L'idea principale del mondo dell'arte. LS Bychkova

09.07.2019

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Rivista letteraria e artistica illustrata, organo dell'associazione del Mondo dell'Arte e (fino al 1903) scrittori simbolisti. Pubblicato nel 1898/99 1904 a San Pietroburgo. Gli editori M. K. Tenisheva e S. I. Mamontov (nel 1899), poi S. P. Diaghilev (capo ... ... Enciclopedia dell'arte

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La Russian Art Association (1898 1924), fondata a San Pietroburgo da A. N. Benois e S. P. Diaghilev. Proporre slogan arte pura e la trasformazione della vita da parte dell'arte, i rappresentanti del mondo dell'arte hanno rifiutato sia l'accademismo che ... ... Grande dizionario enciclopedico

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Libri

Mondo dell'Arte. 1898-1927, G. B. Romanov, Questa pubblicazione è dedicata al periodo di 30 anni nella storia dell'associazione "World of Art". La pubblicazione contiene ritratti, biografie e opere di artisti. Nel preparare questa enciclopedia per... Categoria: Storia dell'arte russa Editore:

L'associazione World of Art, che incarnava gli ideali artistici del simbolismo e della modernità, ha svolto un ruolo significativo nella formazione dell'avanguardia, contrariamente alle sue stesse aspirazioni. Nonostante il confronto che esisteva tra il mondo dell'arte e gli artisti d'avanguardia (l'esempio più eclatante è la controversia giornalistica tra A.N. Benois e D.D. Burliuk), il rapporto tra i due fenomeni a livello storico e artistico è evidente.

La conoscenza della Russia con l'arte moderna occidentale è stata effettuata grazie alle attività del mondo dell'arte. Il processo iniziò già nel 1897-1898, quando S.P. Diaghilev organizzò mostre di artisti inglesi, tedeschi, scandinavi e finlandesi.

Il passo successivo del "World of Art" è stato più audace. Nel 1899 il primo esposizione internazionale edizione della rivista, che presentava opere di famosi artisti europei. Sebbene gli organizzatori della mostra abbiano continuato a prendere una posizione poco convinta nei confronti dell'arte mondiale contemporanea, la composizione generale degli artisti stranieri invitati si è rivelata piuttosto varia. Da impressionisti francesi la scelta è caduta su Claude Monet, Auguste Renoir e Edgar Degas; c'erano anche altri maestri, in un modo o nell'altro vicini all'Art Nouveau, all'accademismo e al realismo. Non c'erano opere di Paul Cezanne, Vincent van Gogh e Paul Gauguin in mostra. Il gruppo inglese era rappresentato da Frank Brangwyn e dall'americano James Whistler. C'erano opere di artisti tedeschi (Franz von Lenbach e Max Liebermann), svizzeri (Arnold Böcklin) e italiani (Giovanni Boldini). Nonostante la nota unilateralità della selezione, dettata da un certo orientamento del "Mondo dell'Arte", i cui membri - per loro stessa ammissione - "trascuravano" gli impressionisti, Cézanne, Gauguin e altri più significativi maestri della fine 19esimo secolo, questa mostra ha segnato una svolta decisiva nel territorio della nuova arte europea.

Per quanto riguarda gli stessi maestri del mondo dell'arte, proprio allo stesso tempo hanno iniziato a guadagnare determinate posizioni nei siti espositivi europei. A metà degli anni 1890, Benois ricevette una proposta da uno dei leader della Secessione di Monaco di organizzare una sezione speciale russa in una delle mostre. Durante il 1900 c'è stato un processo di penetrazione degli artisti russi nelle mostre straniere. In Germania, uno degli artisti russi più apprezzati fu KA Somov, che espose alle Secessioni di Vienna e Berlino nel 1901-1902, la sua mostra personale si tenne ad Amburgo nel 1903 e la prima monografia su di lui fu pubblicata nel 1907 a Berlino. Un altro leader del "Mondo dell'Arte", L. S. Bakst, partecipò alla Secessione di Monaco dalla fine degli anni 1890, nel 1904 espose a Parigi, dimostrando il suo lavoro al Grand Palais; il successo gli arrivò negli anni '10, dopo aver partecipato all'impresa di Diaghilev e alle mostre personali a Parigi e Londra.

Allo stesso tempo, insieme a World of Art, nelle loro mostre iniziarono ad apparire opere di artisti delle ultime tendenze. Nel febbraio-marzo 1906, anche prima della creazione ufficiale della società World of Art nel 1910, Diaghilev organizzò una mostra con lo stesso nome. Vi hanno partecipato M.F. Larionov, i fratelli V.D. e N.D. Milioti, N.N. Sapunov, A.G. Yavlensky.

All'inizio degli anni '10, il mondo dell'arte mostra una certa apertura alla nuova arte. Così, dopo il successo del Fante di Quadri nel 1910, alcuni dei suoi rappresentanti risultarono essere espositori delle mostre World of Art (P.P. Konchalovsky, A.V. Lentulov, I.I. Mashkov, A.A. Morgunov, V.V. Rozhdestvensky , R.R. Falk, fratelli Burliuk) . Nel 1910-1911, N.S. Goncharova, Larionov, P.V. Kuznetsov, M.S. Saryan, G.B. Yakulov parteciparono alle mostre World of Art. La stampa era indignata per questo. "Dopo essersi dichiarati di sinistra e aver alzato lo stendardo di Diaghilev del "Mondo dell'arte", i partecipanti alla mostra giornalistica ... hanno invitato ... "anarchici"" ( Mattina presto. 1911. N. 47. 27 febbraio. C.5). “Non esiste un “Mondo dell'Arte”, e al suo posto – “Fante di Quadri” con un minuscolo ramo pallido “Mondo dell'Arte”. Ospiti<...>si stabilì come a casa, con una tale spavalderia che non c'era quasi più spazio per i proprietari ”(S. Glagol. World of Art // Stolichnaya rumor. 1911. No. 217. 5 dicembre. P.3).

Solo Goncharova, Larionov e Yakulov parteciparono alla mostra di Mosca del mondo dell'arte (novembre-dicembre 1912) (furono anche esposti alla mostra di San Pietroburgo nel gennaio-febbraio 1913). I membri di Diamonds Mashkov e Lentulov hanno rifiutato di partecipare con decisione dell'assemblea generale del Jack of Diamonds. L'esposizione di Mosca del "Mondo dell'arte" (dicembre 1913 - gennaio 1914) ha raccolto grande quantità Artisti di sinistra: NI Altman e AV Shevchenko furono aggiunti a Goncharova, Larionov e Yakulov. VE Tatlin ha esposto "Picturesque Relief" senza accordo con gli organizzatori.

La composizione dei futuristi (come la chiamavano i critici degli artisti di sinistra) alle mostre World of Art nel 1915-1916 cambiò in qualche modo: nel 1915, la sinistra era rappresentata dai nomi di L.A. Bruni, P.V. Miturich e N.A. Tyrsa, e in 1916 - K.L. Boguslavskaya, Konchalovsky, Mashkov, V.M. Khodasevich e Yakulov.

Nel marzo 1916, Konchalovsky e Mashkov lasciarono il Fante di quadri e divennero membri della società World of Art. Nello stesso anno, Goncharova si unì alla società. Questi fatti hanno testimoniato l'assimilazione del tempo opposto direzioni artistiche. Il processo continuò per le successive due stagioni espositive (1917-1918): oltre a Konchalovsky e Mashkov, opere di S.I. Dymshits-Tolstoy, L.M. Lissitzky, S.A. Nagubnikov, A. F. Sofronova.

Nel maggio 1917, il "Mondo dell'arte" entrò nella federazione centrale del sindacato dei pittori di Mosca. Nel 1918, la società rifornì i suoi ranghi con gli ex tamburelli A.V. Kuprin, Lentulov, A.I. Milman, Rozhdestvensky, Falk e divenne praticamente il centro del cézannismo di Mosca. P. Kuznetsov fu eletto presidente del World of Art nel 1918 e Mashkov, Milman e Lentulov furono inclusi nella guida della società.

Nell'estate del 1921, il popolo dei Diamanti si unì nuovamente sotto la bandiera del "Mondo dell'Arte" - la mostra della società fu aperta fino a novembre e riunì artisti di varie direzioni. Oltre al tradizionale nucleo Bubnovalet, sono stati esposti Inhukovites A.A. Vesnin, A.D. Drevin e N.A. Udaltsova, così come V.V. Kandinsky e Shevchenko.

In questa occasione, Falk ha scritto a Kuprin: “Molto è cambiato nella nostra società [World of Art]. Grazie agli sforzi di Ilya Ivanovich [Mashkov] e [P.V.] Kuznetsov, ha perso l'aspetto previsto. Entrò una massa di nuovi membri, guidati da loro in fuchs, come vari studenti di Kuznetsov, Bebutov, ecc. Mashkov vuole vedere sua moglie come membro e così via. In generale l'atmosfera comincia a deteriorarsi gravemente” (RGALI, F. 3018, Op. 1, pos. 147, foglio 6).

La successiva mostra di Mosca (gennaio 1922) testimoniò lo stato di crisi del "Mondo dell'Arte". Falk ha riferito allo stesso destinatario: “La mostra mi ha lasciato una sensazione triste. Mi sembra che il pathos sia necessario nell'arte, ma non è così. Tutto<...>siamo una specie di agrodolce, non caldo e non freddo. La rivoluzione ci ha risposto molto duramente, ci ha schiacciato al suolo e ci ha fatti tutti i giorni” (RGALI. F.3018. Op.1. Voce 147. L. 10-11).

All'ultima mostra della società, inaugurata a Parigi nel giugno 1927, nessuno degli artisti d'avanguardia partecipò.

LS Bychkova

Il mondo dell'arte nel mondo dell'arte*

L'associazione artistica e la rivista "World of Art" sono fenomeni significativi nella cultura russa dell'età dell'argento, esprimendo chiaramente una delle tendenze estetiche essenziali del loro tempo. Il Commonwealth of the World of Arts ha iniziato a prendere forma a San Pietroburgo negli anni '90. 19esimo secolo attorno a un gruppo di giovani artisti, scrittori, artisti che cercavano di rinnovare la vita culturale e artistica della Russia. I principali iniziatori furono A.N. Benois, S.P. Diaghilev, D.V. Filosofov, K.A. Somov, L.S. Bakst, in seguito amici di M.V. che condividono la stessa cultura e gusto generale”, nel 1899 si tenne la prima delle cinque mostre della rivista, l'associazione stessa fu formalizzata nel 1900. La rivista esistette fino alla fine del 1904, e dopo la rivoluzione del 1905 cessarono le attività ufficiali dell'associazione. Oltre ai membri dell'associazione, sono stati coinvolti nelle mostre molti artisti di spicco dell'inizio del secolo, che hanno condiviso la principale linea spirituale ed estetica del "Mondo dell'Arte". Tra questi, prima di tutto, possiamo citare i nomi di K. Korovin, M. Vrubel, V. Serov, N. Roerich, M. Nesterov, I. Grabar, F. Malyavin. Sono stati invitati anche alcuni maestri stranieri. Anche molti pensatori e scrittori religiosi russi hanno pubblicato sulle pagine della rivista, sostenendo a modo loro la "rinascita" della spiritualità in Russia. Questo è V. Rozanov,

* Materiali utilizzati nell'articolo progetto di ricerca N. 05-03-03137a, sostenuto dalla Fondazione umanitaria russa.

