Età dorata della pittura olandese e fiamminga. Artisti olandesi e loro storia
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Nel frattempo, questo è uno studio speciale, degno di uno studio più dettagliato della cultura europea, che riflette la vita distintiva del popolo dell'Olanda di quei tempi.
Storia dell'aspetto
I brillanti rappresentanti artistici artistici hanno iniziato ad apparire nel paese nel diciassettesimo secolo. I cultratologist francesi hanno dato loro un nome comune - "Piccoli olandesi", che non è associata alla scala dei talenti e significa attaccare a determinati argomenti dalla vita quotidiana, opposto allo stile "grande" con grandi tele su storie storiche o mitologiche. La storia dell'emergere del dipinto olandese è stato descritto in dettaglio nel diciannovesimo secolo, e gli autori delle sue opere utilizzavano anche questo termine. "Piccoli olandesi" si distingueva per il realismo secolare, riferito al mondo e alla gente, usava la pittura ricca di toni.
Le principali fasi dello sviluppo
La storia dell'emergere del dipinto olandese può essere diviso in diversi periodi. Il primo è durato a circa il 1620 al 1630, quando l'arte nazionale è stata approvata dal realismo. Il secondo periodo di pittura olandese sperimentato nel 1640-1660. Questa volta, che rappresenta un vero fiorente della scuola d'arte locale. Infine, il terzo periodo, il tempo in cui la pittura olandese ha iniziato a cadere in declino - dal 1670 all'inizio del XVIII secolo.
Vale la pena notare che i centri culturali sono cambiati durante questo periodo. Nel primo periodo, gli artisti leader lavoravano a Kharlem, e il capo del rappresentante era Hals. Quindi il centro si è spostato ad Amsterdam, dove il lavoro più significativo è stato eseguito da Rembrandt e Vermeer.
Scene della vita di tutti i giorni
Elenco dei generi più importanti del dipinto olandese, è necessario iniziare con domestico - il più luminoso e originale nella storia. Fu flamiani che hanno aperto il mondo delle scene della vita familiare della gente comune, dei contadini e dei cittadini o dei Burghers. I primi pionieri erano la sinistra ei suoi seguaci di Audenrogge, BEGA e Dusart. Nelle prime tele, le persone giocano a carte, litigio e persino combattono nel ristorante. Ogni immagine si distingue per dinamica, in qualcosa di brutale. Pittura olandese di quei tempi racconta di scene pacifiche: in alcune opere, i contadini parlano dietro il tubo e una tazza di birra, trascorrono del tempo alla fiera oa una cerchia di famiglia. La influenza Rembrandta ha portato ad un uso comune di luce verde blu morbida. Le scene della città ispirarono agli artisti come Hals, Leister, Molyar e Codda. A metà del diciassettesimo secolo, i maestri raffigurarono medici, scienziati nel processo di lavoro, i loro workshop, le case di cotone o ogni trama dovrebbero essere divertenti, a volte per la didattica grottesca. Alcuni maestri erano inclini a poetizzare i giorni feriali, ad esempio, Terboro raffigurava una scena di una musica o flirtare. La metasy ha usato i colori vivaci, trasformando la vita di tutti i giorni in una vacanza, e De Heh fu ispirata dalla semplicità della vita familiare, piena di una luce diurna sparsa. I rappresentanti tardivi del genere, che includono tali maestri olandesi di pittura, come Van der Verf e Van Der Norm, nella loro ricerca di un'immagine elegante spesso hanno creato diversi piatti pretenziosi.
Natura e paesaggi
Inoltre, il dipinto olandese è ampiamente rappresentato nel genere del paesaggio. Ha avuto origine per la prima volta nel lavoro di tali maestri Harlem, come Wang Goyen, de Moles e Van Reydal. Erano quelli che hanno iniziato a rappresentare gli angoli rurali in una certa luce d'argento. Il materiale dell'unità della natura è andato nel lavoro in primo piano. Separatamente, vale la pena menzionare i paesaggi marini. I marinisti erano simili secoli come Portsellis, De Vlieger e Wang de Chapel. Non hanno cercato così tanto di trasmettere alcune scene di mare mentre cercavano di ritrarre l'acqua stessa, il gioco di luce su di esso e nel cielo.
Per la seconda metà del diciassettesimo secolo, opere più emotive con idee filosofiche sorgono nel genere. La bellezza del paesaggio olandese è stata rivelata il più possibile Jan Van Reydal, raffigurante tutto il drammatismo, la dinamica e la monumentalità. Il successore delle sue tradizioni è diventato un Hobby, che preferiva i paesaggi solari. I panorami raffigurati del genere e van der rish erano impegnati a creare paesaggi notturni e il trasferimento di luna, alba e tramonto. Per un certo numero di artisti è anche caratterizzato dall'immagine nei paesaggi di animali, come il pascolo mucche e cavalli, così come la caccia e le scene con cavaltryrs. Più tardi, gli artisti hanno cominciato a essere portato via e natura straniera - Bot, van La lar, Venix, Bercher e Hakkert raffigurarono l'Italia, fare il bagno nei raggi del sole meridionale. Il pisolino del genere era Sanurm, i quali i migliori seguaci possono essere definiti fratelli Berkheide e Jan van der Hayden.
Immagine di interni.
Un genere separato, che si distingue per la pittura olandese durante il periodo di tiro, può essere chiamato scene con chiesa, palazzo e camere fatte in casa. Gli interni apparve nelle tele della seconda metà del diciassettesimo secolo ai Maestri del Delft - Hawgesta, van der Vlita e De Witte, che divennero il principale rappresentante della direzione. Usando le tecniche del verme, gli artisti raffigurati scene, riempiti di luce solare, emozioni complete e volume.
Piatti scenici e piatti
Infine, un altro genere caratteristico del dipinto olandese è ancora la vita, specialmente l'immagine della colazione. Per la prima volta erano impegnati in Harlemakers Clas e Hedd, che dipinse tavolini coperti con piatti lussuosi. Il pasticcio pittoresco e il trasferimento speciale degli interni accoglienti sono riempiti con una caratteristica leggera grigia argentata di piatti in argento e di latta. Gli artisti di Utrecht hanno dipinto i rigogliosi fiori fertili, e nei maestri dell'Aia, l'immagine dei rettili del pesce e del mare erano particolarmente possibili. A Leiden, è sorta la direzione filosofica del genere, in cui i simboli del piacere sensuale o della gloria terrena sono adiacenti ai teschi e alla clessidra, progettati per ricordare il tempo del tempo. La cucina democratica è diventata una caratteristica distintiva della Rotterdam Art School.
Nel XVII secolo, la scuola olandese della pittura è diventata una delle principali in Europa. Era qui, per la prima volta nella storia dell'arte mondiale, gli oggetti della realtà circostante erano la fonte di ispirazione creativa, e il piano artistico. Nell'arte olandese di questo periodo, la formazione di un intero sistema di generi, iniziata nell'era del revival, è stata completata. Nei ritratti, dipinti per la casa, i paesaggi e le viti turistiche, gli artisti con rare abilità e calore hanno superato le loro impressioni della natura circostante e della vita sfortunata. Hanno trovato un riflesso dell'aspetto collettivo dell'Olanda - una giovane Repubblica, consolidata indipendenza in guerra con la Spagna.
"Giovani signore del mattino." 1660 Francia Miris Senior. Albero, olio. State Hermitage.
Immagini degli artisti su argomenti domestici (o dipinti di genere) raffigurarono persone nella solita situazione quotidiana, riflettete forme di vita stabilite, in sospeso e comunicare le persone appartenenti a varie co-parole della società olandese. Progettato per interni ucraini di commercianti, artigiani o contadini ricchi, dipinti di artisti olandesi erano di piccole dimensioni. Gli artisti hanno guadagnato la vendita di dipinti, che sono stati scritti con la possibilità di una visione dettagliata da una distanza ravvicinata. Questo, a sua volta, ha dato origine a una lettera particolarmente approfondita e sottile della lettera.
"Società sulla terrazza." 1620 ESAIS Wang de Veld. Albero, olio. State Hermitage.
Durante il 17 ° secolo, il genere di pittura dell'Olanda ha subito un'evoluzione significativa. Durante la sua formazione, all'inizio del secolo, i terreni sugli argomenti di svago, intrattenimento di giovani ricchi olandesi o scene della vita degli ufficiali sono stati distribuiti. Tali immagini hanno ricevuto i nomi dei "banchetti", "Societies", "Concerti". Il loro dipinto si è distinto da una varietà di colori, tono altamente gioioso. L'immagine "Società sulla terrazza" di Esyas Wang de Velda appartiene alla descrizione di questo tipo.
All'inizio degli anni '30, il dipinto olandese del genere è stato completato. Più "società" hanno lasciato il posto alle composizioni a basso profilo. Un'immagine di un ambiente che circonda l'ambiente è diventato un ruolo importante. C'era una separazione del dipinto di genere sulla caratteristica sociale: trame su argomenti dalla vita della borghesia, e le scene della vita dei contadini e dei poveri urbani. E quelli e altri dipinti erano destinati a decorare l'interno.
"Combattimento". 1637 Adrian Wang Odete. Albero, olio. State Hermitage.
Uno degli artisti più famosi che ha lavorato come il "Genere contadino" era Adrian Wang Odete. Nel primo periodo della creatività, l'immagine dei contadini dei suoi dipinti si è distinta da una comunità sottolineata, a volte raggiungendo la caricatura. Così, nella pittura "frak", illuminata da una luce acuta, i combattimenti non sembrano persone vivi e pupazzi i cui volti sono come maschere distorte da smorfie di rabbia. L'opposizione dei colori freddi e caldi, contrasti taglienti di luce e ombra ancora più migliorano l'impressione della scena grottesca.
"Musicisti rustici." 1635 Adrian van de Odest 1635. Albero, olio. State Hermitage.
Nel 1650, nel dipinto di Adrian, l'Odest è stato cambiato. L'artista ha fatto appello alle terre più a gettoni, raffigurante una persona durante le classi nulli, più spesso nei momenti di riposo. Tale è l'esempio, l'immagine degli interni "musicisti rustici". L'Ostay trasmette abilmente la concentrazione dei "musicisti" entusiasti con la sua occupazione, con un umorismo appena evidente raffigurante i bambini a guardarli. La varietà e la morbidezza di un gioco in bianco e nero, una gamma di co-lorico marrone verdastro combina le persone e i loro dintorni in un unico numero intero.
