia (mestské a palácové a parkové súbory, opera, kultová hudba, oratórium); zároveň - tendencia k autonómii určitých žánrov (Concerto Grosso, Sonata, Suita v inštrumentálnej hudbe).

Ideologické základy štýlu sa vytvorili v dôsledku šoku, ktorý bol v XVI. Storočí. Reformácia a kopernikovské učenie. Zmenil sa koncept sveta ako racionálnej a trvalej jednoty, ktorý bol zavedený v staroveku, ako aj renesančný pohľad na človeka ako najracionálnejšiu bytosť. Človek sa začal rozpoznávať ako „niečo medzi všetkým a ničím“ podľa slov Pascala, „toho, kto zachytáva iba zdanie javov, ale nie je schopný pochopiť ani ich začiatok, ani koniec“.

Baroková éra dáva zabaviť obrovské množstvo času kvôli zábave: namiesto pútí - promenáda (prechádzky v parku); namiesto rytierskych turnajov - „kolotoče“ (jazda na koni) a kartové hry; namiesto záhad - divadlo a maškarný ples. Môžete tiež pridať vzhľad hojdačky a „ohnivej zábavy“ (ohňostroj). V interiéroch miesto ikon zaujali portréty a krajiny a hudba z duchovna sa zmenila na príjemnú zvukovú hru.

Baroková éra odmieta tradíciu a autoritu ako povery a predsudky. Všetko je pravda, čo je „jasne a zreteľne“ myslené alebo má matematické vyjadrenie, tvrdí filozof Descartes. Preto je baroko stále vekom Rozumu a osvietenstva. Nie je náhoda, že slovo „baroko“ sa niekedy používa na označenie jedného z typov záverov v stredovekej logike - k baroku. Prvý európsky park sa objavuje vo Versailles, kde je myšlienka lesa vyjadrená extrémne matematicky: lipovými alejami a kanálmi sa zdá byť vedené pozdĺž pravítka a stromy sú orezávané stereometrickými figúrami. Barokové armády oblečené v uniformách po prvý raz venujú veľkú pozornosť „vŕtačke“ - geometrickej správnosti útvarov na prehliadke.

Barokový človek odmieta prirodzenosť, ktorá je stotožňovaná s divokosťou, aroganciou, tyraniou, brutalitou a ignoranciou - to všetko sa v ére romantizmu stane cnosťou. Baroková žena si váži bledosť pokožky, nosí neprirodzený, domýšľavý účes, korzet a umelo predĺženú sukňu na ráme veľrybej kosti. Má na sebe podpätky.

A ideálnym mužom v barokovej ére je gentleman - z angličtiny. nežný: „mäkký“, „nežný“, „pokojný“. Spočiatku dával prednosť tomu, aby si oholil fúzy a fúzy, nosil parfumy a nosil parochne v prášku. Prečo sila, keď teraz zabíjajú stlačením spúšte muškety. V baroku je prirodzenosť synonymom brutality, divokosti, vulgárnosti a extravagancie. Pre filozofa Hobbesa je prírodný stav stav charakterizovaný anarchiou a vojnou všetkých proti všetkým.

Baroko je charakterizované myšlienkou zušľachťovania prírody na základe rozumu. Nevyhnutnosť nevydržať, ale „pekné ponúknuť príjemnými a zdvorilými slovami“ (Mládežnícke úprimné zrkadlo, 1717). Podľa filozofa Spinozu už pohony nie sú obsahom hriechu, ale „samotnou podstatou človeka“. Preto je chuť do jedla tvarovaná vynikajúco etiketa stola(v baroku sa objavili vidličky a obrúsky); záujem o opačné pohlavie - o zdvorilé flirtovanie, hádky - o vycibrený súboj.

Baroko je charakterizované predstavou spiaceho Boha - deizmom. Boh nie je myslený ako Spasiteľ, ale ako Veľký architekt ktorý stvoril svet rovnako ako hodinár, vytvára mechanizmus. Preto taká charakteristika barokového svetonázoru ako mechanizmu. Zákon zachovania energie, absolútnosť priestoru a času zaručuje Božie slovo. Po stvorení sveta však Boh odpočinul od svojej práce a nijako nezasahuje do záležitostí vesmíru. Je zbytočné modliť sa k takému Bohu - učiť sa môžeš iba od Neho. Skutoční strážcovia osvietenstva preto nie sú proroci a kňazi, ale prírodovedci. Isaac Newton objavuje zákon univerzálnej gravitácie a píše základné dielo „Matematické princípy prírodnej filozofie“ (1689) a Carl Linnaeus systematizuje biológiu „Systém prírody“ (1735). Cez Európske hlavné mestá ah Akadémie vied a vedecké spoločnosti sa zakladajú.

Rozmanitosť vnímania zvyšuje úroveň vedomia - niečo také hovorí filozof Leibniz. Galileo prvýkrát nasmeruje teleskop k hviezdam a dokazuje rotáciu Zeme okolo Slnka (1611) a Leeuwenhoek objavuje pod mikroskopom (1675) drobné živé organizmy. Obrovské plachetnice brázdia rozľahlosť svetových oceánov a vymazávajú biele miesta na geografických mapách sveta. Cestovatelia a dobrodruhovia: Kapitán Gulliver a barón Munchausen sa stali literárnymi symbolmi tejto éry.

Athenais de Montespan

Barokový štýl v maľbe charakterizovaná dynamikou kompozícií, „plochosťou“ a nádherou foriem, aristokratickými a neobvyklými zápletkami. Najcharakteristickejšími črtami baroka sú nápadná okázalosť a dynamika; živým príkladom je práca Rubensa a Caravaggia.

Michelangelo Merisi (1571-1610), ktorého rodisko pri Miláne prezývalo Caravaggio, je považovaný za najvýznamnejšieho majstra medzi talianskymi výtvarníkmi, ktorí tvorili na konci 16. storočia. nový štýl v maľbe. Jeho obrazy, maľované na náboženské témy, pripomínajú realistické scény autorovho súčasného života a vytvárajú kontrast medzi dobami neskorého staroveku a modernou dobou. Hrdinovia sú zobrazovaní v súmraku, z ktorého lúče svetla vytrhávajú expresívne gestá postáv a kontrastne vypisujú ich špecifickosť. Nasledovníci a imitátori Caravaggia, ktorí sa spočiatku nazývali karavagiáni, a karavaggizmu samotného hnutia, ako napríklad Annibale Carracci (1560-1609) alebo Guido Reni (1575-1642), prijali vzburu pocitov a charakteristický spôsob Caravaggia, ako ako aj jeho naturalizmus pri zobrazovaní ľudí a udalostí.

Peter Paul Rubens (1577-1640) na začiatku 17. storočia študoval v Taliansku, kde sa naučil štýl Caravaggia a Carraciho, hoci tam prišiel až po absolvovaní kurzu v Antverpách. Šťastne kombinoval najlepšie vlastnosti maliarskych škôl severu a juhu a vo svojich plátnach spájal prírodné a nadprirodzené, realitu a fantáziu, učenie a spiritualitu. Medzinárodné uznanie dosiahol okrem Rubensa aj ďalší majster flámskeho baroka van Dijk (1599-1641). S prácou Rubensa prišiel nový štýl do Holandska, kde sa ho ujali Frans Hals (1580 / 85-1666), Rembrandt (1606-1669) a Vermeer (1632-1675). V Španielsku pracoval Diego Velazquez (1599-1660) ako Caravaggio a vo Francúzsku - Nicolas Poussin (1593-1665), ktorý nie je spokojný s barokovou školou, položil vo svojej práci základy nového trendu - klasicizmu .

Pre barokovú architektúru(L. Bernini, F. Borromini v Taliansku, BF Rastrelli v Rusku, Jan Christoph Glaubitz v Spoločenstve) sa vyznačujú priestorovým rozsahom, súdržnosťou, plynulosťou komplexných, spravidla krivočiarych foriem. Často sa nachádzajú rozsiahle kolonády, množstvo sôch na fasádach a interiéroch, voluty, veľký počet nitov, fasády s lukmi v strede, rustikálne stĺpy a pilastry. Kupoly získavajú zložité tvary, sú často viacúrovňové, ako napríklad Katedrála svätého Petra v Ríme. Typickými barokovými detailmi sú telamón (atlant), karyatid, maskarón.

