Immagini di artisti russi con nomi di ritratti. I dipinti più famosi degli artisti russi

04.04.2019

I dipinti più famosi degli artisti russi

"Mattina in una pineta", Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky

Anno di creazione: 1889
Museo

Shishkin era un eccellente ufficiale del paesaggio, ma ha dovuto dipingere gli animali raramente, quindi le figure dell'orso posero Savitsky, un eccellente artista animale. Alla fine del lavoro, Tretyakov ha ordinato di cancellare la firma di Savitsky, avendo considerato che Shishkin aveva fatto un lavoro molto più ampio.

"Ivan il terribile e il figlio del suo Ivan il 16 novembre 1581", il diya repin

Anni di creazione: 1883–1885
Museo: Galleria Tretyakov., Mosca.

La creazione di un capolavoro, più famosa per "Ivan Grozny uccide suo figlio", Repin ha ispirato la sinfonia di "Antar" romano-korsakov, vale a dire la sua seconda parte chiamata "dolcezza della vendetta". Sotto l'influenza dei suoni della musica, l'artista ha raffigurato una sanguinosa scena di omicidio e il successivo pentimento osservato negli occhi del sovrano.

"Demone seduto", Mikhail Vrubel

Anno di creazione: 1890
Museo: Galleria Tretyakov, Mosca

L'immagine era tra le trenta illustrazioni disegnate da Vrubel all'edizione dell'anniversario dei lavori M.YU. Lermontov. "Demone seduto" personifica i dubbi inerenti spirito umano, sottile, inafferrabile "umore dell'anima". Secondo gli esperti, l'artista era in una certa misura del demone: il "demone volante" e il "demone sconfitto" seguono questa immagine.

"Boar Morozova", Vasily Surikov

Anni di creazione: 1884–1887
Museo: Galleria Tretyakov, Mosca

Il dipinto era basato sulla trama delle vecchie forniture del "racconto di Boaraper Morozova". Comprensione immagine chiave Arrivò all'artista quando vide il corvo, le ali nere macchiate sulla tela della neve. Più tardi, Suikov stava cercando un prototipo per il volto della paura per molto tempo, ma non poteva scoprire nulla di adatto, fino a quando incontrò una donna-anziana nel cimitero con una faccia pallida ammorbidita. Schizzo di ritratto è stato completato in due ore.

"Bogatiri", Victor Vasnetsov

Anni di creazione: 1881–1898
Museo: Galleria Tretyakov, Mosca

Il futuro capolavoro epico è nato un piccolo schizzo a matita nel 1881; Per ulteriori lavori sulle valvole Vasnetsov, molti anni hanno raccolto le informazioni sugli eroi di miti, leggende e leggende, e ha anche studiato vecchie munizioni russe vecchie nei musei.

Analisi del dipinto di Vasnetsov "Three Heroes"

"Swimming Red Horse Bathing", Kuzma Petrov-Vodkin

Anno di creazione: 1912
Museo: Galleria Tretyakov, Mosca

Inizialmente, l'immagine è stata concepita come un campionamento domestico dalla vita del villaggio russo, tuttavia, durante il lavoro del tessuto dell'artista copriva un enorme numero di personaggi. Sotto il cavallo rosso, Petrov-Vodkin ha significato il "destino della Russia"; Dopo l'ingresso del paese nel primo guerra mondiale Esclamò: "Ecco perché ho disegnato questa foto!". Tuttavia, dopo la rivoluzione, gli storici dell'arte del protettore hanno interpretato la figura chiave della tela come "harbinger of rivoluzionari incendi".

"Trinità", Andrei Rublev

Anno di creazione: 1411
Museo: Galleria Tretyakov, Mosca

Icona, che ha pubblicato l'inizio della tradizione dell'iconografia russa dei secoli XV-XVI. La tela raffigurante la vecchia Trojet Trinità degli Angeli, che erano Avraham, è un simbolo dell'unità della Santa Trinità.

