I migliori dipinti più famosi. I dipinti più famosi al mondo
“Ogni ritratto dipinto con sentimento è, in sostanza, un ritratto dell'artista, e non di colui che ha posato per lui” Oscar Wilde
Cosa serve per essere un artista? La mera imitazione dell'opera non può essere considerata arte. L'arte è qualcosa che viene da dentro. L'idea dell'autore, l'eccitazione, le ricerche, i desideri e i dolori, che si incarnano sulla tela dell'artista. Nel corso della storia dell'umanità sono stati scritti centinaia di migliaia e forse milioni di dipinti. Alcuni di loro sono dei veri capolavori, conosciuti in tutto il mondo, li conoscono anche persone che non sono legate all'arte. È possibile individuare 25 dei più straordinari tra questi dipinti? Il compito è molto difficile, ma ci abbiamo provato...
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25La persistenza della memoria, Salvador Dalì
Grazie a questa foto, Dali è diventato famoso in pochi anni. giovane età aveva 28 anni. L'immagine ha molti altri nomi - " orologio morbido”, “La durezza della memoria”. Questo capolavoro ha attirato l'attenzione di molti storici dell'arte. Fondamentalmente, erano interessati all'interpretazione dell'immagine. Si dice che l'idea della tela di Dalì sia collegata alla teoria della relatività di Einstein.
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24"Danza", Henri Matisse
Henri Matisse non è sempre stato un artista. Ha scoperto il suo amore per la pittura dopo essersi laureato in giurisprudenza a Parigi. Ha studiato arte con tale zelo che è diventato uno dei i più grandi artisti nel mondo. Questa foto ha pochissime critiche negative nei confronti dei critici d'arte. Riflette una combinazione di rituali pagani, danza e musica. La gente balla in trance. Tre colori - verde, blu e rosso - simboleggiano la Terra, il Cielo e l'Umanità.
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23Il bacio, Gustav Klimt
Gustav Klimt è stato spesso criticato per essere nudo nei suoi dipinti. "The Kiss" è stato notato dalla critica, poiché univa tutte le forme d'arte. Il dipinto potrebbe essere un'immagine dell'artista stesso e della sua amante, Emilia. Klimt ha dipinto questa tela sotto l'influenza Mosaico bizantino. I Bizantini usavano l'oro nei loro dipinti. Allo stesso modo, Gustav Klimt ha mescolato l'oro nei suoi dipinti per creare i suoi proprio stile la pittura.
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22Zingaro dormiente, Henri Rousseau
Nessuno tranne Rousseau stesso potrebbe descrivere meglio questa immagine. Ecco la sua descrizione - "una zingara nomade che canta le sue canzoni a un mandolino, dorme per terra dalla fatica, la sua brocca con bevendo acqua. Un leone di passaggio si avvicinò per annusarla, ma non la toccò. Tutto è allagato chiaro di luna atmosfera molto poetica. È interessante notare che Henri Rousseau è autodidatta.
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21"Il Giudizio Universale", Hieronymus Bosch
Senza ulteriori indugi, l'immagine è semplicemente magnifica. Questo trittico è il più grande dei dipinti sopravvissuti di Bosch. L'ala sinistra mostra la storia di Adamo ed Eva. La parte centrale è giorno del giudizio» da parte di Gesù - chi dovrebbe andare in paradiso e chi dovrebbe andare all'inferno. La terra che vediamo qui è in fiamme. Sull'ala destra è raffigurata un'immagine disgustosa dell'inferno.
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Tutti conoscono Narciso da mitologia greca- un uomo ossessionato dal suo aspetto. Dali ha scritto la sua interpretazione di Narciso.
La storia è così. Il bellissimo giovane Narciso ha facilmente spezzato il cuore di molte ragazze. Gli dei intervennero e, per punirlo, gli mostrarono il suo riflesso nell'acqua. Narciso si innamorò di se stesso e finì per morire perché non riusciva ad abbracciarsi. Quindi gli dei si rammaricarono di avergli fatto questo e decisero di immortalarlo sotto forma di un fiore di narciso.
Sul lato sinistro dell'immagine c'è Narciso che guarda il suo riflesso. Poi si innamorò di se stesso. Il pannello di destra mostra gli eventi che si sono svolti dopo, incluso il fiore risultante, il narciso.
