I primi artisti del revival. Grandi artisti del Rinascimento

18.06.2019

Periodo rinascimentale

Lo spirito di fioritura è ampiamente espresso nei dipinti di quel tempo e riempie il dipinto di una sensualità speciale. Il Rinascimento collega la cultura con la scienza. Gli artisti iniziarono a considerare l'arte come una branca del sapere, studiando a fondo la fisiologia umana e il mondo. Ciò è stato fatto per riflettere in modo più realistico la verità della creazione di Dio e gli eventi che si svolgono sulle loro tele. Molta attenzione fu riservata alla raffigurazione di soggetti religiosi, che acquisirono un contenuto terreno grazie all'abilità di geni come Leonardo da Vinci.

Ci sono cinque fasi nello sviluppo dell'arte rinascimentale italiana.

Gotico internazionale (di corte).

Originato all'inizio del XIII secolo, il gotico di corte (ducento) è caratterizzato da eccessivo splendore, sfarzo e pretenziosità. Il tipo principale di dipinti è una miniatura raffigurante scene d'altare. Gli artisti usano i colori a tempera per creare i loro dipinti. Il Rinascimento è ricco di illustri rappresentanti di questo periodo, come i pittori italiani Vittore Carpaccio e Sandro Botticelli.

Periodo prerinascimentale (protorinascimentale)

La fase successiva, che si ritiene abbia anticipato il Rinascimento, è detta Proto-Rinascimentale (trecento) e cade tra la fine del XIII e l'inizio del XIV secolo. In connessione con il rapido sviluppo della visione del mondo umanistica, la pittura di questo periodo storico rivela il mondo interiore di una persona, la sua anima, ha un profondo significato psicologico, ma allo stesso tempo ha una struttura semplice e chiara. Le trame religiose svaniscono sullo sfondo e quelle secolari diventano principali e una persona con i suoi sentimenti, espressioni facciali e gesti agisce come il personaggio principale. Compaiono i primi ritratti del Rinascimento italiano, al posto delle icone. Artisti famosi di questo periodo sono Giotto, Pietro Lorenzetti.

Primo Rinascimento

La fase inizia dall'inizio primo rinascimento(quattrocento), a simboleggiare il fiorire della pittura con l'assenza di soggetti religiosi. I volti sulle icone assumono una forma umana e il paesaggio, come genere in pittura, occupa una nicchia separata. Il capostipite della cultura artistica del primo Rinascimento è Mosaccio, il cui concetto è basato sull'intellettualità. I suoi dipinti sono altamente realistici. I grandi maestri hanno esplorato la prospettiva lineare e aerea, l'anatomia e hanno utilizzato le conoscenze nelle loro creazioni, che possono essere viste nel corretto spazio tridimensionale. Rappresentanti del primo Rinascimento sono Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pollaiolo, Verrocchio.

Alto Rinascimento, o "età dell'oro"

Dalla fine del 1400 iniziò e durò poco, fino all'inizio del 1500, la fase dell'alto Rinascimento (cinquecento). Venezia e Roma ne divennero il centro. Gli artisti ampliano i loro orizzonti ideologici e sono interessati allo spazio. Una persona appare nell'immagine di un eroe, perfetto sia spiritualmente che fisicamente. Le figure di quest'epoca sono Leonardo da Vinci, Raffaello, Tiziano Vecellio, Michelangelo Buonarroti e altri. Il grande artista Leonardo da Vinci fu " uomo universale"ed era alla continua ricerca della verità. Impegnato in scultura, drammaturgia, vario esperimenti scientifici Riuscì a trovare il tempo per dipingere. La creazione "Madonna tra le rocce" rispecchia chiaramente lo stile del chiaroscuro creato dal pittore, dove la combinazione di luci e ombre crea un effetto tridimensionale, e la famosa "La Gioconda" è realizzata con la tecnica dello "smuffato", che crea l'illusione della foschia.

Tardo Rinascimento

Durante il tardo Rinascimento, che cade all'inizio del XVI secolo, la città di Roma fu conquistata e saccheggiata dalle truppe tedesche. Questo evento segnò l'inizio dell'era dell'estinzione. Il centro culturale romano cessò di essere il patrono dei personaggi più famosi, che furono costretti a disperdersi in altre città d'Europa. A seguito della crescente incoerenza di vedute tra fede cristiana e umanesimo alla fine del XV secolo, il manierismo diventa lo stile predominante che caratterizza la pittura. Il Rinascimento sta gradualmente volgendo al termine, poiché la base di questo stile è considerata una bella maniera che oscura le idee sull'armonia del mondo, sulla verità e sull'onnipotenza della mente. La creatività si fa complessa e acquisisce i connotati del confronto di diverse direzioni. Opere geniali appartengono ad artisti famosi come Paolo Veronese, Tinoretto, Jacopo Pontormo (Carrucci).

L'Italia divenne il centro culturale della pittura e dotò il mondo di artisti brillanti di questo periodo, i cui dipinti evocano ancora oggi il piacere emotivo.

Oltre che in Italia, lo sviluppo dell'arte e della pittura ha avuto un posto importante in altri paesi europei. Questa tendenza è stata nominata Particolarmente degna di nota è la pittura della Francia rinascimentale, che è cresciuta sul proprio suolo. La fine della Guerra dei Cent'anni ha causato la crescita della coscienza universale e lo sviluppo dell'umanesimo. Dentro c'è realismo, una connessione con conoscenza scientifica, attrazione per le immagini dell'antichità. Tutte le caratteristiche di cui sopra lo avvicinano all'italiano, ma la presenza di una nota tragica nelle tele è una differenza significativa. Famosi artisti del Rinascimento in Francia - Anguerrand Charonton, Nicolas Froment, Jean Fouquet, Jean Clouet il Vecchio.

Revival, o Rinascimento: una pietra miliare storica nella cultura europea. Questa è una tappa fatale nello sviluppo della civiltà mondiale, che ha sostituito la densità e l'oscurantismo del Medioevo e ha preceduto la nascita bene culturale Nuovo tempo. L'antropocentrismo è insito nell'eredità del Rinascimento - in altre parole, un orientamento verso l'Uomo, la sua vita e il suo lavoro. Allontanandosi dai dogmi e dalle trame della chiesa, l'arte acquisisce un carattere secolare e il nome dell'epoca si riferisce alla rinascita di motivi antichi nell'arte.

Il Rinascimento, le cui radici hanno origine in Italia, è solitamente suddiviso in tre fasi: primo ("quattrocento"), alto e successivo. Considera le caratteristiche della creatività dei grandi maestri che hanno lavorato in quei tempi antichi, ma significativi.

Prima di tutto, va notato che i creatori del Rinascimento non erano solo impegnati nel "puro" belle arti, ma si sono anche rivelati ricercatori e scopritori di talento. Ad esempio, un architetto fiorentino di nome Filippo Brunelleschi ha descritto un insieme di regole per costruire la prospettiva lineare. Le leggi da lui formulate hanno permesso di rappresentare con precisione il mondo tridimensionale su tela. Insieme all'incarnazione delle idee progressiste nella pittura, è proprio così contenuto ideologico- gli eroi dei dipinti sono diventati più "terreni", con spiccate qualità personali e caratteri. Ciò valeva anche per i lavori su argomenti relativi alla religione.

I nomi di spicco del Quattrocento (seconda metà del XV secolo) - Botticelli, Masaccio, Masolino, Gozzoli e altri - si sono giustamente assicurati un posto d'onore nel tesoro della cultura mondiale.

Durante il periodo dell'Alto Rinascimento (prima metà del XVI secolo) si svela tutto il potenziale ideologico e creativo degli artisti. tratto caratteristico questa volta diventa un riferimento dell'arte all'era dell'antichità. Gli artisti, tuttavia, non copiano ciecamente soggetti antichi, ma li usano per creare e sviluppare i propri stili unici. Grazie a ciò, l'arte acquista consistenza e rigore, cedendo a una certa frivolezza del periodo precedente. Architettura, scultura e pittura di questo tempo si completavano armoniosamente a vicenda. Palazzi, affreschi, dipinti, realizzati nell'Alto Rinascimento, sono dei veri capolavori. Brillano i nomi di geni universalmente riconosciuti: Leonardo da Vinci, Rafael Santi, Michelangelo Buonarotti.

La personalità di Leonardo da Vinci merita un'attenzione particolare. Dicono di lui che è un uomo molto in anticipo sui tempi. Artista, architetto, ingegnere, inventore - lontano da elenco completo ipostasi di questa personalità multiforme.

Leonardo da Vinci è noto all'uomo moderno della strada, prima di tutto come pittore. La sua opera più famosa è la Gioconda. Sul suo esempio, lo spettatore può apprezzare l'innovazione della tecnica dell'autore: grazie al coraggio unico e alla scioltezza di pensiero, Leonardo ha sviluppato modi fondamentalmente nuovi per "ravvivare" l'immagine.

Utilizzando il fenomeno della dispersione della luce, ha ottenuto una diminuzione del contrasto dei dettagli secondari, che ha aumentato il realismo dell'immagine di nuovo livello. Il maestro ha prestato notevole attenzione all'accuratezza anatomica dell'incarnazione del corpo nella pittura e nella grafica: le proporzioni della figura "ideale" sono fissate nell '"Uomo vitruviano".