"Nono Val", Ivan Aivazovsky

Anno di creazione: 1850
Museo

Perla nel "nome della mappatura" del leggendario marinista domestico, che senza esitazione può essere attribuito al numero di famosi artisti del mondo. Possiamo vedere come un miracolo è sopravvissuto dopo che i navigatori di tempesta si aggrappano all'albero, in attesa di un incontro con il "nono albero", l'apogeo mitico di tutte le tempeste. Ma le tonalità calde che dominano la tela danno speranza per la salvezza delle vittime.

"L'ultimo giorno Pompei", Karl Brullov

Anni di creazione: 1830–1833
Museo: Museo russo, San Pietroburgo

Pittura Bryulllov, completata nel 1833, originariamente esposta nelle più grandi città d'Italia, dove la vera estensione è stata confrontata con Michelangelo, Tiziano, Rafael ... Il capolavoro non è stato incontrato senza meno entusiasmo, consolidando il soprannome "Karl Great". La foglia è veramente una grande: le sue dimensioni sono 4,6 per 6,5 metri, il che lo rende uno dei più grandi dipinti tra le creazioni degli artisti russi.

I dipinti più famosi di Leonardo da Vinci

"Monna Lisa"

Anni di creazione: 1503–1505
Museo: Louvre, Parigi

Capolavoro del genio fiorentino, non necessario. È interessante notare che lo stato del culto dell'immagine ha ricevuto dopo l'incidente con il rapimento dal Louvre nel 1911. Due anni dopo, il rapitore, che si è rivelato un dipendente del museo, ha cercato di vendere la stoffa nella Galleria degli Uffiza. Gli eventi di Affari rumorosi sono stati trattati in dettaglio nella stampa mondiale, dopo che centinaia di migliaia di riproduzioni sono stati ricevuti in vendita, e il misterioso jocond è diventato oggetto di adorazione.

Anni di creazione: 1495–1498
Museo: Santa Maria delle Grazie, Milano

Dopo cinque secoli, l'affresco con un classico trama sul muro del monastero domenicano refettorio di Milano è riconosciuto come uno dei dipinti più misteriosi della storia. Secondo l'idea di Da Vinci, l'immagine raffigurante il momento del pasto di Pasqua, quando Cristo sta notando gli studenti sul betrayal presto. Grande quantità simboli nascosti C'era un lotto enormemente tremendo di ricerca, alluzia, prestiti e parodie.

"Madonna Litta"

Anno di creazione: 1491
Museo: Hermitage, San Pietroburgo

Conosciuto anche come "Madonna con un bambino" una foto per un lungo periodo è stata conservata nella collezione dei Duchi di Litta, e nel 1864 fu acquistato da San Pietroburgo Hermitage. Molti esperti concordano sul fatto che la figura del bambino non è stata scritta di persona e Vinci personalmente, e uno dei suoi studenti è troppo insolito per la posa del pittore.

I dipinti più famosi di El Salvador Dali

Anno di creazione: 1931
Museo: Museo di arte contemporanea, New York

Paradossalmente, ma il lavoro più famoso del genio del surrealismo è nato con pensieri di formaggio Camambur. In una delle serate, dopo una cena accogliente, finendo con snack di formaggio, l'artista si tuffò a riflessioni sulla "polpa di diffusione", e la sua immaginazione disegnava un'immagine di come le ore di fusione con un ramo d'ulivo in primo piano.

Anno di creazione: 1955
Museo: galleria Nazionale Arte, Washington.

Trama tradizionaleChi ha ricevuto una tela surrealistica usando i principi aritmetici studiati da Leonardo da Vinci. Nella testa dell'angolo, l'artista ha messo una peculiare magia del numero "12", in partenza dal metodo ermeneutico di interpretazione della trama biblica.