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La trama dell'immagine si basa sul pestaggio biblico dei bambini a Betlemme. Dopo che la nascita di Cristo fu conosciuta dai Magi, il re Erode ordinò di uccidere tutti i bambini e i bambini piccoli di sesso maschile a Betlemme. Nella foto, la carneficina è al culmine, gli ultimi figli sottratti alle loro madri aspettano la loro morte spietata. Sono visibili anche i cadaveri dei bambini per i quali tutto è dietro di loro.
Attraverso l'uso di ricchi colori, il dipinto di Rubens è diventato un capolavoro di fama mondiale.
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Il lavoro di Pollock è molto diverso dagli altri artisti. Posò la sua tela a terra, si mosse attorno alla tela e vi camminò sopra, gocciolando vernice dall'alto sulla tela con bastoncini, pennelli e siringhe. Grazie a questa tecnica unica, è stato soprannominato "Sprinkler Jack" nei circoli artistici. Per qualche tempo questo dipinto ha detenuto il titolo di dipinto più costoso del mondo.
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Conosciuto anche come "Dancing at Les Moulins de la Galette". Questo dipinto è considerato uno dei dipinti più gioiosi di Renoir. L'idea dell'immagine è quella di mostrare al pubblico un lato divertente. Vita parigina. Con uno studio dettagliato dell'immagine, puoi vedere che Renoir ha posizionato molti dei suoi amici sulla tela. Poiché il dipinto appare leggermente sbiadito, è stato inizialmente criticato dai contemporanei di Renoir.
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La storia è tratta dalla Bibbia. Nel quadro " L'ultima Cena” raffigura l'ultima cena di Cristo prima del suo arresto. Aveva appena parlato ai suoi apostoli e aveva detto loro che uno di loro lo avrebbe tradito. Tutti gli apostoli sono rattristati e gli dicono che non sono certo loro. Fu questo momento che da Vinci ritrasse magnificamente con la sua immagine vivace. Il grande Leonardo impiegò quattro anni per completare questo dipinto.
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Le "Ninfee" di Monet si trovano ovunque. Probabilmente li hai visti su sfondi, poster e copertine di riviste d'arte. Il fatto è che Monet era ossessionato dai gigli. Prima di iniziare a dipingerli, aveva coltivato innumerevoli di questi fiori. Monet costruì un ponte in stile giapponese nel suo giardino su uno stagno di ninfee. Era così contento di quello che ha fatto che ha disegnato questa storia diciassette volte in un anno.
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C'è qualcosa di sinistro e misterioso in questa immagine, c'è un'aura di paura intorno ad essa. Solo un maestro come Munch è stato in grado di ritrarre la paura sulla carta. Munch ha realizzato quattro versioni di The Scream a oli e pastelli. Secondo le annotazioni del diario di Munch, è abbastanza chiaro che lui stesso credeva nella morte e negli spiriti. Nel dipinto "The Scream", si è raffigurato nel momento in cui un giorno, camminando con gli amici, ha provato paura ed eccitazione, che voleva dipingere.
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Il dipinto, che di solito viene indicato come un simbolo della maternità, non avrebbe dovuto diventarlo. Si dice che il modello di Whistler, che avrebbe dovuto posare per il dipinto, non si è fatto vivo e ha deciso di dipingere invece sua madre. Possiamo dire che qui è raffigurata la triste vita della madre dell'artista. Questo stato d'animo è dovuto ai colori scuri utilizzati in questo dipinto.
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Picasso incontra Dora Maar a Parigi. Si dice che fosse intellettualmente più vicina a Picasso di tutte le sue precedenti amanti. Usando il cubismo, Picasso è stato in grado di trasmettere movimento nel suo lavoro. Sembra che il volto di Maar sia rivolto a destra, verso il volto di Picasso. L'artista ha reso quasi reale la presenza della donna. Forse voleva sentire che lei era lì, sempre.
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Van Gogh dipinse Notte stellata durante il trattamento, dove gli fu permesso di dipingere solo quando le sue condizioni migliorarono. All'inizio dello stesso anno, si è tagliato il lobo dell'orecchio sinistro. Molti consideravano l'artista pazzo. Dall'intera collezione delle opere di Van Gogh Notte di stelle» ottenne la maggiore fama, forse per l'insolita luce sferica attorno alle stelle.