D. Merezhkovsky, L. Shestov, N. Minsky e altri La rivista e l'associazione nella sua forma originale non sono durate a lungo, ma lo spirito del mondo dell'arte, le sue attività editoriali, organizzative, espositive ed educative hanno lasciato un segno notevole sulla cultura e l'estetica russa, ei membri principali dell'associazione - il mondo dell'arte - hanno mantenuto questo spirito e le predilezioni estetiche quasi per tutta la vita. Nel 1910-1924. Il "Mondo dell'Arte" ha ripreso la sua attività, ma già in una composizione molto espansa e senza una prima linea estetica (essenzialmente estetica) sufficientemente chiaramente orientata. Molti dei rappresentanti dell'associazione negli anni '20. si trasferirono a Parigi, ma anche lì rimasero aderenti ai gusti artistici della loro giovinezza.

Due idee principali hanno unito i partecipanti al World of Art in una comunità integrale: 1. Il desiderio di restituire all'arte russa la principale qualità dell'arte abilità artistica, libera l'arte da ogni tendenziosità (sociale, religiosa, politica, ecc.) e la indirizza in una direzione puramente estetica. Da qui, lo slogan l'art pour l'art, popolare tra loro, sebbene antico nella cultura, il rifiuto dell'ideologia e della pratica artistica dell'accademismo e dell'erranza, un interesse speciale per le tendenze romantiche e simboliste nell'arte, nel Pre- Raffaelliti, nabidi francesi, nella pittura di Puvis de Chavana, mitologismo di Böcklin, estetismo Jugendstil, Art Nouveau, ma anche E.T.A. una tendenza a includere la cultura e l'arte russa in un ampio contesto artistico europeo. 2. Su questa base: romanticizzazione, poeticizzazione, estetizzazione del russo patrimonio nazionale, soprattutto tardo, XVIII - inizio XIX secolo, incentrato sulla cultura occidentale, in generale, l'interesse per la cultura post-petrina e l'arte popolare tarda, per la quale i principali partecipanti all'associazione ricevettero il soprannome di "sognatori retrospettivi" nei circoli artistici.

La tendenza principale del "World of Art" era il principio dell'innovazione nell'arte basato su un gusto estetico altamente sviluppato. Da qui le preferenze artistiche ed estetiche e le attitudini creative del mondo dell'arte. Crearono, infatti, una solida versione russa di quel movimento esteticamente affilato di fine secolo, che gravitava verso la poetica del neoromanticismo o del simbolismo, verso la decoratività e la melodiosità estetica della linea, e in paesi diversi Aveva nomi diversi (Art Nouveau, Secession, Jugendstil) e in Russia era chiamato lo stile Art Nouveau.

Gli stessi partecipanti al movimento (Benois, Somov, Dobuzhinsky, Bakst, Lansere, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin) non erano grandi artisti, non hanno creato capolavori artistici o opere eccezionali, ma hanno scritto diverse pagine molto belle, quasi estetiche nella storia dell'arte russa, mostrando di fatto al mondo che lo spirito dell'estetismo orientato a livello nazionale non è estraneo all'arte russa in miglior senso questo termine ingiustamente sottovalutato. Tipici dello stile della maggior parte del mondo dell'arte erano la raffinata linearità (grafica - hanno portato la grafica russa al livello di una forma d'arte indipendente), la raffinata decorazione, la nostalgia per la bellezza e il lusso delle epoche passate, a volte le tendenze neoclassiche e l'intimità nei lavori da cavalletto. Allo stesso tempo, molti di loro gravitavano anche verso la sintesi teatrale delle arti - da qui la partecipazione attiva a produzioni teatrali, i progetti di Diaghilev e le "stagioni russe", un crescente interesse per la musica, la danza, teatro moderno generalmente. È chiaro che la maggior parte del mondo delle arti era diffidente e, di regola, nettamente negativo nei confronti dei movimenti d'avanguardia del loro tempo. Il "Mondo dell'Arte" ha cercato di trovare nell'arte una propria strada innovativa, saldamente legata alle migliori tradizioni dell'arte del passato, alternativa al percorso degli artisti d'avanguardia. Oggi lo vediamo nel ventesimo secolo. Gli sforzi degli specialisti del mondo dell'arte praticamente non hanno ricevuto alcuno sviluppo, ma nel primo terzo del secolo hanno contribuito a mantenere un alto livello estetico nelle culture russa ed europea e hanno lasciato un buon ricordo nella storia dell'arte e della cultura spirituale.

Qui voglio soffermarmi sulle attitudini artistiche e sui gusti estetici di alcuni dei principali rappresentanti del "Mondo dell'Arte" e degli artisti che aderirono attivamente al movimento al fine di individuare la principale tendenza artistica ed estetica dell'intero movimento oltre a quanto è ben mostrato dagli storici dell'arte basati sull'analisi della creatività artistica.il mondo delle arti stesse.

Costantino Somov (1869-1939) nel "Mondo dell'Arte" fu uno degli esteti più raffinati e sofisticati, nostalgico del bello arte classica passato, fino a Gli ultimi giorni della sua vita che cercava la bellezza o le sue tracce nell'arte contemporanea e, al meglio delle sue capacità, ha cercato di creare questa bellezza. In una delle lettere spiega ad A. Benois perché non può partecipare in alcun modo movimento rivoluzionario 1905, che ha travolto tutta la Russia: “... prima di tutto, sono follemente innamorato della bellezza e voglio servirla; solitudine con pochi e cosa c'è dentro

l'anima umana è eterna e intangibile, apprezzo soprattutto. Io sono un individualista, tutto il mondo gira intorno al mio “io” e, in sostanza, non mi interessa ciò che va oltre questo “io” e la sua ristrettezza” (89) . E alle lamentele del suo corrispondente sull'imminente "maleducazione", lo consola con il fatto che ce n'è sempre abbastanza, ma la bellezza rimane sempre accanto a lui - è sufficiente in qualsiasi sistema per "ispirare poeti e artisti ” (91).

Somov ha visto in bellezza punto principale la vita e quindi tutte le sue manifestazioni, ma soprattutto la sfera dell'arte, da lui considerata attraverso occhiali estetici, comunque di sua produzione piuttosto soggettiva. Allo stesso tempo, ha costantemente cercato non solo di godere di oggetti estetici, ma anche di sviluppare il proprio gusto estetico. Già un noto artista quarantenne, non considera vergognoso andare alla conferenza sull'estetica di I. Grabar, ma acquisisce la principale esperienza estetica per tutta la vita quando comunica con l'arte stessa. In questo, fino agli ultimi giorni della sua vita improvvisamente troncata, fu instancabile. Dalle sue lettere e dai suoi diari vediamo che tutta la sua vita è stata spesa nell'arte. Oltre al lavoro creativo, visite costanti, quasi quotidiane a mostre, gallerie, musei, studi di artisti, teatri e sale per concerti. In ogni città in cui è arrivato, è corso per la prima volta nei musei e nei teatri. E troviamo una breve reazione a quasi tutte queste visite nei suoi diari o lettere. Qui, nel gennaio 1910, era a Mosca. "Mi stanco durante il giorno, ma comunque vado a teatro tutte le sere" (106). E gli stessi record fino agli ultimi anni della sua vita a Parigi. Quasi ogni giorno teatri, concerti, mostre. Allo stesso tempo, visita non solo ciò che sa per certo che riceverà piacere estetico, ma anche molte cose che non possono soddisfare il suo bisogno estetico. Segue professionalmente le vicende della vita artistica e cerca almeno tracce di bellezza.

E li trova quasi ovunque. Non dimentica di menzionare la bellezza del paesaggio, che scopre in Francia, in America, a Londra ea Mosca. Periodo sovietico; sulla bellezza della cattedrale di Chartres o sugli interni di case e palazzi che ha dovuto visitare in diversi paesi del mondo. Tuttavia, con amore speciale e costante, gode della bellezza dell'arte. Allo stesso tempo, con la stessa passione, ascolta musica, opera, guarda il balletto e spettacoli teatrali, legge narrativa, poesia e, naturalmente, non perde occasione per vedere la pittura: sia vecchi maestri che contemporanei. E ad ogni contatto con l'arte ha qualcosa da dire. Allo stesso tempo, i suoi giudizi, sebbene piuttosto soggettivi, spesso si rivelano

mirato e preciso, che è ulteriormente sottolineato dalla loro concisione. Impressione generale, alcune osservazioni specifiche, ma anche da esse si sente bene sia il livello di coscienza estetica dello stesso Somov, sia lo spirito dell'atmosfera dell'età dell'argento in cui si è sviluppata questa coscienza.

“La sera ero a un concerto di Koussevitzky. C'era una messa di Bach. Un'opera di straordinaria bellezza e ispirazione. L'esecuzione è stata eccellente, molto armoniosa” (1914) (138). Completamente deliziato dall'esibizione della New York Philharmonic Orchestra diretta da Toscanini: “Non ho mai sentito niente di simile in vita mia” (Parigi, 1930) (366). Sull'esecuzione della messa da parte del coro papale a Notre Dame: “L'impressione di questo coro è soprannaturale. Non ho mai sentito tanta armonia, purezza di voci, il loro timbro italiano, acuti così deliziosi” (1931) (183). Sull'esecuzione dell'opera Idomeneo di Mozart da parte del coro di Basilea: "Si è rivelata una bellezza assolutamente brillante e incomparabile" (Parigi, 1933) (409), ecc. e così via. Già in età avanzata, ha trascorso quattro serate nella galleria del teatro, dove la compagnia di Bayreuth ha eseguito la tetralogia di Wagner. Non era possibile ottenere altri biglietti e ogni spettacolo durava 5-6 ore. Fine giugno, caldo a Parigi, "ma ancora grande piacere" (355).

Somov ha frequentato il balletto con ancora maggiore entusiasmo per tutta la vita. Soprattutto il russo migliori forze che finì in Occidente dopo la rivoluzione del 1917. Qui c'è sia il piacere estetico che l'interesse professionale per la decorazione, che spesso (soprattutto nelle prime esibizioni di Diaghilev) veniva eseguita dai suoi amici e colleghi del mondo dell'arte. Nel balletto, nella musica, nel teatro e nella pittura, naturalmente, Somov trae il massimo piacere dai classici o dall'estetismo raffinato. Tuttavia, il primo terzo del ventesimo secolo era in pieno svolgimento con qualcos'altro, soprattutto a Parigi. Le tendenze d'avanguardia hanno acquisito sempre più forza, tutte le tendenze d'avanguardia sono fiorite e Somov osserva, ascolta, legge tutto questo, cerca di trovare tracce di bellezza in ogni cosa, che sono tutt'altro che sempre trovate, quindi spesso deve cedere bruscamente valutazioni negative su ciò che ha visto, sentito, letto.