"Guarda invernale." 1640. Isaac Van Odete. Albero, olio. State Hermitage.
Nel "Genere contadino" ha lavorato presto il fratello deceduto di Adriana - Icaap Wan Odete. Ha ritratti la vita dell'Olanda rurale, in natura quale uomo sembrava a casa. Nella pittura "Vista invernale", viene presentato un tipico paesaggio olandese con il grigio, pesantemente appeso a terra con un cielo, fiume ghiacciato, sulla riva del quale si trova il villaggio.
"Paziente e medico." 1660 mura. Albero, olio. State Hermitage.
Il tema del genere dell'arte dei fratelli Ostshe ha continuato dalle mura di Yang, un Maestro di talento, con un senso dell'umorismo, i dettagli caratteristici della vita e dei rapporti delle persone che agiscono nei loro dipinti. Nella pittura "passeggiate" sullo spettatore, l'artista stesso seduto accanto a sua moglie, addormentato dopo una divertente festa, guarda lo spettatore. Nel verniciatura "paziente e medico" attraverso il viso e i gesti dei personaggi, i muri Yang rivelano abilmente il grafico della malattia immaginaria.
"Stanza nella casa olandese." Peter Yanceence. Tela, olio. State Hermitage.
Negli anni Cinquanta - gli anni Sessanta del XVII secolo, gli argomenti dei dipinti di genere sono gradualmente restringi. Cambia i modelli di immagine. Diventano più calmi, Chaler, appaiono una contemplazione più lirica, tranquilla pensosità. Questa fase è rappresentata dal lavoro di tali artisti come: Peter de Heh, Handrard Terborh, Gabriel Metsu, Peter Yancence. L'immagine poetica e un po 'idealizzata della vita quotidiana della borghesia olandese, che una volta combattuta per i loro diritti e indipendenza, è stata incarnata nel loro lavoro, e ora ha raggiunto il benessere sostenibile. Quindi, nella foto degli interni "Camera nella casa olandese" Peter Giansence è raffigurata dalla stanza accogliente della luce del sole con giocare sul pavimento e sulle pareti di coniglietti soleggiati, nella pittura "anziana vicino al camino" Jacob Vroel - immerso in a Sala del crepuscolo morbido con un camino. La scelta della composizione nei lavori di entrambi gli artisti sottolinea l'unità dell'uomo e l'ambiente circostante.
"Bicchiere di limonata." 1664 Gerard Terbor. Host (traduzione dal legno), olio. State Hermitage.
Durante questi anni, i genranisti olandesi hanno cercato per la prima volta di riflettere la profondità della vita interiore di una persona. Nelle situazioni di vita che si verificano situazioni quotidiane, hanno trovato l'opportunità di riflettere un mondo vario delle migliori esperienze. Ma è possibile vederlo solo con attento e rivedere accuratamente l'immagine. Quindi, nella foto dell'Hardard Terborg "Bicchiere di Lemonada" come un linguaggio accattivante di gesti, disegnato a mano, riunioni, rivela un'intera gamma di sensi e relazioni di personaggi.
"Prima colazione". 1660 Gabriel Metsu. Albero, olio. State Hermitage.
Il mondo del soggetto comincia a svolgere un ruolo importante nei dipinti di genere di questo periodo. Non ha più caratterizza solo l'ambiente materiale e la vita umana emotiva, ma esprime anche la diversità delle relazioni umane con il mondo circostante. Un insieme di oggetti, la loro posizione, un complesso sistema di simboli, così come gesti dei personaggi - tutto svolge un ruolo nella creazione di un'immagine figurativa dell'immagine.
"A piedi". 1660 mura. Albero, olio. State Hermitage.
Il dipinto olandese del genere non differisce in un'ampia varietà di scene. Gli artisti sono limitati all'immagine di una sola gamma di personaggi e delle loro classi. Ma, con il loro aiuto, il dipinto olandese del genere è stato in grado di trasmettere un'immagine affidabile di morali, dogane e idee sulla vita di una persona del XVII secolo.
Nella preparazione della pubblicazione, sono stati utilizzati materiali da fonti aperte.
La vittoria della rivoluzione borghese nel nord olandese ha portato alla formazione di uno stato indipendente della Repubblica dei sette Stati Uniti d'Olanda (dal nome della più significativa di queste province); Per la prima volta in uno dei paesi dell'Europa, è stato istituito il sistema borghese-repubblicano. Le forze guida della rivoluzione erano contadini e gli strati più poveri della popolazione urbana, ma la borghesia, che è venuta al potere, ha approfittato della conquista. Tuttavia, nei primi decenni, le tradizioni democratiche del poro rivoluzionario erano vive dopo l'istituzione della Repubblica. La latitudine del movimento di liberazione nazionale, l'ascesa della autocoscienza del popolo, la gioia della liberazione dal giogo straniero unito i più diversi strati della popolazione. Il paese ha sviluppato condizioni per lo sviluppo di scienze e arti. Qui, il rifugio dei pensatori avanzati di quel tempo in particolare è stato trovato il filosofo francese Descartes, il sistema di spinosi materialista è stato formato. I più alti risultati hanno raggiunto gli artisti dell'Olanda. Erano i primi in Europa; Rilasciato dall'influenza del greggio dei circoli della Corte, e della Chiesa cattolica e creato arte democratica e realistica che riflette direttamente la realtà sociale.
Una caratteristica distintiva dello sviluppo dell'arte olandese è stata una predominanza significativa tra tutte le sue specie di pittura. I dipinti sono stati decorati a casa non solo da rappresentanti della parte superiore della società, ma anche dei poveri Burghers, Artigiani, contadini; Sono stati venduti alle aste e alle fiere; A volte gli artisti li hanno usati come mezzo per pagare le bollette. La professione dell'artista non era rara, i pittori erano molto, e sono stati gravemente in competizione tra loro. Il rapido sviluppo della pittura è stato spiegato non solo dalla domanda per i dipinti di coloro che volevano decorare la loro casa, ma anche un aspetto di loro come prodotto, come mezzo di profitto, la fonte della speculazione. Avendo avuto sbarazzato del cliente diretto della Chiesa cattolica o degli influenti patroni-feudale, l'artista dipendeva interamente dalle richieste di mercato. I gusti della società borghese predeterminavano i modi dello sviluppo dell'arte olandese e degli artisti che li hanno difesi, che hanno difeso la loro indipendenza in materia di creatività, si sono rivelati isolati, morti in modo prematuro nel bisogno e nella solitudine. E questi erano solitamente i maestri più talentuosi. Basta nominare i nomi di Hals e Rembrandt.
L'oggetto principale dell'immagine per gli artisti olandesi è stata la realtà circostante, non ha mai trovato un display così completo nelle opere dei pittori di altre scuole nazionali. Appello ai lati più diversi della vita ha portato a rafforzare le tendenze realistiche nella pittura, il posto principale in cui si è svolto il genere domestico e il ritratto, il paesaggio e la natura morta. I veritieri, gli artisti aprendano loro più a fondo con il mondo reale, più significativi erano le loro opere. Francia Hals Maslennic.
In ogni genere c'erano i loro rami. Ad esempio, tra i giocatori del paesaggio erano marinisti (foto del mare), pittori che preferiscono tipi di luoghi semplici o boschetti forestali erano maestri specializzati in paesaggi invernali e paesaggi con luce lunare: artisti che ritraggono contadini, Burghers, scene di Pirushki e fatto in casa vita, scene di caccia e mercati; Ci sono stati padroni di interni della Chiesa e vari tipi di "colazioni" di natura morta, "dessert", "negozi", ecc. Hanno influenzato le caratteristiche della limita della pittura olandese, prendendo il numero di compiti risolti per i suoi creatori. Ma allo stesso tempo, la concentrazione di ogni artista su un certo genere ha contribuito al deposito di padronanza del pittore. Solo il più grande degli artisti olandesi lavorava in vari generi. Francia Chals Group of Children
Il fondatore del ritratto realistico olandese è stato di Frans Hals (OK :), la cui eredità artistica di fresco affilato e potere, la copertura del mondo interiore dell'uomo va ben oltre la cultura nazionale olandese. L'artista di un'ampia visione mondiale, un innovatore audace, ha distrutto i canoni del ritratto della tenuta (nobile) di 16 V. Non era interessato a non una persona raffigurata secondo la sua situazione pubblica in una maestosa posa solenne e una seta di parata, ma una persona in tutta la sua naturale essenza, caratteristiche, con i suoi sentimenti, intelletto, emozioni.
L'incontro di ufficiali della compagnia di Sant'Adriano a Harlem forte, le persone energetiche che partecipano attivamente alla lotta di liberazione contro i conquistatori spagnoli sono presentate durante una festa. Buon, con un'ombra d'umorismo, l'umore unisce diversi ufficiali dei personaggi e dei maniere. Non c'è un personaggio principale qui. Tutti quelli presenti partecipanti uguali in vacanza.
Hals raffigurava i suoi eroi senza abbellimento, con la loro nravami senza intimità, una vita potente. Ha ampliato il quadro del ritratto con l'introduzione di elementi di scena, catturando rafforzato in azione, in una specifica situazione di vita, sottolineando le espressioni facciali, il gesto, la posa, immediatamente e accuratamente sequestrati. L'artista ha cercato la forza emotiva e la vitalità delle caratteristiche del ritratto, la trasmissione della loro energia irrefrenabile. Non solo ha riformato un singolo ritratti personalizzato e di gruppo, ma era il creatore del ritratto, confinante con il genere della famiglia. Musicista di vasaio
I ritratti di Hals sono diversi su argomenti e immagini. Ma ritrae sono combinati con caratteristiche generali: la completezza della natura e della vitalità. Le risate del pittore di Hals, cheerful che causano sorriso. L'artista dei rappresentanti della semplicità, i visitatori di Zucchini, Ragazzi della strada rivivono il divertimento scintillante. I suoi personaggi non si chiudono in se stessi, svolgono look e gesti per lo spettatore. Boon Companion.
Amorevole respiro di Oweyan L'immagine di "Gypsy" (OK, Parigi, Louvre). Hals ammira l'orgogliosa piantagione della testa nell'alone dei capelli lanuginosi, un sorriso seducente, un scintillio vivace di occhi, un'espressione di indipendenza. Contorni vibranti di sagoma, raggi scorrevoli di luce, nuvole da corsa, contro lo sfondo di cui lo zingaro è raffigurato, riempire l'immagine di un brivido della vita.
