Nikola Poussin (1594-1665) Nonostante il fatto che in Italia Poussin fosse molto popolare e ricevuto regolarmente ordini, nella sua patria, in Francia, gli artisti della corte hanno espresso il loro lavoro negativamente. E Poussin stesso, costretto a vivere al tribunale francese, vagava su solare

Willem clas Hedda (1593/1594-1680 / 1682) Still Life con cancro 1650-1659. Galleria nazionale, Londonv Dutch Painting del XVII secolo. Molta distribuzione ha ricevuto natura morta. Questo genere era caratterizzato da una varietà di "Podzhanrov". Ogni maestro di solito ha aderito al suo argomento.

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Nikola Pussen. (1594, Les-Anqueli, Normandia - 19 novembre 1665, Roma) - Artista francese che era in piedi alle origini del dipinto del classicismo. Per molto tempo viveva e lavorato a Roma. Quasi tutti i suoi dipinti - su terreni storici e mitologici. Maestro della composizione cassa e ritmica. Uno di

la prima stima della monumentalità del colore locale.

L'artista, un filosofo, uno scienziato e pensatore, nell'arte del quale il ruolo principale svolge un inizio razionale, un poussin e la sua personalità, e la sua creatività incarna il classicismo francese. Il suo dipinto è tematicamente sfaccettato - sceglie le trame di religioso, storico, mitologico, ispirato da antiquariato, o letteratura moderna.

Poussin inizia i suoi studi in Francia. Dal 1622 riceve ordini a Parigi per opere religiose. Insieme a F. de Champhen partecipa allo scenario del palazzo del Lussemburgo (non preservato). Il primo soggiorno di Pussen a Roma dura dal 1624 al 1640. La sua dipendenza artistica è formata qui, copia gli antichi monumenti, il Vakhanlia Tiziano, studia le opere di Raffaello. Ma rimanendo per sempre impegnati a "natura decente e nobile", ideale, Pussen non accetta l'arte del Caravaggio, il naturalismo della scuola fiamminga e olandese, si oppone all'influenza di rubine, la sua comprensione della pittura. L'aggiunta della sua visione del mondo artistica contribuisce al soggiorno dal 1624 nel workshop Domenicino. Pussen sta diventando una tradizione diretta del successore del panorama perfetto disposto da un maestro italiano.

Presto a Roma, l'artista ha familiarità con il cardinale Barberini, il nipote di Papa Urban VIII, per i quali scrive la "morte della Germania". Tra il 1627 e il 1633, serve una serie di dipinti della macchina per i collezionisti romani. Allora appaiono i suoi capolavori " Ispirazione del poeta "," il regno della flora "," trionfo flora "," tancred ed erminia "," Christ di lutto " .

La creatività Poussa per la storia della pittura è difficile da sovrastare: è il fondatore di un tale stile di pittura come classicismo. Gli artisti francesi sono stati tradizionalmente familiari con l'arte del Rinascimento italiano. Ma sono stati ispirati dalle opere dei maestri del manierismo italiano, del barocco, del caravagizismo. Pussen è stato il primo pittore francese che ha preso la tradizione del classico stile Leonardo da Vinci e Raffaello. Passando ai temi di antica mitologia, antica storia, la Bibbia, Poussin ha rivelato i temi dell'epoca moderna. Cattivo

ha allestito le opere della persona perfetta, mostrando e avendo esempi di campioni di alta moralità, valori civili. Chiarezza, costanza e ordine delle forme tecniche di Pussen, l'obiettivo ideologico e morale della sua arte ha conseguito in seguito la sua creatività con un riferimento per l'Accademia della pittura e la scultura della Francia, che ha preso lo sviluppo di norme estetiche, canoni formali e generalmente vincolante Regole della creatività artistica (il cosiddetto "accademismo")

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In uno dei saggi che costituisce la "storia della pittura di tutti i tempi e dei popoli", A. N. Benua sottolinea accuratamente la base della ricerca artistica per l'investigatore del classicismo europeo - Nikola

Pususen: "La sua arte cattura un cerchio molto grande di esperienze, sentimenti e conoscenze. Tuttavia, la caratteristica principale del suo lavoro era di ridurre solo un intero armonioso. In esso, l'eclettismo celebra la sua apoochosi, ma non come una dottrina accademica, scolastica, ma come risultato del desiderio di allocazioni e tutti i composti e tutti i composti. In realtà, questa è l'idea di orientamento del classicismo, che ha trovato in Pussin del suo più grande espressore precisamente perché "il senso di misura e il suo più eclettismo è la scelta e l'apprendimento delle belle - erano le caratteristiche del non-papà e dell'ordine arbitrario , ma la proprietà principale della sua anima. "

Numerosi prodotti di Pussen e fonti biografiche insieme a un ampio alloggio degli studi di figa ti consentono di presentare abbastanza chiaramente il processo di diventare un sistema artistico dell'artistica.

Poussin è nato nel 1594 in Normandia (secondo la leggenda, nel villaggio di Viller vicino alla città di Andelki). Presto

ho rotto l'amore dell'arte, moltiplicato per una forte volontà, incoraggia il giovane provinciale di lasciare i luoghi nativi, costantemente sopportare le avversità quotidiane, stabilirsi a Parigi, così da lì, dopo diversi tentativi non riusciti di raggiungere la "patria di Arti ", alla capitale artistica del mondo - Roma. Sete di conoscenza e abilità, eccezionale capacità di lavoro, costantemente formata e, a causa di questo, una memoria insolitamente sviluppata consente al giovane artista di padroneggiare il Dipartimento della cultura, per assorbire la diversità dell'esperienza artistica ed estetica - dall'antichità greco-romana al moderno arte. L'intelligenza del Maestro focalizzata nel mezzo nutritivo funge da mezzo per accoppiare valori spirituali accumulati da secoli e genera un sistema di orientamenti filosofici ed estetici che determinano il significato sublime della creatività pussenovsky.

Questa caratteristica schematica di una persona creativa dovrebbe aggiungere un'ovvia indifferenza per gli onori e una tendenza alla solitudine. Letteralmente, tutto nella biografia di Poussin testimonia il fatto che Decartes ha espresso così bene nel suo famoso riconoscimento: "Mi considererò sempre molto da usare la gravità di cui posso godermi il tuo tempo libero, piuttosto che quelli che mi suggerirebbero il Post più onorevoli sulla Terra.

Valutare il suo modo creativo, Poussin ha detto che "nulla trascurato" durante gli anni di ricerca. Infatti, con l'orientamento dominante sull'antichità, l'arte di Poussin glorifica gli elementi di un'ampia varietà di influenze.

All'inizio del modo - questo è l'impatto della prima e della seconda scuole di Fontinblo, come evidenziato da entrambe le pitture che la grafica dei giovani Pussen. L'incisioni di Markantonio Raimondi servono come fonte di conoscenza con il patrimonio di Rafael, l'arte del quale Poussin si confronta successivamente con il latte della Madre.

Secondo J. P. Bellary, uno dei primi biografi di Poussin, un ruolo importante nella formazione dell'artista è stato giocato da un certo round, "Royal Mathematics".

Circa 1614-1615, dopo un viaggio a Puatu, incontra a Parigi con Alexander Curutais (Alexandre Courtois), Vedemonary Queen Mary Medici, custode delle Collezioni e Biblioteche Royal Art, Poussin ha avuto l'opportunità di visitare il Louvre e copiare le foto dell'italiano Artisti lì. Alexander Kuutua ha posseduto una collezione di incisioni dai dipinti degli italiani di Rafael e Julio Romano, che ha deliziato Pussen. Una volta malato, Pusssin ha trascorso un po 'di tempo dai suoi genitori prima di tornare di nuovo a Parigi.

"Questa persona, - riporta Bellory, - appassionatamente appassionata nella foto, che è stata il portiere di una ricca collezione di meravigliose incisioni con Julio Romano e Rafael, ha affascinato con loro anima di Nikola, che li copiavano con un tale zelo e così corretto Riuscì a comprendere l'abilità del disegno, la trasmissione di movimenti, piano di abilità e altre meravigliose qualità di questi maestri ". Gli stessi cloos illumina un giovane pittore nel campo della matematica, impegnati nella prospettiva di lui. Lezioni di cure, colpendo il terreno fertile, darà germogli generosi.

Nei stessi anni di Parigi, l'artista è il riavvicinamento con il famoso poeta di Jambattista Marino,

la Namoor della poesia barocca in Italia, che è arrivata a Parigi presso l'invito di Margarita de Valta e è stata adottata graziosamente nel cortile di Mary Medici. Dopo aver trascorso otto anni a Parigi, Marino divenne, secondo I. N. Golenishcheva-Kutuzov, "come se il collegamento che collega la cultura italiana con il francese"; La sua influenza non sfuggeva nemmeno al pilastro del classicismo Mahler. E invano, alcuni ricercatori hanno il poeta il poeta come presunta e superficiale nel loro lavoro: anche una conoscenza in fuga con la poesia marino per valutare la brillantezza del suo talento. Nell'effettiva influenza del poeta sul giovane Pussen, almeno, senza dubbio. Mirino si distingue per l'erudizione più ampia, Marino si voltò di fronte alle bellissime pagine del pittore dell'antica e nuova letteratura, ha rafforzato la sua attrazione appassionata per l'arte dell'antichità e ha aiutato a realizzare il sogno dell'Italia. Orientamento barocco del poeta, le sue idee delle arti interconnesse (principalmente pittura, poesia e musica), il suo sensualismo e il suo pantheism non potevano non influenzare la formazione delle viste estetiche della Poussin, che forse e ha comportato l'interesse per l'arte del barocco, che accompagna lo sviluppo di pussen in

periodo precoce della creatività. (Questa circostanza è solitamente presa in considerazione da Pussenian.) Infine, sotto la direzione diretta, Marino Young Poussin è impegnata nella "traduzione" delle immagini poetiche nel linguaggio dell'arte visiva, illustrando la metamorfosi dell'ovido.