La seconda metà del XVI e la prima metà del XVII secolo sono generalmente chiamate Tardo Rinascimento. Questo periodo è stato caratterizzato da tendenze culturali e creative molto diverse, quindi è difficile giudicarlo in modo univoco. Tendenze religiose Sud Europa, che si incarnarono nella Controriforma, portarono ad un'astrazione dalla glorificazione della bellezza dell'uomo e degli antichi ideali. La contraddizione di tali sentimenti con l'ideologia consolidata del Rinascimento portò all'emergere del manierismo fiorentino. La pittura in questo stile è caratterizzata da una tavolozza di colori inverosimile e linee spezzate. I maestri veneziani dell'epoca - Tiziano e Palladio - formarono proprie direzioni di sviluppo, che ebbero pochi punti di contatto con le manifestazioni della crisi dell'arte.

Oltre al Rinascimento italiano, occorre prestare attenzione al Rinascimento settentrionale. Gli artisti che vivono a nord delle Alpi sono stati meno influenzati arte antica. Nella loro opera si può rintracciare l'influenza del gotico, che è sopravvissuto fino all'inizio dell'era barocca. Le grandi figure del Rinascimento settentrionale sono Albrecht Dürer, Lucas Cranach il Vecchio, Pieter Brueghel il Vecchio.

Il patrimonio culturale dei grandi artisti del Rinascimento non ha prezzo. Il nome di ciascuno di loro è tremulamente e accuratamente conservato nella memoria dell'umanità, poiché colui che lo indossava era un diamante unico con molte sfaccettature.

Il Rinascimento ha causato profondi cambiamenti in tutti i settori della cultura: filosofia, scienza e arte. Uno di loro è. che sta diventando sempre più indipendente dalla religione, cessa di essere la "serva della teologia", sebbene sia ancora lontana dalla completa indipendenza. Come in altre aree della cultura, gli insegnamenti degli antichi pensatori stanno rivivendo in filosofia, principalmente Platone e Aristotele. Marsilio Ficino fondò a Firenze l'Accademia platonica, tradusse in latino le opere del grande greco. Le idee di Aristotele tornarono in Europa ancor prima, prima del Rinascimento. Durante il Rinascimento, secondo Lutero, è lui, e non Cristo, a «regnare nelle università europee».

Insieme agli antichi insegnamenti, il filosofia naturale, o la filosofia della natura. È predicato da filosofi come B. Telesio, T. Campanella, D. Bruno. Nelle loro opere si sviluppa il pensiero che la filosofia non dovrebbe studiare un Dio soprannaturale, ma la natura stessa, che la natura obbedisce alle proprie leggi interne, che la base della conoscenza è l'esperienza e l'osservazione, e non la rivelazione divina, che l'uomo è parte della natura.

La diffusione delle visioni filosofiche naturali è stata facilitata da scientifico scoperte. Il principale tra loro era teoria eliocentrica N. Copernico, che ha fatto una vera rivoluzione nelle idee sul mondo.

Va tuttavia notato che le opinioni scientifiche e filosofiche di quel tempo sono ancora sotto l'influenza notevole della religione e della teologia. Tali opinioni spesso prendono la forma panteismo in cui l'esistenza di Dio non è negata, ma Egli è dissolto nella natura, identificato con essa. A questo dobbiamo aggiungere anche l'influenza delle cosiddette scienze occulte - astrologia, alchimia, misticismo, magia, ecc. Tutto questo avviene anche in un filosofo come D. Bruno.

Il Rinascimento ha portato i cambiamenti più significativi in cultura artistica, arte.È in quest'area che la rottura con il medioevo si rivela la più profonda e radicale.

Nel Medioevo, l'arte era in gran parte applicata in natura, era intrecciata nella vita stessa e avrebbe dovuto decorarla. Nel Rinascimento l'arte acquista per la prima volta un valore intrinseco, diventa un'area autonoma di bellezza. Allo stesso tempo, per la prima volta, nello spettatore percipiente si forma un sentimento puramente artistico ed estetico, per la prima volta si risveglia un amore per l'arte per se stessa e non per lo scopo che serve.

Mai prima d'ora l'arte ha goduto di un così alto onore e rispetto. Anche in Grecia antica l'opera di un artista nel suo significato sociale era notevolmente inferiore alle attività di un politico e di un cittadino. Un posto ancora più modesto fu occupato dall'artista nell'antica Roma.

Adesso luogo e ruolo dell'artista nella società stanno crescendo incommensurabilmente. Per la prima volta è considerato un professionista, scienziato e pensatore indipendente e rispettato, un'individualità unica. Nel Rinascimento, l'arte è percepita come uno dei più potenti mezzi di conoscenza e in questa veste è equiparata alla scienza. Leonardo da Vinci considera la scienza e l'arte come due modi completamente uguali di studiare la natura. Scrive: "La pittura è una scienza e la legittima figlia della natura".

Arte ancora più apprezzata come creatività. Da soli possibilità creative l'artista rinascimentale è equiparato a Dio creatore. Questo spiega perché Raphael ricevette l'aggiunta "Divine" al suo nome. Per gli stessi motivi, anche la Commedia dantesca era chiamata "Divina".

L'arte stessa sta subendo profondi cambiamenti. Fa una svolta decisiva da un simbolo e segno medievale a un'immagine realistica e un'immagine affidabile. I mezzi di espressione artistica stanno diventando nuovi. Ora sono basati su lineare e prospettiva aerea, la tridimensionalità del volume, la dottrina delle proporzioni. L'arte in ogni cosa si sforza di essere fedele alla realtà, di raggiungere obiettività, autenticità e vitalità.

Il Rinascimento fu principalmente italiano. Pertanto, non sorprende che sia in Italia che l'arte in questo periodo abbia raggiunto la sua massima ascesa e fioritura. È qui che ci sono decine di nomi di titani, geni, artisti grandi e semplicemente talentuosi. Ci sono grandi nomi anche in altri paesi, ma l'Italia è fuori concorrenza.

Nel Rinascimento italiano si distinguono solitamente più fasi:

Proto-rinascimentale: seconda metà del XIII secolo. - XIV secolo.
Primo Rinascimento: quasi tutto il XV secolo.
Alto Rinascimento: fine XV secolo - primo terzo del XVI sec
Tardo Rinascimento: gli ultimi due terzi del XVI secolo.

Le figure principali del Proto-Rinascimento sono il poeta Dante Alighieri (1265-1321) e il pittore Giotto (1266/67-1337).

Il destino presentò a Dante molte prove. Perseguitato per aver partecipato alla lotta politica, vagò, morì in terra straniera, a Ravenna. Il suo contributo alla cultura va oltre la poesia. Ha scritto non solo testi d'amore ma anche trattati filosofici e politici. Dante è il creatore della lingua letteraria italiana. A volte si chiama ultimo poeta Medioevo e il primo poeta dei tempi moderni. Questi due inizi - il vecchio e il nuovo - sono davvero strettamente intrecciati nel suo lavoro.

Le prime opere di Dante Nuova vita” e “Festa” - sono poesie liriche di contenuto amoroso dedicate alla sua amata Beatrice, che incontrò una volta a Firenze e morta sette anni dopo il loro incontro. Il poeta ha mantenuto il suo amore per la vita. Per quanto riguarda il genere, i testi di Dante sono in linea con la poesia cortigiana medievale, dove l'oggetto del canto è l'immagine della "Bella Signora". Tuttavia, i sentimenti espressi dal poeta appartengono già al Rinascimento. Sono causati da incontri ed eventi reali, pieni di sincero calore, caratterizzati da un'individualità unica.

L'apice dell'opera di Dante fu "La Divina Commedia”, che ha occupato un posto speciale nella storia della cultura mondiale. Nella sua costruzione, questo poema è anche in linea con le tradizioni medievali. Racconta le avventure di un uomo che è entrato aldilà. La poesia ha tre parti: Hell, Purgatory e Paradise, ognuna delle quali ha 33 canzoni scritte in stanze di tre versi.

Il numero "tre" ripetuto richiama direttamente la dottrina cristiana della Trinità. Nel corso della narrazione, Dante segue rigorosamente molte delle esigenze del cristianesimo. In particolare, non permette al suo compagno dei nove circoli dell'inferno e del purgatorio - il poeta romano Virgilio - di entrare in paradiso, poiché il pagano è privato di tale diritto. Qui il poeta è accompagnato dalla sua defunta amata Beatrice.

Tuttavia, nei suoi pensieri e giudizi, nel suo atteggiamento nei confronti dei personaggi ritratti e dei loro peccati. Dante spesso e in modo molto significativo è in disaccordo con l'insegnamento cristiano. Così. invece della condanna cristiana dell'amore sensuale come peccato, parla della "legge dell'amore", secondo la quale l'amore sensuale è compreso nella natura della vita stessa. Dante tratta l'amore di Francesca e Paolo con comprensione e simpatia. anche se il loro amore è legato al tradimento da parte di Francesca del marito. Lo spirito rinascimentale trionfa in Dante anche in altre occasioni.

Tra i maggiori poeti italiani c'è anche Francesco Petrarca. Nella cultura mondiale, è conosciuto principalmente per il suo sonetti. Allo stesso tempo, era un pensatore, filosofo e storico di ampio respiro. È giustamente considerato il fondatore dell'intera cultura rinascimentale.