Ritratto di Mallet Baby (Nach., Berlino, Dalem, Galleria dei Picture), la taverna "Harlem Witch", si sviluppa in una piccola scena del genere. La brutta donna anziana con un aspetto bruciato di Hitrea, si girava fortemente e diffuso, come se risponda a qualcuno dai clienti abituali dei suoi zucchini. Con una silhouette cupo, il gufo sinistro viene valutato sulla sua spalla. Incredibile la gravità della visione dell'artista, la forza e la vitalità dell'immagine dell'immagine creata da lui. L'asimmetria della composizione, dinamica, la succursità della spalmatura angolare migliora l'ansia della scena.
I ritratti tardivi di Halsa stanno accanto alle creazioni più meravigliose del verniciatura del ritratto del mondo: sono vicini al loro psicologismo per il ritratto del più grande dei pittori olandesi di Rembrandt, che, così come Hals, sopravvissero alla sua gloria a vita, migliorando un conflitto con una punta borghese rinata della società olandese. Renturshir per Annes.
Il più popolare del dipinto olandese è stato un genere domestico, per molti aspetti identificando modi peculiari al suo sviluppo rispetto all'arte di altri paesi. Appello ai lati più diversi della vita quotidiana, la sua poesia ha portato alla formazione di una varietà di tipi di dipinti di genere. Alta maestria pittoresca dei loro creatori, carattere ottimista, la liricità morbida li informa quel fascino, che giustifica l'immagine dei motivi più minori. Peter de heh al gabinetto lounge
Il maestro olandese del barocco Peter de Heoche (Hoo) era uno dei principali rappresentanti della Scuola Delft del XVII secolo. Le opere del pittore sono dedicate all'ordinario, pochi eventi eccezionali di una tranquilla vita calma della famiglia degli hamburger. Servire interno cortili ordinati o camere puramente cotte. Per le immagini di Hoha, un disegno accurato raffinato è caratterizzato da un colore calmo e accenti floreali non invadenti. Il Maestro ha avuto una straordinaria capacità di catturare il "momento dell'essere" - per un momento la conversazione interrotta, qualche tipo di azione. Questa abilità produce immagini di Hoha attraente, creando una sensazione di misteriosità, anche se nell'immagine non sembrerebbe nulla di insolito. Tale percezione della pittura HOHA contribuisce alla sua maestria virtuoso di un realista, capace di trasformare la vita di tutti i giorni in uno spettacolo interessante.
Una profonda sensazione poetica, un gusto impeccabile, il raffinato colourismo determina il lavoro dei più eccezionali dai maestri del dipinto di genere, il terzo dopo Hals e Rembrandt, il grande pittore olandese Jan Vermeer Delftsky (). Possedere un occhio occhi sorprendenti, una tecnica in filigrana, ha cercato la poesia, l'integrità e la bellezza della decisione figurativa, una grande attenzione è versata alla trasmissione dell'ambiente di luce dell'aria. L'eredità artistica del versner è relativamente piccola, dal momento che ha lavorato lentamente e con una straordinaria completezza. Per guadagnare Vermeer è stato costretto a impegnarsi nelle immagini commerciali.
Un uomo per Vermeer è inseparabile dal mondo poetico, che ammira l'artista e che trova una tale specie di rifrazione nelle sue creazioni, a suo modo, in stile incarnando l'idea della bellezza, del ciclo calmo misurato della vita, sulla felicità dell'uomo. Particolarmente armonioso e chiaro sulla costruzione compositiva di una "ragazza con una lettera" (fine del 1650., Dresda, galleria d'arte), una foto satura di aria e luce, stagionata nei colori bronzo-verde, rossastro, dorato, tra cui i quali Vernici gialle e blu prevalenti nel primo piano in primo piano.
È tranquillamente fiducioso nei movimenti, affascinante e naturalmente una donna del popolo nel dipinto "Maulus con una brocca di latte", penetrata da una leggera ottimismo e ricreando un'atmosfera speciale e ooetizzata della vita quotidiana. L'aspetto di una giovane donna respira una forza sana, purezza morale; Gli oggetti, i suoi dintorni, sono scritti con incredibile affidabilità della vita, sembra una morbidezza tangibile di pane fresco, una superficie liscia della brocca, la densità del latte fluente. Qui, come in una serie di altre opere del Versa, il suo dono sorprendente si manifesta per sentire finemente e trasferire la vita delle cose, la ricchezza e una varietà di forme di oggetti reali, vibrazioni di luce e aria intorno a loro.
L'incredibile abilità del Vermeer si trova in due paesaggi scritti da lui appartenenti ai meravigliosi campioni di questo genere di pittura non solo in olandese, ma anche in arte mondiale. Motivo estremamente semplice "ritirata" o piuttosto, la sua piccola parte, con una facciata della casa di mattoni raffigurata in un giorno grigio e nuvoloso. Amazza la tangibilità materiale di ogni oggetto, la spiritualità di ciascuna parte.
Un personaggio completamente diverso è "Vista della città di Delft" L'artista guarda la sua città natale in un giorno d'estate dopo la pioggia. I raggi del sole cominciano a sfondare attraverso le nuvole argentate bagnate, e l'intera immagine brilla e scintilla molte sfumature colorate e punti salienti della luce e allo stesso tempo vede la bellezza e la bellezza poetica.
I principi del paesaggio realistico olandese erano nel primo terzo del 17 ° secolo. Invece dei canoni convenzionali e della natura idealizzata, inventata nei dipinti delle indicazioni di italiana, i creatori del paesaggio realistico si rivolgevano all'immagine della vera natura dell'Olanda con le sue dune e canali, case e villaggi. Non solo catturarono la natura del terreno con tutti i segni, creando i motivi tipici del paesaggio nazionale, ma hanno cercato di trasmettere l'atmosfera della stagione, dell'aria umida e dello spazio. Ciò ha contribuito allo sviluppo della pittura tonale, sottomessa di tutti i componenti dell'immagine di un tono unico.
Il paesaggio eccezionale dell'Olanda era Jacob Van Reydal (1628/291682), spiritualizzato i suoi paesaggi con grandi sentimenti personali ed esperienze. Proprio come gli altri importanti artisti dell'Olanda, non è andato alle concessioni ai gusti dei clienti borghesi, rimanendo sempre se stesso. Reydal non era limitato a determinati temi di immagine. Il cerchio dei suoi motivi paesaggistici è molto ampio, questi tipi di villaggi, pianure e dune, paludi forestali e il mare raffigurato nel tempo più varia e tempi diversi dell'anno. Scena invernale
La maturità creativa dell'artista cade a metà del XVII secolo. In questo momento, crea opere eseguite da un profondo dramma, trasmettendo la vita interiore della natura: "Vista del villaggio di Egmond", "Foresta Bopoto", "cimitero ebraico" che il loro sapore trattenuto, dusky, la monumentale di forme e costruzioni rispose le esperienze dell'artista. Cerca la più grande forza emotiva e profondità del significato filosofico nell'immagine del cimitero ebraico con le sue lacestri sbiancanti e le sue rovine, con un flusso schiumogeno, essiccato dai rami radice dell'albero, illuminati da fulmine flash, che illumina i verdi freschi di un giovane germoglio. Quindi vince in questa cupa meditazione l'idea di una vita sempre aggiornata che si fa strada attraverso tutte le tempeste e le forze distruttive.
Insieme al pittura del paesaggio, c'era una distribuzione significativa in Olanda still life, che era un carattere intimo. Gli artisti olandesi hanno scelto una vasta gamma di oggetti per le loro abitazioni ancora, sapevano come rispettarli perfettamente, identificano le caratteristiche di ogni soggetto e la sua vita interiore, la vita umana inestricabilmente collegata. Peter clas (OK) e Hed (/ 82) Willem (/ 82) ha scritto numerose opzioni per "Colazione", raffigurante al tavolo di prosciutto, panini rubici, torte fatte in nero, occhiali in vetro fragile, mezza pieni di vino, con Abilità incredibile che trasmette colore, volume, la trama di ciascun elemento. Peter clas.nature-life con un letto d'oro.
Nei Paesi Bassi del XVII secolo. Il genere della natura morta è stato notevolmente distribuito. I principi estetici della natura morta erano piuttosto conservativi: formato del tessuto orizzontale, bordo inferiore del tavolo con un telaio semplicemente parallelato. Le pieghe sulla tovaglia da pranzo, di regola, passarono da linee parallele, contrarie alle leggi delle prospettive, nelle profondità della tela; Gli articoli sono stati considerati da un alto punto di vista (in modo che fosse più facile coprirli tutti gli sguardi), erano situati in fila o in cerchio e praticamente non toccarono la colazione a Classe di Hed Villem con granchio
Hedi Villem Clas Still Life con la Coppa Golden Heba, così come l'influenza di Peter Clas i rappresentanti più significativi di questo tipo di vita ancora in Olanda. Questi due maestri aggrovigliati spesso si confrontano. Entrambi hanno creato modesti "colazioni" con un semplice set di articoli non complicati. Grutti e una classe rodiato toni verdi-grigio-grigio-grigio o brunito, ma le opere della testa hanno, di regola, decorate più accuratamente, e il sapore di esso è più aristocratico, che si è manifestato nella scelta degli oggetti raffigurati: Argento, e non latta Utensili, ostriche, non aringa, ecc. P.
introduzione
1. Piccoli olandesi
Scuola di pittura olandese
Dipinto di genere
4. Simbolismo. Natura morta
Rembrandt van Reno.
Vermeer Delftsky Jan.
Conclusione
introduzione
Lo scopo del lavoro di prova è:
· Nello sviluppo del potenziale creativo;
· Formazione di interessi nell'arte;
· Fissaggio e rifornimento della conoscenza.
Nel XVII secolo, l'arte olandese ha avuto origine. Questa arte è considerata indipendente e indipendente, ha determinate forme e caratteristiche.
Fino al XVII secolo, Olanda non aveva i suoi artisti significativi nell'arte, perché Entrò nello stato delle Fiandre. Tuttavia, diversi artisti sono celebrati in un determinato periodo di tempo. Questo è un artista e incisore Luca Leiden (1494-1533), Pittore Dirk Boauts (1415-1475), artista ferroviario (1495-1562).
Gradualmente mescolati scuole e maestri hanno perso le caratteristiche distintive delle loro scuole, e gli artisti rimanenti dell'Olanda cessano di avere lo spirito della creatività nazionale. Appariranno molti stili diversi e nuovi. Gli artisti stanno cercando di scrivere dipinti in tutti i generi, cercando uno stile individuale. I metodi di genere sono stati cancellati: la storicità non è così obbligatoria come prima. Un nuovo genere è creato - Portatori di gruppo.