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In questo dipinto, Manet ha ricreato la Venere di Urbino di Tiziano. L'artista aveva una cattiva reputazione per aver raffigurato le prostitute. Sebbene i gentiluomini in quel momento visitassero abbastanza spesso le cortigiane, non pensavano che a qualcuno sarebbe venuto in mente di disegnarle. Quindi era preferibile che gli artisti dipingessero quadri storici, mitici o temi biblici. Tuttavia, Manet, contrariamente alle critiche, ha mostrato al pubblico il loro contemporaneo.
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Questo dipinto è una tela storica raffigurante la conquista della Spagna da parte di Napoleone.
Dopo aver ricevuto un ordine per dipinti raffiguranti la lotta del popolo spagnolo con Napoleone, l'artista non dipinse tele eroiche e patetiche. Scelse il momento dell'esecuzione dei ribelli spagnoli da parte dei soldati francesi. Ognuno degli spagnoli sta vivendo questo momento a modo suo, qualcuno si è già riconciliato, ma per qualcuno la battaglia principale è appena arrivata. Guerra, sangue e morte, questo è ciò che Goya ha effettivamente interpretato.
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Si ritiene che la ragazza raffigurata lo sia figlia più grande Vermeer, Maria. I suoi lineamenti sono presenti in molte delle sue opere, ma è difficile confrontarli. Un libro con lo stesso titolo è stato scritto da Tracey Chevalier. Ma la versione di Tracy di chi è raffigurato in questa foto è completamente diversa. Afferma di aver preso questo argomento perché ci sono pochissime informazioni su Vermeer e sui suoi dipinti, e questo particolare dipinto ha un'atmosfera misteriosa. Successivamente, è stato girato un film basato sul suo romanzo.
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Il nome esatto del dipinto è "L'esibizione della compagnia di fucilieri del capitano Frans Banning Cock e del tenente Willem van Ruytenbürg". La società di fucilieri era una milizia civile chiamata a difendere la città. Oltre alle milizie, Rembrandt ne aggiunse diverse persone in più. Considerando che ha acquistato una casa costosa al momento della stesura di questa foto, potrebbe essere vero che ha ricevuto un compenso enorme per The Night Watch.
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Sebbene il dipinto contenga un'immagine dello stesso Velázquez, non è un autoritratto. personaggio principale tele - Infanta Margarita, figlia del re Filippo IV. Raffigura il momento in cui Velazquez, lavorando a un ritratto del re e della regina, è costretto a fermarsi a guardare l'Infanta Margherita, che è appena entrata nella stanza con il suo seguito. L'immagine sembra quasi viva, suscitando curiosità nel pubblico.
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Questo è l'unico dipinto di Brueghel dipinto a olio e non a tempera. Ci sono ancora dubbi sull'autenticità del dipinto, principalmente per due motivi. In primo luogo, non dipinge a olio e, in secondo luogo, studi recenti hanno dimostrato che sotto lo strato di pittura c'è un disegno schematico di scarsa qualità, che non appartiene a Brueghel.
Il dipinto ritrae la storia di Icaro e il momento della sua caduta. Secondo il mito, le piume di Icaro erano attaccate con la cera, e poiché Icaro si alzò molto vicino al sole, la cera si sciolse e cadde nell'acqua. Questo paesaggio ha ispirato Wystan Hugh Auden a scrivere la sua poesia più famosa sullo stesso argomento.
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La "Scuola di Atene" è forse la più famoso affresco Raffaello, pittore rinascimentale italiano.
In questo murale della Scuola di Atene, tutti i grandi matematici, filosofi e scienziati riuniti sotto lo stesso tetto, condividono le loro teorie e imparano gli uni dagli altri. Tutti gli eroi vivevano tempo diverso, ma Rafael li ha messi tutti in una stanza. Alcune delle figure sono Aristotele, Platone, Pitagora e Tolomeo. Uno sguardo più attento mostra che c'è un autoritratto dello stesso Raffaello in questa foto. Ogni artista vorrebbe lasciare il proprio segno, l'unica differenza è la forma. Anche se forse si considerava una di queste grandi figure?
