Impressionisti francesi del XIX secolo. Principi artistici dell'impressionismo

L'impressionismo è un corso di funzionalità emerso negli anni '70. XIX secolo in pittura francese, e poi manifestata in musica, letteratura, teatro.

L'impressionismo nella pittura ha iniziato a svilupparsi molto prima della famosa mostra del 1874. Il principale corriere di impressionisti è tradizionalmente considerato Edward Mana. Era molto ispirato dalle classiche opere di Tiziano, Rembrandt, Rubens, Velasqueza. La sua visione delle immagini di Mana espresse sulle sue tele, aggiungendo "vibranti" tratti che hanno creato l'effetto dell'incompletezza. Nel 1863, Manne ha creato Olympia, che ha causato un grande scandalo nella società culturale.

A prima vista, l'immagine è stata realizzata in linea con i canoni tradizionali, ma allo stesso tempo era già trasportata e tendenze innovative. Circa 87 giudizi sono stati scritti in varie edizioni di Parigi su Olympia. Una massa di critiche negative è stata raccolta su di lei - l'artista è stato accusato di volgarità. E solo alcuni articoli potrebbero essere chiamati benevoli.

Mana nel suo lavoro ha usato gli elettrodomestici di sovrapposizione della vernice di un livello, che ha creato l'effetto dei punti. Successivamente, questo metodo di applicazione delle vernici è stato trasportato da artisti-impressionisti come base per le immagini su tesi pittoresche.

Una caratteristica distintiva dell'impressionismo era per la migliore fissazione delle impressioni di borbottatura, in modo speciale di interpretare il mezzo luminoso con l'aiuto di un complesso mosaico di vernici pulite, tratti decorativi in \u200b\u200bfuga.

È curioso che all'inizio dei suoi artisti di ricerca ha usato un cyanometer - uno strumento per determinare il cielo blu. Il colore nero è stato escluso dalla tavolozza, è stato sostituito con altre sfumature di colore, che ha reso possibile non rovinare l'umore soleggiato dei dipinti.

Gli impressionisti si sono concentrati sulle ultime scoperte scientifiche del loro tempo. La teoria del colore tempio e Helmholtz è ridotta a quanto segue: Il raggio di sole è diviso nei componenti dei colori, e, di conseguenza, le due vernici indossate su tela migliorano l'effetto pittorico, e quando la vernice è miscelata, l'intensità perde l'intensità.

L'estetica dell'impressionismo si stava in evoluzione, in parte, come un tentativo di liberare decisamente dalla Convenzione del classicismo nell'arte, così come dal simbolismo persistente e dalla profondità del dipinto tardivo, che offriva a tutti di vedere le intenzioni crittografate che hanno bisogno di attenti interpretazione. L'impressionismo ha sostenuto non solo la bellezza della realtà quotidiana, ma la fissazione dell'atmosfera colorata, non dettagliata e non estinguente, raffigurante il mondo come un fenomeno ottico eternamente che cambia.

Gli artisti-impressionisti hanno sviluppato un sistema prigioniero finito. I predecessori di questa caratteristica stilistica sono stati artisti dipinti, immigrati della Scuola Barbizon, i principali rappresentanti dei quali erano Camille Coro e John Constable.

Il lavoro nello spazio aperto ha dato più opportunità per catturare i minimi cambiamenti di colore in diversi momenti della giornata.

Claude Monet è stata creata diverse serie di dipinti sulla stessa trama, ad esempio, la cattedrale di Rueny (serie di 50 dipinti), "pile" (serie di 15 dipinti), "laghetto con gigli d'acqua", ecc. L'indicatore principale di questi Serie C'è stato un cambiamento nella combinazione di luce e colore nell'immagine dello stesso oggetto scritto in diversi momenti della giornata.

Un altro risultato dell'impressionismo è lo sviluppo di un sistema scenico originale, in cui i toni complessi sono decomposti su colori puri trasmessi dai singoli colpi. Gli artisti non mescolissero i colori sulla tavolozza, ma preferivano imporre tratti direttamente sulla tela. Tale apparato attaccato ai dipinti speciali riverenza, variabilità e sollievo. Le opere degli artisti erano piene di colore e luce.

La mostra il 15 aprile 1874 a Parigi è stata il risultato del periodo della formazione e della sottomissione al pubblico in generale di un nuovo corso. L'esposizione è stata implementata nel fotografo Studio Felix Nadar sul Boulevard Kapuchin.

Il nome "Impressionismo" è sorto dopo la mostra, su cui è stata esposta l'immagine dell'impressione di Monet. Alba". Il critico L. Lerua nella sua recensione nella pubblicazione "Charivari" ha dato una caratteristica scherzante della mostra del 1874, portando all'esempio di Monet. Un altro critico, Maurice Denis, ha rimproverato impressionisti in assenza di individualità, sentimenti, poesia.

Alla prima mostra, circa 30 artisti hanno dimostrato le loro opere. Era il più grande, rispetto alle mostre successive fino al 1886.

È impossibile non dire sul feedback positivo dalla società russa. Artisti russi e critici-democratici, sempre vividamente interessati alla vita artistica della Francia - I. V. Kramskaya, I. E. Repin e V. V. Stasov - molto valutato i risultati degli impressionisti della prima fiera.

La nuova fase della storia dell'arte, iniziata dalla mostra del 1874, non era un'improvvisa esplosione di tendenze rivoluzionarie - era il culmine di uno sviluppo lento e coerente.

Con tutto ciò che tutti i grandi maestri del passato hanno dato il loro contributo allo sviluppo dei principi dell'impressionismo, le radici immediate del flusso possono essere facilmente rilevate negli anni venti precedenti la mostra storica.

Nelle mostre parallele in cabina hanno acquisito il loro fatturato dell'impressionisti della mostra. Le nuove tendenze nella pittura sono state dimostrate nelle loro opere. Stava rimproverando la cultura del salone e le tradizioni espositive. In ulteriori artisti, gli impressionisti sono riusciti ad attrarre ammiratori di nuove tendenze nell'art.

La conoscenza teorica e la formulazione dell'impressionismo cominciarono a svilupparsi piuttosto tardi. Gli artisti preferivano più pratiche e i propri esperimenti su luce e colore. Nell'impressionismo, prima di tutto pittoresco, tracciato l'eredità del realismo, l'orientamento anti-accademico, antisalonico e l'installazione dell'immagine della realtà circostante di quel tempo sono pronunciati in esso. Alcuni ricercatori notano che l'impressionismo è diventato un ramo speciale del realismo.

Indubbiamente, in arte impressionistica, come in ogni flusso artistico, derivante durante il periodo di frattura e la crisi delle antiche tradizioni, sono state tessute, con tutta la sua integrità esterna, varie e persino tendenze contraddittorie.

