Scultura della Grecia classica. Arte dell'antica Grecia

Il V secolo nella storia della scultura greca del periodo classico può essere definito un "passo avanti". Lo sviluppo della scultura dell'antica Grecia in questo periodo è associato ai nomi di famosi maestri come Mirone, Poliklen e Fidia. Nelle loro creazioni le immagini diventano più realistiche, se si può dire addirittura “vive”, lo schematismo che era caratteristico delle diminuzioni. Ma i principali "eroi" sono gli dei e le persone "ideali".

Mirone, che visse a metà del V secolo. AVANTI CRISTO e, ci è noto da disegni e copie romane. Questo geniale maestro padroneggiava perfettamente la plasticità e l'anatomia, trasmetteva chiaramente la libertà di movimento nelle sue opere ("Disco Thrower"). Conosciuto anche il suo lavoro "Athena and Marsyas", che è stato creato sulla base del mito di questi due personaggi. Secondo la leggenda, Atena ha inventato il flauto, ma durante il gioco ha notato quanto brutta fosse cambiata la sua espressione, con rabbia lancia lo strumento e maledice tutti coloro che lo suoneranno. Era costantemente osservata dalla divinità della foresta Marsia, che aveva paura della maledizione. Lo scultore ha cercato di mostrare la lotta di due opposti: la calma di fronte ad Atena e la ferocia di fronte a Marsia. Gli intenditori d'arte moderna ammirano ancora il suo lavoro, le sue sculture di animali. Ad esempio, sono stati conservati circa 20 epigrammi per una statua in bronzo di Atene.

Polikleitos, che lavorò ad Argo, nella seconda metà del V sec. AVANTI CRISTO e, è un rappresentante di spicco della scuola del Peloponneso. La scultura del periodo classico è ricca dei suoi capolavori. Era un maestro della scultura in bronzo e un eccellente teorico dell'arte. Policlet ha preferito ritrarre gli atleti, in cui la gente comune ha sempre visto l'ideale. Tra le sue opere ci sono le statue di "Doryfor" e "Diadumen". La prima opera è un forte guerriero con una lancia, l'incarnazione della calma dignità. Il secondo è un giovane snello, con in testa una benda da vincitore in gare.

Fidia è un altro rappresentante di spicco del creatore della scultura. Il suo nome risuonava brillantemente durante il periodo di massimo splendore dell'arte classica greca. Le sue sculture più famose erano le statue colossali di Atena Parthenos e Zeus nel tempio olimpico in legno, oro e avorio, e Atena Promachos, realizzata in bronzo e situata sulla piazza dell'Acropoli di Atene. Questi capolavori d'arte sono irrimediabilmente perduti. Solo descrizioni e copie romane ridotte ci danno una vaga idea della magnificenza di queste sculture monumentali.

Atena Parthenos - una straordinaria scultura del periodo classico, fu costruita nel tempio del Partenone. Era una base di legno di 12 metri, il corpo della dea era ricoperto di lastre d'avorio e gli abiti e le armi stesse erano d'oro. Il peso approssimativo della scultura è di duemila chilogrammi. Sorprendentemente, le parti d'oro venivano rimosse e pesate nuovamente ogni quattro anni, poiché erano il fondo aureo dello stato. Fidia decorò lo scudo e il piedistallo con rilievi raffiguranti se stesso e Pericle in battaglia con le Amazzoni. Per questo fu accusato di sacrilegio e mandato in prigione, dove morì.

La statua di Zeus è un altro capolavoro della scultura del periodo classico. La sua altezza è di quattordici metri. La statua raffigura la suprema divinità greca seduta con la dea Nike in mano. La statua di Zeus, secondo molti storici dell'arte, è la più grande creazione di Fidia. È stato costruito utilizzando la stessa tecnica utilizzata per creare la statua di Atena Parthenos. La figura era di legno, raffigurata nuda fino alla vita e ricoperta di lastre d'avorio, e le vesti erano ricoperte di lamine d'oro. Zeus sedeva sul trono e nella mano destra teneva la figura della dea della vittoria, Nike, e nella mano sinistra c'era una verga, che era un simbolo di potere. Gli antichi greci percepivano la statua di Zeus come un'altra meraviglia del mondo.

Atena Promachos (circa 460 aC), una scultura in bronzo di 9 metri dell'antica Grecia fu costruita proprio tra le rovine dopo che i persiani distrussero l'Acropoli. Fidia "dà alla luce" un'Athena completamente diversa, nella forma di un guerriero, un importante e severo difensore della sua città. Ha una potente lancia nella mano destra, uno scudo nella sinistra e un elmo in testa. Atena in questa immagine rappresentava la potenza militare di Atene. Questa scultura dell'antica Grecia sembrava regnare sulla città, e tutti coloro che viaggiavano lungo il mare lungo la costa potevano contemplare la punta della lancia e la cresta dell'elmo della statua scintillare ai raggi del sole. Oltre alle sculture di Zeus e Atena, Fidia realizza immagini in bronzo di altre divinità nella tecnica crisoelefantina e partecipa a concorsi di scultori. Fu anche il capo di grandi lavori di costruzione, ad esempio la costruzione dell'Acropoli.

La scultura dell'antica Grecia mostrava la bellezza fisica e interiore e l'armonia dell'uomo. Già nel IV secolo, dopo le conquiste di Alessandro Magno in Grecia, si conoscono nuovi nomi di scultori di talento come Skopas, Prassitele, Lisippo, Timoteo, Leocar e altri. I creatori di questa era iniziano a prestare maggiore attenzione allo stato interno di una persona, al suo stato psicologico e alle sue emozioni. Sempre più spesso gli scultori ricevono ordini individuali da cittadini facoltosi, in cui chiedono di ritrarre personaggi famosi.

Un famoso scultore del periodo classico fu Scopas, vissuto a metà del IV secolo a.C. Innova rivelando il mondo interiore di una persona, cerca di rappresentare emozioni di gioia, paura, felicità nelle sculture. Questa persona di talento ha lavorato in molte città greche. Le sue sculture del periodo classico sono ricche di immagini di divinità ed eroi vari, composizioni e rilievi su temi mitologici. Non aveva paura di sperimentare e ritrarre persone in varie pose complesse, alla ricerca di nuove possibilità artistiche per rappresentare nuovi sentimenti su un volto umano (passione, rabbia, rabbia, paura, tristezza). La statua di Menade è un'eccellente creazione di arte plastica rotonda; ora è stata conservata la sua copia romana. Una nuova e sfaccettata opera di rilievo è l'Amazzonomachia, che adorna il Mausoleo di Alicarnasso in Asia Minore.

Prassitele fu un eccezionale scultore del periodo classico che visse ad Atene intorno al 350 a.C. Sfortunatamente, solo la statua di Hermes da Olimpia è pervenuta a noi e del resto delle opere sappiamo solo da copie romane. Prassitele, come Scopas, cercava di trasmettere i sentimenti delle persone, ma preferiva esprimere emozioni più "leggere" che fossero piacevoli per una persona. Ha trasferito le emozioni liriche, il sogno nelle sculture, ha cantato la bellezza del corpo umano. Lo scultore non forma figure in movimento. Tra le sue opere si segnalano "Il satiro riposante", "Afrodite di Cnido", "Ermete con il bambino Dioniso", "Apollo che uccide la lucertola".

L'opera più famosa è la statua di Afrodite di Cnido. È stato realizzato su ordinazione per gli abitanti dell'isola di Kos in due copie. Il primo - in abiti e il secondo nudo. Gli abitanti di Kos preferirono Afrodite in abito, mentre gli Cnidi ne acquistarono un secondo esemplare. La statua di Afrodite nel santuario di Cnidia rimase a lungo luogo di pellegrinaggio. Skopa e Prassitele furono i primi ad aver osato ritrarre Afrodite nuda. La dea Afrodite nella sua immagine è molto umana, si è preparata per il bagno. È un'eccellente rappresentante della scultura dell'antica Grecia. La statua della dea è stata un modello per molti scultori per più di mezzo secolo.

La scultura "Ermete con il bambino Dioniso" (dove intrattiene il bambino con una vite) è l'unica statua originale. I suoi capelli assumevano una sfumatura bruno-rossastra e la sua veste azzurro brillante, come quella di Afrodite, metteva in risalto il candore del suo corpo di marmo. Come le creazioni di Fidia, le opere di Prassitele erano collocate in templi e santuari aperti ed erano di culto. Ma l'opera di Prassitele non era personificata con la precedente forza e potenza della città e il valore dei suoi abitanti. Scopa e Prassitele influenzarono notevolmente i loro contemporanei. Il loro stile realistico è stato utilizzato da molti artigiani e scuole nel corso dei secoli.

Lisippo (seconda metà del IV secolo aC) fu uno dei maggiori scultori del periodo classico. Preferiva lavorare il bronzo. Solo le copie romane ci danno l'opportunità di conoscere il suo lavoro. Tra le opere famose ci sono "Hercules with a doe", "Apoxiomen", "Hermes Resting" e "Wrestler". Lisippo apporta modifiche in proporzione, raffigura una testa più piccola, un corpo più snello e gambe più lunghe. Tutte le sue opere sono individuali, anche il ritratto di Alessandro Magno è umanizzato.

Il periodo classico della scultura greca antica cade tra il V e il IV secolo a.C. (primo classico o "stile rigoroso" - 500/490 - 460/450 aC; alto - 450 - 430/420 aC; "stile ricco" - 420 - 400/390 aC Tardo classico 400/390 - OK. 320 d.C AVANTI CRISTO e.). A cavallo di due epoche - arcaica e classica - si trova una decorazione scultorea del tempio di Atena Aphaia sull'isola di Egina . Le sculture del frontone occidentale risalgono all'epoca della fondazione del tempio (510 - 500 anni AVANTI CRISTO e.), sculture del secondo orientale, in sostituzione delle prime, - alla prima età classica (490 - 480 aC). Il monumento centrale dell'antica scultura greca dei primi classici sono i frontoni e le metope del Tempio di Zeus ad Olimpia (circa 468 - 456 AVANTI CRISTO e.). Un'altra opera significativa dei primi classici è il cosiddetto "Trono dei Ludovisi", decorato con rilievi. Anche un certo numero di originali in bronzo provenivano da questo periodo: "Delphic Charioteer", statua di Poseidone da Capo Artemisio, Bronzi di Riace . I più grandi scultori dei primi classici - Pitagora Rhegian, Calamis e Myron . Giudichiamo il lavoro dei famosi scultori greci principalmente da prove letterarie e successive copie delle loro opere. Gli alti classici sono rappresentati dai nomi di Fidia e Policleto . Il suo periodo di massimo splendore a breve termine è associato ai lavori sull'Acropoli ateniese, cioè alla decorazione scultorea del Partenone. (vennero i frontoni, metope e zophoros, 447 - 432 aC). L'apice della scultura greca antica era, a quanto pare, crisoelefantino statue di Atena Parthenos e Zeus Olympus di Fidia (entrambi non sono stati conservati). Lo "stile ricco" è caratteristico delle opere di Callimaco, Alkamen, Agoracrito e altri scultori del V secolo. AVANTI CRISTO e .. I suoi monumenti caratteristici sono i rilievi della balaustra del tempietto di Nike Apteros sull'Acropoli ateniese (circa 410 aC) e alcune stele tombali, tra le quali la più famosa è la stele di Gegeso . Le opere più importanti della scultura greca antica del tardo classico sono la decorazione del tempio di Esculapio ad Epidauro (circa 400 - 375 aC), il tempio di Atena Alei a Tegea (ca. 370 - 350 a.C.), il Tempio di Artemide ad Efeso (ca. 355 - 330 a.C.) e il Mausoleo ad Alicarnasso (350 a.C. circa), sulla decorazione scultorea di cui lavorarono Skopa, Briasside, Timoteo e Leohar . A quest'ultimo sono attribuite anche le statue dell'Apollo Belvedere. e Diana di Versailles . Ci sono anche un certo numero di originali in bronzo del IV secolo a.C. AVANTI CRISTO e. I maggiori scultori del tardo classico sono Praxitel, Skopas e Lisippus, anticipando ampiamente la successiva era dell'ellenismo.

La scultura greca è sopravvissuta in parte in frammenti e frammenti. La maggior parte delle statue ci è nota da copie romane, che sono state eseguite in molti, ma non hanno trasmesso la bellezza degli originali. I copisti romani li sgrossavano e li asciugavano, e trasformando i prodotti di bronzo in marmo, li sfiguravano con goffi puntelli. Le grandi figure di Atena, Afrodite, Ermete, Satiro, che ora vediamo nelle sale dell'Eremo, sono solo pallidi rimaneggiamenti di capolavori greci. Li oltrepassi quasi indifferente e ti fermi di colpo davanti a qualche testa con il naso rotto, con l'occhio danneggiato: questo è un originale greco! E lo straordinario potere della vita si diffonde improvvisamente da questo frammento; il marmo stesso è diverso che nelle statue romane: non bianco morto, ma giallastro, trasparente, luminoso (i greci lo strofinavano ancora con la cera, che dava al marmo un tono caldo). Così dolci sono i passaggi di fusione del chiaroscuro, così nobile è la morbida scolpitura del volto, che si ricordano involontariamente le delizie dei poeti greci: queste sculture respirano davvero, sono davvero vive * * Dmitrieva, Akimov. Arte antica. Saggi. - M., 1988. S. 52.

Nella scultura della prima metà del secolo, quando c'erano le guerre con i persiani, prevaleva uno stile coraggioso e rigoroso. Si creò quindi un gruppo statuario di tirannicidi: un marito maturo e un giovane, in piedi fianco a fianco, compiono un movimento impulsivo in avanti, il più giovane alza la spada, il più anziano la scherma con un mantello. Si tratta di un monumento a personaggi storici - Armodio e Aristogitone, che pochi decenni prima uccisero il tiranno ateniese Ipparco - il primo monumento politico dell'arte greca. Allo stesso tempo, esprime lo spirito eroico di resistenza e amore per la libertà che divampò nell'era delle guerre greco-persiane. “Non sono schiavi dei mortali, non sono soggetti a nessuno”, affermano gli Ateniesi nella tragedia di Eschilo “Persiani”.

Battaglie, scaramucce, gesta di eroi... L'arte dei primi classici è piena di queste trame belliche. Sui frontoni del tempio di Atena ad Egina - la lotta dei Greci con i Troiani. Sul frontone occidentale del tempio di Zeus ad Olimpia - la lotta dei Lapiti con i centauri, sulle metope - tutte le dodici fatiche di Ercole. Un altro complesso preferito di motivi sono le gare di ginnastica; in quei tempi lontani, la forma fisica, la padronanza dei movimenti del corpo erano di importanza decisiva per l'esito delle battaglie, quindi i giochi atletici erano tutt'altro che un semplice divertimento. Dall'VIII secolo a.C. e. ad Olimpia si tenevano gare di ginnastica ogni quattro anni (l'inizio delle quali in seguito iniziò a essere considerato l'inizio della cronologia greca), e nel V secolo venivano celebrate con speciale solennità, e ora erano frequentate da poeti che leggevano poesie . Il tempio di Zeus Olimpio, il classico perittero dorico, era al centro del rione sacro dove si svolgevano le gare, iniziate con un sacrificio a Zeus. Sul frontone orientale del tempio, la composizione scultorea raffigurava un momento solenne prima dell'inizio delle corse dei cavalli: al centro la figura di Zeus, ai lati le statue degli eroi mitologici Pelope ed Enomai, i principali partecipanti alla prossima competizione, negli angoli ci sono i loro carri trainati da quattro cavalli. Secondo il mito, il vincitore fu Pelope, in onore del quale furono istituiti i Giochi Olimpici, poi ripresi, come narra la leggenda, dallo stesso Ercole.

I temi dei combattimenti corpo a corpo, delle gare equestri, delle gare di corsa, del lancio del disco hanno insegnato agli scultori a rappresentare il corpo umano in modo dinamico. La rigidità arcaica delle figure è stata superata. Ora agiscono, si muovono; Appaiono pose complesse, angoli audaci e gesti ampi. L'innovatore più brillante fu lo scultore attico Myron. Il compito principale di Miron era quello di esprimere il movimento nel modo più completo e forte possibile. Il metallo non consente un lavoro così preciso e raffinato come il marmo, e forse è per questo che si è rivolto a trovare il ritmo del movimento. (Il nome del ritmo significa l'armonia totale del movimento di tutte le parti del corpo.) In effetti, il ritmo è stato catturato in modo eccellente da Miron. Nelle statue degli atleti, ha trasmesso non solo il movimento, ma il passaggio da una fase all'altra del movimento, come se fermasse il momento. Tale è il suo famoso Disco Thrower. L'atleta si chinò e oscillò prima del lancio, un secondo - e il disco volerà, l'atleta si raddrizzerà. Ma per quel momento, il suo corpo si bloccò in una posizione molto difficile, ma visivamente equilibrata.

L'equilibrio, maestoso "ethos", è conservato nella scultura classica di uno stile rigoroso. Il movimento delle figure non è né caotico, né eccessivamente eccitato, né troppo rapido. Anche nei motivi dinamici di una lotta, di una corsa, di una caduta, non si perde la sensazione di "calma olimpica", completezza plastica integrale, autoisolamento. Ecco una statua in bronzo dell'Auriga, trovata a Delfi, uno dei pochi originali greci ben conservati. Appartiene al primo periodo dello stile rigoroso - circa 470 aC. e .. Questo giovane sta molto dritto (stava su un carro e guidava una quadriga di cavalli), i suoi piedi sono scalzi, le pieghe di un lungo chitone ricordano i profondi flauti delle colonne doriche, la sua testa è strettamente coperta da un benda d'argento, gli occhi intarsiati sembrano vivi. È trattenuto, calmo e allo stesso tempo pieno di energia e volontà. Solo da questa figura in bronzo, con la sua forte plasticità fusa, si può percepire la piena misura della dignità umana come la intendevano gli antichi greci.

La loro arte in questa fase era dominata da immagini maschili, ma, fortunatamente, un bel rilievo raffigurante Afrodite emergente dal mare, il cosiddetto "Trono Ludovisi" - un trittico scultoreo, la cui parte superiore è stata spezzata, ha anche stato conservato. Nella sua parte centrale, la dea della bellezza e dell'amore, "nata dalla schiuma", si erge dalle onde, sorretta da due ninfe, che castamente la proteggono con un leggero velo. È visibile fino alla vita. Il suo corpo ei corpi delle ninfe brillano attraverso chitoni trasparenti, le pieghe dei vestiti scorrono in una cascata, in un ruscello, come zampilli d'acqua, come musica. Sulle parti laterali del trittico vi sono due figure femminili: una nuda, che suona il flauto; l'altro, avvolto in un velo, accende una candela sacrificale. La prima è un'etaera, la seconda è una moglie, custode del focolare, come due facce della femminilità, entrambe sotto gli auspici di Afrodite.

La ricerca di originali greci sopravvissuti continua ancora oggi; Di tanto in tanto si trovano felici reperti o in terra o in fondo al mare: ad esempio, nel 1928, in mare, nei pressi dell'isola di Eubea, trovarono una statua bronzea di Poseidone ottimamente conservata.

Ma il quadro generale dell'arte greca del periodo di massimo splendore deve essere ricostruito e completato mentalmente, sappiamo solo sculture sparse e conservate accidentalmente. Ed esistevano nell'ensemble.

Tra i maestri famosi, il nome di Fidia mette in ombra tutta la scultura delle generazioni successive. Un brillante rappresentante dell'età di Pericle, ha detto l'ultima parola nella tecnologia della plastica e finora nessuno ha osato confrontarsi con lui, anche se lo conosciamo solo per accenno. Originario di Atene, nacque pochi anni prima della battaglia di Maratona e, quindi, divenne solo una celebrazione contemporanea delle vittorie sull'Oriente. Parla prima l lui come pittore per poi passare alla scultura. Secondo i disegni di Fidia e i suoi disegni, sotto la sua supervisione personale, furono eretti edifici di Pericle. Adempiendo ordine dopo ordine, creò meravigliose statue degli dei, personificando gli ideali astratti delle divinità in marmo, oro e osso. L'immagine della divinità è stata sviluppata da lui non solo in base alle sue qualità, ma anche in relazione allo scopo di onorare. Era profondamente imbevuto dell'idea di ciò che questo idolo personificava e lo scolpì con tutta la forza e il potere di un genio.

Atena, che fece per ordine di Platea e che costò molto cara a questa città, rafforzò la fama del giovane scultore. Una statua colossale della protettrice Atena gli fu commissionata per l'Acropoli. Raggiungeva i 60 piedi di altezza e superava tutti gli edifici vicini; da lontano, dal mare, splendeva come una stella d'oro e regnava su tutta la città. Non era acrolitico (composito), come Plateano, ma tutto fuso in bronzo. Un'altra statua dell'Acropoli, la Vergine Atena, realizzata per il Partenone, era composta da oro e avorio. Atena era raffigurata in tuta da battaglia, in un elmo d'oro con una sfinge in altorilievo e avvoltoi ai lati. In una mano teneva una lancia, nell'altra una figura di vittoria. Ai suoi piedi c'era un serpente, il guardiano dell'Acropoli. Questa statua è considerata la migliore garanzia di Fidia dopo il suo Zeus. È servito come originale per innumerevoli copie.

Ma l'apice della perfezione da tutte le opere di Fidia è considerato il suo Zeus Olimpio. Fu l'opera più grande della sua vita: gli stessi greci gli diedero la palma. Ha fatto un'impressione irresistibile sui suoi contemporanei.

Zeus era raffigurato su un trono. In una mano teneva uno scettro, nell'altra un'immagine di vittoria. Il corpo era d'avorio, i capelli erano d'oro, il mantello era d'oro, smaltato. La composizione del trono comprendeva ebano, osso e pietre preziose. Le pareti tra le gambe furono dipinte dal cugino di Fidia, Panen; il piede del trono era una meraviglia di scultura. L'impressione generale fu, come giustamente disse uno scienziato tedesco, veramente demoniaca: per un certo numero di generazioni, l'idolo sembrò essere un vero dio; bastava uno sguardo a lui per soddisfare tutti i dolori e le sofferenze. Coloro che morivano senza vederlo si consideravano sfortunati * * Gnedich P.P. Storia mondiale dell'arte. - M., 2000. S. 97 ...

La statua morì non si sa come e quando: probabilmente andò a fuoco insieme al tempio olimpico. Ma il suo fascino doveva essere grande se Caligola insistette a tutti i costi per trasportarla a Roma, cosa che però si rivelò impossibile.

L'ammirazione dei Greci per la bellezza e la sapiente struttura del corpo vivente era così grande che esteticamente lo pensavano solo nella statuaria completezza e completezza, permettendo di apprezzare la maestosità della postura, l'armonia dei movimenti del corpo. Dissolvere una persona in una folla informe, mostrarlo in un aspetto casuale, rimuoverlo in profondità, immergerlo in un'ombra sarebbe contrario al credo estetico dei maestri ellenici, e non lo fecero mai, sebbene le basi della prospettiva fossero chiare per loro. Sia gli scultori che i pittori hanno mostrato una persona con la massima nitidezza plastica, un primo piano (una figura o un gruppo di più figure), che cerca di mettere l'azione in primo piano, come su uno stretto palcoscenico parallelo al piano di sfondo. Il linguaggio del corpo era anche il linguaggio dell'anima. A volte si dice che l'arte greca fosse estranea alla psicologia o che non vi sia cresciuta. Questo non è del tutto vero; forse l'arte dell'arcaico era ancora non psicologica, ma non l'arte dei classici. Non conosceva, infatti, quella scrupolosa analisi dei personaggi, quel culto dell'individuo, che nasce nei tempi moderni. Non è un caso che il ritratto nell'antica Grecia fosse relativamente poco sviluppato. Ma i greci padroneggiavano l'arte di trasmettere, per così dire, la psicologia tipica: esprimevano una ricca gamma di movimenti spirituali sulla base di tipi umani generalizzati. Distraendo dalle sfumature dei personaggi personali, gli artisti ellenici non hanno trascurato le sfumature delle emozioni e sono stati in grado di incarnare un complesso sistema di sentimenti. Dopotutto, erano contemporanei e concittadini di Sofocle, Euripide, Platone.

Tuttavia, l'espressività non era tanto nelle espressioni facciali quanto nei movimenti del corpo. Guardando la moira misteriosamente serena del Partenone, la rapida e vivace Nika che si slaccia i sandali, quasi dimentichiamo che le loro teste sono state sbattute via: la plasticità delle loro figure è così eloquente.

Ogni motivo puramente plastico - che si tratti del grazioso equilibrio di tutte le membra del corpo, affidamento su entrambe le gambe o su una sola, trasferimento del baricentro su un supporto esterno, testa china sulla spalla o gettato all'indietro - è stato concepito dal greco maestri come analogo della vita spirituale. Corpo e psiche si realizzavano nell'inseparabilità. Descrivendo l'ideale classico in Lectures on Aesthetics, Hegel ha affermato che nella "forma classica dell'arte il corpo umano nelle sue forme non è più riconosciuto solo come esistenza sensuale, ma è riconosciuto solo come esistenza e apparenza naturale dello spirito".

In effetti, i corpi delle statue greche sono insolitamente ispirati. Lo scultore francese Rodin ha detto di uno di loro: "Questo busto giovanile senza testa sorride più gioiosamente alla luce e alla primavera di quanto potrebbero fare occhi e labbra" * * Dmitrieva, Akimova. Arte antica. Saggi. - M., 1988. S. 76.

I movimenti e le posture sono nella maggior parte dei casi semplici, naturali e non necessariamente associati a qualcosa di sublime. Nika si slaccia il sandalo, il ragazzo si toglie una scheggia dal tallone, il giovane runner al via si prepara a correre, il discobolo Miron lancia il disco. Il più giovane contemporaneo di Miron, l'illustre Poliklet, a differenza di Miron, non ha mai rappresentato movimenti rapidi e stati istantanei; le sue statue in bronzo di giovani atleti sono in pose calme di movimento leggero, misurato, ondeggiando sulla figura. La spalla sinistra è leggermente avanzata, la destra è retratta, la coscia sinistra è appoggiata all'indietro, la destra è sollevata, la gamba destra è saldamente a terra, la sinistra è leggermente arretrata e leggermente piegata al ginocchio. Questo movimento o non ha alcun pretesto di "trama", o il pretesto è insignificante: è di per sé prezioso. Questo è un inno plastico alla chiarezza, alla ragione, al saggio equilibrio. Tale è il Doryphorus (portatore di lancia) di Polikleitos, a noi noto dalle copie romane in marmo. Sembra camminare e allo stesso tempo mantiene uno stato di riposo; le posizioni di braccia, gambe e busto sono perfettamente bilanciate. Poliklet fu l'autore del trattato "Canon" (che non è pervenuto a noi, è noto dalle citazioni di scrittori antichi), dove stabiliva teoricamente le leggi delle proporzioni del corpo umano.

Le teste delle statue greche sono, di regola, impersonali, cioè poco individualizzate, portate a poche varianti del tipo generale, ma questo tipo generale ha un'elevata capacità spirituale. Nel tipo di viso greco trionfa l'idea di "umano" nella sua versione ideale. Il viso è diviso in tre parti di uguale lunghezza: fronte, naso e parte inferiore. Ovale corretto e gentile. La linea retta del naso continua la linea della fronte e forma una perpendicolare alla linea tracciata dall'inizio del naso all'apertura dell'orecchio (angolo facciale retto). Sezione oblunga di occhi abbastanza profondi. Bocca piccola, labbra piene e sporgenti, il labbro superiore è più sottile di quello inferiore e ha una bella scollatura liscia come l'arco di un cupido. Il mento è grande e rotondo. I capelli mossi si adattano morbidamente e strettamente alla testa, senza interferire con la forma arrotondata del cranio.