Courtois e Marino non sono solo persone influenti e ampiamente istruite, in tempo con il supporto di un giovane pittore. Essenzialmente, in primo luogo, che era un matematico e un poeta, e in secondo luogo, rappresentanti di due culture e due campioni del mondo. Il razionalismo del primo (caratteristico dello spirito francese nel suo complesso) e la paura fantasia del secondo (Marino non è solo un poeta, ma anche il fenomeno della stile modernalo nella sua versione più luminosa - italiana) l'essenza di due poli di Il mondo, in cui il genio di Poussin doveva rivelarsi. Vale la pena notare che gli eventi artistici più eccitanti si verificano spesso con precisione sui confini di culture e lingue.

Nel settembre del 1618, Poussin viveva sulla strada di Saint-Germain-L'erua ai Maestri degli Affari Golden Jean Guilleman (Jean Guillemen), che è arrivato anche con. È venuto dall'indirizzo il 9 giugno 1619. In circa 1619-1620, Poussin crea una tela " St. Denis Areopag » Per la chiesa di Parigi Saint-Germain-L'Zerua.

Nel 1622, Poussin è di nuovo iniziato sulla strada verso Roma, ma si ferma a Lione per soddisfare

ordine: college jesuit parigino istruito Pousinu e altri artisti a scrivere sei grandi dipinti sulle trame della vita di St. Ignatia Loiol e San Francesco Xavaryia. Le immagini eseguite in una tecnica di La Détrempe non sono conservate. La creatività del Poussin ha attirato l'attenzione di vivere in Francia, presso l'invito di Mary Medici, il poeta italiano e il Cavaller Marino; 1569-1625).

Nel 1623, probabilmente per ordine dell'arcivescovo di Parigi De Gondi, Poussin si esibisce "La morte della Vergine Maria" (La Mort de la Vierge) per l'altare della Cattedrale di Parigi di Notre Dame. Questa tela, considerata nei secoli XIX-XX perduti, è stata trovata nella chiesa della città belga di Sterrebeek. Il cavaliere di Marino, con chi Poussin ha legato una stretta amicizia, nell'aprile del 1623 è tornato in Italia.

Dopo diversi tentativi infruttuosi, Poussin è riuscito a raggiungere finalmente in Italia. Per un po 'è stato ritardato a Venezia. Quindi, arricchito con le idee artistiche dei veneziani, arrivò a Roma.

Roma di questo periodo è stata l'unica del suo genere al centro dell'arte europea, in grado di soddisfare tutte le richieste dell'appello del pittore. Il giovane artista è rimasto da scegliere. Qui Poussin è immerso nello studio dell'arte anticata, della letteratura e della filosofia, della Bibbia, del Rinascimento trattati sull'arte, ecc. Schizzi di rilievi antichi, statue, frammenti architettonici, copie di dipinti e affreschi, copie delle sculture in argilla e cera - tutto Di ciò dimostra quanto profondo abbia padroneggiato il poussin del suo materiale. I biografi in una sola voce stanno parlando dell'esclusiva laboriosa dell'artista. Poussin continua a occupa la geometria, la prospettiva, l'anatomia, studiando l'ottica, cercando di comprendere la "ragionevole base della bellissima".

Ma se teoricamente, la tendenza verso la sintesi razionale dei risultati della cultura artistica europea è già stata pienamente definita e la linea "Rafael - antichità" è stata fondata come generale, la pratica creativa di Pussen nei primi anni romani rileva un numero di Orientamenti contraddicanti esternamente. Con un'attenzione più stretta sull'accademismo di Bologna, a rigoroso

l'arte di Domenicino è adiacente alla profonda passione per i veneziani, in particolare titian e interesse evidente per il barocco romano.

L'assegnazione di queste linee di orientamento artistico di Poussin nel primo periodo romano, che è stato a lungo approvato nella letteratura storica dell'arte, difficilmente può essere seriamente sfidata. Tuttavia, al centro di un riferimento così vario al Master del Maestro sta il modello dell'ordine generale, che ha un'importanza fondamentale per comprendere l'arte di Pussen in generale.

Nel 1626, Poussin ha ricevuto il primo ordine dal cardinale Barberini: scrivi una foto "La distruzione di Gerusalemme" (non sopravvissuto). Più tardi ha scritto una seconda versione di questa immagine (1636-1638; Vienna, Museo della storia dell'arte).

Nel 1627, Poussin ha scritto una foto "Morte della Germania" Secondo la storia dell'antica tacitis storica romana, che è considerata un prodotto programmato del classicismo; Mostra l'addio dei legionari con un comandante morente. La morte dell'eroe è percepita come una tragedia di importanza sociale. L'argomento è interpretato nello spirito di calma e degli eroi difficili di un'antica narrazione. L'idea dell'immagine è il ministero del debito. L'artista ha posto le figure e gli oggetti in uno spazio poco profondo, smembrandolo a un certo numero di piani. In questo lavoro sono state rivelate le principali caratteristiche del classicismo: la chiarezza dell'azione, l'architettura, l'imbracatura della composizione, l'opposizione dei raggruppamenti. L'ideale della bellezza agli occhi di Poussin consisteva nella proporzionalità di parti del tutto, nell'ordine esterno, nell'armonia, nell'armonia, nella chiarezza della composizione, che diventerà le caratteristiche caratteristiche dello stile maturo della matura. Una delle peculiarità del metodo creativo di Pussen era razionalismo, che non era solo influenzato dalle scene, ma anche nel benessere della composizione. In questo momento, Poussin crea dipinti a macchine principalmente di medie dimensioni, ma un suono centenario alto,

le basi posate del classicismo nella pittura europea, composizioni poetiche su argomenti letterari e mitologici contrassegnati con una struttura elevata delle immagini, l'emotività di un sapore intensivo e delicatamente separmoniano "ispirazione poeta", (Parigi, Louvre), Parnas, 1630-1635 (Pradas, Madrid). La musica nei lavori della pushsen dei 1630S, un ritmo compositivo chiaro è percepito come un riflesso di un principio ragionevole, dando la grandezza delle nobili azioni di una persona - "Salvation Mosè" (Louvre, Parigi), "Mosè, acqua pulita Merra," Madonna, che è St. Jacob Senior " ("Madonna su un palo") (1629, Parigi, Louvre).

Nel 1628-1629, il pittore funziona per il tempio principale della Chiesa cattolica - la cattedrale di San Pietro; È stato ordinato foto "I tormenti di St. Erasma » Per l'altare della cappella della cattedrale con i santo dei riquè.

Nel 1629-1630, Poussin crea un'espressione meravigliosa e più vitale verità " Rimozione dalla croce "(San Pietroburgo, Eremo).

Il 1 ° settembre 1630, Poussin sposò Anne-Marie Dughet, la sorella dello chef francese, che viveva a Roma e prenderse cura della poussina durante la sua malattia.

Nel periodo 1629-1633, il soggetto dei dipinti di Pusssen sta cambiando: ha meno spesso scrive dipinti su argomenti religiosi, riferendosi a terreni mitologici e letterari: "Narciso e echo" (OK 1629, Parigi, Louvre), "Selena e Edimion" (Detroit, Art Institute); e ciclo di dipinti basati sul poema Torcvatto Tasso "liberato da Gerusalemme": Rinaldo e Armid. , 1625-1627, (GMIA, Mosca); "Tancred e Hermine", 1630s, (Eremo di stato, San Pietroburgo).

Poussin era appassionato degli insegnamenti delle antiche fermate dei filosofi richieste

cuocere e conservazione della dignità di fronte alla morte. Le riflessioni sulla morte hanno occupato un posto importante nel suo lavoro. Il pensiero delle sintesi umane e dei problemi della vita e della morte costituivano la base della foto iniziale "Shepherds Arkadian" , intorno al 1629-1630, (Assemblea del Duca di Devonshire, chattet), a cui è tornato agli anni '50 (1650, Parigi, Louvre). Secondo la trama dei dipinti, gli abitanti di Arcadia, dove regna la gioia e la pace, scoprono le lapidi con l'iscrizione: "E io sono ad Arkady." Questa morte stessa fa appello agli eroi e distrugge il loro umore sereno, causando il pensiero delle inevitabili effettive sofferenze. Una delle donne mette la mano sulla spalla del suo vicino, sembra che stia cercando di aiutarlo a conciliare con il pensiero di

l'estremità inevitabile. Tuttavia, nonostante il tragico contenuto, l'artista racconta la collisione della vita e della morte con calma. La composizione del dipinto è semplice e logica: i personaggi sono raggruppati vicino alla lapide e sono associati ai movimenti delle mani. Le figure sono scritte usando luci morbide ed espressive, assomigliano a sculture antiche con qualcosa. Nel verniciatura dei temi antichi Poussin prevalcò. Rappresentava la Grecia antica come un mondo ideale, popolato da sacchei e perfetti

persone. Anche negli episodi drammatici della storia antica, ha cercato di vedere la celebrazione dell'amore e della giustizia superiore. Sulla tela "Venere addormentato" (OK. 1630, Dresda, Galleria di immagini) La dea dell'amore è rappresentata dalla donna terrena, pur rimanendo un ideale inaccessibile. Una delle migliori opere sull'argomento antico "Il regno della flora" (1631, Dresda, Galleria di immagini), scritta a base di poesie di Ovidi, sta colpendo la bellezza della pittoresca forma di realizzazione delle immagini antiche. Questa è un'allegoria poetica dell'origine dei fiori, dove sono raffigurati gli eroi degli antichi miti in fiori. Nella foto, l'artista riunì i personaggi dell'epica "metamorfosi" dell'ovido epica, che dopo la morte si trasformò in fiori (narciso, giacinto e altri). Il ballerino flora è al centro, e le figure rimanenti si trovano in un cerchio, le loro posizioni e i loro gesti sono subordinati a un singolo ritmo - a causa di ciò, l'intera composizione è permeata con un movimento circolare. Soft to Color e delicato nell'umore del paesaggio è scritto abbastanza condizionato e più simile a uno scenario teatrale. La pittura con arte teatrale era

bella artista del XVII secolo - un secolo del periodo di massimo splendore del teatro. L'immagine rivela un pensiero importante per il Master: gli eroi che soffrono di rampanti e dilaganti sulla terra, hanno trovato pace e gioia nel giardino magico della flora, cioè, una nuova vita è rianimata dalla morte, un ciclo di natura. Presto, è stata scritta un'altra versione di questo dipinto - "Triumph flora" (1631, Parigi, Louvre).