Le principali caratteristiche erano nel tema delle opere di artisti, nei mezzi di espressività artistica. Il libro di Irina Vladimirova sugli impressionisti include diversi capitoli: "Paesaggio, natura, impressioni", "Città, luoghi di riunioni e separazione", "Hobbys, come stile di vita", "Persone e personaggi", "ritratti e autoritratti" , "Natura morta". Descrive anche la storia della creazione e la posizione di ogni lavoro.

Durante il periodo di tiro, gli artisti dell'impressionismo hanno trovato un equilibrio armonico tra la realtà oggettiva e la sua percezione. Gli artisti hanno cercato di catturare ogni raggio di luce, il movimento della brezza, la variabilità della natura. Per preservare la freschezza dei dipinti, gli impressionisti hanno creato il sistema pittoresco originale, che è stato successivamente molto importante per lo sviluppo dell'arte in futuro. Nonostante le tendenze generali nelle direzioni di pittura, ogni artista ha trovato il suo percorso creativo e i generi principali della pittura.

L'impressionismo classico è rappresentato da artisti come Eduard Mana, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederick Basil, Berta Morizo, Edgar Dega.

Considera il contributo di alcuni artisti alla formazione dell'impressionismo.

Eduard Mana (1832-1883)

Le prime lezioni della pittura di criniera ricevute da T. Couture, grazie a questo, il futuro artista ha acquisito molte competenze professionali necessarie. A causa della mancanza di adeguata attenzione all'insegnante, la criniera lascia il Maestro del Maestro e affronta l'auto-educazione. Visita le mostre nei musei, i vecchi Maestri hanno avuto una grande influenza sulla sua formazione creativa, specialmente spagnolo.

Nel 1860, la criniera scrive due opere, in cui i principi di base del suoderscore artistico sono visti. "Lola di Valencia" (1862) e "Fleetista" (1866) Show Show Mane come artista che rivela la natura del modello attraverso la trasmissione del colore.

Le sue idee sulla tecnica di applicare le macchie e l'atteggiamento nei confronti del colore sono state accettate da altri artisti-impressionisti. Nel 1870, la criniera si avvicina ai suoi seguaci e lavora al Plenier senza nero sulla tavolozza. L'impressionismo venuta è stato il risultato dell'evoluzione creativa della criniera. Le immagini più impressionistiche di mana sono considerate "nella barca" (1874) e "Claude Monet in una barca" (1874).

Mana ha anche scritto un sacco di ritratti di diverse signore lacolari, attrici, simulatori, belle donne. In ogni ritratto, l'unicità e l'individualità del modello è stato trasferito.

Poco prima della sua morte, Mana scrive uno dei suoi capolavori - "Bar Fo foli-Berger" (1881-1882). In questa immagine, diversi generi sono combinati contemporaneamente: ritratto, natura morta, scena della famiglia.

N. N. Kalitina scrive: "La magia magica magica è che la ragazza si oppone al circostante, rivela così chiaramente il suo umore, e allo stesso tempo fa parte dell'intero piano posteriore, indovinando vagamente, indefinito, preoccupante, anche risolto in blu-nero , toni bluashi-bianchi e gialli. "

Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet è stato un capo indubbio e fondatore del classico impressionismo. Il genere principale del suo dipinto era un paesaggio.

Nella sua giovinezza, Mone era appassionato di caricatura e cartone animato. I primi modelli per i loro lavori erano i suoi insegnanti, compagni. Per il campione, ha usato caricature in giornali e riviste. Ha copiato i disegni in "Golua" E. Karzha, poeta e fumettista, un amico di Gustava Kouris.

Al college, la pittura moneta ha insegnato Jacques-Francois Oshar. Ma giustamente notare l'influenza sul Monte Budene, che ha sostenuto l'artista, gli ha dato un consiglio, motivato a continuare la creatività.

Nel novembre del 1862, a Paris Monet ha continuato i suoi studi a Parigi a Gleira. Grazie a questo Monet, lo incontrò in un laboratorio con una basale, Renoir, Sisty. I giovani artisti si stavano preparando per l'ammissione alla scuola di arti graziose, rispettando la loro insegnante, che hanno preso poche lezioni per le loro lezioni e in una forma morbida ha dato consigli.

Monet ha creato i suoi dipinti non come una storia, non come un'illustrazione di un'idea o di un tema. Il suo dipinto, come la vita, non aveva obiettivi chiari. Vide il mondo, non concentrandosi sui dettagli, su alcuni principi, camminava verso la "visione del paesaggio" (il termine storico dell'arte A. A. Fedorova-Davydova). Monet ha cercato di incubazione, la fusione dei generi sulla tela. I mezzi di incarnazione delle sue innovazioni erano Etudi, che avrebbero dovuto completare i dipinti. Tutti gli schizzi sono stati tratti dalla natura.

Scrisse un prato, e colline, fiori e rocce, e giardini e strade rustiche, e il mare, le spiagge e molto altro ancora, ha affrontato l'immagine della natura in diversi momenti della giornata. Spesso ha scritto lo stesso posto in momenti diversi, creando così cicli intere dai loro lavori. Il principio del suo lavoro non era un'immagine di oggetti nella foto, ma una trasmissione accurata della luce.

Diamo alcuni esempi del lavoro dell'artista - "Campo di Makov da Argentei" (1873), "Piano" (1869), "Pond with Water Lily" (1899), "Pile di grano" (1891).

Pierre Auguste Renoir (1841-1919)

Renoir si riferisce ai maestri eccezionali di un ritratto laico, oltre a questo, ha lavorato nei generi del paesaggio, della scena domestica, della natura morta.

La caratteristica del suo lavoro è un interesse per la personalità di una persona, la divulgazione del suo carattere e dell'anima. Nelle sue tele, Renoir sta cercando di sottolineare la sensazione di completezza dell'essere. L'artista attira intrattenimento e vacanze, scrive palle, passeggiate con il loro movimento e una varietà di personaggi, ballando.

Le opere più famose dell'artista - "Ritratto di un'attrice Zhanna Samari", "ombrelli", "nuotare sulla Senna" e altri.

Interessante che Renoir si distingueva per la musicalità e cantava nella chiesa coro sotto la guida del compositore eccezionale e dell'insegnante Charles Guno a Parigi nella Cattedrale di Saint-Istash. Sh. Gunno consigliato vivamente il ragazzo di impegnarsi nella musica. Ma allo stesso tempo, Renoir ha scoperto il talento artistico - da 13 anni ha già imparato a dipingere i piatti in porcellana.