Questa bellezza classica può sembrare monotona, ma, essendo un'espressiva "immagine naturale dello spirito", si presta alla variazione ed è in grado di incarnare vari tipi dell'ideale antico. Un po' più di energia nel magazzino delle labbra, nel mento sporgente: abbiamo davanti a noi una severa vergine Atena. C'è più morbidezza nei contorni delle guance, le labbra sono leggermente semiaperte, le orbite sono sfumate - davanti a noi c'è il viso sensuale di Afrodite. L'ovale del viso è più vicino a un quadrato, il collo è più spesso, le labbra sono più grandi: questa è già l'immagine di un giovane atleta. E la base rimane lo stesso look classico rigorosamente proporzionale.

Tuttavia, non c'è posto per qualcosa, dal nostro punto di vista, di molto importante: il fascino dell'individuo unico, la bellezza del torto, il trionfo del principio spirituale sull'imperfezione del corpo. Gli antichi greci non potevano darlo, per questo il monismo originario dello spirito e del corpo doveva essere spezzato, e la coscienza estetica doveva entrare nella fase della loro separazione - dualismo - avvenuta molto più tardi. Ma anche l'arte greca si è progressivamente evoluta verso l'individualizzazione e l'apertura emotiva, la concretezza dei vissuti e la caratterizzazione, cosa che si manifesta già nell'epoca dei tardo classici, nel IV secolo aC. e.

Alla fine del V secolo a.C. e. il potere politico di Atene fu scosso, minato dalla lunga guerra del Peloponneso. Alla testa degli avversari di Atene c'era Sparta; è stato sostenuto da altri stati del Peloponneso e ha fornito assistenza finanziaria dalla Persia. Atene perse la guerra e fu costretta a concludere una pace sfavorevole; mantennero la loro indipendenza, ma l'Unione marittima ateniese crollò, le riserve di cassa si esaurirono e le contraddizioni interne della politica si intensificarono. La democrazia ateniese riuscì a resistere, ma gli ideali democratici sbiadirono, la libera espressione della volontà iniziò a essere soppressa con misure crudeli, un esempio di ciò è il processo a Socrate (nel 399 aC), che condannò a morte il filosofo. Lo spirito di cittadinanza coesa si indebolisce, gli interessi e le esperienze personali sono isolati da quelli pubblici e l'instabilità della vita è più inquietante. I sentimenti critici sono in aumento. Una persona, secondo il testamento di Socrate, inizia a sforzarsi di "conoscere se stessa" - se stessa, come persona, e non solo come parte di un tutto sociale. L'opera del grande drammaturgo Euripide è finalizzata alla conoscenza della natura e dei personaggi umani, nei quali il principio personale è molto più accentuato che nel suo più antico Sofocle contemporaneo. Secondo Aristotele, Sofocle "rappresenta le persone come dovrebbero essere, ed Euripide come sono realmente".

Nelle arti plastiche predominano ancora le immagini generalizzate. Ma la forza d'animo spirituale e l'energia vigorosa che respira l'arte dei classici primi e maturi lasciano gradualmente il posto al pathos drammatico di Scopas o alla contemplazione lirica, con un tocco di malinconia, di Prassitele. Skopas, Prassitele e Lisippo: questi nomi sono associati nella nostra mente non tanto a determinati individui artistici (le loro biografie non sono chiare e quasi nessuna loro opera originale è stata conservata), ma con le principali correnti dei tardo classici. Proprio come Myron, Policlet e Fidia personificano i lineamenti di un classico maturo.

E ancora, gli indicatori dei cambiamenti di atteggiamento sono motivazioni plastiche. La postura caratteristica della figura in piedi cambia. In epoca arcaica le statue erano completamente dritte, frontalmente. Un classico maturo li rivitalizza e li anima con movimenti equilibrati e fluidi, mantenendo l'equilibrio e la stabilità. E le statue di Prassitele - il Satiro riposante, Apollo Saurocton - si appoggiano con pigra grazia su pilastri, senza di loro dovrebbero cadere.

L'anca è fortemente arcuata su un lato e la spalla è abbassata in basso verso l'anca - Rodin confronta questa posizione del corpo con un'armonica quando i mantici sono compressi da un lato e spostati dall'altro. Per l'equilibrio, è necessario un supporto esterno. Questa è la posa del relax sognante. Prassitele segue le tradizioni di Policleto, utilizza i motivi dei movimenti da lui trovati, ma li sviluppa in modo tale che traspare già in essi un diverso contenuto interiore. Anche l'"Amazzone ferita" Polikletai si appoggia a una mezza colonna, ma senza di essa potrebbe stare in piedi, il suo corpo forte ed energico, anche se soffre di una ferita, sta saldamente a terra. Apollo di Prassitele non viene colpito da una freccia, lui stesso mira a una lucertola che corre lungo un tronco d'albero: l'azione, a quanto pare, richiede una compostezza volitiva, tuttavia, il suo corpo è instabile, come un gambo ondeggiante. E questo non è un dettaglio casuale, non un capriccio dello scultore, ma una sorta di nuovo canone in cui trova espressione la mutata visione del mondo.

Tuttavia, nella scultura del IV secolo a.C. non è cambiata solo la natura dei movimenti e delle posture. e. La cerchia degli argomenti preferiti di Prassitele diventa diversa, si allontana dalle trame eroiche nel "mondo leggero di Afrodite ed Eros". Ha scolpito la famosa statua di Afrodite di Cnido.

Prassitele e gli artisti della sua cerchia non amavano raffigurare i torsi muscolosi degli atleti, erano attratti dalla delicata bellezza del corpo femminile dai volumi morbidi e fluenti. Preferivano il tipo di giovinezza, - distinto da "la prima giovinezza dalla bellezza effeminata". Prassitele era famoso per la particolare morbidezza della modellazione e la maestria nella lavorazione della materia, la capacità di trasmettere il calore di un corpo vivo in marmo freddo2.

L'unico originale sopravvissuto di Prassitele è la statua in marmo di Hermes con Dioniso, trovata ad Olimpia. Ermete nudo, appoggiato a un tronco d'albero, dove fu gettato con noncuranza il suo mantello, tiene su un braccio piegato il piccolo Dioniso, e nell'altro un grappolo d'uva, al quale giunge un bambino (la mano che regge l'uva è perduta). Tutto il fascino della lavorazione pittorica del marmo sta in questa statua, soprattutto nella testa di Ermete: i passaggi di luce e ombra, il più sottile “sfumato” (nebbia), che, molti secoli dopo, Leonardo da Vinci realizzò in pittura.

Tutte le altre opere del maestro sono note solo da riferimenti ad autori antichi e copie successive. Ma lo spirito dell'arte di Prassitele aleggia nel IV secolo aC. e., e soprattutto si può sentire non nelle copie romane, ma nella piccola plastica greca, nelle figurine di argilla di Tanagra. Erano prodotti alla fine del secolo in grandi quantità, si trattava di una specie di produzione di massa con centro principale a Tanagra. (Un'ottima collezione è conservata nell'Eremo di Leningrado.) Alcune figurine riproducono le famose grandi statue, altre semplicemente danno varie varianti libere della figura femminile drappeggiata. La grazia viva di queste figure, sognanti, pensierose, giocose, è un'eco dell'arte di Prassitele.

Dell'opera originale dello scalpello Scopas, un più anziano contemporaneo e antagonista di Prassitele, resta quasi altrettanto. Il relitto rimane. Ma il relitto dice molto. Dietro di loro sorge l'immagine di un artista appassionato, focoso, patetico.

Non fu solo uno scultore, ma anche un architetto. Come architetto, Skopas creò il tempio di Atena a Tegea e ne curò anche la decorazione scultorea. Il tempio stesso fu distrutto molto tempo fa, sempre dai Goti; durante gli scavi sono stati rinvenuti alcuni frammenti di sculture, tra cui una meravigliosa testa di guerriero ferito. Non ce n'erano altre come lei nell'arte del V secolo aC. e., non c'era un'espressione così drammatica nel giro del capo, una tale sofferenza nel viso, nello sguardo, una tale tensione spirituale. In suo nome viene violato il canone armonico adottato nella scultura greca: gli occhi sono troppo profondi e la rottura delle arcate sopracciliari è discordante con i contorni delle palpebre.

Qual era lo stile di Scopas nelle composizioni a più figure, mostrano rilievi parzialmente conservati sul fregio del mausoleo di Alicarnasso - una struttura unica, classificata nell'antichità tra le sette meraviglie del mondo: il perittero era issato su un alto plinto e coronato con un tetto piramidale. Il fregio raffigurava la battaglia dei Greci con le Amazzoni: guerrieri maschi con guerriere femmine. Skopas non vi lavorò da solo, insieme a tre scultori, ma, guidati dalle indicazioni di Plinio, che descrisse il mausoleo, e dall'analisi stilistica, i ricercatori stabilirono quali parti del fregio furono realizzate nella bottega di Scopas. Più di altri, trasmettono il fervore inebriante della battaglia, "l'estasi in battaglia", quando uomini e donne si donano a lui con uguale passione. I movimenti delle figure sono impetuosi e quasi perdono l'equilibrio, diretti non solo parallelamente al piano, ma anche verso l'interno, in profondità: Scopas introduce un nuovo senso dello spazio.

La Menade godette di grande fama tra i contemporanei. Scopas dipinse una tempesta di danza dionisiaca, che tendeva l'intero corpo di Menade, inarcando convulsamente il suo busto, gettando indietro la testa. La statua della Menade non è pensata per la visione frontale, va vista da diversi lati, ogni punto di vista rivela qualcosa di nuovo: o il corpo è paragonato a un arco teso con il suo arco, oppure sembra curvato a spirale, come una lingua di fuoco. Non si può fare a meno di pensare: le orge dionisiache devono essere state serie, non solo divertimento, ma proprio “giochi pazzi”. I Misteri di Dioniso potevano tenersi solo una volta ogni due anni e solo sul Parnaso, ma a quel tempo le frenetiche Baccanti mettevano da parte tutte le convenzioni e i divieti. Al ritmo dei tamburelli, al suono dei timpani, si precipitavano e volteggiavano in estasi, spingendosi in delirio, sciogliendosi i capelli, strappandosi i vestiti. Menade Skopas teneva in mano un coltello e sulla spalla c'era una capra fatta a pezzi da lei 3.

Le feste dionisiache erano un'usanza antichissima, come lo stesso culto di Dioniso, ma nell'arte l'elemento dionisiaco non era mai eruttato con tale forza, con tale apertura, come nella statua di Scopas, e questo è ovviamente un sintomo dei tempi. Ora le nuvole si stavano addensando sull'Ellade e la ragionevole lucidità dello spirito era violata dal desiderio di dimenticare, di liberarsi dalle catene delle restrizioni. L'arte, come una membrana sensibile, rispondeva ai cambiamenti dell'atmosfera sociale e trasformava i suoi segnali nei propri suoni, nei propri ritmi. Il malinconico languore delle creazioni di Prassitele e gli impulsi drammatici di Scopas non sono che una reazione diversa allo spirito generale dei tempi.

La cerchia di Skopa, e forse lui stesso, possiede una lapide di marmo di un giovane. Alla destra del giovane c'è il suo vecchio padre con un'espressione di profondo pensiero, si sente che si sta chiedendo: perché suo figlio è partito nel pieno della sua giovinezza e lui, il vecchio, è rimasto a vivere? Il figlio si guarda davanti e sembra non notare più il padre; è lontano da qui, negli spensierati Champs Elysees, la dimora dei beati.

Il cane ai suoi piedi è uno dei simboli degli inferi.

Qui è opportuno parlare delle lapidi greche in generale. Ce ne sono relativamente molti, dal V e principalmente dal IV secolo a.C. e.; i loro creatori sono generalmente sconosciuti. A volte il rilievo della stele tombale raffigura solo una figura: il defunto, ma più spesso i suoi parenti sono raffigurati accanto a lui, uno o due che lo salutano. In queste scene di addio e di addio non si esprimono mai un forte dolore e dolore, ma solo quiete; pensiero triste. La morte è riposo; i greci lo personificarono non in uno scheletro terribile, ma nella figura di un ragazzo - Thanatos, il gemello di Ipno - il sonno. Il bambino addormentato è raffigurato anche sulla lapide del giovane, nell'angolo ai suoi piedi. I parenti superstiti guardano il defunto, volendo coglierne i lineamenti nella memoria, a volte lo prendono per mano; lui (o lei) stesso non li guarda, e nella sua figura si sente rilassamento, distacco. Nella famosa lapide di Gegeso (fine V sec. aC), una serva in piedi consegna alla sua padrona, seduta in poltrona, uno scrigno di gioielli, Gegeso ne ricava una collana con un consueto movimento meccanico, ma guarda assente e cadente.

Autentica lapide tombale del IV secolo a.C. e. l'opera del maestro attico è conservata al Museo Statale di Belle Arti. COME. Puskin. Questa è la lapide di un guerriero: tiene in mano una lancia, accanto a lui c'è il suo cavallo. Ma la postura non è affatto militante, le membra del corpo sono rilassate, la testa è abbassata. Dall'altra parte del cavallo sta quello che dice addio; è triste, ma non si può confondere quale delle due figure rappresenti il ​​defunto, e quale il vivente, sebbene sembrino simili e dello stesso tipo; I maestri greci sapevano come far sentire il passaggio del defunto nella valle delle ombre.

Le scene liriche dell'ultimo addio sono state raffigurate anche sulle urne funerarie, dove sono più laconiche, a volte solo due figure - un uomo e una donna - che si stringono la mano.

Ma anche qui è sempre chiaro chi di loro appartiene al regno dei morti.

C'è una speciale castità di sentimento nelle lapidi greche con la loro nobile moderazione nell'esprimere tristezza, qualcosa di completamente opposto all'estasi bacchica. La lapide del giovane attribuita a Skopa non rompe questa tradizione; si distingue dagli altri, oltre alle sue elevate qualità plastiche, solo per la profondità filosofica dell'immagine del vecchio pensieroso.

Nonostante tutta l'opposizione delle nature artistiche di Skopa e Prassitele, entrambi sono caratterizzati da quello che può essere definito un aumento della pittoricità nella plastica: gli effetti del chiaroscuro, grazie al quale il marmo sembra essere vivo, che viene sottolineato ogni volta da epigrammatisti greci. Entrambi i maestri preferirono il marmo al bronzo (mentre il bronzo prevaleva nella scultura dei primi classici) e raggiunsero la perfezione nella lavorazione della sua superficie. La forza dell'impronta prodotta è stata facilitata dalle qualità speciali delle varietà di marmo utilizzate dagli scultori: traslucenza e luminosità. Il marmo pario lascia passare la luce di 3,5 centimetri. Le statue fatte di questo materiale nobile sembravano sia umano-vivo che divino-incorruttibile. Rispetto alle opere dei classici primi e maturi, le sculture tardo classiche perdono qualcosa, non hanno la semplice grandiosità dell'Auriga delfico, non c'è monumentalità delle statue fidiane, ma acquistano vitalità.

La storia ha conservato molti altri nomi di scultori eccezionali del IV secolo a.C. e. Alcuni di loro, coltivando la somiglianza con il vero, l'hanno portata al limite oltre il quale iniziano il genere e la caratterizzazione, anticipando così le tendenze dell'ellenismo. Demetrio di Alopeka si distinse per questo. Dava poca importanza alla bellezza e cercava consapevolmente di rappresentare le persone così come sono, senza nascondere grandi pance e punti calvi. I ritratti erano la sua specialità. Demetrio fece un ritratto del filosofo Antistene, polemicamente diretto contro i ritratti idealizzanti del V secolo a.C. e., - Antistene è vecchio, flaccido e sdentato. Lo scultore non poteva spiritualizzare la bruttezza, renderla affascinante, un compito del genere era impossibile entro i confini dell'estetica antica. La bruttezza era compresa e raffigurata semplicemente come un handicap fisico.

Altri, al contrario, hanno cercato di mantenere e coltivare le tradizioni dei classici maturi, arricchendoli con grande eleganza e complessità di motivi plastici. Questo percorso è stato seguito da Leohar, che ha creato la statua dell'Apollo Belvedere, che è diventata lo standard di bellezza per molte generazioni di neoclassici fino alla fine del XX secolo. Johannes Winckelmann, autore della prima Storia scientifica dell'arte dell'antichità, scrisse: "L'immaginazione non può creare nulla che superi l'Apollo Vaticano con la sua proporzionalità più che umana di una bella divinità". Per molto tempo questa statua è stata considerata l'apice dell'arte antica, l'"idolo del Belvedere" era sinonimo di perfezione estetica. Come spesso accade, gli elogi eccessivamente alti nel tempo hanno causato la reazione opposta. Quando lo studio dell'arte antica avanzava molto e molti dei suoi monumenti furono scoperti, la valutazione esagerata della statua di Leochar fu sostituita da una sottovalutazione: iniziò a essere trovata pomposa e educata. Intanto l'Apollo Belvedere è un'opera davvero eccezionale nei suoi pregi plastici; la figura e l'andatura del signore delle muse uniscono forza e grazia, energia e leggerezza, camminando per terra, lui allo stesso tempo si libra sopra la terra. Inoltre, il suo movimento, nelle parole dello storico dell'arte sovietico BR Vipper, "non è concentrato in una direzione, ma, per così dire, diverge in direzioni diverse nei raggi". Per ottenere un tale effetto era necessaria la sofisticata abilità dello scultore; l'unico problema è che il calcolo dell'effetto è troppo ovvio. Apollo Leohara sembra invitarti ad ammirarne la bellezza, mentre la bellezza delle migliori statue classiche non si dichiara pubblicamente: sono belle, ma non si ostentano. Persino Prassitele, Afrodite di Cnido, vuole nascondere piuttosto che mostrare il fascino sensuale della sua nudità, e le prime statue classiche sono piene di un calmo appagamento che esclude qualsiasi dimostrabilità. Va quindi riconosciuto che nella statua dell'Apollo Belvedere l'ideale antico comincia a diventare qualcosa di esterno, di meno organico, anche se a suo modo questa scultura è notevole e segna un alto livello di abilità virtuosistica.

Un grande passo verso la "naturalità" fu compiuto dall'ultimo grande scultore dei classici greci - Lisippo. I ricercatori lo attribuiscono alla scuola argiva e assicurano che avesse una direzione completamente diversa rispetto alla scuola ateniese. In sostanza, era un suo diretto seguace, ma, avendo accettato le sue tradizioni, si è spinto oltre. In gioventù, l'artista Evpomp ha risposto alla sua domanda: "Quale insegnante scegliere?" - rispose, indicando la folla che si accalcava sul monte: "Ecco l'unico maestro: la natura".

Queste parole affondarono nell'anima del giovane genio, e lui, non fidandosi dell'autorità del canone policleziano, iniziò lo studio esatto della natura. Prima di lui, le persone venivano scolpite secondo i principi del canone, cioè nella piena fiducia che la vera bellezza sta nella proporzionalità di tutte le forme e nella proporzione delle persone di media statura. Lisippo preferiva una figura alta e snella. I suoi arti divennero più leggeri, più alti.

A differenza di Scopas e Prassitele, lavorò esclusivamente in bronzo: il marmo fragile richiede un equilibrio stabile, mentre Lisippo realizzava statue e gruppi statuari in stati dinamici, in azioni complesse. Era inesauribilmente vario nell'invenzione di motivi plastici e molto prolifico; si diceva che dopo aver completato ogni scultura, mettesse una moneta d'oro in un salvadanaio, e in totale in questo modo accumulò mille e mezzo di monete, cioè avrebbe fatto mille e mezzo di statue, alcune delle quali molto grandi dimensioni, tra cui una statua di Zeus di 20 metri. Nessuna delle sue opere è sopravvissuta, ma un numero abbastanza elevato di copie e ripetizioni, risalenti o agli originali di Lisippo o alla sua scuola, danno un'idea approssimativa dello stile del maestro. In termini di trama prediligeva chiaramente le figure maschili, poiché amava ritrarre le difficili imprese dei mariti; Ercole era il suo eroe preferito. Nella comprensione della forma plastica, l'innovativa conquista di Lisippo fu la volta della figura nello spazio che la circondava da tutti i lati; in altre parole, non pensava alla statua sullo sfondo di nessun piano e non ne assumeva uno, il punto di vista principale da cui doveva essere vista, ma contava di fare il giro della statua. Abbiamo visto che la Menade di Scopas è stata costruita sullo stesso principio. Ma quella che era l'eccezione con gli scultori precedenti divenne la regola con Lisippo. Di conseguenza, ha dato alle sue figure pose efficaci, svolte complesse e le ha elaborate con uguale cura non solo dal lato anteriore, ma anche da dietro.

Inoltre, Lisippo ha creato un nuovo senso del tempo nella scultura. Le antiche statue classiche, anche se le loro posizioni erano dinamiche, sembravano non toccate dallo scorrere del tempo, ne erano al di fuori, erano, erano a riposo. Gli eroi di Lisippo vivono nello stesso tempo reale delle persone viventi, le loro azioni sono incluse nel tempo e transitorie, il momento presentato è pronto per essere sostituito da un altro. Naturalmente Lisippo ebbe anche qui dei predecessori: si può dire che continuò le tradizioni di Mirone. Ma anche il Discobolo di quest'ultimo è così equilibrato e nitido nella sua silhouette da sembrare “stare” e statico rispetto a Lisippo Ercole che combatte contro un leone, o Hermes, che per un minuto (solo un minuto!) si è seduto a riposare su un sasso lungo la strada, per continuare poi a volare sui loro sandali alati.

Non è esattamente stabilito se gli originali di queste sculture appartenessero allo stesso Lisippo o ai suoi allievi e assistenti, ma senza dubbio fu lui stesso a realizzare la statua di Apossiomene, di cui una copia in marmo si trova nei Musei Vaticani. Un giovane atleta nudo, allungando le braccia in avanti, raschia la polvere aderente con un raschietto. Era stanco dopo il combattimento, leggermente rilassato, anche se barcollante, allargando le gambe per stabilità. Ciocche di capelli, trattate in modo molto naturale, aderivano alla fronte sudata. Lo scultore ha fatto tutto il possibile per dare la massima naturalezza nel quadro del canone tradizionale. Tuttavia, il canone stesso è stato rivisto. Se confrontiamo Apoxyomenes con Doryphorus Polykleitos, possiamo vedere che le proporzioni del corpo sono cambiate: la testa è più piccola, le gambe sono più lunghe. Doryphorus è più pesante e tozzo rispetto al flessibile e snello Apoxyomenos.

Lisippo fu il pittore di corte di Alessandro Magno e realizzò numerosi suoi ritratti. Non c'è adulazione o glorificazione artificiale in loro; la testa di Alessandro, conservata nella copia ellenistica, è eseguita nella tradizione di Scopas, che ricorda un po' la testa di un guerriero ferito. Questo è il volto di una persona che vive duramente, che non ottiene facilmente le sue vittorie. Le labbra sono semiaperte, come se respirasse affannosamente, sulla fronte, nonostante la sua giovinezza, giacciono le rughe. Si è però conservato il tipo classico del viso con proporzioni e lineamenti legittimati dalla tradizione.

L'arte di Lisippo occupa la zona di confine a cavallo tra l'età classica e quella ellenistica. È ancora fedele ai concetti classici, ma li sta già minandoli dall'interno, creando il terreno per una transizione verso qualcos'altro, più rilassato e più prosaico. In questo senso è indicativa la testa di un pugile, appartenente non a Lisippo, ma, forse, a suo fratello Lisistrato, che fu anche scultore e si dice che sia stato il primo ad utilizzare per i ritratti le maschere rimosse dal viso della modella ( diffuso nell'antico Egitto, ma del tutto estraneo all'arte greca). È possibile che anche la testa del pugile sia stata realizzata con l'ausilio di una maschera; è lontano dal canone e dalle idee ideali di perfezione fisica, che gli elleni incarnavano nell'immagine di un atleta. Questo vincitore di una scazzottata non è niente come un semidio, solo un intrattenitore per una folla oziosa. La sua faccia è ruvida, il suo naso è appiattito, le sue orecchie sono gonfie. Questo tipo di immagini "naturalistiche" si diffuse in seguito nell'ellenismo; Un pugile ancora più antiestetico fu scolpito dallo scultore attico Apollonio già nel I secolo a.C. e.

Ciò che in precedenza aveva gettato ombre sulla struttura luminosa della prospettiva ellenica del mondo si ebbe alla fine del IV secolo aC. e.: la decomposizione e la morte della politica democratica. L'inizio di ciò fu posto dall'ascesa della Macedonia, dalla regione settentrionale della Grecia e dall'effettiva cattura di tutti gli stati greci da parte del re macedone Filippo II. Alla battaglia di Cheronea (nel 338 aC), dove furono sconfitte le truppe della coalizione greca anti-macedone, partecipò il figlio diciottenne di Filippo, Alessandro, futuro grande conquistatore. Iniziando con una vittoriosa campagna contro i persiani, Alessandro avanzò il suo esercito più a est, conquistando città e fondandone di nuove; come risultato di una campagna decennale, fu creata un'enorme monarchia, che si estendeva dal Danubio all'Indo.

Alessandro Magno in gioventù assaggiò i frutti della più alta cultura greca. Il suo tutore fu il grande filosofo Aristotele, pittori di corte - Lisippo e Apelle. Ciò non gli impedì, dopo aver catturato lo stato persiano e aver preso il trono dei faraoni egiziani, di dichiararsi un dio e di chiedere a lui e in Grecia gli onori divini. Non avvezzi alle usanze orientali, i greci, ridacchiando, dissero: "Ebbene, se Alessandro vuole essere un dio, lascialo essere" - e lo riconobbero ufficialmente come figlio di Zeus. L'orientalizzazione che Alessandro cominciò a instillare era, tuttavia, una questione più seria del capriccio di un conquistatore inebriato di vittorie. Era un sintomo della svolta storica della società antica dalla democrazia schiavista alla forma che esisteva in Oriente dai tempi antichi - alla monarchia schiavista. Dopo la morte di Alessandro (e morì giovane), il suo stato colossale ma fragile andò in pezzi, i suoi capi militari, i cosiddetti diadochi - successori, si divisero le sfere di influenza. Gli stati che sorsero sotto il loro dominio non erano più greci, ma greco-orientali. È arrivata l'era dell'ellenismo: l'unificazione sotto gli auspici della monarchia delle culture ellenica e orientale.

INTRODUZIONE

Antico (dalla parola latina antiquariato - antico) era chiamato dagli umanisti italiani del Rinascimento cultura greco-romana, come la prima a loro nota. E questo nome è stato conservato fino ad oggi, sebbene da allora siano state scoperte culture ancora più antiche. Si è conservato come sinonimo di antichità classica, cioè del mondo in seno al quale è sorta la nostra civiltà europea. È stato preservato come un concetto che separa accuratamente la cultura greco-romana dai mondi culturali dell'Antico Oriente.

La creazione di un'immagine umana generalizzata, elevata a una bella norma - l'unità della sua bellezza corporea e spirituale - è quasi l'unico tema dell'arte e la qualità principale della cultura greca nel suo insieme. Ciò ha fornito alla cultura greca il potere artistico più raro e l'importanza chiave per la cultura mondiale in futuro.

La cultura greca antica ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo della civiltà europea. Le conquiste dell'arte greca costituirono in parte la base delle idee estetiche delle epoche successive. Senza la filosofia greca, in particolare Platone e Aristotele, né lo sviluppo della teologia medievale né la filosofia del nostro tempo sarebbero stati possibili. Il sistema educativo greco ha raggiunto i nostri giorni nelle sue caratteristiche principali. La mitologia e la letteratura dell'antica Grecia hanno ispirato poeti, scrittori, artisti e compositori per molti secoli. È difficile sopravvalutare l'influenza della scultura antica sugli scultori delle epoche successive.

