Enciclopedia della pittura - Scuola italiana - antonello da messina. Artista italiano Antonello da Messina: biografia, creatività e curiosità I dipinti di Antonello da Messina

Vergine Annunciata (Antonello da Messina, Galleria Regionale della Sicilia, Palermo)

"Maria Annuciata (legno, olio, dimensioni: 45 x 34,5 cm.) è uno dei dipinti più famosi dell'artista italiano Antonello da Messina. Attualmente è al Museo Nazionale di Palermo."
Antonello da Messina è nato nella città di Messina in Sicilia. Nato intorno al 1430. Fu un rappresentante della scuola di pittura meridionale durante il primo Rinascimento. La formazione iniziale avviene in una scuola di provincia, lontana dai centri artistici d'Italia, dove i principali punti di riferimento sono stati i maestri del sud della Francia, della Catalogna e dei Paesi Bassi. I ritratti occupano un posto speciale nell'opera di Antonello da Messina. Maria Annuciata ha i tratti caratteristici della pittura da Messina.
Diverse sono le ipotesi sulla datazione del dipinto. Si ritiene che lo scrisse nel 1475 quando si recò a Venezia.
Il dipinto rivela i principali valori del Rinascimento italiano. Prospettiva, ricerca dell'equilibrio e della simmetria, sforzandosi di estrarre le regole eterne della geometria dalle forme mutevoli della natura, ponendo una persona al centro dell'Universo.
Questo quadro testimonia la profonda conoscenza di Antonello della tecnica pittorica fiamminga, che sempre diligentemente, con attenzione analitica, riproduceva la realtà e l'essenza fisica dei materiali: un leggio leggero, pagine in movimento di un libro, occhi e sopracciglia accuratamente dipinti.
La composizione del seno di Maria è raffigurata su uno sfondo nero. Antonello lo usa per enfatizzare l'immagine luminosa di Maria e mostrare così la sua importanza nel salvare l'umanità dal potere delle tenebre.
La maggior parte degli artisti ha raffigurato l'Annunciazione come una scena di dialogo tra Maria e l'Arcangelo. Tuttavia, Antonello sta cercando di mettere altri accenti. Il suo compito è trasmettere il mondo interiore di Maria.
La Vergine Maria seduta al leggio con la mano sinistra tiene il velo azzurro gettato su di lei, e alza l'altra mano. È difficile capire il suo gesto. Forse è indirizzato all'Arcangelo. O è un gesto di assenso, o forse sorpresa. Maria sta meditando. La sua espressione facciale, la postura delle mani e della testa, così come il suo sguardo, dicono allo spettatore che Maria è ormai lontana dal mondo mortale.

In diagonale è raffigurato un tavolo o un leggio, con un leggio con sopra un libro, che spinge la figura in profondità, esaltando la sensazione di spazialità. Lo spettatore è al posto dell'Arcangelo Gabriele ed è complice degli eventi.
La rappresentazione di un busto su uno sfondo scuro è una tecnica ereditata dalla ritrattistica fiamminga, che rappresenta un'innovazione nella rappresentazione di Maria. Maria è isolata, domina lo spazio intorno a lei.

La storia di questo dipinto inizia nel 1906, quando Monsignor Di Giovanni, che lo ereditò dalla famiglia Colluzio, lo lasciò in eredità all'allora Museo Nazionale di Palermo.
“La mano più bella che abbia mai visto nell'arte”, ha detto Roberto Longhi, riferendosi al movimento in avanti della sua mano destra. La mano rappresenta forse lo spazio intorno ad essa. La piega centrale del mantello sul capo della Vergine determina il fuoco del campo visivo dello spettatore.
Così Leonardo Schiaschia descrisse l'effetto del dipinto sullo spettatore: "Lo spettatore dovrebbe notare una profonda piega al centro della fronte".
Sebbene fosse solo un dettaglio pittorico per l'artista, ci racconta di vestiti che sono stati accuratamente conservati in una cassa insieme ad altre cose preziose. Questo mantello veniva tolto in speciali occasioni solenni.
Notare il meraviglioso contrasto tra il gesto con la mano destra e il gesto con la mano sinistra, che è comune per una contadina: piega i lembi della veste.
Guarda le misteriose espressioni facciali delle labbra, guarda nell'eternità. Forse questa è la consapevolezza della loro futura maternità.
Attraverso l'impatto diretto della pittura fiamminga che prese forma a Napoli, grazie a Colantino, suo maestro, attraverso lo studio dei dipinti di molti artisti ivi operanti, Antonello diede un grande contributo alla diffusione dei valori del Rinascimento italiano tra varie classi sociali di professionisti e mercanti in città come Messina, Napoli, Venezia.