I dipinti più famosi Pablo Picasso

Anno di creazione: 1905
Museo: Museo di Pushkin, Mosca

L'immagine è stata la prima deglutizione del cosiddetto periodo "rosa" nel lavoro di Picasso. La struttura ruvida e lo stile semplificato sono combinati con un gioco sensibile di linee e colori, il contrasto tra la massiccia figura di un atleta e le fragili ginnaste. La tela è stata venduta insieme a 29 opere per 2 mila franchi (totale) Parigi Collector Vollar, ha cambiato diverse collezioni, e nel 1913 ha acquisito un patrono russo Ivan Morozov, già per 13 mila franchi.

Anno di creazione: 1937
Museo: Museo Queen Sofia, Madrid

Gernik - Nome della città di Baskov, sottoposti a bombardamenti tedeschi nell'aprile del 1937. Picasso non è mai stato a Gernik, ma è stato stordito dalle scale della catastrofe come se il "colpo di corna rialzista". L'artista in forma astratta ha trasmesso gli orrori della guerra e mostrava il vero volto del fascismo, guidandolo con forme geometriche bizzarre.

Le immagini più famose del Rinascimento

"Sicstinskaya Madonna", Rafael Santi

Anni di creazione: 1512–1513
Museo: Galleria di Vecchi Maestri, Dresda

Se guardi da vicino nello sfondo posteriore, a prima vista composto da nuvole, puoi vedere che infatti Rafael ritrae la testa degli angeli. Due angeli situati nella parte inferiore dell'immagine sono conosciuti quasi più del capolavoro stesso, a causa dell'ampia conversione nell'arte di massa.

"Nascita di Venere", Sandro Botticelli

Anno di creazione: 1486
Museo: Galleria Uffizi., Firenze

Nel cuore del dipinto - l'antico mito greco della nascita afrodite da schiuma marina. A differenza di molti capolavori del Rinascimento, la tela è arrivata fino ad oggi in condizioni eccellenti a causa dello strato protettivo del tuorlo dell'uovo, che Botticelli ha coperto prudentemente il lavoro.

"Creazione di Adamo", Michelangelo Buonotti

Anno di creazione: 1511
Museo: Sicastinskaya Capella, Vaticano

Uno dei nove affreschi sul soffitto Sicstinskaya Capella.Illustrando il capitolo dall'essere: "E Dio ha creato un uomo nella sua immagine". È stato Michelangelo che è stato il primo a rappresentare Dio come il Messaggero del vecchio uomo, dopo di che questa immagine è diventata archetipica. Gli scienziati moderni ritengono che i contorni della figura di Dio e degli angeli personificano il cervello umano.

"Night watch", rembrandt

Anno di creazione: 1642
Museo: Museo di stato, Amsterdam.

Il nome completo dell'immagine è "Discorso della società del fucile Capitano Francia Bannang Coca e luogotenente Villem van Ryuteitbürga". Il titolo moderno della foto è stato ricevuto nel XIX secolo, quando sono stati trovati storici dell'arte, a causa del lavoro che copre il livello di sporco che decide che l'azione nella foto si verifica sotto la copertura dell'oscurità notturna.

"Giardino del piacere terreno", Jerome Bosch

Anni di creazione: 1500–1510
Museo: Museo Prado, Madrid "Black Square"

Malevich ha scritto "Black Square" per diversi mesi; La leggenda dice che sotto lo strato di vernice nera nasconde panno pittoresco "L'artista non ha avuto il tempo di finire il lavoro in tempo e nell'attacco di rabbia spalmato l'immagine. Ci sono almeno sette copie della piazza nera, realizzate dalla mano di Malevich, oltre a una peculiaia "continuazione" delle piazze suprematiche - "Piazza rossa" (1915) e "Bianco Square" (1918).