L'opera del Petrarca è anche in parte nell'ambito dei testi cortigiani medievali. Come Dante, ebbe un'amante di nome Laura, alla quale dedicò il suo "Libro dei Cantici". Allo stesso tempo, Petrarca rompe in modo più deciso i legami con cultura medievale. Nelle sue opere, i sentimenti espressi - amore, dolore, disperazione, desiderio - appaiono molto più acuti e più nudi. Hanno un tocco personale più forte.

Altro rappresentante di spicco la letteratura è diventata Giovanni Boccaccio(1313-1375). autore di fama mondiale Decamerone". Boccaccio prende in prestito il principio di costruzione della sua raccolta di racconti e lo schema della trama dal Medioevo. Tutto il resto è intriso dello spirito del Rinascimento.

I personaggi principali dei romanzi sono persone normali e comuni. Sono scritti in modo sorprendentemente brillante, vivace, lingua parlata. Non contengono moralismi noiosi, al contrario, molti racconti brillano letteralmente di amore per la vita e divertimento. Le trame di alcuni di loro hanno un carattere amoroso e erotico. Boccaccio scrisse, oltre al Decamerone, anche il racconto Fiammetta, considerato il primo romanzo psicologico della letteratura occidentale.

Giotto di Bondoneè il rappresentante di spicco del Proto-Rinascimento italiano nelle arti visive. Il suo genere principale erano gli affreschi. Tutti loro sono scritti in biblico e soggetti mitologici, raffigurano scene della vita della Sacra Famiglia, evangelisti, santi. Tuttavia, l'interpretazione di queste trame è chiaramente dominata da inizio rinascimentale. Nella sua opera Giotto abbandona le convenzioni medievali e si rivolge al realismo e alla plausibilità. È a lui che viene riconosciuto il merito della rinascita della pittura come valore artistico in sé.

Nelle sue opere, il paesaggio naturale è raffigurato in modo abbastanza realistico, sul quale sono chiaramente visibili alberi, rocce e templi. Tutti i personaggi partecipanti, compresi gli stessi santi, appaiono come persone viventi dotate di carne fisica, sentimenti umani e passioni. I loro vestiti delineano le forme naturali dei loro corpi. Le opere di Giotto sono caratterizzate da colori vivaci e pittoreschi, fine plasticità.

La principale creazione di Giotto è il dipinto della Cappella dell'Arena a Padova, che racconta gli eventi della vita della Sacra Famiglia. L'impressione più forte è data dal ciclo murario, che comprende le scene "Fuga in Egitto", "Bacio di Giuda", "Lamento di Cristo".

Tutti i personaggi raffigurati nei dipinti sembrano naturali e autentici. La posizione dei loro corpi, i gesti, lo stato emotivo, i punti di vista, i volti: tutto questo è mostrato con rara persuasione psicologica. Allo stesso tempo, il comportamento di ciascuno corrisponde rigorosamente al ruolo assegnatogli. Ogni scena ha un'atmosfera unica.

Quindi, nella scena "Flight to Egypt" prevale un tono emotivo sobrio e generalmente calmo. "Kiss of Judas" è pieno di dinamismo tempestoso, azioni acute e decise di personaggi che si sono letteralmente confrontati. E solo i due principali partecipanti - Giuda e Cristo - si sono congelati senza muoversi e hanno combattuto con gli occhi.

La scena "Lamentazione di Cristo" è caratterizzata da un dramma speciale. È pieno di tragica disperazione, dolore e sofferenza insopportabili, dolore e dolore inconsolabili.

Il primo Rinascimento finalmente approvato nuovi principi estetici e artistici dell'arte. Allo stesso tempo, le storie bibliche sono ancora molto popolari. Tuttavia, la loro interpretazione diventa completamente diversa, del Medioevo è rimasto poco.

patria Primo Rinascimento divenne Firenze, e i "padri del Rinascimento" ne sono l'architetto Filippo Brunelleschi(1377-1446), scultore Donatello(1386-1466). pittore Masaccio (1401 -1428).

Brunelleschi ha dato un enorme contributo allo sviluppo dell'architettura. Ha gettato le basi dell'architettura rinascimentale, ha scoperto nuove forme che esistevano da secoli. Ha fatto molto per sviluppare le leggi della prospettiva.

più lavoro significativo Brunelleschi fu la costruzione di una cupola sopra la già ultimata costruzione del Duomo di Santa Maria del Fiore a Firenze. Ha affrontato un compito eccezionalmente difficile, poiché la cupola richiesta doveva essere di dimensioni enormi, circa 50 m di diametro. Con l'aiuto del design originale, esce brillantemente da una situazione difficile. Grazie alla soluzione trovata, non solo la cupola stessa si rivelò sorprendentemente leggera e, per così dire, in bilico sulla città, ma l'intero edificio della cattedrale acquistò armonia e maestosità.

Non meno bella opera del Brunelleschi fu la famosa Cappella dei Pazzi, eretta nel cortile della Chiesa di Santa Croce a Firenze. È un piccolo edificio rettangolare, coperto al centro da una cupola. All'interno è rivestito di marmo bianco. Come altri edifici del Brunelleschi, la cappella si distingue per semplicità e chiarezza, eleganza e grazia.

L'opera di Brunelleschi si distingue per il fatto che va oltre i luoghi di culto e crea magnifici edifici di architettura profana. Un ottimo esempio di tale architettura è l'orfanotrofio, costruito a forma di lettera "P", con loggia-loggia coperta.

Lo scultore fiorentino Donatello è uno dei più importanti artefici del primo Rinascimento. Ha lavorato di più generi diversi ovunque mostrando vera innovazione. Nelle sue opere Donatello utilizza l'antico patrimonio, affidandosi a un profondo studio della natura, aggiornando con audacia i mezzi di espressione artistica.

Partecipa allo sviluppo della teoria della prospettiva lineare, fa rivivere il ritratto scultoreo e l'immagine di un corpo nudo e fonde il primo monumento in bronzo. Le immagini da lui create sono l'incarnazione dell'ideale umanistico in modo armonioso personalità sviluppata. Con il suo lavoro Donatello ha avuto una grande influenza sul successivo sviluppo della scultura europea.

Il desiderio di Donatello di idealizzare la persona raffigurata si manifestava chiaramente in statua del giovane David. In quest'opera, David appare come un giovane, bello, pieno di forza mentale e fisica. La bellezza del suo corpo nudo è sottolineata da un busto graziosamente curvo. Il viso giovane esprime premura e tristezza. Questa statua è stata seguita da tutta una serie di nudi nella scultura rinascimentale.

Il principio eroico è forte e distinto in la statua di S. Giorgio, che divenne uno degli apici dell'opera di Donatello. Qui è riuscito a incarnare pienamente l'idea di una forte personalità. Davanti a noi c'è un guerriero alto, snello, coraggioso, calmo e sicuro di sé. In questo lavoro, il maestro si sviluppa in modo creativo migliori tradizioni scultura antica.

Un'opera classica di Donatello è la statua in bronzo del comandante Gattamelatta - il primo monumento equestre nell'arte del Rinascimento. Qui grande scultore raggiunge l'ultimo livello di generalizzazione artistica e filosofica, che avvicina quest'opera all'antichità.

Allo stesso tempo, Donatello ha creato il ritratto di una personalità specifica e unica. Il comandante appare come un vero eroe rinascimentale, una persona coraggiosa, calma e sicura di sé. La statua si distingue per forme laconiche, plasticità chiara e precisa, postura naturale del cavaliere e del cavallo. Grazie a ciò, il monumento è diventato un vero capolavoro di scultura monumentale.

A l'ultimo periodo creatività Donatello crea un gruppo in bronzo "Giuditta e Oloferne". Quest'opera è piena di dinamica e dramma: Giuditta è raffigurata nel momento in cui alza la spada sull'Oloferne già ferito. per finirlo.

Masaccio giustamente considerata una delle figure principali del primo Rinascimento. Continua e sviluppa le tendenze provenienti da Giotto. Masaccio visse solo 27 anni e riuscì a fare poco. Tuttavia, gli affreschi da lui realizzati divennero una vera e propria scuola di pittura per i successivi artisti italiani. Secondo Vasari, contemporaneo dell'Alto Rinascimento e critico autorevole, «nessun maestro si avvicinò così tanto maestri contemporanei come Masaccio.

La principale creazione di Masaccio sono gli affreschi nella Cappella Brancacci della Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze, che raccontano episodi delle leggende di San Pietro, oltre a raffigurare due scene bibliche: "La caduta" e "L'esilio da Paradiso".

Sebbene gli affreschi raccontino i miracoli compiuti da S. Peter, non c'è niente di soprannaturale e di mistico in loro. Il Cristo raffigurato, Pietro, gli apostoli e altri partecipanti agli eventi sembrano essere persone piuttosto terrene. Sono dotati di tratti individuali e si comportano in modo del tutto naturale e umano. In particolare, nella scena del "Battesimo" viene mostrato in modo sorprendentemente autentico un giovane uomo nudo e tremante per il freddo. Masaccio costruisce la sua composizione utilizzando non solo la prospettiva lineare, ma anche quella aerea.

Di tutto il ciclo, una menzione speciale merita affresco "Cacciata dal Paradiso". Lei è un vero capolavoro della pittura. L'affresco è estremamente laconico, non c'è nulla di superfluo in esso. Sullo sfondo di un vago paesaggio, sono ben visibili le figure di Adamo ed Eva che hanno lasciato le porte del Paradiso, sopra le quali aleggia un angelo con una spada. Tutta l'attenzione è concentrata su mamma ed Eva.