Nel 1632, Poussin è stato eletto un membro dell'Accademia di San Luca.

Per diversi anni (1636-1642), Poussin ha lavorato all'ordine dello scienziato romano e un membro dell'Accademia di Dei Linchee Cassiano Dal Pozzo, un amatore di antichità e archeologia cristiana; Per lui, il pittore ha disegnato una serie di dipinti di circa sette sacramenti ( Sacrificazioni del Sett). Pozzo più di quanto altri sostenevano l'artista francese come patrono. Parte dei dipinti è entrato nella raccolta di dipingere i duchi di ratri.

Del 1634-36. Diventa popolare in Francia, e il cardinale Richelieu gli ordina diversi dipinti per argomenti mitologici - "Triumph Pan", "Vakha Triumph", "Triumph Neptune". Queste sono la cosiddetta "Vakhanalia" di Poussin, nella soluzione creativa di cui si sente l'influenza di Tiziano e Raffaello. Insieme a questo, i dipinti appaiono su trame storiche e mitologiche e storiche e religiose, la cui drammaturgia del genere fu costruita secondo le leggi del genere teatrale: "Adorazione del Golden Toro", "Abduzione di Sabineanok", "Shepherds Arcade".

Nel 1640, presso la proposta di Richelieu, Poussin è chiamata il "primo pittore del re". L'artista ritorna a Parigi, dove riceve una serie di ordini prestigiosi, incluso - per eseguire l'arredamento della grande galleria del Louvre (lasciato incompiuto). A Parigi, Poussin affronta un atteggiamento ostile verso se stesso molti dei suoi colleghi, tra cui Simon Veu.

La vita a Parigi è fortemente dipinta dall'artista, cerca Roma e nel 1643 girava di nuovo lì a non tornare mai in patria. La scelta e l'interpretazione delle trame nei lavori, che crea in questo momento, danno l'influenza della filosofia dello stoicismo e in particolare il segaki.

La celebrazione dell'inizio e della ragione etico per il senso e le emozioni, le linee, il disegno e l'ordine al di sopra del dipinto e della dinamica sono predeterminate dalla rigida regolazione del metodo creativo a cui segue rigorosamente. In molti modi, questo metodo ha un personaggio personale.

Alle origini dell'immagine sempre c'è un'idea su cui l'autore riflette per lungo tempo alla ricerca della forma di realizzazione più profonda del significato. Questa idea viene quindi collegata ad una soluzione di plastica accurata che determina il numero di caratteri, composizione, angoli, ritmo e colore. È necessario eseguire schizzi per la distribuzione dell'illuminazione e il posizionamento dei caratteri, sotto forma di piccole figure realizzate da cera o argilla, nello spazio tridimensionale, come se nella confezione della scena teatrale. Ciò consente all'artista di determinare i rapporti spaziali e i piani della composizione. Scrive la foto stessa sulla tela con un terreno rossastro, a volte brillante, in quattro fasi: per primo esegue lo sfondo e le scene architettoniche, quindi posiziona personaggi, gestisce con cautela ogni oggetto separatamente, e alla fine mette la vernice con pennelli sottili, locali da tono.

Durante la sua vita, il Poussin è rimasto solo. Non aveva discepoli nel senso letterale della Parola, ma grazie al suo lavoro e alla sua influenza sui contemporanei nella pittura si sviluppa e si applica a classicismo. La sua arte diventa particolarmente rilevante al turno dei secoli XVIII - XIX, a causa dell'aspetto neoclassicismo. Nei secoli XIX e XX, non solo incid e altri accademisti, ma anche Delacroix, Shazerio, Sulfur, Cezanne, Picasso sono applicati alla sua arte.

L'artista si è rafferito nell'angolo del laboratorio, contro lo sfondo del dipinto girato dal lato posteriore allo spettatore. Si trova in un rigoroso mantello nero, da cui è visto l'angolo di un colletto bianco. Nelle mani, tiene una cartella per schizzi, fasciati con un nastro rosa. Il ritratto è scritto con un realismo intransigente, sottolineando tutte le caratteristiche caratteristiche di una persona grande, brutta, ma espressiva e significativa. Gli occhi guardano dritti allo spettatore, ma l'artista trasmetteva molto accuratamente la condizione di una persona immersa nei suoi pensieri. A sinistra su una delle tela è visibile un profilo femminile antico, a cui due mani si estendono. Questa immagine allegorica è interpretata come immagine della musa, che il creatore cerca di mantenere.

Il nuovo sovrintendente degli edifici reali della Francia Francois Syuble de Noie (1589-1645; in posizioni 1638-1645) si circondano con tali esperti come Paul Flear de Shanna (1609-1694) e Roland Flear de

Chambre (1606-1676), che affida in ogni modo per promuovere il ritorno di Nicola Poussin dall'Italia a Parigi. Per Flear de Shannlu, l'artista esegue l'immagine " Manna celeste. "Successivamente, (1661) acquisirà un re per la sua collezione.

Dopo alcuni mesi, il Poussin ha accettato ancora la proposta reale - "Nolens Volens", e venne a Parigi nel dicembre del 1640. Pussen ha ricevuto lo status del primo artista reale e, di conseguenza, la leadership generale della costruzione di edifici reali è forti dispiacere del pittore della corte Simon Veu.

Immediatamente in ritorno di Poussin a Parigi nel dicembre 1640, Louis XIII ordina Pusseena un'immagine su larga scala "Eucaristia" per l'altare della Cappella Reale del Palazzo Saint-Germame . Allo stesso tempo, nell'estate del 1641, Pussen disegna frontispis per la pubblicazione "Biblia Sacra" Dove il Dio raffigura le due figure: la sinistra di un angelo femminile che scrive in un enorme foliant, con una pagnotta di qualcuno invisibile, e sulla destra - una figura completamente velata (tranne le dita dei piedi) con una piccola sfinga egiziana nelle sue mani .

Da Francois Suble de Noe, un ordine è ricevuto da un'immagine pittoresca. "Miracle St. Francis Xaveria. Per i locali del Noviat del Gesuit College. Cristo in questa immagine è stato pulito da Simon Veu, che è stato espresso che Gesù "era più simile a un tuono simile a Jupiter che nel Dio misericordioso".

Il normalivismo razionale del poussin ha causato l'approvazione del cortile di Versailles e è stato proseguito dagli artisti della corte come Charles Lebedna, che ha visto in dipingere classica un linguaggio artistico ideale per lodare lo stato assolutistico di Louis XIV. È in questo momento che Poussin scrive la sua famosa immagine "Scypion genuino" (1640, Mosca, GMIA. A. S. Pushkin). Il dipinto appartiene al periodo maturo della creatività del Maestro, dove i principi del classicismo sono chiaramente espressi. Sono responsabili di una rigorosa composizione chiara e del contenuto stesso, glorificando la vittoria del debito sulla sensazione personale. La trama è presa in prestito dallo storico romano di Tita Libya. Il Commander Senior Communione, Senior, famoso durante le guerre di Roma con Cartagine, ritorna al comandante nemico tutte le braccia della sua sposa Lucretia, catturata da uno Scipione durante la presa della città con preda militare.

A Parigi, Poussin aveva molti ordini, ma aveva una festa di avversari, di fronte agli artisti di Wu, Breciera e Philip Mercier, che aveva precedentemente lavorato sulla decorazione del Louvre. Particolarmente fortemente intrigati contro di lui, la scuola di vere la scuola della regina.

Nel settembre del 1642, Poussa parte da Parigi, rimuovendo dall'intrigeno della Corte Royal, con la promessa di tornare. Ma la morte del cardinale Richelo (4 dicembre 1642) e il concentrante di Louis XIII (14 maggio 1643) ha permesso al pittore di rimanere a Roma per sempre.

Nel 1642, Poussin è tornato a Roma, ai suoi clienti: Cardina Francesco Barberini e Accademico Cassiano Dal-Pozzo, e viveva lì fino alla sua morte. D'ora in poi, l'artista funziona con formati di medie dimensioni, ordinati da grandi fan di pittura - Dal-Pozzo, Shannlu, da Poil o Serizer.

Tornando a Roma, Poussin completa il lavoro sull'ordine Cassiano Dal-Pozzo sulla serie di dipinti "sette

i sacramenti ", in cui ha rivelato il profondo significato filosofico dei dogmi cristiani:" Paesaggio con l'Apostolo Matfey "," Paesaggio con l'Apostolo John sull'isola di Patmos "(Chicago, Istituto delle Arti). Nel 1643 disegna per Shanna " Exstas. Paolo "(1643, Le Ravinment de Saint Paul), simile a una forte simile immagine della "visione del profeta di Ezechiele" di Raffaello ".

La fine degli anni 1640 - l'inizio del 1650 è uno dei periodi fruttuosi nel lavoro di Poussin: ha scritto i dipinti "Eliasar e Rebekka", "Paesaggio con Diogen" , « Paesaggio con una grande strada » , Il tribunale di Solomon, "shepherds arcade", il secondo autoritratto. Gli argomenti dei suoi dipinti di questo periodo erano le virtù e la validità dei governanti, degli eroi biblici o antichi. Nelle sue tele, ha mostrato eroi perfetti, debito civile fedele, altruista, generoso, pur dimostrando l'ideale universale assoluto della cittadinanza, del patriottismo, della sincera grandezza. Creare immagini ideali basate sulla realtà, ha deliberatamente corretto la natura, tirando fuori bella e scartando il brutto.