V talianskej architektúre bol najvýraznejším predstaviteľom barokového umenia Carlo Maderna (1556-1629), ktorý sa rozišiel s manierizmom a vytvoril si vlastný štýl. Jeho hlavným dielom je fasáda rímskeho kostola Santa Susanna (1603). Hlavnou postavou vo vývoji barokového sochárstva bol Lorenzo Bernini, ktorého prvé majstrovské diela v novom štýle pochádzajú zhruba z roku 1620. Bernini je tiež architekt. Vlastní výzdobu námestia Dómu svätého Petra v Ríme a interiérov, ako aj ďalších budov. Významne prispeli D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longena, L. Vanvitelli, P. da Cortona. Na Sicílii sa po veľkom zemetrasení v roku 1693 objavil nový štýl neskorého baroka - sicílske baroko.

Kaplnka Coranaro v kostole Santa Maria della Vittoria (1645-1652) je považovaná za typické baroko, pôsobivú kombináciu maľby, sochy a architektúry.

Barokový štýl sa šíri v Španielsku, Nemecku, Belgicku (vtedy Flámsku), Holandsku, Rusku, Francúzsku, v spoločenstve. Španielske baroko, alebo miestne Churrigueresco (na počesť architekta Churriguera), ktoré sa rozšírilo aj v r. Latinská Amerika... Jeho najobľúbenejšou pamiatkou je katedrála v Santiagu de Compostela, ktorá je tiež jednou z najuznávanejších medzi veriacimi v Španielsku. V Latinskej Amerike sa baroko zmiešalo s miestnymi architektonickými tradíciami, toto je jeho najprepracovanejšia verzia a hovorí sa mu ultrabaroko.

Vo Francúzsku je barokový štýl skromnejší ako v iných krajinách. Predtým sa verilo, že sa tu štýl vôbec nerozvinul a barokové pamiatky boli považované za pamiatky klasicizmu. Pojem „barokový klasicizmus“ sa niekedy používa vo vzťahu k francúzskej a anglickej verzii baroka. V súčasnej dobe je Versaillský palác spolu s pravidelným parkom, Luxemburským palácom, budovou Francúzskej akadémie v Paríži a ďalšími dielami zaradený medzi francúzske baroko. Majú niektoré vlastnosti klasicizmu. Charakteristická vlastnosť Barokový štýl je pravidelným štýlom záhradníckeho umenia, príkladom je Versailleský park.

Neskôr, na začiatku 18. storočia. Francúzi vyvinuli svoj vlastný štýl, akési baroko - rokoko. Prejavilo sa to nie vo vonkajšom dizajne budov, ale iba v interiéroch, ako aj v návrhoch kníh, oblečenia, nábytku, maľby. Tento štýl bol rozšírený po celej Európe a Rusku.

V Belgicku vynikajúca pamiatka Baroque je súbor Grand Place v Bruseli. Rubensov dom v Antverpách postavený podľa umelcovho vlastného návrhu má barokové prvky.

V Rusku sa baroko objavilo v 17. storočí („Naryshkinovo baroko“, „Golitsynské baroko“). V 18. storočí, za vlády Petra I., sa v Petrohrade a na predmestiach v diele D. Trezziniho a diela SI Chevakinskyho a B. Rastrelliho vyvinul takzvaný „Petrínsky barok“ (zdržanlivejší). dosiahli vrchol svojej vlády za vlády Alžbety Petrovna.

V Nemecku je vynikajúcou barokovou pamiatkou Nový palác v Sanssouci (autori - J.G. Buring, H.L. Munter) a Letný palác (G.V. von Knobelsdorf). Najväčšie a najznámejšie barokové súbory na svete: Versailles (Francúzsko), Peterhof (Rusko), Aranjuez (Španielsko), Zwinger (Nemecko), Schönbrunn (Rakúsko). V Litovskom veľkovojvodstve sa rozšíril sarmatský barokový a vilenský barokový štýl, pričom najväčším predstaviteľom bol Jan Christoph Glaubitz. Medzi jeho slávne projekty- prestavaný Kostol Nanebovstúpenia Pána (Vilnius), Katedrála sv. Žofie (Polotsk) atď.

Kostol Carlo Maderna v Saint Susanna, Rím

Klasicizmus.

Klasicizmus (Francúzske klasicizmus, z latinčiny classicus - ukážkový) - umelecký štýl a estetický smer v európskom umení 17. - 19. storočia.

Klasicizmus vychádza z myšlienok racionalizmu, ktoré sa formovali súčasne s rovnakými myšlienkami vo Descartovej filozofii. Umelecké dielo by z hľadiska klasicizmu malo byť postavené na základe prísnych kánonov, čím odhaľuje harmóniu a konzistenciu samotného vesmíru. Záujem o klasicizmus je len večný, nemenný - v každom fenoméne sa snaží rozpoznať iba podstatné, typologické črty, pričom odhodí náhodné individuálne črty. Estetika klasicizmu prikladá veľký význam sociálnej a vzdelávacej funkcii umenia. Klasicizmus vyžaduje mnoho pravidiel a kánonov zo starovekého umenia (Aristoteles, Horace).

Klasicizmus nastoľuje prísnu hierarchiu žánrov, ktoré sú rozdelené na vysoké (óda, tragédia, epos) a nízke (komédia, satira, bájka). Každý žáner má prísne definované vlastnosti, ktorých miešanie nie je dovolené.

Ako sa formoval určitý smer vo Francúzsku, v 17. storočí. Francúzsky klasicizmus považoval osobnosť človeka za najvyššiu hodnotu bytia a oslobodil ho od náboženského a cirkevného vplyvu. Ruský klasicizmus nielen prijal západoeurópsku teóriu, ale obohatil ju aj o národné charakteristiky.

Hlavnou črtou architektúry klasicizmu existovala výzva k formám starovekej architektúry ako štandardu harmónie, jednoduchosti, prísnosti, logickej jasnosti a monumentality. Architektúra klasicizmu ako celku sa vyznačuje pravidelnosťou plánovania a jasnosťou volumetrickej formy. Základom architektonického jazyka klasicizmu bol poriadok v pomeroch a formách blízkych staroveku. Pre klasicizmus sú charakteristické symetricko-osové kompozície, obmedzenie dekoratívnej výzdoby a pravidelný systém mestského plánovania.

Architektonický jazyk klasicizmu sformuloval na sklonku renesancie veľký benátsky majster Palladio a jeho nasledovník Scamozzi. Benátčania urobili princípy starovekej chrámovej architektúry tak absolútnymi, že ich uplatnili aj pri stavbe takých súkromných sídiel, ako je Villa Capra. Inigo Jones priniesol palladianizmus na sever do Anglicka, kde sa miestni palladiánski architekti až do polovice 18. storočia s rôznym stupňom vernosti riadili palladiánskymi predpismi.

Najvýznamnejšie interiéry v klasicistickom štýle navrhol Škót Robert Adam, ktorý sa do svojej vlasti vrátil z Ríma v roku 1758. Veľký dojem na neho urobili archeologické výskumy talianskych vedcov i architektonické fantázie Piranesiho. V Adamovej interpretácii sa klasicizmus javil ako štýl, ktorý bol z hľadiska sofistikovanosti interiérov sotva nižší ako rokoko, čo mu prinieslo popularitu nielen medzi demokraticky zmýšľajúcimi kruhmi spoločnosti, ale aj medzi aristokraciou. Rovnako ako jeho francúzski kolegovia, Adam kázal úplné odmietnutie detailov bez konštruktívnej funkcie.

Francúz Jacques-Germain Soufflot pri stavbe kostola Saint-Genevieve v Paríži predviedol schopnosť klasicizmu organizovať rozsiahle mestské priestory. Mohutná vznešenosť jeho projektov predznamenala megalomaniu napoleonskej ríše a neskorý klasicizmus. V Rusku sa pohyboval rovnakým smerom ako Soufflot Bazhenov... Francúzi Claude-Nicolas Ledoux a Etienne-Louis Bull išli ešte ďalej k rozvoju radikálneho vizionárskeho štýlu so zaujatím k abstraktnej geometrizácii foriem. V revolučnom Francúzsku bol asketický občiansky pátos po ich projektoch veľmi žiadaný; Inováciu Ledouxu plne ocenili iba modernisti 20. storočia.

Veľké divadlo vo Varšave.