"Creek", Edward Munch

Anno di creazione: 1893
Museo: Galleria nazionale, Oslo

A causa dell'impatto mistico inspiegabile sullo spettatore, l'immagine è stata rapita nel 1994 e nel 2004. C'è un'opinione che l'immagine creata alla svolta del XX secolo ha anticipato numerose catastrofi del prossimo secolo. Simbolismo profondo "Cry" ha ispirato molti artisti, tra cui Andy Warhol

Questa tela causa ancora molte controversie. Parte dell'arte Gli storici ritengono che l'eccitazione intorno al dipinto disegnato nella tecnica della tecnologia spruzzata sia stata creata artificialmente. La tela non è stata venduta finché tutte le altre opere dell'artista sono state acquistate, rispettivamente, il prezzo per il capolavoro inespugnabile è decollato in paradiso. La "quinta sala" è stata venduta per $ 140 milioni, diventando l'immagine più costosa della storia.

"Diptych Marilyn", Andy Warhol

Anno di creazione: 1962
Museo: Tate Gallery, Londra

Una settimana dopo la morte di Marilyn Monroe arte scandalosa Ha iniziato a lavorare sul web. 50 Schermo Ritratti di attrice stilizzati nel genere "pop art" sono stati depositati sulla tela.
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In quasi tutte le significative opera d'arte c'è un mistero, "doppio fondo" o storia segretache vuoi rivelare.

Musica sui glutei

Jerome Bosch, "Garden of Earth Delights", 1500-1510.

Frammento di parte del trittico

Controversie sui valori e sui significati nascosti del lavoro più famoso artista olandese Non calpestare dal momento del suo aspetto. Sulla giusta fascia di trittico, intitolata "Hell musical", furono raffigurati i peccatori, che torturarono negli inferi con strumenti musicali. Uno di loro ha note sui glutei. Uno studente dell'Università cristiana Oklahoma Amelia Amelia, che ha studiato la foto, spostò la notazione del XVI secolo in modo moderno e ha registrato "una canzone del culo dall'inferno, che aveva 500 anni".

Nude mona lisa.

La famosa "Joconda" esiste in due versioni: la versione nuda è chiamata "Bagno di Monta", le ha scritto un artista poco conosciuto Salaya, che era uno studente e un simulatore del grande Leonardo da Vinci. Molti critici d'arte sono fiduciosi che è stato colui che era un modello per i dipinti di Leonardo "John Baptist" e "Bakhus". Ci sono anche versioni che la salaya vestita con un vestito da donna servito come la stessa Mona Lisa.

Vecchio pescatore

Nel 1902. artista ungherese Tivadar Kooky Chongwari ha scritto un quadro "vecchio pescatore". Sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nella foto, ma Tivar ha posato il sottotesto in esso, durante la vita dell'artista e non dichiarato.

Poche persone si sono verificate per applicare lo specchio al centro dell'immagine. In ogni persona può essere come Dio (duplicato spalla destra Uomo anziano) e il diavolo (sinistro della spalla sinistra vecchio).

Ed è stato il kit?

Hendrik van Antonissen "Scena sulla riva".

Sembrerebbe quello, paesaggio normale. Barche, persone sulla riva e mare deserto. E solo uno studio a raggi X ha mostrato che le persone riunite sulla riva non sono solo così - nell'originale consideravano la carcassa della Cina, gettata a terra.

Tuttavia, l'artista ha deciso che nessuno vorrebbe guardare la balena morta e riscritto l'immagine.

Due "colazione sull'erba"

Eduard Mana, "Colazione sull'erba", 1863.

Claude Monet, "colazione sull'erba", 1865.

Gli artisti Eduard Mana e Claude Monet sono talvolta confusi - dopotutto, erano entrambi francesi, vissero in una volta e lavoravano nello stile dell'impressionismo. Anche il nome di uno dei dipinti più famosi di Mana "colazione sull'erba" Monet prese in prestito e ha scritto la sua "colazione sull'erba".

Doppi sulla "la scorsa serata"

Leonardo da Vinci, "Ultima Cena", 1495-1498.