Nell'ultimo periodo di creatività (1650-1665), Pussen si rivolse sempre più al paesaggio, gli eroi erano associati

con piatti letterari e mitologici: "Paesaggio con Polyfem" (Mosca, GMI. A. S. Pushkin). Ma le loro figure di eroi mitici sono piccoli e quasi invisibili tra enormi montagne, nuvole e alberi. I personaggi della mitologia antica agiscono qui come simbolo di spiritualità del mondo. La stessa idea esprime anche la composizione del paesaggio - semplice, logico, ordinato. I piani spaziali sono chiaramente separati nei dipinti: il primo piano è semplice, il secondo è alberi giganti, il terzo - le montagne, il cielo o la superficie marittima. La divisione sui piani è stata enfatizzata e colore. Quindi c'era un sistema chiamato in seguito "paesaggio tre colori": nel dipingere il primo piano, i colori gialli e marroni prevalgono, al secondo - caldo e verde, al terzo - freddo, e soprattutto blu. Ma l'artista era convinto che il colore sia solo un mezzo per creare un volume e profondo

spazi, non dovrebbe distrarre l'occhio dello spettatore dai gioielli del disegno esatto e della composizione armoniosamente organizzata. Di conseguenza, è nata l'immagine del mondo perfetto, organizzato secondo le più alte leggi della mente. Dal 1650, il Paphos etico e filosofico è intensificato nel lavoro di Poussin. Rivolgendosi alle trame della storia antica, simultando i personaggi biblici e del Vangelo negli eroi dell'antichità classica, l'artista ha cercato la completezza del suono figurativo, chiara armonia del tutto ( "Vacanze in Egitto" , 1658, Hermitage, San Pietroburgo).

Quanto segue è fondamentalmente importante: opere sulle trame, sperava di mitologia e letteratura, sono collegate principalmente con l'orientamento del Rinascimento nella versione veneziana (c'è soprattutto l'effetto del Tiziano), i grafici religiosi sono più spesso insegnati in forme specificamente inerenti Baroque (a volte giovane Poussin non è alieno e ricevimenti del Caravagizism), mentre i motivi storici ricevono un'espressione in composizioni classicamente rigide, un'analogia potrebbe essere le composizioni di Domenicino. Con questo ovunque, l'effetto correttivo della linea principale è evidente (Rafael - antichità); Quest'ultimo è ben coerente con l'influenza di Domenicino, che a volte è stato chiamato "Rafael Seicto".

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L'idea dell'ordine è imbevuta di tutto il lavoro del Maestro francese. Le disposizioni teoriche avanzate da un Maturo Maturo corrispondono obiettivamente alla sua pratica artistica dei primi anni e sono in gran parte una generalizzazione.

"Le cose che sono caratterizzate dalla perfezione", ha scritto Pussen, "non è una fretta, ma lentamente, leggermente, giudiziaria e attentamente". È necessario utilizzare gli stessi metodi per giudicarli correttamente e per farlo bene. "

Di quali metodi stiamo parlando? La risposta dettagliata contiene una lettera ben nota di Poussa datata 24 novembre 1647, impostazione "The Theory of Modes". La ragione di un messaggio insolitamente lungo (il poussin era molto compresso per esprimere i suoi pensieri) servito come una lettera capricciosa da shant, ricevuta dall'artista poco prima. Chatel, la cui gelosia era eccitata dalla foto scritta da Poussa per un altro cliente (Lione Banker del Pantel, un amico intimo dell'artista e un collezionista dei suoi dipinti), nella sua lettera ha rimproverato Poussin, che onora e lo ama meno altri. La prova del chatel vide che il modo dei dipinti eseguiti da Poussa per lui, Chatel, abbastanza diverso dall'artista eletto quando si esegue altri ordini (in particolare il puntatore). Poussin si affrettò a calmare la cartuccia capricciosa e, anche se la sua irritazione era eccezionale, riferita al caso della sua seria serietà. Ecco i frammenti più importanti della sua lettera:

"Se l'immagine della posizione di Mosè nelle acque del Nilo, che appartiene al signor Ponanel, ti ha amato,

questo indica che l'ho creata con più amore del tuo? Non vedi chiaro che la ragione di questa impressione è il carattere molto del trama, e la tua posizione, e quali sono i trame che scrivi per te dovrebbero essere presentati in un altro modo? Questa è tutta abilità di pittura. Perdona il mio coraggio, se dico che ti sei mostrato troppo frettoloso nei tuoi giudizi sulle mie opere. È molto difficile giudicare correttamente, se non hai una grande conoscenza della teoria e della pratica di quest'arte nella loro combinazione. Non solo il nostro gusto dovrebbe essere un giudice, ma anche una mente.

Ecco perché voglio avvertirti su una cosa importante che ti permetterai di capire cosa devi tenere in considerazione nell'immagine di vari trame della pittura.

I nostri gloriosi greci antichi, gli inventori di tutti i belli, hanno trovato diverse modalità, attraverso le quali hanno cercato effetti meravigliosi.

Questa parola "Modus" significa nel suo senso, la ragionevole base o la misura e la forma che utilizziamo, creando qualcosa, e che non ci danno uscire per i limiti noti, costringendoci a rispettare il famoso centro e moderazione. Questa media e moderazione non è altro che un metodo e un metodo certo e solido all'interno del processo, grazie a cui la cosa mantiene la sua essenza.

Dal momento che le modalità degli antichi erano un insieme di vari elementi collegati insieme, la loro diversità ha dato origine alla differenza nelle modalità, a causa del quale era possibile che ognuno di essi convinca sempre qualcosa di speciale e soprattutto quando i componenti inclusi nell'aggregato combinati proporzionalmente che ha dato l'opportunità di causare varie passioni nelle anime. Grazie a questo, saggi antichi attribuiti a ciascuna delle sue caratteristiche peculiarità delle loro impressioni. "

Il prossimo è il trasferimento delle modalità utilizzate dall'antico e il rapporto di ciascun Mododu con un gruppo specifico (tipo) delle trame e l'azione inerente al modello è caratterizzata. Così, il modeo dorico corrisponde alle piazzole "Importante, severa e completa saggezza", ionio - gioioso, lidiano-scusa, ipolida è caratterizzato come contenente "dolce morbidezza", ecc. (Va notato che un chiaro malinteso è avvenuto al Frigian Modus: gli è stato dato a lui le stime reciprocamente esclusive, cosa verrà detto sotto.) Il supporto di Pussen è le maggiori autorità dell'antichità - Platone e Aristotele.

"I buoni poeti", continua Poussin, "grandi sforzi e competenze incredibili per adattarsi alle parole ai versi e organizzare i piedi in conformità con il requisito della lingua. Vergili lo rimase ovunque nella sua poesia, perché per ciascuno dei tre tipi del suo discorso, gli piace il giusto suono del verso con tale abilità, che in realtà sembra come se il suono delle parole mettesse gli oggetti di cui dice ; Quindi, dove parla dell'amore, è chiaro che ha prelevato magistralmente le parole teneri, eleganti e molto piacevoli per ascoltare; Nello stesso posto, dove canta un combattimento feat, descrive la battaglia del mare o un'avventura marina, ha scelto le parole crudele, taglienti e sgradevoli, quindi quando ascoltano loro o pronunciare, causano horror. Se ho scritto una foto per te in un modo così, immaginasti che non mi piaci. "

L'ultima osservazione, imbevuta di ironia, è una reazione molto accurata della mente in una gelosia fastidiosa. Dopotutto, in sostanza, Chatel riguarda il modo pittoresco come espressione dell'atteggiamento personale dell'artista al cliente. Per poussin, tale valutazione è impensabile soggettivo e confina con l'ignoranza. Contrava il capriscaldamento indipendente, le leggi dell'arte oggettiva, ragionevole alla mente e facendo affidamento sull'autorità degli antichi. Allo stesso tempo, è importante tenere conto dell'identità dei metodi postulati da Pussen, attraverso il quale si forma il giudizio estetico e le attività artistiche sono soggette a.

Il significato inestimabile di questa lettera è ben consapevole degli storici dell'arte, che, tuttavia, non si può dire sull'estetica. Quasi trent'anni davanti al famoso trattato, Nicola Boooye "Poetic Art" (1674), che era sempre al centro dell'attenzione dei ricercatori di estetica del classicismo, Pussen afferma chiaramente i principali contorni della teoria classica.

Come portatore di una misura estetica universale che regola il processo creativo, la mente parla qui. Determina il metodo di correlazione e, di conseguenza, la natura della corrispondenza dell'idea e della forma nell'opera d'arte. Questa conformità è specificata nel concetto di un modus, che significa un determinato ordine, o, se riesci a esprimerlo, una certa combinazione di mezzi fini. L'uso di uno o di un altro modus è diretto all'ecritazione di un certo effetto nel percepire, cioè, è associato all'impatto consapevole sulla psiche dello spettatore per portarlo in linea con lo spirito dell'idea incorporata. Pertanto, nella teoria di Pussen, vediamo l'inseparabile unità funzionale dei tre componenti, le idee che incarnano la sua struttura di immagini e il "programma" della percezione.

Metodi creativi di Poussin trasformati in un sistema rigido delle regole e il processo di lavoro sull'immagine è in imitazione. Non sorprende che l'abilità dei pittori del classicismo iniziò a cadere, e nella seconda metà del XVII secolo non c'era un artista significativo in Francia.

Alcuni

Composizioni di orientamento letterario e mitologico ("Eco e Narciso", Parigi, Louvre; "Mars and Venere", Boston, Museo delle Belle Arti; "Rinaldo e Armida", Mosca, GMI. A. S. Pushkin; "Tancred e Hermine", st . Petersburg, Eremo; "Sleeping Venere", Dresda, Galleria dei Picture; Aurora e Kefal, Londra, Galleria nazionale; e altri) sono inscritti in formati orizzontali di calma, di norma, le proporzioni sono costruite sulla chiara alternanza di piani spaziali; La loro organizzazione ritmica contribuisce all'unificazione del "lontano" e "vicino" in un unico modello sul piano della tela; La luce e il colore che assegnano gli eroi principali dell'azione sono organicamente intrecciati nel ritmo del modello lineare. La tela di questo gruppo ha una ricchezza colorata speciale.

È completamente diverso da Pussea alla rappresentazione del Mukh Erasm (Roma, Vaticano Pinakotek). Il rettangolo della tela fortemente allungato verticalmente, bruscamente accentato con il ritmo delle diagonali, il movimento energetico delle figure rappresentato in angoli forti - questo è ciò che caratterizza principalmente questa composizione, il relativo barocco.