Le classi musicali hanno influenzato la formazione della personalità dell'artista. Un certo numero delle sue opere è associato a temi musicali. Hanno trovato il loro gioco di riflessione su pianoforte, chitarra, mandolino. Questi sono dipinti "chitarra chitarra", "Giovane donna spagnola con una chitarra", "Giovane signora per pianoforte", "donna che suona la chitarra", "lezione di pianoforte" e altri.

Jean Frederick Basil (1841-1870)

Secondo gli amici dei suoi artisti, Bazil era il più promettente ed eccezionale impressionista.

Le sue opere si distinguono per una combinazione di colori vivaci e immagini dai capelli a mano. Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley e Claude Monet furono fortemente influenzati dal suo percorso creativo. Jean Frederica Appartamento per i pittori principianti era una specie di studio e alloggio.

Basilico ha preferibilmente scritto al Plenier. L'idea principale della sua creatività era un'immagine di un uomo contro lo sfondo della natura. I primi eroi dei dipinti erano i suoi artisti di amici; Molti impressionisti amavano disegnarsi a vicenda nelle loro opere.

Frederick Basil in Molto creatività ha identificato il corso dell'impressionismo realistico. L'immagine più famosa della sua foto è "Family Reunion" (1867) - Autobiografico. L'artista raffigura i membri della sua famiglia. Questo lavoro è stato presentato nel salone e ha ricevuto una valutazione approvante del pubblico.

Nel 1870, l'artista è morto nella guerra prussiana-francese. Già dopo la morte dell'artista, i suoi amici-artisti hanno organizzato la terza mostra di impressionisti, dove sono stati esposti anche la sua tela.

Camille Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro è uno dei più grandi rappresentanti di artisti di vernice dopo K. Monet. Le sue opere furono costantemente esposte nelle esposizioni degli impressionisti. Nelle loro opere, Pissarro preferivano campi arato, vita contadina e manodopera. I suoi dipinti erano caratterizzati dalla struttura delle forme e dalla chiarezza della composizione.

Più tardi, l'artista ha iniziato a scrivere dipinti su argomenti urbani. N. N. Kalitina nel suo libro Note: "Guarda le strade della città dalle finestre dei piani superiori o dai balconi, senza introdurli nella composizione".

Sotto l'influenza di Georges Pierre Syra, l'artista prese il poentilismo. Questa tecnica implica l'imposizione di ciascun striscio separatamente, come se fossero impostando il punto. Ma le prospettive creative in quest'area non sono state realizzate, e Pissarro è tornato in impressionismo.

I dipinti più famosi di Pissarro divennero "Montmartre Boulevard. Pomeriggio, Sunny, "Opera Pass a Paris", "Piazza del Teatro Francese a Parigi", "Giardino a Pontoise", "Havita", "Senokos" e altri.

Alfred Sisley (1839-1899)

Il genere principale della pittura di Alfred Sisley era un paesaggio. Nei suoi primi lavori, può essere visto principalmente influenzato da K. Coro. A poco a poco, nel processo di collaborazione con K. Monte, J. F. Bazil, P. O. Renoir, i toni della luce inizia ad apparire nelle sue opere.

L'artista attrae il gioco della luce, cambiando lo stato dell'atmosfera. Allo stesso paesaggio di Sisley si appellava più volte, catturandolo in momenti diversi della giornata. La priorità nelle sue opere L'artista ha dato l'immagine dell'acqua e del cielo, che ha cambiato ogni secondo. L'artista è riuscito a raggiungere la perfezione con l'aiuto di un colore, ogni ombra nel suo lavoro porta una specie di simbolismo.

Le sue opere più famose: "Vicolo rurale" (1864), "Gelo in Luveseyne" (1873), "Tipo di Montmartre con un'isola di fiori" (1869), "Neve antica a Luvurezenne" (1872), "Ponte in Argente" ( 1872).

Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas è un artista che ha iniziato il suo modo creativo con imparare nella scuola di arti graziose. Fu ispirato dagli artisti del Rinascimento italiano, che ha avuto un impatto sul suo lavoro nel suo complesso. All'inizio di Degas ha scritto dipinti storici, ad esempio, "le ragazze spartan sono causate da ragazzi spartani. (1860). Il genere principale del suo dipinto è un ritratto. Nelle loro opere, l'artista si affida alle tradizioni classiche. Crea opere contrassegnate con una forte sensazione del loro tempo.

A differenza dei suoi colleghi, Dega non condivide una visione gioiosa, all'aperto della vita e delle cose inerenti impressionismo. L'artista è più vicino alla tradizione critica dell'arte: la compassione del destino di una persona semplice, la capacità di vedere le anime delle persone, il loro mondo interiore, l'inconsistenza, la tragedia.

Per un ruolo importante nella creazione di un ritratto, oggetti e interni, il gioco dell'uomo che circonda. Diamo un po 'di lavoro come esempio: "Innancere dio con orchestra" (1868-1869), "ritratto femminile" (1868), "Chet Morbilli" (1867) e altri.

Il principio del ritratto nelle opere del DEGI è tracciato per tutto il suo percorso creativo. Nel 1870, l'artista della gloria completa raffigura la Società della Francia, in particolare Parigi nelle sue opere. Nell'interesse dell'artista - vita urbana in movimento. "Il movimento era una delle più importanti manifestazioni della vita, e la sua capacità di trasmettere è la conquista più importante della pittura moderna", scrive n. Kalitin.

Durante questo periodo di tempo, tali immagini sono create come "stella" (1878), "Miss Lola in Circus Fernando", "Racing in Epsoma" e altri.

La nuova svolta della creatività di DEGI diventa il suo interesse per il balletto. Mostra la vita del backstage del ballerina, racconta il loro lavoro pesante e gli allenamenti testardi. Ma nonostante questo, l'artista riesce a trovare ariosità e facilità di trasmettere le loro immagini.

In una serie di balletti di immagini di DEGI, i risultati nel quadro della trasmissione di rampe luminose artificiali sono visibili, parlano della concessione colorata dell'artista. I dipinti più famosi "Blue Dancers" (1897), "Dance Class" (1874), "Dancer con un bouquet" (1877), "ballerini in rosa" (1885) e altri.

Alla fine della vita, a causa della compromissione della degno, tenta la sua forza nella scultura. I suoi oggetti sono le stesse ballerine, donne, cavalli. Nella scultura del Degi prova a superare il movimento, e per valutare la scultura, è necessario considerarlo dai lati diversi.