All'inizio del XVII secolo, quando il destino dell'Olanda è stato risolto - Philip II suonava sulla tregua tra la Spagna e i Paesi Bassi. Bisogno di una rivoluzione, situazione politica o militare. La lotta per l'indipendenza unita la gente. La guerra ha rafforzato lo spirito nazionale. Accordi firmati con la Spagna, ha dato a Holland Freedom. Spinse alla creazione della sua arte personale e speciale, ha espresso l'essenza dell'olandese.
La caratteristica degli artisti olandesi era creare un'immagine reale ai più piccoli dettagli - manifestazione di sentimenti e pensieri. Questa è la base della scuola olandese. Diventa un'arte realistica, e nel mezzo del XVII secolo raggiunge i vertici in tutte le aree.
Per l'Olanda, in genere la separazione non solo per i generi, ma anche su numerose sottospecie. Alcuni maestri scrivono scene dalla vita dei Burghers e degli ufficiali - Peter de Hookh (1495-1562), Gerard Terborh (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), il secondo - dalla vita contadina - Adrian Wang Ostay (1610- 1685), terza - scene dalla vita degli scienziati e dei medici - Gerrit Dow (1613-1675); Driver di paesaggio - Jan Portsellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), angoli forestali - Mainder Hobmeme (1638-1609), Master of Interior - Peter Yansense (1623-1682). Periodicamente, un certo genere diventa tradizionale nelle scuole d'arte. Ad esempio, i pittori Harlem ancora la vita alle cosiddette "colazioni" - Peter clas (1598-1661), Willle Hed (1594-1680).
Gli artisti mostrano la morale e le norme doganali, etiche e morali del comportamento umano. Spesso raffigurante eventi familiari. I giocatori del paesaggio e i maestri della natura morta trasmettono la luce all'aria aperta, nelle stanze chiuse, raffigurano magistralmente la consistenza degli oggetti. La pittura della famiglia si trova in cima, grazie a Jana Wall (1626-1679), Gerhard Terborh (1617-1681), Peter de Hehu (1629-1624).
1. Piccoli olandesi
Piccoli olandesi sono un gruppo di artisti del XVII secolo, in cui i pittori dei dipinti del paesaggio e dei generi della famiglia sono uniti dai pittori (da qui il nome). Tali immagini erano destinate a un modesto interno di edifici residenziali. Sono stati acquisiti dai cittadini e dai contadini. Per tali immagini, la sensazione di comfort è caratterizzata nella foto, la sottigliezza dei dettagli, la vicinanza della persona e l'interno.
P. De Heh, Ya. Van Goyen (1596-1656), Ya. E S. van Ryutsdal (1628-1682) e (1602 - 1670), E. de Witte (1617-1692), P. Clas, V. Hedi, V. Kalph (1619-1693), Tereborh, Metsu, A. Van Odete, Ya. Pareti (1626-1679), A. Kyype (1620-1691), ecc. Tutti specializzati, di regola, in uno di il genere. "Piccoli olandesi" ha continuato le tradizioni dei Maestri dei Paesi Bassi del Rinascimento, che ha affermato che l'arte non dovrebbe solo portare piacere, ma ricorda anche ai valori.
La creatività degli artisti può essere divisa in 3 gruppi:
1630. - Approvazione del realismo nella pittura nazionale (il principale centro d'arte era Harlem, un fattore importante era l'influenza di F. Hals);
1640-1660. - il fiorente della scuola d'arte (il centro artistico si muove ad Amsterdam, attirando artisti da altre città, l'effetto di Rembrandt diventa pertinente<#"justify">2. Scuola olandese di pittura
I tre quarti del secolo hanno continuato l'aumento dell'arte nel nord dei Paesi Bassi, nella Repubblica delle Province United, chiamato Holland. Nel 1609, questa Repubblica ha ricevuto lo stato di stato. Qui c'era uno stato borghese.
L'artista italiano Caravaggio (1571-1610) è stato un ruolo significativo per dipingere l'era rinascimentale (1571-1610). Scrisse i suoi dipinti molto realistici, e gli oggetti e le figure avevano un'elevata tecnica leggera.
Gli artisti erano molto, e vivevano in piccole città: Kharlem, Delphte, Leiden. Ognuna di queste città ha sviluppato la propria scuola con il tema di genere inerente in esso, ma Amsterdam ha svolto il ruolo più importante nello sviluppo dell'arte olandese.
3. Pittura del genere
In Olanda, insieme alla fama del genere del paesaggio, appaiono di nuovi: Marina - il paesaggio del mare, il paesaggio della città - il piombo, l'immagine degli animali è dipinto animale. L'influenza significativa sul paesaggio è stata fornita da Peter Bruegel (1525-1529). L'olandese ha scritto la loro bellezza peculiare della natura del bordo nativo. Nel XVII secolo, la scuola olandese della pittura è diventata una delle principali in Europa. Gli oggetti circostanti delle persone sono diventati una fonte di ispirazione per gli artisti. Nell'arte di questo periodo, la formazione di un sistema di generi è stata completata, iniziata nell'era del revival. In ritratti, dipinti per la casa, paesaggi e vita ancora, gli artisti hanno trasferito le loro impressioni della natura e della vita. Una nuova idea ha iniziato ad avere un genere di pittura per la casa - pittura di genere. Il genere domestico è stato formato in due specie - il genere contadino e burgher (urbano). Nei dipinti di genere, è stata raffigurata una persona privata: Pirushki Gulik, attività economica, musiization. Gli artisti hanno prestato attenzione all'esterno, pose, costumi. Gli oggetti divennero parte del crogiolo: un tavolo di un mogano, un armadio, una sedia, una pelle coperta, un decanter di vetro scuro e un bicchiere, frutta. Tale genere rifletteva il comportamento e la comunicazione di persone appartenenti a vari proprietà.
Il lavoro di Garard Dow è goduto molto popolare. Scrive scene modeste dalla vita con la piccola borghesia. Dipinta frequentemente le donne anziane sedute dietro una battaglia o una lettura. L'ovvia tendenza di dou - le superfici degli oggetti nelle loro piccole immagini - modelli di tessuti, rughe di facce senile, pesce, ecc. (Applicazione; FIGURA.
Ma il dipinto di genere ha subito l'evoluzione. Durante il periodo di diventare, le storie sugli argomenti di ricreazione, intrattenimento, scene della vita degli ufficiali sono stati distribuiti. Tali immagini sono state chiamate "Colazione", "Banchetti", "Società", "Concerti". Questo dipinto si è distinto da una varietà di colori e toni gioiosi. L'originale era il genere - "Colazione". Questo è un aspetto della natura morta, in cui attraverso l'immagine dei piatti, una varietà di piatti ha superato il carattere dei loro proprietari.
Il genere domestico è il fenomeno più distintivo e distintivo della scuola olandese, che ha scoperto per la vita mondiale di tutti i giorni di una persona privata.
Nel tema del genere dell'arte scriveva e Yang Walls. Lui con un senso dell'umorismo segnò i dettagli della vita e della relazione delle persone. Nella pittura "passeggiate" sullo spettatore, l'artista stesso seduto accanto a sua moglie, addormentato dopo una divertente festa, guarda lo spettatore. E nella foto attraverso le espressioni facciali e i gesti dei personaggi, il muro di Yang rivela abilmente il grafico della malattia immaginaria.
All'inizio degli anni '30, il dipinto olandese del genere è stato completato. Deli genere di pittura sulla caratteristica sociale: trame su argomenti dalla vita della borghesia e scene della vita dei contadini e dei poveri urbani.
Uno dei famosi artisti, scrivendo nel "Genere contadino", era Adrian Wang Osta. Nel primo periodo di creatività, l'immagine dei contadini si è distinta dal commissario. Quindi, nella foto, illuminata da una luce acuta, combatte, sembra che non vivi persone e pupazzi. Contrapposizione di colori freddi e caldi, contrasti affilati di luce creano maschere con emozioni malvagie sui loro volti.
Più tardi, l'artista scrive immagini con un terreno più rilassato, raffigurante una persona durante le solite occupazioni, più spesso nei momenti di riposo. Ad esempio, l'immagine interiore "musicisti rustici". Il tollee trasmette la concentrazione di "musicisti", con un umorismo appena evidente raffigurante coloro che li osservano nella finestra dei bambini. Nel "Genere contadino" ha lavorato presto il fratello deceduto di Adriana - Icaap Wan Odete. Ha ritratto la vita dell'Olanda rurale. Nella foto "Vista invernale", un tipico paesaggio con un grigio, appeso a terra, un fiume surgelato, sulla riva del quale si trova il villaggio.
Nei 50-60 anni del XVII secolo, gli argomenti dei dipinti di genere si restringono, il loro sistema cambia. Diventano più calme, lirico, premuroso. Questa fase è rappresentata dal lavoro di tali artisti come: Peter de Heh, Handrard Terborh, Gabriel Metsu, Peter Yancence. Il loro lavoro è caratterizzato dal modo di vita idealizzato della borghesia olandese. Quindi, nell'immagine interiore "Camera nella casa olandese" Peter Giansence è raffigurata dalla luce del sole accogliente camera con giocando sul pavimento e sulle mura di coniglietti soleggiati. La scelta della composizione enfatizza l'unità dell'uomo e il mezzo circostante.
Il genere olandese ha cercato di riflettere il mondo interiore dell'uomo nelle opere. In situazioni regolari, sono stati in grado di mostrare il mondo delle esperienze. Quindi, Gerard Terborh nel dipinto "Bicchiere di limonata" ha raffigurato un linguaggio a malapena catturato di gesti, toccando le mani, riunioni con vista rivelano un'intera gamma di sensi e relazioni di personaggi.
La sottigliezza, la veridicità nella ricreazione della realtà è combinata con i maestri olandesi con bellezza poco appariscente e di tutti i giorni. Questa caratteristica si è manifestata visivamente nella natura morta. L'olandese è stato chiamato "Stilleven". In questa comprensione dei Maestri ha visto negli oggetti inanimati una vita nascosta associata alla vita di una persona con la sua vita, le abitudini, i gusti. I pittori olandesi hanno creato l'impressione del "disordine" naturale nella posizione delle cose: hanno mostrato la torta tagliata, il limone sbucciato con una buccia a spirale, un brutto bicchiere di vino, una candela accesa, ha rivelato il libro - sempre sembra che qualcuno Preoccupato questi articoli, solo che li hanno usati sente la presenza invisibile di una persona.