Hudba obdobia klasicizmu alebo hudba klasicizmu, označuje obdobie vo vývoji európskej hudby približne v rokoch 1730 až 1820. Koncept klasicizmu v hudbe je stabilne spojený s dielami Haydna, Mozarta a Beethovena, nazývaných viedenské klasiky a určoval smer ďalšieho vývoja hudobnej kompozície.

Podnet na rozvoj klasickej sochy v polovici 18. storočia slúžili spisy Winckelmanna a archeologické vykopávky starovekých miest, ktoré rozšírili znalosti súčasníkov o antickom sochárstve. Sochári ako Pigalle a Houdon sa vo Francúzsku pohybovali na hranici baroka a klasicizmu. Klasicizmus dosiahol svoje najvyššie stelesnenie v oblasti plastu v hrdinských a idylických dielach Antonia Canova, ktorý čerpal inšpiráciu predovšetkým zo soch helenistickej éry (Praxitel). V Rusku gravitovali Fedot Shubin, Michail Kozlovsky, Boris Orlovsky, Ivan Martos k estetike klasicizmu.

Verejné pamiatky, ktoré sa v ére klasicizmu rozšírili, poskytli sochárom možnosť idealizovať vojenskú udatnosť a múdrosť štátnikov. Vernosť starodávnemu modelu vyžadovala, aby sochári zobrazovali modely nahé, čo bolo v rozpore s prijatými morálnymi normami. Aby sa vyriešil tento rozpor, súčasné postavy spočiatku zobrazovali sochári klasicizmu vo forme nahých starovekých bohov: Suvorov v podobe Marsu a Pauline Borghese v podobe Venuše. Za Napoleona bola otázka vyriešená prechodom na zobrazenie súčasných postáv v starožitných togách (také sú postavy Kutuzova a Barclaya de Tollyho pred kazanskou katedrálou).

Antonio Canova. Amor a psychika (1787-1793, Paríž, Louvre)

Rozdiely medzi barokom a klasicizmom.

V ére klasicizmu, ktorá nasledovala po období baroka, sa úloha polyfónnej polyfónie zmenšovala a dostávala sa do popredia homofónna polyfónia
( z gréčtiny. „homos“ - „jeden“ a „pozadie“ - „zvuk“, „hlas“)

Na rozdiel od polyfónia, kde sú všetky hlasy rovnaké, v homofónna polyfónia vyčnieva jeden, predvádzanie Hlavná téma a zvyšok hrá svoju rolu sprievod(doprovod). Doprovod je spravidla akordický (harmonický) systém. Odtiaľ pochádza názov nového spôsobu skladania hudby - homofónne-harmonické.

V hudbe je menej ozdôb a dekorácií. Práce sú harmonickejšie a majú jasnejšiu štruktúru, najmä tie, ktoré sú napísané v nich sonátová forma.

V ére barokový v hudobnom diele sa každá z častí zamerala na vyjadrenie a odhalenie jeden, jasne vysledované zmysly,čo bolo vyriešené pomocou prezentácie jedna téma, ktorá sa zmenila (rôznorodá) v celej časti a v ére klasicizmus v jednej časti bolo odhalené dielo veľa emócií ktoré boli vyjadrené prostredníctvom prezentácie a vývoja dva alebo viac témy rôzneho nápaditého obsahu.

Raná baroková hudba (1600-1654)

Rozvoj talianskej opery talianskeho skladateľa možno považovať za podmienený prechodný bod medzi renesančnou a barokovou epochou. Claudio Monteverdi (1567-1643).

Skladateľ sa narodil v talianskom meste Cremona v rodine lekára. Monteverdi sa ako hudobník vyvíjal v mladosti. Písal a predvádzal madrigaly; hral na organe, viole a ďalších nástrojoch. Skladanie hudby Monteverdi študoval u známych skladateľov tej doby. V roku 1590 bol pozvaný ako spevák a hudobník do Mantovy, na dvor vojvodu Vincenza Gonzaga; neskôr zamieril dvorná kaplnka... V roku 1612 Monteverdi opustil službu v Mantove a v roku 1613 sa usadil v Benátkach. Vďaka Monteverdimu bola v Benátkach v roku 1637 otvorená prvá verejná opera. Tam skladateľ viedol kaplnku katedrály San Marco. Pred svojou smrťou bol Claudio Monteverdi vysvätený.

Po štúdiu operná kreativita Monteverdi, skladatelia renesančných Peri a Caccini, vytvoril svoje vlastné operné diela. Už v prvých operách - „Orpheus“ (1607) a „Ariadne“ (1608) - skladateľ uspel hudobné prostriedky sprostredkovať hlboké a vášnivé pocity, vytvoriť napätie dramatická akcia... Monteverdi je autorom mnohých opier, ale zachovali sa iba tri - „Orfeus“, „Návrat Ulyssa do vlasti“ (1640; podľa námetu starovekej gréckej epickej básne „Odysea“) a „Korunovácia Poppey“ (1642).

V Monteverdiho operách je hudba a text harmonicky kombinované. Opery sú založené na monológ - recitatívny (z talianskeho recitálu - „recitovať“), v ktorom recitoval každé slovo a hudba flexibilne a jemne sprostredkuje odtiene nálady. Monológy, dialógy a zborové epizódy do seba plynule prechádzajú, akcia sa vyvíja pomaly (v Monteverdiho operách sú tri alebo štyri dejstvá), ale dynamicky. Skladateľ priradil orchestru dôležitú úlohu. V „Orfeovi“ napríklad používal takmer všetky vtedy známe nástroje. Orchestrálna hudba spev nielen sprevádza, ale ona sama hovorí o udalostiach odohrávajúcich sa na pódiu a zážitkoch postáv. Prvýkrát sa objavil v „Orpheus“ predohra(Francúzska predohra alebo latinská apertura - „otváranie“, „začiatok“)- inštrumentálny úvod k významnému hudobnému dielu. Opery Claudia Monteverdiho mali výrazný vplyv na benátskych skladateľov, položili základy benátskej opernej školy .

Monteverdi nielen písal opery, ale aj sakrálnu hudbu, náboženský a svetskí madrigali... Stal sa prvým skladateľom, ktorý sa nebránil polyfónnym a homofonickým metódam - zborové epizódy jeho opier zahŕňajú polyfónne techniky.
V Monteverdiho diele sa nové spojilo so starým - tradíciami renesancie.

Začiatkom 18. storočia. formované operná škola v Neapole... Zvláštnosťou tejto školy je zvýšená pozornosť spevu, dominantná úloha hudby. Bolo to v Neapole vokálny štýl bel canto(it. bel canto - „krásny spev“). Bel canto je známe svojou mimoriadnou krásou zvuku, melódie a technickej dokonalosti. Interpret štýlu bel canto musí byť schopný reprodukovať mnoho odtieňov zafarbenia hlasu a tiež majstrovsky sprostredkovať početné rýchle sekvencie zvukov prekrývajúcich hlavnú melódiu. - koloratura (it. coloratura - „ozdoba“).

V 18. storočí opera sa stal hlavným druhom hudobné umenie v Taliansku, uľahčený vysokým profesionálna úroveň speváci trénovali v zimné záhrady(Talianske konzervatórium, err lat. konzervovať - ​​„chránim“) - vzdelávacie inštitúcie, ktoré školili hudobníkov. V tom čase boli v centrách talianskeho operného umenia - Benátkach a Neapole - vytvorené štyri konzervatóriá. Popularite žánru slúžili aj operné domy, ktoré sa otvárali v rôznych mestách krajiny a boli prístupné všetkým vrstvám spoločnosti. Talianske opery boli uvedené v divadlách vo veľkých európskych metropolách, zatiaľ čo skladatelia z Rakúska, Nemecka a ďalších krajín napísali opery podľa talianskych textov.

Významnou osobnosťou obdobia raného baroka, ktorá mala svoje postavenie na strane katolicizmu a bola v rozpore s rastúcim ideologickým, kultúrnym a sociálnym vplyvom protestantizmu, bola Giovanni Gabrieli (1555-1612). Jeho diela patria do štýlu „vrcholnej renesancie“ (rozkvet renesancie). Niektoré jeho inovácie v oblasti inštrumentácie (priradenie určitého nástroja jeho vlastným, konkrétnym úlohám) však jasne naznačujú, že patril k skladateľom, ktorí ovplyvnili vznik nového štýlu.