Gli artisti del primo Rinascimento trovarono nuove forme, inventarono nuove tecniche e soluzioni stilistiche, divennero famosi per i loro esperimenti con la pittura. L'opera degli artisti rinascimentali si rifletteva direttamente nell'arte di tutto il successivo culto degli artisti ed è ancora un esempio per i pittori alle prime armi.

Giorgio Vasari (1511-1574)
"Biografie dei più famosi pittori, scultori e architetti" (traduzione di A.I. Venediktov)

"Biografia di Antonello da Messina del pittore"

"Quando io stesso discuto delle benedizioni e dei vantaggi ricevuti dall'arte della pittura da numerosi maestri che hanno adottato questo secondo stile, non posso, in base alle loro opere, chiamarli diversamente che veramente laboriosi ed eccellenti, perché hanno fatto del loro meglio per sollevare la pittura ad un gradino più alto, indipendentemente dalla convenienza, o con spese, o con interessi personali.Intanto, lavorando su tavole e su tela, non usarono mai altri colori che la tempera, l'inizio di questo metodo fu posto da Cimabue nel 1250, quando lavorò con i predetti Greci, e continuò da Giotto et altri, dei quali si è fin qui parlato; lo stesso modo fu seguito dopo di loro, benchè gli artisti riconobbero che la pittura a tempera mancava di una certa morbidezza e vivacità, che solo loro riuscivano a trovarsi, darebbe più grazia al disegno e maggiore bellezza al colore e faciliterebbe il raggiungimento di una maggiore unità nell'accostamento dei colori, mentre circa non hanno mai usato solo la punta di un pennello nella loro scrittura. Tuttavia, sebbene molti abbiano cercato di trovare qualcosa di simile, nessuno ha scoperto un buon modo, anche usando vernici liquide o pitture di altro tipo, mescolate con la tempera. E fra i tanti che fecero tali o simili tentativi, ma vani, furono Alesso Baldovinetti, Pesello e molti altri, ma nessuno di loro riuscì in opere di quella bellezza e qualità che immaginarono. E anche quando hanno trovato quello che stavano cercando, non sono stati in grado di garantire che le figure sulle tavole reggessero come stavano sul muro, né un modo per risciacquarle in modo che la vernice non si staccasse e che non avevano paura di sobbalzi quando li maneggiavano. Su tutte queste cose molti artisti, riunitisi, hanno più volte sostenuto inutili dispute. Inoltre, aspiravano molti talenti esaltati che erano coinvolti nella pittura fuori dall'Italia, vale a dire pittori provenienti da Francia, Spagna, Germania e altri paesi. E con questo stato di cose accadde che un certo Giovanni da Bruges, che lavorava nelle Fiandre (1), pittore da quelle parti, che fu molto apprezzato per la grande esperienza che fece in questa occupazione, cominciò a sperimentare diversi tipi di colori, e siccome si occupava anche di alchimia, poi mescolò diversi oli per vernici e altre cose, secondo le invenzioni dei filosofi, ai quali apparteneva. Una volta, dopo aver finito con grande cura la tavola e averci speso la maggior fatica, la verniciò e, come previsto, la espose ad asciugare al sole. Tuttavia, sia che il calore fosse troppo forte, sia che il legno fosse mal adattato o mal sostenuto, la detta tavola purtroppo si divise alle giunture. E perciò Giovanni, vedendo il male che gli faceva il calore del sole, decise di non permettere più che il sole facesse tanto danno alla sua opera. E così, poiché la vernice gli dava fastidio non meno della tempera, cominciò a pensare di asciugarsi all'ombra e di non dover esporre la sua pittura al sole. Pertanto, dopo aver provato