Il significato dell'antica cultura greca è così grande che non per niente chiamiamo i tempi del suo periodo di massimo splendore "l'età dell'oro" dell'umanità. E ora, dopo millenni, ammiriamo le proporzioni ideali dell'architettura, le creazioni insuperabili di scultori, poeti, storici e scienziati. Questa cultura è la più umana, dona ancora alle persone saggezza, bellezza e coraggio.

I periodi in cui è consuetudine suddividere la storia e l'arte del mondo antico.

periodo antico- Cultura egea: III millennio-XI secolo. AVANTI CRISTO e.

Periodo omerico e primo arcaico: XI-VIII sec AVANTI CRISTO e.

periodo arcaico: VII-VI sec. AVANTI CRISTO e.

periodo classico: dal V sec. fino all'ultimo terzo del IV sec. AVANTI CRISTO e.

periodo ellenistico: l'ultimo terzo del IV-1° sec. AVANTI CRISTO e.

Il periodo di sviluppo delle tribù d'Italia; Cultura etrusca: VIII-II sec. AVANTI CRISTO e.

Il periodo regio dell'antica Roma: VIII-VI sec. AVANTI CRISTO e.

Periodo repubblicano dell'antica Roma: VI secolo. AVANTI CRISTO e.

Periodo imperiale dell'antica Roma: IV-V secolo. n. e.

Nel mio lavoro, vorrei considerare la scultura greca del periodo arcaico, classico e tardo classico, la scultura del periodo ellenistico, così come la scultura romana.

ARCAICO

L'arte greca si sviluppò sotto l'influenza di tre correnti culturali molto diverse:

Egeo, apparentemente conservando ancora vitalità in Asia Minore e il cui respiro leggero soddisfaceva i bisogni spirituali degli antichi Elleni in tutti i periodi del suo sviluppo;

Dorico, aggressivo (generato dall'ondata dell'invasione dorica settentrionale), propenso a introdurre rigorosi aggiustamenti alle tradizioni dello stile sorto a Creta, modera la libera fantasia e il dinamismo sfrenato del motivo decorativo cretese (già notevolmente semplificato a Micene) con la schematizzazione geometrica più semplice, caparbia, rigida e imperiosa;

orientale, che ha portato il giovane Hellas, come prima a Creta, campioni della creatività artistica dell'Egitto e della Mesopotamia, la completa concretezza delle forme plastiche e pittoriche, la sua notevole abilità pittorica.

La creatività artistica dell'Hellas per la prima volta nella storia del mondo ha stabilito il realismo come norma assoluta dell'arte. Ma non realismo nell'esatta copiatura della natura, ma nel compimento di ciò che la natura non poteva compiere. Quindi, seguendo il disegno della natura, l'arte dovette tendere a quella perfezione, che ella ha solo accennato, ma che lei stessa non ha raggiunto.

Alla fine del VII-inizio del VI sec. AVANTI CRISTO e. C'è un famoso cambiamento nell'arte greca. Nella pittura vascolare, l'attenzione è su una persona e la sua immagine diventa sempre più realistica. L'ornamento senza trama perde il suo antico significato. Allo stesso tempo - e questo è un evento di grande significato - appare una scultura monumentale, il cui tema principale è ancora l'uomo.

Da quel momento in poi, l'arte greca intraprende saldamente la strada dell'umanesimo, dove era destinata a conquistare una gloria inesauribile.

In questo percorso l'arte acquisisce per la prima volta uno scopo speciale, unico. Il suo obiettivo non è riprodurre la figura del defunto per fornire un rifugio salvifico al suo “Ka”, non affermare l'inviolabilità del potere costituito nei monumenti che esaltino questo potere, non influenzare magicamente le forze della natura, incarnate dall'artista in immagini specifiche. Lo scopo dell'arte è la creazione della bellezza, che è equivalente al bene, equivalente alla perfezione spirituale e fisica dell'uomo. E se parliamo del valore educativo dell'arte, allora aumenta incommensurabilmente. Perché la bellezza ideale creata dall'arte suscita in una persona il desiderio di migliorarsi.

Citiamo Lessing: "Dove sono apparse belle statue a causa di belle persone, queste ultime, a loro volta, hanno impressionato le prime, e lo stato era debitore di belle statue di belle persone".

Le prime sculture greche pervenute fino a noi riflettono ancora chiaramente l'influenza dell'Egitto. Frontalità e dapprima timido superamento della rigidità dei movimenti - la gamba sinistra avanzata o la mano attaccata al petto. Queste sculture in pietra, il più delle volte in marmo, di cui l'Hellas è così ricca, hanno un fascino inspiegabile. Respiro giovanile, ispirato dall'impulso dell'artista, toccando la sua fede che attraverso uno sforzo persistente e scrupoloso, un costante miglioramento delle proprie capacità, si può padroneggiare completamente il materiale fornitogli dalla natura, traspare attraverso di essi.

Su un colosso marmoreo (inizio VI secolo a.C.), alto quattro volte un essere umano, leggiamo un'iscrizione orgogliosa: "Tutto me, la statua e il piedistallo, sono stati rimossi da un blocco".

Chi sono le statue antiche?

Questi sono giovani uomini nudi (kuros), atleti, vincitori di competizioni. Queste sono kors - giovani donne in chitoni e mantelli.

Una caratteristica significativa: anche agli albori dell'arte greca, le immagini scultoree degli dei differiscono, e anche allora non sempre, dalle immagini di una persona solo per emblemi. Così nella stessa statua di un giovane, a volte siamo inclini a riconoscere o solo un atleta, o lo stesso Febo-Apollo, il dio della luce e delle arti.

...Quindi, le prime statue arcaiche riflettono ancora i canoni sviluppati in Egitto o in Mesopotamia.

Frontale e imperturbabile è l'alto kouros, o Apollo, scolpito intorno al 600 aC. e. (New York, Metropolitan Museum of Art). Il suo viso è incorniciato da lunghi capelli, sapientemente intrecciati, come una rigida parrucca, e ci sembra che sia sdraiato davanti a noi per mostrarsi, mettendo in mostra l'eccessiva larghezza delle spalle spigolose, l'immobilità rettilinea delle braccia e il ristrettezza liscia dei fianchi.

Statua di Hera dell'isola di Samo, eseguita probabilmente all'inizio del secondo quarto del VI secolo a.C. AVANTI CRISTO e. (Parigi, Louvre). In questo marmo veniamo affascinati dalla maestosità della figura, scolpita dal basso fino alla vita a forma di pilastro rotondo. Maestà gelida e calma. La vita è appena distinguibile sotto le pieghe rigorosamente parallele della tunica, sotto le pieghe disposte in modo decorativo del mantello.

Ed ecco cos'altro distingue l'arte dell'Hellas nel percorso loro aperto: la sorprendente velocità di perfezionamento dei metodi dell'immagine, insieme a un cambiamento radicale nello stile stesso dell'arte. Ma non come in Babilonia, e certamente non come in Egitto, dove lo stile cambiò lentamente nel corso dei millenni.

Metà del VI secolo AVANTI CRISTO e. Solo pochi decenni separano l'"Apollo di Tenea" (Monaco di Baviera, Gliptoteca) dalle statue già citate. Ma quanto è più viva e aggraziata la figura di questo giovane, già illuminato dalla bellezza! Non si è ancora mosso dal suo posto, ma si è già preparato per il movimento. Il contorno dei fianchi e delle spalle è più morbido, più misurato, e il suo sorriso è forse il più radioso, ingenuamente esultante nell'arcaico.

Il famoso "Moskhophoros" che significa portatore di vitelli (Atene, Museo Archeologico Nazionale). Questo è un giovane greco, che porta un vitello all'altare di una divinità. Le mani che premono le gambe di un animale appoggiato sulle sue spalle al petto, la combinazione cruciforme di queste braccia e queste gambe, il muso mite di un vitello destinato al macello, lo sguardo pensieroso del donatore pieno di un significato indescrivibile a parole - tutto questo crea un insieme molto armonioso, internamente inseparabile che ci delizia con la sua armonia finita, in una musicalità dal suono marmoreo.

"Testa di Rampen" (Parigi, Louvre), dal nome del suo primo proprietario (il Museo di Atene custodisce un busto in marmo senza testa trovato separatamente, che sembra adattarsi alla testa del Louvre). Questa è l'immagine del vincitore del concorso, come dimostra la corona. Il sorriso è un po' forzato, ma giocoso. Acconciatura molto curata ed elegante. Ma la cosa principale in questa immagine è un leggero giro di testa: questa è già una violazione della frontalità, l'emancipazione nel movimento, un timido presagio di vera libertà.

Lo Strangford kouros della fine del VI secolo è magnifico. AVANTI CRISTO e. (Londra, British Museum). Il suo sorriso sembra trionfante. Ma non è forse perché il suo corpo è così snello e quasi liberamente ci appare davanti in tutta la sua coraggiosa e consapevole bellezza?

Siamo stati più fortunati con i Kora che con i Kouro. Nel 1886 gli archeologi hanno scavato nel terreno quattordici croste di marmo. Sepolto dagli Ateniesi durante la rovina della loro città da parte dell'esercito persiano nel 480 a.C. e., la corteccia ha mantenuto parzialmente il suo colore (variegato e per nulla naturalistico).

Nel loro insieme, queste statue ci danno una rappresentazione visiva della scultura greca della seconda metà del VI secolo a.C. AVANTI CRISTO e. (Atene, Museo dell'Acropoli).

Ora misteriosamente e penetrantemente, ora ingenuamente e persino ingenuamente, ora le croste sono chiaramente sorridenti con civetteria. Le loro figure sono snelle e maestose, le loro elaborate acconciature sono ricche. Abbiamo visto che le statue dei kouros ad esse contemporanee vengono gradualmente liberate dalla loro precedente costrizione: il corpo nudo è diventato più vivo e armonioso. Non meno significativi progressi si osservano nelle statue femminili: le pieghe delle vesti sono disposte sempre più abilmente per trasmettere il movimento della figura, il brivido della vita del corpo drappeggiato.

Il miglioramento persistente del realismo è ciò che forse è più caratteristico dello sviluppo di tutta l'arte greca di quel tempo. La sua profonda unità spirituale ha superato gli stilemi caratteristici di varie regioni della Grecia.

Il candore del marmo ci sembra inseparabile dall'ideale stesso di bellezza incarnato dalla scultura in pietra greca. Il calore del corpo umano ci risplende attraverso questo candore, che rivela meravigliosamente tutta la morbidezza del modellamento e, secondo l'idea che si è radicata in noi, è in perfetta armonia con il nobile ritegno interiore, la classica chiarezza del immagine della bellezza umana creata dallo scultore.

Sì, questo candore è accattivante, ma è generato dal tempo, che ha restituito al marmo il colore naturale. Il tempo ha cambiato l'aspetto delle statue greche, ma non le ha mutilate. Perché la bellezza di queste statue, per così dire, effonde dalla loro stessa anima. Il tempo ha solo illuminato questa bellezza in un modo nuovo, sottraendogli qualcosa e sottolineando qualcosa involontariamente. Ma rispetto a quelle opere d'arte che gli antichi elleni ammiravano, gli antichi rilievi e le statue pervenute fino a noi sono ancora privi di tempo in qualcosa di molto significativo, e quindi la nostra stessa idea di scultura greca è incompleta .

Come la natura stessa dell'Ellade, l'arte greca era luminosa e colorata. Luminoso e gioioso, brillava festosamente al sole in una varietà di accostamenti cromatici, riecheggiando l'oro del sole, il viola del tramonto, l'azzurro del mare caldo e il verde delle colline circostanti.

I dettagli architettonici e le decorazioni scultoree dei templi erano coloratissimi, il che dava all'intero edificio un aspetto elegante e festoso. La ricca colorazione esaltava il realismo e l'espressività delle immagini - anche se, come sappiamo, i colori non erano scelti esattamente secondo la realtà - richiamavano e divertivano l'occhio, rendevano l'immagine ancora più chiara, comprensibile e vicina. E quasi tutta la scultura antica giunta fino a noi ha perso completamente questa colorazione.

Arte greca tra la fine del VI e l'inizio del V secolo. AVANTI CRISTO e. rimane essenzialmente arcaico. Anche il maestoso tempio dorico di Poseidone a Paestum, con il suo colonnato ben conservato, costruito in pietra calcarea già nel secondo quarto del V secolo, non mostra una completa emancipazione delle forme architettoniche. La massa e la tozza, caratteristiche dell'architettura arcaica, ne determinano l'aspetto complessivo.

Lo stesso vale per la scultura del tempio di Atena sull'isola di Egina, costruita dopo il 490 aC. e. I suoi famosi frontoni erano decorati con sculture in marmo, alcune delle quali pervenute fino a noi (Monaco di Baviera, Gliptoteca).

Nei frontoni precedenti, gli scultori disponevano le figure in un triangolo, cambiando di conseguenza la loro scala. Le figure dei frontoni di Egina sono a scala singola (solo la stessa Atena è più alta delle altre), il che già segna un notevole progresso: quelle più vicine al centro stanno in tutta la loro altezza, quelle laterali sono raffigurate inginocchiate e sdraiate. Le trame di queste armoniose composizioni sono mutuate dall'Iliade. Le singole figure sono belle, come un guerriero ferito e un arciere che tira una corda dell'arco. Indubbio successo è stato ottenuto nell'emancipazione dei movimenti. Ma si sente che questo successo è stato dato con difficoltà, che questo è ancora solo un test. Un sorriso arcaico vaga ancora stranamente sui volti dei combattenti. L'intera composizione non è ancora abbastanza coerente, troppo enfaticamente simmetrica, non ispirata da un solo respiro libero.

GRANDE FIORITURA

Ahimè, non possiamo vantare una sufficiente conoscenza dell'arte greca di questo e del suo successivo, più brillante periodo. Dopotutto, quasi tutta la scultura greca del V secolo a.C. AVANTI CRISTO e. morto. Quindi, secondo le successive copie marmoree romane dagli originali perduti, principalmente in bronzo, siamo spesso costretti a giudicare l'opera di grandi geni, i cui eguali sono difficili da trovare nell'intera storia dell'arte.

Sappiamo, ad esempio, che Pitagora Regius (480-450 a.C.) fu uno scultore famosissimo. Con l'emancipazione delle sue figure, che comprendono, per così dire, due movimenti (quello iniziale e quello in cui parte della figura apparirà in un istante), contribuì potentemente allo sviluppo dell'arte realistica della scultura.

I contemporanei ammiravano le sue scoperte, la vitalità e la veridicità delle sue immagini. Ma, certo, le poche copie romane che ci sono pervenute dalle sue opere (come, ad esempio, Il ragazzo che tira fuori una scheggia. Roma, Palazzo Conservatorium) non sono sufficienti per apprezzare appieno l'opera di questo audace innovatore .

L'ormai famoso Auriga è un raro esempio di scultura in bronzo, un frammento di una composizione di gruppo realizzata per caso intorno al 450 aC. Un giovane snello, simile a una colonna che ha assunto sembianze umane (le pieghe rigorosamente verticali della sua veste esaltano ulteriormente questa somiglianza). La schiettezza della figura è alquanto arcaica, ma la sua generale nobiltà tardo esprime già l'ideale classico. Questo è il vincitore del concorso. Guida con sicurezza il carro, e tale è la potenza dell'arte che indovinamo le grida entusiaste della folla, che divertono la sua anima. Ma, pieno di coraggio e coraggio, è trattenuto nel suo trionfo: i suoi bei lineamenti sono imperturbabili. Un giovane modesto, anche se consapevole della sua vittoria, illuminato dalla gloria. Questa immagine è una delle più accattivanti dell'arte mondiale. Ma non conosciamo nemmeno il nome del suo creatore.

... Negli anni '70 del XIX secolo, gli archeologi tedeschi intrapresero gli scavi di Olimpia nel Peloponneso. Lì, nell'antichità, si svolgevano le competizioni sportive pangreche, i famosi Giochi Olimpici, secondo i quali i greci continuavano a contare. Gli imperatori bizantini bandirono i giochi e distrussero Olimpia con tutti i suoi templi, altari, portici e stadi.

Gli scavi furono grandiosi: per sei anni di seguito, centinaia di operai portarono alla luce una vasta area ricoperta da depositi secolari. I risultati hanno superato ogni aspettativa: centotrenta statue e bassorilievi in ​​marmo, tredicimila oggetti in bronzo, seimila monete / fino a mille iscrizioni, migliaia di cocciopeste sono state rimosse dal terreno. È gratificante che quasi tutti i monumenti siano stati lasciati al loro posto e, sebbene fatiscenti, ora ostentano sotto il loro solito cielo, sulla stessa terra dove sono stati creati.

Le metope e i frontoni del Tempio di Zeus ad Olimpia sono senza dubbio le sculture più significative pervenute fino a noi dal secondo quarto del V secolo a.C. AVANTI CRISTO e. Per capire l'enorme cambiamento avvenuto nell'arte in questo breve tempo - solo una trentina d'anni, basta confrontare, ad esempio, il frontone occidentale del tempio olimpico e i frontoni di Egina che abbiamo già considerato sono abbastanza simili in schema compositivo generale. Sia qua che là c'è un'alta figura centrale, ai lati della quale piccoli gruppi di combattenti sono equamente distanziati.

La trama del frontone olimpico: la battaglia dei Lapiti con i centauri. Secondo la mitologia greca, i centauri (metà umani-metà cavalli) tentarono di rapire le mogli degli abitanti di montagna dei Lapiti, ma salvarono le mogli e distrussero i centauri in una feroce battaglia. Questa trama è stata già più volte utilizzata dagli artisti greci (in particolare nella pittura vascolare) come personificazione del trionfo della cultura (rappresentata dai Lapiti) sulla barbarie, sullo stesso potere oscuro della Bestia sotto forma di finalmente sconfitto il centauro a calci. Dopo la vittoria sui Persiani, questa battaglia mitologica acquisì un suono speciale sul frontone olimpico.

Non importa quanto maciullate le sculture marmoree del frontone, questo suono ci raggiunge pienamente - ed è grandioso! Perché, a differenza dei frontoni di Egina, dove le figure non sono organicamente saldate tra loro, tutto qui è intriso di un unico ritmo, di un solo respiro. Insieme allo stile arcaico, il sorriso arcaico è completamente scomparso. Apollo regna sulla rovente battaglia, decidendone l'esito. Solo lui, il dio della luce, è calmo in mezzo a una tempesta che imperversa nelle vicinanze, dove ogni gesto, ogni volto, ogni impulso si completano a vicenda, formando un tutto unico, inscindibile, bello nella sua armonia e pieno di dinamismo.

Le maestose figure del frontone orientale e la metopa del tempio olimpico di Zeus sono anch'esse bilanciate internamente. Non si conoscono esattamente i nomi degli scultori (ce ne sarebbero stati, a quanto pare, diversi) che hanno creato queste sculture, in cui lo spirito di libertà celebra il suo trionfo sull'arcaico.

L'ideale classico si afferma vittoriosamente nella scultura. Il bronzo diventa il materiale prediletto dello scultore, perché il metallo è più remissivo della pietra ed è più facile dare alla figura qualsiasi posizione in esso, anche la più audace, istantanea, a volte anche “fittizia”. E questo non viola il realismo. Dopotutto, come sappiamo, il principio dell'arte classica greca è la riproduzione della natura, creativamente corretta e integrata dall'artista, che rivela in essa un po' più di ciò che l'occhio vede. Del resto, Pitagora di Regio non ha peccato contro il realismo, catturando due movimenti diversi in un'unica immagine!..

Il grande scultore Myron, che lavorò a metà del V secolo. AVANTI CRISTO. ad Atene, ha creato una statua che ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo delle belle arti. Questo è il suo "Disco Thrower" in bronzo, a noi noto da diverse copie romane in marmo, talmente danneggiato che solo il loro totale

permesso di ricreare in qualche modo l'immagine perduta.

Un lanciatore di dischi (in altre parole un lanciatore di dischi) viene catturato nel momento in cui, dopo aver rigettato indietro la mano con un disco pesante, è già pronto a lanciarla in lontananza. Questo è il momento culminante, prefigura visibilmente quello successivo, quando il disco si alza in aria, e la figura dell'atleta si raddrizza di scatto: uno scarto istantaneo tra due potenti movimenti, come se connettesse il presente con il passato e il futuro. I muscoli del discolatore sono estremamente tesi, il corpo è curvo, eppure il suo giovane viso è completamente calmo. Meravigliosa audacia creativa! Un'espressione facciale tesa sarebbe probabilmente più credibile, ma la nobiltà dell'immagine sta in questo contrasto di impulso fisico e tranquillità.

“Come le profondità del mare restano sempre calme, per quanto il mare infuri in superficie, così le immagini create dai Greci rivelano un'anima grande e ferma in mezzo a tutta l'eccitazione della passione.” Così scriveva due secoli fa il famoso storico dell'arte tedesco Winckelmann, il vero fondatore dello studio scientifico del patrimonio artistico del mondo antico. E questo non contraddice quanto abbiamo detto degli eroi feriti di Omero, che riempivano l'aria dei loro lamenti. Ricordiamo i giudizi di Lessing sui limiti dell'arte nella poesia, le sue parole secondo cui "l'artista greco non ha rappresentato altro che la bellezza". E così è stato, ovviamente, nell'era della grande prosperità.

Ma ciò che è bello nella descrizione può sembrare brutto nell'immagine (gli anziani che guardano Elena!). E quindi, osserva anche, l'artista greco ha ridotto la rabbia alla severità: per il poeta, Zeus arrabbiato lancia un fulmine, per l'artista - è solo severo.

La tensione distorcerebbe i lineamenti del lanciatore di dischi, spezzerebbe la luminosa bellezza dell'immagine ideale di un atleta fiducioso nelle sue forze, un cittadino coraggioso e fisicamente perfetto della sua politica, come Myron lo presentava nella sua statua.

Nell'arte di Miron, la scultura ha dominato il movimento, non importa quanto complesso possa essere.

L'arte di un altro grande scultore - Polykleitos - stabilisce l'equilibrio della figura umana a riposo o un passo lento con enfasi su una gamba e un braccio corrispondentemente sollevato. Un esempio di tale figura è il suo famoso

"Dorifor" - giovane portatore di lancia (copia romana in marmo da originale in bronzo. Napoli, Museo Nazionale). In questa immagine c'è un'armoniosa combinazione di bellezza fisica ideale e spiritualità: il giovane atleta, che, ovviamente, personifica anche un cittadino bello e valoroso, ci sembra approfondito nei suoi pensieri - e tutta la sua figura è piena di prettamente ellenico nobiltà classica.

Questa non è solo una statua, ma un canone nel senso esatto della parola.

Poliklet si proponeva di determinare con precisione le proporzioni della figura umana, coerenti con la sua idea di bellezza ideale. Ecco alcuni risultati dei suoi calcoli: la testa è 1/7 dell'altezza totale, il viso e la mano sono 1/10, il piede è 1/6, ma le sue figure sembravano già "quadrate" ai suoi contemporanei, troppo massicce . La stessa impressione, nonostante tutta la sua bellezza, ci lascia il suo "Dorifor".

Poliklet espose i suoi pensieri e le sue conclusioni in un trattato teorico (che non è pervenuto a noi), al quale diede il nome di "Canon"; lo stesso nome fu dato nell'antichità allo stesso “Doriforo”, scolpito in stretta conformità con il trattato.

Polikleitos ha creato relativamente poche sculture, tutte assorbite dai suoi lavori teorici. Nel frattempo studiò le "regole" che determinano la bellezza di una persona, il suo più giovane contemporaneo, Ippocrate, il più grande medico dell'antichità, dedicò tutta la sua vita allo studio della natura fisica dell'uomo.

Per rivelare pienamente tutte le possibilità dell'uomo: questo era l'obiettivo dell'arte, della poesia, della filosofia e della scienza di questa grande epoca. Mai prima d'ora nella storia del genere umano la coscienza è entrata così profondamente nell'anima che l'uomo è la corona della natura. Sappiamo già che il grande Sofocle, contemporaneo di Policleto e Ippocrate, proclamò solennemente questa verità nella sua tragedia Antigone.

L'uomo incorona la natura - questo è ciò che dicono i monumenti dell'arte greca del periodo di massimo splendore, raffiguranti l'uomo in tutto il suo valore e bellezza.

Voltaire definì l'era della più grande fioritura culturale di Atene "l'età di Pericle". Il concetto di "età" qui non va inteso alla lettera, perché stiamo parlando solo di pochi decenni. Ma nel suo significato questo breve periodo nella scala della storia merita una tale definizione.

La più alta gloria di Atene, lo splendore radioso di questa città nella cultura mondiale sono indissolubilmente legati al nome di Pericle. Si occupò della decorazione di Atene, patrocinò tutte le arti, attirò ad Atene i migliori artisti, fu amico e mecenate di Fidia, il cui genio segna probabilmente il livello più alto nell'intero patrimonio artistico del mondo antico.

Pericle decise anzitutto di restaurare l'Acropoli ateniese, distrutta dai Persiani, o meglio, sulle rovine della vecchia Acropoli, ancora arcaica, per crearne una nuova, che esprimesse l'ideale artistico dell'ellenismo completamente liberato.

L'Acropoli era in Hellas quello che era il Cremlino nell'antica Russia: una roccaforte urbana che racchiudeva templi e altre istituzioni pubbliche all'interno delle sue mura e fungeva da rifugio per la popolazione circostante durante la guerra.

La famosa Acropoli è l'Acropoli di Atene con i suoi templi del Partenone e dell'Eretteo e gli edifici dei Propilei, i più grandi monumenti dell'architettura greca. Anche nella loro forma fatiscente, fanno ancora oggi un'impressione indelebile.

Ecco come il famoso architetto domestico A.K. descrive questa impressione. Burov: "Ho scalato gli zigzag dell'approccio ... sono passato attraverso il portico - e mi sono fermato. Direttamente e un po' a destra, su una roccia screpolata di marmo blu fluttuante - il sito dell'Acropoli, come se dalle onde bollenti, il Partenone crebbe e fluttuasse verso di me. Non ricordo quanto tempo rimasi immobile... Il Partenone, rimanendo immutato, cambiava continuamente... Mi avvicinai, gli girai intorno ed entrai. Sono rimasto vicino a lui, in lui e con lui tutto il giorno. Il sole stava tramontando sul mare. Le ombre giacevano perfettamente orizzontali, parallele alle cuciture delle pareti marmoree dell'Eretteo.

Ombre verdi si infittivano sotto il portico del Partenone. Un bagliore rossastro scivolò per l'ultima volta e si spense. Il Partenone è morto. Insieme a Febo. Fino al giorno dopo".

Sappiamo chi ha distrutto la vecchia Acropoli. Sappiamo chi fece saltare in aria e chi rovinò quello nuovo, eretto per volontà di Pericle.

È terribile dire che questi nuovi atti barbarici, che aggravarono l'opera distruttiva del tempo, non furono affatto commessi in tempi antichi e nemmeno per fanatismo religioso, come, ad esempio, la selvaggia sconfitta di Olimpia.

Nel 1687, durante la guerra tra Venezia e la Turchia, che allora regnava sulla Grecia, una palla di cannone veneziana che volò sull'Acropoli fece saltare in aria una polveriera costruita dai Turchi nel... Partenone. L'esplosione provocò una terribile distruzione.

È positivo che tredici anni prima di questo disastro, un certo artista che accompagnò l'ambasciatore francese in visita ad Atene sia riuscito a disegnare la parte centrale del frontone occidentale del Partenone.

La granata veneziana colpì il Partenone, forse per caso. Ma un attacco completamente sistematico all'Acropoli di Atene fu organizzato proprio all'inizio del XIX secolo.