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Michelangelo non si è mai considerato un artista, ha sempre pensato a se stesso più come uno scultore. Ma è riuscito a creare un incredibile affresco squisito, davanti al quale il mondo intero venera. Questo capolavoro è sul soffitto cappella Sistina in Vaticano. Michelangelo fu incaricato di dipingere diverse storie bibliche, una delle quali è la creazione di Adamo. In questo quadro è appena visibile lo scultore in Michelangelo. Il corpo umano di Adam è reso con incredibile fedeltà, con colori vivaci e forma muscolosa precisa. Quindi, si può essere d'accordo con l'autore, dopotutto è più uno scultore.
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2"La Gioconda", Leonardo da Vinci
Nonostante sia il dipinto più studiato, la Gioconda è ancora il più misterioso. Leonardo ha detto che non ha mai smesso di lavorarci. Si dice che solo la sua morte abbia completato il dipinto. "La Gioconda" è il primo ritratto italiano in cui la modella è mostrata fino alla vita. La pelle di Monna Lisa sembra brillare a causa dell'uso di diversi strati di oli trasparenti. Come scienziato, Leonardo da Vinci ha applicato tutte le sue conoscenze per rendere realistica l'immagine della Gioconda. Per quanto riguarda chi è esattamente raffigurato nel dipinto, rimane ancora un mistero.
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Il dipinto raffigura Venere, la dea dell'amore, che fluttua su una conchiglia al vento, che viene soffiata da Zefiro, il dio del vento di ponente. Sulla riva la incontra Ora, la dea delle stagioni, pronta a vestire la neonata divinità. La modella per Venere è Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo morì a 22 anni e Botticelli volle essere sepolto accanto a lei. Lo ha collegato a lei amore non corrisposto. Questo dipinto è l'opera d'arte più squisita mai creata.
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Conclusione
Era un articolo TOP 25 dipinti più famosi al mondo. Grazie per l'attenzione!
Anche se penso che la professione di designer non sia legata all'arte, mi sembra che l'educazione culturale e lo sviluppo del gusto siano importanti per ogni designer. Pertanto, il post di oggi sarà un po' educativo generale.
Vorrei che ogni persona ammirasse i dipinti immortali di grandi artisti. In questo articolo, ho raccolto il meglio e dipinti iconici vari maestri arti visive.
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Leonardo da Vinci "La Gioconda"
Mi sembra che valga la pena iniziare la recensione con il dipinto più probabilmente famoso del mondo: la Gioconda (o "Monna Lisa") di Leonardo da Vinci. Questo è un ritratto di Lisa Gherardini dipinto all'incirca nel 1503-1505. Sul questo momento conservato al Louvre.
Una caratteristica significativa dell'immagine è il famoso sorriso enigmatico Monna Lisa. Ci sono diversi segreti nel sorriso più famoso del mondo che eccitano le menti fino ad oggi. Il primo segreto: è difficile capire se la Gioconda stia effettivamente sorridendo o semplicemente sembri. Il secondo e il terzo enigma si possono vedere solo dal vivo, essendo stato al Louvre: da qualsiasi punto della sala sembra che il ritratto ti guardi e ti sorrida solo; passando gradualmente dal ritratto da sinistra a destra, puoi vedere come la ragazza su di esso sta invecchiando. Gli ultimi due fenomeni che mi è capitato di osservare personalmente e posso confermare che effettivamente si verificano.
Raffaello "Madonna Sistina"
Questa immagine viene spesso utilizzata per vari biglietti di Natale. O meglio angeli dal basso. Il dipinto fu commissionato a Raffaello nel 1512. Attualmente conservato nella Galleria degli Antichi Maestri di Dresda.
Leonardo da Vinci "L'ultima cena"
L'affresco raffigura l'ultima cena di Cristo con i suoi discepoli. Fu scritto nel 1495-1498 nel monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano. Dimensioni approssimative 4,5 m x 8,7 m.
Sandro Botticelli "La nascita di Venere"
Il dipinto del famoso italiano è conservato a Firenze nel Galleria degli Uffizi. Il quadro fu dipinto nel 1486. E raffigura la dea della bellezza, nata dalla schiuma del mare e che esce sulla terraferma.