molte cose, sia pure che miste, alla fine ha scoperto che l'olio di semi di lino e di noce di tutto ciò che ha provato si asciuga meglio. Bollendoli con le altre sue miscele, ottenne una vernice, che aveva a lungo sognato e lui e, forse, tutti i pittori del mondo. Avendo eseguito esperimenti con molte altre composizioni, vide che una miscela di vernici con questi tipi di oli produceva una composizione molto resistente, che, una volta essiccata, non solo non aveva affatto paura dell'acqua, ma accendeva anche le vernici in modo così brillante da brillavano da soli senza vernice alcuna. , e ancor più mirabile gli parve che si mischiassero infinitamente meglio della tempera. Una tale invenzione deliziò molto John; e siccome era uomo molto intelligente, iniziò numerose opere, delle quali riempì tutte quelle regioni, con grande soddisfazione de' loro abitanti e con suo maggior beneficio. E, acquisendo ogni giorno sempre più esperienza, iniziò a svolgere lavori sempre più grandi e migliori.
La notizia dell'invenzione di Giovanni si diffuse presto non solo nelle Fiandre, ma anche in Italia e in molte altre parti del mondo, risvegliando negli artisti il ​​desiderio più grande di sapere come avesse dato tanta perfezione alla sua opera. Questi artisti, vedendo il suo lavoro, ma non sapendo cosa usava per loro, furono costretti a glorificarlo - a dargli lodi immortali, ma allo stesso tempo lo invidiarono in ogni modo possibile, soprattutto perché per molto tempo non lo fece voglio che qualcuno veda come lavora o scopra il suo segreto. Tuttavia, essendo vissuto fino alla vecchiaia, mostrò tale misericordia a Ruggeri da Bruges, suo allievo, e Ruggeri, che studiò con lui Ausse (2) e altri, che furono menzionati quando si trattava di pittura ad olio nei dipinti. Ma, nonostante tutto ciò, sebbene i mercanti acquistassero questi dipinti e li inviassero in tutto il mondo a sovrani e dignitari, con loro grande beneficio, questa invenzione non andò oltre le Fiandre. Quadri di questo genere avevano un odore pungente, che veniva loro conferito dagli oli e dai colori mischiati tra loro, soprattutto quando erano nuovi, e quindi sembrava che fosse possibile riconoscerli, cosa che però non avvenne per molti anni. Tuttavia parecchi Fiorentini che commerciavano nelle Fiandre mandarono al re napoletano Alfonso I una tavola (3) con molte figure, dipinte a olio da Giovanni, che piacque molto al re per la bellezza delle figure e per il colore appena inventato; e tutti i pittori che erano in quel regno si radunarono a guardarla, e tutti come uno la onorarono delle più alte lodi.
Ed ora un certo Antonello da Messina, che aveva un talento eccellente e giocoso, essendo uomo molto perspicace ed esperto nei suoi affari e che aveva studiato disegno a Roma per molti anni (4), si stabilì prima a Palermo e vi lavorò per molti anni e infine in Messina, in patria, dove con le sue opere confermò la buona riputazione, che ebbe in patria d'ottimo pittore. Andando un giorno per le sue necessità dalla Sicilia a Napoli, udì che la predetta tavola, fatta da Giovanni da Bruges, fu mandata dalle Fiandre al detto re Alfonso, dipinta ad olio in modo che si potesse lavare, che fosse non temeva nessuna scossa e possedeva ogni perfezione. Quando ottenne il permesso di guardarlo, la vividezza dei colori, nonché la bellezza e l'integrità del dipinto, gli fecero una così forte impressione che, messo da parte ogni altra faccenda e pensiero, si recò nelle Fiandre e, giunto in Bruges, divenne amico intimo del suddetto Giovanni