Questa operazione fu condotta dal "più illuminato" conoscitore d'arte, Lord Elgin, un generale e diplomatico che prestò servizio come inviato inglese a Costantinopoli. Corruppe le autorità turche e, approfittando della loro connivenza sul suolo greco, non esitò a danneggiare o addirittura distruggere famosi monumenti architettonici, pur di impossessarsi di decorazioni scultoree di particolare pregio. Provocò danni irreparabili all'Acropoli: rimosse quasi tutte le statue del frontone superstiti dal Partenone e fece esplodere parte del famoso fregio dalle sue mura. Allo stesso tempo, il frontone è crollato e si è schiantato. Temendo l'indignazione popolare, Lord Elgin portò di notte tutto il suo bottino in Inghilterra. Molti inglesi (in particolare Byron nel suo famoso poema "Childe Harold") lo condannarono severamente per il suo trattamento barbaro dei grandi monumenti d'arte e per i suoi metodi sconvenienti per acquisire tesori d'arte. Tuttavia, il governo britannico ha acquisito una collezione unica del suo rappresentante diplomatico - e le sculture del Partenone sono ora l'orgoglio principale del British Museum di Londra.

Avendo depredato il più grande monumento d'arte, Lord Elgin ha arricchito il lessico della storia dell'arte con un nuovo termine: tale vandalismo è talvolta chiamato "Elginismo".

Cosa ci sconvolge tanto nel grandioso panorama dei colonnati marmorei con fregi e frontoni spezzati, che si ergono sul mare e sopra le case basse di Atene, nelle sculture mutilate che ancora ostentano sulla roccia scoscesa dell'Acropoli o sono esposte in terra straniera come il valore museale più raro?

Il filosofo greco Eraclito, vissuto alla vigilia della più alta fioritura dell'Ellade, possiede il seguente famoso detto: “Questo cosmo, lo stesso per tutto ciò che esiste, non è stato creato da nessun dio e nessun uomo, ma è sempre stato, è e sarà un fuoco sempre vivo, acceso dalle misure, che svanisce dalle misure. E lui

Diceva che “ciò che è divergente conviene da sé”, che l'armonia più bella nasce dagli opposti e “tutto accade attraverso la lotta”.

L'arte classica dell'Hellas riflette accuratamente queste idee.

Non è nel gioco delle forze contrapposte che nasce l'armonia generale dell'ordine dorico (il rapporto tra la colonna e la trabeazione), così come le statue del Doriforo (le verticali delle gambe e dei fianchi rispetto alle orizzontali del spalle e muscoli dell'addome e del torace)?

La coscienza dell'unità del mondo in tutte le sue metamorfosi, la coscienza delle sue leggi eterne hanno ispirato i costruttori dell'Acropoli, che hanno voluto stabilire l'armonia di questo mondo increato e sempre giovane nella creatività artistica, dando un'unica e completa impressione di bellezza.

L'Acropoli di Atene è un monumento che proclama la fede di una persona nella possibilità di un'armonia così riconciliante non in un mondo immaginario, ma in un mondo molto reale, la fede nel trionfo della bellezza, nella chiamata di una persona a crearla e servirla in nome del bene. E quindi questo monumento è eternamente giovane, come il mondo, ci emoziona e ci attrae sempre. Nella sua inesauribile bellezza c'è sia consolazione nei dubbi che un luminoso richiamo: prova che la bellezza risplende visibilmente sui destini del genere umano.

L'Acropoli è una radiosa incarnazione della volontà umana creativa e della mente umana, che afferma un ordine armonioso nel caos della natura. E quindi l'immagine dell'Acropoli regna nella nostra immaginazione su tutta la natura, come regna sotto il cielo dell'Ellade, su un blocco di roccia informe.

... La ricchezza di Atene e la loro posizione dominante fornirono a Pericle ampie opportunità nella costruzione da lui ideata. Per decorare la famosa città, trasse fondi a sua discrezione dai tesori del tempio e persino dal tesoro generale degli stati dell'unione marittima.

Montagne di marmo bianco come la neve, estratte molto vicino, furono consegnate ad Atene. I migliori architetti, scultori e pittori greci consideravano un onore lavorare per la gloria della capitale dell'arte ellenica universalmente riconosciuta.

Sappiamo che diversi architetti furono coinvolti nella costruzione dell'Acropoli. Ma, secondo Plutarco, Fidia era responsabile di tutto. E sentiamo in tutto il complesso un'unità progettuale e un unico principio guida che ha segnato anche i dettagli dei monumenti più importanti.

Questa idea generale è caratteristica dell'intera visione del mondo greca, dei principi di base dell'estetica greca.

La collina, su cui sono stati eretti i monumenti dell'Acropoli, non è nemmeno di profilo, e il suo livello non è lo stesso. I costruttori non entrarono in conflitto con la natura, ma, accettata la natura così com'è, vollero nobilitarla e decorarla con la loro arte per creare un insieme artistico altrettanto luminoso sotto un cielo luminoso, chiaramente incombente sullo sfondo del montagne circostanti. L'insieme, nella sua armonia, è più perfetto della natura! Su una collina irregolare, l'integrità di questo insieme si percepisce gradualmente. Ogni monumento vive in esso la propria vita, è profondamente individuale, e la sua bellezza si rivela ancora in parti all'occhio, senza violare l'unità dell'impressione. Salendo sull'Acropoli, anche adesso, nonostante tutte le distruzioni, si percepisce chiaramente la sua divisione in sezioni ben delimitate; osservi ogni monumento, aggirandolo da tutti i lati, ad ogni passo, ad ogni svolta, scoprendo in esso qualche nuova caratteristica, una nuova incarnazione della sua armonia generale. Separazione e comunità; l'individualità più brillante del particolare, trasformandosi dolcemente in un'unica armonia del tutto. E il fatto che la composizione dell'insieme, obbedendo alla natura, non sia basata sulla simmetria, accresce ulteriormente la sua libertà interiore con un equilibrio impeccabile delle sue parti costitutive.

Quindi, Fidia si è occupata di tutto nella progettazione di questo ensemble, che forse non aveva eguali in termini artistici e non esiste in tutto il mondo. Cosa sappiamo di Fidia?

Nativo ateniese, Fidia nacque probabilmente intorno al 500 a.C. e morì dopo il 430. Il più grande scultore, senza dubbio il più grande architetto, poiché l'intera Acropoli può essere venerata come sua creazione, lavorò anche come pittore.

Creatore di enormi sculture, lui, a quanto pare, è riuscito anche nella plasticità delle piccole forme, come altri famosi artisti dell'Hellas, non ha esitato a mostrarsi nelle più diverse forme d'arte, anche venerate da quelle secondarie: ad esempio, noi sappi che coniò figure di pesci, api e cicale.

Grande artista, Fidia fu anche grande pensatore, vero portavoce dell'arte del genio filosofico greco, delle più alte pulsioni dello spirito greco. Antichi autori testimoniano che nelle sue immagini riuscì a trasmettere una grandezza sovrumana.

Tale immagine sovrumana era, ovviamente, la sua statua di Zeus di tredici metri, creata per il tempio di Olimpia. Vi morì insieme a molti altri preziosi monumenti. Questa statua in avorio e oro era considerata una delle "sette meraviglie del mondo". Ci sono informazioni, apparentemente provenienti dallo stesso Fidia, che la grandezza e la bellezza dell'immagine di Zeus gli furono rivelate nei seguenti versi dell'Iliade:

Fiumi, e come segno di Zeus nero

dimena le sopracciglia:

Capelli rapidamente profumati

salì a Kronid

Intorno alla testa immortale, e tremava

L'Olimpo è multi-collinare.

... Come molti altri geni, Fidia non sfuggì alla malvagia invidia e alla calunnia durante la sua vita. Fu accusato di aver sottratto parte dell'oro destinato a decorare la statua di Atena nell'Acropoli - così gli oppositori del partito democratico cercarono di comprometterne la testa - Pericle, che incaricò Fidia di ricreare l'Acropoli. Fidia fu espulso da Atene, ma la sua innocenza fu presto provata. Tuttavia - come si diceva allora - dopo di lui ... la stessa dea del mondo Irina stessa "se ne andò" da Atene. Nella famosa commedia "Il mondo" del grande contemporaneo Fidia Aristofane, si dice in questa occasione che, ovviamente, la dea del mondo è vicina a Fidia e "perché è così bella da essergli imparentata".

... Atene, dal nome della figlia di Zeus Atena, era il centro principale del culto di questa dea. Nella sua gloria fu eretta l'Acropoli.

Secondo la mitologia greca, Atena emerse completamente armata dalla testa del padre degli dei. Era l'amata figlia di Zeus, a cui non poteva rifiutare nulla.

Dea eternamente vergine del cielo limpido e radioso. Insieme a Zeus, invia tuoni e fulmini, ma anche calore e luce. Una dea guerriera che devia i colpi dai suoi nemici. La patrona dell'agricoltura, gli incontri pubblici, la cittadinanza. L'incarnazione della pura ragione, la saggezza suprema; dea del pensiero, della scienza e dell'arte. Occhi chiari, viso tondo-ovale aperto, tipicamente attico.

Salendo sulla collina dell'Acropoli, gli antichi greci entrarono nel regno di questa dea multiforme, immortalata da Fidia.

Allievo degli scultori Egia e Agelade, Fidia padroneggiò tutte le conquiste tecniche dei suoi predecessori e andò anche oltre. Ma sebbene l'abilità dello scultore Fidia segni il superamento di tutte le difficoltà che gli sono sorte prima nella rappresentazione realistica di una persona, non si limita alla perfezione tecnica. La capacità di trasmettere il volume e l'emancipazione delle figure e il loro raggruppamento armonico in se stesse non danno ancora luogo ad un vero e proprio battito d'ali nell'arte.

Colui che «senza la frenesia mandata dalle Muse si avvicina alla soglia della creatività, nella certezza che grazie a una sola abilità diventerà un poeta giusto, è debole», e tutto ciò che ha creato «sarà eclissato dalle opere dei frenetici”. Così parlò uno dei più grandi filosofi del mondo antico: Platone.

... Sopra il ripido pendio del colle sacro, l'architetto Mnesicle eresse i famosi edifici in marmo bianco dei Propilei con portici dorici posti a diversi livelli, collegati da un colonnato ionico interno. Colpendo l'immaginazione, la maestosa armonia dei Propilei - l'ingresso solenne all'Acropoli, ha immediatamente introdotto il visitatore nel mondo radioso della bellezza, affermato dal genio umano.

Sull'altro lato dei Propilei c'era una gigantesca statua in bronzo di Atena Promachos, che significa Atena la guerriera, scolpita da Fidia. L'impavida figlia del Tuono personificava qui, sulla piazza dell'Acropoli, la potenza militare e la gloria della sua città. Da questa piazza si aprivano allo sguardo vaste distanze, ei marinai, aggirando la punta meridionale dell'Attica, vedevano chiaramente l'alto elmo e la lancia della dea guerriera scintillare al sole.

Ora la piazza è vuota, perché da tutta la statua, che nell'antichità suscitava indescrivibile delizia, c'è traccia di un piedistallo. E a destra, dietro la piazza, c'è il Partenone, la più perfetta creazione di tutta l'architettura greca, o meglio, ciò che si è conservato del grande tempio, all'ombra del quale un tempo sorgeva un'altra statua di Atena, anch'essa scolpita da Fidia, ma non un guerriero, ma Atena la vergine: Atena Parthenos.

Come lo Zeus Olimpio, era una statua criso-elefantina: realizzata in oro (in greco - "chrysos") e avorio (in greco - "elephas"), inserita in una cornice di legno. In totale, sono stati prodotti circa milleduecento chilogrammi di metallo prezioso.

Sotto il caldo splendore dell'armatura e delle vesti dorate, l'avorio sul viso, sul collo e sulle mani della dea calma ma maestosa con una Nike alata (Vittoria) di dimensioni umane sul palmo teso si illuminava.

Le testimonianze di autori antichi, una copia ridotta (Athena Varvakion, Atene, Museo Archeologico Nazionale) e monete e medaglioni raffiguranti Atena Fidia ci danno un'idea di questo capolavoro.

Lo sguardo della dea era calmo e chiaro, ei suoi lineamenti erano illuminati dalla luce interiore. La sua pura immagine non esprimeva una minaccia, ma una gioiosa consapevolezza della vittoria, che portava prosperità e pace al popolo.

La tecnica crisoelefantina era venerata come l'apice dell'arte. L'imposizione di lastre d'oro e d'avorio su legno richiedeva la migliore maestria. La grande arte dello scultore si unì alla minuziosa arte del gioielliere. E di conseguenza - che splendore, che splendore nel crepuscolo della cella, dove l'immagine di una divinità regnava come la più alta creazione delle mani umane!

Il Partenone fu costruito (nel 447-432 aC) dagli architetti Iktin e Kallikrat sotto la supervisione generale di Fidia. In accordo con Pericle, volle incarnare l'idea di una democrazia trionfante in questo più grande monumento dell'Acropoli. Poiché la dea, guerriera e fanciulla, da lui glorificata, era venerata dagli Ateniesi come la prima cittadina della loro città; secondo antiche leggende, essi stessi scelsero questo celeste come patrona dello stato ateniese.

L'apice dell'architettura antica, il Partenone era già riconosciuto nell'antichità come il monumento più notevole dello stile dorico. Questo stile è estremamente migliorato nel Partenone, dove non c'è più traccia dello squat dorico, mole così caratteristica di molti dei primi templi dorici. Le sue colonne (otto sulle facciate e diciassette sui lati), più leggere e sottili in proporzione, leggermente inclinate verso l'interno con una leggera curvatura convessa delle linee orizzontali del basamento e del soffitto. Queste deviazioni dal canone, appena percettibili alla vista, sono di importanza decisiva. Senza cambiare le sue leggi fondamentali, l'ordine dorico qui, per così dire, assorbe l'eleganza disinvolta dello ionico, che crea, nel complesso, un accordo architettonico potente e pieno di voce della stessa chiarezza e purezza impeccabili dell'immagine vergine di Atena Parteno. E questo accordo assumeva una sonorità ancora maggiore grazie alla brillante colorazione delle decorazioni a metope a rilievo, che risaltavano armoniosamente sullo sfondo rosso e azzurro.

All'interno del tempio sorgevano quattro colonne ioniche (non pervenute fino a noi) e sulla parete esterna si stendeva un fregio ionico continuo. Così dietro il grandioso colonnato del tempio con le sue possenti metope doriche, si svelava al visitatore il nascosto nucleo ionico. Un'armoniosa combinazione di due stili che si completano a vicenda, ottenuta combinandoli in un unico monumento e, ancora più notevole, dalla loro fusione organica nello stesso motivo architettonico.

Tutto fa pensare che le sculture dei frontoni del Partenone e del suo fregio in rilievo siano state realizzate, se non completamente dallo stesso Fidia, quindi sotto l'influenza diretta del suo genio e secondo la sua volontà creativa.

I resti di questi frontoni e del fregio sono forse i più preziosi, i più grandi che siano sopravvissuti fino ad oggi di tutta la scultura greca. Abbiamo già detto che ora la maggior parte di questi capolavori adornano, ahimè, non il Partenone, di cui erano parte integrante, ma il British Museum di Londra.

Le sculture del Partenone sono un vero scrigno di bellezza, l'incarnazione delle più alte aspirazioni dello spirito umano. Il concetto di natura ideologica dell'arte trova in essi la sua espressione forse più sorprendente. Perché la grande idea qui ispira ogni immagine, vive in essa, determinandone tutto l'essere.

Gli scultori dei frontoni del Partenone lodarono Atena, affermando la sua posizione elevata nell'esercito di altri dei.

Ed ecco le figure sopravvissute. Questa è una scultura rotonda. Sullo sfondo dell'architettura, in perfetta sintonia con essa, spiccavano nella loro interezza le statue marmoree degli dei, misurate, senza alcuno sforzo, poste nel triangolo del frontone.

Un giovane disteso, un eroe o un dio (forse Dioniso), con la faccia picchiata, mani e piedi spezzati. Con quanta libertà, con quanta naturalezza si adagiò sulla sezione del frontone assegnatagli dallo scultore. Sì, questa è l'emancipazione completa, il trionfo vittorioso di quell'energia da cui nasce la vita e cresce una persona. Crediamo nel suo potere, nella libertà che ha guadagnato. E siamo incantati dall'armonia delle linee e dei volumi della sua figura nuda, siamo gioiosamente intrisi della profonda umanità della sua immagine, qualitativamente portata alla perfezione, che ci sembra davvero sovrumana.

Tre dee senza testa. Due sono seduti e il terzo è disteso, appoggiato sulle ginocchia di un vicino. Le pieghe delle loro vesti rivelano accuratamente l'armonia e la snellezza della figura. Si nota che nella grande scultura greca del V sec. AVANTI CRISTO e. il drappeggio diventa un "eco del corpo". Puoi dire - e "eco dell'anima". In effetti, nella combinazione delle pieghe, qui respira la bellezza fisica, rivelandosi generosamente in una foschia ondulata di paramenti, come l'incarnazione della bellezza spirituale.

Si può considerare il fregio ionico del Partenone, lungo centocinquantanove metri, sul quale erano raffigurate in bassorilievo più di trecentocinquanta figure umane e circa duecentocinquanta animali (cavalli, tori sacrificali e pecore) uno dei più notevoli monumenti d'arte creati nel secolo illuminato dal genio di Fidia.

La trama del fregio: Processione Panateneica. Ogni quattro anni, le ragazze ateniesi presentavano solennemente ai sacerdoti del tempio un peplo (mantello), ricamato da loro per Atena. Tutte le persone hanno partecipato a questa cerimonia. Ma lo scultore ha raffigurato non solo i cittadini di Atene: Zeus, Atena e altri dei li accettano alla pari. Sembra che non sia stata tracciata alcuna linea tra gli dei e le persone: entrambi sono ugualmente belli. Questa identità fu, per così dire, proclamata da uno scultore sulle pareti del santuario.

Non sorprende che il creatore di tutto questo splendore marmoreo si sentisse egli stesso uguale ai celesti da lui raffigurati. Nella scena della battaglia sullo scudo di Atena Parthenos, Fidia ha coniato la propria immagine nella forma di un vecchio che solleva una pietra con entrambe le mani. Tale audacia senza precedenti diede una nuova arma nelle mani dei suoi nemici, che accusarono il grande artista e pensatore di empietà.

I frammenti del fregio del Partenone sono il patrimonio più prezioso della cultura dell'Ellade. Riproducono nella nostra immaginazione l'intera processione panatenaica rituale, che nella sua infinita varietà è percepita come una solenne processione dell'umanità stessa.

I frammenti più famosi: "Riders" (Londra, British Museum) e "Girls and Elders" (Parigi, Louvre).

Cavalli con il muso all'insù (sono raffigurati in modo così veritiero che sembra di sentirne il nitrito sonoro). I giovani si siedono su di loro con le gambe tese e dritte, che, insieme al campo, formano un'unica linea, a volte diritta, a volte meravigliosamente curva. E questa alternanza di diagonali, simili ma non ripetitive nei movimenti, belle teste, musi di cavallo, gambe umane e di cavallo rivolte in avanti, crea un certo ritmo unico che cattura lo spettatore, in cui un costante impulso in avanti si unisce a una regolarità assoluta.

Le ragazze e gli anziani sono figure diritte di straordinaria armonia l'una di fronte all'altra. Nelle ragazze, una gamba leggermente sporgente rivela il movimento in avanti. Non si può immaginare una composizione più chiara e concisa delle figure umane. Le pieghe dei paramenti uniformi e accuratamente lavorate, come i flauti delle colonne doriche, conferiscono ai giovani ateniesi una maestosità naturale. Crediamo che questi siano degni rappresentanti della razza umana.

La cacciata da Atene, e poi la morte di Fidia, non diminuì lo splendore del suo genio. Riscaldò tutta l'arte greca dell'ultimo terzo del V secolo. AVANTI CRISTO. Il grande Policleto e un altro famoso scultore - Kresilao (l'autore del ritratto eroizzato di Pericle, una delle prime statue di ritratti greci) - furono influenzati da lui. Un intero periodo della ceramica attica porta il nome di Fidia. In Sicilia (a Siracusa) vengono coniate monete meravigliose, nelle quali riconosciamo chiaramente l'eco della perfezione plastica delle sculture del Partenone. E abbiamo trovato opere d'arte nella regione settentrionale del Mar Nero, che forse riflettono più chiaramente l'impatto di questa perfezione.

... A sinistra del Partenone, dall'altra parte del colle sacro, si erge l'Eretteo. Questo tempio, dedicato ad Atena e Poseidone, fu costruito dopo la partenza di Fidia da Atene. Il miglior capolavoro dello stile ionico. Sei snelle ragazze di marmo in peplo - le famose cariatidi - fungono da colonne nel suo portico meridionale. Il capitello, appoggiato sulle loro teste, ricorda un cesto in cui le sacerdotesse trasportavano i sacri oggetti di culto.

Il tempo e le persone non hanno risparmiato nemmeno questo piccolo tempio, depositario di molti tesori, che nel Medioevo fu trasformato in una chiesa cristiana e, sotto i turchi, in un harem.

Prima di salutare l'Acropoli, diamo un'occhiata al rilievo della balaustra del tempio di Nike Apteros, ad es. Vittoria senza ali (senza ali, tanto da non volare mai via da Atene), davanti ai Propilei (Atene, Museo dell'Acropoli). Eseguito negli ultimi decenni del V secolo, questo bassorilievo segna già il passaggio dall'arte coraggiosa e maestosa di Fidia a una più lirica, che richiede un sereno godimento della bellezza. Una delle Vittorie (ce ne sono diverse sulla balaustra) si slaccia il sandalo. Il suo gesto e la gamba sollevata scuotono la sua veste, che sembra umida, così avvolge delicatamente l'intero campo. Si può dire che le pieghe del drappo, ora dispiegate in larghi rivoli, ora correndo l'una sull'altra, diano vita nei luccicanti chiaroscuri del marmo a un accattivante poema di bellezza femminile.

Unica nella sua essenza, ogni autentica ascesa del genio umano. I capolavori possono essere equivalenti, ma non identici. Un'altra Nike simile non sarà più nell'arte greca. Ahimè, la sua testa è persa, le sue mani sono spezzate. E, guardando questa immagine ferita, diventa inquietante il pensiero di quante bellezze uniche, non protette o deliberatamente distrutte, sono perite per noi irrevocabilmente.

Tardo CLASSICO

Il nuovo tempo nella storia politica dell'Hellas non fu né luminoso né creativo. Se V c. AVANTI CRISTO. fu segnato dal fiorire della politica greca, poi nel IV secolo. il loro graduale decadimento ha avuto luogo insieme al declino dell'idea stessa di statualità democratica greca.

Nel 386 la Persia, nel secolo precedente completamente sconfitta dai Greci sotto la guida di Atene, approfittò della guerra intestina, che indebolì le città-stato greche, per imporre loro la pace, secondo la quale tutte le città dell'Asia La costa minore passò sotto il controllo del re persiano. Lo stato persiano divenne il principale arbitro nel mondo greco; non consentiva l'unificazione nazionale dei greci.

Le guerre internecine hanno dimostrato che gli stati greci non sono in grado di unirsi da soli.

Nel frattempo, l'unificazione era una necessità economica per il popolo greco. Per adempiere a questo compito storico risultò essere sotto il potere della vicina potenza balcanica - la Macedonia, che a quel tempo era diventata più forte, il cui re Filippo II sconfisse i greci a Cheronea nel 338. Questa battaglia decise il destino dell'Hellas: si rivelò unito, ma sotto il dominio straniero. E il figlio di Filippo II - il grande comandante Alessandro Magno guidò i Greci in una campagna vittoriosa contro i loro nemici primordiali - i Persiani.

Questo fu l'ultimo periodo classico della cultura greca. Alla fine del IV sec. AVANTI CRISTO. il mondo antico entrerà in un'era che non si chiama più ellenica, ma ellenistica.

Nell'arte dei tardi classici riconosciamo chiaramente le nuove tendenze. In un'era di grande prosperità, l'immagine umana ideale era incarnata in un valoroso e bellissimo cittadino della città-stato.

Il crollo della politica ha scosso questa idea. L'orgogliosa fiducia nel potere conquistatore dell'uomo non scompare del tutto, ma a volte sembra oscurarsi. Sorgono riflessioni, che danno luogo ad ansia o tendenza al godimento sereno della vita. Cresce l'interesse per il mondo individuale dell'uomo; in definitiva segna un allontanamento dalla potente generalizzazione dei tempi precedenti.

La grandiosità della visione del mondo, incarnata nelle sculture dell'Acropoli, si riduce gradualmente, ma la percezione generale della vita e della bellezza si arricchisce. La pacata e maestosa nobiltà degli dei e degli eroi, come li dipinse Fidia, lascia il posto all'identificazione nell'arte di complesse esperienze, passioni e impulsi.

Greco del V secolo AVANTI CRISTO. apprezzava la forza come base di un inizio sano e coraggioso, una forte volontà e un'energia vitale - e quindi la statua di un atleta, un vincitore nelle competizioni, personificava per lui l'affermazione del potere e della bellezza umana. Artisti del IV sec AVANTI CRISTO. attirare per la prima volta il fascino dell'infanzia, la saggezza della vecchiaia, il fascino eterno della femminilità.

La grande abilità raggiunta dall'arte greca nel V secolo è ancora viva nel IV secolo. aC, in modo che i monumenti artistici più ispirati del tardo classico sono contrassegnati dallo stesso marchio di altissima perfezione.

Il IV secolo riflette le nuove tendenze nella sua costruzione. L'architettura greca tardo classica è caratterizzata da una certa tensione sia per lo sfarzo, persino per la grandiosità, sia per la leggerezza e l'eleganza decorativa. La tradizione artistica prettamente greca si intreccia con influenze orientali provenienti dall'Asia Minore, dove le città greche sono soggette al dominio persiano. Insieme ai principali ordini architettonici - dorico e ionico, il terzo - corinzio, sorto successivamente, è sempre più utilizzato.

La colonna corinzia è la più magnifica e decorativa. La tendenza realistica supera in esso il primordiale schema astratto-geometrico del capitello, vestito dell'ordine corinzio nell'abito fiorito della natura: due file di foglie d'acanto.

L'isolamento delle politiche era obsoleto. Per il mondo antico stava arrivando un'era di potenti, anche se fragili, dispotismo schiavista. All'architettura furono assegnati compiti diversi rispetto all'età di Pericle.

Uno dei monumenti più grandiosi dell'architettura greca del tardo classico era la tomba nella città di Alicarnasso (in Asia Minore), il sovrano della provincia persiana di Carius Mausolus, che non è pervenuto a noi, da cui la parola " mausoleo" proveniva.

Tutti e tre gli ordini furono riuniti nel mausoleo di Alicarnasso. Era costituito da due livelli. Il primo ospitava una camera mortuaria, il secondo un tempio funerario. Sopra le gradinate c'era un'alta piramide coronata da un carro a quattro cavalli (quadriga). L'armonia lineare dell'architettura greca si ritrova in questo monumento di enormi dimensioni (a quanto pare raggiungeva i quaranta-cinquanta metri di altezza), con la sua solennità che ricorda le strutture funerarie degli antichi sovrani orientali. Il mausoleo fu costruito dagli architetti Satiro e Pythius e la sua decorazione scultorea fu affidata a diversi maestri, tra cui Skopas, che probabilmente ebbe un ruolo di primo piano tra loro.