Masaccio è stato il primo nella storia della pittura a poter dipingere un corpo nudo in modo così convincente e autentico, a trasmetterne le proporzioni naturali, a dargli stabilità e movimento. Lo stato interiore dei personaggi è espresso in modo altrettanto convincente e vivido. Adamo, che camminava a grandi passi, abbassò il capo per la vergogna e si coprì il viso con le mani. Singhiozzando, Eve gettò indietro la testa disperata. bocca aperta. Questo affresco apre una nuova era nell'arte.

Quello che fece Masaccio fu continuato da artisti come Andrea Mantegna(1431 -1506) e Sandro Botticelli(1455-1510). Il primo divenne famoso soprattutto per i suoi murales, tra i quali un posto speciale è occupato dagli affreschi che raccontano gli ultimi episodi della vita di S. James - la processione verso l'esecuzione e l'esecuzione stessa. Favorito Botticelli pittura da cavalletto. I suoi dipinti più famosi sono La primavera e La nascita di Venere.

Dalla fine del XV secolo, quando l'arte italiana raggiunge il suo massimo splendore, Alto Rinascimento. Per l'Italia questo periodo è stato estremamente difficile. Frammentato e quindi indifeso, fu letteralmente devastato, depredato e dissanguato dalle invasioni di Francia, Spagna, Germania e Turchia. Tuttavia, l'arte in questo periodo, stranamente, sta vivendo una fioritura senza precedenti. Fu in quel momento che stavano creando titani come Leonardo da Vinci. Raffaello. Michelangelo, Tiziano.

In architettura, l'inizio dell'Alto Rinascimento è associato alla creatività Donato Bramante(1444-1514). Fu lui a creare lo stile che determinò lo sviluppo dell'architettura di questo periodo.

Una delle sue prime opere fu la chiesa del monastero di Santa Maria della Grazie a Milano, nel refettorio della quale Leonardo da Vinci dipinse il suo famoso affresco L'Ultima Cena. La sua gloria inizia con una piccola cappella chiamata Tempetto(1502), costruito a Roma e divenuto una sorta di "manifesto" dell'Alto Rinascimento. La cappella ha la forma di una rotonda, si distingue per la semplicità dei mezzi architettonici, l'armonia delle parti e la rara espressività. Questo è un vero piccolo capolavoro.

L'apice dell'opera del Bramante è la ricostruzione del Vaticano e la trasformazione dei suoi edifici in un unico insieme. Possiede anche il progetto della Cattedrale di S. Peter, in cui Michelangelo apporterà modifiche e inizierà a implementare.

Guarda anche: Michelangelo Buonarroti

Nell'arte del Rinascimento italiano, un posto speciale è occupato da Venezia. La scuola che si sviluppò qui differiva notevolmente dalle scuole di Firenze, Roma, Milano o Bologna. Questi ultimi gravitavano verso tradizioni stabili e continuità, non erano inclini al rinnovamento radicale. Fu su queste scuole che si basava il classicismo del XVII secolo. e il neoclassicismo dei secoli successivi.

La scuola veneziana fungeva da contrappeso e antipodo originario. Qui regnava lo spirito di innovazione e di rinnovamento radicale e rivoluzionario. Tra i rappresentanti di altre scuole italiane, Leonardo era il più vicino a Venezia. Forse è qui che la sua passione per la ricerca e la sperimentazione ha potuto trovare giusta comprensione e riconoscimento. Nella famosa contesa tra artisti "vecchi e nuovi", questi ultimi fecero affidamento sull'esempio di Venezia. È qui che iniziarono le tendenze che portarono al Barocco e al Romanticismo. E sebbene i romantici onorassero Raffaello, i loro veri dèi erano Tiziano e Veronese. A Venezia, El Greco ricevette la sua carica creativa, che gli permise di sconvolgere la pittura spagnola. Velazquez passò per Venezia. Lo stesso si può dire di artisti fiamminghi Rubense e Van Dyke.

Essendo una città portuale, Venezia si trovò al crocevia di rotte economiche e commerciali. Ha sperimentato l'influenza della Germania settentrionale, Bisanzio e dell'Est. Venezia è diventata un luogo di pellegrinaggio per molti artisti. A. Dürer è stato qui due volte - alla fine del XV secolo. e l'inizio del XVI secolo. Fu visitata da Goethe (1790). Wagner qui ascoltò il canto dei gondolieri (1857), sotto la cui ispirazione scrisse il secondo atto di Tristano e Isotta. Nietzsche ascoltava anche il canto dei gondolieri, definendolo il canto dell'anima.

La vicinanza del mare evocava forme fluide e mobili, piuttosto che chiare strutture geometriche. Venezia gravitava non tanto sulla ragione con le sue regole ferree, quanto sui sentimenti, dai quali nasceva la straordinaria poesia dell'arte veneziana. Il fulcro di questa poesia era la natura - la sua materialità visibile e sentita, una donna - l'emozionante bellezza della sua carne, la musica - nata dal gioco di colori e luci e dai suoni incantevoli della natura spiritualizzata.

Gli artisti della scuola veneta preferivano non la forma e il disegno, ma il colore, il gioco di luci e ombre. Raffigurando la natura, hanno cercato di trasmetterne gli impulsi e il movimento, la variabilità e la fluidità. bellezza corpo femminile non vedevano tanto nell'armonia delle forme e delle proporzioni quanto nella carne più viva e senziente.

Non erano sufficienti plausibilità e affidabilità realistiche. Hanno cercato di rivelare le ricchezze insite nella pittura stessa. È Venezia che merita il merito di scoprire un principio pittorico puro, o il suo pittoresco forma pura. Gli artisti veneziani furono i primi a mostrare la possibilità di separare la pittura dagli oggetti e dalla forma, la possibilità di risolvere i problemi della pittura con l'ausilio di un solo colore, mezzi puramente pittorici, la possibilità di considerare la pittura fine a se stessa. Tutta la pittura successiva, basata sull'espressione e sull'espressività, seguirà questa strada. Secondo alcuni esperti si può andare da Tiziano a Rubens e Rembrandt, poi a Delacroix, e da lui a Gauguin, Van Gogh, Cézanne, ecc.

Il fondatore della scuola veneta è Giorgione(1476-1510). Nel suo lavoro, ha agito come un vero innovatore. Con lui vince finalmente il principio laico, e invece di storie bibliche preferisce scrivere su temi mitologici e letterari. Nel suo lavoro avviene la realizzazione di un dipinto da cavalletto, che non assomiglia più a un'icona o a un'immagine d'altare.

Giorgione apre nuova era nella pittura, essendo il primo a dipingere dalla natura. Raffigurando la natura, per la prima volta sposta l'attenzione su mobilità, variabilità e fluidità. Un ottimo esempio di questo è il suo dipinto "Temporale". Fu Giorgione che iniziò a cercare il segreto della pittura nella luce e nei suoi passaggi, nei giochi di luci e ombre, facendo da precursore del Caravaggio e del Caravaggismo.

Giorgione ha creato opere di generi e temi diversi: "Country Concert" e "Judith". La sua opera più famosa è stata "Venere dormiente"". Questa immagine è priva di qualsiasi trama. Canta la bellezza e il fascino del corpo femminile nudo, che rappresenta "la nudità per amore della nudità stessa".

Il capo della scuola veneta è Tiziano(c. 1489-1576). La sua opera - insieme a quella di Leonardo, Raffaello e Michelangelo - è l'apice dell'arte rinascimentale. La maggior parte la sua lunga vita cade nel tardo Rinascimento.

Nell'opera di Tiziano, l'arte del Rinascimento raggiunge la sua massima ascesa e fioritura. Le sue opere si combinano ricerca creativa e l'innovazione di Leonardo, la bellezza e la perfezione di Raffaello, la profondità spirituale, il dramma e la tragedia di Michelangelo. Hanno una straordinaria sensualità, grazie alla quale hanno un potente effetto sullo spettatore. Le opere di Tiziano sono sorprendentemente musicali e melodiche.

Come nota Rubens, insieme a Tiziano, la pittura ha acquisito il suo sapore e, secondo Delacroix e Van Gogh, la musica. Le sue tele sono dipinte con una pennellata aperta che è insieme leggera, libera e trasparente. È nelle sue opere che il colore, per così dire, dissolve e assorbe la forma, e il principio pittorico per la prima volta acquista autonomia, appare nella sua forma pura. Il realismo nelle sue creazioni si trasforma in un lirismo affascinante e sottile.

Nelle opere del primo periodo, Tiziano glorifica la spensierata gioia di vivere, il godimento dei beni terreni. Canta il principio sensuale, la carne umana piena di salute, l'eterna bellezza del corpo, la perfezione fisica dell'uomo. Questo è il soggetto delle sue tele come "Amore in terra e cielo", "Festa di Venere", "Bacco e Arianna", "Danae", "Venere e Adone".

L'inizio sensuale prevale nell'immagine "Maddalena penitente”, sebbene sia dedicato alla drammatica situazione. Ma anche qui il peccatore penitente ha una carne sensuale, un corpo accattivante e radioso, labbra carnose e sensuali, guance rosse e capelli dorati. La tela "Boy with Dogs" è piena di lirismo penetrante.