Quando Leonardo da Vinci ha scritto " Cena del mistero"Ha allegato significato speciale Due figure: Cristo e Giuda. Stava cercando simulatori per loro per un tempo molto lungo. Infine, è riuscito a trovare un modello per l'immagine di Cristo tra i giovani cantanti. Per prendere un simulatore per Giuda Leonardo non è stato in grado di tre anni. Ma un giorno incontrava la strada su un ubriacone, che stava sdraiata in una reflue. Era un giovane uomo che era una non digestione. Leonardo lo invitò al ristorante, dove iniziò immediatamente a scrivere da lui Giuda. Quando il bevitore arrivò a se stesso, disse all'artista che un giorno già lo posò. Era qualche anno fa quando ha cantato nel coro della chiesa, Leonardo ha scritto da lui Cristo.

"Night watch" o "giorno"?

Rembrandt, " L'orologio notturno", 1642.

Uno dei dipinti più famosi di Rembrandt "discorso della compagnia del fucile Capitano Francia Bannang Coca e luogotenente Villem van Ryuteitbürga" Circa duecento anni ha controllato sale diverse e fu scoperta dagli storici dell'arte solo nel XIX secolo. Dal momento che sembrava che le figure si esibiscano su uno sfondo scuro, si chiamava "orologi notturni", e sotto questo titolo entrò nel tesoro dell'arte mondiale.

E solo durante il restauro speso nel 1947, fu scoperto che nella sala l'immagine riuscì a essere coperta da uno strato di fuliggine, distorcendo il suo sapore. Dopo aver cancellato il dipinto originale, si è scoperto che la scena rappresentata da Rembrandt si verifica effettivamente durante il giorno. La posizione dell'ombra dalla mano sinistra del capitano Coca mostra che il momento dell'azione non è superiore a 14 ore.

Barca invertita

Henri Matisse, "barca", 1937.

Nel New York Museum of Contemporary Art nel 1961, è stata esposta una foto di Henri Matisse "Boat". Solo dopo 47 giorni qualcuno ha attirato l'attenzione sul fatto che l'immagine si blocca sottosopra. Sulla tela raffigurata 10 linee viola e due vele blu su uno sfondo bianco. Due vele, l'artista dipinto non solo così, la seconda vela è un riflesso della prima acqua.
Per non commettere un errore nel modo in cui l'immagine dovrebbe appendere, è necessario prestare attenzione ai dettagli. Una vela più grande deve essere la cima dell'immagine, e il picco del modello di vela deve essere diretto all'angolo superiore destro.

Cheating in autoritratto

Vincent van Gogh, "autoritratto con un tubo", 1889.

Il fatto che Van Gogh presumibilmente tagliò il suo orecchio, vai leggende. Ora il più affidabile è la versione che l'orecchio van Gogh è danneggiato in una piccola dimistruzione con la partecipazione di altri campi artisti - Gogen.

L'autoritratto è interessante in quanto riflette la realtà in forma distorta: l'artista è raffigurato con un orecchio destro bendato, perché ha usato uno specchio durante il funzionamento. In effetti, l'orecchio sinistro ha sofferto.

Aliens Mishki.

Ivan Shishkin, "Mattina in una pineta", 1889.

Il famoso pittura appartiene non solo per il pennello di Shishkin. Molti artisti che erano amichevoli tra loro spesso ricordarono la "Aiuto di un amico", e Ivan Ivanovich, ha avuto un'intera vita con paesaggi, temeva che il toccamento degli orsi non avrebbe funzionato con lui come era necessario. Pertanto, Shishkin ha fatto appello al familiare artista animalista Konstantin Savitsky.

Savitsky ha dipinto a malapena non i migliori orsi nella storia della pittura russa, e la Tretyakov comandò il suo cognome dalla tela, perché tutto nella foto "Dal piano e finisce con il compimento, tutto parla del modo di pittura, sulla creatività Metodo per Shishkin. "

Storia innocente "Gothic"

Grant Wood, " gotico americano", 1930.

