Το ιδανικό της γυναικείας ομορφιάς στους πίνακες διάσημων καλλιτεχνών. Η εικόνα μιας γυναίκας στους πίνακες μεγάλων καλλιτεχνών

ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣ διάσημους καλλιτέχνεςκρατήστε τα μυστικά των ανθρώπων που απεικονίζονται πάνω τους. Σας προσκαλούμε να κάνετε μια βόλτα στο εικονικό γκαλερί εικόνωνκαι εξερευνήστε τις ιστορίες των γυναικών σε πίνακες ζωγραφικής. Αυτές οι ιστορίες μπορεί να είναι ρομαντικές, μυστικιστικές ή απλά αστείες.

Αυτό το έργο τέχνης - ένας από τους πιο διάσημους πίνακες του ζωγράφου - παρουσιάστηκε για πρώτη φορά στο κοινό στην Ιταλία, όπου έτυχε ευνοϊκής υποδοχής από τους κριτικούς. Ο Karl Bryullov ήταν ο πρώτος Ρώσος καλλιτέχνης που έγινε διάσημος στην πρωταρχική Ευρώπη. Για πολύ καιρό υποτίθεται ότι αυτή η εικόνα είναι ένα πορτρέτο της νεαρής κόμισσας Yulia Samoilova, την οποία ο καλλιτέχνης αγαπούσε πολύ και συχνά απεικόνιζε στους καμβάδες του. Για παράδειγμα, στον πίνακα "The Last Day of Pompeii", τρεις χαρακτήρες έχουν ταυτόχρονα τα χαρακτηριστικά του προσώπου της Γιούλια Σαμοΐλοβα. Ωστόσο, όταν συγκρίνετε την εικόνα "Ιππέας" με τα πορτρέτα της κόμισσας, τα οποία ζωγράφισε ο Bryullov αργότερα, γίνεται σαφές ότι η εικόνα δεν είναι η Γιούλια Σαμοΐλοβα. Ποιος είναι όμως; Σε έναν από τους πίνακές του, ο Karl Bryullov απεικόνισε την κόμισσα Samoilova με τη μαθήτριά του Giovannina, σε μια άλλη εικόνα ζωγράφισε την ίδια Κοντέσα με ψυχοκόρη Amacilia. Οι ερευνητές του έργου του Bryullov κατέληξαν στο συμπέρασμα ότι η εικόνα απεικονίζει ακριβώς αυτά τα κορίτσια που μεγάλωσε η κόμισσα. Αλλά οι πίνακες διάσημων καλλιτεχνών συνήθως φέρουν κάποιου είδους μυστήριο. Για να λύσετε το αίνιγμα από αυτήν την εικόνα, πρέπει να ρίξετε μια πιο προσεκτική ματιά στο σκυλί σε ένα κολάρο, το οποίο ο καλλιτέχνης απεικόνισε δίπλα σε ένα μικρό κορίτσι. Το κολάρο φέρει το όνομα του ιδιοκτήτη του - Samoilov.

Φαίνεται ότι το πώς δημιουργήθηκε ο πίνακας "Alyonushka" ήταν γνωστό από καιρό σε όλους. Πιστεύεται ότι ο Vasnetsov, με τη μορφή μιας θλιβερής ηρωίδας των ρωσικών επών, απεικόνισε ένα κορίτσι με το οποίο η μοίρα τον έφερε στο χωριό Akhtyrka. Μιλώντας για αυτόν τον καμβά, πολλοί αναφέρουν ένα απόσπασμα από τον ίδιο τον Vasnetsov, όπου παραδέχεται ότι η εικόνα του Alyonushka έχει εγκατασταθεί από καιρό στο κεφάλι του, αλλά η τελική έκδοση του πορτρέτου σχηματίστηκε όταν συνάντησε ένα απλό κορίτσι στο χωριό Akhtyrka. Είναι όμως; Σε μια από τις σημειώσεις του καλλιτέχνη, μπορείτε να διαβάσετε την αληθινή ιστορία του πίνακα. Ο Βασνέτσοφ παραδέχεται ότι, αν και είχε ήδη ένα σκίτσο μιας εικόνας ζωγραφισμένη με αυτό το απλό κορίτσι, αυτό δεν είναι κάτι φυσικό του είδους. Ο καλλιτέχνης εμπνεύστηκε πραγματικά από τα μάτια της Verusha Mamontova. Ο ίδιος εξομολογήθηκε ότι τα μάτια της συγκεκριμένης κοπέλας του φάνηκαν παντού και εγκαταστάθηκαν στην ψυχή του. Ποια είναι η Βερούσα Μαμόντοβα; Φυσικά, η εικόνα της είναι γνωστή στους λάτρεις της ζωγραφικής, γιατί είναι αυτή που σχεδιάζεται στον πίνακα του Serov "Κορίτσι με ροδάκινα". Τώρα, γνωρίζοντας τις αποκαλύψεις του καλλιτέχνη, στην Alyonushka μπορείτε εύκολα να βρείτε τα χαρακτηριστικά του προσώπου της Verusha Mamontova.