L'intelletto delle figure, il naturalismo delle parti (l'intestino del martire, ferito dai carnefici sul cancello) insieme alla digitatura realistica degli individui e la cura del caso anatomico indicano l'uso delle tecniche del caravaggio di Pussen. Le caratteristiche simili possono essere trovate nel "battito dei bambini" da Charthi (Conde Museum), anche se questa è una cosa più classica nello spirito. È chiaramente un'influenza barocca "Vision of St. Giacob "(Parigi, Louvre).

Il fascino di Pussen alla poesia Torquato Tasso è in qualche modo inaspettato, ma ancora abbastanza spiegato. In una certa misura, l'impatto dei predecessori (ad esempio, la seconda scuola di Fontainebleau, o meglio Ambruza Dubua) interessati qui. Un certo ruolo è stato giocato, apparentemente, e la mediazione culturale di Marino.

La domanda, tuttavia, non è esaurita da queste circostanze. Se la poesia del tasso stesso corrisponde a poco allo spirito della creatività POUSSENOVSKY, quindi molto nel programma estetico del poeta, che ha approvato il ruolo fondamentale dell'allegoria nell'arte della Parola, è stata presa da Pussen e senza riserve significative sono comuni pittura. Blant, abbastanza completamente illuminato da questa questione, indica, in particolare, in caso di prestito diretto dall'artista dei giudizi del Tasso 13. Così, rivolgendosi al prodotto del programma di Tasso, il famoso poema "liberato da Gerusalemme", Poussin entrò nel relativo terreno estetico.

Rinaldo e Armida.

In sostanza, l'artista è andato in giro per la festa che era un pathos religioso del poema, e scelto in due storie d'amore, i cui eroi erano cavalieri Rinaldo e Tancred, il mago dell'Armida e della principessa Hermine. L'ovvia tendenzialità di questa scelta è associata alla tradizione, in molti aspetti determinando la percezione del poham di Tasso in un mezzo a cui il Poussin ha attratto la sua arte e che, a sua volta, ha avuto un impatto sul suo lavoro. Come R. Li, le trame, sperate dall'artista di "liberato Gerusalemme", ha rapidamente guadagnato popolarità, non solo per la loro carità di cemento autonomo, ma anche perché avevano una lunga tradizione di pastorale, ascendente per la mitologia e la letteratura antichi Arte coltivata Rinascimento (puoi chiamare trame preferite come "Venere e Adonis", "Aurora e Kefal", "Diana e Endimion", ecc.). Ci sono buona ragione per credere che Tasso sia stato percepito da Pussen attraverso il prisma di questa tradizione.

Rinaldo's Love Drama e Armidis sono coperti da Pussen in tutto il suo sviluppo, la maggior parte delle opere (dipinti e disegni) del ciclo di Tassovsky sono dedicati a questa trama.

Ho sentito odorare il crociato Rinaldo, il mago dell'armido decide di distruggerlo. Il giovane cavaliere arriva sulla costa di Oonto, dove il fiume, diviso in due maniche, è stato snellito e vede il polo di bellezza con un'iscrizione, che chiama il viaggiatore su un'isola meravigliosa. Giovane incurante, lasciando i suoi servi, si siede nella radice ed è ricreato. Qui, sotto i suoni del canto magico, si addormenta e si rivela il potere dell'armido. Ma la strega, catturata dalla bellezza del cavaliere, non è in grado di svolgere intenzione arrabbiata - il luogo dell'odio nel suo cuore ha preso l'amore. Rallentando catene leggere dai fiori, l'Armidom eccita il sonno Rinaldo, lo tollera nel suo carro e vola sull'oceano, sulla lontana isola della felicità. Lì, nei giardini incantati dell'armido, dove la primavera regna sempre, gli amanti godono della vita mentre i messaggeri del Goffredo, il capo dei crociati, che superano molti ostacoli, non esentiscono Rinaldo dalla prigionia di amore. Chiamato da un senso del dovere, il cavaliere lascia l'amato.

Considera una foto dall'assemblea della GMIA. A. S. Pushkin. Ecco un episodio quando l'Armido, prigionieri La bellezza di Rinaldo, sta cercando di sollevare con attenzione il cavaliere per il trasferimento del carro.

La scena è inscritta in un formato orizzontale, secondo le sue proporzioni, la costruzione statica è molto probabilmente, piuttosto che dinamica. Tuttavia, violare la "calma" del formato, Pussen sottolinea l'appartenenza diagonale del piano e imposta quindi lo schema della composizione dinamica. È caratteristico che la diagonale "attiva" sia scelta come direzione dominante - dall'angolo in basso a sinistra nella parte superiore destra. N. M. Tarabukin così determinato le proprietà di questa diagonale, chiamata "diagonale della lotta": "Non ha un ritmo troppo rapido. Il movimento viene schierato lentamente perché soddisfa gli ostacoli sul suo percorso che richiedono il superamento. Il tono totale della composizione suona maggiore. "

Nella foto, due gruppi di ripetizioni lineari sono facilmente registrati: un gruppo di Diagonal Dominant (figura figura del fiume, flusso d'acqua, carro, cavalli, cloud, ecc.) E un gruppo contrastante di "ostacoli" (tronco d'albero nell'angolo in alto a sinistra , le figure delle donne di fico che controllano il carro, ecc.). La loro interazione scorre le configurazioni capricciose delle forme del soggetto, legano gli elementi di diversi piani spaziali sul piano di tela. Iscrizione verticale e orizzontale meno espressa. È caratteristico che la figura di Rinaldo solo in dettaglio della sua costruzione è inclusa nell'interazione energetica delle diagonali, obbedendo al ritmo complessivo dell'appartenenza orizzontale ed essere il più "passivo" delle figure.

Considerando la struttura del dipinto "In profondità", è possibile evidenziare tre piani principali con una certa convenzione: il primo a cui l'allegoria del fiume e il flusso corrisponde all'allegoria; Seconda - Rinaldo, Arm e AMUR; Terzo - un gruppo con un carro. Il primo piano è paragonato ritmicamente dal terzo; Allo stesso tempo, le direzioni diverse sono specificate diagonali paralleli: nel primo piano - a destra / in alto a sinistra / giù (flusso d'acqua), sul terzo - a sinistra / in fondo a destra / su (movimento del carpo). Inoltre, la prima novità del fiume Dio viene rivolta allo spettatore, mentre le figure femminili del terzo piano sono riportate a turno. L'effetto avviene come se l'immagine speculare dei piani vicini e lontani l'uno nell'altro. Lo spazio dell'immagine è chiuso e il piano medio ottiene un accento forte. L'importanza compositiva del secondo piano è sottolineata dalla posizione del profilo delle figure di Rinaldo e Armid rappresentate da Vis-A-Vis.

I colori e gli accenti chiari sono collocati nei vertici di un triangolo che combina le figure di diversi piani spaziali e sono acconsentiti allo schema ritmico. Rivelando le posizioni "Shock" di questo schema, la luce e il colore fungono da regolatori di intonazione dell'immagine: i contrasti di giallo rosso, blu e dorato in gruppi del secondo e terzo piano del piano come un'esclamazione di esclamazioni. È caratteristico che nelle posizioni degli shock il colore è cancellato dalle impurità, avvicinandosi al locale. Per quanto riguarda la luce, è importante notare specificamente che la sua "voce" nell'immagine è subordinata alla direzione, a contrasto Dominant Diagonal, è a sinistra / parte superiore a destra / giù. Nel lavoro citato di Tarabukin, questa direzione è interpretata con precisione come "Input Diagonal": "Secondo questa diagonale, i partecipanti alle azioni sono solitamente incluse per rimanere all'interno dello spazio dell'immagine".

Quindi, a tutti i livelli dell'organizzazione dell'immagine, l'effetto della lotta "può essere rintracciata esprimendo la lotta reale in cui viene eseguita la magia metamorfosi degli eroi. Cavaliere, l'incarnazione della militanza e del potere, - indifesa, le sue armi formidabili divennero un giocattolo di un po 'di Amur. Ma la strega che montava e privava il cavaliere di protezione risulta essere disarmato di fronte alla giovane bellezza. Il confronto tra le due forze, la loro lotta e l'inimicizia, si trasforma nel suo opposto al momento del terzo: il colore suona solennemente: la luce riempie lo spazio dell'immagine, le figure brillanti dei bambini alate appaiono dall'oscurità della foresta ( Il loro ingresso nello spazio dell'immagine nel suo insieme coincide con la direzione del flusso di luce) e con loro arriva, la persona principale di recitazione è progettata sul palco - amore. Il suo fenomeno è simile all'intervento del Divino nelle finali dell'antica tragedia (Deus Ex Machina).

Usando la parola "scena" in questo contesto, intendiamo qualcosa di più specifico di quanto implica un'espressione figurativa generalmente accettata. L'alternanza e le caratteristiche dei piani spaziali nel dipinto di Poussin trovano un'analogia diretta nell'organizzazione della scena teatrale: il pagamento anticipato, il secondo - la scena stessa, il terzo è lo scenario di sfondo (posteriore). I piani primitivi in \u200b\u200bmodo costruttivi sono correlati sono confrontati e in atteggiamento semantico. Entrambi i piani appartengono allo spazio "telaio" dell'azione principale; In questo senso, e solo in questo - puoi parlare della loro funzione decorativa (cf. priva di "inquadratura" della versione della composizione "Rinaldo e Armid" dal London Dalvich College). Allo stesso tempo, la rappresentazione mitologica del fiume e del torrente trova echi nel terzo gruppo di piani, che è facile da collegare con l'immagine del Chariot Helios, una componente stabile dei dipinti e dei disegni di Pussen a trame mitologiche. La scena di Tasso, acquista quindi il mitologico Halo.

Questo, tuttavia, non dovrebbe semplicemente andare sulla scena presentata in "scenario" mitologico, ma per lo spostamento dell'intero piano semantico, per riorientare la trama letteraria sul prototipo mitologico.

Poiché lo studio menzionato di Lee ha mostrato, l'immagine di Mosca di un numero di elementi risale a rilievi antichi dedicati al mito di Selena e Editione 19. Secondo una delle versioni di questo mito, la dea Selena sposta il meraviglioso endimione per baciare il giovane addormentato. In questa situazione non è difficile vedere un analogo della trama presa in prestito da Pussen dal poema del tasso.