Tutto ciò che tende all'estetismo di inizio secolo attira soprattutto l'attenzione dell'artista russo, e le innovazioni d'avanguardia non vengono da lui assimilate, sebbene si senta che si stia sforzando di trovare la propria chiave estetica per esse. Risulta molto raramente. A Parigi assiste a tutte le esibizioni di Diaghilev, spesso ammira i ballerini, la coreografia, meno soddisfatto della scenografia e dei costumi, che negli anni '20.

sono stati spesso eseguiti dai cubisti. “Amo il nostro vecchio balletto”, confessa in una lettera del 1925, “ma questo non mi impedisce di godermi anche quello nuovo. Coreografie e grandi ballerini, soprattutto. Non riesco a digerire lo scenario di Picasso, Matisse, Derain, amo sia la natura illusoria che la bellezza lussureggiante” (280). A New York va a ultime file gallerie" e si diverte con il gioco degli attori americani. Ha esaminato molte giocate e conclude: “Non vedevo un gioco così perfetto e tali talenti da molto tempo. I nostri attori russi sono molto inferiori" (270). E qui letteratura americana lo considera di seconda classe, il che non impedisce, osserva, agli stessi americani di esserne soddisfatti. Deliziato dai singoli pezzi di A. France e M. Proust.

Nelle belle arti moderne, a Somov piacciono soprattutto molte cose del suo amico A. Benois: sia la grafica che la scenografia teatrale. È deliziato dai dipinti e dagli acquerelli di Vrubel - "qualcosa di incredibile in termini di brillantezza e armonia dei colori" (78). È rimasto colpito da Gauguin nella collezione Shchukin; una volta ha elogiato la colorata (popolare) gamma di colori in una delle opere teatrali di N. Goncharova, anche se in seguito, basandosi sulle sue nature morte, parla di lei come stupida e persino idiota, "a giudicare da queste sue cose stupide" ( 360); notato di sfuggita che Filonov " grande arte anche se sgradevole” (192). In generale, è avaro di lodi per i suoi colleghi pittori, a volte è sarcastico, bilioso e persino scortese nelle recensioni del lavoro di molti di loro, sebbene non lodi nemmeno se stesso. Esprime spesso insoddisfazione per il suo lavoro. Spesso informa i suoi amici e parenti che sta strappando e distruggendo schizzi e schizzi che non gli piacevano. Sì, e molti lavori finiti, soprattutto quelli già esposti, non gli piacciono.

Ecco i giudizi scelti quasi a caso di Somov sulle sue opere: “Il XVIII secolo iniziò a scrivere, una signora vestita di viola su una panchina in un parco di carattere inglese. Estremamente banale e volgare. SU Buon lavoro non capace» (192). “Ha iniziato un altro disegno volgare: la marchesa (maledetta!) È sdraiata sull'erba, a distanza due stanno schermando. Ho dipinto fino alle 21:00. La merda è venuta fuori. Proverò a colorare domani. Il mio cuore si sentiva male” (193). Sulle sue opere alla Galleria Tretyakov (e le migliori sono state portate lì, tra cui la famosa “Lady in Blue”): “quello di cui avevo paura, l'ho sperimentato: “Non mi piaceva“ Lady in Blue ”, come tutto altrimenti mio ... " (112). E tali affermazioni non sono rare in lui e mostrano a se stesso la speciale esigenza estetica del maestro. Allo stesso tempo, conosce i momenti di felicità dalla pittura ed è convinto che "la pittura, dopotutto, ma rallegra la vita e talvolta regala momenti felici" (80). È particolarmente severo con i suoi colleghi in negozio e, soprattutto,

tutto, a qualsiasi elemento di avanguardia nell'arte. Lui, come la maggior parte del mondo delle arti, non capisce e non accetta. Questa è la posizione interiore dell'artista, che esprime il suo credo estetico.

Il severo occhio estetico di Somov vede difetti in tutti i suoi contemporanei. Ottiene e russi e francesi nella stessa misura. Questo, ovviamente, non riguarda sempre il lavoro di un particolare maestro nel suo insieme, ma di opere specifiche viste in una particolare mostra o workshop. Esprime, ad esempio, la "verità spietata" a Petrov-Vodkin sul suo dipinto "Attacco", dopo di che voleva "spararsi o impiccarsi" (155-156). In una delle mostre del 1916: "La spia di Korovin"; Il dipinto di Mashkov è "bello nei colori, ma in qualche modo idiotamente stupido"; le opere di Sudeikin, Kustodiev, Dobuzhinsky, Grabar non sono interessanti (155). Alla mostra del 1918: “Grigoriev, un pornografo meravigliosamente talentuoso, ma bastardo, stupido, da quattro soldi. Qualcosa che mi è piaciuto ... Petrov-Vodkin è sempre lo stesso sciocco noioso, stupido e pretenzioso. La stessa insopportabile combinazione di spiacevoli toni puri di blu, verde, rosso e mattone. Dobuzhinsky è un terribile ritratto di famiglia e il resto è insignificante” (185). Per tutta la vita, ha avuto un atteggiamento nei confronti di Grigoriev: "talentuoso, ma frivolo, stupido e narcisista" (264). Sulla prima rappresentazione della produzione de L'ospite di pietra di Meyerhold e Golovin: "Volenteroso, molto pretenzioso, molto ignorante, ammucchiato, stupido" (171). Yakovlev ha molte cose meravigliose, ma “non ha ancora la cosa principale: mente e anima. Tuttavia, è rimasto un artista esterno" (352), "c'è sempre una sorta di superficialità e fretta in lui" (376).

Gli artisti occidentali ottengono ancora di più da Somov, sebbene il suo approccio a tutto sia puramente soggettivo (come praticamente qualsiasi artista nel suo campo artistico). Così, a Mosca, al primo incontro con alcuni capolavori della collezione Shchukin: “Gauguin mi piaceva molto, ma Matisse no. La sua arte non è affatto arte! (111). La pittura di Cézanne non è mai stata riconosciuta come arte. IN L'anno scorso della sua vita (1939) alla mostra di Cézanne: “Tranne una (o forse tre) belle nature morte, quasi tutto è brutto, opaco, senza valori, con colori stantii. Le figure e il suo "bagno" nudo sono decisamente sporchi, mediocri, inetti. Brutti ritratti" (436). Van Gogh, ad eccezione di certe cose: "non solo non brillante, ma anche non buono" (227). Quindi, quasi tutto ciò che va oltre il raffinato estetismo del mondo dell'arte, che è alla base di questa associazione, non è accettato da Somov, non gli dà piacere estetico.

Parla in modo ancora più netto degli artisti d'avanguardia, che ha incontrato a Mosca e poi ha visto regolarmente a Parigi, ma l'atteggiamento nei loro confronti è stato costante e quasi sempre negativo. A proposito della mostra “0.10”, in cui, come sapete, Malevich ha esposto per la prima volta le sue opere suprematiste: “Assolutamente insignificante, senza speranza. Non arte. Trucchi terribili per fare rumore" (152). Alla mostra del 1923 all'Accademia delle arti su Vasilyevsky: "Ci sono molti di sinistra - e, naturalmente, terribili abomini, arroganza e stupidità" (216). Oggi è chiaro che in tali mostre c'era molta "arroganza e stupidità", ma c'erano anche molte opere che ora sono incluse nei classici dell'avanguardia mondiale. Somov, come la maggior parte del mondo delle arti, sfortunatamente, non l'ha visto. In questo senso, è rimasto un tipico aderente alla pittura tradizionale, ma a modo suo compreso. Inoltre non rispettava gli erranti e gli accademici. In questo, tutto il mondo delle arti era unito. Dobuzhinsky ha ricordato che avevano poco interesse per gli Erranti, "trattavano la loro generazione in modo irrispettoso" e non ne parlavano nemmeno nelle loro conversazioni.

Tuttavia, lontano da tutto nell'avanguardia è nettamente negato da Somov - dove vede almeno alcune tracce di bellezza, tratta i suoi antagonisti con condiscendenza. Quindi, gli piacevano anche le scene e i costumi cubisti di Picasso per Pulcinella, ma il sipario di Picasso, dove "due donne enormi con braccia come gambe e con gambe come un elefante, con tette triangolari sporgenti, in clamide bianca ballano una specie di danza selvaggia" , ha descritto succintamente: "Disgustoso!" (250). Ha visto il talento di Filonov, ma ha trattato la sua pittura con molta freddezza. O molto apprezzato S. Dalì come eccellente disegnatore, ma nel complesso era indignato per la sua arte, sebbene osservasse tutto. A proposito delle illustrazioni del metro del surrealismo per le “Canti di Maldoror” di Lautréamont in qualche piccola galleria: “Tutti uguali, gli stessi pendenti di un metro..., gambe mezze marce. Bistecche d'osso sulle cosce umane delle sue figure selvagge<...>Ma che brillante talento di Dalì, come disegna magnificamente. Sta fingendo di essere l'unico, speciale o genuina erotomania e maniacismo a tutti i costi? (419). Anche se, paradossalmente, lui stesso, come è ben noto dal suo lavoro, non era estraneo all'erotismo, sebbene estetico, carino, crinolina. Sì, e spesso qualcosa di patologico lo attraeva. A Parigi sono andata al Musée patologique, dove ho visto... bambole di cera: malattie, ferite, parto, feti, mostri, aborti, ecc. Amo questi musei - voglio andare al musée Grèvin" (320)

Lo stesso vale per la letteratura, il teatro, la musica. Tutto ciò che era d'avanguardia in qualche modo lo respingeva, offendeva il suo gusto estetico. Per qualche ragione non gli piaceva particolarmente Stravinsky. Rimprovera spesso e in ogni occasione la sua musica. In letteratura, Belyy lo ha fatto arrabbiare. “Ho letto "Petersburg" di Andrei Bely - disgustoso! Insapore, sciocco! Analfabeta, come una signora, e, soprattutto, noiosa e poco interessante” (415). A proposito, "noioso" e "poco interessante" sono le sue valutazioni estetiche negative più importanti. Non l'ha mai detto di Dalì o di Picasso. In generale, considerava tutto l'avanguardia una sorta di cattiva tendenza dei tempi. "Penso che i modernisti di oggi", scrisse nel 1934, "tra 40 anni scompariranno completamente e nessuno li raccoglierà" (416). Ahimè, quanto è pericoloso fare previsioni nell'arte e nella cultura. Oggi questi "modernisti" vengono pagati favolosamente e i più talentuosi sono diventati dei classici dell'arte mondiale.