Nelle opere del secondo periodo, il principio sensuale è preservato, ma è integrato da un crescente psicologismo e dramma. In generale, Tiziano compie un graduale passaggio dal fisico e sensuale allo spirituale e drammatico. I cambiamenti in atto nell'opera di Tiziano sono chiaramente visibili nell'incarnazione di temi e trame che il grande artista ha affrontato due volte. Un tipico esempio al riguardo è il dipinto "San Sebastiano". Nella prima versione, il destino di un malato solitario abbandonato dalle persone non sembra troppo triste. Al contrario, il santo raffigurato è dotato di vitalità e bellezza fisica. In una versione successiva del quadro, che si trova nell'Eremo, la stessa immagine assume i connotati della tragedia.

Un esempio ancora più eclatante sono le varianti del dipinto “L'incoronazione di spine”, dedicato ad un episodio della vita di Cristo. Nel primo, conservato al Louvre. Cristo appare come un atleta fisicamente bello e forte, in grado di respingere i suoi stupratori. Nella versione di Monaco, creata vent'anni dopo, lo stesso episodio viene trasmesso in modo molto più profondo, più complesso e più significativo. Cristo è raffigurato con un mantello bianco, i suoi occhi sono chiusi, sopporta con calma le percosse e le umiliazioni. Ora la cosa principale non è coronare e battere, non un fenomeno fisico, ma psicologico e spirituale. L'immagine è piena di profonda tragedia, esprime il trionfo dello spirito, la nobiltà spirituale sulla forza fisica.

Nelle ultime opere di Tiziano il suono tragico è sempre più intensificato. Ciò è dimostrato dal dipinto "Lamentazione di Cristo".

I primi precursori dell'arte rinascimentale apparvero in Italia nel XIV secolo. Artisti di questo tempo, Pietro Cavallini (1259-1344), Simone Martini (1284-1344) e (principalmente) Giotto (1267-1337) quando realizzarono dipinti di soggetti religiosi tradizionali, iniziarono ad utilizzare nuove tecniche artistiche: la costruzione composizione volumetrica, l'uso del paesaggio sullo sfondo, che ha permesso loro di rendere le immagini più realistiche, vivaci. Ciò ha distinto nettamente il loro lavoro dalla precedente tradizione iconografica, piena di convenzioni nell'immagine.
Il termine è usato per riferirsi al loro lavoro. Proto-rinascimentale (1300 - "Trecento") .

Giotto di Bondone (c. 1267-1337) - artista italiano e un architetto protorinascimentale. Una delle figure chiave della storia dell'arte occidentale. Superata la tradizione iconografica bizantina, divenne il vero fondatore della scuola pittorica italiana, sviluppatasi in maniera assoluta nuovo approccio all'immagine dello spazio. Le opere di Giotto sono state ispirate da Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo.

Primo Rinascimento (1400 - "Quattrocento").

All'inizio del XV sec Filippo Brunelleschi (1377-1446), studioso e architetto fiorentino.
Brunelleschi ha voluto rendere più visiva la percezione dei termini e dei teatri da lui ricostruiti e ha cercato di creare immagini geometricamente prospettiche dai suoi progetti per un certo punto di vista. In queste ricerche, prospettiva diretta.

Ciò ha permesso agli artisti di ottenere immagini perfette dello spazio tridimensionale su una tela piatta dell'immagine.

_________

Altro passo importante sulla via del Rinascimento fu l'emergere dell'arte profana e non religiosa. Ritratto e paesaggio si sono affermati come generi indipendenti. Anche i soggetti religiosi acquisirono un'interpretazione diversa: gli artisti del Rinascimento iniziarono a considerare i loro personaggi come eroi con tratti individuali pronunciati e motivazione umana per le azioni.

Gli artisti più famosi di questo periodo sono Masaccio (1401-1428), Masolino (1383-1440), Benozzo Gozzoli (1420-1497), Piero Della Francesco (1420-1492), Andrea Mantegna (1431-1506), Giovanni Bellini (1430-1516), Antonello da Messina (1430-1479), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Sandro Botticelli (1447-1515).

Masaccio (1401-1428) - il famoso pittore italiano, il più grande maestro della scuola fiorentina, il riformatore della pittura del Quattrocento.

Affrescare. Miracolo con lo statore.

La pittura. crocifissione.

Piero Della Francesco (1420-1492). Le opere del maestro si distinguono per maestosa solennità, nobiltà e armonia delle immagini, generalizzazione delle forme, equilibrio compositivo, proporzionalità, accuratezza delle costruzioni prospettiche, gamma morbida e piena di luce.

Affrescare. Storia della regina di Saba. Chiesa di San Francesco ad Arezzo

Sandro Botticelli(1445-1510) - grande pittore italiano, rappresentante della scuola pittorica fiorentina.

Molla.

Nascita di Venere.

Alto Rinascimento ("Cinquecento").
Venne la più alta fioritura dell'arte rinascimentale per il primo quarto del XVI sec.
Lavori Sansovino (1486-1570), Leonardo Da Vinci (1452-1519), Raffaele Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Giorgione (1476-1510), Tiziano (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534) costituiscono il fondo d'oro dell'arte europea.

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Firenze) (1452-1519) - Artista italiano (pittore, scultore, architetto) e scienziato (anatomista, naturalista), inventore, scrittore.

auto ritratto

Dama con l'ermellino. 1490. Museo Czartoryski, Cracovia

Monna Lisa (1503-1505/1506)

Leonardo da Vinci ha raggiunto una grande abilità nel trasferimento delle espressioni facciali del viso e del corpo di una persona, modi per trasferire lo spazio, costruire una composizione. Allo stesso tempo, le sue opere creano un'immagine armoniosa di una persona che soddisfa gli ideali umanistici.

Madonna Litta. 1490-1491. Eremo.

Madonna Benois (Madonna con un fiore). 1478-1480

Madonna con garofano. 1478

Durante la sua vita, Leonardo da Vinci fece migliaia di appunti e disegni sull'anatomia, ma non pubblicò la sua opera. Facendo un'autopsia dei corpi di persone e animali, ha trasmesso accuratamente la struttura dello scheletro e organi interni compresi i piccoli dettagli. Secondo il professore di anatomia clinica Peter Abrams, il lavoro scientifico di da Vinci era 300 anni in anticipo sui tempi e per molti versi superava il famoso Grey's Anatomy.

Elenco delle invenzioni, sia reali che a lui attribuite:

paracadute, acastello olescovo,bicicletta, tankh, lponti portatili leggeri per l'esercito, pproiettore, aatapult, robot, dtelescopio Vohlenz.

Successivamente, queste innovazioni sono state sviluppate Raffaele Santi (1483-1520) - grande pittore, grafico e architetto, rappresentante della scuola umbra.

Auto ritratto. 1483

Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni(1475-1564) - Scultore, pittore, architetto, poeta, pensatore italiano.

I dipinti e le sculture di Michelangelo Buonarotti sono carichi di pathos eroico e, allo stesso tempo, di un tragico senso della crisi dell'umanesimo. I suoi dipinti glorificano la forza e il potere dell'uomo, la bellezza del suo corpo, mentre sottolineano la sua solitudine nel mondo.

Il genio di Michelangelo ha segnato non solo l'arte del Rinascimento, ma anche l'intero futuro cultura mondiale. Le sue attività sono principalmente legate a due città italiane: Firenze e Roma.

Tuttavia, l'artista seppe realizzare i suoi progetti più grandiosi proprio nella pittura, dove agì da vero innovatore del colore e della forma.
Per ordine di papa Giulio II dipinse il soffitto della Cappella Sistina (1508-1512), rappresentando la storia biblica dalla creazione del mondo al diluvio e comprendente più di 300 figure. Nel 1534-1541, nella stessa Cappella Sistina per Papa Paolo III, eseguì il grandioso e drammatico affresco Il Giudizio Universale.
Cappella Sistina 3D.

L'opera di Giorgione e Tiziano si distingue per l'interesse per il paesaggio, la poeticizzazione della trama. Entrambi gli artisti hanno raggiunto una grande abilità nell'arte della ritrattistica, con l'aiuto della quale hanno trasmesso il carattere e il ricco mondo interiore dei loro personaggi.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco ( Giorgione) (1476 / 147-1510) - Artista italiano, rappresentante della scuola pittorica veneta.


Venere dormiente. 1510

Giuditta. 1504

Tiziano Vecellio (1488 / 1490-1576) - Pittore italiano, il più grande rappresentante della scuola veneta dell'Alto e del Tardo Rinascimento.

Tiziano dipinse quadri su soggetti biblici e mitologici, divenne famoso come ritrattista. Fu incaricato da re e papi, cardinali, duchi e principi. Tiziano non aveva nemmeno trent'anni quando fu riconosciuto come il miglior pittore di Venezia.

Auto ritratto. 1567

Venere Urbinskaja. 1538

Ritratto di Tommaso Mosti. 1520

Tardo Rinascimento.
Dopo il sacco di Roma da parte delle truppe imperiali nel 1527, il Rinascimento italiano entrò in un periodo di crisi. Già nell'opera del compianto Raffaello si delinea una nuova linea artistica, chiamata manierismo.
Questa epoca è caratterizzata da linee troppo tese e spezzate, figure allungate o addirittura deformate, spesso nude, pose in tensione e innaturali, effetti insoliti o bizzarri associati a dimensioni, illuminazione o prospettiva, uso di una scala cromatica caustica, composizione sovraccarica, ecc. primi maestri manierismo Parmigianino , Pontormo , Bronzino- visse e lavorò alla corte dei duchi di casa Medici a Firenze. Successivamente, la moda manierista si diffuse in tutta Italia e non solo.