Jedna z požiadaviek cirkvi na skladbu sakrálnej hudby bola, že texty v dielach s vokálmi boli vyberavý... To si vyžiadalo posun od polyfónie k hudobným technikám, kde prišli na rad slová. Vokály sú v porovnaní so sprievodom komplexnejšie a floridnejšie.

Veľkou mierou prispel k šíreniu nových techník a Nemecký skladateľ Heinrich Schütz (1585-1672),Študoval v Benátkach. Je najznámejším nemeckým skladateľom pred Johann Sebastianom Bachom a jedným z najvýznamnejších skladateľov obdobia raného baroka spolu s D. Gabrielim a C. Monteverdim. Keď pôsobil ako zbormajster v Drážďanoch, vo svojej práci použil nové techniky.

Zrelá baroková hudba (1654-1707)

Obdobie centralizácie najvyššej moci v Európe sa často nazýva Absolutizmus... Absolutizmus dosiahol svoj vrchol za francúzskeho kráľa Ľudovíta XIV. Pre celú Európu bol vzorom Ľudovítov dvor. Vrátane hudby interpretovanej na súde. Zvýšená dostupnosť hudobné nástroje(to platí najmä pre klávesnice) dalo podnet k vývoju komora hudba (z toho. kamera - „miestnosť“) vykonáva sa v malých miestnostiach alebo doma.

Zrelé baroko je iný od raného všadeprítomného šírenia nového polyfónneho štýlu ( list zadarmo) a zvýšenú separáciu hudobné formy hlavne v opere. Rovnako ako v literatúre sa vynára možnosť veľkého obehu vytlačiť hudobné diela viedlo k rozšíreniu publika; zvýšená výmena medzi centrami hudobnej kultúry.

Zrelé baroko je v teórii hudby definované zameraním skladateľov na harmóniu a pokusy o vytvorenie súvislých systémov hudobnej výchovy.
V nasledujúcich rokoch to viedlo k vzniku mnohých teoretický Tvorba. Pozoruhodným príkladom takejto činnosti je práca z obdobia neskorého baroka - „Gradus ad Parnassum“ (rusky. Kroky k Parnasu), vydaná v roku 1725 Johann Josephom Fuchs(Nemec Johann Joseph Fux) (1660-1741), rakúsky teoretik a skladateľ. Táto esej, ktorá systematizovala teóriu kontrapunktu, bola takmer do konca 19. storočia najdôležitejším nástrojom štúdia kontrapunktu.

Bol vynikajúcim predstaviteľom dvorných skladateľov dvora Ľudovíta XIV Giovanni Battista Lully (1632-1687). (Jean-Baptiste)... Už vo veku 21 rokov získal titul „dvorný skladateľ inštrumentálnej hudby“. Lullyho kreatívna tvorba je od začiatku úzko spätá s divadlom. V nadväznosti na organizáciu dvornej komornej hudby a skladbu „airs de cour“ (dvorné árie) začal písať baletnú hudbu. Sám Ľudovít XIV tancoval v baletoch, ktoré boli vtedy obľúbenou zábavou dvorskej šľachty. Lully bola vynikajúca tanečnica. Mal šancu zúčastniť sa inscenácií a tancovať s kráľom. Je známy svojimi kĺb spolupracoval s Molierom, pre ktorého hry napísal hudbu. Ale hlavnou vecou v Lullyho práci bolo stále písanie opery... Lully prekvapivo vytvoril kompletný typ francúzskej opery; takzvanej lyrickej tragédie vo Francúzsku (fr. tragedie lyrique), a nepochybnú tvorivú zrelosť dosiahol už v prvých rokoch svojho pôsobenia v r. Opera... Lully často používal kontrast medzi majestátnym zvukom orchestrálnej sekcie a jednoduchými recitáciami a áriami. Hudobný jazyk Lully nie je veľmi ťažký, ale určite Nový: jasnosť harmónie, rytmická energia, jasnosť artikulácie formy, čistota textúry hovoria o víťazstve princípov homofonického myslenia. Jeho úspech do značnej miery uľahčila aj jeho schopnosť vyberať hudobníkov do orchestra a práca s nimi (sám viedol skúšky). Neoddeliteľnou súčasťou jeho práce bola pozornosť k harmónii a sólovému nástroju.

Skladateľ a huslista Arcangelo Corelli(1653-1713) známy svojou prácou o vývoji žánru concherto grosso (concerto grosso - „veľký koncert“)... Corelli bol jedným z prvých skladateľov, ktorých diela boli publikované a uvádzané v celej Európe. Rovnako ako operné skladby JB Lullyho, aj žáner concerto grosso je postavený na kontrastnom vzájomnom porovnaní zvuku malých sólových skupín orchestra a zvuku celého orchestra. Hudba je postavená na náhlych prechodoch z hlasne znejúcich častí do tichých, rýchle pasáže sú proti pomalým. Medzi stúpencami Arcangela Corelliho bol aj Antonio Vivaldi, ktorý neskôr skomponoval stovky diel napísaných v Corelliho obľúbených formách: trio sonát a koncerty.

V. Anglicko zrelé baroko poznačené okázalým géniom Henry Purcell(1659-1695). Zomrel mladý, vo veku 36 rokov, napísal veľké množstvo diel a počas svojho života sa stal známym. Purcell bol oboznámený s dielom Corelliho a ďalších talianskych skladateľov barokovej éry. Počas svojho krátkeho života Purcell napísal mnoho vokálnych, inštrumentálnych, hudobných a divadelných diel, z ktorých najvýznamnejšou bola opera. „Dido a Aeneas“(1689). Toto je prvá angličtina národná opera... Zadala ju učiteľka tanca z internátu pre šľachtické panny. Súkromná povaha rádu ovplyvnila vzhľad diela: na rozdiel od monumentálnych opier Monteverdiho alebo Lullyho dielo Purcella malá veľkosť, akcia sa rýchlo rozvíja... Operné libreto Nicholasa Tate bolo založené na hrdinskom epose „Aeneid“ rímskeho básnika Vergilia.

Virgil má jedného z obrancov Tróje - Aeneas sa po páde mesta ide túlať. Búrka poháňa jeho loď k brehom Afriky; tu stretáva Dido, kráľovnú Kartága. Dido sa zamiloval do Aenea a keď ju hrdina opustil na príkaz bohov, vzala si život. V Purcellovej opere posla, ktorý oddelil hrdinov, neposielajú bohovia, ale lesné čarodejnice ( obľúbené postavy Anglický folklór). Aeneas vzal podvod za svätú povinnosť voči bohom a zničil to najcennejšie - lásku.

Charakteristickým rysom Purcellovho umenia je harmónia... Skladateľ mal úžasný dar vytvárať perfektné melódie - pokojné, majestátne a bezchybné. Po Henrym Purcellovi v anglickej hudbe až do 20. storočia. je sotva možné vymenovať takých vynikajúcich majstrov.

Na rozdiel od vyššie uvedených skladateľov Dietrich Buxtehude (1637-1707) nebol dvorným skladateľom. Buxtehude pracoval organista, najskôr v Helsingborgu (1657-1658), potom v Elsinore (1660-1668) a potom, počnúc rokom 1668, v kostole sv. Márie v Lubecku. Zarábal nie vydávaním svojich diel, ale ich uvádzaním a uprednostňoval pred záštitou šľachty komponovať hudbu k cirkevným textom a predvádzať vlastné organové skladby. Tento skladateľ. Buxtehudeho hudba je do značnej miery postavená na myšlienkovom spektre, bohatstve a slobode predstavivosti, záľube v pátose, dráme, niekoľkých oratorických intonáciách. Jeho práca mala silný vplyv na takých skladateľov, akými boli J. S. Bach a G. F. Telemann.

Hudba neskorého baroka (1707-1760)

Presná hranica medzi zrelým a neskorým barokom je predmetom diskusie; ona klame niekde medzi 1680 a 1720. Do značnej miery zložitosti jeho definície je skutočnosť, že v rôznych krajinách boli štýly nahradené asynchrónne; inovácie, už spravidla prijaté na jednom mieste, boli čerstvými nálezmi na inom mieste. Taliansko vďaka Arcangelovi Corelli a jeho študenti Francesco Geminiani a Pietro Locatelli sa stávajú prvou krajinou, v ktorej Barokové prechody zo zrelého do neskorého obdobia... Dôležitý míľnik možno považovať za takmer absolútny nadradenosť tonality ako štruktúrujúci princíp skladania hudby. Toto je obzvlášť viditeľné v teoretických prácach Jean Philippe Rameaua, ktorý zaujal miesto Lullyho ako hlavného Francúzsky skladateľ... O prítomnosti v hudbe zároveň svedčil výskyt významného diela Johanna Josepha Fuchsa „Titul pekla Parnassum“ (1725), venovaný polyfónii striktného štýlu. dvaštýly písania - homofonicko -harmonické a polyfónne.