I principali maestri della natura olandese natura morta della prima metà del XVII secolo erano Peter Clas 1 E testa di willem. Il tema preferito della loro vita ancora è la cosiddetta "colazione". In "Colazione con Omar" V. Heda (Appendice; Fig. 16) Articoli di varie forme e materiale - Una caffettiera, un bicchiere, un limone, un piatto d'argento. Gli oggetti sono disposti in modo da vedere l'attrattiva e la caratteristica di ciascuno. Varie tecniche dell'Heba superano il materiale e le specifiche della loro fattura; Quindi, il bagliore leggero è giocato in modo diverso sulla superficie del vetro e del metallo. Tutti gli elementi della composizione sono combinati con luce e colore. Nella "Natura morta con una candela" di P. Class non solo non solo l'accuratezza della riproduzione delle qualità materiali degli oggetti - la composizione e l'illuminazione conferiscono loro una maggiore espressività emotiva. Still Lifes Class and Siedi sono simili l'uno con l'altro - questo è l'atmosfera di intimità e comfort, tranquillità nella vita della casa degli hamburger, dove c'è ricchezza. La natura morta può essere vista come uno degli argomenti importanti dell'arte olandese - il soggetto della vita di una persona privata. Ha ricevuto la sua decisione principale nell'immagine del genere.
Simbolismo. Natura morta
Tutti gli articoli in olandesi natura morta sono simbolici. Collezioni che sono state pubblicate in tutto XVIII<#"justify">o. petali setosi vicino a vaso - segni di fracilità;
o. il fiore sbiadito è un suggerimento della sensazione di scomparsa;
o. iris - il segno della Vergine;
o. fiori rossi - un simbolo della vittima ridemanta di Cristo;
o. lily bianco non solo un bel fiore, ma anche un simbolo dell'impassione della Vergine Maria;
o. garofano - un simbolo del sangue versato di Cristo;
o. tulipano bianco - falso amore.
o. melograno - simbolo della risurrezione, castità del carattere;
o. mele, pesche, arance ricordavano la caduta;
o. il vino in un bicchiere o una brocca personificava il sangue sacrificale di Cristo;
o. oliva - simbolo del mondo;
o. frutta marcia - un simbolo di invecchiamento;
o. orecchio di grano, edera - simbolo di rinascita e ciclo di vita.
o. vetro - un simbolo di fragilità;
o. porcellana - purezza;
o. la bottiglia è un simbolo di peccato e ubriachezza;
o. piatti rotti - un simbolo della morte;
o. il vetro invertito o vuoto designa il vuoto;
o. coltello - simbolo del tradimento;
o. navi d'argento - la personificazione della ricchezza.
o. clessidra - un promemoria della frequenza della vita;
o. cranio - promemoria della inevitabilità della morte;
o. orecchie di grano - simboli di rinascita e ciclo di vita;
o. pane - il simbolo del corpo del Signore;
o. armi e armature - Un simbolo di potere e potere, la designazione di ciò che non può essere preso con lui nella tomba;
o. tasti - simboleggia il potere;
o. tubo di fumo - un simbolo di piagheinzie e sfuggenti piaceri terreni;
o. una maschera di carnevale - è un segno della mancanza di uomo; piacere irresponsabile;
o. specchi, palline di vetro - simboli di vanità, segno di riflessione, irrealienza.
Le fondamenta del paesaggio realistico olandese sono state formate in tutto il primo XVII secolo. Gli artisti raffigurarono la loro natura con dune e canali, case e villaggi. Hanno cercato di ritrarre la nazionalità del paesaggio, l'atmosfera aerea e la caratteristica dell'anno. I maestri hanno sempre più subordinato tutti i componenti dell'immagine di un singolo tono. Sentivano finemente i colori, possedevano abilmente la transizione dalla luce nell'ombra, dal tono al tono.
Il più grande rappresentante del paesaggio realistico olandese era Jan Wang Goyen (1596-1656). Ha lavorato a Leiden e Aia. L'artista amava ritrarre le valli e la superficie dell'acqua dei fiumi su piccole tele. Molti posti Goyen hanno lasciato il cielo con le nuvole. Tale è l'immagine "Vista del fiume Vaal Nimegen", invecchiato in una sottile gamma di vernici marrone-grigia.
Più tardi, l'entità caratteristica del paesaggio cambia. Diventa un po 'più ampio, più emotivo. La specificità rimane la stessa, ma il tono acquisisce profondità.
Tutte le nuove funzionalità dello stile del paesaggio incorporano nei suoi dipinti Jacob Van Reydal (1629-1682). Raffigurante gli alberi volumetrici e i cespugli, il sentimento è stato creato che sono stati proposti in avanti e diventano più potenti. Possiedono magnificamente un senso di prospettiva, il reydal ha abilmente passato ampie pianure e dintorni dell'Olanda. La scelta del tono e dell'illuminazione porta a fuoco. Reydal amava e rovine come dettagli decorativi, parlando della distruzione, della stranna dell'esistenza terrena. "Cimitero ebraico" rappresenta un'area lanciata. Reydal non ha usato il successo contemporaneamente. Il realismo dei suoi dipinti non corrispondeva ai gusti della società. L'artista godeva meritatamente dalla gloria del mondo, morì dal povero uomo di Harlem's Stagna.
Pittura ritratto. Francia Hals.
Uno dei grandi artisti olandesi era di Frans Hals (circa 1580-1666). È nato nel XVII secolo ad Anversa. Un artista molto giovane è stato colpito a Harlem, dove è cresciuto e formato nella maniera di Karel Van Mandera della scuola. Harlem era orgoglioso del suo artista e lo ha portato al laboratorio dei famosi ospiti - Rubens e Wang Dequee.
Hals era quasi esclusivamente ritratto, ma la sua arte significava molto non solo per la pittura ritratto dell'Olanda, ma anche per la formazione di altri generi. Nel lavoro di Hals, si possono distinguere tre tipi di composizioni ritratto: un ritratto di gruppo, un ritratto individuale personalizzato e un tipo speciale di immagine ritratto, chiudi dalla natura del genere di pittura di genere.
Nel 1616, Hals scrive l'immagine del banchetto di ufficiali del reggimento del fucile di St. George, "in cui si ravviva completamente con lo schema tradizionale del facchino di gruppo. Creare un lavoro molto vivente, combinando personaggi nel gruppo e dando loro varie posizioni, lui, come lo era, affascinato insieme un ritratto con il dipinto di genere. Il lavoro ha avuto successo, e l'artista è stato disseminato di ordini.
I suoi personaggi tengono sul ritratto di naturalmente e liberamente, la loro posa, i gesti sembravano instabili, e sulle facce che l'espressione dovrebbe essere cambiata. La caratteristica più notevole del modo creativo di Hals è la capacità di trasmettere il carattere attraverso le singole espressioni facciali e un gesto, come se fosse catturato al volo - "compagno allegro", "Mulatto", "Ufficiale sorridente". L'artista amava gli stati emotivi, altoparlanti completi. Ma in questo istante, che ha catturato Hals, ha sempre catturato il più significativo, il nucleo dell'immagine della "Gypsy", "Malli Baba".
Tuttavia, nelle immagini di Hals Of Thely 30s e 40s, premurosità e tristezza, alieno ai suoi personaggi, ritratto di Willem Haythheysen, e talvolta scivolando una luce ironia contro l'artista a loro. Dall'arte di Hals gradualmente lasciando la giurisdizione della vita e dell'uomo.
I momenti critici sono arrivati \u200b\u200ba Halsping. Nei ritratti di Hals, scritti negli anni '50 e '60, le caratteristiche di abilità approfondita sono combinate con un nuovo significato interiore. Una delle opere più forti del tardo Hals è un ritratto da uomo del Museo Metropolitan di New York (1650-1652). La composizione del ritratto è un'immagine di generazione della figura, la sua impostazione in un FAS pulito, un aspetto diretto direttamente allo spettatore, viene sentito il significato dell'individuo. Nella postura degli uomini leggi le autorità fredde e il disprezzo arrogante per tutti. La sensazione di autostima è collegata in esso con ambizione incommensurabile. Allo stesso tempo, nei suoi occhi, l'ombra della delusione cattura inaspettatamente, come in questa persona, dispiaciuto del passato - sulla sua giovinezza e della sua generazione della sua generazione, i cui ideali sono dimenticati, e gli incentivi sulla vita sono stati sbiaditi.
I ritratti di Hals 50-60 si rivelano molto nella realtà olandese di quegli anni. L'artista ha vissuto una lunga vita, e aveva testimoniato a testimoniare la rinascita di una società olandese, la scomparsa del suo spirito democratico. Non succede per caso ora dalla moda dell'arte di Hals. I lavori tardivi di Hals riflettono chiaramente lo spirito del tempo, un maestro così alieno, ma la sua delusione nella realtà circostante è ascoltata. In alcuni lavori di questi anni, l'opposto dei sentimenti personali del vecchio artista, che ha perso l'antica gloria e che ha già visto la fine del suo percorso di vita.
Due anni prima della morte, nel 1664, Hals furono scritti da ritratti di reggenti e recita (fiduciario) del rifugio arlemico per gli anziani.
Nel "ritratto di Regent", tutti combinano un senso di delusione e destino. Non c'è vitalità nel reggente come nei primi ritratti del gruppo di Hals. Ogni sola, tutti esistono da solo. I toni neri con macchie rosa rossastri crea un'atmosfera tragica.
In un'altra chiave emotiva, il "ritratto di Regenth" è stato risolto. In difetti di stoccaggio quasi immobili, vengono sentiti le autorità principali, e allo stesso tempo, in tutti loro vive una profonda depressione profonda, sensazione di impotenza e disperazione di fronte alla morte imminente.
Fino alla fine dei giorni, Hals ha mantenuto l'infallibilità della sua abilità, e l'arte del pittore di ottanta anni ha ricevuto penetrazione e forza.
6. Rembrandt Wang Reno
Rembrand (1606-1669) è il più grande rappresentante del secolo d'oro del dipinto olandese. Nato a Leiden nel 1606. Per l'educazione artistica, l'artista si muove ad Amsterdam ed entra nel laboratorio di Peter Lastman, e poi torna a Leiden, dove nel 1625 inizia una vita creativa indipendente. Nel 1631, Rembrandt si è finalmente trasferito ad Amsterdam, e il resto della vita del Maestro è collegato con questa città.