Salvador Dali "La persistenza della memoria"
Probabilmente il dipinto più famoso di Salvador Dalì. Personalmente, l'immagine mi colpisce dritto al cervello e mi fa dubitare della realtà del mondo che mi circonda. Scritto nel 1931, è attualmente conservato nel Museo arte contemporanea in New York.
Kazimir Malevic quadrato nero"
Questa tela di 79,5 × 79,5 centimetri era iconica e ha dato vita a una nuova direzione nella pittura. Allo stesso tempo, Black Square è anche la tela più controversa. Non ci sono così poche persone che non vedono l'arte qui e dicono che disegneranno altrettanto bene. Dal 1915 Malevich dipinse 7 tele identiche.
Un fatto interessante: molti critici suggeriscono che Malevich abbia originariamente dipinto un'immagine diversa e successivamente l'abbia imbrattata con vernice nera. Gli studi per l'ubicazione sono stati effettuati ripetutamente, ma i critici d'arte si sono indignati, sostenendo che il dipinto potrebbe essere danneggiato irreparabilmente.
Vincent van Gogh "Notte di stelle"
Uno dei miei quadri preferiti in generale. Scritto artista olandese nel 1889. Attualmente è conservato al Museum of Modern Art di New York.
Karl Bryulov" L'ultimo giorno di Pompei"
Il pittore russo dipinse questo quadro nel 1830 dopo aver visitato Pompei. L'immagine racconta la famosa eruzione del Vesuvio, che seppellì l'intera città. Attualmente conservato nel Museo Statale Russo di San Pietroburgo.
Pablo Picasso "Ragazza sulla palla"
Il dipinto è stato dipinto da un famoso artista spagnolo nel 1905 e raffigura un gruppo di acrobati itineranti. Attualmente archiviato in Museo Puskin, Mosca.
Ivan Aivazovsky "La nona onda"
L'immagine colpisce con un tripudio di colori e mostra l'impotenza di una persona di fronte agli elementi. Dipinto dal famoso artista russo nel 1850. Esposto a San Pietroburgo presso il Museo Statale Russo.
In effetti, questo elenco può essere continuato all'infinito. C'è nel mondo grande quantità opere d'arte. Consiglio di guardarli tutti dal vivo.
Nessuna ispirazione? Vi consiglio di scegliere l'orario e di visitare un buon museo.
Se pensi che tutti i grandi artisti siano nel passato, non hai idea di quanto ti sbagli. In questo articolo imparerai a conoscere i più famosi e artisti di talento modernità. E, credetemi, le loro opere rimarranno nella vostra memoria non meno profondamente delle opere del maestro delle epoche passate.
Wojciech Babski
Wojciech Babski - moderno artista polacco. Si è laureato al Politecnico della Slesia, ma si è collegato. IN Ultimamente attira principalmente donne. Si concentra sulla manifestazione delle emozioni, cerca di ottenere il massimo effetto possibile con mezzi semplici.
Ama il colore, ma usa spesso sfumature di nero e grigio per ottenere la migliore impressione. Non ha paura di sperimentare nuove tecniche. Di recente sta guadagnando sempre più popolarità all'estero, principalmente nel Regno Unito, dove vende con successo le sue opere, che si trovano già in molte collezioni private. Oltre all'arte, si interessa di cosmologia e filosofia. Ascolta jazz. Attualmente vive e lavora a Katowice.
Warren Chang
Warren Chang - moderno artista americano. Nato nel 1957 e cresciuto a Monterey, in California, si è laureato magna cum laude presso l'Art Center College of Design di Pasadena nel 1981 con un Bachelor of Fine Arts in Belle Arti. Per i successivi due decenni, ha lavorato come illustratore per varie aziende in California e New York prima di iniziare la sua carriera come artista professionista nel 2009.
I suoi dipinti realistici possono essere suddivisi in due categorie principali: dipinti interni biografici e dipinti raffiguranti lavoratori. Il suo interesse per questo stile pittorico è radicato nel lavoro del pittore del XVI secolo Jan Vermeer e si estende a oggetti, autoritratti, ritratti di familiari, amici, studenti, studio, aule e interni domestici. Il suo obiettivo è creare atmosfera ed emozione nei suoi dipinti realistici attraverso la manipolazione della luce e l'uso di colori tenui.