Formuláre otvorené v predchádzajúcom období, dosiahli splatnosť a veľká variabilita; koncert, suita, sonáta, concerto grosso, oratórium, opera a balet už nemali výrazný národné charakteristiky... Všeobecne akceptované schémy diel sú široko akceptované: opakujúca sa dvojdielna forma (AABB), jednoduchá trojdielna forma (ABC) a rondo.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- taliansky skladateľ, narodený v Benátkach.
V roku 1703 bol vysvätený Katolícky kňaz... Prvého decembra toho istého roku sa stal maestro di violino v benátskom sirotinci pre dievčatá Pio Ospedale della Pieta. Vivaldiho slávu nepriniesli koncertné vystúpenia alebo prepojenia na súde, ale publikácie jeho diel, ktoré zahŕňali jeho trio sonáty, husľové sonáty a koncerty. Boli publikované v Amsterdame a široko distribuované po celej Európe. Je to v týchto inštrumentálne žánre Vivaldi, ktorý sa v tom čase ešte vyvíjal (baroková sonáta a barokový koncert), urobil svoj najvýznamnejší prínos. Pre Vivaldiho hudbu sú charakteristické určité techniky: trojdielna cyklická forma pre koncertné groso a používanie riturneli v rýchlych častiach. Vivaldi skomponoval viac ako 500 koncertov. Niektorým svojim dielam udelil aj programové názvy, napríklad slávne Ročné obdobia. Vivaldiho kariéra ukazuje zvýšenú príležitosť pre skladateľa existovať nezávisle: od príjmu od koncertné aktivity a publikovanie jeho diel.

Domenico Scarlatti(1685-1757) bol jedným z popredných klávesových skladateľov a interpretov svojej doby. Začal svoju kariéru ako dvorný skladateľ; najskôr v Portugalsku a od roku 1733 v Madride, kde strávil zvyšok života. Jeho otec Alessandro Scarlatti je považovaný za zakladateľa neapolskej opernej školy. Domenico skladal aj opery a chrámovú hudbu, ale sláva (po jeho smrti) mu poskytla funguje pre klávesnice... Niektoré z týchto diel napísal pre svoje vlastné potešenie, niektoré pre svojich ušľachtilých zákazníkov.

Najslávnejším dvorným skladateľom barokovej éry bol Georg Frideric Handel(1685-1759). Narodil sa v Nemecku, tri roky študoval v Taliansku, ale v roku 1711 opustil Londýn, kde začal svoju vynikajúcu a komerčne úspešnú kariéru ako nezávislý operný skladateľ plnenie rozkazov pre šľachtu. Handel s neúnavnou energiou neustále prepracovával materiál ostatných skladateľov zmenené vlastné skladby. Je napríklad známy tým, že mnohokrát revidoval slávne oratórium Messiah, že v súčasnosti neexistuje žiadna verzia, ktorá by sa dala nazvať originálom. Napriek tomu, že sa jeho finančná situácia zlepšovala a upadala, jeho sláva na základe publikovaných diel pre klávesy, obradovú hudbu, opery, koncertné groše a oratória stále rástla. Po jeho smrti bol uznávaný ako popredný európsky skladateľ a študovali ho hudobníci éry klasicizmu. Handel počas svojho života písal o 50 opery („Almira“, „Agrippina“, „Rinaldo“, „Julius Caesar“ atď.), 23 oratória („Mesiáš“, „Samson“, „Judas Macovei“, „Herkules“), nespočetné množstvo chrámových chorálov, organové koncerty a množstvo zábavných skladieb („Hudba na vode“, „Hudba pre kráľovský ohňostroj“) .

Jeden z najväčších skladateľov barokovej éry - Johann Sebastian Bach narodil sa
21. marca 1685 v meste Eisenach v Nemecku. Počas svojho života skomponoval viac ako 1000 diel rôznych žánrov, okrem opery... Ale počas svojho života nedosiahol žiadny zmysluplný úspech. Bach sa mnohokrát sťahoval a menil jednu nie príliš vysokú pozíciu za druhou: vo Weimare bol dvorným hudobníkom weimarského vojvodu Johanna Ernsta, potom sa stal strážcom organu v kostole sv. Bonifáca v Arnstadte, o niekoľko rokov neskôr prijal miesto organistu v kostole sv. Blasius v Mühlhausene, kde pôsobil len asi rok, potom sa vrátil do Weimaru, kde zaujal miesto dvorného organistu a organizátora koncertov. V tejto pozícii vydržal deväť rokov. V roku 1717 Leopold, vojvoda z Anhalt-Köthenu, najal Bacha ako Kapellmeistera a Bach začal žiť a pracovať v Köthene. V roku 1723 sa Bach presťahoval do Lipska, kde zostal až do svojej smrti v roku 1750.

J. S. Bach bol v Nemecku počas svojho života dobre známy ako skladateľ, performer, učiteľ a otec mladšieho Bachsa, predovšetkým Karla Philipa Emanuela. Ale v posledné rokyživota a po smrti Bacha jeho sláva skladateľa začala slabnúť: jeho štýl bol v porovnaní s narastajúcim klasicizmom považovaný za staromódny.

V roku 1802 vydal Johann Nikolai Forkel prvý najúplnejší životopis Johanna Sebastiana Bacha. V roku 1829, 79 rokov po smrti JS Bacha, predviedol Felix Mendelssohn v Berlíne Bachovu Matthewovu pašu. Úspech tohto koncertu oživil záujem o prácu J.S.

JS Bach je v súčasnosti jedným z najobľúbenejších skladateľov všetkých čias: napríklad v hlasovaní „Najlepší skladateľ tisícročia“, ktoré sa konalo na Cultureciosque.com, obsadil Bach prvé miesto.

Barok a klasicizmus

palác versailles kultúra umelecký

V 17. storočí získalo Francúzsko v kontexte aktívneho rozvoja hospodárstva a umenia štatút ukážkovej krajiny absolutistických foriem vlády a praxe ekonomická politika... Vďaka protireformačnému hnutiu sa Rím v kultúrny priestorúzemne rozdrobené Taliansko dostalo nový význam. Výsledkom bolo, že výstavba náboženských budov dostala silný impulz. Za týchto podmienok začal koncom 17. storočia nová etapa výstavba prispela k tomu, že nemecké kniežatá boli vedené vo svojich potrebách zahraničnými vzormi. Do značnej miery ich ovplyvnil francúzsky absolutizmus Ľudovíta XIV. Každý feudál - bez ohľadu na to, aké malé územie mu patrilo - skopíroval svoje sídlo z Versailles, tejto perly kráľovského panstva.

Napriek tomu, že pre Európska architektúra XVII - XVIII. Storočie Jednotnosť a celistvosť nie sú charakteristické, je obvyklé ich spájať všeobecný koncept„barokový“. Kniežacie hrady a náboženské stavby sa stali prioritnými objektmi počas stavby a zosobňovali odpor k reformácii. V 30. rokoch 17. storočia začal byť pociťovaný vplyv osvietenstva, čo sa okamžite prejavilo na posilnení intimity budov. Malé elegantné hrady obklopené parkmi sa stali obľúbeným miestom pobytu kniežat. Toto je jeden z najjasnejších charakteristické rysy barokový.

Nový štýl si vyžiadal pomoc pri vykonávaní činností spojených s plánovaním mesta životné prostredie alebo, zjednodušene, krajina. Krajina sa stala jednou z hlavných zložiek mestského súboru. Námestie, ktoré stratilo funkčný a demokratický obsah, sa stalo slávnostnou súčasťou mesta, jeho ozdobou. Baroková architektúra sa vyznačuje vznešenosťou, nádherou a dynamikou, veľkoleposťou a silným kontrastom mierok a rytmov.