Girolamo Francesco Maria Mazzola (Parmigianino - "abitante di Parma") (1503-1540,) artista e incisore italiano, rappresentante del manierismo.

Auto ritratto. 1540

Ritratto di una donna. 1530.

Pontormo (1494-1557) - Pittore italiano, rappresentante della scuola fiorentina, uno dei fondatori del manierismo.

Il manierismo fu sostituito dall'arte negli anni Novanta del Cinquecento barocco (cifre transitorie - Tintoretto e El Greco ).

Jacopo Robusti, meglio conosciuto come Tintoretto (1518 o 1519-1594) - pittore di scuola veneta del tardo Rinascimento.

L'ultima Cena. 1592-1594. Chiesa di San Giorgio Maggiore, Venezia.

El Greco ("Greco" Domenikos Theotokopoulos ) (1541—1614) - artista spagnolo. Per origine - un greco, originario dell'isola di Creta.
El Greco non aveva seguaci contemporanei e il suo genio fu riscoperto quasi 300 anni dopo la sua morte.
El Greco studiò nella bottega di Tiziano, ma, tuttavia, la sua tecnica pittorica differisce notevolmente da quella del suo maestro. Le opere di El Greco sono caratterizzate da velocità ed espressività di esecuzione, che le avvicinano alla pittura moderna.

Cristo sulla croce. OK. 1577. Collezione privata.

Trinità. 1579 Prado.

In tempi difficili per l'Italia, inizia la breve "età dell'oro" del Rinascimento italiano - il cosiddetto Alto Rinascimento, il punto più alto fiorente arte italiana. L'Alto Rinascimento coincise così con il periodo della feroce lotta per l'indipendenza delle città italiane. L'arte di questo tempo era permeata dall'umanesimo, dalla fede nelle forze creative dell'uomo, nell'illimitatezza delle sue possibilità, nell'assetto razionale del mondo, nel trionfo del progresso. Nell'arte, i problemi del dovere civico, le alte qualità morali, l'eroismo, l'immagine del bello, armoniosamente sviluppata, forte nello spirito e il corpo di un eroe umano che è riuscito a elevarsi al di sopra del livello della vita quotidiana. La ricerca di un tale ideale ha condotto l'arte alla sintesi, alla generalizzazione, alla rivelazione degli schemi generali dei fenomeni, all'identificazione della loro interconnessione logica. L'arte dell'alto rinascimento rinuncia ai particolari, ai dettagli minori in nome di un'immagine generalizzata, in nome della ricerca di una sintesi armonica degli aspetti belli della vita. Questa è una delle principali differenze tra l'Alto Rinascimento e il primo.

Leonardo da Vinci (1452-1519) è stato il primo artista a incarnare visivamente questa differenza. Il primo maestro di Leonardo fu Andrea Verrocchio. La figura di un angelo nella foto dell'insegnante "Battesimo" mostra già chiaramente la differenza nella percezione del mondo da parte dell'artista dell'era passata e della nuova era: nessuna piattezza frontale del Verrocchio, la più fine modellazione di luci e ombre di il volume e la straordinaria spiritualità dell'immagine. . Al momento di lasciare la bottega del Verrocchio, i ricercatori attribuiscono la "Madonna con un fiore" ("Madonna Benois", come veniva chiamata prima, dal nome dei proprietari). In questo periodo Leonardo fu indubbiamente influenzato per qualche tempo da Botticelli. Dagli anni '80 del XV secolo. si sono conservate due composizioni incompiute di Leonardo: "L'Adorazione dei Magi" e "S. Girolamo." Probabilmente, a metà degli anni '80, fu realizzata anche la Madonna Litta con l'antica tecnica della tempera, a immagine della quale il tipo di Leonardo bellezza femminile: le pesanti palpebre semiabbassate e un sorriso appena percettibile conferiscono al volto della Madonna una spiritualità speciale.

Combinando principi scientifici e creativi, possedendo sia un pensiero logico che artistico, Leonardo si dedicò per tutta la vita alla ricerca scientifica insieme alle belle arti; distratto, sembrava lento e ha lasciato poche opere d'arte. Alla corte milanese Leonardo lavorò come artista, tecnico scientifico, inventore, matematico e anatomista. La prima grande opera che eseguì a Milano fu Madonna delle Rocce (o Madonna nella Grotta). Si tratta della prima pala monumentale dell'Alto Rinascimento, interessante anche perché esprimeva appieno i caratteri della pittura leonardesca.

La più grande opera di Leonardo a Milano, la più alta realizzazione della sua arte fu la pittura della parete del refettorio del monastero di Santa Maria della Grazie sulla trama dell'Ultima Cena (1495-1498). Cristo dentro ultima volta si incontra a cena con i suoi studenti per annunciare loro il tradimento di uno di loro. Per Leonardo arte e scienza esistevano inseparabilmente. Essendo impegnato nell'arte, ha fatto ricerche scientifiche, esperimenti, osservazioni, ha attraversato la prospettiva nel campo dell'ottica e della fisica, attraverso i problemi delle proporzioni - nell'anatomia e nella matematica, ecc. L'Ultima Cena completa un'intera fase nel ricerca scientifica. È anche una nuova tappa dell'art.

Dagli studi di anatomia, geometria, fortificazione, perfezionamento, linguistica, versificazione, musica, Leonardo si staccò per lavorare al "Cavallo" - il monumento equestre di Francesco Sforza, per il quale venne prima di tutto a Milano e che si esibì a grandezza naturale nei primi anni '90 in argilla. Il monumento non era destinato ad essere incarnato in bronzo: nel 1499 i francesi invasero Milano ei balestrieri guasconi abbatterono il monumento equestre. Dal 1499 iniziano gli anni delle peregrinazioni di Leonardo: Mantova, Venezia e, infine, la città natale dell'artista - Firenze, dove dipinge il cartone "S. Anna con Maria in ginocchio”, secondo la quale realizza un dipinto ad olio a Milano (dove ritornò nel 1506)

A Firenze Leonardo iniziò un'altra opera pittorica: un ritratto della moglie del mercante del Giocondo Monna Lisa, che divenne uno dei più dipinti famosi nel mondo.

Ritratto di Monna Lisa Gioconda è un passo decisivo nello sviluppo dell'arte rinascimentale

Primo genere ritratto divenne allo stesso livello con composizioni su religiosi e tema mitologico. Con tutte le indiscutibili somiglianze fisiognomiche, i ritratti del Quattrocento si distinguevano, se non per vincolo esterno, poi per vincolo interno. La maestosità di Monet Lisa è già comunicata da un confronto di lei fortemente avanzata al limite della tela, figura tridimensionale enfatizzata con un paesaggio di rocce e ruscelli visibili come da lontano, fondente, seducente, sfuggente e quindi, con tutto la realtà del motivo, fantastica.

Leonardo nel 1515, su suggerimento del re di Francia Francesco I, parte per la Francia per sempre.

Leonardo è stato il più grande artista del suo tempo, un genio che ha aperto nuovi orizzonti all'arte. Ha lasciato poche opere, ma ognuna di esse è stata una tappa nella storia della cultura. Leonardo è anche conosciuto come uno scienziato versatile. Il suo scoperte scientifiche, ad esempio, la sua ricerca nel campo degli aerei è di interesse nella nostra epoca dell'astronautica. Migliaia di pagine dei manoscritti di Leonardo, che coprono letteralmente tutte le aree del sapere, testimoniano l'universalità del suo genio.

Le idee dell'arte monumentale del Rinascimento, in cui si fondono le tradizioni dell'antichità e lo spirito del cristianesimo, trovano la loro più viva espressione nell'opera di Raffaello (1483-1520). Nella sua arte, due compiti principali hanno trovato una soluzione matura: la perfezione plastica del corpo umano, che esprime l'armonia interiore di una personalità articolata, in cui Raffaello seguiva l'antichità, e una complessa composizione a più figure che esprime l'intera diversità del mondo. Raffaello ha arricchito queste possibilità, ottenendo una libertà sorprendente nel rappresentare lo spazio e il movimento di una figura umana in esso, un'armonia impeccabile tra l'ambiente e l'uomo.

Nessuno dei maestri del Rinascimento ha percepito l'essenza pagana dell'antichità così profondamente e naturalmente come Raffaello; non a caso è considerato l'artista che più pienamente ha connesso le antiche tradizioni con l'arte dell'Europa occidentale della nuova era.

Raphael Santi nasce nel 1483 nella città di Urbino, uno dei centri di cultura artistica in Italia, alla corte del Duca di Urbino, nella famiglia di un pittore e poeta di corte, che fu il primo maestro del futuro maestro

Il primo periodo dell'opera di Raffaello è perfettamente caratterizzato da un piccolo dipinto a forma di tondo "Madonna Conestabile", con la sua semplicità e concisione di dettagli rigorosamente selezionati (nonostante tutta la timidezza della composizione) e la particolarità, insita in tutte le opere di Raffaello opere, lirismo sottile e un senso di pace. Nel 1500 Raffaello lasciò Urbino per Perugia per studiare nello studio del famoso artista umbro Perugino, sotto il cui influsso fu scritto Il fidanzamento di Maria (1504). Il senso del ritmo, la proporzionalità delle masse plastiche, gli intervalli spaziali, il rapporto tra le figure e lo sfondo, la coordinazione dei toni principali (in "Betrothal" questi sono dorati, rossi e verdi in combinazione con lo sfondo azzurro del cielo ) e creare l'armonia che già compare nelle prime opere di Raffaello e lo distingue dagli artisti del tempo precedente.