Skopa, Prassitele e Lisippo sono i più grandi scultori greci della tarda età classica. Per l'influenza che hanno avuto sull'intero sviluppo successivo dell'arte antica, l'opera di questi tre geni può essere paragonata alle sculture del Partenone. Ognuno di loro ha espresso la sua brillante visione del mondo individuale, il suo ideale di bellezza, la sua comprensione della perfezione, che, attraverso il personale, rivelato solo da loro, raggiunge le vette eterne - universali. E ancora, nel lavoro di ciascuno, questo personale è consono all'epoca, incarnando quei sentimenti, quei desideri dei contemporanei che più corrispondevano ai suoi.

Passione e impulso, ansia, lotta con alcune forze ostili, profondi dubbi ed esperienze tristi respirano nell'arte di Scopas. Tutto ciò era ovviamente caratteristico della sua natura e, allo stesso tempo, esprimeva vividamente certi umori del suo tempo. Per temperamento, Scopas è vicino a Euripide, quanto sono vicini nella percezione del doloroso destino dell'Ellade.

... Originario dell'isola di Paro, ricca di marmi, Skopas (c. 420 - c. 355 aC) lavorò in Attica, nelle città del Peloponneso e in Asia Minore. La sua creatività, estremamente vasta sia nel numero delle opere che nei soggetti, si spense quasi senza lasciare traccia.

Della decorazione scultorea del tempio di Atena in Tegea da lui realizzata o sotto la sua diretta supervisione (Scopas, che divenne famoso non solo come scultore, ma anche come architetto, fu anche costruttore di questo tempio), solo pochi frammenti è rimasta. Ma basta guardare almeno la testa storpia di un guerriero ferito (Atene, Museo Archeologico Nazionale) per sentire la grande potenza del suo genio. Per questa testa dalle sopracciglia arcuate, gli occhi rivolti al cielo e la bocca socchiusa, una testa in cui tutto - sofferenza e dolore - esprime, per così dire, la tragedia non solo della Grecia nel IV secolo. aC, lacerato dalle contraddizioni e calpestato da invasori stranieri, ma anche la tragedia primordiale dell'intero genere umano nella sua continua lotta, dove la vittoria è ancora seguita dalla morte. Così, ci sembra, poco rimane della luminosa gioia dell'essere, che un tempo illuminava la coscienza dell'ellenico.

Frammenti del fregio della tomba di Mausolo, raffigurante la battaglia dei Greci con le Amazzoni (Londra, British Museum)... Si tratta senza dubbio di opera di Scopas o della sua bottega. Il genio del grande scultore respira in queste rovine.

Confrontali con i frammenti del fregio del Partenone. Sia qui che là - emancipazione dei movimenti. Ma lì, l'emancipazione si traduce in una maestosa regolarità, e qui - in una vera tempesta: gli angoli delle figure, l'espressività dei gesti, gli abiti ampiamente svolazzanti creano un dinamismo violento che non si è ancora visto nell'arte antica. Lì, la composizione è costruita sulla graduale coerenza delle parti, qui - sui contrasti più netti.

Eppure il genio di Fidia e il genio di Scopas sono legati in qualcosa di molto significativo, quasi la cosa principale. Le composizioni di entrambi i fregi sono ugualmente snelle, armoniose e le loro immagini sono ugualmente concrete. Del resto, non per niente Eraclito diceva che l'armonia più bella nasce dai contrasti. Scopas crea una composizione la cui unità e chiarezza sono impeccabili come quelle di Fidia. Inoltre, nessuna figura si dissolve in essa, non perde il suo significato plastico indipendente.

Questo è tutto ciò che resta dello stesso Scopas o dei suoi studenti. Altri legati al suo lavoro, si tratta di copie romane successive. Tuttavia, uno di loro ci dà probabilmente l'idea più vivida del suo genio.

Pietra paria - Bacchante.

Ma lo scultore ha dato un'anima alla pietra.

E, come un ubriacone, balzando in piedi, si precipitò

lei sta ballando.

Avendo creato questa menade, in delirio,

con una capra morta

Hai fatto un miracolo con uno scalpello idolatra,

Scopa.

Così un ignoto poeta greco lodò la statua della Menade, o Baccante, che possiamo giudicare solo da una piccola copia (Museo di Dresda).

In primo luogo, notiamo una novità caratteristica, molto importante per lo sviluppo dell'arte realistica: in contrasto con le sculture del V secolo. BC, questa statua è completamente progettata per essere osservata da tutti i lati e devi girarci intorno per percepire tutti gli aspetti dell'immagine creata dall'artista.

Gettando la testa all'indietro e piegando tutto il corpo, la giovane donna si precipita in una danza tempestosa, veramente bacchica, alla gloria del dio del vino. E sebbene la copia in marmo sia anche solo un frammento, forse non c'è nessun altro monumento d'arte che trasmetta con tale forza il pathos disinteressato della furia. Questa non è un'esaltazione dolorosa, ma patetica e trionfante, sebbene in essa si sia perso il potere sulle passioni umane.

Così, nell'ultimo secolo dei classici, il potente spirito ellenico ha saputo conservare tutta la sua grandezza primordiale anche nella furia generata da passioni ribollenti e dolorose insoddisfazioni.

...Prassitel (un nativo ateniese, lavorò nel 370-340 aC) espresse un inizio completamente diverso nel suo lavoro. Sappiamo un po' di più su questo scultore che sui suoi fratelli.

Come Scopas, Prassitele trascurò il bronzo, creando le sue più grandi opere in marmo. Sappiamo che era ricco e godeva di una clamorosa fama che un tempo eclissava persino la gloria di Fidia. Sappiamo anche che amava Frine, la famosa cortigiana, accusata di blasfemia e assolta dai giudici ateniesi, che ne ammirava la bellezza, da loro riconosciuta degna del culto popolare. Frine servì da modello per le statue della dea dell'amore Afrodite (Venere). Lo studioso romano Plinio scrive della creazione di queste statue e del loro culto, ricreando vividamente l'atmosfera dell'epoca di Prassitele:

“... Soprattutto le opere non solo di Prassitele, ma in genere esistenti nell'Universo, è la Venere della sua opera. Per vederla, molti sono salpati per Knidos. Praxitel realizzò e vendette contemporaneamente due statue di Venere, ma una era ricoperta di vestiti: era preferita dagli abitanti di Kos, che avevano il diritto di scegliere. Prassitele fece pagare lo stesso prezzo per entrambe le statue. Ma gli abitanti di Kos hanno riconosciuto questa statua come seria e modesta; che rifiutarono, comprarono gli Cnidi. E la sua fama era incommensurabilmente più alta. Lo zar Nicomede in seguito volle acquistarla dagli Cnidi, promettendo di perdonare lo stato degli Cnidi per tutti gli enormi debiti che avevano. Ma gli Cnidi preferirono sopportare tutto piuttosto che separarsi dalla statua. E non invano. Dopotutto, Prassitele ha creato la gloria di Cnido con questa statua. L'edificio in cui si trova questa statua è tutto aperto, in modo che possa essere visto da tutti i lati. Inoltre, credono che la statua sia stata costruita con la favorevole partecipazione della stessa dea. E da un lato, la gioia che provoca non è da meno…”.

Prassitele è una cantante ispirata di bellezza femminile, tanto venerata dai greci del 4° secolo a.C. AVANTI CRISTO. In un caldo gioco di luci e ombre, come mai prima, la bellezza del corpo femminile brillava sotto il suo scalpello.

È passato molto tempo in cui una donna non era raffigurata nuda, ma questa volta Prassitele espose nel marmo non solo una donna, ma una dea, e questo dapprima causò un sorpreso rimprovero.

Cnidian Afrodite ci è nota solo da copie e prestiti. In due copie marmoree romane (a Roma e nella Gliptoteca di Monaco) è pervenuto a noi nella sua interezza, di modo che ne conosciamo l'aspetto generale. Ma queste copie di un pezzo non sono di prima classe. Alcuni altri, sebbene in rovina, danno un quadro più vivido di questa grande opera: la testa di Afrodite al Louvre di Parigi, con tratti così dolci e pieni di sentimento; i suoi torsi, sempre al Louvre e al Museo Napoletano, in cui si intuisce l'incantevole femminilità dell'originale, e addirittura una copia romana, tratta non dall'originale, ma dalla statua ellenistica, ispirata al genio di Prassitele, “ Venus Khvoshchinsky” (dal nome del russo che lo acquistò collezionista), in cui, ci sembra, il marmo irradia il calore del bel corpo della dea (questo frammento è l'orgoglio del dipartimento di antiquariato del Museo di Belle Arti Puskin ).

Cosa ammirava così tanto i contemporanei dello scultore in questa immagine della più affascinante delle dee, che, spogliandosi dei suoi vestiti, si preparava a tuffarsi nell'acqua?

Cosa ci delizia anche nelle copie rotte che trasmettono alcune caratteristiche dell'originale perduto?

Con la modellazione più fine, in cui ha superato tutti i suoi predecessori, ravvivando il marmo con riflessi di luce scintillante e conferendo a una pietra liscia un delicato vellutato con virtuosismo inerente solo a lui, Prassitele ha catturato nella levigatezza dei contorni e nelle proporzioni ideali del corpo del dea, nella toccante naturalezza del suo portamento, nel suo sguardo, “bagnato e lucente”, secondo gli antichi, quei grandi principi che Afrodite esprimeva nella mitologia greca, principi eterni nella coscienza e nei sogni del genere umano: Bellezza e Amore .

Prassitele è talvolta riconosciuto come l'esponente più eclatante nell'arte antica di quella direzione filosofica, che vedeva nel piacere (qualunque esso fosse) il sommo bene e il fine naturale di tutte le aspirazioni umane, cioè edonismo. Eppure la sua arte annuncia già la filosofia che fiorì alla fine del IV secolo. AVANTI CRISTO. "nei boschi di Epicuro", come Pushkin chiamò quel giardino ateniese dove Epicuro radunava i suoi studenti ...

L'assenza di sofferenza, uno stato d'animo sereno, la liberazione delle persone dalla paura della morte e dal timore degli dei: queste erano, secondo Epicuro, le condizioni principali per godersi veramente la vita.

In effetti, con la sua stessa serenità, la bellezza delle immagini create da Prassitele, la gentile umanità degli dei da lui scolpiti, affermava la benefica di liberarsi da questa paura in un'epoca che non era affatto serena e non misericordiosa.

L'immagine di un atleta, ovviamente, non interessava Prassitele, così come non gli interessavano i motivi civici. Si sforzava di incarnare nel marmo l'ideale di un giovane fisicamente bello, non muscoloso come Polikleitos, molto snello e aggraziato, gioioso, ma leggermente sornione, non particolarmente spaventato da nessuno, ma non minaccioso, serenamente felice e pieno di coscienza dell'armonia di tutte le sue creature.

Un'immagine del genere, a quanto pare, corrispondeva alla sua visione del mondo e quindi gli era particolarmente cara. Ne troviamo una conferma indiretta in un divertente aneddoto.

La relazione d'amore tra il famoso artista e una bellezza così incomparabile come Frine era molto interessante per i suoi contemporanei. La mente vivace degli Ateniesi eccelleva nelle congetture su di loro. È stato riferito, ad esempio, che Frine chiese a Prassitele di regalarle la sua migliore scultura in segno d'amore. Lui acconsentì, ma lasciò a lei la scelta, nascondendo sornione quale delle sue opere considera la più perfetta. Quindi Phryne decise di superarlo in astuzia. Un giorno, uno schiavo da lei inviato corse a Prassitele con la terribile notizia che la bottega dell'artista era andata a fuoco ... "Se la fiamma ha distrutto Eros e Satiro, allora tutto è morto!" esclamò Prassitele addolorato. Quindi Phryne ha scoperto la valutazione dell'autore stesso ...

Conosciamo dalle riproduzioni queste sculture, che godettero di grande fama nel mondo antico. Ci sono pervenute almeno centocinquanta copie in marmo del Satiro che riposa (cinque di esse si trovano nell'Ermitage). Innumerevoli sono le statue antiche, le statuine in marmo, argilla o bronzo, le stele tombali e ogni tipo di opera d'arte applicata, ispirata al genio di Prassitele.

Due figli e un nipote continuarono l'opera scultorea di Prassitele, figlio di uno scultore. Ma questa continuità familiare, ovviamente, è trascurabile rispetto alla generale continuità artistica che risale al suo lavoro.

In questo senso, l'esempio di Prassitele è particolarmente indicativo, ma tutt'altro che eccezionale.

Sia unica la perfezione di un vero grande originale, ma un'opera d'arte che mostra una nuova “variazione del bello” è immortale anche in caso di morte. Non abbiamo una copia esatta né della statua di Zeus ad Olimpia né dell'Athena Parthenos, ma la grandezza di queste immagini, che determinava il contenuto spirituale di quasi tutta l'arte greca del periodo di massimo splendore, è chiaramente visibile anche nei gioielli in miniatura e nelle monete di quel tempo. Non sarebbero stati in questo stile senza Fidia. Così come non ci sarebbero statue di giovani sbadati pigramente appoggiati a un albero, o dee marmoree nude che affascinano per la loro lirica bellezza, in una grande varietà di ville ornate e parchi di nobili in epoca ellenistica e romana, così come non ci sarebbero Lo stile Prassitele, la dolce felicità di Prassitele, così a lungo conservata nell'arte antica - non essere un vero "Satiro a riposo" e una vera "Afrodite di Cnido", ora perduta chissà dove e come. Diciamo ancora: la loro perdita è irreparabile, ma il loro spirito sopravvive anche nelle opere più ordinarie di imitatori, vive, quindi, anche per noi. Ma se queste opere non fossero state preservate, questo spirito in qualche modo brillerebbe nella memoria umana per risplendere di nuovo alla prima occasione.

Percependo la bellezza di un'opera d'arte, una persona si arricchisce spiritualmente. Il legame vivo delle generazioni non si rompe mai del tutto. L'antico ideale di bellezza fu decisamente respinto dall'ideologia medievale e le opere che lo incarnavano furono spietatamente distrutte. Ma la vittoriosa rinascita di questo ideale nell'età dell'umanesimo testimonia che non è mai stato completamente distrutto.

Lo stesso si può dire del contributo all'arte di ogni vero grande artista. Perché un genio, incarnando una nuova immagine di bellezza nata nella sua anima, arricchisce l'umanità per sempre. E così fin dai tempi antichi, quando quelle formidabili e maestose immagini di animali furono create per la prima volta in una grotta paleolitica, da cui provenivano tutte le belle arti, e in cui il nostro lontano antenato ripose tutta la sua anima e tutti i suoi sogni, illuminati dall'ispirazione creativa.

I brillanti sviluppi artistici si completano a vicenda, introducendo qualcosa di nuovo che non muore più. Questo nuovo a volte lascia il segno su un'intera epoca. Così è stato con Fidia, così è stato con Prassitele.

Tutto, però, è perito da ciò che Prassitele stesso ha creato?

Secondo un autore antico, si sapeva che la statua di Prassitele "Ermete con Dioniso" si trovava nel tempio di Olimpia. Durante gli scavi nel 1877, vi fu trovata una scultura in marmo di queste due divinità relativamente leggermente danneggiata. All'inizio nessuno aveva alcun dubbio che questo fosse l'originale di Prassitele, e anche ora la sua paternità è riconosciuta da molti esperti. Tuttavia, un attento studio della stessa tecnica del marmo ha convinto alcuni studiosi che la scultura rinvenuta ad Olimpia è un'ottima copia ellenistica, in sostituzione dell'originale, probabilmente esportato dai romani.

Questa statua, citata da un solo autore greco, pare non fosse considerata il capolavoro di Prassitele. Tuttavia, i suoi pregi sono innegabili: modellazione straordinariamente fine, morbidezza delle linee, un meraviglioso gioco di luci e ombre puramente prassiteleano, una composizione molto chiara e perfettamente equilibrata e, soprattutto, il fascino di Hermes con il suo sguardo sognante e leggermente distratto e il fascino infantile del piccolo Dioniso. E, tuttavia, in questo fascino c'è una certa dolcezza, e sentiamo che in tutta la statua, anche nella figura sorprendentemente snella di un dio molto ben arricciato nella sua curva liscia, bellezza e grazia attraversano leggermente la linea oltre la quale bellezza e inizia la grazia. L'arte di Prassitele è molto vicina a questa linea, ma non la viola nelle sue creazioni più spirituali.

Il colore, a quanto pare, ha giocato un ruolo importante nell'aspetto generale delle statue di Prassitele. Sappiamo che alcuni di loro furono dipinti (sfregando colori a cera fusa che ravvivavano delicatamente il candore del marmo) lo stesso Nikias, un famoso pittore dell'epoca. L'arte sofisticata di Prassitele, grazie al colore, acquisì ancora maggiore espressività ed emotività. L'armonioso connubio delle due grandi arti è stato probabilmente realizzato nelle sue creazioni.

Aggiungiamo, infine, che nella nostra regione settentrionale del Mar Nero presso le foci del Dnepr e del Bug (ad Olbia) è stato ritrovato un piedistallo di una statua con la firma del grande Prassitele. Purtroppo, la statua stessa non era nel terreno.

... Lisippo lavorò nell'ultimo terzo del IV secolo. AVANTI CRISTO e., al tempo di Alessandro Magno. Il suo lavoro, per così dire, completa l'arte dei tardi classici.

Il bronzo era il materiale preferito di questo scultore. Non conosciamo i suoi originali, quindi possiamo giudicarlo solo dalle copie marmoree sopravvissute, che lungi dal riflettere tutta la sua opera.

Il numero di monumenti d'arte dell'antica Grecia che non sono pervenuti a noi è incommensurabile. Il destino del vasto patrimonio artistico di Lisippo ne è una terribile prova.

Lisippo era considerato uno dei maestri più prolifici del suo tempo. Dicono che abbia messo da parte la ricompensa per ogni ordine completato per una moneta: dopo la sua morte, ce n'erano fino a mille e mezzo. Nel frattempo, tra le sue opere c'erano gruppi scultorei, che contavano fino a venti figure, e l'altezza di alcune sue sculture superava i venti metri. Con tutto questo, le persone, gli elementi e il tempo hanno affrontato senza pietà. Ma nessuna forza poteva distruggere lo spirito dell'arte di Lisippo, cancellare la traccia che aveva lasciato.

Secondo Plinio, Lisippo disse che, a differenza dei suoi predecessori, che ritraevano le persone così come sono, lui, Lisippo, cercava di ritrarle come sembrano. Con ciò affermò il principio del realismo, che già da tempo aveva trionfato nell'arte greca, ma che volle portare a compimento pieno secondo i principi estetici del suo contemporaneo, il più grande filosofo dell'antichità, Aristotele.

L'innovazione di Lisippo sta nel fatto che ha scoperto nell'arte di scolpire enormi possibilità realistiche che non erano state ancora utilizzate prima di lui. E infatti le sue figure non sono da noi percepite come create “per lo spettacolo”, non posano per noi, ma esistono da sole, poiché lo sguardo dell'artista le ha afferrate in tutta la complessità dei movimenti più diversi, riflettendone uno o un altro impulso spirituale. Il bronzo, che prende facilmente qualsiasi forma durante la fusione, era il più adatto per risolvere tali problemi scultorei.

Il piedistallo non isola le figure di Lisippo dall'ambiente, in esso vivono veramente, come se sporgessero da una certa profondità spaziale, in cui la loro espressività si manifesta altrettanto chiaramente, seppur in modi diversi, da qualsiasi lato. Sono, quindi, completamente tridimensionali, completamente liberati. La figura umana è costruita da Lisippo in modo nuovo, non nella sua sintesi plastica, come nelle sculture di Mirone o Polikleitos, ma in un certo aspetto fugace, esattamente come si presentava (sembrava) all'artista in un dato momento e cosa che non era ancora stata in precedenza e non sarà già in futuro.

L'incredibile flessibilità delle figure, la stessa complessità, a volte il contrasto dei movimenti: tutto questo è armoniosamente ordinato e questo maestro non ha nulla che, anche minimamente, assomigli al caos della natura. Trasmettendo prima di tutto un'impressione visiva, subordina questa impressione a un certo ordine, stabilito una volta per tutte secondo lo spirito stesso della sua arte. È lui, Lisippo, che viola il vecchio canone policletico della figura umana per crearne una sua, nuova, molto più leggera, più adatta alla sua arte dinamica, che rifiuta ogni immobilità interna, ogni pesantezza. In questo nuovo canone, la testa non è più 1,7, ma solo 1/8 dell'altezza totale.

Le ripetizioni marmoree delle sue opere pervenute fino a noi danno, in generale, un quadro chiaro delle realizzazioni realistiche di Lisippo.

Il famoso "Apoxiomen" (Roma, Vaticano). Questo giovane atleta, però, non è affatto lo stesso della scultura del secolo precedente, dove la sua immagine irradiava un'orgogliosa coscienza di vittoria. Lisippo ci ha mostrato l'atleta dopo la competizione, pulendo diligentemente il corpo da olio e polvere con un raschietto metallico. Non è dato affatto un movimento acuto e apparentemente inespressivo della mano nell'intera figura, conferendole una vitalità eccezionale. È esteriormente calmo, ma sentiamo che ha provato una grande eccitazione e nei suoi lineamenti si può vedere la stanchezza per lo sforzo estremo. Questa immagine, come strappata alla realtà mutevole, è profondamente umana, estremamente nobile nella sua completa disinvoltura.

"Ercole con un leone" (San Pietroburgo, Museo statale dell'Ermitage). Questo è un pathos appassionato della lotta non per la vita, ma per la morte, ancora una volta, come se l'artista fosse vista di lato. L'intera scultura sembra caricarsi di un movimento tempestoso e intenso, fondendo irresistibilmente potenti figure di uomo e bestia in un insieme armoniosamente bello.

Su quale impressione hanno fatto le sculture di Lisippo sui contemporanei, possiamo giudicare dalla storia seguente. Alessandro Magno amava così tanto la sua statuetta "Ercole in festa" (una delle sue ripetizioni è anche nell'Ermitage) che non se ne separò nelle sue campagne, e quando giunse la sua ultima ora, ordinò di metterla davanti a lui.

Lisippo fu l'unico scultore che il famoso conquistatore ritenesse degno di catturarne i lineamenti.

"La statua di Apollo è il più alto ideale d'arte tra tutte le opere sopravvissute dall'antichità." Questo è stato scritto da Winckelmann.

Chi era l'autore della statua che ha così deliziato l'illustre antenato di diverse generazioni di scienziati - "antiquariato"? Nessuno degli scultori la cui arte brilla più brillantemente fino ad oggi. Com'è e qual è l'equivoco qui?

L'Apollo di cui parla Winckelmann è il famoso "Apollo Belvedere": copia romana in marmo di un originale in bronzo di Leocharus (ultimo terzo del IV sec. aC), così chiamato dalla galleria dove fu a lungo esposto (Roma, Vaticano) . Questa statua una volta suscitò molto entusiasmo.

Riconosciamo nel Belvedere "Apollo" un riflesso dei classici greci. Ma è solo una riflessione. Conosciamo il fregio del Partenone, che Winckelmann non conosceva, e quindi, con tutta l'indubbia ostentazione, la statua di Leochar ci sembra internamente fredda, un po' teatrale. Sebbene Leochar fosse contemporaneo di Lisippo, la sua arte, perdendo il vero significato del contenuto, sa di accademici, segna un declino rispetto ai classici.

La gloria di tali statue a volte ha dato origine a un'idea sbagliata su tutta l'arte ellenica. Questa nozione non è svanita fino ad oggi. Alcuni artisti sono inclini a ridurre il significato del patrimonio artistico dell'Hellas ea rivolgere le loro ricerche estetiche a mondi culturali completamente diversi, a loro avviso, più consonanti con la visione del mondo della nostra epoca. (Basta dire che un così autorevole esponente dei gusti estetici più moderni dell'Occidente come lo scrittore e teorico dell'arte francese Andre Malraux ha collocato nella sua opera “Museo Immaginario della Scultura Mondiale” la metà delle riproduzioni dei monumenti scultorei dell'antica Grecia rispetto al cosiddette civiltà primitive dell'America, dell'Africa e dell'Oceania!) Ma voglio ostinatamente credere che la maestosa bellezza del Partenone trionferà di nuovo nelle menti dell'umanità, affermando in esso l'ideale eterno dell'umanesimo.

Concludendo questa breve rassegna dell'arte classica greca, vorrei citare un altro notevole monumento custodito nell'Eremo. Questo è il vaso italiano famoso in tutto il mondo del 4° secolo. AVANTI CRISTO e. , rinvenuta nei pressi dell'antica città di Kuma (in Campania), denominata per la perfezione della composizione e la ricchezza della decorazione "Regina dei Vasi", e sebbene probabilmente non realizzata nella stessa Grecia, rispecchia le più alte realizzazioni della plastica greca. La cosa principale nel vaso laccato nero di Qom sono le sue proporzioni davvero impeccabili, il contorno snello, l'armonia generale delle forme e i rilievi multifigurati di straordinaria bellezza (che conservano tracce di colori brillanti) dedicati al culto della dea della fertilità Demetra, i famosi misteri eleusini, dove le scene più oscure sono state sostituite da quelle iridescenti, visioni, che simboleggiano la morte e la vita, l'eterno appassimento e risveglio della natura. Questi rilievi sono echi della scultura monumentale dei più grandi maestri greci del V e IV secolo. AVANTI CRISTO. Quindi, tutte le figure in piedi assomigliano alle statue della scuola di Prassitele, e le figure sedute assomigliano a quelle della scuola di Fidia.

SCULTURA DEL PERIODO ELLENISMO

Con la morte di Alessandro Magno inizia l'era dell'ellenismo.

Il tempo per l'istituzione di un unico impero schiavista non era ancora giunto e l'Hellas non era destinato a governare il mondo. Il pathos della statualità non era la sua forza trainante, quindi anche essa stessa non è riuscita a unirsi.

La grande missione storica dell'Hellas era culturale. Dopo aver guidato i Greci, Alessandro Magno fu l'esecutore testamentario di questa missione. Il suo impero crollò, ma la cultura greca rimase negli stati sorti in Oriente dopo le sue conquiste.

Nei secoli precedenti, gli insediamenti greci hanno diffuso lo splendore della cultura ellenica in terre straniere.

Nei secoli dell'ellenismo non c'erano terre straniere, lo splendore dell'Ellade era totalizzante e totalizzante.

Un cittadino di una politica libera lasciò il posto a un "cittadino del mondo" (cosmopolita), le cui attività si svolgevano nell'universo, "ecumene", come era inteso dall'umanità di allora. Sotto la guida spirituale dell'Hellas. E questo, nonostante le sanguinose faide tra i "Diadochi" - gli insaziabili successori di Alessandro nella loro brama di potere.

È come questo. Tuttavia, i "cittadini del mondo" appena apparsi furono costretti a combinare la loro alta vocazione con il destino dei sudditi privati ​​dei diritti civili di governanti altrettanto appena apparsi, governando alla maniera dei despoti orientali.

Il trionfo dell'Ellade non fu più contestato da nessuno; nascondeva, tuttavia, profonde contraddizioni: lo spirito luminoso del Partenone si rivelò vincitore e vinto.

Architettura, scultura e pittura fiorirono nel vasto mondo ellenistico. La pianificazione urbana su scala senza precedenti nei nuovi stati che affermava il loro potere, il lusso delle corti reali, l'arricchimento della nobiltà proprietaria di schiavi nel fiorente commercio internazionale fornivano agli artisti grandi ordini. Forse, come mai prima d'ora, l'arte fu incoraggiata da chi era al potere. E in ogni caso, mai prima d'ora la creatività artistica è stata così vasta e varia. Ma come valutare questa creatività rispetto a quanto dato nell'arte dell'arcaico, del periodo di massimo splendore e del tardo classico, la cui continuazione fu l'arte ellenistica?