La creatività di Rembrandt, imbevuta della comprensione filosofica della vita e del mondo interiore dell'uomo. Questa è la cima dello sviluppo dell'arte olandese del XVII secolo. L'eredità artistica di Rembrandt si distingue per la varietà di generi. Ha scritto ritratti, ancora Lives, Paesaggi, Scene di genere, Dipinti su argomenti storici, biblici, mitologici. Ma la più grande profondità dell'artista è raggiunta negli ultimi anni della sua vita. L'uffus ha tre opere del grande maestro. Questo autoritratto nella sua giovinezza, un autoritratto nella vecchiaia, il ritratto del vecchio (rabbi) in molti lavori successivi l'artista immette l'intera superficie della tela nel crepuscolo, concentrando l'attenzione dello spettatore sul viso .
Questo è stato raffigurato da Rembrandt di età compresa tra 23 anni.
Il periodo di trasferimento ad Amsterdam è stato segnato nella biografia creativa di Rembrandt creando molti etudi maschili e femminili
Nel 1653, sperimentare difficoltà materiali, l'artista ha trasferito quasi tutta la sua proprietà al figlio di Tito, dopo di che ha dichiarato nel 1656 sulla bancarotta. Dopo la vendita della casa e della proprietà, l'artista si è trasferito alla periferia di Amsterdam, nel quartiere ebraico, dove ha trascorso il resto della sua vita. Il più vicino a lui in quegli anni, a quanto pare, Tito, perché Le sue immagini sono più numerose. La morte di Titus nel 1668 è diventata una delle ultime colpi di destino; Lui stesso non era un anno dopo. "Matteo e angelo" (1661). Forse il modello per Angel era il titus.
Gli ultimi due decenni della vita di Rembrandt erano i migliori della sua abilità come ritrattista. I modelli sono compagni dell'artista (Nicholas Breing
7. Vermeer Delftan Yang
dutch Art Painting Still Life
Vermeer Delftsky Yang (1632-1675) - Pittore olandese, il più grande maestro del genere olandese e pittura del paesaggio. Ha lavorato vermeer a Delft. Come artista è stato influenzato dal tragicamente morto nell'esplosione del magazzino in polvere di Karel Fabrichus.
Le foto dei primi vermeer hanno elevazione di immagini ( Cristo a Matern e Maria ). Il lavoro del Maestro del genere di genere Peter de Hooch è stata una forte influenza sul lavoro di Vermeer. Lo stile di questo pittore in futuro trova lo sviluppo nelle immagini di Vermeer.
Dalla seconda metà degli anni '50, Vermeer ha scritto piccoli dipinti con una o più figure nella luce d'argento della casa della casa ( Ragazza con una lettera Maid della brocca del latte ). Alla fine degli anni '50, Vermeer ha creato due capolavori di pittura del paesaggio: un'immagine sentita Allungare con splendente, fresco, pulito, vernici e pittura Vista della città di Delfta . Negli anni '60, il lavoro del vermeer diventa più raffinato e la pittura è fredda. ( Ragazza con orecchino perla).
Alla fine degli anni '60, l'artista rappresentava spesso camere riccamente arredate, dove le donne e i possessori stanno mogliendo e conducono conversazioni galanti.
Negli ultimi anni della vita del Vermeer, la sua situazione finanziaria si è deteriorata notevolmente. La domanda di dipinti è caduta bruscamente, il pittore è stato costretto a prendere prestiti per nutrire undici bambini e altri membri della famiglia. Probabilmente, ha accelerato l'approccio della morte. Non è noto ciò che è successo - malattia acuta o depressione dovuta alla finanza, ma sepolto vermeer nel 1675 nella cripta familiare a Delft.
L'arte individuale del vermeer dopo la morte non è stata valutata dai contemporanei. L'interesse per lui è stato rianimato solo nel XIX secolo, grazie alle attività delle critiche artistiche e dallo storico dell'arte di Etienne Theofilo Tore, che "aprì" il verme per il pubblico in generale.
Conclusione
Appello alla realtà reale ha contribuito ad espandere le possibilità artistiche dell'Arte dell'Olanda, arricchirono il suo tema del genere. Se, prima del XVII secolo, i soggetti biblici e mitologici erano di grande importanza nelle arti visive europee, e gli altri generi sono stati sviluppati debolmente, quindi in arte olandese, il rapporto tra i generi cambia bruscamente. Si verifica con l'ascesa di tali generi come: genere domestico, ritratto, paesaggio, natura morta. I grafici biblici e mitologici nell'arte olandese stanno perdendo in gran parte le ex forme di incarnazione e ora sono trattate come dipinti domestici.
Con tutti i risultati, l'arte olandese portava entrambe le caratteristiche specifiche dei limiti - uno stretto cerchio di grafici e motivi. Un altro meno: solo alcuni maestri cercarono di trovare nei fenomeni la loro base profonda.
Ma in molti dipinti compositi, ritratti di immagini sono del personaggio più profondo, e i paesaggi mostrano vera e reale natura. È diventato una caratteristica distintiva dell'arte olandese. Così, i pittori hanno fatto una grande svolta nell'arte, padroneggiando una capacità difficile e difficile di scrivere immagini del mondo interiore dell'uomo e delle esperienze.
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Con la celebrazione dell'edificio borghese e il calvinismo del malto dell'arte monumentale e decorativa e della chiesa in Olanda è crollato. Compiti per il dipinto di palazzi e castelli, che mettono quasi gli artisti barocchi nelle monarchie, quasi non aveva luoghi in Olanda. La nobiltà era troppo debole per garantire l'esistenza di una grande arte decorativa. Il calvinismo, d'altra parte, era contro i dipinti nei suoi templi.
La domanda di opere di verniciatura era tuttavia estremamente grande. Ha camminato il vantaggio degli individui, e, inoltre, in larga misura dai circoli che non avevano un importante rifornimento di materiale. Sviluppa e diventa un tipo dominante di piccoli dipinti per macchine progettati per appendere in spazi modesti. Insieme agli ordini, i dipinti erano ancora più spesso eseguiti per il mercato dell'arte, e il commercio era diffuso. La grande richiesta dei dipinti ha portato prodotti enormi e, a causa della loro sovrapproduzione, molti artisti dovevano essere visti tranne che per la loro professione diretta, altre fonti di esistenza. I pittori eccezionali spesso si rivelano i giardinieri, poi i concessionari dei concessionari, quindi i dipendenti (Goyen, Walls, Gobbema, ecc.).
Per quanto riguarda il tema e le tecniche visive nella pittura olandese del XVII secolo, l'inizio del realismo è interamente dominato. L'artista era principalmente richiesto dalla trasmissione veritiera di forme esterne della vita circostante in tutta la varietà dei suoi fenomeni.
L'importanza della personalità nella nuova società borghese ha avuto la sua conseguenza della distribuzione estremamente del ritratto. Un lungo periodo di lotta, dove il vincitore ha sentito la sua forza, ha contribuito a questo processo. Il ruolo principale svolto dalle diverse organizzazioni e prima di tutte le società dei fucili, ha causato uno speciale tipo di ritratto pubblico di gruppo, che ottiene uno sviluppo diffuso e diventa uno dei fenomeni specifici di pittura olandese. Seguendo i numerosi ritratti di gruppo di tiratori, ci sono natura simili di un gruppo di rappresentanti di determinati workshop commerciali, società mediche (la cosiddetta "anatomia"), i manager sono feroci.
La resistenza Tension Ingoing Invaders ha aggravato la sensazione nazionale. Dall'arte iniziò non solo la verità - avrebbe dovuto essere raffigurato, gente popolare e la situazione del giorno di oggi, le immagini non accustate della loro natura nativa, tutta la coscienza orgogliosa di e ciò che è stato usato per vedere l'occhio: navi, bellissimo bestiame, Abbondanza del cane, fiori. Genere, paesaggio, immagini animali e natura morta sono diventati tipi dominanti di argomenti. Un dipinto religioso respinto dalla Chiesa protestante non è stato escluso, ma non ha svolto alcun ruolo importante e ha acquisito un carattere completamente diverso rispetto ai paesi della proprietà del cattolicesimo. L'inizio mistico è stato soppiantato in loro con un'interpretazione realistica dei terreni, e i dipinti di questo cerchio sono stati goduti il \u200b\u200bvantaggio della forma di pittura domestica. Le scene della storia antica sono trovate come un'eccezione e sono utilizzate per suggerimenti sugli attuali eventi politici. Come tutte le allegorie, hanno avuto successo in ambienti stretti coinvolti in interessi letterari e umanitari.
Una caratteristica tipica della scuola olandese di questo tempo è una specifica ristretta su determinati tipi di soggetti. Questa specializzazione porta alla differenziazione dei generi: alcuni artisti sviluppano quasi esclusivamente scene domestiche dalla vita degli strati medi e superiori della borghesia, tutta l'attenzione degli altri è diretta alla vita contadina; Tra i giocatori del paesaggio, molti con difficoltà possono trovare qualcosa di diverso dalle pianure, canali, villaggi e pascoli; Altri sono entusiasti di motivi forestali, altri specializzati nell'immagine del mare. Gli artisti olandesi non hanno solo un compito di trasferimento accurato di oggetti e fenomeni raffigurati, ma si sforzano di dare l'impressione dello spazio, nonché l'impatto sulle forme di avvolgimento della loro atmosfera e della luce. Il problema della trasmissione di luce e dell'aria è una ricerca pittoresca comune e principale per la scuola olandese del XVII secolo. Pertanto, la pittura acquisisce involontariamente l'inizio delle emotività, causando un certo sentimento dal pubblico.
Il primo trimestre del 17 ° secolo è per il dipinto dell'Olanda nel periodo di transizione, quando solo le caratteristiche contrassegnate non hanno ancora ricevuto il loro pieno sviluppo. Dal lato tematico, i principali tipi di pittura olandese - paesaggio e vita - mentre relativamente pochi differenziati. E gli elementi di genere e paesaggi nei dipinti di questo tempo sono spesso equivalenti. Nelle immagini puramente delle specie, ci sono molte convenzioni sia nella costruzione complessiva del paesaggio che del sapore.