Al tema Giocare a Cristo Poussin si rivolge anche all'inizio del suo percorso creativo (Monaco di Baviera) e nella seconda metà degli anni '50 (Dublino), essendo un maestro maturo. Entrambi i dipinti rappresentano lo stesso momento della storia della Passione di Cristo, stabiliti nel Vangelo di Matteo. Il seguace segreto di Joseph Joseph Arimafi, avendo ricevuto la risoluzione del Pontius Pilato per rimuovere il corpo crocifisso dalla croce e seppellirlo, in fretta per rendere il rito della sepoltura prima dell'inizio del sabato, quando era severamente vietato lavorare e seppellire.

Il confronto di entrambi i vestiti caratterizza l'evoluzione dello stile del mago da computer alti e ha sottolineato effetti drammatici del dipinto di Monaco alla nobile semplicità, severità e moderazione in versione tardiva.

Nella prima tela, il corpo di Cristo nella posizione curva, con la testa rovesciata si trova sulle sue ginocchia della Madonna e Mary Maddalena. L'artista applica angoli e movimenti affilati per trasmettere il loro dolore. La costruzione piramidale della parte centrale della composizione è completata dalla figura di Joseph Arimafi, in continuato sulla bara, dove si sta preparando a mettere il corpo del Salvatore. Girando la testa, guarda attentamente lo spettatore, come se lo invitasse a unirsi a questa scena. Accanto a lui sulla pietra sarcofoaga siede Giovanni Evangelist, con la patetica espressione del dolore, che attraente per il paradiso. Due angeli alle gambe di Cristo stanno singhiozzando, congelati in pose instabili. La testa del Salvatore inclinò le navi in \u200b\u200bcui le donne hanno portato incenso a diminuire il cadavere. Tutto è pieno di movimento interno, dinamica rinforzata delle costruzioni di linea diagonale.

È questa dinamica che è esclusa dalle decisioni del quadro tardivo, la cui composizione è costruita su una chiara opposizione di linee orizzontali e accenti verticali. Una struttura chiara ed equilibrata, in generale, inerente allo stile maturo di Pussen, ispira un diverso atteggiamento verso lo spettatore. Tutto è stato ordinato qui - e allungato in parallelo al bordo anteriore della tela il corpo del defunto, e le pieghe sulla pagnotta, in cui è avvolta, e le posture di tutti quei presenti (a differenza della prima immagine, il Gli angeli scompaiono qui, ma l'altra Maria menzionata nel vangelo appare nel vangelo) e la nave per incenso, fermamente in piedi sul piedistallo.

Il regno della flora

Nella foto, le "metamorfosi" degli eroi dell'ovido, che, dopo la loro morte, furono trasformate in fiori, erano allegoricamente collegati. Tre divinità associate alla primavera - flora, Priap e Apollo, il dominio del sole Quadriga.

Raccolti insieme, questi personaggi vengono introdotti nel contenuto del tema della foto Vanitas. - Fucilità e insensatezza che è piena di orgoglio umano e passione, gli sforzi di una persona a salire sopra la loro brattuosità e debolezza. Giovani e meravigliosi, che hanno salvato l'amore degli dei, tutti questi eroi si incidono, la loro bellezza si è trasformata in conseguenze tragiche, e sono morti tutti. Gli dei amavano da loro, furono trasformati in fiori per alzarsi dalla non esistenza, ma con tutta la loro perfezione, i fiori rimangono le creazioni più fragili e di breve durata.

Et in Arcadia Ego

La trama non ha una fonte letteraria specifica. Il motivo del sarcofago di Arcadia si trova nella quinta Vergil ecologica, dove il poeta racconta degli amici di Daphnis, bellissimo pastore, figlio di Hermes e della ninfa, che morì per il sfortunato amore. Piangono la sua morte e scrivono l'epitaffio sul suo sarcofago.

Il motivo sorge di nuovo nel Rinascimento, nel poema "Arkady" Jacopo Sannadzaro (1502). Allo stesso tempo, Arkady stessa inizia ad essere percepita come simbolo di paradiso terreno, dove regna la felicità eterna. L'argomento dei pastori arcade diventa popolare con i maestri del Rinascimento. L'immagine è gentilmente il primo riferito a noi.

I giovani pastori furono scoperti accidentalmente tra il bellissimo sarcofago di pietra natura idilliaco, su cui il cranio sta mentendo. Questo trovato li ha costretti a fermarli e pensare in profondità profondamente. L'artista naturalmente dimostra sicuramente tutti i segni di tensione sul tempo dilapidato del cranio, senza in rilievo e non ammorbiderli. Pertanto, il tema della morte è ancora più forte e sicuramente sembramente suona nella foto. L'immagine del cranio legala con i livelli simbolici ancora vanitas. e memento mori., i cui significati allegorici sono indubbiamente contenuti in questo lavoro.

Il significato di questa allegoria morale è rivelata in opposizione alla bellezza del mondo circostante, della gioventù, da una parte, e la morte e la tensione - dall'altra. Vedere i simboli della morte, i giovani pastori sembrano ascoltare le sue parole "e io sono ad Arkady," che ricordano loro che la morte è presente in modo invisibile ovunque.

L'immagine del Loura di Pussen nel genere è un'allegoria morale, ma è notevolmente ridotto dal bordo del bordo, rispetto alla sua prima opzione e all'immagine del dolore. È pieno di intonazione malinconica e meditazione filosofica per il significato della vita.

Nella prima forma di realizzazione, i dipinti di Pussen sono più vicini seguiti da una decisione incorniciata di quadri.

L'artista raffigura un gruppo di pastori che è venuto al sarcopagu, che mostra l'iscrizione "ET in Arcadia Ego", e in cima c'è un cranio. I pastori si fermarono davanti a una scoperta inaspettata ed eccitatamente leggendo il testo. Come a Grobrikino, è il cranio che svolge un ruolo chiave per interpretare il significato, poiché queste parole sono associate direttamente ad essa. Come se la morte stessa dice che è presente ovunque, anche qui, nella bellissima Arcadia, il regno dei giovani, l'amore e la felicità. Pertanto, in generale, l'immagine è vicina a significato per le sollevate comunque memento mori., con la loro edificazione morale.

A destra del gruppo pastore è un uomo semi-nudo con anfora, che scorre l'acqua. Questa è la personificazione del fiume Fiume sotterraneo di Dio sotterraneo che attraversa Arkady. Qui appare come un accenno allegorico di nascosto da una conoscenza degli occhi estranei, incidente come un flusso.

La versione Louvro interpreta l'argomento in modo diverso, e la differenza principale è l'assenza di un cranio. Il rifiuto dell'immagine del cranio lega alle parole profetiche non è più con la morte, ma con quelli la cui ceneri è nel sarcofago. E chiama già fuori dalla non esistenza, richiamando quanto frequenti giovani, bellezza, l'amore è fugace. L'atteggiamento elegante suona nelle pose che vengono misurate senza il movimento degli eroi, nel loro stato di profonda riflessione, in una composizione laconica e perfetta, pulire il sapore.

Tuttavia, il significato dell'immagine è comprensibile per noi solo in termini generali. L'interpretazione di cui sopra, ad esempio, non spiega il cambiamento nell'immagine della figura femminile rispetto alla prima opzione. Se in una precedente immagine di Poussin raffigura davvero un vacchetta semi-nudo, l'aspetto del quale suggerisce la gioia dell'amore tra la bella natura arcata, allora questa immagine femminile ha chiaramente una caratteristica diversa.

Sono stati fatti tentativi per dare un'immagine di un'interpretazione esoterica: Poussane con l'aiuto di un'allegoria classica esprime significati simbolici cristiani, che, tuttavia, sono disponibili solo per dedicati. In questo caso, i pastori sono paragonati agli Apostoli, e alla figura femminile - Mary Magdaline, in piedi alla tomba vuota di Gesù Cristo. Inoltre, vi è un'ipotesi che l'iscrizione, che, dal punto di vista delle regole della lingua latina, contiene un'insplicabile inesattezza grammaticale - l'assenza di verbo - in realtà è un analogico. Ci sono diverse opzioni per la sua decrittografia: ET in Arcadia Ego \u003d I Tego Arcana Dei (Vai, tengo il mistero di Dio); Se aggiungi la necessaria somma del verbo grammaticalmente, allora il prossimo anagramma è formato - ET in Arcadia Ego Sum \u003d Tango Arcam Die Iisu (tocco la tomba del Signore Gesù).

Poussin due volte nel suo lavoro appellato a questo argomento. La seconda opzione, che si trova nel Louvre, è probabilmente il dipinto più famoso del Maestro. La sua datazione rimane ancora controversa. C'è una versione che è scritta dopo il 1655. Studi speciali della tela hanno mostrato che la tecnica di esecuzione è più vicina ai lavori tardivi di Pussen. Ma la maggior parte degli scienziati considera l'immagine entro la fine dei 1630.

Adorazione dei Tales Golden

"Adorazione del Tallard Gold", insieme alla coppia ad essa, l'immagine "Transizione attraverso il Mar Rosso", che ora è a Melbourne, è stata scritta intorno al 1634. Entrambe le opere illustrano vari episodi dal libro di Esodo dell'Antico Testamento . Questo è il secondo libro del Pentateuch di Mosè, raccontando il risultato degli ebrei dall'Egitto, un fantastico girovagando nel deserto, e infine, l'acquisizione della terra promessa. L'episodio con il Toro Golden si riferisce al 32 capo del risultato.

Secondo il testo dell'Antico Testamento (Esodo, 32), il popolo di Israele, preoccupato per la lunga mancanza di Mosè, che si alzò sul comando di Yahweh al Monte Sinai, chiese ad Aaron di fare Dio, che li avrebbe portati invece di il passato Mosè. Aaron ha raccolto tutto l'oro e ha fatto il vitello da lui, che "portò tutte le offensions e guidò le vittime del pacifico".