Chang è diventato famoso dopo il passaggio alle arti visive tradizionali. Negli ultimi 12 anni ha ottenuto numerosi premi e riconoscimenti, il più prestigioso dei quali è il Master Signature degli Oil Painters of America, la più grande comunità di pittura a olio negli Stati Uniti. Solo una persona su 50 è onorata dell'opportunità di ricevere questo premio. Attualmente, Warren vive a Monterey e lavora nel suo studio, insegna anche (noto come insegnante di talento) alla San Francisco Academy of the Arts.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni - artista italiano. Nato a Blair il 15 ottobre 1955. Diplomato in Scenografia all'Istituto d'Arte di Spoleto. Come artista, è autodidatta, poiché ha "costruito la casa della conoscenza" in modo indipendente sulle fondamenta gettate a scuola. Ha iniziato a dipingere a olio all'età di 19 anni. Attualmente vive e lavora in Umbria.
La prima pittura di Bruni è radicata nel surrealismo, ma nel tempo inizia a concentrarsi sulla vicinanza del romanticismo e del simbolismo lirico, rafforzando questa combinazione con la squisita raffinatezza e purezza dei suoi personaggi. Gli oggetti animati e inanimati acquisiscono uguale dignità e sembrano quasi iperrealistici, ma allo stesso tempo non si nascondono dietro una tenda, ma ti permettono di vedere l'essenza della tua anima. Versatilità e raffinatezza, sensualità e solitudine, premura e fecondità sono lo spirito di Aurelio Bruni, nutrito dallo splendore dell'arte e dall'armonia della musica.
Aleksander Balos
Alkasandr Balos è un artista polacco contemporaneo specializzato in pittura a olio. Nato nel 1970 a Gliwice, in Polonia, dal 1989 vive e lavora negli USA, nella città di Shasta, in California.
Da bambino ha studiato arte sotto la guida del padre Jan, artista e scultore autodidatta, quindi da tenera età, attività artistica ha ricevuto il pieno sostegno di entrambi i genitori. Nel 1989, all'età di diciotto anni, Balos ha lasciato la Polonia per gli Stati Uniti, dove ha insegnante di scuola e l'artista part-time Cathy Gaggliardi ha incoraggiato Alcasander ad entrare scuola d'arte. Balos ha poi ricevuto una borsa di studio completa per l'Università di Milwaukee nel Wisconsin, dove ha studiato pittura con il professore di filosofia Harry Rosin.
Dopo aver completato gli studi nel 1995 con una laurea, Balos si è trasferito a Chicago per iscriversi a una scuola di arti visive i cui metodi sono basati sulla creatività. Jacques-Louis David. realismo figurativo e ritratto dipinto erano più opere di Balos negli anni '90 e nei primi anni 2000. Oggi Balos usa la figura umana per mettere in evidenza le caratteristiche e le carenze dell'esistenza umana, senza offrire alcuna soluzione.
Le composizioni della trama dei suoi dipinti sono destinate ad essere interpretate in modo indipendente dallo spettatore, solo allora le tele acquisiranno il loro vero significato temporale e soggettivo. Nel 2005, l'artista si è trasferito nel nord della California, da allora la portata del suo lavoro si è notevolmente ampliata e ora include metodi di pittura più liberi, tra cui l'astrazione e vari stili multimediali che aiutano a esprimere le idee e gli ideali dell'essere attraverso la pittura.
Monaci Alyssa
Monaci Alyssa - moderno artista americano. È nata nel 1977 a Ridgewood, nel New Jersey. Si interessò alla pittura quando era ancora una bambina. Ha studiato alla New School di New York e Università Statale Montclair, e si è laureato al Boston College nel 1999, ha conseguito una laurea. Contemporaneamente studiò pittura all'Accademia Lorenzo Medici di Firenze.
Successivamente ha proseguito gli studi nell'ambito del programma per un master presso la New York Academy of Art, presso il Dipartimento di Arte Figurativa, diplomandosi nel 2001. Si è laureata al Fullerton College nel 2006. Per qualche tempo ha insegnato nelle università e istituzioni educative in tutto il paese, insegnando pittura alla New York Academy of Art, nonché alla Montclair State University e al Lyme Academy College of Art.