Vďaka bizarnej plasticite fasád, komplexným zakriveným plánom a obrysom získali barokové paláce a kostoly malebnosť a dynamiku. Zdalo sa, že rastú do priestoru okolo nich. Barokové interiéry boli vyzdobené viacfarebnými plastikami, štukovými lištami, rezbami; na iluzívne rozšírenie priestoru boli potrebné zrkadlá a obrazy a maľba plafonds vytvorila ilúziu trezorov otvárajúcich sa nad divákom.

V barokovom maliarstve a sochárstve dominovali dominantné dekoratívne mnohostranné kompozície náboženského, mytologického alebo alegorického charakteru, ako aj obradové portréty. Pri zobrazení osoby boli preferované stavy napätia, povznesenia a zvýšenej dramatickosti. V maľbe nadobudla veľký význam emocionálna, rytmická a koloristická jednota celku, často neobmedzená voľnosť ťahu; v sochárstve - malebná plynulosť formy, množstvo aspektov a dojmov.

Charakteristickými črtami baroka sú komplexnosť plánov, bohatý interiérový dizajn s nečakanými a veľkolepými priestorovými a svetelnými riešeniami, množstvo kriviek, plasticky zakrivené línie a povrchy, kontrast, napätie a dynamika obrazov, afektovanosť, túžba po luxuse a nádhere, za spojenie reality a ilúzie s fúziou umení. Barokový štýl postavil do kontrastu jednoduchosť klasických foriem so sofistikovanosťou tvarovania. Prvky maľby a sochy, maľované povrchy stien boli v architektúre široko používané.

Svetonázorové základy baroka sa formovali v podmienkach reformácie a Koperníkovho učenia. Pojem sveta ako racionálnej a trvalej jednoty charakteristickej pre filozofiu staroveku a renesančný pohľad na človeka ako korunu tvorstva sa zmenil. Človek sa začal realizovať ako „niečo medzi všetkým a ničím“ podľa slov Pascala, „toho, kto zachytáva iba zdanie javov, ale nie je schopný pochopiť ani ich začiatok, ani koniec“.

Vznik baroka do určitej miery uľahčil nedostatok financií na stavbu paláca medzi predstaviteľmi šľachty. Pri hľadaní východiska z tejto situácie sa obrátili na umenie, aby vytvorili ilúziu moci a bohatstva. Čiastočne kvôli tomu v 16. storočí vzniklo baroko na území Talianska.

Architektonické formy baroka vychádzali z talianskej renesancie, ale prevyšovali ju komplexnosťou, rozmanitosťou a malebnosťou. Fasády s profilovanými rímsami, stĺpmi, kolosálnymi pre niekoľko poschodí, polostĺpmi a pilastrami, luxusnými sochárskymi detailmi, často kolísavými od konvexných po konkávne, dodávajú samotnej štruktúre pohyb a rytmus. Na rozdiel od obdobia renesancie nebol ani jeden detail takejto štruktúry nezávislý. Všetky časti súboru sú podriadené všeobecnému architektonickému konceptu, ktorý je doplnený návrhom a výzdobou interiérov, ako aj krajinotvorným a urbanistickým architektonickým prostredím.

Vo Francúzsku je barokový štýl vyjadrený o niečo skromnejšie ako v iných krajinách. Predtým sa všeobecne akceptovalo, že barokový štýl sa tu vôbec nerozvinul a barokové pamiatky boli považované za pamiatky klasicizmu. Niekedy je vhodné použiť výraz „barokový klasicizmus“ vo vzťahu k francúzskej a anglickej verzii baroka. V súčasnosti je Versaillský palác spolu s pravidelným parkom, Luxemburský palác, budova Francúzskej akadémie v Paríži a ďalšie architektonické diela zaradené medzi francúzske baroko. Majú niektoré vlastnosti klasicizmu. Charakteristickým znakom barokového štýlu je pravidelný štýl záhradníckeho umenia, najjasnejší príklad ktorým je Parc de Versailles, vrchol tvorivosti talentovaného majstra André Le Nôtre.

Nemecký kritik a historik umenia starožitné umenie Johann Joachim Winkelmann v roku 1755 napísal: „Jediný spôsob, ako sa stať veľkým a ak je to možné nenapodobiteľným, je napodobniť starých ľudí.“ Týmto sloganom vyzval svojich súčasníkov, aby obnovili umenie a využili krásu staroveku, vnímanú ako ideál, základ a našli aktívnu podporu v európskej spoločnosti. Starovekú architektúru vnímal ako štandard harmónie, jednoduchosti, prísnosti, logickej jasnosti a monumentality. Progresívna verejnosť vnímala klasicizmus ako nevyhnutnú opozíciu voči dvorskému baroku. Vzostup klasicizmu sa časovo zhodoval s obdobím buržoáznych revolúcií - angličtiny v roku 1688 a francúzštiny - o 101 rokov neskôr. Apelovanie na staroveké umenie ako najvyšší model a spoliehanie sa na tradície vrcholnej renesancie sa tak stalo jednou z najdôležitejších vlastností klasicizmu.

Výtvarné umenie klasicizmu sa snažilo stelesniť myšlienku harmonickej štruktúry spoločnosti. O komplexnosti výtvarné umenie klasicizmus jasne dokazujú konflikty osobnosti a spoločnosti, ideálu a reality, pocitov a rozumu. Umelecké formy klasicizmu sa vyznačujú vlastnosťami prísnej organizácie, vyrovnanosti, jednoduchosti a harmónie obrazov.

Túžba stelesniť ušľachtilú jednoduchosť a pokojnú majestátnosť starovekého umenia v stavebníctve viedla majstrov tejto éry k snahe úplne kopírovať starovekú budovu. To, čo nemecký architekt Gilly zanechal vo fáze projektu pamätníka Fridricha II. Na príkaz Ludwiga I. Bavorského, sa uskutočnilo na svahoch Dunaja v Regensburgu a dostalo meno Valhalla - „Sieň sv. mŕtvy".

V Nemecku sa kniežacie paláce - rezidencie stali centrami výstavby v klasickom štýle, medzi nimi najmä Marktplatz (nákupná zóna) v Karlsruhe, Maximilianstadt a Ludwigstrasse v Mníchove, ako aj výstavba v Darmstadte. Pruskí králi v Berlíne a Postupime tiež pri stavbe uprednostňovali klasicizmus. Do tejto doby však paláce stratili stav hlavných stavebných projektov, vily a vidiecke domy vyzerali nemenej pôsobivo a pôsobivo. Do sféry štátnej výstavby patrili sociálne budovy - nemocnice, domy pre nevidomých a nepočujúcich, ale aj väznice a kasárne. K nim čoskoro pribudli verejné budovy ako divadlá, múzeá, univerzity a knižnice. Obraz bol doplnený vidieckymi statkami šľachty a buržoázie, radnicami a obytnými budovami v mestách a dedinách. Stavba kostolov už nebola prvoradou úlohou, ale v Karlsruhe, Darmstadte a Postupime sa objavili nádherné stavby. diskusia o tom, či boli pre kresťanstvo vhodné pohanské architektonické formy. kláštor.

V maľbe mala vedúcu úlohu logický vývoj zápletky, jasná rovnováha kompozície, jasný prenos objemu a modelovanie formy svetla a tieňa, používanie miestnych farieb.

Jasné vymedzenie plánov v krajinomaľbe bolo odhalené aj pomocou farby: popredie muselo byť namaľované hnedou, druhé zelenou a tretie modrou farbou.

Architektúra klasicizmu sa vyznačuje pravidelnosťou rozloženia a jasnosťou volumetrickej formy. Základom architektonického jazyka klasického štýlu bol poriadok, ktorý je proporciami a formou blízky staroveku. Klasicizmus sa vyznačuje symetrickými osovými kompozíciami, zdržanlivosťou dekoratívnej výzdoby a pravidelným systémom mestského plánovania.

Veľký benátsky majster Palladio a jeho nasledovník Scamozzi formulovali architektonický jazyk klasicizmu na konci renesancie. Benátčania urobili princípy starovekej chrámovej architektúry tak absolútnymi, že našli uplatnenie aj pri stavbe takých súkromných sídiel, ako je Villa Capra. Inigo Jones transportoval palladiánstvo do Anglicka, odkiaľ pochádzali miestni palladiánski architekti rôzneho stupňa vernosť sa riadila Palladiovými predpismi až do polovice 18. storočia.