Per tutta la vita, Raffaello ha cercato questa immagine nella Madonna, le sue numerose opere, interpretando l'immagine della Madonna, gli sono valse fama mondiale. Il merito dell'artista, prima di tutto, è che è riuscito a incarnare tutte le sfumature più sottili dei sentimenti nell'idea di maternità, a combinare lirismo e profonda emotività con monumentale grandezza. Lo si vede in tutte le sue Madonne, a cominciare dalla giovane e timida Madonna Conestabile: nella Madonna nel verde, nella Madonna con il cardellino, nella Madonna sulla cattedra, e soprattutto all'apice dello spirito e dell'abilità di Raffaello - nel Madonna Sistina.

“La Madonna Sistina” è una delle opere più perfette di Raffaello dal punto di vista linguistico: la figura di Maria con il bambino, rigorosamente incombente contro il cielo, è unita da un ritmo comune di movimento alle figure di S. I barbari e papa Sisto II, i cui gesti sono rivolti alla Madonna, nonché le vedute di due angeli (più simili a putti, che è così caratteristico del Rinascimento), sono in fondo alla composizione. Le figure sono unite da un comune colore dorato, come se personificassero lo splendore divino. Ma la cosa principale è il tipo del volto della Madonna, che incarna la sintesi dell'antico ideale di bellezza con la spiritualità dell'ideale cristiano, così caratteristica della visione del mondo dell'Alto Rinascimento.

La Madonna Sistina è un'opera successiva di Raffaello.

All'inizio del XVI sec. Roma diventa il principale centro culturale d'Italia. L'arte dell'Alto Rinascimento raggiunge il suo apice in questa città, dove, per volontà dei papi patroni Giulio II e Leone X, lavorano contemporaneamente artisti come Bramante, Michelangelo e Raffaello.

Rafael dipinge le prime due strofe. Nella Stanza della Senyatura (la stanza delle firme, dei sigilli) dipinge quattro affreschi allegorici dei principali ambiti dell'attività spirituale umana: filosofia, poesia, teologia e giurisprudenza (“La Scuola di Atene”, “Parnaso”, “Disputa ”, “Misura, Sapienza e Forza”. Nella seconda sala, detta la “stanza di Eliodor”, Raffaello dipinse affreschi su soggetti storici e leggendari glorificando i papi di Roma: “La cacciata di Eliodor”

Per l'arte del Medioevo e del primo Rinascimento, era comune raffigurare scienze e arti sotto forma di singole figure allegoriche. Raffaello risolve questi temi sotto forma di composizioni a più figure, talvolta rappresentando veri e propri ritratti di gruppo, interessanti sia per la loro individualizzazione che per la loro tipicità.

Gli studenti aiutarono anche Raffaello a dipingere le logge vaticane adiacenti alle stanze del Papa, dipinte secondo i suoi schizzi e sotto la sua supervisione con motivi di ornamenti antichi, tratti principalmente dalle antiche grotte scoperte di recente (da cui il nome "grottesche" ).

Rafael ha eseguito opere di vari generi. Il suo dono di decoratore, oltre che di regista, di cantastorie si è pienamente manifestato in una serie di otto arazzi di cartone per la Cappella Sistina su scene della vita degli apostoli Pietro e Paolo (“Una pesca meravigliosa”, per esempio ). Questi dipinti durante i secoli XVI-XVIII. servito come una sorta di standard per i classicisti.

Raffaello era e il più grande ritrattista della sua epoca. ("Papa Giulio II", "Leone X", amico dell'artista lo scrittore Castiglione, la bella "Donna Velata", ecc.). E nelle sue immagini ritratto, di regola, dominano l'equilibrio interno e l'armonia.

Alla fine della sua vita, Raffaello fu sovraccaricato di una varietà di opere e ordini. È persino difficile immaginare che tutto questo possa essere fatto da una sola persona. Figura centrale nella vita artistica di Roma, dopo la morte del Bramante (1514) divenne capo architetto della Cattedrale di S. Petra, lo sapeva scavi archeologici a Roma e dintorni e la tutela dei monumenti antichi.

Raffaello morì nel 1520; la sua morte prematura fu inaspettata per i suoi contemporanei. Le sue ceneri sono sepolte nel Pantheon.

Terzo più grande maestro L'Alto Rinascimento - Michelangelo - sopravvisse di gran lunga a Leonardo e Raffaello. La prima metà della sua carriera cade nel periodo d'oro dell'arte dell'Alto Rinascimento e la seconda - al tempo della Controriforma e dell'inizio della formazione dell'arte barocca. Della brillante costellazione di artisti dell'Alto Rinascimento, Michelangelo li superò tutti con la ricchezza delle sue immagini, il pathos civico e la sensibilità ai cambiamenti dell'umore pubblico. Da qui l'incarnazione creativa del crollo delle idee rinascimentali.

Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Nel 1488, a Firenze, iniziò a studiare con attenzione la plastica antica. Il suo rilievo "Battaglia dei Centauri" è già un prodotto dell'Alto Rinascimento in termini di armonia interna. Nel 1496 il giovane artista parte per Roma, dove realizza le sue prime opere che gli hanno portato fama: "Bacco" e "Pieta". Letteralmente catturato dalle immagini dell'antichità. "Pieta" - apre una serie di opere del maestro su questo argomento e lo colloca tra i primi scultori in Italia.

Ritornato a Firenze nel 1501, Michelangelo, per conto della Signoria, si impegnò a scolpire la figura del David da un blocco di marmo rovinato prima di lui da uno sfortunato scultore. Nel 1504 Michelangelo completò la famosa statua, chiamata dai Fiorentini il "Gigante" e da loro collocata davanti al Palazzo Vecchia, sede del municipio. L'inaugurazione del monumento si è trasformata in una festa nazionale. L'immagine del David ispirò molti artisti del Quattrocento. Ma non da ragazzo, come in Donatello e Verrocchio, Michelangelo lo dipinge, ma da giovane nel fiore degli anni, e non dopo la battaglia, con la testa di gigante ai suoi piedi, ma prima della battaglia, al momento tensione più alta forze. Nella bella immagine di David, nel suo volto severo, lo scultore trasmetteva il potere titanico della passione, la volontà inflessibile, il coraggio civico e il potere sconfinato di un uomo libero.

Nel 1504 Michelangelo (come già accennato in relazione a Leonardo) inizia a lavorare al dipinto della "Sala dei Cinquecento" in Palazzo Signoria

Nel 1505, papa Giulio II invitò Michelangelo a Roma per costruirsi una tomba, ma poi rifiutò l'ordine e ordinò un dipinto meno grandioso del soffitto della Cappella Sistina del Palazzo Vaticano.

Michelangelo lavorò da solo alla pittura del soffitto della Cappella Sistina, dal 1508 al 1512, dipingendo una superficie di circa 600 mq. m (48x13 m) ad un'altezza di 18 m.

Michelangelo dedicò la parte centrale del soffitto alle scene della storia sacra, a partire dalla creazione del mondo. Queste composizioni sono incorniciate da una cornice dipinta allo stesso modo, ma che crea l'illusione dell'architettura, e sono separate, anche da pittoresche, aste. I pittoreschi rettangoli sottolineano e arricchiscono la vera architettura del soffitto. Sotto la pittoresca cornice Michelangelo dipinse i profeti e le sibille (ogni figura misura circa tre metri), nelle lunette (archi sopra le finestre) dipinse episodi della Bibbia e gli antenati di Cristo come persone comuni impegnate nelle faccende quotidiane.

Le nove composizioni centrali raccontano gli eventi dei primi giorni della creazione, la storia di Adamo ed Eva, il diluvio universale, e tutte queste scene, infatti, sono un inno all'uomo, radicato in lui. Giulio II morì poco dopo il completamento dei lavori alla Sistina e i suoi eredi tornarono all'idea di una lapide. Nel 1513-1516. Michelangelo esegue la figura di Mosè e degli schiavi (prigionieri) per questa lapide. L'immagine di Mosè è una delle più forti nell'opera di un maestro maturo. Ha investito in lui il sogno di un leader saggio, coraggioso, pieno di forza titanica, espressione, qualità-volontà, così necessarie allora per l'unificazione della sua patria. Le figure degli schiavi non erano incluse nella versione finale della tomba.

Dal 1520 al 1534 Michelangelo lavorò a uno dei più significativi e tragici opere scultoree- sopra la tomba dei Medici (la chiesa fiorentina di San Lorenzo), esprimendo tutte le esperienze che caddero in questo periodo sulla quota dello stesso maestro, della sua città natale, e dell'intero paese. Dalla fine degli anni '20, l'Italia è stata letteralmente fatta a pezzi da nemici esterni e interni. Nel 1527 soldati assoldati saccheggiarono Roma, i protestanti saccheggiarono i santuari cattolici della città eterna. La borghesia fiorentina rovescia i Medici, che tornano a governare dal 1510.