Gli artisti dovettero diffondere le conquiste dell'arte greca in tutti i territori conquistati da Alessandro con le loro nuove formazioni statali multi-tribali e allo stesso tempo, a contatto con le antiche culture dell'Oriente, mantenerle pure, riflettendo la grandezza di l'ideale artistico greco. I clienti - re e nobili - volevano decorare i loro palazzi e parchi con opere d'arte, il più possibile simili a quelle che erano considerate la perfezione ai tempi del grande potere di Alessandro. Non sorprende che tutto ciò non abbia attirato lo scultore greco sulla via di nuove ricerche, spingendolo solo a “realizzare” una statua che non sembrerebbe peggiore dell'originale di Prassitele o di Lisippo. E questo, a sua volta, ha portato inevitabilmente a prendere in prestito una forma già trovata (con adattamento al contenuto interno che questa forma esprimeva dal suo creatore), cioè a quello che chiamiamo accademismo. O all'eclettismo, cioè una combinazione di caratteristiche individuali e reperti dell'arte di vari maestri, a volte impressionanti, spettacolari per l'elevata qualità dei campioni, ma privi di unità, integrità interna e non favorevoli alla creazione del proprio, ovvero del proprio - un'espressione espressiva e piena -linguaggio artistico a tutti gli effetti, il proprio stile.

Molte, moltissime statue del periodo ellenistico ci mostrano in misura ancora maggiore proprio le mancanze che l'Apollo del Belvedere aveva già prefigurato. L'ellenismo si espanse e, in una certa misura, completò le tendenze decadenti che apparvero alla fine dei tardi classici.

Alla fine del II sec. AVANTI CRISTO. uno scultore di nome Alessandro o Agesandro lavorò in Asia Minore: nell'iscrizione sull'unica statua della sua opera pervenuta fino a noi, non tutte le lettere sono state conservate. Questa statua, trovata nel 1820 sull'isola di Milos (nel Mar Egeo), raffigura Afrodite-Venere ed è ora conosciuta in tutto il mondo come "Venus Milos". Questo non è nemmeno solo un monumento ellenistico, ma tardo ellenistico, il che significa che è stato creato in un'epoca segnata da un certo declino dell'arte.

Ma questa "Venere" non può essere paragonata a molte altre statue di divinità e dee, contemporanee o addirittura precedenti, a testimonianza di una discreta perizia tecnica, ma non dell'originalità dell'idea. Tuttavia, non sembra esserci nulla di particolarmente originale in esso, tale da non essere già stato espresso nei secoli precedenti. Un'eco lontana di Afrodite Prassitele... E, tuttavia, in questa statua tutto è così armonioso e armonioso, l'immagine della dea dell'amore è allo stesso tempo così regalmente maestosa e così affascinante femminile, tutto il suo aspetto è così puro e il marmo meravigliosamente modellato brilla così dolcemente che ci sembra: uno scalpello lo scultore della grande epoca dell'arte greca non avrebbe potuto scolpire nulla di più perfetto.

Deve la sua fama al fatto che le più famose sculture greche, ammirate dagli antichi, sono irrimediabilmente perite? Statue come la Venere di Milo, orgoglio del Louvre di Parigi, probabilmente non erano uniche. Nessuno nell'allora "ecumene", né più tardi, in epoca romana, lo cantava in versi né in greco né in latino. Ma quante righe entusiaste, effusioni riconoscenti le sono dedicate

ormai in quasi tutte le lingue del mondo.

Non si tratta di una copia romana, ma di un originale greco, anche se non di epoca classica. Ciò significa che l'ideale artistico greco antico era così alto e potente che, sotto lo scalpello di un maestro dotato, prese vita in tutto il suo splendore anche in tempi di accademici ed eclettismo.

Gruppi scultorei così grandiosi come "Laocoonte con i suoi figli" (Roma, Vaticano) e "Toro Farnese" (Napoli, Museo Nazionale Romano), che hanno suscitato la sconfinata ammirazione di molte generazioni dei più illuminati rappresentanti della cultura europea, oggi, quando il la bellezza del Partenone si è aperta, ci sembra eccessivamente teatrale, sovraccarica, schiacciata nei dettagli.

Tuttavia, probabilmente appartenente alla stessa scuola rodia di questi gruppi, ma scolpito da un artista a noi sconosciuto in un precedente periodo dell'ellenismo, il Nika di Samotracia (Parigi, Louvre) è uno dei pinnacoli dell'arte. Questa statua si ergeva sulla prua di una nave-monumento di pietra. In un'onda delle sue possenti ali, Nika-Victory si precipita in avanti in modo incontrollabile, tagliando il vento, sotto il quale la sua veste è rumorosamente (lo sentiamo un po') ondeggiare. La testa è battuta, ma la grandiosità dell'immagine ci raggiunge completamente.

L'arte della ritrattistica è molto comune nel mondo ellenistico. Si stanno moltiplicando le “persone eminenti” che sono riuscite al servizio dei governanti (diadochi) o sono avanzate ai vertici della società grazie a uno sfruttamento più organizzato del lavoro schiavo rispetto all'ex Grecia frammentata: vogliono catturarne i lineamenti per i posteri. Il ritratto sta diventando sempre più individualizzato, ma allo stesso tempo, se abbiamo davanti a noi il più alto rappresentante del potere, allora viene enfatizzata la sua superiorità, l'esclusività della posizione che occupa.

Ed eccolo qui, il sovrano principale: Diadoch. La sua statua in bronzo (Roma, Museo delle Terme) è l'esempio più luminoso di arte ellenistica. Non sappiamo chi sia questo signore, ma a prima vista ci è chiaro che questa non è un'immagine generalizzata, ma un ritratto. Caratteristiche caratteristiche, nettamente individuali, occhi leggermente socchiusi, non un fisico ideale. Quest'uomo è catturato dall'artista in tutta l'originalità dei suoi lineamenti personali, pieno di coscienza del suo potere. Probabilmente era un abile sovrano che sapeva agire secondo le circostanze, sembra che fosse irremovibile nel perseguire l'obiettivo prefissato, forse crudele, ma forse a volte generoso, di carattere abbastanza complesso e dominante nel mondo ellenistico infinitamente complesso, dove il il primato della cultura greca doveva essere unito al rispetto delle antiche culture locali.

È completamente nudo, come un antico eroe o dio. Il giro del capo, così naturale, completamente liberato, e la mano levata in alto, appoggiata alla lancia, conferiscono alla figura una maestosità orgogliosa. Forte realismo e deificazione. La divinizzazione non è un eroe ideale, ma la più concreta, individuale deificazione del sovrano terreno, donata alle persone dal... destino.

... La direzione generale dell'arte dei tardi classici sta alla base stessa dell'arte ellenistica. A volte sviluppa con successo questa direzione, anzi la approfondisce, ma, come abbiamo visto, a volte la schiaccia o la porta all'estremo, perdendo il beato senso delle proporzioni e l'impeccabile gusto artistico che hanno contraddistinto tutta l'arte greca del periodo classico.

Alessandria, dove si incrociavano le rotte commerciali del mondo ellenistico, è il centro dell'intera cultura dell'ellenismo, la "nuova Atene".

In questa grande città per quei tempi con una popolazione di mezzo milione di abitanti, fondata da Alessandro alla foce del Nilo, fiorirono le scienze, la letteratura e l'arte, patrocinate dai Tolomei. Fondarono il "Museo", divenuto per molti secoli il centro della vita artistica e scientifica, la famosa biblioteca, la più grande del mondo antico, che conta più di settecentomila rotoli di papiro e pergamena. Il faro di Alessandria di 120 metri con una torre rivestita di marmo, le cui otto facce erano poste nella direzione dei venti principali, con statue-banderuole, con una cupola coronata da una statua in bronzo del sovrano dei mari Poseidone, aveva un sistema di specchi che intensificava la luce del fuoco acceso nella cupola, in modo che fosse visto a una distanza di sessanta chilometri. Questo faro era considerato una delle "sette meraviglie del mondo". Lo sappiamo dalle immagini su monete antiche e da una dettagliata descrizione di un viaggiatore arabo che visitò Alessandria nel XIII secolo: cento anni dopo, il faro fu distrutto da un terremoto. È chiaro che solo eccezionali progressi nella conoscenza esatta hanno permesso di erigere questa grandiosa struttura, che ha richiesto i calcoli più complessi. Dopotutto, Alessandria, dove insegnava Euclide, era la culla della geometria a lui intitolata.

L'arte alessandrina è estremamente varia. Le statue di Afrodite risalgono a Prassitele (due dei suoi figli hanno lavorato come scultori ad Alessandria), ma sono meno maestose dei loro prototipi, enfaticamente graziose. Sul cammeo dei Gonzaga - immagini generalizzate ispirate ai canoni classici. Ma tendenze completamente diverse si manifestano nelle statue di anziani: il leggero realismo greco qui si trasforma in un naturalismo quasi schietto con il trasferimento più spietato di pelle flaccida, rugosa, vene gonfie, tutto irreparabile, introdotto dalla vecchiaia nell'aspetto di una persona. La caricatura fiorisce, esilarante ma a volte pungente. Il genere quotidiano (a volte con una propensione al grottesco) e il ritratto stanno diventando sempre più diffusi. Appaiono rilievi con allegre scene bucoliche, affascinanti immagini di bambini, che talvolta fanno rivivere una grandiosa statua allegorica con un marito regalmente sdraiato, simile a Zeus e personificante il Nilo.

La diversità, ma anche la perdita dell'unità interna dell'arte, l'integrità dell'ideale artistico, che spesso riduce il significato dell'immagine. L'antico Egitto non è morto.

Esperti nelle politiche di governo, i Tolomei sottolinearono il loro rispetto per la sua cultura, presero in prestito molti costumi egiziani, eressero templi alle divinità egizie e ... si classificarono tra l'esercito di queste divinità.

E gli artisti egiziani non cambiarono il loro antico ideale artistico, i loro antichi canoni, anche nelle immagini dei nuovi sovrani stranieri del loro paese.

Un notevole monumento d'arte dell'Egitto tolemaico: una statua di basalto nero della regina Arsinoe II. Sapiente con la sua ambizione e bellezza di Arsinoe, che, secondo l'usanza reale egiziana, sposò suo fratello Tolomeo Filadelfo. Anche un ritratto idealizzato, ma non nel greco classico, ma in modo egiziano. Questa immagine risale ai monumenti del culto funebre dei faraoni, e non alle statue delle belle dee dell'Ellade. Bella anche Arsinoe, ma la sua figura, incatenata dalla tradizione antica, è frontale, sembra congelata, come nelle sculture-ritratti di tutti e tre i regni egizi; questa rigidità si armonizza naturalmente con il contenuto interno dell'immagine, che è completamente diverso da quello dei classici greci.

Sopra la fronte della regina ci sono cobra sacri. E forse la morbida rotondità delle forme del suo giovane corpo snello, che sembra completamente nudo sotto un abito leggero e trasparente, riflette in qualche modo con la sua beatitudine nascosta, forse, il respiro caldo dell'ellenismo.

La città di Pergamo, capitale del vasto stato ellenistico dell'Asia Minore, era famosa, come Alessandria, per la sua biblioteca più ricca (pergamena, in greco "pelle di Pergamo" - invenzione di Pergamo), i suoi tesori artistici, l'alta cultura e lo splendore. Gli scultori di Pergamo realizzarono meravigliose statue dei Galli uccisi. Queste statue risalgono a Skopas per ispirazione e stile. A Skopas risale anche il fregio dell'altare di Pergamo, ma questa non è affatto un'opera accademica, ma un monumento d'arte, che segna un nuovo grande battito d'ali.

Frammenti del fregio furono scoperti nell'ultimo quarto del XIX secolo da archeologi tedeschi e portati a Berlino. Nel 1945 furono portati via dall'esercito sovietico dalla Berlino in fiamme, poi tenuti nell'Hermitage, e nel 1958 tornarono a Berlino e ora sono lì esposti nel Museo di Pergamo.

Un fregio scultoreo di centoventi metri delimitava la base di un altare in marmo bianco con leggere colonne ioniche e ampi gradini che si innalzavano al centro di un grande edificio a forma di lettera P.

Il tema delle sculture è la "gigantomachia": la battaglia degli dei con i giganti, raffigurante allegoricamente la battaglia degli Elleni con i barbari. Questa è una scultura in altorilievo, quasi rotonda.

Sappiamo che al fregio lavorò un gruppo di scultori, tra i quali non c'era solo Pergamo. Ma l'unità di intenti è chiara.

Si può dire senza riserve: in tutta la scultura greca non esisteva ancora un quadro così grandioso della battaglia. Una battaglia terribile e spietata non per la vita, ma per la morte. Una battaglia, davvero titanica - e perché i giganti che si sono ribellati agli dei, e gli stessi dei che li sconfiggono, sono di crescita sovrumana, e perché l'intera composizione è titanica nel suo pathos e nella sua portata.

La perfezione delle forme, i sorprendenti giochi di luci e ombre, l'armoniosa combinazione dei più netti contrasti, l'inesauribile dinamismo di ogni figura, ogni gruppo e l'intera composizione sono in sintonia con l'arte di Scopas, equivalente alle più alte realizzazioni plastiche di il 4° secolo. Questa è la grande arte greca in tutto il suo splendore.

Ma lo spirito di queste statue a volte ci porta via dall'Hellas. Le parole di Lessing secondo cui l'artista greco ha umiliato le manifestazioni delle passioni per creare immagini pacificamente belle non sono in alcun modo applicabili ad esse. È vero, questo principio era già stato violato nei tardi classici. Tuttavia, anche se piene dell'impulso più violento, le figure di guerrieri e amazzoni nel fregio della tomba di Mausolo ci sembrano trattenute rispetto alle figure della "gigantomachia" di Pergamo.

Non la vittoria di un inizio luminoso sulle tenebre degli inferi, da cui i giganti sono fuggiti, è il vero tema del fregio di Pergamo. Vediamo il trionfo degli dei, Zeus e Atena, ma siamo scossi da qualcos'altro che involontariamente ci cattura quando guardiamo tutta questa tempesta. L'estasi della battaglia, selvaggia, disinteressata: ecco cosa glorifica il marmo del fregio di Pergamo. In questa estasi, le gigantesche figure dei combattenti si cimentano freneticamente tra loro. I loro volti sono distorti, e ci sembra di sentire le loro urla, ruggiti furiosi o esultanti, urla e gemiti assordanti.

Era come se una forza elementare si riflettesse qui nel marmo, una forza selvaggia e indomabile che ama seminare orrore e morte. Non è quello che fin dall'antichità sembrava all'uomo la terribile immagine della Bestia? Sembrava che fosse finito con lui in Hellas, ma ora sta chiaramente risorgendo qui, nel Pergamo ellenistico. Non solo nello spirito, ma anche nell'apparenza. Vediamo museruole di leone, giganti con serpenti che si contorcono al posto delle gambe, mostri, come generati da un'accesa immaginazione dall'orrore risvegliato dell'ignoto.

Ai primi cristiani l'altare di Pergamo sembrava essere “il trono di Satana”!..

Nella realizzazione del fregio furono coinvolti artigiani asiatici, ancora soggetti alle visioni, ai sogni e alle paure dell'Antico Oriente? O gli stessi maestri greci li hanno imbevuti su questa terra? Quest'ultima ipotesi sembra più probabile.

E questo è l'intreccio dell'ideale ellenico di una forma armoniosa perfetta, che trasmette il mondo visibile nella sua maestosa bellezza, l'ideale di una persona che si è realizzata come corona della natura, con una visione del mondo completamente diversa, che riconosciamo sia in i dipinti delle grotte paleolitiche, che imprimono per sempre la formidabile forza rialzista, e nei volti non rivelati degli idoli di pietra della Mesopotamia, e nelle placche "animali" sciti, trovano, forse per la prima volta, un'incarnazione così integrale e organica nel tragico immagini dell'altare di Pergamo.

Queste immagini non consolano, come le immagini del Partenone, ma nei secoli successivi il loro inquieto pathos sarà in sintonia con molte delle più alte opere d'arte.

Entro la fine del I sec AVANTI CRISTO. Roma afferma il suo dominio nel mondo ellenistico. Ma è difficile designare, anche condizionalmente, l'ultimo aspetto dell'ellenismo. In ogni caso, nel suo impatto sulla cultura di altri popoli. Roma adottò a suo modo la cultura dell'Ellade, essa stessa si rivelò ellenizzata. Lo splendore dell'Ellade non svanì né sotto il dominio romano né dopo la caduta di Roma.

Nel campo dell'arte per il Medio Oriente, in particolare per Bisanzio, l'eredità dell'antichità era in gran parte greca, non romana. Ma non è tutto. Lo spirito dell'Hellas risplende nell'antica pittura russa. E questo spirito illumina il grande Rinascimento in Occidente.

SCULTURA ROMANA

Senza le fondamenta poste dalla Grecia e da Roma, non ci sarebbe l'Europa moderna.

Sia i greci che i romani avevano la loro vocazione storica: si completavano a vicenda e la fondazione dell'Europa moderna è la loro causa comune.

Il patrimonio artistico di Roma ha significato molto nella fondazione culturale dell'Europa. Inoltre, questa eredità fu quasi decisiva per l'arte europea.

... Nella Grecia conquistata, i romani si comportarono dapprima come barbari. In una sua satira, Giovenale ci mostra un rude soldato romano di quei tempi, «che non sapeva apprezzare l'arte dei Greci», che «come al solito» spezzò «tazze fatte da artisti gloriosi» in piccoli pezzi per decorare il suo scudo o conchiglia con loro.

E quando i romani seppero del valore delle opere d'arte, la distruzione fu sostituita da una rapina - all'ingrosso, a quanto pare, senza alcuna selezione. Dall'Epiro in Grecia, i Romani presero cinquecento statue, e dopo aver rotto gli Etruschi prima ancora, duemila da Vei. È improbabile che tutti questi fossero capolavori.

È generalmente accettato che la caduta di Corinto nel 146 aC. finisce il periodo greco della storia antica. Questa fiorente città sulle rive dello Ionio, uno dei principali centri della cultura greca, fu rasa al suolo dai soldati del console romano Mummio. Dai palazzi e dai templi bruciati, le navi consolari estrassero innumerevoli tesori artistici, tanto che, come scrive Plinio, letteralmente l'intera Roma si riempì di statue.

I romani non solo portarono un gran numero di statue greche (inoltre, portarono anche obelischi egizi), ma copiarono originali greci su scala più ampia. E solo per questo, dovremmo essere loro grati. Quale fu, tuttavia, l'effettivo contributo romano all'arte della scultura? Intorno al tronco della colonna Traiana, eretta all'inizio del II secolo aC. AVANTI CRISTO e. sul foro di Traiano, sopra la stessa tomba di questo imperatore, un rilievo si snoda come un ampio nastro, glorificando le sue vittorie sui Daci, il cui regno (l'attuale Romania) fu infine conquistato dai Romani. Gli artisti che realizzarono questo rilievo erano senza dubbio non solo talentuosi, ma anche molto esperti delle tecniche dei maestri ellenisti. Eppure è un'opera tipica romana.

Davanti a noi c'è il più dettagliato e coscienzioso narrazione. È una narrazione, non un'immagine generalizzata. Nel rilievo greco, la storia di eventi reali era presentata allegoricamente, solitamente intrecciata con la mitologia. Nel rilievo romano, dell'epoca della repubblica, si vede chiaramente la volontà di essere il più precisi possibile, più specificamente trasmettere il corso degli eventi nella sua sequenza logica, insieme ai tratti caratteristici delle persone coinvolte. Nel rilievo della Colonna Traiana vediamo accampamenti romani e barbari, preparativi per una campagna, assalti alle fortezze, valichi, battaglie spietate. Tutto sembra essere davvero molto accurato: i tipi di guerrieri romani e Daci, le loro armi e vestiti, il tipo di fortificazioni - quindi questo rilievo può servire come una sorta di enciclopedia scultorea della vita militare di allora. Per la sua idea generale, l'intera composizione, piuttosto, ricorda le narrazioni in rilievo delle imprese abusive dei re assiri già a noi note, ma con minore potenza pittorica, sebbene con una migliore conoscenza dell'anatomia e dai greci, la capacità di disporre liberamente le figure nello spazio. Il bassorilievo, senza identificazione plastica delle figure, potrebbe essere stato ispirato da dipinti non sopravvissuti. Le immagini dello stesso Traiano si ripetono almeno novanta volte, i volti dei soldati sono estremamente espressivi.

Sono queste stesse concretezza ed espressività che costituiscono il tratto distintivo di tutta la ritrattistica romana, in cui, forse, si manifestava più chiaramente l'originalità del genio artistico romano.

La quota prettamente romana, inclusa nel tesoro della cultura mondiale, è perfettamente definita (proprio in connessione con il ritratto romano) dal più grande conoscitore di arte antica O.F. Waldhauer: “...Roma esiste come individuo; Roma è in quelle forme rigorose in cui le immagini antiche furono ravvivate sotto il suo dominio; Roma è in quel grande organismo che ha diffuso i semi della cultura antica, dando loro l'opportunità di fertilizzare nuovi popoli ancora barbari, e, infine, Roma è nel creare un mondo civile sulla base di elementi culturali ellenici e, modificandoli, in secondo nuovi incarichi, solo Roma e potrebbe creare... una grande epoca della scultura ritrattistica...».

Il ritratto romano ha uno sfondo complesso. È evidente il suo legame con il ritratto etrusco, oltre che con quello ellenistico. Anche la radice romana è abbastanza chiara: i primi ritratti romani in marmo o bronzo erano solo la riproduzione esatta di una maschera di cera prelevata dal volto del defunto. Non è ancora arte nel senso comune.

In epoche successive, l'accuratezza è stata preservata nel cuore del ritratto artistico romano. Precisione ispirata da ispirazione creativa e notevole maestria. L'eredità dell'arte greca qui, ovviamente, ha giocato un ruolo. Ma si può dire senza esagerare: l'arte di un ritratto brillantemente individualizzato, portato alla perfezione, esponendo completamente il mondo interiore di una determinata persona, è, in sostanza, un'impresa romana. In ogni caso, in termini di portata della creatività, in termini di forza e profondità della penetrazione psicologica.

In un ritratto romano, lo spirito dell'antica Roma ci si rivela in tutti i suoi aspetti e contraddizioni. Un ritratto romano è, per così dire, la storia stessa di Roma, raccontata nei volti, la storia della sua ascesa senza precedenti e della sua tragica morte: "L'intera storia della caduta romana è espressa qui da sopracciglia, fronti, labbra" (Herzen) .

Tra gli imperatori romani c'erano personalità nobili, i più grandi statisti, c'erano anche persone avide e ambiziose, c'erano mostri, despoti,

impazziti per il potere illimitato, e nella coscienza che tutto è loro permesso, versando un mare di sangue, erano cupi tiranni che, con l'assassinio del loro predecessore, raggiunsero il grado più alto e quindi distrussero tutti coloro che li ispiravano il minimo sospetto. Come abbiamo visto, la morale nata dall'autocrazia divinizzata spingeva talvolta anche i più illuminati alle azioni più crudeli.

Durante il periodo di massima potenza dell'impero, un sistema schiavista strettamente organizzato, in cui la vita di uno schiavo non veniva riposta nel nulla e veniva trattato come un bestiame da lavoro, lasciò il segno nella moralità e nella vita non solo degli imperatori e nobili, ma anche semplici cittadini. E nello stesso tempo, incoraggiato dal pathos della statualità, aumentò il desiderio di snellire la vita sociale nell'intero impero alla maniera romana, con la piena fiducia che non poteva esserci sistema più stabile e benefico. Ma questa fiducia si è rivelata insostenibile.

Guerre continue, lotte intestine, sommosse provinciali, la fuga degli schiavi, la coscienza della mancanza di diritti ogni secolo minano sempre più le fondamenta del "mondo romano". Le province conquistate manifestarono la loro volontà in maniera sempre più decisa. E alla fine hanno minato il potere unificante di Roma. Le province distrussero Roma; Roma stessa si trasformò in una città di provincia, simile alle altre, privilegiata, ma non più dominante, cessando di essere il centro di un impero mondiale ... Lo stato romano si trasformò in una gigantesca macchina complessa esclusivamente per succhiare i succhi dei suoi sudditi.

Nuove tendenze provenienti dall'Oriente, nuovi ideali, la ricerca di una nuova verità hanno dato vita a nuove convinzioni. Stava arrivando il declino di Roma, il declino del mondo antico con la sua ideologia e struttura sociale.

Tutto questo si riflette nella scultura del ritratto romano.

Ai tempi della repubblica, quando i costumi erano più severi e più semplici, l'accuratezza documentaria dell'immagine, il cosiddetto "verismo" (dalla parola verus - vero), non era ancora bilanciata dall'influenza nobilitante greca. Questa influenza si manifestò in età augustea, talvolta anche a scapito della veridicità.

La famosa statua a figura intera di Augusto, dove è rappresentato in tutto lo splendore del potere imperiale e della gloria militare (una statua proveniente da Prima Porto, Roma, Vaticano), nonché la sua immagine a forma di Giove stesso (l'Eremo ), ovviamente, ritratti cerimoniali idealizzati che equiparano il signore terreno ai celesti. Eppure mostrano i tratti individuali di Augusto, il relativo equilibrio e l'indubbio significato della sua personalità.

Vengono idealizzati anche numerosi ritratti del suo successore, Tiberio.

Diamo un'occhiata al ritratto scultoreo di Tiberio nella sua giovinezza (Copenaghen, Gliptoteca). Immagine nobilitata. E allo stesso tempo, ovviamente, individuale. Qualcosa di antipatico, odiosamente chiuso fa capolino attraverso i suoi lineamenti. Forse, posta in altre condizioni, questa persona esteriormente avrebbe vissuto la sua vita in modo abbastanza decente. Ma paura eterna e potere illimitato. E ci sembra che l'artista abbia catturato nella sua immagine qualcosa che nemmeno il perspicace Augusto ha riconosciuto, nominando Tiberio come suo successore.

Ma nonostante tutta la sua nobile moderazione, il ritratto del successore di Tiberio, Caligola (Copenaghen, Glyptothek), un assassino e torturatore, che alla fine fu pugnalato a morte dai suoi più stretti collaboratori, è già completamente rivelatore. Il suo sguardo è inquietante e senti che non può esserci pietà da questo giovanissimo sovrano (ha concluso la sua terribile vita all'età di ventinove anni) con le labbra serrate, che amava ricordare che può fare qualsiasi cosa: e con chiunque. Crediamo, guardando il ritratto di Caligola, tutte le storie sulle sue innumerevoli atrocità. “Ha costretto i padri a essere presenti all'esecuzione dei loro figli”, scrive Svetonio, “ha mandato una barella per uno di loro quando ha cercato di evadere per problemi di salute; subito dopo lo spettacolo dell'esecuzione ne invitò un altro a tavola e con ogni sorta di cortesie lo costrinse a scherzare ea divertirsi. E un altro storico romano, Dione, aggiunge che quando il padre di uno dei giustiziati "ha chiesto se poteva almeno chiudere gli occhi, ha ordinato che il padre fosse ucciso". E anche da Svetonio: “Quando il prezzo del bestiame, che era ingrassato da bestie feroci per gli spettacoli, salì, ordinò che fosse gettato in balia dei malfattori; e, girando per questo per il carcere, non guardò chi era da biasimare per cosa, ma ordinò direttamente, stando alla porta, di portare via tutti…”. Sinistro nella sua crudeltà è il volto basso di fronte di Nerone, il più famoso dei mostri incoronati dell'Antica Roma (marmo, Roma, Museo Nazionale).