Il lavoro del legno di sovvenzione è considerato uno dei più strani e depressivi della storia. pittura americana. Il dipinto con il padre e la figlia cupo è pieno di dettagli che indicano la gravità, la puritanza e il retrogrado della gente raffigurata.
In effetti, l'artista non ha pensato di ritrarre alcun orrore: durante il viaggio in Iowa e notò una piccola casa in stile gotico E ho deciso di ritrarre quelle persone che, a suo avviso, idesserebbero idealmente come abitanti. Sotto forma di personaggi, che sono così offesi dagli abitanti di Iowa, la sorella della sovvenzione e il suo dentista sono immortalato.

Revenge of Salvador Dali

L'immagine "figura vicino alla finestra" è stata scritta nel 1925, quando DALI aveva 21 anni. Poi l'artista non è ancora entrato in gala, e il suo museo era Suor Ana Maria. Il rapporto di fratello e sorelle si è deteriorato quando ha scritto su una delle immagini "A volte sputo sul ritratto della mia madre, e mi dà piacere". Ana Maria non ha potuto perdonare un tale shock.

Nel suo libro del 1949, Salvador ha dato gli occhi di sua sorella "scrive di suo fratello senza alcuna lode. Il libro ha portato Salvador a rabbia. Un altro dieci dopo di ciò, era arrabbiato con l'altro caso. E così, nel 1954 un'immagine "La giovane Vergine, indulgere in Sodomsky il peccato con l'aiuto delle corna della sua stessa castità appare". Posa di una donna, i suoi riccioli, un paesaggio fuori dalla finestra e i dipinti dello schema dei colori stanno chiaramente echeggiando con la "figura della finestra". C'è una versione che mi è stata data una sorella vendicata per il suo libro.

Doppio Dana

Rembrandt Harmans Wang Reno, "Dana", 1636 - 1647.

Molti segreti di uno dei dipinti più famosi di Rembrandt furono descritti solo negli anni '60 del XX secolo, quando la tela illuminata raggi X.. Ad esempio, le riprese hanno dimostrato che nella versione iniziale, il volto della principessa, che è entrato in un rapporto d'amore con Zeus, era simile al volto di Saskiy - il coniuge del pittore, morto nel 1642. Alla versione finale della foto, cominciò ad assomigliare al volto di Herges Dirks - Lovers Rembrandt, con cui l'artista visse dopo la morte di sua moglie.

Camera da letto gialla Van Gogh

Vincent van Gogh, "Camera da letto a Arles", 1888 - 1889.

Nel maggio 1888, Van Gogh ha acquisito un piccolo laboratorio ad Arle, nel sud della Francia, dove è sfuggito a non capire i suoi artisti e critici di Parigi. In una delle quattro stanze, Vincent posiziona la camera da letto. A ottobre, tutto è pronto, e decide di disegnare una "camera da letto van Gogh in Arles". Per l'artista, è stato molto importante da aroma, il comfort delle camere: tutto avrebbe dovuto essere fatta ai pensieri in vacanza. Allo stesso tempo, l'immagine è resistente ai toni gialli ansiosi.

I ricercatori della creatività di Van Gogh lo spiegano dal fatto che l'artista ha preso uno spruzzato - un rimedio per l'epilessia, che causa gravi cambiamenti nel paziente nella percezione del colore: tutta la realtà circostante è dipinta nei toni verdi-gialli.

Perfezione senza denti

Leonardo da Vinci, "Ritratto della signora Liza del Jocondo", 1503 - 1519.

L'opinione generalmente accettata è che Mona Lisa è la perfezione e un sorriso è bello con la sua misteriosità. Tuttavia, l'American Art Historian (e il dentista part-time) Joseph Borkovsky crede che, a giudicare dall'espressione del viso, l'eroina perse un sacco di denti. Studiare le foto ingrandite del capolavoro, Borkovski ha scoperto anche le cicatrici intorno alla sua bocca. "Sorride così a causa di ciò che le è successo", crede l'esperto. - L'espressione del suo viso è in genere per le persone che hanno perso i suoi denti anteriori ".