Alla luce dei grandiosi sconvolgimenti storici dell'arte del Novecento. molte delle valutazioni nettamente negative, a volte maleducate, estremamente soggettive del lavoro degli artisti d'avanguardia di Somov ci sembrano ingiuste e sembrano persino sminuire in qualche modo l'immagine artista di talento The Silver Age, raffinato cantore della poetica del Settecento crinolino-galante da lui idealizzato, nostalgico dell'estetica squisita da lui stesso inventata. Tuttavia, in questo estetismo artificiale, raffinato e sorprendentemente attraente, sono radicate le ragioni del suo atteggiamento negativo nei confronti delle ricerche d'avanguardia e degli esperimenti con la forma. Somov ha colto in modo particolarmente netto nelle avanguardie l'inizio di un processo diretto contro il principio fondamentale dell'arte: la sua abilità artistica, sebbene i maestri da lui criticati all'inizio del XX secolo. si sentiva ancora abbastanza debole e lo sperimentava dolorosamente. Il gusto raffinato dell'esteta reagiva nervosamente e bruscamente a qualsiasi deviazione dalla bellezza nell'arte, anche nella sua. Nella storia dell'arte e dell'esperienza estetica, è stato uno degli ultimi e coerenti aderenti alle "belle arti" nel senso più vero del concetto di estetica classica.

E alla fine della conversazione su Somov, una delle sue confessioni estremamente interessanti, quasi freudiane e molto personali nel suo diario datato 1 febbraio 1914, che rivela gli aspetti principali del suo lavoro, il suo galante-pretenzioso, crinolino, manierista XVIII secolo. e in una certa misura, apre il velo sul profondo significato inconscio e libidico dell'estetismo in generale. Si scopre che nei suoi dipinti, secondo l'artista stesso, erano espresse le sue più intime intenzioni intimo-erotiche, il suo sensualmente affinato

Ego. "Le donne nei miei dipinti languono, l'espressione dell'amore sui loro volti, tristezza o lussuria è un riflesso di me stesso, la mia anima<...>E le loro pose spezzate, la loro deliberata bruttezza - una presa in giro di se stesse e allo stesso tempo dell'eterna femminilità, contraria alla mia natura. Ovviamente è difficile indovinarmi senza conoscere la mia natura. Questa è una protesta, un fastidio che io stesso sono per molti versi come loro. Stracci, piume: tutto questo mi attrae e mi ha attratto non solo come pittore (ma qui passa anche l'autocommiserazione). L'arte, le sue opere, i dipinti e le statue preferite per me sono molto spesso strettamente legati al genere e alla mia sensualità. Mi piace ciò che mi ricorda l'amore ei suoi piaceri, anche se le trame dell'arte non ne parlano affatto direttamente” (125-126).

Estremamente interessante, audace, franca confessione, il che spiega molto sia nel lavoro dello stesso Somov, sia nelle sue predilezioni artistiche ed estetiche, sia nell'estetica raffinata del "Mondo dell'Arte" nel suo insieme. In particolare, la sua indifferenza per Rodin (non ha sensualità), o la sua passione per il balletto, infinito entusiasmo per ballerini eccezionali, ammirazione anche per l'anziana Isadora Duncan e aspra critica Ida Rubinstein. Tuttavia, tutto questo non può essere trattato in un articolo, ed è ora di passare ad altri rappresentanti non meno interessanti e dotati del mondo dell'arte, le loro opinioni sulla situazione artistica del loro tempo.

Mstislav Dobuzhinsky (1875-1957). Le predilezioni estetiche di Dobuzhinsky, che iniziarono a manifestarsi ancor prima che entrasse a far parte del circolo del mondo dell'arte, riflettono bene l'atmosfera spirituale e artistica generale di questa associazione, un partenariato di persone che la pensano allo stesso modo nell'arte che cercavano di "far rivivere", come Loro credevano, vita artistica in Russia dopo il predominio di accademici e itineranti sulla base di una grande attenzione all'effettiva abilità artistica delle belle arti. Allo stesso tempo, tutti i membri del World of Art erano patrioti di San Pietroburgo ed esprimevano nella loro arte e nelle loro passioni uno speciale estetismo pietroburghese, che a loro avviso differiva notevolmente da Mosca.

Dobuzhinsky era una figura particolarmente sorprendente in questo senso. Amava San Pietroburgo fin dall'infanzia e divenne infatti un cantante raffinato e raffinato di questa città russa unica con un pronunciato orientamento occidentale. grande amore molte pagine delle sue Memorie gli respirano. Al suo ritorno da Monaco, dove studiò nelle botteghe di A. Azhbe e S. Hollosha (1899-1901) e dove conobbe bene l'arte dei suoi futuri amici e colleghi nei primi numeri della rivista World of Art , Dobuzhinsky con particolare intensità

ha sentito il peculiare fascino estetico di San Pietroburgo, la sua bellezza modesta, la sua grafica sorprendente, l'atmosfera cromatica speciale, le sue distese e le linee dei tetti, lo spirito di Dostoevskij che la penetra, il simbolismo e il misticismo dei suoi labirinti di pietra. In me, scrisse, “una sorta di sentimento nativo che aveva vissuto fin dall'infanzia per i monotoni edifici governativi, le incredibili prospettive di Pietroburgo si era saldamente stabilito in un modo nuovo, ma la parte inferiore della città mi pungeva ancora più acutamente ora.<...>Quelle pareti di fondo delle case sono muri tagliafuoco di mattoni con le strisce bianche dei comignoli, retta tetti, come con merli di fortezza - tubi infiniti - canali addormentati, alte cataste nere di legna da ardere, pozzi scuri di cortili, recinzioni cieche, terre desolate ”(187). Questa bellezza speciale affascinò Dobuzhinsky, che era sotto l'influenza dell'Art Nouveau di Monaco (Stuck, Böcklin), e determinò in gran parte il suo volto artistico nel mondo dell'arte, dove fu presto introdotto da I. Grabar. “Ho fissato intensamente i tratti grafici di San Pietroburgo, ho scrutato la muratura in mattoni delle pareti nude e non intonacate e il loro motivo a “tappeto”, che a sua volta si forma nelle irregolarità e nelle macchie dell'intonaco” (188). È affascinato dalla legatura degli innumerevoli reticoli di San Pietroburgo, dalle maschere antiche degli edifici dell'Impero, dai contrasti di case in pietra e angoli accoglienti con case rustiche in legno, è deliziato da insegne ingenue, chiatte a strisce panciute sulla Fontanka e gente eterogenea su Nevsky.

Comincia a capire chiaramente che "Pietroburgo con tutto il suo aspetto, con tutti i contrasti del tragico, curioso, maestoso e accogliente è davvero l'unica e fantastica città del mondo" (188). E prima ancora, aveva già avuto l'opportunità di viaggiare in Europa, vedere Parigi e alcune città in Italia e Germania. E nell'anno in cui entrò a far parte del circolo del Mondo dell'Arte (1902), sentì che era proprio questa bellezza della città “appena acquisita” “con la sua poesia languida e amara” che nessuno aveva ancora espresso nell'arte, e diresse i suoi sforzi creativi verso questa incarnazione. “Certo”, ammette, “sono stato abbracciato, come tutta la mia generazione, dalle tendenze del simbolismo, ed è naturale che mi fosse vicino un senso di mistero, che, a quanto pare, era pieno di Pietroburgo, mentre io ora l'ho visto” (188). Attraverso la "volgarità e l'oscurità della vita quotidiana di Pietroburgo" sentiva costantemente "qualcosa di terribilmente serio e significativo che si nascondeva nella parte più deprimente" della "sua" Pietroburgo, e nella "melma appiccicosa autunnale e nella pioggia opaca di Pietroburgo che aveva caricato per molti giorni” gli sembrava che “gli incubi pietroburghesi e i “demoni meschini” strisciassero fuori da ogni fessura” (189). E questa poesia di Peter ha attratto Dobuzhinsky, anche se allo stesso tempo lo ha spaventato.

Descrive poeticamente il “terribile muro” che si stagliava davanti alle finestre del suo appartamento: “un muro spento, dai colori selvaggi, anche nero, il più triste e tragico che si possa immaginare, con chiazze umide, scrostate e con solo un piccola finestra cieca. Lo attraeva irresistibilmente e lo opprimeva, evocando ricordi dei cupi mondi di Dostoevskij. E ha superato queste deprimenti impressioni dal terribile muro, come racconta lui stesso, raffigurandolo con “tutte le sue crepe e privazioni, ... già ammirandolo” - “l'artista ha vinto in me” (190). Questo pastello Dobuzhinsky considerava il primo "reale lavoro creativo”, e molte delle sue opere sono permeate del suo spirito, sia nella grafica che nell'arte teatrale e decorativa. Successivamente, lui stesso si è chiesto perché proprio da questo "lato sbagliato" di San Pietroburgo abbia iniziato la sua grande opera, sebbene fin dall'infanzia fosse attratto anche dalla bellezza cerimoniale della capitale Pietro.

Tuttavia, se ricordiamo l'opera di Dobuzhinsky, vedremo che fu lo spirito romantico (o neoromantico) delle città antiche (soprattutto San Pietroburgo e Vilna, a lui vicine negli anni del ginnasio) ad attrarlo magneticamente con i suoi segreti simbolici. A Vilna, di cui si innamorò fin dall'adolescenza e che considerava la sua seconda città natale insieme a San Pietroburgo, fu attratto soprattutto come artista dal vecchio "ghetto" "con le sue strade strette e tortuose, attraversate da archi, e con multi -case colorate" (195), dove ha realizzato molti schizzi e incisioni bellissime, molto delicate e altamente artistiche basate su di essi. Sì, questo è comprensibile se guardiamo alle predilezioni estetiche del giovane Dobuzhinsky. Questa non è la luce chiara e diretta e la bellezza armoniosa della "Madonna Sistina" di Raffaello (non lo impressionò a Dresda), ma il misterioso crepuscolo della "Madonna nella roccia" e del "Giovanni Battista" di Leonardo (169). E poi sono i primi italiani, la pittura senese, mosaici bizantini in San Marco e Tintoretto a Venezia, Segantini e Zorn, Böcklin e Stuck, i Preraffaelliti, gli Impressionisti a Parigi, soprattutto Degas (che divenne per lui per sempre uno degli "dei"), le stampe giapponesi e, infine, il Mondo of Art, la cui prima mostra vide e studiò attentamente ancor prima di conoscerli personalmente nel 1898, fu deliziato dalla loro arte. Soprattutto, come ammette, è stato "affascinato" dall'arte di Somov, che lo ha colpito per la sua sottigliezza, con il quale, entrato pochi anni dopo nella cerchia dei suoi idoli, ha stretto amicizia. La sfera degli interessi estetici del giovane Dobuzhinsky testimonia chiaramente l'orientamento artistico del suo spirito. Lei, come vediamo chiaramente nelle sue Memorie,

coincise completamente con l'orientamento simbolista-romantico e raffinato-estetico del principale Mondo delle Arti, che lo riconobbe subito come uno di loro.