Μερικές φορές πίνακες διάσημων καλλιτεχνών εκπλήσσουν από πού προήλθε μια τέτοια πλοκή, μερικές φορές οι πηγές έμπνευσης είναι απροσδόκητες. Αυτό μπορεί να ειπωθεί για την ιστορία του πίνακα " Άνισος γάμος". Ένας αριστοκράτης από τη Μόσχα αποφάσισε να γράψει ένα απομνημόνευμα, όπου μίλησε για όλους τους συγγενείς του, συμπεριλαμβανομένου του θείου του Σεργκέι Βαρέντσοφ. Το 1862, αυτός ο θείος, ως νεαρός άνδρας, ερωτεύτηκε ξαφνικά την όμορφη κόρη του εμπόρου Ρίμπνικοφ - Σοφία. Και ερωτεύτηκε τόσο πολύ που παντρεύτηκε κιόλας, αλλά του αρνήθηκαν. Ο υπολογιστής πατέρας του κοριτσιού δεν ήθελε να παντρευτεί την κόρη του με μια νεαρή και επιπόλαιη τσουγκράνα, αλλά προτίμησε να δώσει το χέρι της στον ηλικιωμένο και όχι στον φτωχό έμπορο Korzinkin (είναι ενδιαφέρον ότι ο "ηλικιωμένος" γαμπρός ήταν τότε 38 ετών) . Από μια κακή σύμπτωση, ο νεαρός Varentsov έπρεπε να παίξει το ρόλο του κουμπάρου σε αυτόν τον γάμο. Ο καλλιτέχνης Vasily Pukirev ήταν τόσο εμποτισμένος με αυτή την ιστορία και τα βασανιστήρια αγαπημένη καρδιάπου δημιούργησε αυτόν τον καμβά. Χάρη σε αυτήν την εικόνα, ο Βασίλι Πουκίρεφ έλαβε τον τίτλο του καθηγητή, καθώς και καλά χρήματα: ο πίνακας αγοράστηκε αμέσως από τον συλλέκτη έργων τέχνης Μπορίσοφσκι και ο Τρετιακόφ τον αγόρασε από αυτόν. Είναι αλήθεια ότι ο καμβάς Pukirev έπρεπε να ξανακάνει λίγο, γιατί σε αυτήν την εικόνα ο Varentsov αναγνώρισε τον εαυτό του στον κουμπάρο. Ο καλλιτέχνης απεικόνισε τόσο σωστά τον Varentsov στο έργο του που χάρη στη δημοτικότητα της εικόνας, όλη η Μόσχα άρχισε να συζητά τη δυστυχισμένη αγάπη του. Ως αποτέλεσμα, ο Πουκίρεφ έπρεπε να ξαναγράψει το πρόσωπο του κουμπάρου και τώρα, κοιτάζοντας την εικόνα, το κοινό βλέπει στο βάθος μια εικόνα του προσώπου του Πουκίρεφ.

Πίνακας "Portrait of M. I. Lopukhina" του Vladimir Borovikovsky

Αυτός ο πίνακας δημιουργήθηκε το 1797 και είναι μια ρομαντική γυναικεία εικόνα. Για περισσότερο από έναν αιώνα, θαυμάζει τα μάτια του κοινού και οι γνώστες της τέχνης τη θεωρούν ωδή στον συναισθηματισμό. Οι πίνακες διάσημων καλλιτεχνών συνοδεύονται συχνά από μυστικιστικούς μύθους. Ένας τέτοιος μύθος συνδέεται με αυτήν την εικόνα. Η εικόνα μιας 18χρονης ομορφιάς είναι ο πρώτος πίνακας στην ιστορία της Ρωσίας, καλυμμένος με μυστικισμό. Το κορίτσι που απεικονίζεται στο πορτρέτο ήταν η κόρη του κόμη Ιβάν Τολστόι. Τη χρονιά που ζωγραφίστηκε το πορτρέτο, παντρεύτηκε τον Στέπαν Λοπουχίν, ο οποίος υπηρετούσε στη διοίκηση του Παύλου Ι. Αμέσως μετά το γάμο, ο σύζυγός της διέταξε Πορτρέτο του Μποροβικόφσκιτην αγαπημένη του γυναίκα. Ο γάμος δεν κράτησε πολύ, γιατί 3 χρόνια μετά τον γάμο, η νεαρή πριγκίπισσα πέθανε από ασθένεια – κατανάλωση. Ο απαρηγόρητος πατέρας αγόρασε τον πίνακα με το πορτρέτο της κόρης του από τον γαμπρό του και τον κρέμασε στο σπίτι του. Πρέπει να ειπωθεί ότι ο Κόμης Τολστόι ήταν κύριος της μασονικής στοάς και ήταν λάτρης του μυστικισμού. Υπήρχαν φήμες ότι ο κόμης, με τη βοήθεια της μαγείας, κατάφερε να καλέσει το πνεύμα της νεκρής κόρης του και να το εμφυσήσει στον πίνακα του Μποροβικόφσκι. Υπάρχει μια μυθοπλασία - κάθε κορίτσι που κοιτάζει το πορτρέτο σίγουρα θα πεθάνει. Ακόμη και «πολύ αξιόπιστα στοιχεία» αναφέρθηκαν ότι το πορτρέτο σκότωσε τουλάχιστον δώδεκα νεαρά κορίτσια. Ευτυχώς για τους επόμενους, ο Τρετιακόφ δεν πίστευε στον μυστικισμό και έναν αιώνα αργότερα αγόρασε έναν πίνακα που εκατομμύρια θεατές μπορούν τώρα να δουν στη γκαλερί που φέρει το όνομά του.

Οι φωτογραφίες διάσημων καλλιτεχνών διακρίνονται από το γεγονός ότι στα έργα τους δοξάζουν το γυναικείο ιδανικό. Ακόμη και απεικονίζοντας τη Madonna, καλλιτέχνες όλων των εποχών χωρίς τσίμπημα συνείδησης ζωγράφισαν πορτρέτα της αγαπημένης τους, πολλές από τις οποίες ήταν γυναίκες όχι πιο ευγενικής καταγωγής. Για παράδειγμα, οι ερευνητές του έργου του Ραφαήλ λένε ότι ο καλλιτέχνης συνάντησε την κόρη ενός φτωχού αρτοποιού, τη Φορναρίνα, σε έναν από τους δρόμους της Ρώμης. Ο καλλιτέχνης την ερωτεύτηκε. Ο Ραφαήλ, που τότε ήταν ήδη ευρέως γνωστός και κατείχε ένα ψηλό σκαλί στην κοινωνική σκάλα, αγόρασε το κορίτσι από τον πατέρα της και της έβγαλε φωτογραφίες πολυτελές σπίτι... Ο καλλιτέχνης την θεωρούσε πραγματικά το ιδανικό της ομορφιάς και έζησε μαζί της μέχρι το θάνατό του για 12 χρόνια. Λένε όμως ότι η ίδια η καλλονή δεν ξεχώριζε για την πίστη της στον ευεργέτη της και του έμαθε τα κέρατα τόσο με τους μαθητές του καλλιτέχνη όσο και με αυτούς που παρήγγειλαν τους πίνακες. Μετά το θάνατο του Ραφαήλ, λόγω της φήμης αυτής της γυναίκας, ο Πάπας δεν ήθελε καν να τον εξυπηρετήσει, γιατί η Φορναρίνα στεκόταν δίπλα του. Παρ 'όλα αυτά, είναι το πρόσωπο της Fornarina που βλέπουμε στον πίνακα " Σιξτίνα Μαντόνα". Ο Ραφαήλ της έδωσε επίσης το πρόσωπο πολλών άλλων Μαντόνα, γραμμένο στο χέρι του.