“Usando filtri come vetro, vinile, acqua e vapore, distorco corpo umano. Questi filtri ti consentono di creare ampie aree di disegno astratto, con isole di colore che fanno capolino attraverso di esse: parti del corpo umano.
Le mie foto stanno cambiando aspetto moderno alle posizioni e ai gesti già consolidati e tradizionali delle donne che fanno il bagno. Potrebbero dire molto a uno spettatore attento su cose apparentemente ovvie come i benefici del nuoto, della danza e così via. I miei personaggi vengono premuti contro il vetro della finestra della cabina doccia, distorcendo il proprio corpo, rendendosi conto che in tal modo influenzano il famigerato sguardo maschile di una donna nuda. Spessi strati di vernice vengono mescolati insieme per imitare da lontano vetro, vapore, acqua e carne. Tuttavia, da vicino, delizioso Proprietà fisiche pittura a olio. Sperimentando strati di pittura e colore, trovo il momento in cui i tratti astratti diventano qualcos'altro.
Quando ho iniziato a dipingere il corpo umano, ne sono rimasto immediatamente affascinato e persino ossessionato e ho sentito che dovevo rendere i miei dipinti il più realistici possibile. Ho "professo" il realismo finché non ha cominciato a disfarsi e decostruire se stesso. Ora sto esplorando le possibilità e il potenziale di uno stile di pittura in cui la pittura rappresentativa e l'astrazione si incontrano: se entrambi gli stili possono coesistere nello stesso momento, lo farò".
Antonio Finelli
artista italiano - osservatore del tempo” – Antonio Finelli è nato il 23 febbraio 1985. Attualmente vive e lavora in Italia tra Roma e Campobasso. Le sue opere sono state esposte in diverse gallerie in Italia e all'estero: Roma, Firenze, Novara, Genova, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, e si trovano anche in collezioni private e pubbliche.
Disegni a matita " Osservatore del tempo” Antonio Finelli ci manda in un eterno viaggio attraverso mondo interiore temporalità umana e l'analisi rigorosa di questo mondo ad essa associato, il cui elemento principale è il passaggio nel tempo e le tracce che lascia sulla pelle.
Finelli dipinge ritratti di persone di qualsiasi età, sesso e nazionalità, le cui espressioni facciali indicano il passaggio nel tempo, e l'artista spera anche di trovare prove della spietatezza del tempo sui corpi dei suoi personaggi. Antonio definisce le sue opere come una, nome comune: “Autoritratto”, perché nei suoi disegni a matita non solo raffigura una persona, ma permette allo spettatore di contemplare risultati reali passare del tempo all'interno di una persona.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni è un'artista italiana di 37 anni, figlia di un diplomatico. Ha tre figli. Dodici anni visse a Roma, tre anni in Inghilterra e Francia. Ha conseguito una laurea in storia dell'arte presso la BD School of Art. Successivamente ha conseguito il diploma di restauratrice specializzata di opere d'arte. Prima di trovare la sua vocazione e dedicarsi interamente alla pittura, ha lavorato come giornalista, colorista, designer e attrice.
La passione di Flaminia per la pittura nasce fin da piccola. Il suo mezzo principale è l'olio perché ama "coiffer la pate" e gioca anche con il materiale. Ha imparato una tecnica simile nelle opere dell'artista Pascal Torua. Flamininia si ispira ai grandi maestri della pittura come Balthus, Hopper e François Legrand, oltre a vari movimenti artistici: street art, realismo cinese, surrealismo e realismo rinascimentale. Il suo preferito pittore Caravaggio. Il suo sogno è scoprire il potere terapeutico dell'arte.
Denis Cernov
Denis Chernov ha talento artista ucraino, è nato nel 1978 a Sambir, nella regione di Leopoli, in Ucraina. Dopo la laurea a Kharkov scuola d'arte nel 1998 ha soggiornato a Kharkov, dove attualmente vive e lavora. Ha anche studiato presso l'Accademia statale di design e arti di Kharkov, Dipartimento di grafica, laureandosi nel 2004.
Partecipa regolarmente esibizione artistica, al momento sono stati più di sessanta, sia in Ucraina che all'estero. La maggior parte delle opere di Denis Chernov sono conservate in collezioni private in Ucraina, Russia, Italia, Inghilterra, Spagna, Grecia, Francia, USA, Canada e Giappone. Alcune delle opere sono state vendute da Christie's.