Dobuzhinsky ha ricevuto informazioni di base sul "Mondo dell'arte" da Igor Grabar, con il quale è diventato amico intimo a Monaco durante il suo apprendistato con insegnanti tedeschi e che è stato uno dei primi a vedere in lui un vero artista e ha aiutato correttamente il suo sviluppo artistico, ha dato chiare indicazioni sul campo educazione artistica. Ad esempio, ha fatto programma dettagliato cosa vedere a Parigi, prima del primo breve viaggio di Dobuzhinsky lì, e in seguito lo ha introdotto nel circolo del mondo dell'arte. Dobuzhinsky ha portato gratitudine a Grabar per tutta la vita. In generale, era uno studente riconoscente e un collega simpatico e benevolo e amico di molti artisti a lui vicini nello spirito. È completamente estraneo allo spirito di scetticismo o snobismo, caratteristico di Somov, nei confronti dei suoi colleghi.

Dobuzhinsky ha fornito descrizioni brevi, benevole e mirate di quasi tutti i partecipanti all'associazione, e in una certa misura ci permettono di avere un'idea della natura dell'atmosfera artistica ed estetica di questa interessante direzione nella cultura dell'Argento Età, e della coscienza estetica dello stesso Do-buzhinsky, perché . ha preso la maggior parte degli appunti sui suoi amici attraverso il prisma del suo lavoro.

A. Benois lo ha "punzecchiato" nei suoi anni da studente, quando i suoi disegni "romantici" sono stati esposti alla prima mostra del World of Art, uno dei quali aveva una grande somiglianza con i motivi preferiti di Dobuzhinsky: il barocco di Vilna. Quindi Benois influenzò notevolmente la formazione dello stile grafico del giovane Dobuzhinsky, rafforzandolo nella correttezza dell'angolo di visione scelto del paesaggio urbano. Poi sono stati riuniti e soprattutto l'amore per il collezionismo incisioni d'epoca, e il culto dei loro antenati, e la brama di teatro, e il sostegno che Benois fornì immediatamente al giovane artista.

Dobuzhinsky si avvicinò particolarmente a Somov, che si rivelò in sintonia con lui per la sorprendente sottigliezza della grafica, la "poesia triste e tagliente", che non fu subito apprezzata dai suoi contemporanei. Dobuzhinsky era innamorato della sua arte fin dal primo incontro, gli sembrava preziosa e ha fortemente influenzato lo sviluppo del proprio lavoro, ammette. “Questo può sembrare strano, poiché i suoi temi non sono mai stati i miei temi, ma la stupefacente osservazione del suo occhio e allo stesso tempo la “miniaturità”, e in altri casi la libertà e l'abilità della sua pittura, dove non c'era nulla

un pezzo che non è stato realizzato con sentimento - mi ha affascinato. E, soprattutto, la straordinaria intimità del suo lavoro, il mistero delle sue immagini, il suo senso dell'umorismo triste e la sua storia d'amore allora "Hoffmanniana" mi hanno profondamente turbato e hanno aperto uno strano mondo vicino ai miei vaghi stati d'animo ”(210). Dobuzhinsky e Somov sono diventati molto intimi e spesso si sono mostrati reciprocamente il loro lavoro in una fase molto precoce per ascoltare i reciproci consigli e commenti. Tuttavia, Dobuzhinsky, ammette, era spesso così colpito dagli schizzi di Somov con la loro "poesia languida" e un "aroma" inesprimibile che non riusciva a trovare le parole per dire nulla al riguardo.

Era anche vicino a Leon Bakst, un tempo insegnava anche con lui a scuola d'arte EN Zvantseva, tra i cui studenti c'era allora Marc Chagall. Amava Bakst come persona e lo apprezzava per la grafica dei suoi libri, ma soprattutto per arte teatrale cui ha dedicato tutta la sua vita. Dobuzhinsky ha definito le sue opere grafiche "sorprendentemente decorative", piene di "speciale poesia enigmatica" (296). Ha attribuito grande merito a Bakst sia nel trionfo delle "stagioni russe" di Diaghilev, sia in generale nello sviluppo dell'arte teatrale e decorativa in Occidente. "La sua" Scheherazade "ha fatto impazzire Parigi, e da qui inizia la fama europea e poi mondiale di Bakst". Nonostante la ribollente vita artistica a Parigi, è stato Bakst, secondo Dobuzhinsky, che per lungo tempo "è rimasto uno degli irremovibili trendsetter del 'gusto'". Le sue produzioni provocarono infinite imitazioni nei teatri, le sue idee variarono all'infinito, portate al punto di assurdità, il suo nome a Parigi "cominciò a suonare come il più parigino dei nomi parigini" (295). Per il mondo delle arti con il loro cosmopolitismo, questa valutazione suonava come un elogio speciale.

Sullo sfondo dell'“europeismo” pietroburghese dei principali artisti mondiali, insieme a Roerich, si distinse soprattutto Ivan Bilibin per il suo russofilismo estetico, che portava una barba russa à la moujik e si limitava solo a temi russi espressi da uno speciale squisita tecnica calligrafica e sottili stilizzazioni per l'arte popolare. Nella cerchia del mondo delle arti, era una figura di spicco e socievole. N. Roerich, al contrario, secondo le memorie di Dobuzhinsky, sebbene partecipasse regolarmente alle mostre del World of Art, non si avvicinò ai suoi partecipanti. Forse per questo “la sua grande abilità ei colori molto belli sembravano troppo “prudenti”, enfaticamente spettacolari, ma molto decorativi.<...>Roerich era un "mistero" per tutti, molti dubitavano persino che il suo lavoro fosse sincero o solo inverosimile, e la sua vita personale era nascosta a tutti"(205).

Valentin Serov era il rappresentante di Mosca nel "Mondo dell'arte" ed era venerato da tutti i suoi partecipanti per il suo talento eccezionale, la straordinaria diligenza, l'innovazione nella pittura e la costante ricerca artistica. Se gli Erranti e gli Accademici del mondo dell'arte si collocavano tra i sostenitori dello storicismo, allora si consideravano aderenti allo "stile". A questo proposito, Dobuzhinsky ha visto entrambe le tendenze in Serov. Particolarmente vicino nello spirito al "Mondo dell'arte" era il defunto Serov "Peter", "Ida Rubinstein", "Europa", e Dobuzhinsky vide in questo l'inizio di una nuova fase, che, ahimè, "non dovette aspettare " (203).

Dobuzhinsky ha fatto brevi appunti, puramente personali, anche se spesso molto accurati, su quasi tutto il mondo dell'arte e sugli artisti e scrittori che gli sono stati vicini. Con buoni sentimenti, ricorda Vrubel, Ostroumova, Borisov-Musatov (pittura bella, innovativa, poetica), Kustodiev, Chyurlionis. In quest'ultimo, il mondo delle arti è stato attratto dalla sua capacità di "guardare nell'infinito dello spazio, nella profondità dei secoli", "soddisfatto della sua rara sincerità, un vero sogno, un profondo contenuto spirituale". Le sue opere, "apparendo come da sole, con la loro grazia e leggerezza, colori e composizione sorprendenti, ci sembravano una sorta di gioielli sconosciuti" (303).

Tra gli scrittori, Dobuzhinsky era particolarmente attratto da D. Merezhkovsky, V. Rozanov, Vyach.Ivanov (era un assiduo frequentatore della sua famosa Torre), F. Sologub, A. Blok, A. Remizov, i.e. autori che hanno collaborato con il "Mondo dell'Arte" oa lui vicini nello spirito, soprattutto i simbolisti. In Rozanov fu colpito da una mente insolita e da scritti originali pieni dei "paradossi più arditi e terribili" (204). Nella poesia di Sologub, Dobuzhinsky ammirava "l'ironia salvifica", e Remizov gli sembrava in alcune cose "un vero surrealista anche prima del surrealismo" (277). Ivanov era lusingato dal fatto che "mostrava un rispetto particolarmente attento per l'artista in quanto detentore di qualche suo segreto, i cui giudizi sono preziosi e significativi" (272).

Con un sentimento d'amore speciale, quasi intimo, Dobuzhinsky descrive l'atmosfera che regnava nell'associazione del World of Arts. L'anima di tutto era Benoit, e il centro informale era la sua casa accogliente, in cui tutti si riunivano spesso e regolarmente. Lì venivano preparati anche i numeri della rivista. Inoltre, si incontravano spesso a Lansere, Ostroumova, Dobuzhinsky in affollati tea party serali. Dobuzhinsky sottolinea che l'atmosfera nel mondo dell'arte era familiare, non bohémien. In questa "eccezionale atmosfera di vita intima" e l'arte era "un'amichevole causa comune". Molto è stato fatto

insieme al costante aiuto e sostegno reciproco. Dobuzhinsky scrive con orgoglio che il loro lavoro era estremamente disinteressato, indipendente, libero da qualsiasi tendenza o idea. L'opinione di persone affini era l'unica preziosa; gli stessi membri della comunità. L'incentivo più importante attività creativa era la sensazione di essere “pionieri”, scopritori di nuove aree e sfere dell'arte. "Ora, guardando indietro e ricordando l'allora produttività creativa senza precedenti e tutto ciò che ha cominciato a essere creato intorno", ha scritto in età adulta, "abbiamo il diritto di chiamare questo tempo davvero il nostro "Rinascimento"" (216); "È stato un aggiornamento del nostro cultura artistica, si potrebbe dire - la sua rinascita" (221).

L'innovazione e il "revival" della cultura e dell'arte sono stati intesi nel senso di spostare l'enfasi nell'arte da tutto ciò che è secondario al suo lato artistico senza abbandonare la rappresentazione della realtà visibile. “Anche noi amavamo il mondo e la bellezza delle cose”, ha scritto Dobuzhinsky, “e allora non c'era bisogno di distorcere deliberatamente la realtà. Quel tempo era lontano da qualsiasi "ismo" venuto (a noi) da Cézanne, Matisse e Van Gogh. Eravamo ingenui e puri, e forse questo era il merito della nostra arte" (317). Oggi, un secolo dopo quegli eventi più interessanti, con una certa tristezza e nostalgia possiamo gentilmente invidiare questa ingenuità e purezza altamente artistiche e rimpiangere che tutto questo sia lontano nel passato.

E il processo di grande attenzione alle specificità estetiche dell'arte è iniziato anche tra i precursori del mondo dell'arte, alcuni dei quali hanno successivamente collaborato attivamente con il mondo dell'arte, sentendo che stava continuando il lavoro che avevano iniziato. Tra questi precursori-partecipanti, è necessario prima di tutto nominare i nomi dei più grandi artisti russi Michail Vrubel (1856-1910) e Konstantin Korovin (1861-1939).

Loro, così come i diretti fondatori del Mondo dell'Arte, erano disgustati da ogni tendenziosità dell'arte, che va a scapito dei mezzi puramente artistici, a scapito della forma e della bellezza. A proposito di una delle mostre dei Wanderers Vrubel lamenta che la stragrande maggioranza degli artisti si preoccupa solo dell'argomento del giorno, di argomenti che interessano il pubblico, e "forma, contenuto principale plastica, in un recinto" (59). Contrariamente a molte estetiche professionali del suo tempo e di quelle moderne, che portano infinite discussioni su forma e contenuto nell'arte, un vero artista che vive l'arte sente bene che la forma è

questo è il vero contenuto dell'arte, e tutto il resto non è direttamente correlato all'arte vera e propria. Questo principio estetico più importante dell'arte, tra l'altro, unito così, in generale, artisti diversi, come Vrubel, Korovin, Serov, con il mondo dell'arte vero e proprio.