Do tejto doby sa medzi intelektuálmi kontinentálnej Európy začala hromadiť sýtosť luxusu neskorého baroka a rokoka. Na riešenie veľkých urbanistických problémov bola táto estetika baroka a rokoka rozhodne málo používaná. Už za Ľudovíta XV. Boli v Paríži postavené urbanistické súbory v „starorímskom“ štýle, medzi nimi Place de la Concorde (architekt Jacques-Ange Gabriel) a kostol Saint-Sulpice a Ľudovít XVI taký „ušľachtilý lakonizmus“ sa už stal hlavným architektonickým trendom.

Pri stavbe kostola Saint-Genevieve v Paríži francúzsky architekt Jacques-Germain Soufflot predviedol schopnosť klasicizmu organizovať rozsiahle mestské priestory. V Rusku sa Bazhenov pohyboval rovnakým smerom ako Soufflot. Francúzi Claude-Nicolas Ledoux a Etienne-Louis Boulay boli schopní pokročiť ešte ďalej k rozvoju radikálneho vizionárskeho štýlu so zaujatosťou voči abstraktnej geometrizácii foriem. V revolučnom Francúzsku nebol asketický občiansky pátos po ich projektoch žiadaný.

Architekti napoleonského Francúzska hľadali inšpiráciu v obrazoch vojenskej slávy, ktoré sa zachovali z čias cisárskeho Ríma, napríklad v triumfálnom oblúku Septimia Severa a Trajánovom stĺpe. Na príkaz cisára boli vo forme prevezení do Paríža triumfálny oblúk Carrouselle a stĺp Vendome. Vo vzťahu k pamiatkam vojenskej veľkosti z obdobia napoleonských vojen je zvykom používať výraz „cisársky štýl“ - Ríša. V Rusku boli vynikajúcimi majstrami empírového štýlu takí majstri ako Karl Rossi, Andrei Voronikhin a Andrej Zakharov.

Najvýznamnejšie interiéry v klasickom štýle dokončil škótsky architekt Robert Adam po návrate z Ríma v roku 1758. Archeologický výskum talianskych vedcov a architektonické fantázie Piranesiho na neho urobili obrovský dojem. V Adamovej interpretácii sa klasicizmus javil ako štýl, ktorý bol v náročnosti na rokokové interiéry sotva nižší. Vďaka tomu si získal slávu tak medzi demokraticky zmýšľajúcimi kruhmi spoločnosti, ako aj medzi aristokraciou. Rovnako ako jeho francúzski kolegovia, Adam uprednostnil úplné odmietnutie častí bez konštruktívnej funkcie. Estetika klasicizmu prispela k rozsiahlym projektom urbanistického plánovania a do určitej miery prispela k usporiadaniu mestského rozvoja v rozsahu celých miest.

V Rusku väčšina provinčných a takmer všetkých krajské mestá boli prepracované v súlade s princípmi klasicistického racionalizmu. Autentické múzeá klasicizmu pod pod holým nebom sa obrátili také mestá ako Petrohrad, Helsinki, Varšava, Dublin, Edinburgh a niektoré ďalšie. V celom priestore od Minusinska po Philadelphiu bol zavedený jeden architektonický jazyk, ktorý siaha až do Palladia. Bežný vývoj sa uskutočňoval v súlade s albumami štandardných projektov.

V období po napoleonských vojnách klasicizmus existoval súčasne s romanticky sfarbeným eklekticizmom, najmä s oživením záujmu o stredovek a o štýl architektonickej neogotiky. V súvislosti s objavením Rosettovej dosky Champollionom si získala obľubu egyptská téma. Záujem o starovekú rímsku architektúru postupne ustúpil úcte ku všetkému starovekému grécku, čo sa obzvlášť zreteľne prejavilo v Nemecku a USA. Nemeckí architekti Leo von Klenze a Karl Friedrich Schinkel budujú Mníchov a Berlín s grandióznymi múzeami a inými verejnými budovami v duchu Parthenonu. Vo Francúzsku čistotu klasicizmu riedili bezplatné požičiavanie si z architektonického repertoáru renesancie a baroka.

Závery pre kapitolu 1

Barokový a klasicizmus sa vyvinul v r umeleckej kultúry Západná Európa v období XVII-XVIII. Tieto dva smery v umení úspešne koexistujú dve storočia, vyvíjajú sa súbežne a striedavo zaujímajú vedúce postavenie alebo ustupujú do pozadia.

Klasicistický štýl v umeleckej kultúre vyžadoval ako štandard použitie umenia starovekého sveta. Zrod klasicizmu sa konal v štádiu buržoáznych revolúcií - angličtiny a francúzštiny - ktoré ovplyvnili povahu jeho formovania a odrazili sa na charakteristikách charakteristík v rámci národného štýlu.

V. výtvarné umenie klasicizmus sledoval cieľ stelesniť myšlienku harmonického usporiadania sociálnej stránky života. Umelecké formy klasicizmus sa vyznačuje črtami prísnej organizácie, vyrovnanosti, jednoduchosti a harmónie obrazov.

Charakteristickými znakmi barokového štýlu sú zložitosť plánov, veľkolepá výzdoba interiéru s veľkolepými priestorovými a svetelnými riešeniami, množstvo kriviek, plasticky zakrivené čiary a povrchy, kontrast a živá dynamika obrazov, túžba po luxusu, kombinácia ilúzie a realita a fúzia umenia. V rozpore s klasickými formami barokový štýl podporoval sofistikovanosť pri tvarovaní. V architektúre bolo rozšírené používanie prvkov maľby a sochy, maľované povrchy stien.

V ideológii baroka sa muž javil ako „niečo medzi všetkým a ničím“ podľa slov Pascala, „toho, kto zachytáva iba zdanie javov, ale nie je schopný pochopiť ani ich začiatok, ani koniec“.

Le style c "est l" homme(„Štýl je človek“). Táto Buffonova maxima sa dá prirovnať k matematickému výrazu spájajúcemu dve premenné. Nezávislá premenná, argument, je osoba a štýl ako určitá usporiadaná postupnosť expresívnych praktík je funkciou. Čo je človek - taký je štýl. Pri všetkej univerzálnosti tejto definície je potrebné vziať do úvahy historický kontext momentu jeho vzniku - vek osvietenstva s jeho konceptom „prirodzeného človeka“. Ten druhý, ako viete, je priamym vývojom myšlienok 17. storočia, tohto začiatku novej doby, a jeho charakteristických štýlov - klasicizmu a baroka. Môžeme povedať, že tieto štýly, ich kombinácie, obsahujú projekt celej Novej doby až po súčasnosť.

Samotný koncept štýl(z lat. stylus- palica) a súvisiacim konceptom podnet(z lat. podnet, písmená. - palica s ostrými hrotmi, ktorá slúžila na vozenie zvierat) sú etymologicky dokonale zlučiteľné s princípmi klasicizmu. Preferencia priamky pred všetkými ostatnými je charakteristická pre karteziánsky racionalizmus. Kruh stratil spolu s aristotelizmom svoj ontologický status a ustúpil nekonečnému, nekvalitnému, absolútne počítateľnému. „Boh,“ tvrdí Descartes, je jediným tvorcom všetkých hnutí existujúcich vo svete, pretože existujú všeobecne a pretože sú jednoduché. Rôzne polohy hmoty však tieto pohyby menia na nepravidelné a krivočiare. Teológovia nás tiež učia, že Boh je tvorcom všetkých našich činov, pretože existujú a pretože je v nich niečo dobré, ale rôzne sklony našej vôle môžu tieto činy urobiť zlými “( Descartes R. Skladby: V 2 sv. M.: Mysl, 1989. Zv. 1. S.205). Toto tvrdenie by nemalo byť brané ako pokus o nasadenie masky ortodoxnej teológie na Galileov inerciálny princíp. Nie náhodou sa Descartes dotýka zásadnej otázky problému zla a slobodnej vôle a robí to úplne v súlade s názormi sv. Augustín. Podľa A.-I. Marroux, „o prvoradom mieste, ktoré Augustín zaujímal vo francúzskom povedomí 17. storočia, nič nesvedčí lepšie ako o úlohe, ktorú zohral vo vývoji karteziánstva“ ( Marru A.-I. Svätý Augustín a augustiniánstvo. Dolgoprudny: Vestkom, 1999. S. 185). Takže medzi rigorizmom „vnútorného človeka“ sv. Augustín, mysticky a intelektuálne smerujúci k Bohu po najkratšej ceste, počas ktorej sa nesmie rozptyľovať, a rigorizmom Descartovho „vnútorného človeka“ existuje komunita. Spočíva predovšetkým v neustálej potrebe prekonať pochybnosti pomocou rozumu, vedeného Všemohúcim. Kartézska téza „Boh nie je podvodník“ zaručuje pravdivosť Metódy. Za druhé, v schopnosti dosiahnuť cieľ len približne. Za sv. Augustín, to bolo pre Descartesa chápanie Boha - dosiahnutie majstrovstva nad prírodou prostredníctvom stavby. Preto vzniká množstvo možných možností a pravdepodobnosti Karteziánstvo ( Gaidenko P. Dejiny modernej európskej filozofie v spojení s vedou. M.: Univerzitná kniha, 2000 S. 130). Nepochybne najviac dobrý príklad Realizácia karteziánskeho projektu nadvlády nad prírodou môže slúžiť ako rozloženie parku vo Versailles od A. Le Nôtrome ( Likhachev D.S. Vybrané diela: V 3 sv. M.: Čl. lit., 1987.T.3. S. 488). Toto je človekom vytvorený raj a viditeľné stelesnenie lakonického vzorca absolutizmu, ktorý patril Františkovi I.: „Un roi, une foi, une loi“. Triáda „jeden kráľ, jedna viera, jeden zákon“ je v súlade s kompozíciou trojpaprskového parku, ako aj s princípom jednoty času, miesta a deja z „Poetického umenia“ N. Boileaua s jeho prísnosťou hierarchia žánrov.