Στις αρχές του εικοστού αιώνα εμφανίστηκε το ημερολόγιό μας νέες διακοπές, το όνομα του οποίου ακουγόταν σαν επαναστατικό σύνθημα: «Διεθνής Ημέρα της Γυναίκας της Αλληλεγγύης των Εργαζόμενων Γυναικών στον Αγώνα για Ισότητα Δικαιωμάτων».
Ευτυχώς με την πάροδο του χρόνου η ημέρα αυτή απέκτησε τελείως διαφορετικό νόημα και για εμάς η 8η Μαρτίου είναι αργία γυναικεία ομορφιάκαι γοητεία.

Θέλοντας να συνδυάσουμε το ιστορικό με το ευχάριστο, συλλέξαμε αρκετές φωτογραφίες όμορφων, ερωτευμένων και δυνατών εργατών από σπουδαίους καλλιτέχνες - αιώνιους δέσμιους της γυναικείας ομορφιάς και αρετών!

Ο Alexey Venetsianov, με καταγωγή από τη Μόσχα, επισκέφτηκε για πρώτη φορά το χωριό σε ηλικία 35 ετών, όταν μετά το γάμο οι νεόνυμφοι πήγαν να επισκεφτούν τους γονείς της συζύγου τους στην επαρχία Τβερ.

Ο καλλιτέχνης ήταν τόσο γοητευμένος από τη φύση που αμέσως είχε την επιθυμία να εγκατασταθεί ανάμεσα στις ρωσικές εκτάσεις και αγόρασε ένα κτήμα στη Safonovka.

Εδώ είναι που ζωγραφίζει τον πίνακα «Στην καλλιεργήσιμη γη». Όλο το έργο του Βενετσιάνοφ είναι διαποτισμένο από ποίηση, οι πίνακές του αφιερωμένοι στην αγροτική ζωή εξιδανικεύουν τη ζωή του χωριού.

Η Zinaida Serebryakova ήταν ερωτευμένη με τους πίνακες του Venetsianov από την παιδική του ηλικία. Μέσα της πρώιμες ζωγραφιέςυπάρχει μια αόρατη σύνδεση με το έργο του Ρώσου καθημερινού συγγραφέα. Οι αγρότισσες Βενετσιάνοβα εκατό χρόνια αργότερα φαίνεται να συνεχίζουν να ζουν στους πίνακές της.

Τα κορίτσια της επαρχίας του καλλιτέχνη είναι αρχοντικά, με βασιλική συμπεριφορά, κάνουν χαλαρά την καθημερινή τους δουλειά - την αληθινή ποίηση της πνευματικότητας!

Zinaida Evgenievna Serebryakova. "Harvest"
1915, 177 × 142 εκ.

Οι πίνακες «Harvest» και «Whitening of the Canvas» ανήκουν τα καλύτερα έργα Zinaida Serebryakova. Γράφτηκαν στο κτήμα της οικογένειας Neskuchnoye στην επαρχία Kharkov, όπου η οικογένεια Serebryakov περνούσε το καλοκαίρι και το φθινόπωρο από το 1898.

Το 1914, μετά από ένα μακρύ ταξίδι στη Βόρεια Ιταλία, η Zinaida έφτασε στο Neskuchnoye και αμέσως άρχισε να δουλεύει για τον πίνακα The Harvest.

Μελέτη της δημιουργικότητας των καλλιτεχνών Ιταλική Αναγέννηση, που μόλις πρόσφατα εμφανίστηκε σε μουσεία και γκαλερί, γίνεται αισθητή σε μια κλασικά κατασκευασμένη σύνθεση και η μνημειακότητα των μορφών τονίζει την ομορφιά των γυναικείων μορφών στο φόντο ενός τοπίου με τα χωράφια με σιτάρι να εκτείνονται άνισα πέρα ​​από τον ορίζοντα.
Αυτοί οι πίνακες θεωρούνται οι τελευταίοι ειδυλλιακές ζωγραφιές της προεπαναστατικής Ρωσίας.

Zinaida Evgenievna Serebryakova "Λεύκανση του καμβά"
1917, 141,8 × 173,6 εκ.

Δαντέλα, πούδρα, κραγιόν - όλα όσα χρειάζεται ένα γοητευτικό κορίτσι ...

Οι Γαλλίδες εργάζονται επίσης ακούραστα στους πίνακες των καλλιτεχνών. Κατά την εποχή του Ροκοκό, το πιο μοντέρνο επάγγελμα των αστικών γυναικών ήταν η δουλειά του μυλωνά.

Κομψά και πολυτελή σύνολα, κορσέδες, κεντήματα και δαντέλες ήταν όλα γυναικεία σκέψη, γιατί ήταν απαραίτητο να συμβαδίσει με την trendsetter Madame Pompadour!

Και οι φαντασιώσεις των νεαρών κοριτσιών ενσαρκώνονταν από τους τζάκους - τα μιλινέρ. Ο François Boucher στον πίνακα "The Modiste" μοιάζει σαν κρυφά μέσα στο δωμάτιο και κατασκοπεύει τις κυρίες που συζητούν για το μελλοντικό μοντέλο.

Φρανσουά Μπουσέρ. "Μοδίστρα"
53 × 64 εκ.

Τον 18ο αιώνα, κατά τη διάρκεια του Διαφωτισμού στη Γαλλία, συνηθιζόταν στην τέχνη να επαινούν και να επιβεβαιώνουν την αξιοπρέπεια της τρίτης τάξης και στη ζωγραφική καλή φόρμαλήφθηκαν υπόψη η απλότητα και η φυσικότητα.