Denis lavora in una vasta gamma di tecniche grafiche e pittoriche. I disegni a matita sono uno dei suoi metodi pittorici preferiti, un elenco dei suoi argomenti disegni a matita anche molto vario, dipinge paesaggi, ritratti, nudi, composizioni di genere, illustrazioni di libri, letterario e ricostruzioni storiche e fantasie.
La pagina ne contiene di più dipinti famosi Artisti russi del XIX secolo con nomi e descrizioni
La pittura diversificata di artisti russi dall'inizio del XIX secolo attrae con la sua originalità e versatilità in ambito domestico belle arti. I maestri della pittura di quel tempo non cessarono di stupire con il loro approccio unico alla trama e l'atteggiamento riverente nei confronti dei sentimenti delle persone, di natura autoctona. Nel 19° secolo, le composizioni di ritratti erano spesso dipinte con una straordinaria combinazione di un'immagine emotiva e un motivo epicamente calmo.
I dipinti degli artisti russi sono magnifici nell'artigianato e veramente belli nella percezione, riflettendo in modo sorprendentemente accurato il respiro del loro tempo, il carattere unico delle persone e il loro desiderio di bellezza.
Tele di pittori russi che sono i più popolari: Alexander Ivanov - brillante rappresentante pittoresca direzione biblica, a colori che ci raccontano gli episodi della vita di Gesù Cristo.
Karl Bryullov - un pittore popolare ai suoi tempi, la sua direzione pittura di storia, soggetti ritratti, opere romantiche.
Il pittore marino Ivan Aivazovsky, i suoi dipinti sono magnifici e si potrebbe dire semplicemente insuperabile che riflettono la bellezza del mare con onde trasparenti, tramonti sul mare e barche a vela.
La versatilità distintiva risalta le opere famosa Ilia Repin, che ha creato opere di genere e monumentali che riflettono la vita delle persone.
Dipinti molto pittoreschi e su larga scala dell'artista Vasily Surikov, la descrizione della storia russa è la sua direzione, in cui l'artista ha enfatizzato gli episodi a colori percorso di vita popolo russo.
Ogni artista è unico, ad esempio il pittoresco maestro di fiabe ed epopee Viktor Vasnetsov, unico nel suo stile, è sempre tele succose e luminose, romantiche, i cui eroi siamo tutti noi eroi famosi racconti popolari.
Ogni artista è unico, ad esempio, il pittoresco maestro di fiabe e poemi epici Viktor Vasnetsov, unico nel suo stile, è sempre tele succose e luminose, romantiche, i cui eroi sono i famosi eroi dei racconti popolari. Dipinti molto pittoreschi e su larga scala dell'artista Vasily Surikov, la descrizione della storia russa è la sua direzione, in cui l'artista ha sottolineato a colori gli episodi del percorso di vita del popolo russo.
Nella pittura russa del 19 ° secolo, una tendenza come realismo critico, sottolineando il ridicolo, la satira e l'umorismo nelle trame. Naturalmente, questa era una nuova tendenza, non tutti gli artisti potevano permettersela. In questa direzione furono determinati artisti come Pavel Fedotov e Vasily Perov.
Anche i pittori di paesaggi di quel tempo occupavano la loro nicchia, tra cui Isaac Levitan, Alexei Savrasov, Arkhip Kuindzhi, Vasily Polenov, il giovane artista Fyodor Vasiliev, il pittoresco maestro della foresta, radure forestali con pini e betulle con funghi Ivan Shishkin. Tutti loro riflettevano in modo colorato e romantico la bellezza della natura russa, la cui varietà di forme e immagini è associata al potenziale colossale del mondo circostante.
Secondo Levitan, in ogni nota della natura russa c'è una tavolozza colorata unica, quindi c'è un'enorme distesa di creatività. Forse questo è l'enigma che le tele create nelle vaste distese della Russia si distinguono per una squisita severità, ma, allo stesso tempo, attirano con una bellezza discreta, dalla quale è difficile distogliere lo sguardo. O per niente trama intricata e piuttosto non accattivante, il dipinto di Levitan Dandelions, per così dire, incoraggia lo spettatore a pensare e vedere la bellezza nel semplice.