Impressionismo (Franz. Impressionnisme, dall'impressione - impressione), direzione dell'arte dell'ultimo terzo del XIX secolo, il cui padrone, che fissa le sue impressioni fugace, cercarono il più naturale e inutile di catturare il mondo reale nella sua mobilità e variabilità. L'impressionismo è nato in pittura francese alla fine del 1860. Eduar Tana (formalmente non parte del gruppo impressionisti), Degas, Renoir, Moneta ha introdotto freschezza e impedizione della percezione della vita in arte visiva.

Artisti francesi si rivolse all'immagine di istantanea, raccolti dal flusso della realtà di situazioni, vita spirituale umana, l'immagine di forti passioni, spiritualità della natura, interesse per il passato nazionale, il desiderio di forme d'arte sintetiche sono combinati con i motivi di Il dolore mondiale, lo studio e la ricreazione della "ombra", il lato "la notte" dell'anima umana, con la famosa "ironia romantica", ha permesso il romanticismo di essere salvo salvo e equalizzato alto e pianura, tragico e comico, reale e fantastico . Gli artisti-impressionisti hanno usato situazioni di realtà frammentarie, utilizzate a prima vista costruttiva sbilanciata, prospettive inaspettate, punti di vista, fette di figure.

Nel 1870-1880, si forma il paesaggio dell'impressionismo francese: K. Monte, K. Pisserro, A. Sisley ha sviluppato un sistema consistente di Plenuer, ha creato una sensazione di frizzante luce del sole, la ricchezza dei colori della natura, dissolvendo le forme in la vibrazione della luce e dell'aria. Il nome della direzione si è verificato dal nome dell'immagine di Claude Monet "Impression. Soleil Levant"; esposto nel 1874, ora nel museo Marmottan, Parigi). La decomposizione di fiori complessi sui componenti puri che sono stati imposti sulla tela con tratti separati, ombre colorate, riflessi e valleris diede origine a una luce impareggiabile, detenzione dell'impressionismo della pittura.

Le parti separate e le tecniche di questa direzione nella pittura sono state utilizzate dai pittori della Germania (M. Lieberman, L. Corint), USA (J. Whistler), Svezia (A.l. Tsorne), Russia (K.a. Korovin, I.e. Grabar) e molti altri Scuole di arte nazionali. Il concetto di impressionismo è anche applicato alla scultura del 1880-1910, che ha alcune caratteristiche impressionistiche - il desiderio per il trasferimento di movimento istantaneo, fluidità e morbidezza, schizzo di plastica (opere di O. Roden, figurine di bronzo di Degi et al .). L'impressionismo in arte visiva ha influenzato lo sviluppo di mezzi espressivi di letteratura moderna, musica, teatro. Nell'interazione e in polemiche con il pittoresco sistema di questo stile nella cultura artistica della Francia, la fine del 19 ° - inizio del XX secolo c'erano correnti di neocesimensionismo e postmunità.

Neo-Simepressionism. (Franz. Neo-Impressionnisme) - Un corso di pittura, che è emerso in Francia circa il 1885, quando i suoi principali maestri, J. cantante e P. Signac, ha sviluppato una nuova tecnica pittoresca di divisione. Neo-Impressioni francesi e i loro follower (T. Van Reiselberg in Belgio, J. Segantini in Italia e altri), sviluppando le tendenze del tardo impressionismo, ha cercato di applicare le moderne scoperte nel campo dell'ottica all'arte, dando una natura metodica di le tecniche per la decomposizione dei toni per i colori puliti; Allo stesso tempo, hanno superato l'incidente, frammentario della composizione impressionistica, ha fatto ricorso nei loro paesaggi e pannelli multifigurici-pannelli a soluzioni decorative piatte.

Pospressionismo. (Dal lat. Post-post-post e impressionismo) - Il nome collettivo dei principali flussi di pittura francese della fine del 19 ° - inizio del XX secolo. Il mago della postiziamento della metà del 1880 è stato alla ricerca di nuovi farmaci espressivi che potevano superare l'empirismo del pensiero artistico e permesso di passare da una fissazione impressionistica di alcuni momenti di vita alla forma di realizzazione dei suoi stati a lungo termine, materiali e costanti spirituali. Per il periodo di post a sinistra, è caratterizzata l'interazione attiva delle singole direzioni e dei singoli sistemi creativi. Il lavoro dei maestri del neoimpressionismo, dei gruppi NABI, così come Van Gogh, P. Cesanne, P. Gogen, è solitamente classificato con la posturmentismo.

Riferimento e dati biografici "Gallerie del pianeta di pittura piccolo baia" preparato sulla base dei materiali della "Storia dell'arte straniera" (Ed. Mt Kuzminina, NL Maltseva), "Enciclopedia artistica di arte classica straniera", "grande enciclopedia russa" .

L'arte europea della fine del XIX secolo fu arricchita con l'emergere di un modernista in seguito, la sua influenza si diffuse alla musica e alla letteratura. Si chiamava "impressionismo", poiché era basato sulle migliori impressioni dell'artista, delle immagini e del sentimento.

Le origini e la storia del verificarsi

Diversi giovani artisti nella seconda metà del 19 ° secolo sono stati uniti in un gruppo. Avevano un obiettivo comune e ha coinciso gli interessi. La cosa principale per questa compagnia era il lavoro in natura, senza le pareti del laboratorio e dei vari fattori deterrenti. Nei suoi dipinti, hanno cercato di trasmettere tutta la sensualità, l'impressione del gioco della luce e dell'ombra. Paesaggi e ritratti riflettevano l'unità dell'anima dall'universo, con il mondo esterno. I loro dipinti sono autentiche poesie di vernici.

Nel 1874, si è tenuta una mostra di questo gruppo di artisti. Paesaggio Claude Monet "Impression. L'alba "ha fermato la critica, che nel suo richiamo per la prima volta ha chiamato questi creatori con impressionisti (dall'impressione francese -" impressione ").

Lo sfondo della nascita dell'impressionismo di stile, i dipinti dei cui rappresentanti acquisiranno presto un incredibile successo, il lavoro dell'età rinascimentale. Il lavoro degli spagnoli Velasquez, El Greco, gli inglesi del Turner, Constable non è stato influenzato incondizionatamente dai francesi, che erano gli edlemeni dell'impressionismo.

I rappresentanti in stile luminoso in Francia sono diventati pissesarro, mana, degas, sisan, cesano, moneta, renoir e altri.

Filosofia dell'impressionismo nella pittura

Gli artisti che hanno scritto in questo stile non si sono impostati il \u200b\u200bcompito di attirare l'attenzione del pubblico e problemi. Nel loro lavoro, non trovando trame nel giorno del male, è impossibile ottenere la morale o notare le contraddizioni umane.