e gli diede molti disegni alla maniera italiana e ogni altra cosa. Perciò, e anche perché Antonello era molto attento, e Giovanni era già vecchio, quest'ultimo acconsentì infine a mostrare ad Antonello come dipinge a olio. Antonello, invece, non lasciò queste terre finché non studiò a fondo il metodo di pittura che aveva sognato. Poco tempo dopo, Giovanni morì, mentre Antonello lasciò le Fiandre per vedere la sua patria e dedicare l'Italia a un segreto così utile, bello e conveniente. Dopo aver trascorso alcuni mesi a Messina, si recò a Venezia, dove, essendo uomo molto incline al piacere e molto devoto a Venere, decise di stabilirsi definitivamente e terminare la sua vita dove trovò uno stile di vita che si adattasse pienamente ai suoi gusti. Incominciato a lavorare, dipinse a olio, come aveva appreso nelle Fiandre, molte pitture, sparse nelle case de' nobili di questa città, dove per la novità della loro esecuzione divennero molto apprezzate. Ne scrisse molti altri, che furono inviati in vari luoghi. Alla fine, quando vi conquistò fama e grande fama, gli fu commissionato su un albero un'immagine per San Cassano, la chiesa parrocchiale di questa città (5), e Antonello dipinse questa immagine con tutta la sua abilità innata e senza perdere tempo . Quando fu compiuta, per la novità del colore e per la bellezza delle figure, che peraltro erano da lui ben disegnate, fu assai apprezzato e molto stimato. E dopo la rivelazione del nuovo segreto, portato dalle Fiandre a Venezia, Antonello godette fino alla fine della sua vita l'amore e l'affetto dei magnifici nobili di questa città.
Fra i pittori allora stimati in Venezia, fu venerato come eccellentissimo un certo maestro Domenico (6). Quando Antonello arrivò a Venezia, lo inondò di ogni sorta di carezze e cortesie che si potesse fare all'amico più caro e tenero. E perciò Antonello, non volendo restare in debito, per cortesia del maestro Domenico, dopo molti mesi, gli rivelò il segreto e il modo di dipingere con i colori ad olio. Con tutto l'eccezionale affetto e cortesia dimostratagli, nulla poteva essergli più caro, e non c'è da meravigliarsi, perché, possedendo questo segreto, egli, come supponeva Antonello, godette ormai sempre del più grande onore in patria. E, senza dubbio, coloro che credono che se lesinano sul fatto che nulla gli costa, tutti dovrebbero servirli, come si suol dire, si rallegrano dei loro begli occhi, si sbagliano crudelmente. La cortesia del maestro Domenico il veneziano gli strappò dalle mani di Antonello ciò che con tanta fatica e col sudore della fronte aveva ottenuto, e che non avrebbe ceduto a nessun altro, anche per una grossa somma di denaro. Ma siccome a tempo debito si dirà al maestro Domenico di come lavorò in Firenze e di chi diede ciò che ricevette da altri con la sua cortesia, dirò solo che Antonello, dopo l'immagine di San Cassano, fece molte pitture e ritratti per nobili veneziani, mentre Messer Bernardo Viecchietti fiorentino appartiene al San Francesco e San Domenico più belli, dipinti di sua mano nella medesima tela (7). Quando poi la Signoria Antonello ordinò diverse storie dal Palazzo Ducale, che non vollero trasmettere a Francescodi Monsignore, il Verona, nonostante fosse molto frequentato dal Duca di Mantova, si ammalò di polmonite e morì a 49 anni , senza nemmeno iniziare questo lavoro (otto). Un funerale molto solenne è stato organizzato per lui dagli artisti perché ha dotato l'arte di un nuovo modo di dipingere con i colori, come testimonia il seguente epitaffio:

"Al Signore Onnipotente,
Antonio è un pittore, la migliore decorazione della sua Messina e di tutta la Sicilia, qui è devoto alla terra. Non solo per i loro dipinti, distinti per la loro particolare bellezza e arte,
ma anche per la brillantezza e la durata, che fu il primo
ha dato la pittura italica mescolando i colori con l'olio, è glorificato per sempre dalla più alta diligenza degli artisti ".

La morte di Antonio rattristò molti suoi amici, e specialmente Andrea Riccio, scultore che scolpì in Venezia, nel palazzo della Signoria, due statue nude di Adamo ed Eva, che ancora vi si vedono e sono venerate come belle (9 ).
Tale fu la fine di Antonello, alla quale devono indubbiamente i nostri artisti per aver introdotto in Italia il metodo della pittura a olio, non meno che Giovanni di Bruges per averlo inventato nelle Fiandre, poiché entrambi ne beneficiarono e arricchirono quest'arte. ... Infatti, grazie a questa invenzione, gli artisti alla fine raggiunsero una tale perfezione da poter rappresentare le loro figure quasi vive. E questo è tanto più prezioso, perché solo pochi scrittori attribuiscono agli antichi un tale modo di dipingere con le pitture. E se si potesse essere convinti che gli antichi davvero non l'avessero, allora in questo risultato il nostro tempo supererebbe la perfezione degli antichi. Ma, come non si dice nulla che non sia già stato detto, così, forse, non si fa nulla che non sia già stato fatto. Perché, senza ulteriori indugi, andrò oltre e, in ogni modo possibile elogiando chi, oltre al disegno, ha arricchito l'arte di qualcosa, passerò al resto».

(1) Giovanni di Bruges - Jan van Eyck (morto nel 1441). Van Eyck, a quanto pare, non ha inventato, ma ha migliorato la tecnica della pittura ad olio, e la storia di Vasari su di lui non ha affidabilità.
(2) Ruggeri da Bruges - Rogier van der Weyden (circa 1400-1464), Ausse - Hans Memling (circa 1433-1494).
(3) Non è noto di quale immagine stiamo parlando qui.
(4) Nessuna informazione è stata conservata sul soggiorno di Antonello a Roma e Bruges. Molto probabilmente, ha anche incontrato la pittura olandese a Napoli, senza lasciare l'Italia. La pittura ad olio era conosciuta in Italia prima di lui, e quindi Vasari gli ha attribuito il merito di aver familiarizzato gli italiani con la nuova tecnica pittorica non gli appartiene.
(5) L'opera è stata conservata ed è ora al Vienna Art Museum.
(6) L'ulteriore racconto del Vasari sulla permanenza di Antonello a Venezia non è molto plausibile.
(7) L'opera non è sopravvissuta.
(8) Antonello non morì a Venezia, ma a Messina; anche la sua età non è specificata.
(9) Andrea Riccio è uno scultore veneziano. Le statue di Adamo ed Eva nel Palazzo Ducale non appartengono a lui, ma ad Antonio Riccio (Rizzo).

Antonello da Messina è un rappresentante della scuola italiana meridionale di pittura del primo Rinascimento. Nato nella città di Messina in Sicilia.

Fu uno dei primi in Italia a lavorare nella tecnica della pittura ad olio puro.

Mi stupiscono i suoi ritratti, immagini con un mondo interiore profondo, ma non chiuso in se stesso, che rappresentano non tanto una persona quanto uno status o un'idea, ovvero individui reali, persone vere viventi.

Antonello da Messina si è basato sulla tradizione pittorica olandese, in particolare sulla tendenza più avanzata di quel periodo - sulla tecnica di Van Eyck, ma in relazione alla comprensione italiana dell'immagine di una persona. Un fatto interessante è che divenne il primo artista del XV secolo a scoprire l'espressività di un sorriso, che per lui fa parte di una spilla da ritratto, e per molti aspetti simile al sorriso arcaico della scultura greca. Un altro dettaglio distintivo dei suoi ritratti: tutte queste immagini sono decisamente democratiche. Nonostante il fatto che molto spesso queste siano persone piuttosto ricche e di alto rango, ma i loro vestiti sono semplici, privi di lusso, permettendo di indovinare la loro posizione nella società. Messina ha ritratto l'unicità umana, personale, non l'esclusività di classe.

Ritratto di un uomo. Secondo alcune ipotesi - un autoritratto.

Qualche altro ritratto maschile

Trivulzio di Milano (?)

Argomenti religiosi.

Qui vediamo l'opposto di un sorriso: dolore e sofferenza, così espressivi che il cuore affonda.

Le immagini del Salvatore variano da raffinate e nobili a un po' rustiche nei tratti del viso, ma così piene di contenuto spirituale interiore che non c'è dubbio che siamo di fronte al Salvatore.