"E il Signore disse a Mosè: Sbrigati di allontanarsi da qui, perché il tuo il tuo ha portato se stesso, che hai portato dalla terra egiziana; Ben presto balzò dal sentiero che ho comandato loro ... ".

La storia del Toro Golden diventa un simbolo di fedeltà, rinuncia al vero Dio e adorano un idolo. È questo significato che enfatizza il poussin, lasciando Mosè sullo sfondo che ha rotto, e concentrando l'attenzione dello spettatore alla danza sfrenata, sul gesto trionfante di Aaron e grazie a lui il popolo.

Parnassus.

Uno dei problemi più difficili da capire che questo lavoro rimane il problema di identificare il poeta, che ha unito la parnass e le mani di Apollon. Erwin Panofsky ha suggerito che questo è un poeta italiano Janbattist Marino, un amico e un patrono dell'artista. Marino è morto nel 1625, ma i contemporanei lo consideravano uguali ai grandi autori antichi. Nel dipinto di Poussin, la massima valutazione del suo talento è espressa, non è per caso che sia l'unico dei mortali introdotti nel cerchio di Apollo e Muse. Due opere di Marino - "Adonis" e "Beating Babies", con chi, probabilmente, è anche colpito qui.

In generale, il dipinto di Poussin non è solo un'illustrazione del mito su Parnassa, Apollo e Muse, come succede spesso nelle opere di altri artisti su questo argomento. Questo mito è correlato dal Maestro con le realtà della storia culturale e diventa un mezzo per costruire una certa gerarchia di valore in esso.

L'immagine di Dio Apollo, come il simbolo della divina, puro ispirazione poetica, creatività con una fonte divina, occupa un posto importante nella pittura di Pussen. Questo è collegato al ruolo più alto che l'artista dà l'inizio creativo, le arti, nella cultura e nella vita di una persona.

Uno dei suoi primi appelli a questa immagine è la sua pittoresca forma di realizzazione del mito di Apollo e Daphne. La fonte letteraria di questo dipinto, che Poussin scrive nel 1625, è anche "metamorfosi" di ovido (I, 438-550). Ovidi parla della vendetta di Cupido Apollon, che, orgoglioso della sua vittoria sul Pyfhon, cominciò a scherzare il giovane Dio, vedendo le sue cipolle e le sue frecce armate. Apollo ha detto che le armi dei ragazzi non dovevano indossare, e Cupido dovrebbe essere contento solo per una torcia, bruciando amore, sentimento, alieno a Apollon onnipotente.

Poi il Cupido ha inviato una freccia su Apollo, incitando l'amore e ha elogiato la passione per la ninfa Daphne, la figlia del fiume Dio Penya e gay. Daphne Il Dio dell'amore ferito la freccia, l'amore per uccidere e lei ha dato qualsiasi voto di celibato, come Diana. In vana Apollo, per la prima volta che sperimenta tali sentimenti, ha cercato l'amore di Daphne. Pesca dalla sua persecuzione, Daphne si voltò con una preghiera per suo padre, ed è stato trasformato in un alloro.

L'episodio quando Apollo quasi supera Daphne, ma si trasforma in un albero di alloro nei suoi occhi, divenne preferito per artisti europei, scultori, poeti, musicisti. È lui raffigurante e Pussen nella sua foto. Accanto ad Apollo e Daphne, con l'urna, da cui versa l'acqua, raffigura il Dio del fiume dei Peners. L'albero di alloro da allora diventa l'emblema di Apollo, porta sempre una corona di alloro sulla sua testa. Si ritiene che l'alloro abbia una forza detergente e profetica, è un simbolo della vittoria e della pace. La corona di alloro è stata incoronata con la testa del vincitore nel concorso poetico.

Il modello di Poussin è strettamente collegato con gli affreschi di Rafael nella stazione della Senagatura e consente di giudicare come lo stile del Maestro francese fosse formato sotto l'influenza del grande italiano.

Le dazioni dell'immagine rimangono ancora controverse. La maggior parte dei ricercatori si riferisce all'inizio del 1630, giustificandolo dalla somiglianza tra la figura di Apollon e l'immagine del croco nel regno della flora.

Morte della Germania

"La morte della Germania" (Minneapolis, Istituto delle Arti) è costruita come un antico bassorilievo. Il movimento del gruppo di guerrieri è molto chiaramente organizzato, da sinistra a destra al comandante morente del comandante morente, il loro gesticolazione trattenuto è subordinato al falso ritmo. L'immagine del profilo della maggior parte delle forme è caratterizzata. Come se vengano disegnate le verticali degli interni elevati. Antica Roma risuscita nella composizione di Pussen.

L'immagine è stata ordinata dal cardinale Francesco Barberini nel 1626 e rifinito nel 1628. Bellori testimonia che l'artista aveva il diritto di scegliere la trama da sola. L'artista inglese Henry Fusley nel 1798 ha notato che nessun altro lavoro di Poussin non ha causato tale ammirazione universale, e anche se l'autore non creerebbe nessun altro immagine, avrebbe acquisito immortalità grazie a questo.

Questo è il miglior lavoro creato da Pussen nei suoi primi anni romani e uno dei più originali in tutto il suo lavoro. Epic sull'argomento e classico nel disegno, introduce una nuova trama all'arte dell'Europa occidentale - l'immagine dell'eroe sul mortale apparente. L'immagine ha avuto un'enorme influenza sul neoclassicismo del tardo XVIII - la prima metà dei secoli XIX. Pone l'inizio di un impegno neoclassico per le scene della morte eroica. British Masters B. West e G. Hamilton sono creati sulla storia della Germania e G. Hamilton, è stato ispirato da J. Reynolds. Molte copie su di esso sono state create da eccezionali artisti francesi, David, Zherik, Delacroix, Moro.

Un certo numero di scultori ha anche preso in prestito la composizione di questo lavoro, sentendosi ovviamente le sue antiche radici.

Prima di Poussin, nessuno degli artisti non ha aggiunto a questa immagine. La fonte è stata "Annala" di Tacitus (II, 71-2), dove viene descritto il generale Romano della Germania (15 aC - 19 d.C.). Era un nipote e adottato figlio dell'imperatore Tiberio, sposato con la nipote di Augusto Agrippine. Il loro figlio è il futuro Emperor Caligola e il nipote è Nero.

La Germania ha acquisito grande fama e autorità nell'esercito, grazie alle sue vittorie sulle tribù tedesche, coraggio, coraggio e modestia, dividendo con i loro soldati tutti i Vigorods of War. Tiberio, avendo invidiarsi sulla sua gloria, ordinò segretamente di avvelenarlo.

Nonostante il sapore, dimostrando la conoscenza del poussin con le opere di Tiziano, la composizione dell'immagine risale ai classici modelli di antichità. Si sentiva sia nella costruzione infruttuosa delle figure in primo piano e nel ruolo di organizzazione dell'architettura. Forse questa soluzione è ispirata a antichi sarcofagi, raffigurante la morte dell'eroe - l'argomento che appare spesso nella plastica del sarcofago. Alcuni ricercatori hanno notato che un ulteriore esempio di rubine della serie "morte della serie dell'imperatore Konstantin" potrebbe essere più alto esempio per una soluzione così composita, sbloccato dal cardinale Francesco Barberini King Louis XIII nel settembre del 16 settembre

La trama dei dipinti come Exemplum Virtis, inoltre, diventa un modello per imitare nell'arte del neoclassicismo, può essere collegato con altri lavori di Poussin stesso. Tuttavia, ci sono considerazioni inspiegabili per le quali nel 1627 la scelta del poussin cadde su di lui. Una delle ipotesi è che Tacito descrive il suo eroe come una persona privata di invidia e crudeltà, nel cui comportamento c'è un enorme autocontrollo, è fedele al suo debito, ai suoi amici, alla sua famiglia e alla sua stessa modesta nella vita. Quello era l'ideale di Poussin stesso, e questa descrizione è vicina alla sua stessa natura durante gli anni di scadenza.

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Il più grande artista francese del XVII secolo Nikola Poussin ha detto che la percezione dell'opera d'arte richiede un pensiero focalizzato e un duro lavoro di pensiero. "La mia natura", ha notato, "mi impegna a guardare e amare le cose perfettamente organizzate, evitando disordinato, che combatto anche come l'oscurità della luce". In queste parole, i principi estetici del classicismo, che Pussen non solo seguirono, ma anche nel dipingere il loro creatore. Il classicismo è una direzione e uno stile artistico nella letteratura e le arti plastiche della Francia XVII secolo - si affidarono al patrimonio antico e rinascimentale e riflettevano le idee del debito pubblico, la ragione, l'eroismo sublime e la moralità impeccabile. La pratica creativa si è rivelata molto più ampia per i regolamenti della dottrina. Le opere di Pussen sono ricche del pensiero profondo, prima di tutto conquistare la completezza vitale delle immagini. Era attratto dalla bellezza dei sentimenti umani, riflessioni sul destino dell'uomo, il tema della creatività poetica. Di particolare importanza per il concetto filosofico e artistico di Poussin ha avuto il tema della natura come la più alta incarnazione di armonia ragionevole e naturale.

Nikola Poussin è nata vicino alla città normale di Ansel se. Un giovane uomo, dopo diversi anni di vagabondaggi e breve lavoro a Parigi, si stabilì a Roma, dove viveva tutta la sua vita. Una volta doveva tornare a Luigi XIII all'insistenza di Luigi XIII in Francia, ma le sue opinioni e il suo lavoro non hanno incontrato alcun sostegno, né comprensione, e l'atmosfera della vita della corte ha causato un disgusto schizzinoso.

La ricerca di Poussin ha superato un percorso difficile. Già in uno dei primi dipinti "morte della Germania" (1626-1628, Minneapolis, l'Istituto delle Arti), appella i ricevimenti del classicismo e anticipare molti dei loro lavori successivi nel campo del dipinto storico. Germanico - un comandante coraggioso e valoroso, i Romani della Nadezhda - sono stati avvelenati per ordine dell'amperaio sospetto e invidioso Tiberio. L'immagine raffigura la Germania sull'appuntamento mortale della sua famiglia e dei fedeli guerrieri. Ma non un dolore personale, ma un paziente civile - il ministero della madrepatria e della Dolga - costituisce il significato figurativo di questa cereale. L'estrovento romano dalla vita prende un giuramento di lealtà e vendetta dei legionari romani, dei vantaggi duri, forti e completi delle persone. Tutti gli attori si trovano come sollievo.