Ο Jean-Baptiste Greuze στο The Washerwoman δεν απεικονίζει μόνο έναν χαριτωμένο και γοητευτικό νεαρό εργάτη - με αυτόν τον τρόπο γιορτάζει τη σκληρή δουλειά.

Στη Ρωσία, στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, έγιναν Dreams μοντέρνος καλλιτέχνης, οι ευγενείς ευγενείς συναγωνίστηκαν μεταξύ τους για να παραγγείλουν τα πορτρέτα του, η ίδια η αυτοκράτειρα Αικατερίνη Β', κατόπιν συμβουλής του Ντιντερό, αγόρασε τον πίνακα "The Paralytic" από τον καλλιτέχνη.

Φυσικά, τέτοια δημοτικότητα του έργου του Greuze δεν πέρασε απαρατήρητη για τη ρωσική ζωγραφική, οι πίνακές του είχαν μεγάλη επιρροή στη ρωσική προσωπογραφία.

Jean-Baptiste Greuze, "The Laundress"
1761, 32 × 40 εκ.

Δαντέλα

Ο Βασίλι Τροπινίν αποκαλούνταν «Ρωσικά όνειρα» για τη γοητεία του γυναικεία πορτρέτα... Για πρώτη φορά στη ρωσική ζωγραφική δημιούργησε νέου τύπουπορτρέτο του είδους - μια ποιητική εικόνα ενός κοριτσιού στη δουλειά.

Οι νεαρές καλλονές στις εικόνες «The Lacemaker» και «The Goldsmith», απασχολημένες με τη δουλειά τους, παίρνουν τα μάτια τους από τη δουλειά τους για ένα λεπτό και κοιτάζουν πονηρά τον θεατή.

Βασίλι Αντρέεβιτς Τροπίνιν. "Χρυσοκέντημα"
1826, 64 × 81 εκ.

Ο Τροπινίν ήταν δουλοπάροικος καλλιτέχνης και μόλις σε ηλικία 47 ετών έλαβε την ελευθερία του. Είναι συμβολικό ότι ήταν το 1823, η χρονιά της συγγραφής του The Lacemaker, που έφερε στον καλλιτέχνη τόσο ελευθερία όσο και επίσημη αναγνώριση.

Φέτος για πρώτη φορά παρουσιάζει τα έργα του στην Ακαδημία Τεχνών και στον καλλιτέχνη απονέμεται ο τίτλος του «διορισμένου ακαδημαϊκού». Έτσι, ένα οικείο πορτρέτο μιας γυναίκας της πόλης έφερε ελευθερία και επιτυχία στον δημιουργό του.

Τροπινίνη "The Lacemaker"

Νοικοκόμος

Νοικοκυριόήταν πάντα στους ώμους των γυναικών και οι δουλειές της κουζίνας είναι άμεση ευθύνη. Για κάποιους είναι ευλογία, αλλά για πολλούς είναι ταλαιπωρία. Για την ηρωίδα του πίνακα «The Cook» του Bernardo Strozzi, αυτό είναι καθήκον και ιερή δράση.

Μπορείτε να κάνετε πολλές ερωτήσεις στον εαυτό σας κοιτάζοντας την εικόνα. Για παράδειγμα, γιατί ένα νεαρό κορίτσι εκσπλαχνίζει ένα πουλί φανταχτερό φόρεμακαι χάντρες; Έχει μεγάλη οικογένεια, επειδή το δείπνο υποτίθεται ότι έχει αρκετά πιάτα;

Ποιος απεικονίζεται στην εικόνα - ίσως ο καλλιτέχνης απεικόνισε τη σύζυγό του και αυτός είναι ο λόγος που κοιτάζει τον θεατή τόσο στοργικά; Αυτή η επιλογή είναι αρκετά πιθανή: η ζωγραφική του Strozzi σε μια οικιακή πλοκή είναι πολύ σπάνια και για τη σύζυγό του θα μπορούσε κάλλιστα να είχε κάνει μια εξαίρεση.

Bernardo Strozzi. "The Cook"
1625, 185 × 176 εκ.

Ο συγγραφέας της εικόνας - Ιταλός καλλιτέχνηςτην εποχή του Μπαρόκ με ένα αξιόλογο βιογραφικό. Ο περιπετειώδης χαρακτήρας του Strozzi αντικατοπτρίστηκε σε όλες τις δραστηριότητές του: στα νιάτα του εντάχθηκε στο τάγμα των Καπουτσίνων και έγινε ιερέας, στη συνέχεια σπούδασε ζωγραφική στο εργαστήριο του Γενοβέζου καλλιτέχνη Sorri και ταυτόχρονα εργάστηκε ως μηχανικός πλοίων στον γενουατικό στόλο.

Αργότερα καλλιτέχνηςέφυγε από το μοναστήρι και κρύφτηκε από τον διωγμό των μοναχών στη Βενετία. Όμως ο Στρότσι δεν άφησε ποτέ τη ζωγραφική. Το κύριο θέμα του ήταν τα πορτρέτα, οι θρησκευτικές και μυθολογικές σκηνές και άλλα δημιουργικό τρόποο πίνακας του Καραβάτζιο είχε μεγάλη επιρροή.

Το «επάγγελμα» της βοσκοπού ήταν κάποτε πολύ δημοφιλές και συχνά οι καλλιτέχνες στράφηκαν σε αυτό. Συγκινητική εικόναΒρίσκουμε μια ηλικιωμένη βοσκοπούλα στο έργο του Βαν Γκογκ, που ζωγράφιζε με ιδιαίτερη ζεστασιά και αγάπη τους απλούς χωρικούς.

Ρίξτε μια ματιά στον χρωματισμό της εικόνας: κίτρινο χωράφια με σιτάρι- το χρώμα του ήλιου και της ζεστασιάς, απαλά σε αντίθεση με τη μπλε κάπα της βοσκοπούλας, - συχνή υποδοχήστα έργα του καλλιτέχνη, αλλά δεν προκαλεί ανησυχητικά συναισθήματα, όπως στους άλλους πίνακές του.