Delizioso e raffinato è il suo Salvator Mundi - Salvatore del mondo (uno dei soprannomi LORO)

Dolore e miseria in questa immagine di LORO

Tristezza profonda in questa immagine leggera di LORO

E in quel viso, apparentemente rustico nei lineamenti, era come se la domanda fosse congelata: "Padre, perché mi hai lasciato!?"

Pietà con tre angeli

La luce dorata interferisce con la visione chiara dei volti, la non scrittura crea l'effetto dell'illuminazione con la radiosità interiore.

Infine, il suo splendido look da Vergine Annunciata

Tutto qui combinato - sia il sorriso che la tristezza. La tristezza del cuore e il sorriso della consapevolezza. E forse sotto la copertura argentea-bluastra - un sogno.

Non ho resistito e ho rubato questa fotografia privata del dipinto da Internet.

Madonna col bambino

In un velo nero di mistero, con un giaietto nero ai suoi piedi - è bellissima.

Non ne indico la fonte, l'ho raccolta da molto tempo e alla fine non so dire da dove provenga. Non tutti i dipinti famosi di Antonello da Messina sono inclusi in questo post.

Antonello da Messina nacque intorno al 1430 e morì ancora relativamente anziano, nel 1479. Vasari, nella sua raccolta di biografie, illumina anche la sua vita. Non a caso mi sono ricordato di Vasari, ha scritto di quasi tutti e ha raccontato di Antonello una storia romantica, quasi avventurosa, ma del tutto inattendibile. Secondo Vasari, Antonello da Messina da ragazzo partì per i Paesi Bassi ed entrò negli insegnamenti di Jan van Eyck, il quale, come allora erano sicuri, inventò la pittura ad olio. Van Eyck, o meglio i fratelli Van Eyck: Jan e Hubert non hanno inventato, ma perfezionato la pittura ad olio. E così, Jan van Eyck avrebbe mantenuto la ricetta nel più stretto segreto anche dai suoi fratelli più stretti, ma il giovane italiano era così affascinante, si è talmente fidato della sua fiducia che Jan van Eyck ha rivelato i segreti della pittura ad olio ad Antonello da Messina. E dopo aver saputo tutto dal maestro, Antonello è partito e ha portato in Italia la ricetta olandese.

Tanto per cominciare, non poteva imparare da Jan van Eyck, perché van Eyck morì quando Antonello aveva solo undici anni. Ma conosceva davvero molto bene la tecnica della pittura ad olio, ci lavorava e la attingeva chiaramente dalla sua terra natale, nel sud Italia, da quegli olandesi che potevano essere in qualche modo, almeno indirettamente, collegati alla cerchia di Jan van Eyck e altri artisti che operarono nella prima metà del XV secolo. nelle Fiandre.

"Salvator Mundi (Salvatore del mondo)". 1465. Olio su tavola, National Gallery, Londra.

Gli estesi legami della città italiana di Messina con i Paesi Bassi risalgono al Medioevo. Si tratta principalmente di relazioni commerciali, ma anche culturali. Non si può dire che a Messina si sia formata un'intera colonia di artisti olandesi, ma dal regno di Federico II, uno dei più brillanti imperatori del Sacro Romano Impero, morto nel 1250, i settentrionali - francesi, fiamminghi, olandesi - hanno non è stato tradotto qui. E Antonello da Messina, secondo la sua formazione, è chiaramente associato a loro.
E la Toscana, ve lo ricordo, in questo periodo lavora tutta a tempera. Dipinto ad olio della metà e del terzo quarto del XV secolo. per gli italiani è ancora una perfetta novità. Sono stati fatti esperimenti separati, ma sporadicamente ed erano, per così dire, sperimentali. E Antonello da Messina sta vivendo il suo momento migliore - questo è un anno e mezzo: 1475 e parte del 1476, quando probabilmente vive a Venezia su invito. Durante questo periodo crea molte opere e scrive le sue migliori opere. È molto probabile che a Venezia fosse apprezzato, più alto, in ogni caso, che a casa. È possibile che nel 1476 Antonello sia venuto a Milano, per un tempo relativamente breve, dal Duca degli Sforza. Sappiamo che ricevette tale invito, e poi tornò in patria, a Messina, dove, come ho detto, morì nel 1479.
Il solo fatto che Antonello da Messina si diffuse e introdusse non solo nell'arte italiana, ma anche in quella tedesca, una tecnica artistica nuova, molto più ricca, duttile, mobile, perché il suo nome rimanesse nella storia dell'arte. Ma in più è notevole come maestro di prim'ordine, uno dei più grandi artisti del Quattrocento, un maestro che si è mostrato in vari campi della pittura da cavalletto. E nella raffigurazione del corpo nudo (il suo famoso "San Sebastiano" di Dresda), e nella formazione di un altare di tipo prettamente veneziano "Santa Conversazione" ("Santa Conversazione") nel suo "Altare di San Cassiano", che purtroppo ci è pervenuto in forma frammentaria...