Maggiore su facingontrol.

Pavel Fedotov, "Major's Major", 1848.

Il pubblico, che ha visto per la prima volta l'immagine del "orologcio d'orotta" del maggiore, rise dall'anima: l'artista di Fedotov riempito di dettagli ironici, spettatori comprensibili di quel tempo. Ad esempio, il maggiore non ha chiaramente familiarità con le regole della nobile etichetta: è apparso senza bouquet posati per la sposa e sua madre. E la sposa stessa, i suoi genitori mercantili furono scaricati la sera abito da balloAnche se nel giorno del cortile (tutte le lampade nella stanza sono estinte). La ragazza ha chiaramente provato un vestito decorato, confuso e cerca di fuggire nel suo Bel.

Perché la libertà è nuda

Ferdinan Victor Eugene Delakrua, "Libertà sui barricate", 1830.

Secondo lo storico dell'arte Etienne Juli, Delacroix ha scritto il volto di una donna con i famosi rivoluzionari parigini - la missure di Anna-Charlotte, che andò alle barricate dopo la morte di suo fratello dalle mani dei soldati reali e uccise le guardie dei ninter. L'artista lo ha raffigurato con il seno nudo. Secondo lui, questo è un simbolo di mancanza di paura e dedizione, così come le celebrazioni della democrazia: il petto di Nagaya mostra quella libertà, come un cappello semplice, non è un corsetto.

Square Square.

Kazimir Malevich, "Black Suprematic Square", 1915.

Infatti, la "quadrata nera" non è affatto nera e non è affatto il quadrato: nessuno dei lati del quadrilatero non è parallelo ad altro lato, e non uno dei lati del telaio quadrato, che l'immagine è incorniciata . E il colore scuro è il risultato della miscelazione colori differenti, tra cui non era nero. Si ritiene che non sia stata la negligenza dell'autore, ma una posizione fondamentale, il desiderio di creare una forma dinamica e mobile.

Gli specialisti della Galleria Tretyakov hanno trovato l'iscrizione dell'autore presso la famosa immagine di Malevich. L'iscrizione legge: "Battaglia dei neri in dark Cave." Questa frase invia al nome dell'immagine scherzante del giornalista francese, lo scrittore e l'artista Alfons Alla "Battaglia dei neri nella grotta oscura del profondo di notte", che era assolutamente il rettangolo nero.

Melodrama della Mona Lisa austriaca

Gustav Klimt, "Ritratto di Adelie Bloch-Bauer", 1907.

Su uno dei climi più significativi, la moglie del magnata di zucchero austriaco Fetinad Bloch Bauer è stato catturato. Tutto Vienna discusso tempestoso romano ADELE I. il famoso artista. Un marito vulnerabile voleva vendicarsi con gli amanti, ma scegliere un modo molto insolito: decise di ordinare un ritratto del ritratto di Adeeli e farlo fare centinaia di schizzi fino a quando l'artista inizia a girando da lei.

Bloch Bauer ha voluto lavorare per durare diversi anni, e un simulatore poteva vedere come i sentimenti di Clima potessero agitarsi. Ha fatto un'artista una proposta generosa, da cui non poteva rifiutare, e tutto sviluppato sullo scenario di un marito ingannato: il lavoro è stato completato per 4 anni, gli amanti hanno rinfrescato a lungo l'un l'altro. Adel Bloch Bauer non ha mai saputo che suo marito era consapevole della sua relazione con Clima.

Foto che ha restituito Gogen alla vita

Paul Gajen, "Da dove siamo venuti? Chi siamo? Dove stiamo andando?", 1897-1898.