Lo stile del ritratto scultoreo romano cambiò insieme all'atteggiamento generale dell'epoca. La veridicità documentaria, la grandiosità, il raggiungimento della divinizzazione, il realismo più acuto, la profondità della penetrazione psicologica prevalevano alternativamente in lui e si completavano a vicenda. Ma mentre l'idea romana era viva, la potenza pittorica non si esauriva in lui.

L'imperatore Adriano meritava la gloria di un saggio sovrano; è noto che fu un illuminato conoscitore d'arte, un ardente ammiratore dell'eredità classica dell'Ellade. I suoi lineamenti scolpiti nel marmo, il suo sguardo pensieroso, insieme a un lieve tocco di tristezza, completano la nostra idea di lui, così come i suoi ritratti completano la nostra idea di Caracalla, cogliendo davvero la quintessenza della crudeltà bestiale, la più sfrenata, potere violento. Ma il vero “filosofo in trono”, pensatore pieno di nobiltà spirituale, è Marco Aurelio, che nei suoi scritti predicava lo stoicismo, la rinuncia ai beni terreni.

Immagini davvero indimenticabili nella loro espressività!

Ma il ritratto romano resuscita davanti a noi non solo le immagini degli imperatori.

Sostiamo all'Eremo davanti al ritratto di un ignoto romano, eseguito probabilmente alla fine del I secolo. Questo è un capolavoro indubbio, in cui l'accuratezza romana dell'immagine si combina con l'artigianato tradizionale ellenico, l'immagine documentaria - con la spiritualità interiore. Non sappiamo chi sia l'autore del ritratto - un greco che ha dato il suo talento a Roma con la sua visione del mondo e i suoi gusti, un artista romano o altro, un soggetto imperiale ispirato ai modelli greci, ma saldamente radicato nel suolo romano - come gli autori sono sconosciuti (nella maggior parte, probabilmente, schiavi) e altre meravigliose sculture realizzate in epoca romana.

Questa immagine raffigura un uomo già anziano che ha visto molto nella sua vita e ha vissuto molto, in cui si intuisce una sorta di sofferenza dolorosa, forse da pensieri profondi. L'immagine è così reale, veritiera, strappata così tenacemente dal fitto dell'umano e così abilmente rivelata nella sua essenza che ci sembra di aver incontrato questo romano, di conoscerlo bene, è quasi esattamente così - anche se il nostro confronto è inaspettato - come sappiamo, ad esempio, gli eroi dei romanzi di Tolstoj.

E la stessa persuasività in un altro noto capolavoro dell'Ermitage, il ritratto marmoreo di una giovane donna, convenzionalmente chiamata "siriana" per il tipo del suo viso.

Siamo già nella seconda metà del II secolo: la donna raffigurata è contemporanea dell'imperatore Marco Aurelio.

Sappiamo che questa fu un'epoca di rivalutazione dei valori, accresciute influenze orientali, nuovi stati d'animo romantici, misticismo maturo, che prefiguravano la crisi dell'orgoglio delle grandi potenze romane. “Il tempo della vita umana è un momento”, scriveva Marco Aurelio, “la sua essenza è un flusso eterno; sentirsi vago; la struttura di tutto il corpo è deperibile; l'anima è instabile; il destino è misterioso; la gloria è inaffidabile.

La contemplazione malinconica, caratteristica di molti ritratti di questo tempo, respira l'immagine della "donna siriana". Ma il suo pensieroso sognare ad occhi aperti - lo sentiamo - è profondamente individuale, e ancora una volta lei stessa ci sembra familiare da molto tempo, quasi anche cara, così lo scalpello vitale dello scultore con un'opera sofisticata estratta dal marmo bianco con una leggera sfumatura bluastra la sua incantevole e caratteristiche spiritualizzate.

Ed ecco di nuovo l'imperatore, ma un imperatore speciale: Filippo l'Arabo, venuto alla ribalta nel bel mezzo della crisi del 3° secolo. - sanguinosa "cavalletta imperiale" - dai ranghi della legione provinciale. Questo è il suo ritratto ufficiale. La severità dell'immagine del soldato è tanto più significativa: quello fu il momento in cui, nel tumulto generale, l'esercito divenne una roccaforte del potere imperiale.

Sopracciglia corrugate. Uno sguardo minaccioso, diffidente. Naso grosso e carnoso. Rughe profonde delle guance, che formano, per così dire, un triangolo con una linea orizzontale affilata di labbra spesse. Un collo potente e sul petto - un'ampia piega trasversale di una toga, che infine conferisce all'intero busto di marmo una massiccia imponenza, forza laconica e integrità davvero granitiche.

Ecco cosa scrive Waldgauer di questo meraviglioso ritratto, custodito anche nel nostro Hermitage: “La tecnica è semplificata all'estremo ... I lineamenti del viso sono elaborati da linee profonde, quasi ruvide, con un completo rifiuto della modellazione dettagliata della superficie. La personalità, in quanto tale, si caratterizza senza pietà con l'evidenziazione delle caratteristiche più importanti.

Un nuovo stile, un'espressività monumentale raggiunta in un modo nuovo. Non è forse l'influenza della cosiddetta periferia barbarica dell'impero, che sempre più penetra nelle province divenute rivali di Roma?

Nello stile generale del busto di Filippo l'Arabo, Waldhauer riconosce caratteristiche che saranno pienamente sviluppate nei ritratti scultorei medievali delle cattedrali francesi e tedesche.

L'antica Roma divenne famosa per gesta di alto profilo, realizzazioni che sorpresero il mondo, ma il suo declino fu cupo e doloroso.

Un'intera epoca storica è giunta al termine. Il sistema obsoleto doveva cedere il passo a uno nuovo, più avanzato; società schiavista - per rinascere in una società feudale.

Nel 313, il cristianesimo a lungo perseguitato fu riconosciuto nell'impero romano come religione di stato, che alla fine del 4° secolo. divenne dominante in tutto l'Impero Romano.

Il cristianesimo, con la sua predicazione dell'umiltà, dell'ascesi, con il suo sogno del paradiso non in terra, ma in cielo, creò una nuova mitologia, i cui eroi, gli asceti della nuova fede, che accettarono per essa la corona del martire, presero il luogo che un tempo apparteneva agli dei e alle dee, personificando il principio di affermazione della vita amore terreno e gioia terrena. Si diffuse gradualmente, e quindi, ancor prima del suo trionfo legalizzato, la dottrina cristiana e i sentimenti pubblici che la preparavano minano radicalmente l'ideale di bellezza che un tempo brillava di piena luce sull'Acropoli ateniese e che era stato accolto e approvato da Roma in tutto il mondo soggetto ad esso.

La Chiesa cristiana ha cercato di rivestire in una forma concreta di incrollabili credenze religiose una nuova visione del mondo, in cui l'Oriente, con i suoi timori per le forze irrisolte della natura, l'eterna lotta con la Bestia, risuonava con l'indigenza dell'intero mondo antico. E sebbene l'élite dominante di questo mondo sperasse di saldare il decrepito potere romano con una nuova religione universale, la visione del mondo, nata dal bisogno di trasformazione sociale, scosse l'unità dell'impero insieme a quell'antica cultura da cui sorse lo stato romano.

Il crepuscolo del mondo antico, il crepuscolo della grande arte antica. Maestosi palazzi, fori, terme e archi di trionfo sono ancora in costruzione in tutto l'impero, secondo gli antichi canoni, ma queste sono solo ripetizioni di quanto realizzato nei secoli precedenti.

La testa colossale - circa un metro e mezzo - della statua dell'imperatore Costantino, che nel 330 trasferì la capitale dell'impero a Bisanzio, divenuta Costantinopoli - la "Seconda Roma" (Roma, Palazzo dei Conservatori). Il viso è costruito correttamente, armoniosamente, secondo i modelli greci. Ma la cosa principale in questo viso sono gli occhi: sembra che se li chiudessi, non ci sarebbe il viso stesso ... Il fatto che nei ritratti del Fayum o nel ritratto pompeiano di una giovane donna conferisse all'immagine un'espressione ispirata, qui è portata all'estremo, esausta l'intera immagine. L'antico equilibrio tra spirito e corpo è palesemente violato a favore del primo. Non un volto umano vivente, ma un simbolo. Un simbolo di potere, impresso nello sguardo, potere che soggioga tutto ciò che è terreno, impassibile, irremovibile e inaccessibile. No, anche se le caratteristiche del ritratto sono conservate nell'immagine dell'imperatore, questa non è più una scultura ritratto.

L'arco di trionfo dell'imperatore Costantino a Roma è impressionante. La sua composizione architettonica è rigorosamente sostenuta nello stile classico romano. Ma nella narrativa in rilievo che glorifica l'imperatore, questo stile scompare quasi senza lasciare traccia. Il rilievo è così basso che le piccole figure sembrano piatte, non scolpite, ma graffiate. Si allineano monotoni, aggrappandosi l'uno all'altro. Li guardiamo con stupore: questo è un mondo completamente diverso dal mondo dell'Ellade e di Roma. Nessun risveglio - e la frontalità apparentemente superata per sempre è resuscitata!

Una statua di porfido dei co-reggenti imperiali - i tetrarchi, che a quel tempo governavano parti separate dell'impero. Questo gruppo scultoreo segna sia la fine che l'inizio.

Il fine - perché viene definitivamente eliminato l'ideale ellenico di bellezza, morbida rotondità delle forme, armonia della figura umana, eleganza della composizione, morbidezza del modellamento. La rudezza e la semplificazione che davano particolare espressività al ritratto dell'Eremo di Filippo l'Arabo divennero qui, per così dire, fine a se stesso. Teste quasi cubiche, goffamente scolpite. Non c'è nemmeno un accenno di ritrattistica, come se l'individualità umana fosse già indegna dell'immagine.

Nel 395, l'Impero Romano si sciolse in quello occidentale - latino e orientale - greco. Nel 476 l'Impero Romano d'Occidente cadde sotto i colpi dei tedeschi. È iniziata una nuova era storica, chiamata Medioevo.

Si è aperta una nuova pagina nella storia dell'arte.

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Le antiche sculture della Grecia, insieme ai templi, ai poemi di Omero, alle tragedie dei drammaturghi e dei comici ateniesi, resero grande la cultura degli Elleni. Ma la storia dell'arte plastica in Grecia non è stata statica, ma ha attraversato diverse fasi di sviluppo.

Scultura Antica Grecia arcaica

Nel Medioevo, i greci realizzavano immagini iconiche degli dei dal legno. Erano chiamati xoan. È noto su di loro dagli scritti di scrittori antichi, campioni di Xoan non sono stati conservati.

Oltre a loro, nei secoli XII-VIII, i Greci realizzarono figurine primitive in terracotta, bronzo o avorio. La scultura monumentale apparve in Grecia all'inizio del VII secolo. Le statue che servivano per decorare i fregi e i frontoni degli antichi templi sono in pietra. Le singole sculture erano fatte di bronzo.

Sono state trovate le prime sculture dell'arcaico dell'antica Grecia Creta. Il loro materiale è il calcare e nelle figure si sente l'influenza dell'Oriente. Ma una statua di bronzo appartiene a questa regione" crioforo”, raffigurante un giovane con un ariete sulle spalle.

Scultura arcaica dell'antica Grecia

Esistono due tipi principali di statue dell'era arcaica: kouros e cortecce. Kouros (tradotto dal greco come "giovinezza") era un giovane nudo in piedi. Una gamba della statua si mosse in avanti. Gli angoli delle labbra dei kouros erano spesso leggermente rialzati. Questo ha creato il cosiddetto "sorriso arcaico".

Bark (tradotto dal greco come “vergine”, “ragazza”) è una scultura femminile. L'antica Grecia dell'VIII-VI secolo ha lasciato immagini di kor in lunghi chitoni. I maestri di Argo, Sikyon, le Cicladi preferivano fare kouros. Scultori di Ionia e Atene - Kor. I Kouros non erano ritratti di persone specifiche, ma rappresentavano un'immagine generalizzata.

Scultura femminile dell'antica Grecia

L'architettura e la scultura dell'antica Grecia iniziarono ad interagire nell'era arcaica. All'inizio del VI secolo ad Atene c'era un tempio di Ekatompedon. Il frontone dell'edificio di culto era decorato con immagini del duello tra Ercole e Tritone.

Trovato sull'Acropoli di Atene Statua di Moschofor(di un uomo che porta un vitello) di marmo. Fu completato intorno al 570. L'iscrizione dedicatoria dice che si tratta di un dono agli dei dell'ateniese Ronba. Un'altra statua ateniese - kouros sulla tomba del guerriero ateniese Kroisos. L'iscrizione sotto la statua dice che fu eretta in memoria di un giovane guerriero morto in prima linea.

Kouros, Antica Grecia

epoca classica

All'inizio del V secolo, il realismo delle figure cresce nell'arte plastica greca. I maestri riproducono accuratamente le proporzioni del corpo umano e la sua anatomia. Le sculture raffigurano una persona in movimento. I successori degli ex kouros - statue degli atleti.

Le sculture della prima metà del V secolo sono talvolta indicate come lo stile "severo". L'esempio più eclatante del lavoro di questo tempo - Sculture nel Tempio di Zeus ad Olimpia. Le figure sono più realistiche dei kouros dell'arcaico. Gli scultori hanno cercato di rappresentare le emozioni sui volti delle figure.

Architettura e scultura dell'antica Grecia

Le sculture in stile austero raffigurano persone in pose più rilassate. Ciò avveniva per "contrposta", quando il corpo è leggermente girato di lato, e il suo peso poggia su una gamba. La testa della statua era leggermente girata, in contrasto con i kuros che guardavano avanti. Un esempio di tale statua è Ragazzo Crizia". Gli abiti delle figure femminili nella prima metà del V secolo sono resi più semplici rispetto ai complessi abiti dei kors dell'era arcaica.

La seconda metà del V secolo è chiamata l'era degli Alti Classici per la scultura. In quest'epoca plastica e architettura continuarono a interagire. Le sculture dell'antica Grecia adornano i templi costruiti nel V secolo.

In questo momento, un maestoso Tempio del Partenone, per la cui decorazione furono utilizzate decine di statue. Fidia, quando creò le sculture del Partenone, abbandonò le antiche tradizioni. I corpi umani sui gruppi scultorei del tempio di Atena sono più perfetti, i volti delle persone sono più impassibili, gli abiti sono raffigurati più realistici. I maestri del V secolo prestarono la massima attenzione alle figure, ma non alle emozioni degli eroi delle sculture.

Doriforo, Antica Grecia

Nel 440, il maestro Argivo Polikle Ha scritto un trattato in cui ha delineato i suoi principi estetici. Ha descritto la legge digitale delle proporzioni ideali del corpo umano. Una specie di illustrazione era la statua " Doriforo"("Lanciere").

Sculture dell'antica Grecia

Nella scultura del IV secolo si svilupparono antiche tradizioni e ne furono create di nuove. Le statue sono diventate più naturalistiche. Gli scultori hanno cercato di rappresentare l'umore e le emozioni sui volti delle figure. Alcune statue potrebbero fungere da personificazioni di concetti o emozioni. Esempio, statua della dea La pace di Eirena. Lo scultore Kefisodot lo creò per lo stato ateniese nel 374 poco dopo la conclusione di un'altra pace con Sparta.

In precedenza, i maestri non raffiguravano le dee nude. Il primo a farlo fu lo scultore del IV secolo Prassitele, che creò la statua " Afrodite di Cnido". L'opera di Prassitele perì, ma le sue successive copie e immagini su monete sono state conservate. Per spiegare la nudità della dea, lo scultore disse di averla raffigurata mentre faceva il bagno.

Nel IV secolo lavorarono tre scultori, le cui opere furono riconosciute come le più grandi - Prassitele, Scopa e Lisippo. Al nome di Scopas, originario dell'isola di Paro, l'antica tradizione associava l'immagine sui volti delle figure di vissuti emotivi. Lisippo era originario della città di Sicione, nel Peloponneso, ma visse per molti anni in Macedonia. Fu amico di Alessandro Magno e realizzò i suoi ritratti scultorei. Lisippo ridusse la testa e il busto delle figure rispetto alle gambe e alle braccia. Grazie a ciò, le sue statue erano più elastiche e flessibili. Lisippo dipinse in modo naturalistico gli occhi e i capelli delle statue.

Le sculture dell'antica Grecia, i cui nomi sono conosciuti in tutto il mondo, appartengono all'epoca classica ed ellenistica. La maggior parte di loro è morta, ma le loro copie, create nell'era dell'Impero Romano, sono sopravvissute.

Sculture dell'antica Grecia: nomi in epoca ellenistica

Nell'era dell'ellenismo si sviluppa l'immagine delle emozioni e degli stati umani: vecchiaia, sonno, ansia, ebbrezza. Il tema della scultura può anche essere la bruttezza. Apparvero statue di lottatori stanchi, giganti furiosi, vecchi decrepiti. Allo stesso tempo, si sviluppò il genere del ritratto scultoreo. Il nuovo tipo era "ritratto di un filosofo".

Le statue furono realizzate per ordine dei cittadini delle città-stato greche e dei re ellenisti. Potrebbero avere funzioni religiose o politiche. Già nel IV secolo i Greci veneravano con l'aiuto delle sculture dei loro comandanti. Le fonti conservano riferimenti alle statue che gli abitanti delle città eressero in onore del comandante spartano, il vincitore Atene Lysandra. Successivamente, gli ateniesi e i cittadini di altre politiche eressero figure di strateghi Konon, Khabria e Timothy in onore delle loro vittorie militari. In epoca ellenistica, il numero di tali statue aumentò.

Una delle opere più famose dell'era ellenistica - Nike di Samotracia. La sua creazione risale al II secolo a.C. La statua, come suggeriscono i ricercatori, glorificava una delle vittorie navali dei re di Macedonia. In una certa misura, in epoca ellenistica, la scultura dell'antica Grecia è una presentazione del potere e dell'influenza dei sovrani.

Scultura dell'antica Grecia: foto

Tra i monumentali gruppi scultorei dell'ellenismo si possono ricordare Scuola di Pergamo. Nel III e II secolo aC. i Re di questo stato fecero lunghe guerre contro le tribù dei Galati. Intorno al 180 a.C. a Pergamo fu completato l'altare di Zeus. La vittoria sui barbari è stata presentata lì allegoricamente sotto forma di un gruppo scultoreo di divinità e giganti dell'Olimpo in lotta.

Le antiche sculture della Grecia sono state create per scopi diversi. Ma, sin dal Rinascimento, hanno attratto le persone con la loro bellezza e realismo.

Sculture dell'antica Grecia: presentazione

1.1 La scultura nell'antica Grecia. Prerequisiti per il suo sviluppo

Tra tutte le arti visive delle antiche civiltà, l'arte dell'antica Grecia, in particolare la sua scultura, occupa un posto del tutto speciale. Il corpo vivo, capace di qualsiasi lavoro muscolare, mettevano soprattutto i Greci. La mancanza di vestiti non ha scioccato nessuno. Tutto veniva trattato troppo semplicemente per vergognarsi di qualcosa. E allo stesso tempo, ovviamente, la castità non ha perso da questo.

1.2 Scultura della Grecia in epoca arcaica

Il periodo arcaico è il periodo di formazione della scultura greca antica. Il desiderio dello scultore di trasmettere la bellezza del corpo umano ideale, che si manifestava pienamente nelle opere di un'epoca successiva, è già chiaro, ma era ancora troppo difficile per l'artista allontanarsi dalla forma di un blocco di pietra , e le cifre di questo periodo sono sempre statiche.

I primi monumenti della scultura greca antica di epoca arcaica sono determinati dallo stile geometrico (VIII secolo). Queste sono figurine schematiche trovate ad Atene, Olimpia , in Beozia. L'era arcaica della scultura greca antica cade tra il VII e il VI secolo. (primo arcaico - circa 650 - 580 aC; alto - 580 - 530; tardi - 530 - 500/480). L'inizio della scultura monumentale in Grecia risale alla metà del VII secolo. AVANTI CRISTO e. ed è caratterizzato da orientalizzante stili, di cui il più importante era Dedalian, associato al nome dello scultore semi-mitico Dedalo . Il cerchio della scultura "Dedaliana" comprende una statua di Artemide di Delo e una statua femminile di opera cretese, conservata al Louvre ("Lady of Oxer"). La metà del VII sec AVANTI CRISTO e. datato e il primo kuros . Allo stesso periodo risale la prima decorazione scultorea del tempio. - rilievi e statue da Prinia a Creta. In futuro, la decorazione scultorea riempirà i campi assegnati nel tempio dal suo stesso design: i frontoni e metope in Tempio dorico, fregio continuo (zoforo) - in ionico. Le prime composizioni di frontoni nell'antica scultura greca provengono dall'Acropoli ateniese. e dal Tempio di Artemide sull'isola di Kerkyra (Corfù). Lapide, dedica e statue di culto sono rappresentate in arcaico dal tipo di kouros e corteccia . Rilievi arcaici adornano le basi di statue, frontoni e metope di templi (successivamente la scultura rotonda sostituì i rilievi nei frontoni), stele tombali . Tra i famosi monumenti della scultura rotonda arcaica c'è la testa di Era, trovata vicino al suo tempio ad Olimpia, la statua di Cleobis e Beaton da Delph, Moskhofor ("Toro") dall'Acropoli ateniese, Era di Samo , statue di Didyma, Nikka Arherma e altri L'ultima statua mostra uno schema arcaico della cosiddetta "corsa in ginocchio", usata per raffigurare una figura che vola o corre. Nella scultura arcaica vengono adottate numerose altre convenzioni, ad esempio il cosiddetto "sorriso arcaico" sui volti delle sculture arcaiche.

La scultura dell'era arcaica è dominata da statue di giovani snelli nudi e ragazze drappeggiate - kouros e corteccia. Né l'infanzia né la vecchiaia hanno quindi attirato l'attenzione degli artisti, perché solo nella giovinezza matura le forze vitali sono nel loro apice ed equilibrio. La prima arte greca crea immagini di uomini e donne nella loro forma ideale. In quell'epoca gli orizzonti spirituali si espandevano straordinariamente, una persona, per così dire, si sentiva faccia a faccia con l'universo e voleva comprenderne l'armonia, il segreto della sua integrità. I dettagli sfuggiti, le idee sul "meccanismo" specifico dell'universo erano le più fantastiche, ma il pathos dell'insieme, la coscienza dell'interconnessione universale - questo era ciò che costituiva la forza della filosofia, della poesia e dell'arte della Grecia arcaica *. Proprio come la filosofia, allora ancora vicina alla poesia, indovinava abilmente i principi generali dello sviluppo e la poesia - l'essenza delle passioni umane, l'arte creava un aspetto umano generalizzato. Diamo un'occhiata ai kouros, o, come talvolta vengono chiamati, gli "Apolli arcaici". Poco importa se l'artista intendesse veramente ritrarre Apollo, o un eroe, o un atleta: l'uomo è giovane, nudo, e la sua casta nudità non ha bisogno di timide coperture. Sta sempre dritto, il suo corpo è permeato di prontezza a muoversi. La costruzione del corpo è mostrata ed enfatizzata con la massima chiarezza; è subito chiaro che gambe lunghe e muscolose possono piegarsi alle ginocchia e correre, i muscoli addominali possono irrigidirsi, il petto può gonfiarsi respirando profondamente. Il volto non esprime alcuna esperienza specifica o tratti caratteriali individuali, ma in esso si nascondono le possibilità delle varie esperienze. E il "sorriso" condizionale - angoli leggermente rialzati della bocca - è solo la possibilità di un sorriso, un accenno alla gioia di essere, inerente a questo, come una persona appena creata.

Le statue di Kouros sono state realizzate principalmente nelle zone dove dominava lo stile dorico, cioè nel territorio della Grecia continentale; statue femminili - kora - principalmente in Asia Minore e città insulari, centri di stile ionico. Belle figure femminili sono state rinvenute durante gli scavi dell'arcaica Acropoli ateniese, costruita nel VI secolo a.C. e., quando Pisistrato vi governò e fu distrutto durante la guerra con i Persiani. Per venticinque secoli croste di marmo furono seppellite nella "spazzatura persiana"; alla fine furono portati fuori di lì, semidistrutti, ma non avendo perso il loro straordinario fascino. Forse alcuni di essi furono eseguiti da maestri ionici invitati da Peisistratus ad Atene; la loro arte ha influenzato la scultura attica, che ora combina i tratti dell'austerità dorica con la grazia ionica. Nella corteccia dell'Acropoli ateniese, l'ideale della femminilità si esprime nella sua purezza incontaminata. Il sorriso è luminoso, lo sguardo fiducioso e, per così dire, gioiosamente stupito dallo spettacolo del mondo, la figura è castamente drappeggiata con un peplo - un velo, o una veste leggera - un chitone (in epoca arcaica, le figure, a differenza di quelle maschili, non erano ancora raffigurate nude), i capelli fluenti sulle spalle con ciocche ricci. Queste kora stavano su piedistalli davanti al tempio di Atena, tenendo in mano una mela o un fiore.

Le sculture arcaiche (così come quelle classiche, tra l'altro) non erano così uniformemente bianche come le immaginiamo ora. Molti hanno tracce di vernice. I capelli delle ragazze di marmo erano dorati, le loro guance rosa, i loro occhi azzurri. Sullo sfondo del cielo senza nuvole dell'Hellas, tutto ciò avrebbe dovuto sembrare molto festoso, ma allo stesso tempo severo, grazie alla chiarezza, alla compostezza e alla costruttività delle forme e delle sagome. Non c'era eccessiva sfarzo e variegatura. La ricerca dei fondamenti razionali della bellezza, dell'armonia basata sulla misura e sul numero, è un momento molto importante nell'estetica dei Greci. I filosofi pitagorici cercarono di cogliere i rapporti numerici naturali nelle consonanze musicali e nella disposizione dei corpi celesti, credendo che l'armonia musicale corrisponda alla natura delle cose, all'ordine cosmico, "l'armonia delle sfere". Gli artisti cercavano proporzioni matematicamente corrette del corpo umano e del "corpo" dell'architettura.In questo, l'arte greca primitiva è fondamentalmente diversa dall'arte cretese-micenea, che è estranea a qualsiasi matematica.

Scena di genere molto vivace: Così, nell'era arcaica, furono gettate le basi dell'antica scultura greca, le direzioni e le opzioni per il suo sviluppo. Già allora erano chiari gli obiettivi principali della scultura, gli ideali estetici e le aspirazioni degli antichi greci. In epoche successive avviene lo sviluppo e il perfezionamento di questi ideali e dell'abilità degli antichi scultori.