"Cristo alla colonna". 1476 circa. Olio su legno. Museo del Louvre, Parigi.

E infine, forse il più importante, è l'enorme contributo di Antonello da Messina allo sviluppo della ritrattistica italiana. Abbiamo parlato di Botticelli, che in un certo senso è stato un innovatore nella ritrattistica, ma le fasi del lavoro di Antonello da Messina precedono Botticelli e per molti versi, nonostante la loro modestia esteriore, lo superano.
La maggior parte delle sue opere del periodo veneziano sono sopravvissute. Ma non solo. Si conoscono anche cose che vengono definite le prime opere del maestro. Questi includono il suo famoso "San Girolamo in cella". Una piccola lapide databile intorno al 1460 e realizzata molto prima dell'apparizione dell'artista nella città adriatica. In quest'opera è particolarmente evidente il suo più stretto legame con la pittura olandese. Ci siamo convinti più di una volta, e ho detto, e tu stesso potevi sentire che l'interno come problema specifico, l'interno come tema incarnato nella propria, per così dire, specificità del ritratto, non attraeva artisti italiani. Interni di maestranze toscane della metà del XV secolo. e gli interni del Ghirlandaio, se parliamo degli artisti di fine secolo, sono sempre alquanto fantastici, intricati, decorativi, monumentali, illogici e in qualche modo poco correlati con l'uomo. Antonello da Messina ha mostrato un atteggiamento completamente diverso nei confronti dell'interno in questo piccolo ma importantissimo dipinto, punto di riferimento per la pittura italiana.

San Girolamo nella sua cella. Circa 1475. Olio su legno. Galleria Nazionale, Londra.

Enormi e potenti portali in pietra si aprono all'interno di una stanza un po' cupa, ma per niente cupa, che ha anche un elemento di fantasia architettonica. Qualcosa come una sala, se si cerca di percepire l'intero spazio architettonico di apertura come l'integrità di una certa sala, le cui funzioni non sono indicate. Un altro micro-interno appare all'interno - un posto di lavoro o un ufficio semichiuso, dove lavora San Girolamo - il santo patrono degli umanisti, un maestro scriba. Se guardi i rami dello spazio, che si biforcano nelle profondità, allora questo spazio sembra piegarsi attorno al telaio dell'armadio, lasciando due correnti nell'immagine. A sinistra - qualcosa come un alloggio, luce che cade dalla finestra sul pavimento, sgabelli in piedi vicino alla finestra, una finestra rettangolare sul retro, e a destra - appaiono improvvisamente colonne gotiche, una volta, quasi una navata di chiesa. Sopra compaiono archi ogivali gotici, l'altezza non è definita, va oltre l'immagine, dove si addensa l'oscurità impenetrabile. C'è una sorta di ambiguità quasi romantica qui, soprattutto perché l'interno finisce, il pavimento si avvicina al muro, più vicino allo spettatore, non sono sullo stesso livello, quindi è difficile immaginare il muro come unico e monolitico. Questa abbondanza di dettagli interni, tra cui San Girolamo vive e lavora, deriva chiaramente dall'amore olandese per l'obiettività. Qui ci sono vari vasi: ceramica, vetro, metallo e libri, e manoscritti, e una specie di scatole di legno, crepitanti di vernice e asciugamani appesi. Tutto questo è scritto molto amorevolmente e sottilmente, proprio come hanno scritto gli olandesi, e solo dai maestri olandesi si poteva imparare un'attenzione così attenta a una cosa e avere un'idea del suo fascino.