Ο Βαν Γκογκ, με αποχρώσεις του χρώματος, μεταφέρει τα συναισθήματά του με ασυνήθιστη ακρίβεια. Όποιοι ανεμοστρόβιλοι κι αν μαίνεται τριγύρω, η γυναίκα είναι ήρεμη και υποταγμένη σε μια δύσκολη μοίρα... Και το κυρίαρχο και ειλικρινές συναίσθημά μας στη θέα αυτής της εικόνας είναι η «ενσυναίσθηση».

Βίνσεντ Βαν Γκογκ. "Βοσκοπούλα"
1889, 52,7 × 40,7 εκ.
Ο καλλιτέχνης δημιούργησε αυτό το έργο κατά τη διάρκεια της θεραπείας του στο Saint-Remy στη νότια Γαλλία. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, 1889-1890, μελέτησε το έργο του ιδρυτή της σχολής Barbizon, Jean François Millet, και κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου έκανε αντίγραφα 23 από τους πίνακές του, συμπεριλαμβανομένου του The Shepherdess (αν και είναι δύσκολο να αποκαλέσουμε τον πίνακα του Van Gogh αντίγραφο).

Ο Βίνσεντ γράφει στον αδελφό του για το επάγγελμά του:
«Σας διαβεβαιώνω ότι με ενδιαφέρει τρομερά να κάνω αντίγραφα και επειδή δεν έχω μοντέλα τώρα, δεν θα εγκαταλείψω τη δουλειά στη φιγούρα με τη βοήθεια αυτών των αντιγράφων.
Χρησιμοποιώ ασπρόμαυρες αναπαραγωγές του Ντελακρουά και του Μιλέ σαν να ήταν αληθινές ιστορίες. Και μετά αυτοσχεδιάζω το χρώμα, αν και φυσικά όχι σαν να το έκανα μόνος μου, αλλά προσπαθώντας να ανακαλέσω τις φωτογραφίες τους.
Ωστόσο, αυτή η «ανάμνηση», η αόριστη αρμονία των χρωμάτων τους… είναι η δική μου ερμηνεία».

Συγκρίνοντας τους πίνακες των δύο καλλιτεχνών, φαίνεται ότι ο Βαν Γκογκ ζωγράφισε μια βοσκοπούλα στη φαντασία του.

Κεχρί "Βοσκοπική" 1, Κεχρί "Βοσκοπική" 2.

Ο Jean Baptiste Chardin παρακολουθούσε τη ζωή των απλών κατοίκων της πόλης και έγραψε ιστορίες από αυτούς Καθημερινή ζωή... Ο πίνακας «Washerwoman» αναπνέει με μια ήσυχη οικεία, όπου τα πάντα ζεσταίνονται από τις φροντίδες της οικοδέσποινας.

Ενώ η μαμά πλένει, ο γιος είναι απασχολημένος με την απλή του διασκέδαση. Οι παιδικές εικόνες είναι πάντα παρούσες στους πίνακες του Chardin, τονίζοντας την αγάπη της μητέρας για το παιδί. Η επίδειξη αυτής της σχέσης τον βοηθά να δημιουργήσει μια πνευματική ατμόσφαιρα ζεστασιάς και μια μέτρια, αλλά σημαντική και ικανοποιητική ζωή των κατοίκων της πόλης.

Το γυναικείο έργο στους πίνακες του καλλιτέχνη ταυτίζεται με ένα ευγενές έργο που γίνεται με ιδιαίτερη επιμέλεια και αγάπη.

Jean Baptiste Simeon Chardin. "Πλύστρα"

Συντακτικά Σοσιαλιστικής Εργασίας - εμείς νέο κόσμοας χτίσουμε!

Νέα επαγγέλματα κατακτούν οι γυναίκες στη σοβιετική χώρα. Εδώ δεν είναι απλώς κάποιοι δυτικοί fashionistas - μια Σοβιετική γυναίκα μπορεί να φτιάξει ένα μετρό!

Στη σειρά γραφικών της δεκαετίας του 1930 του Aleksandr Samokhvalov, πορτρέτα κοριτσιών του μετρό ενσάρκωναν το ιδανικό της σοσιαλιστικής εργασίας.

Ο ενθουσιασμός, η νεανική ενέργεια, η αισιοδοξία και η δύναμη κατακλύζουν σε αυτά τα έργα - θα χτίσουμε νέα χώρα... Εδώ είναι με ένα τρυπάνι, με ένα φτυάρι, όμορφη, δυνατή και χαρούμενη, μπορεί να κάνει τα πάντα!

Ο καλλιτέχνης εντάχθηκε στην ιδεολογική πορεία της χώρας, πιστεύει ειλικρινά στην καθολική δημιουργία για το καλό ενός φωτεινότερου μέλλοντος. Και οι συναισθηματικές παρορμήσεις του καλλιτέχνη είναι αρκετά απτές, απλά δείτε το έργο!

Στην μεταβλητότητά της, η μόδα χάνει μόνο από τον καιρό, αν και αυτό είναι ένα αμφιλεγόμενο σημείο. Επιπλέον, η μόδα αλλάζει όχι μόνο για ρούχα, στυλ ή αξεσουάρ, αλλά και για τη γυναικεία ομορφιά. Αναγνωρισμένη ομορφιά μιας εποχής, σε μισό αιώνα μπορεί να θεωρείται άσχημη γυναίκα (αλλά εμείς και εσύ ξέρουμε ότι δεν υπάρχουν άσχημες γυναίκες). Ανά πάσα στιγμή, ο καλλιτέχνης αντιδρούσε πολύ ευαίσθητα στις ιδιοτροπίες της μόδας, αφού πάντα προσπαθούσαν να απεικονίσουν τις πιο όμορφες γυναίκες της εποχής τους.