1.3 Scultura greca classica

Il periodo classico della scultura greca antica cade tra il V e il IV secolo a.C. (primo stile classico o "rigoroso" - 500/490 - 460/450 a.C.; alto - 450 - 430/420 a.C.; "stile ricco" - 420 - 400/390 a.C., tardo classico - 400/390 - OK. 320 d.C AVANTI CRISTO e.). A cavallo di due epoche - arcaica e classica - si trova una decorazione scultorea del tempio di Atena Aphaia sull'isola di Egina . Le sculture del frontone occidentale risalgono all'epoca della fondazione del tempio (510 - 500 anni AVANTI CRISTO aC), sculture del secondo orientale, in sostituzione delle prime, - alla prima età classica (490 - 480 aC). Il monumento centrale dell'antica scultura greca dei primi classici sono i frontoni e le metope del Tempio di Zeus ad Olimpia (circa 468 - 456 AVANTI CRISTO e.). Un'altra opera significativa dei primi classici - il cosiddetto "Trono dei Ludovisi", decorato con rilievi. Anche un certo numero di originali in bronzo provengono da questo periodo: l'Auriga delfico, statua di Poseidone da Capo Artemisio, Bronzi di Riace . I più grandi scultori dei primi classici - Pitagora Rhegian, Calamis e Myron . Giudichiamo il lavoro dei famosi scultori greci principalmente da prove letterarie e successive copie delle loro opere. Gli alti classici sono rappresentati dai nomi di Fidia e Policleto . Il suo periodo di massimo splendore a breve termine è associato ai lavori sull'Acropoli ateniese, cioè alla decorazione scultorea del Partenone. (vennero i frontoni, metope e zophoros, 447 - 432 aC). L'apice della scultura greca antica era, a quanto pare, crisoelefantino statue di Atena Parthenos e Zeus Olympus di Fidia (entrambi non sono stati conservati). Lo "stile ricco" è caratteristico delle opere di Callimaco, Alkamen, Agoracrito e altri scultori del V secolo. AVANTI CRISTO e .. I suoi monumenti caratteristici sono i rilievi della balaustra del tempietto di Nike Apteros sull'Acropoli ateniese (circa 410 aC) e alcune stele tombali, tra le quali la più famosa è la stele di Gegeso . Le opere più importanti della scultura greca antica del tardo classico sono la decorazione del tempio di Esculapio ad Epidauro (circa 400 - 375 aC), il tempio di Atena Alei a Tegea (ca. 370 - 350 a.C.), il Tempio di Artemide ad Efeso (ca. 355 - 330 a.C.) e il Mausoleo ad Alicarnasso (350 a.C. circa), sulla decorazione scultorea di cui lavorarono Skopa, Briasside, Timoteo e Leohar . A quest'ultimo sono attribuite anche le statue dell'Apollo Belvedere. e Diana di Versailles . Ci sono anche un certo numero di originali in bronzo del IV secolo a.C. AVANTI CRISTO e. I maggiori scultori del tardo classico sono Praxitel, Skopas e Lisippus, anticipando ampiamente la successiva era dell'ellenismo.

La scultura greca è sopravvissuta in parte in frammenti e frammenti. La maggior parte delle statue ci è nota da copie romane, che sono state eseguite in molti, ma non hanno trasmesso la bellezza degli originali. I copisti romani li sgrossavano e li asciugavano, e trasformando i prodotti di bronzo in marmo, li sfiguravano con goffi puntelli. Le grandi figure di Atena, Afrodite, Ermete, Satiro, che ora vediamo nelle sale dell'Eremo, sono solo pallidi rimaneggiamenti di capolavori greci. Li oltrepassi quasi indifferente e ti fermi di colpo davanti a qualche testa con il naso rotto, con l'occhio danneggiato: questo è un originale greco! E lo straordinario potere della vita si diffonde improvvisamente da questo frammento; il marmo stesso è diverso che nelle statue romane: non bianco morto, ma giallastro, trasparente, luminoso (i greci lo strofinavano ancora con la cera, che dava al marmo un tono caldo). Tanto dolci sono i passaggi di fusione del chiaroscuro, tanto nobile è il morbido modellamento del volto, che involontariamente si ricordano le delizie dei poeti greci: queste sculture respirano davvero, sono davvero vive*. Nella scultura della prima metà del secolo, quando c'erano le guerre con i persiani, prevaleva uno stile coraggioso e rigoroso. Si creò quindi un gruppo statuario di tirannicidi: un marito maturo e un giovane, in piedi fianco a fianco, compiono un movimento impulsivo in avanti, il più giovane alza la spada, il più anziano la scherma con un mantello. Si tratta di un monumento a personaggi storici - Armodio e Aristogitone, che pochi decenni prima uccisero il tiranno ateniese Ipparco - il primo monumento politico dell'arte greca. Allo stesso tempo, esprime lo spirito eroico di resistenza e amore per la libertà che divampò nell'era delle guerre greco-persiane. “Non sono schiavi dei mortali, non sono soggetti a nessuno”, affermano gli Ateniesi nella tragedia di Eschilo “Persiani”. Battaglie, scaramucce, gesta di eroi... L'arte dei primi classici è piena di queste trame belliche. Sui frontoni del tempio di Atena ad Egina - la lotta dei Greci con i Troiani. Sul frontone occidentale del tempio di Zeus ad Olimpia - la lotta dei Lapiti con i centauri, sulle metope - tutte le dodici fatiche di Ercole. Un altro complesso preferito di motivi sono le gare di ginnastica; in quei tempi lontani, la forma fisica, la padronanza dei movimenti del corpo erano di importanza decisiva per l'esito delle battaglie, quindi i giochi atletici erano tutt'altro che un semplice divertimento. I temi dei combattimenti corpo a corpo, delle gare equestri, delle gare di corsa, del lancio del disco hanno insegnato agli scultori a rappresentare il corpo umano in modo dinamico. La rigidità arcaica delle figure è stata superata. Ora agiscono, si muovono; Appaiono pose complesse, angoli audaci e gesti ampi. L'innovatore più brillante fu lo scultore attico Myron. Il compito principale di Miron era quello di esprimere il movimento nel modo più completo e forte possibile. Il metallo non consente un lavoro così preciso e raffinato come il marmo, e forse è per questo che si è rivolto a trovare il ritmo del movimento. L'equilibrio, il maestoso "ethos", è conservato nella scultura classica di uno stile rigoroso. Il movimento delle figure non è né caotico, né eccessivamente eccitato, né troppo rapido. Anche nei motivi dinamici di una lotta, di una corsa, di una caduta, non si perde la sensazione di "calma olimpica", completezza plastica integrale, autoisolamento.

Atena, che fece per ordine di Platea e che costò molto cara a questa città, rafforzò la fama del giovane scultore. Una statua colossale della protettrice Atena gli fu commissionata per l'Acropoli. Raggiungeva i 60 piedi di altezza e superava tutti gli edifici vicini; da lontano, dal mare, splendeva come una stella d'oro e regnava su tutta la città. Non era acrolitico (composito), come Plateano, ma tutto fuso in bronzo. Un'altra statua dell'Acropoli, la Vergine Atena, realizzata per il Partenone, era composta da oro e avorio. Atena era raffigurata in tuta da battaglia, in un elmo d'oro con una sfinge in altorilievo e avvoltoi ai lati. In una mano teneva una lancia, nell'altra una figura di vittoria. Ai suoi piedi c'era un serpente, il guardiano dell'Acropoli. Questa statua è considerata la migliore garanzia di Fidia dopo il suo Zeus. È servito come originale per innumerevoli copie. Ma l'apice della perfezione da tutte le opere di Fidia è considerato il suo Zeus Olimpio. Fu l'opera più grande della sua vita: gli stessi greci gli diedero la palma. Ha fatto un'impressione irresistibile sui suoi contemporanei.

Zeus era raffigurato su un trono. In una mano teneva uno scettro, nell'altra l'immagine della vittoria. Il corpo era d'avorio, i capelli erano d'oro, il mantello era d'oro, smaltato. La composizione del trono comprendeva ebano, osso e pietre preziose. Le pareti tra le gambe furono dipinte dal cugino di Fidia, Panen; il piede del trono era una meraviglia di scultura. L'ammirazione dei Greci per la bellezza e la sapiente struttura del corpo vivente era così grande che esteticamente lo pensavano solo nella statuaria completezza e completezza, permettendo di apprezzare la maestosità della postura, l'armonia dei movimenti del corpo. Tuttavia, l'espressività non era tanto nelle espressioni facciali quanto nei movimenti del corpo. Guardando la moira misteriosamente serena del Partenone, la rapida e vivace Nika che si slaccia i sandali, quasi dimentichiamo che le loro teste sono state sbattute via: la plasticità delle loro figure è così eloquente.

In effetti, i corpi delle statue greche sono insolitamente ispirati. Lo scultore francese Rodin ha detto di uno di loro: "Questo busto giovanile senza testa sorride più gioiosamente alla luce e alla primavera di quanto non potrebbero fare occhi e labbra". I movimenti e le posture sono nella maggior parte dei casi semplici, naturali e non necessariamente associati a qualcosa di sublime. Le teste delle statue greche sono, di regola, impersonali, cioè poco individualizzate, portate a poche varianti del tipo generale, ma questo tipo generale ha un'elevata capacità spirituale. Nel tipo di viso greco trionfa l'idea di "umano" nella sua versione ideale. Il viso è diviso in tre parti di uguale lunghezza: fronte, naso e parte inferiore. Ovale corretto e gentile. La linea retta del naso continua la linea della fronte e forma una perpendicolare alla linea tracciata dall'inizio del naso all'apertura dell'orecchio (angolo facciale retto). Sezione oblunga di occhi abbastanza profondi. Bocca piccola, labbra piene e sporgenti, il labbro superiore è più sottile di quello inferiore e ha una bella scollatura liscia come l'arco di un cupido. Il mento è grande e rotondo. I capelli mossi si adattano morbidamente e strettamente alla testa, senza interferire con la forma arrotondata del cranio. Questa bellezza classica può sembrare monotona, ma, essendo un'espressiva "immagine naturale dello spirito", si presta alla variazione ed è in grado di incarnare vari tipi dell'ideale antico. Un po' più di energia nel magazzino delle labbra, nel mento sporgente: abbiamo davanti a noi una severa vergine Atena. C'è più morbidezza nei contorni delle guance, le labbra sono leggermente semiaperte, le orbite sono sfumate - abbiamo davanti a noi il viso sensuale di Afrodite. L'ovale del viso è più vicino a un quadrato, il collo è più spesso, le labbra sono più grandi: questa è già l'immagine di un giovane atleta. E la base rimane lo stesso look classico rigorosamente proporzionale.

Dopo la guerra.... La caratteristica postura di una figura in piedi cambia. In epoca arcaica le statue erano completamente dritte, frontalmente. Un classico maturo li rivitalizza e li anima con movimenti equilibrati e fluidi, mantenendo l'equilibrio e la stabilità. E le statue di Prassitele - il Satiro riposante, Apollo Saurokton - si appoggiano con pigra grazia su pilastri, senza di loro dovrebbero cadere. L'anca da un lato è molto fortemente arcuata e la spalla è abbassata in basso verso l'anca - Rodin confronta questa posizione del corpo con un'armonica, quando i mantici sono compressi da un lato e spostati dall'altro dall'altro. Per l'equilibrio, è necessario un supporto esterno. Questa è la posa del relax sognante. Prassitele segue le tradizioni di Policleto, utilizza i motivi dei movimenti da lui trovati, ma li sviluppa in modo tale che traspare già in essi un diverso contenuto interiore. Anche l'"Amazzone ferita" Polikletai si appoggia a una mezza colonna, ma senza di essa potrebbe stare in piedi, il suo corpo forte ed energico, anche se soffre di una ferita, sta saldamente a terra. Apollo di Prassitele non viene colpito da una freccia, lui stesso mira a una lucertola che corre lungo un tronco d'albero: l'azione, a quanto pare, richiede una compostezza volitiva, tuttavia, il suo corpo è instabile, come un gambo ondeggiante. E questo non è un dettaglio casuale, non un capriccio dello scultore, ma una sorta di nuovo canone in cui trova espressione la mutata visione del mondo. Tuttavia, nella scultura del IV secolo a.C. non è cambiata solo la natura dei movimenti e delle posture. e. La cerchia degli argomenti preferiti di Prassitele diventa diversa, si allontana dalle trame eroiche nel "mondo leggero di Afrodite ed Eros". Ha scolpito la famosa statua di Afrodite di Cnido. Prassitele e gli artisti della sua cerchia non amavano raffigurare i torsi muscolosi degli atleti, erano attratti dalla delicata bellezza del corpo femminile dai volumi morbidi e fluenti. Preferivano il tipo di giovinezza, - distinto da "la prima giovinezza dalla bellezza effeminata". Prassitele era famoso per la particolare morbidezza della modellazione e la maestria nella lavorazione della materia, la capacità di trasmettere il calore di un corpo vivo in marmo freddo2.

L'unico originale sopravvissuto di Prassitele è la statua in marmo di Hermes con Dioniso, trovata ad Olimpia. Ermete nudo, appoggiato a un tronco d'albero, dove fu gettato casualmente il suo mantello, tiene su un braccio piegato il piccolo Dioniso, e nell'altro un grappolo d'uva, al quale giunge un bambino (la mano che tiene l'uva è perduta). Tutto il fascino della lavorazione pittorica del marmo sta in questa statua, soprattutto nella testa di Ermete: i passaggi di luce e ombra, il più sottile “sfumato” (nebbia), che, molti secoli dopo, Leonardo da Vinci realizzò in pittura. Tutte le altre opere del maestro sono note solo da riferimenti ad autori antichi e copie successive. Ma lo spirito dell'arte di Prassitele aleggia nel IV secolo aC. e., e soprattutto si può sentire non nelle copie romane, ma nella piccola plastica greca, nelle figurine di argilla di Tanagra. Erano prodotti alla fine del secolo in grandi quantità, si trattava di una specie di produzione di massa con centro principale a Tanagra. (Un'ottima collezione è conservata nell'Eremo di Leningrado.) Alcune figurine riproducono le famose grandi statue, altre semplicemente danno varie varianti libere della figura femminile drappeggiata. La grazia viva di queste figure, sognanti, pensierose, giocose, è un'eco dell'arte di Prassitele.

1.4 Scultura della Grecia ellenistica

Il concetto stesso di "ellenismo" contiene un'indicazione indiretta della vittoria del principio ellenico. Anche nelle remote regioni del mondo ellenistico, in Battriana e in Partia (l'odierna Asia centrale), le forme d'arte antiche appaiono in modo peculiare. E l'Egitto è difficile da riconoscere, la sua nuova città di Alessandria è già un vero e proprio centro illuminato di cultura antica, dove fioriscono le scienze esatte, le discipline umanistiche e le scuole filosofiche, provenienti da Pitagora e da Platone. Alessandria ellenistica diede al mondo il grande matematico e fisico Archimede, il geometra Euclide, Aristarco di Samo, che diciotto secoli prima di Copernico dimostrò che la Terra ruota attorno al Sole. Gli armadi della famosa Biblioteca di Alessandria, contrassegnati con lettere greche, dall'alfa all'omega, conservavano centinaia di migliaia di pergamene - "scritti che brillavano in tutti i campi del sapere". Là sorgeva il grandioso faro di Pharos, classificato tra le sette meraviglie del mondo; Lì è stato creato Museyon, il palazzo delle muse, il prototipo di tutti i futuri musei. Rispetto a questa ricca e opulenta città portuale, capitale dell'Egitto tolemaico, città della metropoli greca, anche Atene doveva apparire modesta. Ma queste piccole e modeste città erano le principali fonti dei tesori culturali che Alessandria conservava e venerava, quelle tradizioni che continuavano a essere seguite. Se la scienza ellenistica doveva molto all'eredità dell'Antico Oriente, le arti plastiche conservavano un carattere prevalentemente greco.

I principali principi formativi provenivano dai classici greci, il contenuto divenne diverso. C'era una decisa demarcazione tra vita pubblica e privata. Nelle monarchie ellenistiche si afferma il culto dell'unico sovrano, equiparato a una divinità, simile a come era negli antichi dispotismi orientali. Ma la somiglianza è relativa: il “privato”, che le tempeste politiche non toccano o sfiorano, è tutt'altro che impersonale come negli antichi stati orientali. Ha la sua vita: è un commerciante, è un imprenditore, è un funzionario, è uno scienziato. Inoltre, è spesso di origine greca - dopo le conquiste di Alessandro, iniziarono le migrazioni di massa dei greci verso oriente - non è estraneo ai concetti di dignità umana, educati dalla cultura greca. Si tolga dal potere e dagli affari di stato: il suo mondo privato isolato richiede e trova per sé un'espressione artistica, la cui base sono le tradizioni dei tardi classici greci, rielaborate nello spirito di maggiore intimità e genere. E nell'arte dello "stato", ufficiale, nei grandi edifici pubblici e monumenti, le stesse tradizioni vengono elaborate, al contrario, in direzione della pomposità.

Sfarzo e intimità sono tratti opposti; L'arte ellenistica è piena di contrasti: gigantesca e miniatura, cerimoniale e domestica, allegorica e naturale. Il mondo è diventato più complesso, esigenze estetiche più diversificate. La tendenza principale è un allontanamento da un tipo umano generalizzato verso una comprensione di una persona come un essere concreto e individuale, e quindi la crescente attenzione alla sua psicologia, l'interesse per gli eventi e una nuova vigilanza sui segni nazionali, età, sociali e di altro tipo di personalità. Ma poiché tutto ciò si esprimeva in un linguaggio ereditato dai classici, che non si prefiggeva tali compiti, nelle opere innovative dell'era ellenistica si avverte un certo inorganismo, che non raggiungono l'integrità e l'armonia dei loro grandi precursori. La testa del ritratto della statua eroica del Diadoco non si adatta al suo torso nudo, che ripete il tipo di un atleta classico. La drammaticità del gruppo scultoreo poliedrico "Toro Farnese" è contraddetta dalla rappresentatività "classica" delle figure, le loro pose e movimenti sono troppo belli e lisci per credere alla verità delle loro esperienze. In numerosi parchi e sculture da camera, le tradizioni di Prassitele si riducono: Eros, “il grande e potente dio”, si trasforma in un Cupido giocoso e giocoso; Apollo - nell'Apollo civettuolamente coccolato; rafforzare il genere non va a loro vantaggio. E le famose statue ellenistiche di vecchiette portatrici di provviste, una vecchia ubriaca, un vecchio pescatore dal corpo flaccido mancano del potere di generalizzazione figurativa; l'arte domina questi tipi, nuovi, esteriormente, senza penetrare nelle profondità - dopotutto, l'eredità classica non ha dato loro una chiave. La statua di Afrodite, tradizionalmente chiamata Venere di Milo, fu ritrovata nel 1820 sull'isola di Melos e ottenne subito fama mondiale come perfetta creazione dell'arte greca. Questa alta valutazione non è stata scossa da molti ritrovamenti successivi di originali greci: Afrodite di Milos occupa un posto speciale tra loro. Eseguito, a quanto pare, nel II secolo a.C. e. (dello scultore Agesander o Alexander, come dice l'iscrizione semicancellata sul plinto), ha poca somiglianza con le sue statue contemporanee raffiguranti la dea dell'amore. Afrodite ellenistica il più delle volte ascese al tipo di Afrodite di Cnido Prassitele, rendendola sensualmente seducente, anche leggermente carina; tale, ad esempio, è la famosa Afrodite di Medicea. Afrodite di Milos, solo seminuda, drappeggiata fino ai fianchi, è severa e sublimemente calma. Incarna non tanto l'ideale della bellezza femminile, ma l'ideale di una persona in un senso generale e superiore. Lo scrittore russo Gleb Uspensky ha trovato una buona espressione: l'ideale di un "uomo etero". La statua è ben conservata, ma le sue braccia sono spezzate. Sono state fatte molte speculazioni su cosa stessero facendo queste mani: la dea teneva una mela? o uno specchio? o ha tenuto il bordo della sua veste? Non è stata trovata una ricostruzione convincente, infatti non ce n'è bisogno. La "mancanza" di Afrodite di Milo nel tempo è diventata, per così dire, il suo attributo, non interferisce minimamente con la sua bellezza e anzi aumenta l'impressione della maestosità della figura. E poiché non si è conservata una sola statua greca intatta, è in questo stato parzialmente danneggiato che Afrodite appare davanti a noi, come un "enigma di marmo", concepito dall'antichità, come simbolo della lontana Grecia.

Un altro notevole monumento dell'ellenismo (di quelli che sono pervenuti a noi, e quanti sono scomparsi!) è l'altare di Zeus a Pergamo. La scuola di Pergamo, più di altre, gravitò verso il pathos e il dramma, continuando le tradizioni di Scopas. I suoi artisti non ricorrevano sempre a soggetti mitologici, come avveniva in epoca classica. Sulla piazza dell'Acropoli di Pergamo c'erano gruppi scultorei che hanno immortalato un vero e proprio evento storico: la vittoria sui "barbari", le tribù galliche che assediarono il regno di Pergamo. Ricchi di espressività e dinamismo, questi gruppi si distinguono anche per il fatto che gli artisti rendono omaggio ai vinti, mostrandoli sia valorosi che sofferenti. Raffigurano un Gallio che uccide sua moglie e se stesso per evitare la prigionia e la schiavitù; raffigurano un Gallio ferito a morte, disteso a terra con il capo chino. Dal viso e dalla figura si evince subito che è un “barbaro”, uno straniero, ma muore di morte eroica, e questo si vede. Nella loro arte, i Greci non si chinarono a umiliare i loro oppositori; questa caratteristica dell'umanesimo etico emerge con particolare chiarezza quando gli oppositori - i Galli - sono rappresentati in modo realistico. Dopo le campagne di Alessandro, in generale, molto è cambiato rispetto agli stranieri. Come scrive Plutarco, Alessandro si considerava il riconciliatore dell'universo, "facendo bere a tutti ... dalla stessa tazza dell'amicizia e mescolando insieme vite, morale, matrimoni e forme di vita". Morale e forme di vita, così come forme di religione, cominciarono davvero a mescolarsi nell'era dell'ellenismo, ma l'amicizia non regnava e la pace non arrivava, la discordia e la guerra non si fermavano. Le guerre di Pergamo con i Galli sono solo uno degli episodi. Quando finalmente la vittoria sui Galli fu finalmente ottenuta, in suo onore fu eretto l'altare di Zeus, completato nel 180 a.C. e. Questa volta, la guerra a lungo termine con i "barbari" è apparsa come una gigantomachia: la lotta degli dei olimpici con i giganti. Secondo un antico mito, i giganti - giganti che abitavano molto a occidente, figli di Gaia (Terra) e Urano (Cielo) - si ribellarono agli Olimpi, ma furono da loro sconfitti dopo una feroce battaglia e sepolti sotto i vulcani, nel viscere profonde di madre terra, da lì ricordano a se stesse eruzioni vulcaniche e terremoti. Un grandioso fregio marmoreo, lungo circa 120 metri, realizzato con la tecnica dell'altorilievo, circondava la base dell'altare. I resti di questa struttura furono scavati negli anni '70 dell'Ottocento; grazie al lavoro certosino dei restauratori è stato possibile collegare migliaia di frammenti e ottenere un quadro abbastanza completo della composizione complessiva del fregio. Corpi possenti si accumulano, si intrecciano, come una palla di serpenti, i giganti sconfitti sono tormentati da leoni dalla criniera irsuta, i cani scavano nei loro denti, i cavalli calpestano i piedi, ma i giganti combattono ferocemente, il loro capo Porfirion non si ritira davanti a Zeus il Tonante. La madre dei giganti, Gaia, chiede pietà per i suoi figli, ma non viene ascoltata. La battaglia è terribile. C'è qualcosa che prefigura Michelangelo negli angoli tesi dei corpi, nel loro potere titanico e nel loro tragico pathos. Sebbene battaglie e schermaglie siano state un tema frequente nei rilievi antichi sin dall'arcaico, non sono mai state raffigurate allo stesso modo dell'altare di Pergamo - con un tale senso di cataclisma tremante, battaglie non per la vita, ma per la morte, dove tutti forze cosmiche, tutti i demoni sono coinvolti, terra e cielo. La struttura della composizione è cambiata, ha perso la sua classica chiarezza, è diventata vorticosa, confusa. Ricordiamo le figure di Scopas sul rilievo del Mausoleo di Alicarnasso. Loro, con tutto il loro dinamismo, si trovano sullo stesso piano spaziale, sono separati da intervalli ritmici, ogni figura ha una certa indipendenza, le masse e lo spazio sono equilibrati. Il fregio di Pergamo è diverso: quelli che combattono da vicino qui, la massa ha soppresso lo spazio e tutte le figure sono così intrecciate da formare un turbolento pasticcio di corpi. E i corpi sono ancora classicamente belli, "a volte figure radiose, a volte formidabili, viventi, morte, trionfanti, morenti", come ha detto su di loro I. S. Turgenev *. Bellissimi olimpionici, belli e i loro nemici. Ma l'armonia dello spirito fluttua. Volti distorti dalla sofferenza, ombre profonde nelle orbite degli occhi, capelli serpentini... Gli olimpionici trionfano ancora sulle forze degli elementi sotterranei, ma questa vittoria non durerà a lungo: i principi elementari minacciano di far esplodere un armonioso, armonioso mondo. Così come l'arte del greco arcaico non va valutata solo come la prima antesignana dei classici, e L'arte ellenistica nel suo insieme non può essere considerata un'eco tardiva dei classici, sottovalutando il fondamentalmente nuovo che ha portato. Questa novità è stata associata all'allargamento degli orizzonti dell'arte, e al suo interesse curioso per la persona umana e le condizioni specifiche e reali della sua vita. Di qui, in primo luogo, lo sviluppo del ritratto, il ritratto individuale, che era quasi sconosciuto agli alti classici, e ai tardi classici, solo ai margini di esso. Gli artisti ellenisti, anche realizzando ritratti di persone che non erano in vita da molto tempo, hanno dato loro un'interpretazione psicologica e hanno cercato di rivelare l'unicità dell'aspetto sia esterno che interno. Non contemporanei, ma discendenti ci hanno lasciato i volti di Socrate, Aristotele, Euripide, Demostene e persino il leggendario Omero, un ispirato narratore cieco. Il ritratto di un vecchio filosofo sconosciuto è sorprendente nel suo realismo e nella sua espressione - apparentemente, un polemista appassionato inconciliabile, il cui viso rugoso e dai lineamenti taglienti non ha nulla a che fare con il tipo classico. In precedenza era considerato un ritratto di Seneca, ma il famoso Stoico visse più tardi quando fu scolpito questo busto in bronzo.

Per la prima volta un bambino con tutte le caratteristiche anatomiche dell'infanzia e con tutto il fascino insito in lui diventa oggetto di chirurgia plastica. Nell'era classica, i bambini piccoli erano raffigurati, se non del tutto, come adulti in miniatura. Anche in Prassitele, nel gruppo di Ermete con Dioniso, Dioniso somiglia poco a un bambino per anatomia e proporzioni. Sembra che solo ora abbiano notato che il bambino è una creatura molto speciale, vivace e furba, con le sue abitudini speciali; notato e così affascinato da lui che lo stesso dio dell'amore Eros iniziò a farsi rappresentare come un bambino, ponendo le basi per una tradizione che si è affermata da secoli. I ricci e paffuti ragazzi di scultori ellenistici sono impegnati in ogni sorta di trucco: cavalcano un delfino, giocherellano con gli uccelli, persino strangolano serpenti (questo è il piccolo Ercole). Particolarmente popolare era la statua di un ragazzo che combatteva un'oca. Tali statue erano collocate nei parchi, erano la decorazione di fontane, erano collocate nei santuari di Asclepio, il dio della guarigione, e talvolta venivano utilizzate per le lapidi.

Conclusione

Abbiamo esaminato la scultura dell'antica Grecia durante l'intero periodo del suo sviluppo. Abbiamo assistito all'intero processo della sua formazione, fioritura e declino - l'intero passaggio dalle forme arcaiche rigide, statiche e idealizzate attraverso l'armonia equilibrata della scultura classica allo psicologismo drammatico delle statue ellenistiche. La scultura dell'antica Grecia è stata giustamente considerata un modello, un ideale, un canone per molti secoli, e ora non cessa di essere riconosciuta come un capolavoro dei classici mondiali. Niente di simile è stato ottenuto prima o dopo. Tutta la scultura moderna può essere considerata, in un modo o nell'altro, una continuazione delle tradizioni dell'antica Grecia. La scultura dell'Antica Grecia nel suo sviluppo ha superato un percorso difficile, aprendo la strada allo sviluppo dell'arte plastica delle epoche successive in vari paesi. In un secondo momento, le tradizioni dell'antica scultura greca si arricchirono di nuovi sviluppi e conquiste, mentre gli antichi canoni servirono come base necessaria, base per lo sviluppo dell'arte plastica in tutte le epoche successive.