Le immagini in stile L'impressionismo sono rivolte al trasferimento di umore momentaneo, lo sviluppo di soluzioni colorate di natura misteriosa. C'è solo un inizio positivo nelle opere nelle opere, il blackery ha scavalcato gli impressionisti dalla festa.

In effetti, gli impressionisti non si preoccupissero di pensare la trama e i dettagli. Il fattore principale non era quello che disegnare, ma per ritrarre e trasferire il loro umore.

Tecnica di scrittura di immagini

La differenza tra il modo accademico di disegno e tecnica degli impressionisti. Da molti metodi, semplicemente hanno rifiutato, alcuni sono cambiati oltre il riconoscimento. Ecco quali innovazioni hanno contribuito:

1. Contorno abbandonato. È successo per sostituirlo sulla striscia - piccola e contrastante.
2. Smesso di usare le tavolozze per essere scelti da colori che si completano a vicenda e non richiedono fusioni per ottenere un certo effetto. Ad esempio, il giallo è viola.
3. Smesso di disegnare in nero.
4. Lavoro completamente abbandonato nei workshop. Scrisse esclusivamente sulla natura, in modo che fosse più facile catturare il momento, l'immagine, il sentimento.
5. Usato solo vernici con una buona capacità di copertura.
6. Non hanno aspettato un nuovo strato. Smazze fresche applicate immediatamente.
7. Cicli creati di lavori per rintracciare i cambiamenti di luce e ombra. Ad esempio, il "pagliaio" del pennello di Claude Monet.

Naturalmente, non tutti gli artisti hanno eseguito esattamente le caratteristiche dello stile dell'impressionismo. Le immagini della criniera di Eduar, ad esempio, non hanno mai partecipato alle mostre congiunte, e lui stesso si è posizionato come artista separato. Edgar Dega ha lavorato solo in workshop, ma non era dannoso per la qualità delle sue opere.

Rappresentanti dell'impressionismo francese

La prima mostra del lavoro di impressionisti datato 1874. Dopo 12 anni, la loro ultima esposizione è passata. Il primo prodotto in questo stile può essere chiamato "colazione sull'erba" di E. Mana Brush. Questa immagine è stata presentata nel "salone di respinto". È stata raggiunta scortese, perché era molto diverso dai canoni accademici. Ecco perché la criniera diventa la figura attorno al quale viene raccolto un cerchio di seguaci di questa direzione stilistica.

Sfortunatamente, i contemporanei non hanno approfittato di questo stile come impressionismo. Immagini e artisti esistenti in disaccordo con l'arte ufficiale.

A poco a poco, Claude Monet arriva alla fronte nel team di pittori, che successivamente diventerà il loro leader e il principale ideologo dell'impressionismo.

Claude Monet (1840-1926)

La creatività di questo artista può essere descritta come l'impressionismo dell inno. Era che è stato il primo a rifiutare di usare il nero nei suoi dipinti, motivando questo dal fatto che anche le ombre e la notte hanno altri toni.

Il mondo nelle immagini di Monet è oscura dei contorni, lunghi tratti, guardando il quale è possibile sentire l'intera gamma di giochi colorati di gioco e notti, stagioni, armonia del mondo Fideline. Solo un momento, che è stato tratto da una vitalità, nella comprensione del monet e c'è l'impressionismo. I dipinti sembrano non possedere la materialità, sono tutti impregnati con raggi di flussi di luce e aria.

Claude Monet è stato creato straordinarie opere: "Stazione Saint-Lazar", "Cattedrale di Ruenan", il ciclo "Bridge Chardning Cross" e molti altri.

Auguste Renoir (1841-1919)

Le creazioni di Renair creano un'impressione di straordinaria leggerezza, aviaria, essenzialità. La trama nasce come se accidentalmente, tuttavia, è noto che l'artista pensava attentamente tutte le fasi del suo lavoro e lavorato da mattina alla notte.

Una caratteristica distintiva della creatività O. Renuara è l'uso di minore, che è possibile solo quando la scrittura di impressionismo nelle opere dell'artista si manifesta in ogni Stroch. Una persona è percepita da lui come una particella della natura stessa, quindi le immagini con natura nuda sono così numerose.

L'occupazione preferita di Renuara era un'immagine di una donna nella sua intera bellezza attraente e attraente. I ritratti occupano un posto speciale nella vita creativa dell'artista. "Ombrelli", "Ragazza con un fan", "Colazione dei vicoli" - Solo una piccola parte di una straordinaria collezione di dipinti di Auguste Renoara.

Georges Sere (1859-1891)

Il processo di creazione di un'immagine di zolfo legata con una giustificazione scientifica della teoria del colore. Il mezzo di luce dell'aria è stato disegnato in base alla dipendenza dei toni principali e aggiuntivi.

Nonostante il fatto che J. Serez sia un rappresentante della fase finale dell'impressionismo, e la sua tecnica è in gran parte diversa dai fondatori, crea anche una rappresentazione illusoria del modulo soggetto con l'aiuto di macchie, considerare e vedere che è possibile solo ad una distanza.

I capolavori della creatività possono essere definiti foto "domenica giorno", "kankan", "software".

Rappresentanti dell'impressionismo russo

L'impressionismo russo è sorto praticamente spontaneamente, mescolato molti fenomeni e metodi. Tuttavia, la base, come il francese, è stata una visione dentata del processo.

Nell'impressionismo russo, anche se le caratteristiche del francese sono state preservate, ma le peculiarità della natura nazionale e lo stato dell'anima hanno fatto cambiamenti significativi. Ad esempio, la visione di neve o paesaggi settentrionali è stata espressa utilizzando tecniche insolite.

In Russia, pochi artisti lavoravano nello stile dell'impressionismo, attirano le loro opinioni fino ad oggi.

Il periodo impressionistico può essere assegnato al lavoro di Valentina Serov. La sua "ragazza con pesche" è l'esempio più luminoso e lo standard di questo stile in Russia.

Le immagini conquistono la loro freschezza e le loro vernici pulite consonanti. Il tema principale della creatività di questo artista è l'immagine di una persona in natura. "Idyll del Nord", "nella barca", "Fyodor Shalyapin" - le pietre miliari luminose delle attività di K. Korovina.

Impressionismo nei tempi moderni

Attualmente, questa direzione nell'arte ha ricevuto una nuova vita. In questo stile, diversi artisti scrivono i loro dipinti. Composti impressionanti contemporanei in Russia (Andre Kon), in Francia (Laurel), in America (Diana Leonard).

Andre Kon è il rappresentante più sorprendente del nuovo impressionismo. I suoi dipinti scritti dall'olio sono colpibili con la loro semplicità. L'artista vede la bellissima nelle cose quotidiane. Creatore interpreta molti oggetti attraverso il prisma del movimento.