Αρχαία Ελλάδα και Ρώμη

Συγγνώμη για γυναικεία ιδανικάΗ αρχαιότητα πρέπει να κριθεί από τις τοιχογραφίες και τα γλυπτά, γεμάτα ΠΙΝΑΚΕΣ ΖΩΓΡΑΦΙΚΗΣδεν έχει επιβιώσει. V Αρχαία Ελλάδαη θεά Αφροδίτη, μια κυρία με υπέροχες μορφές με μακριά πυκνά κόκκινα μαλλιά, θεωρούνταν το πρότυπο της γυναικείας ομορφιάς. Έτσι απεικονίζεται στον πίνακα του Sandro Botticelli "The Birth of Venus", αν και δημιουργήθηκε το 1485. V Αρχαία Ρώμηη πιο εκτιμημένη ομορφιά γυναικείο πρόσωπο, και η λαμπρότητα των μορφών ήταν στη δεύτερη θέση. Για παράδειγμα, ο πίνακας του Dante Rossetti «Proserpine» (1874) δημιουργήθηκε με τέτοιο στόχο.

Μεσαίωνας

Στο Μεσαίωνα, μπορούσε κανείς να πάει στη φωτιά για την ψαλμωδία της γυναικείας ομορφιάς, οπότε δεν έμειναν καλλιτεχνικά στοιχεία. Επιδεικνύω γυναικεία φιγούρααπαγορευόταν αυστηρά. Τα ρούχα υποτίθεται ότι έκρυβαν εντελώς το σώμα και τα μαλλιά ήταν κρυμμένα κάτω από τα καπέλα. Το πρότυπο της γυναικείας ομορφιάς ήταν οι άγιες γυναίκες που αφοσιώθηκαν στην υπηρεσία του Θεού.

αναγέννηση

Η Αναγέννηση ονομάζεται έτσι λόγω της αναβίωσης του ενδιαφέροντος για τα ιδανικά της Αρχαιότητας, συμπεριλαμβανομένων των θεμάτων γυναικείας ομορφιάς. Φαρδιοί γοφοί, πομπή, μακρόστενο πρόσωπο, υγιής λάμψη - έτσι θα έπρεπε να ήταν η πρώτη ομορφιά των 15-16 αιώνων. Έτσι απεικονίζονται οι γυναίκες στους πίνακες του Sandro Botticelli, του Raphael Santi και του Michelangelo. Το ιδανικό της ομορφιάς της Αναγέννησης μπορεί να ονομαστεί η Ιταλίδα Simonetta Vespucci, η οποία απεικονίζεται σε αρκετούς πίνακες του Botticelli "Spring" (1478), "The Birth of Venus" (1485), "Portrait of a Young Woman" (1485). Κατά τη διάρκεια της Αναγέννησης, η μόδα ήταν ψηλό μέτωπο, και για να πετύχουν αυτό το αποτέλεσμα, οι fashionistas ξύρισαν τα φρύδια και τη γραμμή των μαλλιών τους. Αυτό φαίνεται ξεκάθαρα διάσημος πίνακαςΜόνα Λίζα του Λεονάρντο Ντα Βίντσι.

Μπαρόκ εποχή

Στα τέλη του 16ου και στις αρχές του 17ου αιώνα, το ιδανικό της γυναικείας ομορφιάς ήταν οι λευκές γυναίκες (το μαύρισμα θεωρούνταν η παρτίδα των χωρικών) με μικρό στήθος, μικροσκοπικά πόδια, χλωμό πρόσωπο, αλλά πλούσιους γοφούς. Επιπλέον, κάθε αριστοκράτης έπρεπε να έχει ένα υψηλό περίπλοκο χτένισμα. Αυτά τα οι τάσεις της μόδαςφαίνονται ξεκάθαρα στο πορτρέτο του αγαπημένου Λουδοβίκος ΙΔ' Madame de Montespan (1670) του Pierre Mignard. Στην περίοδο αυτή ανήκει και το περίφημο έργο του Γιαν Βερμέερ «Γυναίκα με μαργαριταρένιο σκουλαρίκι» (1665).

Εποχή ροκοκό

Αν στην εικόνα μια γυναίκα μοιάζει περισσότερο με μια πορσελάνινη κούκλα, που περιβάλλεται από βεντάλιες, ομπρέλες, μούφες και γάντια, τότε μπορούμε με σιγουριά να πούμε ότι έρχεταιγια την εποχή του ροκοκό. Στις αρχές του 18ου αιώνα, η «ήπια ανορεξία» μπήκε στη μόδα: η γυναικεία ομορφιά γίνεται εύθραυστη, με στενούς γοφούς, μικρό στήθος και βυθισμένα μάγουλα. Υπάρχουν ενδείξεις ότι για να αποκτήσουν το αποτέλεσμα των «βυθισμένων μάγουλων» ορισμένες κυρίες αφαίρεσαν τα πλάγια δόντια τους, αφήνοντας μόνο το μπροστινό μέρος - η ομορφιά απαιτεί θυσίες. Οι κανόνες ομορφιάς της εποχής του Ροκοκό απεικονίζονται υπέροχα από τα πορτρέτα του Φρανσουά Μπουσέρ, για παράδειγμα, «Πορτρέτο της Μαρκησίας ντε Πομπαδούρ» (1756).

Η εποχή του ρομαντισμού

Μόλις στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα, το φυσικό ρουζ, η υγιής φρεσκάδα και η στρογγυλότητα των μορφών γίνονται ξανά τα πρότυπα της γυναικείας ομορφιάς. Και το πιο ελκυστικό κομμάτι γυναικείο σώμαοι στρογγυλεμένοι ώμοι γίνονται, κάτι που ήταν απλά απαραίτητο για να γυμνώσει κάθε ομορφιά. Τέτοιες γυναίκες βρίσκονται στους πίνακες του Adolphe Bouguereau, τέτοιες γυναίκες απεικονίστηκαν από τους πρώτους ιμπρεσιονιστές ("The Birth of Venus" του Bouguereau, "Big Bathers" του Renoir, " Μπλε χορευτές«Ντεγκάς).