In uno stato d'animo di grave pessimismo, in uno stato di crescente profonda religiosità, Michelangelo sta lavorando alla tomba dei Medici. Egli stesso costruisce un ampliamento della chiesa fiorentina di San Lorenzo - un ambiente piccolo ma molto alto, coperto da una cupola, e decora due pareti della sacrestia (il suo interno) con lapidi scultoree. Una parete è decorata con la figura di Lorenzo, l'altra - Giuliano, e in fondo ai loro piedi sono posti sarcofagi, decorati con immagini scultoree allegoriche - simboli del tempo fugace: "Mattino" e "Sera" - nella lapide di Lorenzo, "Notti e giorno" - nella lapide di Giuliano.

Entrambe le immagini - Lorenzo e Giuliano - non hanno una somiglianza con il ritratto, per questo si discostano dalle scelte tradizionali del XV secolo.

Subito dopo la sua elezione, Paolo III iniziò a chiedere insistentemente a Michelangelo l'adempimento di questo progetto, e nel 1534, interrompendo i lavori alla tomba, che portò a termine solo nel 1545, Michelangelo partì per Roma, dove iniziò la sua seconda opera alla Sistina Cappella - al dipinto "Il Giudizio Universale" (1535-1541) - una creazione grandiosa che esprimeva la tragedia del genere umano. Le caratteristiche del nuovo sistema artistico si manifestano ancora più chiaramente in quest'opera di Michelangelo. Il giudizio creativo, il Cristo punitore, è posto al centro della composizione, e attorno ad esso, con un movimento circolare di rotazione, sono raffigurati i peccatori che cadono all'inferno, i giusti che salgono al paradiso, i morti che risorgono dalle loro tombe per il giudizio di Dio. Tutto è pieno di orrore, disperazione, rabbia, confusione.

Pittore, scultore, poeta, Michelangelo fu anche un brillante architetto. Eseguì le scale della Biblioteca fiorentina della Laurenziana, incorniciò la piazza del Campidoglio a Roma, eresse le porte di Pio (Porta Pia), dal 1546 lavora alla Cattedrale di S. Pietro, iniziata dal Bramante. Michelangelo possiede il disegno e il disegno della cupola, eseguita dopo la morte del maestro ed è ancora oggi uno dei principali dominanti nel panorama cittadino.

Michelangelo morì a Roma all'età di 89 anni. Il suo corpo fu portato di notte a Firenze e sepolto nella chiesa più antica della sua città natale, Santa Croce. Il significato storico dell'arte di Michelangelo, il suo impatto sui contemporanei e sulle epoche successive non può essere sopravvalutato. Alcuni ricercatori stranieri lo interpretano come il primo artista e architetto del barocco. Ma soprattutto è interessante come portatore delle grandi tradizioni realistiche del Rinascimento.

Giorgio Barbarelli da Castelfranco, soprannominato Giorgione (1477-1510), è un diretto seguace del suo maestro e artista tipico dell'Alto Rinascimento. Fu il primo in terra veneziana a dedicarsi a temi letterari, a soggetti mitologici. Il paesaggio, la natura e il bel corpo umano nudo divennero per lui oggetto d'arte e oggetto di culto.

Già nella prima opera conosciuta, "La Madonna di Castelfranco" (1505 circa), Giorgione compare come artista affermato; l'immagine della Madonna è carica di poesia, di sognante pensierosa, permeata da quel clima di tristezza che è caratteristico di tutte le immagini femminili di Giorgione. Negli ultimi cinque anni della sua vita, l'artista ha creato la sua le migliori opere, eseguita in tecnica ad olio, la principale della scuola veneta dell'epoca. . Nel dipinto del 1506 "Tempesta" Giorgione raffigura l'uomo come parte della natura. Una donna che allatta un bambino, un giovane con un bastone (che può essere scambiato per un guerriero con l'alabarda) non sono accomunati da nessuna azione, ma sono uniti in questo maestoso paesaggio da uno stato d'animo comune, uno stato d'animo comune. Spiritualità e poesia permeano l'immagine della "Venere dormiente" (1508-1510 circa). Il suo corpo è scritto facilmente, liberamente, con grazia, e non per niente i ricercatori parlano della "musicalità" dei ritmi di Giorgione; non è privo di fascino sensuale. "Concerto di campagna" (1508-1510)

Tiziano Vecellio (1477?-1576) -il più grande artista Rinascimento veneziano. Ha creato opere su soggetti sia mitologici che cristiani, ha lavorato nel genere del ritratto, il suo talento coloristico è eccezionale, il suo ingegno compositivo è inesauribile e la sua felice longevità gli ha permesso di lasciarsi alle spalle i più ricchi eredità creativa che ebbe un profondo effetto sui suoi discendenti.

Già nel 1516 divenne il primo pittore della repubblica, dagli anni '20 - l'artista più famoso di Venezia

Intorno al 1520 il duca di Ferrara gli commissionò una serie di dipinti in cui Tiziano appare come un cantore dell'antichità che riuscì a sentire e, soprattutto, incarnare lo spirito del paganesimo (Bacconale, Festa di Venere, Bacco e Arianna).

Ricchi patrizi veneziani ordinano pale d'altare di Tiziano, e lui crea grandi icone: "Ascensione di Maria", "Madonna Pesaro"

"Entrare Maria nel Tempio" (1538 circa), "Venere" (1538 circa)

(Ritratto di gruppo di Papa Paolo III con i nipoti Ottavio e Alessandro Farnese, 1545-1546)

Scrive ancora molto su temi antichi (“Venere e Adone”, “Il pastore e la ninfa”, “Diana e Atteone”, “Giove e Antiope”), ma sempre più spesso si rivolge a temi cristiani, a scene di martirio, in cui l'allegria pagana, l'antica armonia sono sostituite da una tragica visione del mondo ("Flagellazione di Cristo", "Maddalena penitente", "San Sebastiano", "Lamento"),

Ma alla fine del secolo, i tratti di un imminente nuova era nell'arte, una nuova direzione artistica. Lo si può vedere nell'opera di due grandi artisti della seconda metà di questo secolo: Paolo Veronese e Jacopo Tintoretto.

Paolo Cagliari, detto veronese (era veronese, 1528-1588), era destinato a divenire ultimo cantante Venezia festosa, esultante del XVI secolo.

: "Festa in casa di Levi" "Matrimonio a Cana di Galilea" per il refettorio del monastero di San Giorgio Maggiore

Jacopo Robusti, detto nell'arte Tintoretto (1518-1594) (tintore "tintoretto": il padre dell'artista era un tintore di seta). "Il miracolo di San Marco" (1548)

(“Salvezza di Arsinoe”, 1555), “Entrata nel tempio” (1555),

Andrea Palladio (1508-1580, Villa Cornaro a Piombino, Villa Rotonda a Vicenza, completata dopo la sua morte da allievi su suo progetto, molti edifici a Vicenza). Il risultato dei suoi studi sull'antichità fu il libro "Antichità romane" (1554), "Quattro libri di architettura" (1570-1581), ma l'antichità era per lui un "organismo vivente", secondo la giusta osservazione del ricercatore.

Il Rinascimento olandese in pittura inizia con la "Pala d'altare di Gand" dei fratelli Hubert (morto nel 1426) e Jan (circa 1390-1441) van Eyck, completata da Jan van Eyck nel 1432. Van Eyck migliorò la tecnica dell'olio: l'olio lo rese possibile per trasmettere brillantezza, profondità, ricchezza più versatili mondo oggettivo, attirando l'attenzione degli artisti olandesi, le sue sonorità colorate.

Delle numerose Madonne di Jan van Eyck, la più famosa è la Madonna del Cancelliere Rollin (1435 circa)

("Uomo con un garofano"; "Uomo con un turbante", 1433; ritratto della moglie dell'artista Marguerite van Eyck, 1439

Nel risolvere tali problemi, l'arte olandese deve molto a Rogier van der Weyden (1400?-1464). La discesa dalla croce è un'opera tipica di Weyden.

Nella seconda metà del XV sec. rende conto dell'opera del maestro di eccezionale talento Hugo van der Goes (1435-1482 circa) "La morte di Maria").

Hieronymus Bosch (1450-1516), creatore di cupe visioni mistiche, in cui fa riferimento anche all'allegoria medievale, "Il giardino delle delizie"

L'apice del Rinascimento olandese fu senza dubbio l'opera di Pieter Brueghel il Vecchio, soprannominato Muzhitsky (1525 / 30-1569) ("Cucina dei Magri", "Cucina dei Grassi"), Il "Paesaggio d'Inverno" dal ciclo " Le stagioni” (altro titolo - "Cacciatori nella neve", 1565), "Battaglia di Carnevale e Quaresima" (1559).

Albrecht Durer (1471-1528).

"La festa del rosario" (altro nome è "Madonna col rosario", 1506), "Il cavaliere, morte e diavolo", 1513; "S. Girolamo" e "Malancholy",

Hans Holbein il Giovane (1497-1543), "Il trionfo della morte" ("Danza della morte") ritratto di Jane Seymour, 1536

Albrecht Altdorfer (1480-1538)

Rinascimento Lucas Cranach (1472- 1553),

Jean Fouquet (1420-1481 circa), Ritratto di Carlo VII

Jean Clouet (circa 1485/88-1541), figlio di Francois Clouet (circa 1516-1572) è il più importante pittore francese del XVI secolo. ritratto di Elisabetta d'Austria, 1571 circa, (ritratto di Enrico II, Maria Stuarda, ecc.)