Antonello da Messina (1429/1431 - 1479) - Artista italiano, esponente di spicco della scuola pittorica dell'Italia meridionale del primo Rinascimento.

Biografia di Antonello da Messina

Antonello nacque nella città di Messina in Sicilia tra il 1429 e il 1431.

La formazione iniziale avviene in una scuola di provincia, lontana dai centri artistici d'Italia, dove i principali punti di riferimento sono stati i maestri del sud della Francia, della Catalogna e dei Paesi Bassi.

Intorno al 1450 si trasferì a Napoli. All'inizio degli anni Cinquanta studiò con Colantonio, pittore legato alla tradizione olandese.

Morì a Messina nel 1479.

Creatività Antonello da Messina

Negli anni 1475-1476. Sì Messina visitò Venezia, dove ricevette ed eseguì ordini, fece amicizia con artisti, in particolare con Giovanni Bellini, che ne riprese in una certa misura la tecnica pittorica.

Il lavoro maturo di Antonello da Messina è una fusione di elementi italiani e olandesi. Fu uno dei primi in Italia a lavorare nella tecnica della pittura ad olio puro, mutuandola in gran parte da Van Eyck.

Lo stile dell'artista è caratterizzato da un alto livello di virtuosismo tecnico, meticolosa elaborazione dei dettagli e un interesse per il monumentalismo delle forme e la profondità dello sfondo caratteristici della scuola italiana.

Nel dipinto "Cristo morto sorretto da angeli", le figure sono ben visibili su uno sfondo chiaro illuminato, dove si distingue vagamente Messina, città natale dell'artista. L'iconografia e l'interpretazione emotiva del tema sono legate all'opera di Giovanni Bellini.

I dipinti che ha dipinto a Venezia sono tra i migliori. Crocifissi (1475, Anversa) parla della formazione olandese dell'artista.

Nel 1470, i ritratti iniziarono ad occupare un posto significativo nella creatività ("Giovane", c. 1470; "Autoritratto", c. 1473; "Ritratto di uomo", 1475, ecc.), caratterizzato da caratteristiche dell'arte olandese : uno sfondo neutro scuro, accurata resa delle espressioni facciali della modella.

La sua arte ritrattistica ha lasciato un segno profondo nella pittura veneziana alla fine del XV secolo. - l'inizio del XVI secolo.

L'opera di Antonello da Messina è un esempio di come, nella pittura italiana a partire dal 1470 circa, nuove forme di ritrattistica si siano diffuse in centri diversi quasi contemporaneamente, a volte indipendentemente l'una dall'altra, e spesso grazie all'instaurarsi di contatti tra scuole d'arte e ruolo determinante di diversi maestri di spicco.

Così, contemporaneamente a Mantegna negli anni Settanta, all'estrema periferia della Sicilia, emerse un altro grande ritrattista, Antonello da Messina, che realizzò alcune opere che sono un esempio di ritratto a tre quarti di busto, che per decenni determinò la principale percorso di sviluppo del ritratto veneziano (inoltre, conquistò i veneziani insegnando loro a dipingere con i colori ad olio).

È in senso stretto il primo maestro italiano del ritratto da cavalletto. Non dipinse mai affreschi con ritratti nascosti e donatori nelle tele d'altare.

Sono sopravvissuti circa 10 ritratti affidabili di lui, ma occupa un posto molto importante nello sviluppo della ritrattistica da cavalletto del primo Rinascimento.

Opere d'artista

• Crocifissione. 1475 anno. Galleria Nazionale. Londra
• Maria Annunziata. Intorno al 1476 il Museo Nazionale. Palermo
• Crocifissione con Maria e Giovanni. 1475. Museo delle Belle Arti. Anversa
• Maria Annunziata. 1473. Vecchia Pinacoteca. Monaco
• San Sebastiano. 1476. Galleria di antichi maestri. Dresda
• Antonello da Messina. "Ritratto di vecchio (Trivulzio de Milano)", Torino
• Antonello da Messina. T. n. Condottiere, Louvre
• Annunciazione. 1473