Le opere dell'acquerello di Laurent Parselyell conoscono il mondo intero. La sua serie di lavori "strano mondo" è stato rilasciato sotto forma di cartoline. Splendido, luminoso e sensuale, catturano lo spirito.

A partire dall'età del 19, gli artisti rimane attualmente abbondanti dipinti. Grazie a lei, l'impressionismo vivrà sempre. Gli artisti sono ancora ispirati, impressionanti e ispirano.

p. L'impressione è l'impressione) - Direzione nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - NCH. Secoli XX, i cui rappresentanti hanno iniziato a scrivere paesaggi e scene di genere direttamente dalla natura, cercando di essere vernici molto pulite e intense per trasmettere abbagliamento del sole, soffiaggio del vento, erba frusciante, folla della città. Gli impressionisti hanno cercato il più naturale e inutile di catturare il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, trasferire le loro impressioni fugaci.

Definizione eccellente

Definizione incompleta ↓.

IMPRESSIONISMO

franz. impressionnisme, da impressione - impressione), direzione nell'arte del con. 1860 - NCH. 1880. Il più luminoso manifestato nella pittura. Rappresentanti leader: K. Monte, O. Renoir, K. Pisserro, A. Guillaomen, B. Morizo, M. Kassat, A. Sisley, Kaibott e J. F. Bazil. Insieme a loro, i dipinti di E. La criniera e E. Degi sono stati messi, anche se lo stile dei loro lavori non può essere chiamato completamente impressionistico. Il nome "impressionisti" era trincerato dietro un gruppo di giovani artisti dopo la loro prima mostra comune a Parigi (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley, ecc.), Che ha causato una feroce perturbazione del pubblico e dei critici. Una delle immagini presentate da K. Monte (1872) è stata chiamata "impressione". Sunrise "(" Impression, Soleil Levant "), e il revisore in beffa chiamato Artists" Impressions "-" impressionato ". I pittori hanno agito sotto questo titolo alla terza mostra congiunta (1877). Allo stesso tempo, hanno iniziato a produrre la rivista "impressionista", ogni numero di cui è stato dedicato al lavoro di uno dei partecipanti al gruppo.

Gli impressionisti hanno cercato di catturare il mondo intorno a lui nella sua costante variabilità, la fluidità, esprimere imparzialmente le loro immediate impressioni. L'impressionismo era basato sulle ultime scoperte di ottica e teoria dei colori (decomposizione spettrale del raggio solare su sette colori dell'arcobaleno); In questo, era consonante con lo spirito di analisi scientifica caratteristica del con. 19esimo secolo Tuttavia, gli stessi impressionisti non hanno cercato di determinare le fondamenta teoriche della loro arte, insistere sulla elementare, la creatività dell'artista intuitiva. I principi artistici degli impressionisti non erano uniformi. Monte ha scritto paesaggi solo in contatto diretto con la natura, all'aperto (al Plenier) e ha persino costruito un laboratorio in una barca. Degas ha lavorato nel workshop sui ricordi o utilizzando le foto. A differenza dei rappresentanti dei flussi radicali successivi, gli artisti non sono andati oltre il sistema illusorio-spaziale rinascimentale basato sull'uso della prospettiva diretta. Continuano saldamente al metodo di lavorare con la natura, che è stato eretto da loro nel principio principale della creatività. Gli artisti hanno cercato di "scrivere ciò che vedi" e "come vedi." L'applicazione coerente di questo metodo ha portato alla trasformazione di tutte le basi del sistema scenico affermato: Coliterite, composizione, costruzione spaziale. Le vernici pulite sono state applicate su tela con piccoli gruppi separati: "punti" multicolore giacevano nelle vicinanze, mescolando in uno spettacolo colorato non sulla tavolozza e non sulla tela, ma negli occhi dello spettatore. Gli impressionisti hanno raggiunto la contentezza senza precedenti del sapore, la ricchezza senza precedenti delle sfumature. Lo striscio è diventato un mezzo indipendente di espressività, riempire la superficie di una vivace vibrazione tremolante delle particelle di colore. La tela è stata paragonata dai colori preziosi trasfusionali del mosaico. Nell'ex dipinto, prevalse le sfumature di colore nero, grigio e grigio; Nelle tele dagli impressionisti, dipingere brillando vivacemente. Gli impressionisti non applichino la leggerezza per la trasmissione di volumi, hanno abbandonato le ombre scure, anche le ombre nei loro dipinti erano colorate. Gli artisti hanno usato ampiamente colori aggiuntivi (rosso e verde, giallo e viola), che aumentano l'intensità del colore del colore. Nei dipinti di Monet, la vernice era pigra e dissolta nella luminosità dei raggi della luce del sole, i colori locali hanno acquisito un sacco di sfumature.

Gli impressionisti raffigurarono il mondo in tutto il mondo in movimento eterno, transizione da uno stato all'altro. Hanno iniziato a scrivere una serie di dipinti, volendo mostrare come lo stesso motivo varia a seconda del tempo del giorno, dell'illuminazione, degli stati meteorologici, ecc. (Cicli "Boulevard Montmartre" K. Pissarro, 1897; "Cattedrale di Ruenan", 1893- 95 e "Parlamento di Londra", 1903-04, K. Monet). Gli artisti hanno trovato modi per riflettere il movimento delle nuvole (A. Sisley. "Luan in Saint-Mamma", 1882), il gioco è bagliore del sole (O. Renoir. "Swing", 1876), raffiche di vento (K. Monet. "Terrazza in santo indirizzo", 1866), getti da pioggia (Kaibott. "Ier. Effetto pioggia", 1875), neve che cade (K. Pisserro. "Passaggio dell'opera. Effetto neve", 1898), cavalli rapidi (E. Mana. "Racing in Lonzhan", 1865).

Gli impressionisti hanno sviluppato nuovi principi per la costruzione della composizione. In precedenza, lo spazio dell'immagine è stato paragonato alla piattaforma di palcoscenico, ora le scene catturate assomigliavano a un'istantanea, una fotocata. Inventato in 19 V. La foto ha avuto un impatto significativo sulla composizione dell'immagine impressionista, specialmente nel lavoro di E. Degi, che lui stesso era un fotografo appassionato e, secondo le sue stesse parole, cercava di prendere le ballerine della Ballerina, vederli "come se Attraverso il buco della serratura, "quando le loro pose, le linee del corpo naturali, espressive e affidabili. Creare dipinti all'aria aperta, il desiderio di catturare rapidamente cambiando l'illuminazione degli artisti forzati per accelerare il lavoro, scrivere "Alla Prima" (in una ricezione), senza schizzi preliminari. Fragmentalità, "incidente" della composizione e modalità pittorica dinamica ha creato una sensazione di freschezza speciale nelle immagini degli impressionisti.