Insieme a continuare tradizioni realistiche locali dal vivo, l'Italia è fortemente influenzata dall'Italia, in particolare i suoi flussi manieristici e l'arte realistica di Caravaggio. Il rappresentante tipico dell'ultima direzione è stato Honthorst (1590-1656). Anche l'impatto sull'olandese ha lavorato all'inizio del XVII secolo dall'artista tedesco Adam Elsheimer (1578-1610) è molto evidente. Il romanticismo dell'interpretazione di quelli selezionati dalla Bibbia o dall'antica letteratura, così come ben noto orientalismo (attrazione ad est), che è stato espresso nella selezione di tipi, vesti e altre parti, sono combinati nel suo lavoro con un aumento del desiderio di effetti decorativi. Come il più grande artista di questo gruppo, Peter Lastman nominato (1583-1633).
Francia Hals. La prima volta dall'artista, con il lavoro di cui la scuola olandese entra in un periodo di completa di massimo splendore, è Frans Hals (circa 1580-1666). La sua attività è stata tenuta quasi interamente a Harlem. Qui per circa il 1616, viene proposto come il ritratto più grande avanzato e conserva il suo ruolo in questo settore fino alla fine della vita. Con l'avvento di Hals rigorosamente realistici e acutamente individuale ritratto olandese raggiunge la maturità. Tutto timido, piccolo, naturalistico, distinguendo i suoi predecessori è superato.
La fase iniziale dell'arte di Hals non è chiarita. Vediamo immediatamente il master decisivo al problema del ritratto genitore. Scrive uno dopo un'altra immagine raffigurante le frecce della Corporation of St. Adriana e St. George (Garlem, Museo di Francia Hals), dove viene anche trasmesso un assieme multiplo e luminosità affollata di ciascuno di questi presenti con un'inimitabile facilità. L'abilità pittoresca e la risorsa compositiva dei gruppi vanno in questi ritratti mano nella mano con la straordinaria nitidezza. Hals non è uno psicologo: i suoi modelli di solito passano per lui. E scrive per la maggior parte del popolo la cui tutta la vita procede in condizioni di attività intense, attive, ma non troppo approfondendo l'ordine psicologico. Ma Hals, come nessuno, prende l'aspetto di queste persone, sa come afferrare il più fugace, ma allo stesso tempo la più caratteristica dell'espressione facciale, nella posa, nei gesti. Allegro in natura, cerca di catturare ogni immagine in un momento di rinascita, gioia, e nessuno con tale sottigliezza e varietà, come lui, non passa la risata. Ritratto di un ufficiale (1624, Londra, collezione Wallace), ondeggiando sulla sedia "Gytegeaisen" (fine del 1630, Bruxelles, Galleria d'arte), "Gypsy" (fine del 1620, Louvre), o il cosiddetto "Harlem Witch "- Mallet Bobbebe (Berlino) può essere chiamato come esempi caratteristici della sua arte acuta e spesso folle. Uomini, donne, bambini sono ritratti da lui con la stessa sensazione di un'immagine vivace ("ritratto di un giovane con un guanto", ca. 1650, eremitaggio). La tecnica di Hals stessa contribuisce all'impressione di vivacità, insolitamente libera e crescente nel corso degli anni nella sua latitudine. La colorazione decorativa del lavoro anticipata viene successivamente morto, il sapore diventa argento, la libertà di proprietà dei toni in bianco e nero parla della capacità che può permettersi di offrire allegramente dolci scenografiche. In alcuni lavori, le tecniche impressionistiche sono programmate. Hals scrive innumerevoli ritratti individuali fino agli ultimi anni di vita, ma di nuovo cums di ritratti di gruppo. Generalizzato dal colore, scoprendo la debolezza anziana della mano nella figura, rimangono tuttavia estremamente espressive. I loro personaggi rappresentano gruppi di Elders Stagna (1664, Harlem, Museo di Francia Hals), dove l'artista di ottanta anni si è ritrovato l'ultimo rifugio. La sua arte era troppo avanzata nel suo tempo per garantire il successo del materiale nell'ambiente dell'allora società borghese.
Rembrandt. La generazione è successiva che Hals, contro lo sfondo di un realismo olandese approvato cresce da una figura gigante di Rembrandt (1606-1669). La sua creatività è il più grande orgoglio dell'Olanda, ma il significato di questo master non è limitato al quadro di una nazionalità. Rembrandt è rappresentato da uno dei più grandi artisti realistici di tutti i tempi e allo stesso tempo uno dei più grandi maestri di pittura.
Rembrandt Harmens Wang Reno è nato nel 1606 a Leiden ed era il figlio del prospero proprietario della farina. Ha scoperto presto l'attrazione per la pittura e dopo un breve soggiorno a Leiden University è stata completamente data all'art. Al termine del solito periodo di allenamento triennale, Rembrandt è andato a migliorare ad Amsterdam, che divenne uno studente di lastman. Avendo imparato una serie di tecniche di quest'ultimo, percepì e l'influenza della direzione realistica del karavagista.
Tornando a Leiden, Rembrandt ha iniziato a lavorare come maestro indipendente, ha avuto un grande successo, e questo successo lo spinse a trasferirsi ad Amsterdam, dove si è stabilito dal 1631. Qui Rembrandt è diventato molto presto un artista alla moda, pieno di ordini e circondato da molti studenti. Allo stesso tempo, è stato rivelato e il tempo più brillante nella sua vita personale.
Nel 1634, sposò una giovane ragazza di Milovoide di Sasquia Wang-Ulena Borg, appartenente al cognome di Bourgeois visibile di Amsterdam e lo ha portato nello stato maggiore della dote. Ha aumentato la già crescente ricchezza del maestro prospero, gli fornì l'indipendenza materiale e allo stesso tempo ha permesso la passione per la raccolta di opere d'arte e ogni sorta di cose antiche.
Già durante il soggiorno di Rembrandt a Leiden e soprattutto dopo il trasferimento di Amsterdam, le caratteristiche principali della sua arte influenzano con tutte le certezza. Il cerchio delle sue immagini copre storie religiose, storia, mitologia, ritratto, genere, mondo animale, paesaggio, natura morta. Il focus di Rembrandt ha ancora una persona, trasmissione psicologicamente corretta di personaggi e movimenti mentali. Questo interesse per i problemi psicologici si manifesta in innumerevoli ritratti, così come negli argomenti preferiti di Rembrandt Biblical che danno una ragione desiderata per l'immagine delle relazioni e dei personaggi umani. Il meraviglioso dono incredibile della narrativa consente di trasportare il pubblico non solo l'espressività delle immagini, ma anche l'inibitorio del deposito della trama selezionata.
Rembrandt Immagini rilevano la sua comprensione profondamente realistica dei compiti dell'art. Studia costantemente la natura e sbirciando energicamente in tutte le forme di realtà circostante. La sua attenzione è attratta da tutto in ciò che è pronunciata la caratteristica: l'espressione di persone, gesti, movimenti, costumi. Risolve le sue osservazioni nei disegni, poi nelle pittoresche Etudes. Questi ultimi sono principalmente nel suo primo periodo. La conoscenza acquisita della forma e la sua espressività diventa parte integrante di tutte le opere composite di Rembrandt e li informano una veridicità straordinaria.
In parallelo con esacerbare l'attenzione sull'essenza dei fenomeni, Rembrandt è interamente assorbita in problemi puramente pittoreschi e principalmente il problema dell'illuminazione. L'unicità e l'abilità delle sue decisioni gli hanno portato la gloria del più grande pittore. La sofisticazione della luce di Rembrandt in combinazione con effetti coloranti è un alto valore artistico nei quadri dei maestri. Ma questo non è solo un valore decorativo autosufficiente. L'interpretazione di Rembrandta degli effetti di illuminazione è allo stesso tempo uno dei mezzi principali per identificare la natura delle immagini. La sua composizione si basa sul rapporto tra piani illuminati e ombre. La loro distribuzione che sta allocando alcune forme e lo scarosing altri attrae l'attenzione dello spettatore a ciò che è particolarmente essenziale per narrative o caratteristiche e quindi migliora l'espressività. Il lato scenico è organicamente collegato al contenuto.
L'attività artistica di Rembrandt dall'inizio alla fine è intrisa dell'unità interna. Ma il suo percorso creativo ti consente di distinguere tra un numero di fasi chiaramente pronunciati caratterizzati da alcune caratteristiche specifiche.
Dopo anni di apprendistato e i primi passi indipendenti, un tipo così nuovo è il 1630. Durante questo periodo, Rembrandt è forte, da un lato, elementi romantici e fantasia, dall'altra - le caratteristiche formali dell'arte barocca. L'impressione di fiction è causata principalmente dall'effetto dell'illuminazione, lontano da sempre dipendente da una certa fonte, ma generata dalla capacità irradiante degli articoli stessi. Per le tendenze barocche dell'arte Rembrandt di questo periodo, l'iniziativa del linguaggio artistico, del dinamismo e del Pathos di composizioni, in parte, la nitidezza del sapore. In questa fase, Rembrandt è costantemente la tendenza alla teatralizzazione delle immagini, spingendo i maestri di scrivere se stesso e il suo vicino a lussureggianti impermeabili, caschi, turbanti, berretti o raffigurano Saskoviah sotto forma di eroine bibliche, poi un'antica dea.
Per ritratto personalizzato, è adatto, ovviamente, altrimenti. Le caratteristiche distinguono la loro vivacità, l'abilità di forme di formazione, la ricerca di elegalità e allo stesso tempo, il famoso rigore giustifica la sua gloria come ritrattista. Un ritratto di gruppo noto come "Anatomy of Doctor Tulip" (1632, Aia, Mauritzheis,), dove la capacità di unirsi a rappresentare l'attenzione delle persone alla conferenza, letta da una tulite in un tavolo anatomico, è stata raggiunta dalle caratteristiche, è stata la prima Successo particolarmente forte di Rembrandt.
Con l'estrema abbondanza di ritratti di ritratto che cade il decennio in considerazione, Rembrandt ha trovato il tempo per un affascinante pittura narrativa. "Angel Lasciando la famiglia tovia" (1637, Louvre) può servire come esempio delle marcate caratteristiche barocche di questo periodo. La trama prese in prestito dalla Bibbia, dove il momento è presentato quando un angelo, che ha aiutato il figlio di Tovia a guarire suo padre, lascia la famiglia familiare, è saturato di elementi del genere. Un altro approccio del genoma all'argomento è catturato nell'immagine dell'Hermitage "parabola sulle grapeters" (1637). In questo caso, la parabola evangelica si trasforma in una scena puramente realistica di calcolare il ricco proprietario con i lavoratori. La lealtà dei gesti e delle espressioni di individui qui non è meno caratteristica di Rembrandt rispetto al problema pittoresco della trasmissione della luce, che scorre in piccole finestre e serve nelle profondità di una sala adesiva elevata.