Αρχές του εικοστού αιώνα

Η Ρωσική Αφροδίτη του Μπόρις Κουστόντιεφ, η σύζυγος του εμπόρου στο τσάι και το κορίτσι στον Βόλγα απεικονίζουν τέλεια τους κανόνες ομορφιάς των αρχών του 20ου αιώνα. Ό,τι θαύμαζε ο ρομαντισμός σε μια γυναίκα έγινε ακόμα πιο θαυμάσιο και βαρύ. 20-40 χρόνια του εικοστού αιώνα

Μέσα του εικοστού αιώνα

Η Μέριλιν Μονρό έγινε το ιδανικό της γυναικείας ομορφιάς των μέσων του περασμένου αιώνα. Κοντό ξανθό, χωρίς υπερβολές προς την κατεύθυνση της αραιότητας ή του πρηξίματος. Η εικόνα της χρησιμοποιήθηκε εύκολα στα έργα του από τον ιδρυτή της ποπ αρτ Άντι Γουόρχολ.
Μιλάμε για περαιτέρω ανάπτυξηΤα ιδανικά της γυναικείας ομορφιάς, ειδικά στη σχέση τους με τη ζωγραφική, δεν αξίζουν ακόμη. Πρέπει μόνο να σημειωθεί ότι η ιστορία εξελίσσεται σε κύκλο και η λεπτότητα και ο πόνος έρχονται ξανά στη μόδα.

Πόσο συχνά θαυμάζουμε έργα τέχνης χωρίς να σκεφτόμαστε ποιος απεικονίζεται σε αυτά. Μόνο τα ονόματα των βασιλικών προσώπων παραμένουν στη μνήμη και η ταυτότητα του κοριτσιού, του οποίου η ομιχλώδης σιλουέτα φαίνεται στη γωνία της εικόνας, παραμένει άγνωστη. Θα μιλήσει για γυναίκες που πόζαραν για καλλιτέχνες για διάσημους πίνακες σήμεραΔιαιτολόγος. μεσο ΜΑΖΙΚΗΣ ΕΝΗΜΕΡΩΣΗΣ.

Ολλανδική Μόνα Λίζα

Η περίφημη «Ολλανδική Μόνα Λίζα», «Κορίτσι με μαργαριταρένιο σκουλαρίκι» του Γιαν Βερμέερ ζωγραφίστηκε γύρω στο 1665. Για πολύ καιρό, η εικόνα ονομαζόταν απλώς «Κορίτσι με τουρμπάνι». σύγχρονο όνομαέλαβε μόλις τον ΧΧ αιώνα. Η εικόνα των τουρμπάν σε πίνακες ζωγραφικής έγινε δημοφιλής από τον 15ο αιώνα και ο Βερμέερ χρησιμοποιεί συχνά αυτή τη λεπτομέρεια του φορέματος στα πορτρέτα του. Ολόκληρη η εικόνα είναι ζωγραφισμένη ειδικό είδος«Troni», που σήμαινε την εικόνα του κεφαλιού ενός ατόμου.

«Η ολλανδική Μόνα Λίζα» ονομαζόταν εδώ και καιρό «Το κορίτσι με το τουρμπάνι»

Όπως υποδηλώνει το όνομα, το μάτι του θεατή τραβάει ένα μεγάλο μαργαριτάρι σκουλαρίκι.

Σύμφωνα με την πιο κοινή εκδοχή, πιστεύεται ότι η μικρή του κόρη Μαρία πόζαρε για το πορτρέτο του Βερμέερ, αν και ορισμένοι ερευνητές εξακολουθούν να προτείνουν ότι αυτή θα μπορούσε να είναι η κόρη του προστάτη του καλλιτέχνη, του προστάτη των τεχνών, Ρούιβεν. Η Μαρία ήταν ένα από τα 15 παιδιά του Βερμέερ - ο γάμος του ήταν πραγματικά ευτυχισμένος. Ο καλλιτέχνης αγαπούσε τη γυναίκα του και συχνά η ίδια πόζαρε για τους πίνακές του.

Μυστικό πορτρέτο της νεαρής Lopukhina

Το πορτρέτο της Maria Ivanovna Lopukhina, μιας από τις εκπροσώπους της οικογένειας του κόμη Τολστόι, είναι ένα από τα πιο διάσημα έργαΡώσος καλλιτέχνης Borovikovsky. Ζωγραφίστηκε το 1797 και τώρα φυλάσσεται στην Πινακοθήκη Τρετιακόφ.

Το πορτρέτο του M.I.Lopukhina είναι ένα από τα πιο διάσημα έργαΜποροβικόφσκι

Ο ποιητής Yakov Polonsky αφιέρωσε τα ποιήματά του στο κορίτσι που απεικονίζεται στο πορτρέτο: "Έχει περάσει πολύ καιρό, και αυτά τα μάτια έχουν φύγει, και το χαμόγελο που εξέφρασε σιωπηλά τον πόνο είναι μια σκιά αγάπης και οι σκέψεις είναι μια σκιά θλίψης, αλλά ο Borovikovsky έσωσε την ομορφιά της». Ο καλλιτέχνης χρησιμοποιεί παραδοσιακά ζωγραφική πορτρέτουυποδοχή - περιβάλλει τον χαρακτήρα με αντικείμενα που βοηθούν στον χαρακτηρισμό του. Αυτά είναι χαρακτηριστικά του ρωσικού τοπίου, ένα λεπτό σάλι και πεσμένα μπουμπούκια τριανταφυλλιάς.

Το πορτρέτο της Lopukhina θεωρείται το πιο ποιητικό στο έργο του Borovikovsky

Είναι ενδιαφέρον ότι το πορτρέτο της Maria Lopukhina φόβιζε τα νεαρά κορίτσια για μεγάλο χρονικό διάστημα. Γεγονός είναι ότι λίγο μετά τη ζωγραφική του πίνακα, μια νεαρή γυναίκα σε ηλικία 21 ετών πέθανε από κατανάλωση. Πολλοί πίστευαν ότι το πορτρέτο φαινόταν να της είχε αφαιρέσει τη ζωή, και αν τα κορίτσια κοιτούσαν την εικόνα, θα πέθαιναν επίσης σύντομα.

Κορίτσι με μια ομπρέλα από τους πίνακες του Μονέ

Ο διάσημος πίνακας του Claude Monet "Field of Poppies at Argenteuil" ζωγραφίστηκε το 1873. Αυτός ο πίνακας εμφανίστηκε σε μια έκθεση των ιμπρεσιονιστών το 1874, όταν δήλωσαν για πρώτη φορά ως μια ξεχωριστή ομάδα... Δύο φιγούρες επάνω σε πρώτο πλάνο- αυτή είναι η σύζυγος του Μονέ Καμίλα και ο γιος τους Ζαν.