Il genere impressionistico preferito era un paesaggio; Il ritratto ha anche presentato una specie di "Paesaggio viso" (O. Renoir ". Ritratto di un'attrice J. Samari", 1877). Inoltre, gli artisti hanno ampliato significativamente il cerchio dei grafici della pittura, contattando i temi, in precedenza considerata indegna attenzione: festività popolari, salti, picnic della Boemia artistica, il backstage dei teatri, ecc. Tuttavia, non c'è una storia dettagliata nelle loro foto; La vita umana è disciolta nella natura o nell'atmosfera della città. Gli impressionisti hanno scritto non eventi, ma sentimento, sfumature dei sentimenti. Gli artisti hanno rifiutato fondamentalmente argomenti storici e letterari, evitato di ritrarre i lati drammatici, scuri della vita (guerra, disastro, ecc.). Hanno cercato di liberare l'arte dall'attuazione di compiti sociali, politici e morali, dall'obbligo di valutare i fenomeni raffigurati. Gli artisti hanno sfidato la bellezza del mondo, in grado di trasformare il motivo più domestico (riparazione della stanza, nebbia grigia di Londra, fumo di locomotive a vapore, ecc.) All'incantevole spettacolo (Kaibott. "Parquetters", 1875; K. Monet . "Stazione Saint-Lazar", 1877).

Nel 1886, l'ultima mostra di impressionisti ha avuto luogo (O. Renoir e K. Monet ha partecipato ad esso). A questo punto, furono scoperte differenze significative tra i membri del Gruppo. Le possibilità del metodo dell'impressionismo sono state esaurite, e ciascuno degli artisti ha iniziato a cercare la propria strada nell'arte.

L'impressionismo come metodo creativo olistico era il fenomeno dell'arte prevalentemente francese, ma il lavoro degli impressionisti ha avuto un impatto sull'intera pittura europea. Il desiderio di aggiornare il linguaggio artistico, l'evitubinazione della tavolozza colorata, l'esposizione delle tecniche pittoriche, d'ora in poi, entrò con fermezza l'arsenale degli artisti. In altri paesi, J. Whistler (Inghilterra e USA), M. Lieberman, L. Corint (Germania), H. Srima (Spagna) erano vicini all'impressionismo. L'impatto dell'impressionismo è stato sperimentato da molti artisti russi (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar, ecc.).

Oltre alla pittura, l'impressionismo è stato incarnato nel lavoro di alcuni scultori (E. Degas e O. Roden in Francia, M. Rosso in Italia, PP Trubetskoy in Russia) in una modellazione vivace di forme morbide fluide, che crea un complesso gioco di luce sulla superficie del materiale e il senso di incompletezza del lavoro; Nelle posture catturate il momento del movimento, lo sviluppo. Nella musica, la vicinanza all'impressionismo è scoperta dalle opere di K. Debussy ("Vele", "Nebbia", "Riflessioni in acqua", ecc.).

Definizione eccellente

Definizione incompleta ↓.

"Esposizione di impressionisti", prendendo come base il nome dell'immagine di Claude Monet "Impression. Sole ascendente "(fr. Impression, Soleil Levant). Inizialmente, questo termine era in qualche modo sprezzante, indicando l'atteggiamento appropriato nei confronti degli artisti che hanno scritto in un nuovo modo "negligente".

Impressionismo nella pittura

Fonti

A metà degli anni 1880, l'impressionismo, gradualmente cessa di esistere come una singola direzione, e disintegrarsi, dando un impulso notevole all'evoluzione dell'art. All'inizio del XX secolo, è stata acquisita la tendenza del rifiuto del realismo, e la nuova generazione di artisti si è allontanata dall'impressionismo.

L'emergere del nome

Ci sono decenni. E la nuova generazione di artisti arriverà all'attuale crollo di forme e contenuti impoveri. Poi la critica, e il pubblico, videro in ha condannato impressionisti - realisti e un po 'più tardi e i classici dell'arte francese.

Specificità della filosofia dell'impressionismo

L'impressionismo francese non ha sollevato problemi filosofici e non ha nemmeno provato a penetrare nella superficie del colore del quotidiano. Invece, l'impressionismo, essendo un'arte in una certa misura per le maniere e manieristi, si concentra sulla superficialità, sul momento di momenti, umore, illuminazione o carbone di vista.

Come l'arte del Rinascimento (Revival), l'impressionismo si basa sulle peculiarità e sulle competenze della percezione della prospettiva. Allo stesso tempo, la visione del Rinascimento è esplosa dalla comprovata soggettività e relatività della percezione umana, che rende il colore e la forma di componenti autonomi dell'immagine. Per l'impressionismo, non è così importante che sia mostrato nella figura, ma è importante come rappresentato.

Le immagini degli impressionisti non trasportano critiche sociali, non influenzano i problemi sociali, come la fame, la malattia, la morte, rappresentano solo i lati positivi della vita. Questo ha portato più tardi alla divisione tra gli impressionisti stessi.

Impressionismo e società

L'impressionismo è inerente al democratismo. Secondo l'inerzia, l'arte e nel XIX secolo fu considerato un monopolio di aristocratici, segmenti più alti della popolazione. Eseguirono i principali clienti sulla pittura, i monumenti, sono loro - i principali acquirenti di dipinti e sculture. Le trame con il lavoro difficile dei contadini, le tragiche pagine della modernità, i lati vergognosi delle guerre, la povertà, le turbolenze sociali condannate, non approvarono, non sono state comprate. Critica della blasfema moralità della società nei dipinti di Theodore Zhriko, Francois Mill ha trovato una recensione solo dai sostenitori degli artisti e dei pochi esperti.

Gli impressionisti in questo numero hanno occupato abbastanza compromessi, posizioni intermedie. I trame biblici, letterari, mitologici e storici inerenti nell'accademismo ufficiale sono stati scartati. D'altra parte, hanno distrutto il riconoscimento, il rispetto, anche i premi. L'attività di Eduar Man Head è indicativa, quali anni hanno raggiunto il riconoscimento e i premi dal salone ufficiale e dalla sua amministrazione.

Invece, c'era una visione della vita quotidiana e della modernità. Gli artisti hanno spesso dipinto le persone in movimento, durante il divertimento o il riposo, rappresentavano la comparsa di un certo posto con una certa illuminazione, anche il motivo del loro lavoro era la natura. Le trame flirt sono state prese, ballano, soggiornando in un caffè e teatro, passeggiate in barca, sulle spiagge e nei giardini. Se giudichi le immagini degli impressionisti, allora la vita è una svolta di piccole vacanze, feste, pasticcini piacevoli fuori città o in un ambiente amichevole (un certo numero di dipinti di Renuara, Mana e Claude Monet). Impressionisti alcuni dei primi hanno iniziato a disegnare nell'aria, senza modificare il loro lavoro nel workshop.