Abilità pittoresca e caratteristica di Rembrandt nel sapore verdognolo 1630 si manifestano con tutta la pienezza in una delle immagini più famose - Hermitage "Dana" (1636). Sulla sensazione della vita nel trasferimento del corpo, in un gesto, nell'espressità del volto, è insolitamente vivamente rivelato dal realismo del concetto artistico del Maestro in questo momento del suo sviluppo creativo.
Dall'inizio degli anni 1640, la creatività di Rembrandt si unisce a una nuova fase, durata fino al centro del prossimo decennio. L'indipendenza di una comprensione del Master dei Compiti dell'arte, il suo desiderio di profonda Vita Verità, Interesse per problemi psicologici, nel corso degli anni avevo sempre più e più, rivelato a Rembrandte la più grande personalità creativa, molto lontano la cultura del Società borghese che lo circonda. Il contenuto profondo di Rembrandt Art era il secondo inaccessibile. Voleva l'arte del realistico, ma più superficiale. L'originalità delle pittoresche tecniche di Rembrandt a sua volta è andata storta con un modo generalmente accettato, un po 'dimagrante della lettera. Poiché i tempi della lotta dell'eroica nazionale per l'indipendenza è stato spostato nel passato, nei gusti dell'ambiente dominante, le tendenze rimorchiavano sull'elegazza e l'idealizzazione nota dell'immagine. La disgrazia dei punti di vista di Rembrandt, sostenuta dalla sua indipendenza materiale, lo ha portato a una discrepanza completa con la società. Questo divario con il mezzo borghese colpito da tutta la certezza a causa dell'ordine del Maestro di un grande ritratto di gruppo della gilda degli sparatutto di Amsterdam. L'immagine (1642, Amsterdam), eseguita come risultato di questo ordine, non ha soddisfatto i clienti e rimase incomprensibile persino cerchi artistici. Invece di un gruppo di ritratti più o meno ordinario, Rembrandt ha dato un quadro dei discorsi della squadra armata, in sella a suoni del tamburo dietro i suoi leader. Caratteristica ritratto raffigurata ritirata sullo sfondo prima della scena dinamica. La pittura ampiamente concepita di contrasti di illuminazione ha riportato un'immagine di un carattere romantico, di Thoring e del suo nome condizionale - "orologio notturno".
Il conflitto con il mezzo dominante e il tagliente dovuto a questa caduta di ordini non ha influenzato l'energia creativa del Maestro. Inoltre, non ha influito sul cambiamento delle condizioni familiari di Rembrandt, che ha perso la sua moglie preferita, che aveva un'ispirazione permanente delle sue immagini femminili, non è stata riflessa su di esso. Alcuni anni dopo il suo posto occupa un altro. Apparendo prima nel ruolo umile del servo, Gendrick Stoffels diventa poi la fedeltà della vita del Maestro e gli fornisce la pace e il silenzio del comfort della famiglia.
Il prossimo periodo era favorevole per lo sviluppo dell'arte di Rembrandt. La gioventù di Zador scompare dal suo lavoro. Diventa concentrato, equilibrato e ancora più profondo. La complessità delle composizioni e del pathos è sostituita dalla semplicità. La sincerità dei sentimenti non è violata dalla ricerca di effetti esterni. Il problema dell'illuminazione possiede ancora i maestri. La colorazione diventa calda. I toni dorati gialli e rossi dominano. Religioso nella natura del soggetto, ma puramente genere sull'interpretazione della trama, l'immagine dell'Hermitage "Sacra famiglia" (1645) è estremamente caratteristica di questa volta.
Insieme alle composizioni del genere biblico, questo periodo è pieno di una nuova immagine dell'immagine della realtà - Paesaggi per Rembrandta. Avendo dato in alcuni casi a contribuire ai loro imprenditori romantici, crea insieme ad esso entusiasmante il rigoroso realismo dell'approccio allegato di un villaggio olandese incontaminato. Little "Winter View" (1646, Kassel), alla luce di un chiaro giorno gelido, il cortile contadino e diverse figure sul poloit del canale ghiacciato, secondo le sottigliezze del sentimento e della veridicità della percezione visiva, funge da Uno dei campioni più perfetti del paesaggio realistico degli olandesi.
A Popaight, Rembrandt è ora libero quando si sceglie modelli e scrive il beneficio di una persona con individualità pronunciata. Questa è principalmente donne anziane e ebrei aquila. Ma con la stessa nitidezza, si rivela essere in grado di trasferire il fascino di una giovane donna o fascino di aspetto giovanile. Tutto il meschino è inferiore in questi ritratti di conseguenza generalizzata, ma allo stesso tempo straordinaria presentazione acuta dell'immagine. Ciò contribuisce in gran parte alla crescente latitudine delle maniere di esecuzione tecnica.
Nonostante l'estensione e il valore artistico di Rembrandt creato durante questo periodo, la situazione finanziaria di Rembrandt è stata estremamente difficile per la metà degli anni 1650. A causa della caduta del numero di ordini, una difficile vendita di dipinti e, in particolare, la disattenzione del Maestro nella condotta dei loro affari Rembrandt ha sperimentato grandi difficoltà materiali. Il debito associato all'acquisizione durante la vita di Saskiya è costosa a casa, minacciata con una rovina completa. I tentativi di uscire dal debito potevano fermare solo la catastrofe, ma è ancora scoppiata. Nell'estate del 1656, Rembrandt è stato dichiarato insolvente e tutta la sua proprietà è stata venduta dall'asta. Elevato letto familiare, è stato costretto a muoversi con la sua famiglia con il povero quartiere ebraico della capitale commerciale, e qui in una netta mancanza dei suoi ultimi giorni.
Queste avversità, così come la rembrandt completa quindi la sfortuna - la morte di Gendrik, la morte dell'unico figlio del Titus, erano impotente a fermare l'ulteriore crescita del suo genio. La fine del 1650 e 1660s è la fase più ambiziosa della creatività di Rembrandt. Rappresenta la sintesi di tutte le sue precedenti querse psicologiche e pittoresche. Forza eccezionale di immagini, semplicità del design, l'intensità del sapore caldo e la portata della tessitura pittoresca costituiscono le caratteristiche principali di questo periodo. Queste qualità sono ugualmente manifestate sia nei ritratti che nelle composizioni bibliche. Creato in questo momento Gruppo Ritratto di "Sindics" (anziani del negozio nuvoloso, 1662, Amsterdam) considera meritatamente uno dei vertici della creatività di Rembrandt). Caratteristica psicologica acuta, semplicità della costruzione, che non è complicata dal ritmo di linee e masse, oltre a un magro in termini di numero di colori, ma il colore intensivo è riassunto l'intero percorso precedente di Rembrandt-Ritraity. Nel campo del dipinto biblico, lo stesso ruolo appartiene al "ritorno del figlio prodigo", situato nell'eremo. La scena della riconciliazione rinunciata nella sua infertilità del figlio e del padre tutti amichevole su semplicità, dramma e sottigliezze del trasferimento di esperienze umane rimane insuperabile nell'arte mondiale. È difficile per lei trovare qualcosa di pari alla saturazione del tono e della latitudine della lettera.
"Il figlio prodigo" è uno dei dipinti più recenti del Maestro e, a quanto pare, risale al 1669 - l'anno della morte di Rembrandt. Questa morte è passata completamente inosservata, e solo molti anni dopo, nel XVIII secolo, la comprensione dell'arte di questo grande artista cominciò a crescere.
Il valore di Rembrandt è dovuto al dipinto del Maestro del suo enorme patrimonio come grafica. Tutte le proprietà di cui sopra delle opere di Rembrandt hanno influenzato le opere grafiche non meno luminose che nella pittura, e inoltre, sia nei disegni originali che nel campo della grafica stampata, incisioni. Nel recente, Rembrandt è il più grande Maestro del Gruppo Etch.
Per le sue caratteristiche, le incisioni non hanno meno significato rispetto ai dipinti. La distinta profondità di rembrandt dell'analisi psicologica, il realismo espressivo delle immagini e la perfezione della proprietà del tecnico dell'arte ha colpito la lunga fila di fogli meravigliosi, a teaticamente più diversi del dipinto del Maestro. Particolarramente famoso appartiene a "Cristo, cura dei pazienti" (il cosiddetto foglio in cento florians ", circa 1649)," tre croci "(1653), ritratti di Lutma (1656), Harling (1655), sei ( 1647), così come i paesaggi noti come "Tre True (1643) e" Gold Pesater's Manor "(1651).
Nessun posto minore significativo nel patrimonio grafico di Rembrandt scatta foto. L'acuità e la peculiarità della percezione del rembrandt del mondo circostante hanno colpito questi numerosi e vari fogli con una forza speciale. Il modo disegnare, come il modo pittoresco di Rembrandt, si evolve notevolmente in tutto lo sviluppo creativo del Wizard. Se i primi disegni di Rembrandt sono lavorati nei dettagli e sono piuttosto complessi in composizione, quindi in un periodo più maturo, li ha eseguiti con un ampio modo pittoresco, estremamente conciso e semplice. Rembrandt di solito dipinto con una penna d'oca o canna e è stata in grado di raggiungere con le più semplici tecniche di eccezionale espressività. I suoi disegni, anche quando sono dei minuto schizzi di qualche motivazione ordinaria, sono un intero completo, trasmettendo tutto la varietà della natura.
L'arte di Rembrandt nel suo complesso è rimasta i contemporanei incomprensibili. Durante il successo della Scuola degli studenti, di cui Ferdinand Dolore (1616-168-1680), Herbrandan van Den Den, ha acquisito la più grande fama (1621-1674) e Art de Helder (1645-1727). Avendo appreso il tema, le tecniche composite e i tipi di insegnanti, non sono andati tutti uguali nel loro pittura figura sull'imitazione esterna dei ricevimenti di Rembrandt. L'influenza vivace del Maestro, opposta a quella, ha sicuramente influenzato i numerosi giocatori del paesaggio adiacenti a lui - Philips Kindka (1619-1688), Domera (1622-1700) e altri. Indipendentemente da ciò, il suo sviluppo del problema della luce è diventato la pietra angolare per lo sviluppo di tutti i successivi dipinti olandesi.
Il pieno riconoscimento della creatività di Rembrandt ottiene, tuttavia, solo nel 19 ° secolo. E da ora in poi, non cessa di essere uno dei più alti campioni di realistico e allo stesso tempo la pittoresca forma di realizzazione delle immagini.