Ο πίνακας του Claude Monet "Field of Poppies at Argenteuil" γράφτηκε το 1873

Ο Μονέ ζωγράφιζε, σύμφωνα με το έθιμο του, στο ύπαιθρο, προσπαθώντας να αποσπάσει την ατμόσφαιρα ευάερης και κίνησης. Ενδιαφέρον γεγονός, που λίγοι προσέχουν: στην αριστερή γωνία της εικόνας είναι ένα άλλο παρόμοιο ζευγάρι, μια γυναίκα με ένα παιδί. Ανάμεσα στα δύο ζεύγη στριφογυρίζει ένα ελάχιστα αντιληπτό μονοπάτι.

Ο πίνακας απεικονίζει δύο ζευγάρια, το ένα εκ των οποίων είναι η σύζυγος και ο γιος του Μονέ

Η ιστορία αγάπης του Μονέ και της Καμίλα ήταν τραγική: ο πατέρας του Μονέ απείλησε πολλές φορές να στερήσει το περιεχόμενο του γιου του αν δεν αποχωριστεί την αγαπημένη του. Έζησαν σε χωρισμό για μεγάλο χρονικό διάστημα, αλλά ο Μονέ δεν μπορούσε να αντέξει για πολύ χωρίς την οικογένειά του. Ωστόσο, ο καλλιτέχνης ζητούσε συχνά από τη γυναίκα του να ποζάρει για τους πίνακές του. Μπορούμε να δούμε την Καμίλα τόσο στον καμβά «Η κυρία με τα πράσινα» όσο και ανάμεσα στις «Γυναίκες στον κήπο». Υπάρχουν επίσης αρκετά ξεχωριστά πορτρέτα της Καμίλα και του γιου τους. Και όταν πέθανε η Καμίλα, ζωγράφισε το μεταθανάτιο πορτρέτο της, το οποίο διαφέρει από τα υπόλοιπα έργα του καλλιτέχνη.

Ο Μονέ ζωγράφισε ένα μεταθανάτιο πορτρέτο της γυναίκας του εντυπωσιασμένος από τον θάνατό της

Εντυπωσιασμένος από τον θάνατο της αγαπημένης του συζύγου, ο Μονέ ζωγράφισε το μεταθανάτιο πορτρέτο της

Η ηθοποιός που γοήτευσε τον Ρενουάρ

Ο Auguste Renoir, ένας από τους πιο διάσημους ιμπρεσιονιστές ζωγράφους, αγαπούσε και ήξερε πώς να απεικονίζει τη γυναικεία ομορφιά. Η ηθοποιός Jeanne Samary ήταν το αγαπημένο του μοντέλο. Ο Ρενουάρ ζωγράφισε 4 πορτρέτα της, αλλά το πιο γνωστό ήταν το «Πορτρέτο της ηθοποιού Ζαν Σαμάρι». Γράφτηκε το 1877 και τώρα φυλάσσεται στο Μουσείο Πούσκιν στη Μόσχα.

Οι κύριες αποχρώσεις που χρησιμοποιούνται στο πορτρέτο είναι το ροζ και το πράσινο.

Η Jeanne ήταν από θεατρική οικογένεια, και δεν επέλεξε τον τομέα της για πολύ καιρό. Έκανε το ντεμπούτο της στο θέατρο ως Ντορίν στον Ταρτούφ του Μολιέρου και η φήμη της αυξήθηκε γρήγορα. Πριν από το γάμο της, η κοπέλα πήγαινε συχνά στο εργαστήριο του Ρενουάρ και πόζαρε για εκείνον. Είναι αλήθεια ότι παρακολουθούσε τις συνεδρίες ακανόνιστα και αυτό εξόργισε τον καλλιτέχνη. Αλλά ήταν εντελώς γοητευμένος από τη χάρη της ηθοποιού, έτσι ξανά και ξανά την προσκαλούσε να γίνει το μοντέλο του. Όμως η φήμη και η ευτυχία της δεν κράτησαν πολύ: πέθανε σε ηλικία 33 ετών από τύφο.

Χορευτής με την ευλυγισία ενός φιδιού

Ο διάσημος συγγραφέας του «Κορίτσια με ροδάκινα» Valentin Serov, έχοντας γνωρίσει την Ida Rubinstein στο Παρίσι το 1910, της ζήτησε να γίνει μοντέλο για έναν νέο καμβά. Πριν από αυτό, πόζαρε για πολλούς καλλιτέχνες - Kees van Dongen, Antonio de la Gandara, Andre de Segonzac, Leon Bakst, αργότερα - για τον Romain Brooks.

Το πορτρέτο της Ida Rubenstein αγοράστηκε από τον Serov σχεδόν αμέσως

Αλλά ήταν το πορτρέτο του Ρώσου καλλιτέχνη που έγινε το πιο διάσημο. Σχεδόν αμέσως ο πίνακας αγοράστηκε από τον συγγραφέα και τοποθετήθηκε στη συλλογή του Ρωσικού Μουσείου.

Η κόρη του Σερόφ, Όλγα, έγραψε ότι στην πραγματικότητα η Ida δεν ήταν καθόλου τόσο αδύνατη και ο καλλιτέχνης σκόπιμα την στιλιζόταν

Η Ida Rubinstein ήταν μια διάσημη Ρωσίδα χορεύτρια και ηθοποιός. Από το 1909 έως το 1911 έπαιξε με τον θίασο του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ. Ο Ρουμπινστάιν ήταν ψηλός, αλλά η χάρη της κατέπληξε το κοινό και την έλεγαν ως χορεύτρια «με την ευλυγισία του φιδιού και την πλαστικότητα μιας γυναίκας». Οι ρόλοι της Κλεοπάρτης και της Ζωμπεΐδας έγιναν αστρικοί της. Αφού άφησε το Diaghilev, δημιούργησε τον δικό της θίασο, στον οποίο έπαιξε για μεγάλο χρονικό διάστημα. Και το 1921 μάλιστα πρωταγωνίστησε ιταλική ταινία"Πλοίο".