Tecnica

Il nuovo corso si è distinto dal dipinto accademico sia in termini tecnici che ideologici. Prima di tutto, gli impressionisti hanno abbandonato il contorno, sostituendolo con piccoli colpi separati e contrastanti, che hanno imposto in conformità con le teorie del colore di Chevreil, Helmholtz e Ore. Il raggio di sole è diviso nei componenti: viola, blu, blu, verde, giallo, arancione, rosso, ma dal momento che il blu è un tipo di blu, il loro numero è ridotto a sei. Due vernici posate nelle vicinanze migliorano l'un l'altro e, al contrario, quando mescolato, perdono l'intensità. Inoltre, tutti i colori sono suddivisi in primario, o di base, e doppio o derivati, con ogni doppia vernice è aggiuntivo al primo:

• Blu - Arancio.
• rosso verde
• Giallo - viola

Pertanto, è stato possibile non mescolare vernici sulla tavolozza e ottenere il colore desiderato dalla corretta imposizione di loro sulla tela. Successivamente è diventato una ragione per l'abbandono dal nero.

Gli impressionisti vengono quindi smetti di concentrare tutto il lavoro sulle tele nei laboratori, ora preferiscono il Plair, dove è conveniente afferrare l'impressione borbottante da ciò che sembrava che fosse possibile chiudere l'invenzione al tubo d'acciaio, che, A differenza dei borse in pelle, potrebbero essere chiusi in modo che la vernice non fosse asciutta.

Gli artisti hanno anche usato pitture rifugi, che scarsamente mancano la luce e non sono adatte a mescolare perché sono rapidamente grigie, ha permesso loro di creare immagini non con " interno", ma " esterno»La luce si riflette dalla superficie.

Le differenze tecniche hanno contribuito al conseguimento di altri scopi, prima di tutto, gli impressionisti hanno cercato di catturare un'impressione mimica, i più piccoli cambiamenti in ciascun soggetto a seconda dell'illuminazione e del tempo della giornata, la più alta forma di realizzazione dei cicli della pace di Monta "Pila di sen", "Cattedrale di Ruenan" e "Parlamento di Londra".

In generale, nello stile dell'impressionismo un sacco di maestri lavoravano, ma la base del movimento era Edward Mana, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frederico Basilico e Berta Morizo. Tuttavia, Manne si chiamava sempre un "artista indipendente" e non ha mai partecipato a mostre, e Degi sebbene abbia partecipato, ma non ha mai scritto il suo lavoro al Plenuel.

Cronologia dagli artisti

Impressionisti

Mostre

• Prima fiera (15 aprile - 15 maggio)

• Seconda esibizione (Aprile)

Indirizzo: ul. Lepellet, 11 (Galleria Durane). Partecipanti: Bazil (Postumo, l'artista morì nel 1870), Beliore, Belieu, Debuten, Degas, Kaibott, Calc, Leva, Lepik, Lepik, Mille, Monet, Morizo, L. Otten, Pissarro, Renoir, Rouer, Sisley, Tillan, Francois.

• Terza fiera (Aprile)

Indirizzo: ul. Lepellet, 6. Partecipanti: Guillamen, Degas, Kaibott, Calc, Corde, Leva, Lyami, Monet, Morizo, Alphonse Moro, Piett, Pisserro, Renoir, Rouer, Cezanne, Sisny, Tilla, Francois.

• Quarta mostra (10 aprile - 11 maggio)

Indirizzo: Avenue Opera, 28. Partecipanti: Weekend, Mrs. Praemon, Gaugen, Degas, Dzandomena, Kaibott, Calc, Cassat, Leber, Monet, Piett, Pissarro, Rouer, Somm, Tilla, Forew.

• Fifth Exhibition. (1 aprile - 30 aprile)

Indirizzo: ul. Piramidi, 10. Partecipanti: Weekend, signora Praemon, Vidal, Vignon, Guillamen, Gaugugen, Degas, Dzandomena, Kaibott, Cassat, Lebour, Lever, Morizo, Pissarro, Rafaelli, Rouer, Tillan, Forena.

• Sesta mostra (2 aprile - 1 maggio)

Indirizzo: Kapuchin Boulevard, 35 (fotografo Atelier Nadar). Partecipanti: Vidal, Vignon, Guillamen, Gauguin, Degas, Dzandomena, Cassat, Morizo, Pissarro, Rafaelli, Rouer, Tilla, Forena.

• Settima mostra (Marzo )

Indirizzo: Foburg-Sent-Onorov, 251 (U Dura-Ruyel). Partecipanti: Vignon, Guillamen, Gaugugen, Kaibott, Monet, Morizo, Pisserro, Renoir, Sisley.

• Eighth Exhibition. (15 maggio - 15 giugno)

Indirizzo: ul. Luffett, 1. Partecipanti: Sig.ra Pambone, Vignon, Guillamen, Gauguin, Degas, Dzandomena, Cassetta, Morizo, Camille Pissarro, Lucien Pissarro, Redon, Rouer, Syra, Signac, Tilla, Foreland, Shiffenecner.

Impressionismo in letteratura

Nella letteratura, l'impressionismo non ha funzionato come una direzione separata, ma le sue caratteristiche si sono riflessi nel naturalismo e nel simbolismo.

Prima di tutto, è caratterizzato da un'espressione dell'impressione privata dell'autore, il rifiuto dell'immagine oggettiva della realtà, dell'immagine di ogni momento, che avrebbe dovuto comportare la mancanza di una trama, la storia e la sostituzione del pensiero della percezione e la ragione - istinto. Le caratteristiche principali dello stile impressionista formularono i fratelli Gangur nel loro lavoro "Diario", dove la famosa frase " Vedi, senti, espresso - questo è tutto l'arte"È diventato una posizione centrale per molti scrittori.

Nel naturalismo, il principio principale è stata la veridicità, la lealtà della natura, ma è impressionata, e quindi l'aspetto della realtà dipende da ogni singola personalità e dal suo temperamento. È molto pienamente espresso nei romanzi di Emil Zol, le sue descrizioni dettagliate di odori, suoni e percezioni visive.

Simbolismo, al contrario, ha chiesto un rifiuto del mondo materiale e il ritorno in ideale, tuttavia, la transizione è possibile solo attraverso impressioni borbottanti, rivelando l'essenza segreta in cose visibili. Un vivido esempio di impressionismo poetico - una collezione