Dlhé spolužitie klasicizmu a baroka možno len ťažko považovať za náhodu. Takáto synchronicita naznačuje ich prepojenie, ktoré, prirodzene, neodstraňuje významné rozdiely v črtách a genéze týchto dvoch štýlov. Barok bol priamym dedičom renesancie, ale zjavne sklamaným dedičom. Tu je to, čo napríklad A.F. Losev o Montaigne: „Jeho„ experimenty “neobsahujú žiadny systém,<…>posiate starožitnými citátmi, hoci od staroveku mu boli najskôr blízki iba stoici a potom sa zblížili iba skeptici “( Losev A.F. Renesančná estetika. M.: Mysl, 1978 S. 597). Montaigne bol predchodcom Descarta, ale tu stojí za zmienku zmienka o stoicizme a skepse, ktoré priamo súvisia s barokovým štýlom. Ak klasicizmus vychádzal z augustiánstva vo forme sekularizovaného dualizmu medzi prírodou a človekom, ktorý musí byť odstránený monizmom podriadenosti nejakej jedinej (ale nie jedinej možnej) forme, potom baroko vychádzalo z univerzálnosti stoického loga, jednoty vo forme organizmu nasýteného dychom pneuma. V kontexte rovnakého augustiánstva zdôrazňoval psychologickú komplexnosť individuálnej osobnosti. Podľa svetového názoru namiesto rigidnej monofónnej hierarchie univerzalizmu, ktorá je súčasťou klasicizmu, vznikol polyfónny univerzalizmus plasticity, ktorý deklaroval možnosť viacerých variácií tej istej formy alebo témy. „Faustovského“ muža sprevádza nepretržitý beh Bachovej fugy. Baroko ako historický fenomén predchádzalo klasicizmu, ale pokiaľ ide o ďalšie vyhliadky na zmenu štýlov, malo by byť uznávané skôr za dediča ako predchodcu klasicizmu. Je dobre známe, že vznik baroka je spojený s protireformáciou. Kánony a ciele jezuitského rádu našli svoj výraz práve v barokovom štýle. Stačí pripomenúť hlavný jezuitský chrám Il Gesu v Ríme (1568-1584), postavený podľa projektu G. Vignolu. Toto môže byť prvé typické projekt v histórii architektúry, realizovaný v oblastiach od Paraguaja po Livónsko. Hlavnou črtou baroka - jeho podvod, simulačnosť mu dala príležitosť premeniť sa na svojich obdivovateľov a nepriateľov „Ježišových vojakov“ - protestantov so svojim inherentným kultom práce. „Baroko, ako poznamenal J. Deleuze, vymýšľa nekonečnú produkciu alebo nekonečný proces práce. Problém nie je v tom, ako zložiť záhyb, ale ako v ňom pokračovať, prekročiť ním strop, nasmerovať ho do nekonečna “( Deleuze J. Fold, Leibniz a baroko. M.: Logos, 1997.S. 63). Zložité formy a kontrapunkt, za ktorými sa skrýva symetria čísel a funkcií, mohli teda oslavovať cnosti puritánov (napríklad oratórium GF Händela „Judas Maccabee“). Pre barokovú literatúru je charakteristické aj používanie starozákonných predmetov. Paradise Lost od J. Miltona a Najväčšie monštrum na svete od P. Calderona. Téma katastrofy vyplývajúca zo stretu slobodnej vôle a zákona dominuje tragickému žánru tejto doby. Chápanie zákona je zároveň veľmi eklektické: môže byť starozákonné, gnostické a racionalistické. V. posledný prípad nájde sa zhoda s klasicizmom. Gnostické črty baroka sa prejavili vo fascinácii astrológiou a alchýmiou, o čom svedčí nielen dobová literatúra. I. Kepler teda nikdy netajil svoju oddanosť astrológii, dokonca mu slúžila ako prostriedok na živobytie. I. Newton o tomto skóre, ako aj o svojom antitrinitarizme, radšej mlčal. Newtonovský program fyziky je však nasýtený nielen matematikou (v jej racionalistickom karteziánskom chápaní), ale aj duchom alchýmie, z ktorého jej tvorca dokázal veľa vyťažiť. vedecké nápady (Dmitriev I.S. Neznámy Newton. Silueta na pozadí éry. SPb.: Aleteya, 1999). Jeho slávna odpoveď na absolútne spravodlivé výčitky Kartézanov za oživenie magického princípu - „nevymýšľam hypotézy“ - nie je nič iné ako pravdivosť.

Snaha o kontrast a vonkajšiu vierohodnosť pomocou rôznych technológií, charakteristických pre barok, pramení z jeho najhlbšieho pesimizmu. "Bez ohľadu na to, ako krásna je komédia vo zvyšných častiach, - napísal Pascal - posledné dejstvo je vždy krvavé." Hoď zem na hlavu - a koniec navždy! “ ( Pascal B. Myšlienky. M.: Kniha REFL, 1994 S. 256). Preto vášeň pre zátišie a hypertrofovaná vitalita Rubensovho aktu. Irónia a pokušenie umelého sa pokúšajú prehovoriť k smrti a ovládnuť z neho svet hanebným spôsobom. V tomto zmysle naša moderna s vášňou pre kontrast a syntetiku (až po klonovanie) pokračuje v barokovom trende. „O štukovaní je možné uvažovať - ​​poznamenáva J. Baudrillard - ako o triumfálnom rozvoji vedy a techniky, ale je, a predovšetkým, spojené s barokom<…>Tu je už položená celá technológia a technokracia - predpoklad ideálnej falošnosti sveta, ktorý sa prejavuje vo vynáleze univerzálnej látky a v univerzálnej kombinatorike látok “( Baudrillard J. Symbolická výmena a smrť. M.: Dobrosvet, 2000 S. 116).

Kombináciu rigidných princípov klasicizmu a flexibilného baroka možno vidieť vo všetkých nasledujúcich štýloch. Dominancia niektorých nad ostatnými je určená iba taktickými úvahami, ktoré by mali zaistiť maximálnu účinnosť. „Viete,“ hovorí Balzac's Vautrin, tento „Napoleon ťažkej práce“ na adresu mladého Rastignaca, „ako sa sem dostali? Je potrebné vraziť do tejto masy ľudí delovou guľou alebo preniknúť ako mor. “ Klasicizmus je možné porovnať s prvým, barokovým - s druhým. Obaja boli nástrojmi Nového Času na formovanie Nového Človeka. Dominantu klasicizmu je teda možné vidieť v moderne na jeho projektoch futuristov a Le Corbusiera, jeho pátose vážneho. Postmoderna uprednostňuje barokové techniky. Presúva sa do jazyka binárnych kódov a deterministického chaosu. Starostlivosť o životné prostredie a pokrytie sveta sieťou informačných sietí simulujúcich „ neznesiteľná ľahkosť byť “.