La vera forma d'arte si ottiene, secondo Vrubel, quando l'artista conduce "conversazioni amorose con la natura", è innamorato dell'oggetto raffigurato. Solo allora nasce un'opera che dona all'anima un “piacere speciale”, che è caratteristico della percezione di un'opera d'arte e la distingue da un foglio stampato, che descrive gli stessi eventi del quadro. L'insegnante principale della forma d'arte è la forma creata dalla natura. Lei “sta a capo della bellezza” e senza alcun “codice dell'estetica internazionale” ci è cara perché “è portatrice di un'anima che si aprirà solo a te e ti dirà la tua” (99-100). La natura, mostrando la sua anima nella bellezza della forma, ci rivela così la nostra anima. Ecco perché vera creatività Vrubel vede non solo nella padronanza del mestiere tecnico dell'artista, ma, soprattutto, in una profonda sensazione diretta del soggetto dell'immagine: sentire profondamente significa “dimenticare di essere un artista ed essere contento di esserlo, prima fra tutti, una persona” (99).

Tuttavia, la capacità di "sentire profondamente" nei giovani artisti è spesso sconfitta dalla "scuola", esercitandoli su intonaci e modelli nell'elaborazione di dettagli tecnici e incidendo in essi ogni sorta di ricordo di una percezione estetica diretta del mondo. Vrubel, d'altra parte, è convinto che insieme alla padronanza della tecnica, l'artista debba conservare uno "sguardo ingenuo e individuale", perché contiene "tutta la forza e la fonte dei piaceri dell'artista" (64). Vrubel è arrivato a questo sulla sua esperienza. Descrive, ad esempio, come ha rifatto lo stesso posto decine di volte al suo lavoro, “e circa una settimana fa è uscito il primo pezzo vivente, che mi ha deliziato; Guardo la sua attenzione e si scopre che è solo un ingenuo trasferimento delle impressioni viventi più dettagliate della natura ”(65). Ripete praticamente la stessa cosa e spiega con le stesse parole che fecero i primi impressionisti a Parigi una dozzina di anni fa, ammirando anche l'impressione diretta della natura, trasmessa sulla tela, con la cui arte Vrubel, a quanto pare, non conosceva ancora. A quel tempo era più interessato a Venezia e ai vecchi veneziani Bellini, Tintoretto, Veronese. Anche l'arte bizantina gli sembrava nativa: “Ero a Torcello, il mio cuore si agitava di gioia - cara, com'è, Bisanzio” (96).

Già questo intimo riconoscimento dell'arte bizantina "nativa" vale molto, testimonia una profonda comprensione dell'essenza della vera arte. Con tutta e per tutta la sua vita la sua dolorosa ricerca di "puramente ed elegantemente bello nell'arte" (80), Vrubel ha capito bene che questa bellezza è un'espressione artistica di qualcosa di profondo, espresso solo con questi mezzi. La sua ricerca a lungo termine della forma si riduceva a questo, sia quando dipingeva il famoso cespuglio di lillà (109), sia quando lavorava su soggetti cristiani per le chiese di Kiev - il ripensamento artistico dell'autore dello stile bizantino e antico russo dell'arte del tempio, e quando lavorando sul tema del Demone, per lui eterno, e in effetti quando dipinge qualsiasi quadro. E li ha collegati con le specificità puramente russe del pensiero artistico. “Ora sono tornato ad Abramtsevo e ancora una volta mi colpisce, no, non mi colpisce, ma sento quell'intima nota nazionale che voglio così cogliere sulla tela e nell'ornamento. Questa è la musica di una persona intera, non sezionata dalle distrazioni dell'ordinato, differenziato e pallido Occidente” (79).

E la musica di questo "uomo intero" può essere trasmessa solo con mezzi puramente pittorici, quindi cerca costantemente e dolorosamente il "pittoresco" in ciascuna delle sue opere, lo nota nella natura. Sì, infatti, solo una tale natura attira la sua attenzione. Nel 1883, in una lettera di Peterhof ai suoi genitori, descrisse dettagliatamente i dipinti su cui si lavorava e si progettava, e tutta la sua attenzione era rivolta esclusivamente al loro lato pittoresco, alla pittura pura. "Invece della musica" la sera, va a vedere da vicino la "vita molto pittoresca" dei pescatori locali. “Mi piaceva un vecchio tra loro: una faccia scura come una monetina di rame, con capelli grigio sporco sbiaditi e una barba arruffata di feltro; una felpa fumosa, catramata, bianca a righe marroni, fascia stranamente la sua vecchia vita con scapole sporgenti, stivali mostruosi ai piedi; la sua barca, asciutta dentro e sopra, ricorda nelle ombre l'osso stagionato; dalla chiglia, bagnata, scura, verde vellutata, goffamente arcuata - esattamente il dorso di un pesce marino. Una bella barca - con macchie di legno fresco, lucentezza setosa al sole, che ricorda la superficie delle cannucce di Kuchkur. Aggiungete ad esso le tinte lilla, blu-bluastre del rigonfiamento serale, tagliate dalle curve stravaganti della sagoma blu, verde-rossastra del riflesso, e questo è il quadro che intendo dipingere ”(92-93).

Il "quadro" è così succoso e descritto in modo pittoresco che possiamo quasi vederlo con i nostri occhi. Vicino a questo, descrive alcune delle sue altre opere e nuove idee. Allo stesso tempo, non dimenticare di enfatizzarli.

carattere pittoresco, sfumature pittoresche del tipo: “Questo è uno studio per sfumature sottili: argento, gesso, calce, colorazione e tappezzeria dei mobili, un vestito (blu) - una gamma delicata e sottile; poi il corpo dall'accordo caldo e profondo si traduce in una variegatura di fiori e tutto è ricoperto dalla potenza tagliente del velluto azzurro del cappello ”(92). Da ciò è chiaro che nelle rumorose riunioni della gioventù moderna, dove si discutono questioni di scopo e significato arti plastiche e si leggono i trattati estetici di Proudhon e Lessing, Vrubel è l'unico e coerente difensore della tesi dell'"arte per l'arte", e gli si oppone "una massa di difensori dell'utilizzazione dell'arte" (90). La stessa posizione estetica lo ha portato al "Mondo dell'Arte", dove è stato subito riconosciuto come un'autorità e lui stesso si è sentito partecipe a pieno titolo di questo movimento di difensori dell'arte nell'arte. "Noi, il mondo dell'arte", dichiara Vrubel non senza orgoglio, "vogliamo trovare il vero pane per la società" (102). E questo pane è una buona arte realistica, dove, con l'aiuto di mezzi puramente pittorici, non vengono creati documenti ufficiali della realtà visibile, ma opere poetiche che esprimono gli stati più profondi dell'anima ("illusione l'anima"), risvegliandola "da le piccole cose della vita quotidiana con immagini maestose” (113) offrendo piacere spirituale allo spettatore.

K. Korovin, che ha accettato il programma del World of Arts e ha partecipato attivamente alle loro mostre, ha studiato la visione estetico-romantica della natura e dell'arte dall'eccellente paesaggista A.K. Savrasov. Ha memorizzato molte delle affermazioni estetiche dell'insegnante e le ha seguite nella sua vita e nel suo lavoro. "La cosa principale", scrisse Korovin le parole di Savrasov ai suoi studenti, tra i quali lui e Levitan erano in prima linea, "è la contemplazione - un senso del motivo della natura. L'arte e i paesaggi non servono se non c'è sentimento”. “Se non c'è amore per la natura, allora non c'è bisogno di essere un artista, non c'è bisogno.<...>Abbiamo bisogno di romanticismo. Motivo. Il romanticismo è immortale. L'umore è necessario. La natura respira sempre. Canta sempre e la sua canzone è solenne. Non c'è piacere più grande della contemplazione della natura. La terra è il paradiso e la vita è un mistero, un bel mistero. Sì, un segreto. Festeggia la vita. L'artista è lo stesso poeta ”(144, 146).

Queste e simili parole dell'insegnante erano molto vicine allo spirito dello stesso Korovin, che conservava il pathos romantico ed estetico di Savrasov, ma nell'esprimere la bellezza della natura andava molto oltre il suo insegnante lungo i sentieri della ricerca dell'ultimo tecniche artistiche e l'uso di reperti pittorici moderni, in particolare impressionisti. In termini teorici, non fa alcuna scoperta, ma semplicemente, e talvolta anche in modo abbastanza primitivo

esprime la sua posizione estetica, simile alla posizione del mondo delle arti e in netta contraddizione con l '"estetica della vita" che dominava il suo tempo, gli Erranti e l'estetica e i critici d'arte democraticamente orientati (come Pisarev, Stasov, ecc.), che sia lui e Vrubel, e tutto il mondo delle arti dopo le prime mostre del 1898 furono registrate alla rinfusa come decadenti.

Korovin scrive che fin dall'infanzia ha sentito qualcosa di fantastico, misterioso e bello nella natura, e per tutta la vita non si è stancato di godersi questa misteriosa bellezza della natura. "Quante belle serate, tramonti, quanti stati d'animo nella natura, le sue impressioni", ripete quasi parola per parola le lezioni di Savrasov. - Questa gioia è come la musica, la percezione dell'anima. Che tristezza poetica" (147). E nella sua arte, ha cercato di esprimere, incarnare la bellezza della natura percepita direttamente, l'impressione dell'umore vissuto. Allo stesso tempo, era profondamente convinto che "l'arte della pittura ha un obiettivo: l'ammirazione della bellezza" (163). Ha emesso questa massima allo stesso Polenov quando gli ha chiesto di parlare della sua grande tela Cristo e il peccatore. Per decenza, Korovin ha elogiato il quadro, ma è rimasto freddo nei confronti dell'argomento, poiché si sentiva freddo negli stessi mezzi pittorici del maestro. Allo stesso tempo, ha effettivamente seguito il concetto dello stesso Polenov, che, come scrisse una volta Korovin, è stato il primo a parlare ai suoi studenti “della pura pittura, Comeè scritto ... sulla varietà dei colori ”(167). Questo Come ed è diventato la cosa principale per Korovin in tutto il suo lavoro.

“Sentire la bellezza della pittura, della luce: questo è ciò che l'arte si esprime un po ', ma è veramente vero prendere, godere liberamente della relazione dei toni. I toni, i toni sono più veritieri e sobri, sono il contenuto" (221). Segui i principi degli impressionisti nel tuo lavoro. Cercare una trama per tono, toni, relazioni cromatiche: il contenuto dell'immagine. È chiaro che tali affermazioni e ricerche sono state estremamente rivoluzionarie sia per gli accademici della pittura russi che per i Wanderers degli anni '90. 19esimo secolo Solo i giovani del mondo dell'arte potevano capirli, sebbene loro stessi non avessero ancora raggiunto il coraggio di Korovin e degli impressionisti, ma li trattavano con riverenza. Con tutto questo entusiasmo per le ricerche sul territorio, prettamente espressività artistica Korovin era ben consapevole del significato estetico generale dell'arte nella sua retrospettiva storica. "Solo l'arte fa di un uomo un uomo", è l'intuizione di un artista russo, che sale alle vette dell'estetica classica tedesca, all'estetica dei più grandi romantici. E anche qui una polemica con positivisti e materialisti, inaspettata per Korovin: “Non è vero, il cristianesimo

non ha privato una persona di un senso estetico. Cristo ha comandato di vivere e di non seppellire il talento. Il mondo pagano era pieno di creatività, sotto il cristianesimo, forse il doppio» (221).