Essendo entrato nel sentiero del classicismo, il poussin a volte è andato oltre i suoi confini. I suoi dipinti dei 1620 "Beating Babies" (Shannty, Museo di Conde) e "Martirdom of St. Erasm" (1628-1629, Vaticano, Pinakotek) sono vicini al Caravagizismo e al barocco Interpretazione drammatica esagerata della situazione e delle immagini prive di idealità . La rapidazza della tensione e del movimento di Mimic distingue la "rimozione espressiva dalla croce" nell'eremo (ok, 1630) e "lutto" nel Monaco di Baviera Pinakotek (circa 1627). Allo stesso tempo, la costruzione di entrambi i dipinti in cui cifre plasticamente tangibili sono incluse nel ritmo complessivo della composizione, impeccabilmente. La combinazione di colori è subordinata al rapporto pensoso dei punti colorati. Nella tela di Monaco, varie sfumature di grigio, con le quali toni blu-blu e luminosi sono sofisticati.

Poussin raramente raffigurava le sofferenze di Cristo. La matrice principale delle sue opere è associata a trame bibliche, mitologiche e letterarie. Il tema antico dei suoi primi lavori, che ha colpito la passione per i colori di Tiziano, approva la brillante gioia della vita. Le figure del satiri scuro, la ninfa affascinante, gli amari allegri sono pieni di quel movimento morbido e liscio che il Maestro ha chiamato il "linguaggio del corpo". Immagine "Regno di Flora" (1631, Dresda, Galleria dei Picture), ispirata alla metamorfosi di Ovidio, raffigura gli eroi degli antichi miti, che, dopo la loro morte, diede la vita a vari colori, che decidono il regno rialzista della dea flora . La morte di Ajax, si precipita sulla spada, la condanna di mortale Adonis e Giacinto, la sofferenza degli amanti dei sorrisi e del Crocon non oscurano l'umore del junctive regnante. Il sangue che scorreva dal capo del giacinto si trasforma in petali caduti di meravigliosi fiori blu, un garofano rosso cresce dal sangue di Ajax, Narciso ammira per riflettere in un vaso con acqua, che sta tenendo un'eco della ninfa. Come una corona di vivente colorata. I personaggi di pittura circondano una dea danzante. La tela di Poussna incarna il pensiero dell'immortalità della natura, che dà vita ad un aggiornamento eterno. Questa vita è trasportata dagli eroi che ridevano la flora della flora, spruzzandoli con i fiori bianchi, e la luminosità radiante di Dio Helios, che rende la sua fucina fusa in nuvole dorate.

Il principio drammatico, che è incluso nelle opere di Poussa, offre immagini un carattere sublime. L'Hermitage Pancourse (1630s) è dedicato all'amore della principessa Antiochiana, Amazon Herminia al crociata di Kniger-crociata. La trama è presa dal poema del tasso liberato da Gerusalemme. I feriti del Tancreda nel Duel supportano i suoi fedeli amici VAFRINE. Hermine, che si era appena spostata dal cavallo, si precipita verso l'amata spada frizzante con una durata dei suoi capelli biondi per legare le sue ferite. L'amore di Ermini è paragonato da un'impresa eroica. Il dipinto è costruito su un artista preferito del contrasto di giallo blu, rosso e arancione. Il paesaggio si invatterà con la lucentezza fiammeggiante dell'alba della serata. Qui tutto è proporzionalmente, è facile da leggere a prima vista e tutto è molto. La lingua delle forme rigide e puramente equilibrate è dominata, e il ritmo lineare e colore è perfetto.

Durante la creatività di Poussin passa il tema della vita e della morte. Nel Regno di Flora, ha acquisito il carattere dell'allegoria poetica, nella "morte della Germania" è stata associata a problemi etici ed eroici. Nelle foto del 1640 e successive, questo argomento era saturo di una profondità filosofica. Il mito di Arcadia, un paese di felicità serena, spesso incarnata nell'art. Ma Pusssin espresso in questa trama idilliaca l'idea della frequenza della vita e della inevitabilità della morte. L'artista raffigurato pastori, scoperto inaspettatamente una tomba con l'iscrizione "e io ero ad Arcadia ..." - un promemoria della frolla della vita, sulla prossima fine. In una versione iniziale (1628-1629, Chatsworth, l'incontro dei duchi del devonshire), più emotivo, movimento completo e dramma, è fortemente espresso dalla confusione dei giovani pastori, che sembravano di fronte alla morte, che invasero il loro mondo luminoso.

La trama del pittura di Louis "Poeta Triumph" (Parigi, Louvre) sembra essere delimitata dall'allegoria - accovacciata la corona di labir del giovane poeta alla presenza di Dio Apollo e Callopa, la musica della poesia epica. L'idea dell'immagine è la nascita di belle nell'arte, la sua celebrazione è percepita vivacemente e figurativamente, senza la minima formazione. Le immagini sono unite da un sistema comune di sentimenti. Musa, in piedi accanto ad Apollo - una personificazione vivente della bellissima. Costruzione composita del dipinto, con la sua semplicità esterna, nel suo genere, esemplare per il classicismo. Sospettamente trovato offset, giri, i movimenti delle figure, spostati verso l'albero, volando Amur - tutte queste tecniche, non privando la composizione di chiarezza ed equilibrio, fare un senso della vita in esso. L'immagine è saturata di pitture gialle-dorate, blu e rosse, che gli conferisce una solennità speciale.

L'immagine della natura come la personificazione della massima armonia di essere passa attraverso tutta la creatività della Poussin. Passeggiando nelle vicinanze di Roma, ha studiato i paesaggi delle campagne romane inerenti all'invisibilità. Le sue impressioni vivaci furono trasferite in meravigliosi disegni del paesaggio dalla natura, la piena freschezza della percezione e dai testi di bella. I pittoreschi paesaggi di Poussin sono privati \u200b\u200bdi questo senso dell'immediazione, l'inizio perfetto è più forte in loro. I paesaggi pusseni sono imbevuti della sensazione della grandezza e della grandezza del mondo. Le rocce ingombranti, gli alberi rigogliosi, i laghi cristallini, le molle fredde, la corrente tra le pietre e i cespugli ombreggiati, sono collegati in una plasticità di un tutto, una composizione olistica basata sull'alternanza di piani spaziali, ognuno dei quali si trova in parallelo al piano di tela. La gamma colorante a colori sobri è solitamente costruita su una combinazione di toni freddi blu e bluastri di paradiso, acqua e caldi toni brunastri di terreno e rocce.

"Paesaggio con un poliefo" (1649, San Pietroburgo, Eremo di stato) è percepito come una solenne natura inno. Ciclope Polyfem, come se crescesse le rocce grigie, giocando la canzone dell'amore Nimifero Galatae. I suoni delle melodie sono colpiti dal caldo mare meridionale, le potenti montagne, le boschetti ombreggianti e le loro divinità, ninfe e satiri, accanto a un aratro e un pastore tra le mandrie. L'impressione dell'infinito dello spazio è amplificata dal fatto che il Polyfem raffigurato con la schiena allo spettatore guarda in lontananza. Tutto cade su un meraviglioso cielo blu scuro con nuvole bianche leggere.

Mighty Greatness of Nature Conquers nel "Paesaggio con Ercole e Cukus" (1649, Mosca, Museo di Stato di Belle Arti. A.S. Pushkin), dove viene catturata la vittoria di Ercole sopra la torta gigante. Anche se l'eroe è stato eseguito, nulla viola la pace dipinta e rigida.

Raffigurante Giovanni il Bogoslov sull'isola di Patmos, Pussen rifiuta l'interpretazione tradizionale di questa immagine. Crea un raro paesaggio di bellezza e umore - la personificazione vivente della bellissima Eldla. Nell'interpretazione di Poussin, l'immagine di John ricorda non un eremita cristiano, ma un vero pensatore.

Il famoso ciclo del paesaggio quattro anni dell'anno è fatto dall'artista negli ultimi anni di vita (1660-1664, Parigi, Louvre). Ogni paesaggio ha un significato simbolico. "Primavera" (in questo paesaggio, Adamo ed Eva sono raffigurati in paradiso) è la fioritura del mondo, l'infanzia dell'umanità. "Estate", dove viene presentato la scena del raccolto, il tempo del lavoro caldo, personifica il pensiero della maturità e della completezza dell'essere. L'inverno raffigura un'inondazione, la morte della vita. L'acqua che svolazzante a terra assorbe inesorabilmente tutte le cose viventi. Da nessuna parte non è una salvezza. Le fulmini hanno tagliato l'oscurità notturna, e la natura coperta dalla disperazione sembra essere riconosciuta e fissata. Il tragico "inverno" è l'ultimo lavoro dell'artista.

Carriera aliene e successo esterno, Poussin ha vissuto una vita degna, nobile. Nel ricordo di generazioni, l'arte dell'artista è rimasta e inestricabilmente fusa con lui l'immagine nel tardo "autoritratto" creato da lui (1650, Parigi, Louvre). Il tempo era abile dei capelli scuri di un maestro di invecchiamento, ma non privava la durezza della postura, il rigore inseguito e coraggioso ha dato una grande caratteristica del viso, una visione approfondita, ha rafforzato la sensazione di saggio self-catering e calma dignità . Il trasferimento della somiglianza individuale non impedisce la creazione di un'immagine profondamente generica. L'artista per Poussin è principalmente un pensatore, vede il valore di una persona nella forza del suo intelletto, nel potere creativo. Il valore della proprietà di Pussea per il suo tempo e le seguenti epoche sono enormi. I suoi veri eredi non erano accademisti francesi della seconda metà del XVII secolo, tradizioni distorte del Grande Maestro, e rappresentanti del neoclassicismo rivoluzionario del XVIII secolo, che gestirono nelle forme di questa arte per esprimere nuove idee della loro era.

Tatyana capiceva.