In effetti, Korovin, a modo suo, cerca nell'arte la stessa cosa di tutto il mondo dell'arte: l'arte, la qualità estetica dell'arte. Se lo è, accetta qualsiasi arte: sia pagana che cristiana, sia antica che nuova, la più moderna (impressionismo, neoimpressionismo, cubismo). Se solo avesse influito sulla "percezione estetica", consegnato "piacere spirituale" (458). Pertanto, il suo particolare interesse per la decoratività della pittura come proprietà puramente estetica. Scrive molto sulle qualità decorative dello scenario teatrale, su cui ha lavorato costantemente. E ha visto l'obiettivo principale della scenografia in quanto partecipano organicamente a un unico ensemble: un'azione drammatica - musica - scenografia. A questo proposito, ha scritto con particolare ammirazione della produzione di successo dello zar Saltan di Rimsky-Korsakov, in cui i geni di Pushkin e del compositore si sono fusi con successo in un'unica azione basata sullo scenario dello stesso Korovin (393).

In generale, Korovin ha cercato, mentre scrive, nei suoi scenari, in modo che trasmettano all'occhio del pubblico lo stesso piacere della musica all'orecchio. "Volevo che l'occhio dello spettatore godesse esteticamente così come l'orecchio dell'anima alla musica" (461). Pertanto, in primo piano nel suo lavoro, lo ha sempre fatto Come da cui deriva qualcosa artista, no Che cosa, che dovrebbe essere una conseguenza Come. Ne scrive ripetutamente nelle sue bozze di note e lettere. In cui Come non è qualcosa di inverosimile, artificialmente torturato dall'artista. No, secondo Korovin, è una conseguenza della sua ricerca organica del “linguaggio della bellezza”, inoltre, la ricerca di uno libero, organico - “le forme d'arte sono buone solo quando provengono dall'amore, dalla libertà, dalla facilità in se stessi» (290). E vera è qualsiasi arte in cui esiste un'espressione così involontaria, ma unita a una ricerca sincera, della bellezza in una forma originale.

Sotto tutti questi e simili giudizi di Korovin, quasi tutti i membri del World of Arts potevano iscriversi. Era la ricerca della qualità estetica dell'arte, la capacità di esprimerla in una forma adeguata compito principale di questa comunità, e quasi tutti i suoi membri sono riusciti a risolverlo a modo loro nel loro lavoro, a creare opere d'arte, anche se non brillanti (ad eccezione di alcuni eccezionali dipinti di Vrubel), ma originali di valore artistico, che hanno preso il loro giusto posto nella storia dell'arte.

Appunti

Vedi almeno monografie: Benois A.N. L'emergere del "mondo dell'arte". L., 1928; Etkind M. Alexander Nikolaevich Benois. L.-M., 1965; Gusarova A.P. "Il mondo dell'arte". L., 1972; Lapshina N.P. "Il mondo dell'arte". Saggi di storia e pratica creativa. M., 1977; Pruzhan I. Konstantin Somov. M., 1972; Zhuravleva E.V. K.A.Somov. M., 1980; Golynets S.V. LS Bakst. L., 1981; Pozarskaya m.n. Arte teatrale e decorativa russa fine XIX- l'inizio del XX secolo. M., 1970, ecc.

Artisti del mondo dell'arte.

"World of Art" - un'organizzazione nata a San Pietroburgo nel 1898 e che univa i maestri della più alta cultura artistica, l'élite artistica della Russia di quegli anni. L'inizio del "Mondo dell'Arte" è stato posto dalle serate nella casa di A. Benois, dedicate all'arte, alla letteratura e alla musica. Le persone che vi si sono riunite erano unite dall'amore per la bellezza e dalla convinzione che si possa trovare solo nell'arte, poiché la realtà è brutta. Sorto anche come reazione alla meschinità degli ultimi Wanderers, alla sua natura edificante e illustrativa, il mondo dell'arte si trasformò presto in uno dei maggiori fenomeni della cultura artistica russa. Quasi tutti gli artisti famosi hanno partecipato a questa associazione: Benois, Somov, Bakst, E.E. Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, nonché Larionov e Goncharova. Di grande importanza per la formazione di questa associazione è stata la personalità Djagilev, mecenate e organizzatore di mostre, e in seguito - l'impresario del balletto russo e dei tour operistici all'estero ("Russian Seasons", che ha introdotto l'Europa al lavoro di Chaliapin, Pavlova, Karsavina, Fokine, Nijinsky e altri e ha mostrato al mondo un esempio di la più alta cultura delle forme delle varie arti: musica, danza, pittura, scenografia). Nella fase iniziale della formazione del "Mondo dell'arte", Diaghilev organizzò una mostra di acquerelli inglesi e tedeschi a San Pietroburgo nel 1897, poi una mostra di artisti russi e finlandesi nel 1898. Sotto la sua direzione dal 1899 al 1904, fu pubblicata una rivista con lo stesso nome, composta da due dipartimenti: artistico e letterario. Gli editoriali dei primi numeri della rivista erano chiaramente ha formulato le principali disposizioni del "Mondo dell'arte"» sull'autonomia dell'art, che i problemi della cultura moderna sono esclusivamente problemi di forma artistica e che il compito principale dell'arte è educare i gusti estetici della società russa, principalmente attraverso la conoscenza delle opere d'arte mondiale. Dobbiamo dare loro il dovuto: grazie al mondo dell'arte, l'arte inglese e tedesca è stata davvero apprezzata in un modo nuovo e, soprattutto, la pittura è diventata una scoperta per molti Russo XVIII secolo e l'architettura del classicismo di San Pietroburgo. "World of Art" si è battuto per "la critica come arte", proclamando l'ideale di un critico-artista con un'alta cultura professionale ed erudizione. Il tipo di tale critico è stato incarnato da uno dei creatori di The World of Art, A.N. Benoit.

"Miriskusniki" ha organizzato mostre. Il primo è stato anche l'unico internazionale che ha riunito, oltre ai russi, artisti provenienti da Francia, Inghilterra, Germania, Italia, Belgio, Norvegia, Finlandia, ecc. Vi hanno preso parte pittori e grafici sia di San Pietroburgo che di Mosca. Ma la frattura tra queste due scuole - San Pietroburgo e Mosca - si è delineata quasi dal primo giorno. Nel marzo 1903 si chiuse l'ultima, quinta mostra del World of Art, nel dicembre 1904 fu pubblicato l'ultimo numero della rivista World of Art. La maggior parte degli artisti si trasferì all '"Unione degli artisti russi", organizzata sulla base della mostra di Mosca "36". Diaghilev si dedicò completamente al balletto e al teatro. 1906, poi espose a Berlino e Venezia (1906-1907).Nel sezione della pittura moderna, il posto principale era occupato dal "Mondo dell'Arte", primo atto di riconoscimento paneuropeo del "Mondo dell'Arte", nonché scoperta della pittura russa del XVIII-inizio XX secoli in generale per la critica occidentale e un vero trionfo dell'arte russa

L'artista principale del "World of Art" era Konstantin Andreevich Somov(1869-1939). Figlio del capo curatore dell'Hermitage, diplomato all'Accademia delle arti e viaggiato in Europa, Somov ha ricevuto un'ottima educazione. La maturità creativa gli è arrivata presto, ma, come ha giustamente notato il ricercatore (V.N. Petrov), ha sempre avuto una certa dualità: la lotta tra un potente istinto realistico e una visione del mondo dolorosamente emotiva.

Somov, come lo conosciamo, è apparso nel ritratto dell'artista Martynova ("Lady in Blue", 1897-1900, State Tretyakov Gallery), nel ritratto "Echoes of the Past Time" (1903, b. sulla mappa , aqua., gouache, State Tretyakov Gallery ), dove crea una caratterizzazione poetica della bellezza femminile fragile e anemica del modello decadente, rifiutandosi di trasmettere i veri segni quotidiani della modernità. Veste le modelle con costumi antichi, conferisce al loro aspetto i tratti della sofferenza segreta, della tristezza e del sogno, della rottura dolorosa.

Prima di chiunque altro in The World of Art, Somov si è rivolto ai temi del passato, all'interpretazione del XVIII secolo. ("Lettera", 1896; "Riservatezze", 1897), essendo il precursore dei paesaggi di Versailles di Benois. È il primo a creare un mondo surreale, intessuto dai motivi della cultura della nobiltà, della tenuta e della corte e dalle sue sensazioni artistiche puramente soggettive, permeate di ironia. Lo storicismo del "mondo dell'arte" era una fuga dalla realtà. Non il passato, ma la sua messa in scena, il desiderio della sua irrecuperabilità: questo è il motivo principale. Non vero divertimento, ma un gioco di divertimento con baci nei vicoli: questo è Somov.

Altre opere di Somov sono feste pastorali e galanti ("Il bacio ridicolo", 1908, Museo russo; "Passeggiata della marchesa", 1909, Museo russo), piene di caustica ironia, vuoto spirituale, persino disperazione. Scene d'amore dal 18° all'inizio del 19° secolo. dato sempre con un tocco di erotismo Somov ha lavorato molto come grafico, ha disegnato una monografia di S. Diaghilev su D. Levitsky, un saggio di A. Benois su Tsarskoye Selo. Il libro, come un unico organismo con la sua unità ritmica e stilistica, è stato da lui elevato a un'altezza straordinaria. Somov non è un illustratore, "illustra non un testo, ma un'epoca, usando un espediente letterario come trampolino di lancio", ha scritto A.A. Sidorov, e questo è verissimo.

Somov"Lady in Blue" "Alla pista di pattinaggio" Benois. A. "Passeggiata del re"

Il leader ideologico del "mondo dell'arte" era Alexander Nikolaevich Benois(1870-1960) - un talento insolitamente versatile. Pittore, grafico e illustratore da cavalletto, artista teatrale, regista, autore di libretti di balletto, teorico e storico dell'arte, figura musicale, è stato, nelle parole di A. Bely, il principale politico e diplomatico del "Mondo dell'Arte". Proveniente dallo strato più alto dell'intellighenzia artistica di San Pietroburgo (compositori e direttori d'orchestra, architetti e pittori), ha studiato per la prima volta presso la facoltà di giurisprudenza dell'Università di San Pietroburgo.

Come artista, è legato a Somov da tendenze stilistiche e dipendenza dal passato ("Sono intossicato da Versailles, questa è una specie di malattia, amore, passione criminale ... mi sono completamente trasferito nel passato ...") . Nei paesaggi di Versailles, Benois ha unito la ricostruzione storica del XVII secolo. e impressioni contemporanee dell'artista, la sua percezione del classicismo francese, l'incisione francese. Da qui la chiara composizione, la chiara spazialità, la grandiosità e la fredda severità dei ritmi, l'opposizione tra la grandiosità dei monumenti d'arte e la piccolezza delle figure umane, che sono tra loro solo staffage (1a serie Versailles del 1896-1898 con il titolo “ Ultime passeggiate Luigi XIV"). Nella seconda serie dei Versailles (1905-1906), l'ironia, caratteristica anche dei primi fogli, si colora di note quasi tragiche ("The King's Walk",). Il pensiero di Benois è il pensiero di un artista teatrale per eccellenza, che conosceva e sentiva molto bene il teatro.

La natura è percepita da Benois in una connessione associativa con la storia (vedute di Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoe Selo, da lui eseguite con la tecnica dell'acquerello).

In una serie di dipinti del passato russo, commissionati dalla casa editrice di Mosca Knebel (illustrazioni per le "Cacce reali"), in scene della vita nobile e proprietaria del XVIII secolo. Benois ha creato un'immagine intima di quest'epoca, anche se una parata un po' teatrale sotto Paolo I. Benois l'illustratore (Pushkin, Hoffman) è un'intera pagina nella storia del libro. A differenza di Somov, Benois crea un'illustrazione narrativa. Il piano della pagina non è fine a se stesso per lui. Le illustrazioni per The Queen of Spades erano opere indipendenti piuttosto complete, non tanto "l'arte del libro", quanto A.A. Sidorov, quanta "arte c'è nel libro". Un capolavoro dell'illustrazione di libri è stato il design grafico di The Bronze Horseman (1903,1905,1916,1921-1922, inchiostro e acquerello che imitano xilografie colorate). In una serie di illustrazioni per il grande poema, il protagonista diventa il paesaggio architettonico di San Pietroburgo, ora solennemente patetico, ora pacifico, ora sinistro, contro il quale la figura di Eugenio sembra ancora più insignificante. È così che Benois esprime il tragico conflitto tra il destino dello stato russo e il destino personale di un ometto ("E tutta la notte il povero pazzo, / Ovunque girasse i suoi piedi, / Il cavaliere di bronzo era ovunque con lui / Con un calpestio pesante al galoppo”).

"Cavaliere di bronzo"

"Parata sotto Paolo I"

Come teatrale artista Beneis ha progettato le esibizioni di "Russian Seasons", di cui la più famosa è stata il balletto "Petrushka" sulla musica di Stravinsky, ha lavorato molto al Moscow Art Theatre e, successivamente, su quasi tutti i principali palcoscenici europei.

Attività Benois - critico d 'arte e uno storico dell'arte che, insieme a Grabar, ha aggiornato i metodi, le tecniche e i temi della storia dell'arte russa - questa è un'intera tappa nella storia della critica d'arte (vedi "La storia della pittura del XIX secolo" di R. Muther - il volume "Pittura russa", 1901-1902; "Pittura della scuola russa", edizione del 1904; "Tsarskoe Selo durante il regno dell'imperatrice Elisabetta Petrovna", 1910; articoli sulle riviste "World of Art" e "Old Years", "Tesori artistici della Russia", ecc.).

Il terzo nel nucleo del "mondo dell'arte" era Lev Samuilovich Bakst(1866-1924), che divenne famoso come artista teatrale e fu il primo tra i "Mondo dell'Arte" ad acquisire fama in Europa. Arrivò al "Mondo dell'Arte" dall'Accademia delle Arti, poi professò lo stile Art Nouveau, si unì alle tendenze di sinistra nella pittura europea. Alle prime mostre del World of Art espone una serie di ritratti pittorici e grafici (Benoit, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diaghilev), dove la natura, arrivando in un flusso di stati viventi, si trasforma in una sorta di rappresentazione ideale di una persona contemporanea. Bakst ha creato il marchio della rivista "World of Art", che è diventato l'emblema delle "stagioni russe" di Diaghilev a Parigi. La grafica di Bakst manca di motivi del XVIII secolo. e temi immobiliari. Gravita verso l'antichità, inoltre, verso l'arcaico greco, interpretato simbolicamente. Particolarmente riuscito con i simbolisti fu il suo dipinto "Ancient Horror" - "Terror antiquus" (tempera, 1908, Museo Russo). Terribile cielo tempestoso, fulmini che illuminano le profondità del mare e città antica, - e su tutta questa catastrofe universale domina la corteccia arcaica con un misterioso sorriso congelato. Ben presto Bakst si dedicò completamente al lavoro teatrale e scenico, e le sue scenografie e costumi per i balletti dell'impresa Diaghilev, eseguiti con straordinaria brillantezza, virtuosismo, artisticamente, gli portarono fama mondiale. Nel suo design c'erano spettacoli con Anna Pavlova, balletti di Fokine. L'artista ha realizzato scene e costumi per Scheherazade di Rimsky-Korsakov, L'uccello di fuoco di Stravinsky (entrambi del 1910), Daphnis e Chloe di Ravel e Il pomeriggio di un fauno su musiche di Debussy (entrambi del 1912).

"Antico orrore" Pomeriggio di un fauno "Ritratto di Gippius

Della prima generazione di "World of Art" era il più giovane Evgeny Evgenievich Lansere (1875-1946), nel suo lavoro ha toccato tutti i problemi principali grafica del libro all'inizio del XX secolo (Vedi le sue illustrazioni per il libro "Leggende degli antichi castelli della Bretagna", per Lermontov, la copertina per "Nevsky Prospekt" di Bozheryanov, ecc.). Lansere ha creato una serie di acquerelli e litografie di San Pietroburgo (ponte Kalinkin, mercato Nikolsky, ecc.). L'architettura occupa un posto enorme nelle sue composizioni storiche ("Empress Elizaveta Petrovna in Tsarskoye Selo", 1905, State Tretyakov Gallery). Possiamo dire che nell'opera di Serov, Benois, Lansere è stato creato un nuovo tipo di pittura storica: è priva di trama, ma allo stesso tempo ricrea perfettamente l'aspetto dell'epoca, evocando molte associazioni storiche, letterarie ed estetiche . Una delle migliori creazioni di Lansere - 70 disegni e acquerelli per L.N. "Hadji Murad" di Tolstoj (1912-1915), che Benois considerava "una canzone indipendente che si adatta perfettamente alla potente musica di Tolstoj".

Nel programma di Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky(1875-1957) rappresenta non tanto la Pietroburgo dell'era Pushkin o del XVIII secolo quanto una città moderna, che ha saputo trasmettere con espressività quasi tragica ("La vecchia casa", 1905, acquerello, Galleria statale Tretyakov), quanto così come una persona che vive in tali città (" Un uomo con gli occhiali", 1905-1906, pastello, Galleria statale Tretyakov: un uomo solitario, sullo sfondo di case noiose, un uomo triste, la cui testa ricorda un teschio). L'urbanistica del futuro ha ispirato Dobuzhinsky con la paura del panico. Ha anche lavorato a lungo nell'illustrazione, dove la sua serie di disegni a inchiostro per Le notti bianche di Dostoevskij (1922) può essere considerata la più notevole. Dobuzhinsky ha anche lavorato a teatro, progettato per Nemirovich-Danchenko "Nikolai Stavrogin" (messo in scena "Demons" di Dostoevskij), le commedie di Turgenev "A Month in the Country" e "The Freeloader".

Occupa un posto speciale nel "mondo dell'arte". Nicola Roerich(1874-1947). Conoscitore di filosofia ed etnografia d'Oriente, archeologo-scienziato, Roerich ha ricevuto un'ottima formazione, prima a casa, poi presso le facoltà di diritto e storico-filologico dell'Università di San Pietroburgo, poi all'Accademia delle arti, in officina di Kuindzhi, ea Parigi nello studio di F. Cormon. Ben presto ottenne l'autorità di uno scienziato. Era legato al "Mondo dell'Arte" dallo stesso amore per la retrospettiva, solo non dei secoli XVII-XVIII, ma dell'antichità pagana slava e scandinava, all'antica Rus'; tendenze stilistiche, decoratività teatrale ("Messenger", 1897, State Tretyakov Gallery; "The Elders Converge", 1898, Russian Museum; "Sinister", 1901, Russian Museum). Roerich era più strettamente associato alla filosofia e all'estetica del simbolismo russo, ma la sua arte non rientrava nel quadro delle tendenze esistenti, perché, in accordo con la visione del mondo dell'artista, si rivolgeva, per così dire, a tutta l'umanità con un appello per un'unione amichevole di tutti i popoli. Da qui la speciale natura epica dei suoi dipinti.

"Lotta nel cielo"

"Ospiti stranieri"

Dopo il 1905, l'atmosfera del misticismo panteistico crebbe nell'opera di Roerich. I temi storici lasciano il posto alle leggende religiose (The Heavenly Battle, 1912, Museo Russo). L'icona russa ha avuto un'enorme influenza su Roerich: il suo pannello decorativo The Battle of Kerzhents (1911) è stato esposto durante l'esecuzione di un frammento con lo stesso titolo dall'opera di Rimsky-Korsakov The Tale of città invisibile Kitezh e la fanciulla Fevronia" nelle "stagioni russe" parigine.

Nella seconda generazione del "World of Art" uno degli artisti più dotati era Boris Mikhailovich Kustodiev(1878-1927), allievo di Repin, che lo aiutò nel suo lavoro al Consiglio di Stato. Kustodiev è anche caratterizzato dalla stilizzazione, ma questa è una stilizzazione della popolare stampa popolare. Da qui le luminose e festive "Fiere", "Shrovetide", "Balagany", da qui i suoi dipinti della vita piccolo-borghese e mercantile, trasmessi con leggera ironia, ma non senza ammirare queste bellezze dalle guance rosse e mezzo addormentate dietro un samovar e con piattini in dita paffute ("Il mercante", 1915, Museo russo; "Il mercante di tè", 1918, Museo russo).

A.Ya. Golovin è uno dei più grandi artisti teatrali del primo quarto del XX secolo, I. Ya Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedeva e altri.

Il "Mondo dell'Arte" è stato un grande movimento estetico di inizio secolo, che ha sopravvalutato l'intera cultura artistica moderna, ha approvato nuovi gusti e problemi, ha restituito all'arte - al più alto livello professionale - le forme perdute della grafica del libro e teatrale e la pittura decorativa, che grazie ai loro sforzi ottenne il riconoscimento a livello europeo, creò una nuova critica d'arte, che promosse l'arte russa all'estero, anzi, aprì addirittura alcune delle sue tappe, come il XVIII secolo russo. "Miriskusniki" ha creato un nuovo tipo di pittura storica, ritratto, paesaggio con le proprie caratteristiche stilistiche (tendenze stilistiche distinte, predominanza di tecniche grafiche.

L'idea principale del mondo dell'arte. LS Bychkova

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