La tela più famosa di Hogen ha una caratteristica: è "leggendo" senza sinistra a destra, ma a destra a sinistra, come i testi kabbalistici a cui era interessato. È in questo ordine che l'allegoria della vita spirituale e fisica di una persona si svolge: dall'origine dell'anima (bambino addormentato nell'angolo in basso a destra) alla inevitabilità dell'ora di morte (uccello con una lucertola in artigli nel angolo in basso a sinistra).

La foto è stata scritta da Gogen su Tahiti, dove l'artista correva più volte dalla civiltà. Ma questa volta, la vita sull'isola non ha specificato: la povertà totale lo ha portato alla depressione. Dopo aver terminato la tela, che avrebbe dovuto diventare il suo testimonio spirituale, Gauguen prese una scatola con Arsenico e andò in montagna per morire. Tuttavia, non ha calcolato la dose e il suicidio non è riuscito. Nel mattino successivo, lui, swing, non conosceva la capanna e si addormentò, e quando si svegliava, sentì la sete dimenticata per la vita. E nel 1898, i suoi affari sono andati in salita, e nel lavoro iniziò il loro periodo luminoso.

112 Proverbi su un'immagine

Peter Bruegel - Senior, "Proverbi olandesi", 1559

Peter Bruegel - Senior raffigurato la terra abitata dalle immagini letterale proverbi olandesi Quei giorni. In una foto scritta, ci sono circa 112 idiomi riconosciuti. Alcuni di loro sono usati fino ad oggi, ad esempio, come ad esempio: "Vola contro la corrente", "Combatti la testa del muro", "armati ai denti" e "Big Bish mangia uno piccolo".

Altri proverbi riflettono l'assurdità umana.

Soggettività dell'art

Paul Gogen, "Breton Village sotto la neve", 1894

Il dipinto del gogen "Breton Village nella neve" è stato venduto dopo la morte dell'autore in soli sette franchi e, inoltre, chiamato Cascate del Niagara. Un uomo che ha trascorso l'asta rialzò accidentalmente una foto delle sue gambe, vedendo una cascata in esso.

Pittura nascosta

Pablo Picasso, Blue Room, 1901

Nel 2008, la radiazione a infrarossi ha mostrato che una "stanza blu" era nascosta un'altra immagine - un ritratto di un uomo vestito in un vestito con una farfalla e mise la testa sulla sua mano. "Non appena è apparso Picasso nuova ideaÈ stato preso per il pennello e la incarniera. Ma non aveva l'opportunità di comprare new Canvas. Ogni volta che hai visitato Muse ", spiega causa possibile Questa critica d'arte di Patricia Favero.

Inaccessibile marocchanika.

Zinaida Serebryakova, "Nagaya", 1928

Una volta che Zinaida Serebryakova ha ricevuto un'offerta allettante - Vai a un viaggio creativo per ritrarre le figure nude di East Dev. Ma è risultato che in quei luoghi per trovare i simatori semplicemente impossibili. Un traduttore di Zinaida è venuto in soccorso - guidò le sue sorelle e una sposa a lei. Nessuno prima e dopo questo non è riuscito a catturare il chiuso donne orientali Nudo.

Illusione spontanea

Valentin Serov, "Ritratto di Nicholas II in una pressione", 1900

Per molto tempo, Serov non poteva scrivere un ritratto del re. Quando l'artista si arrese affatto, si è scusato a Nikolai. Nikolai era un po 'arrabbiato, si sedette al tavolo, allungando le mani di fronte a lui ... e poi l'artista dipinto - ecco un'immagine! Un semplice militare nel tubero di un ufficiale con occhi puri e tristi. Questo ritratto è considerato la migliore immagine dell'ultimo imperatore.

Di nuovo doppio

© Fedor Reshetnikov.

Il famoso dipinto "di nuovo due" è solo la seconda parte della trilogia artistica.

La prima parte è "arrivata in vacanza". La famiglia ovviamente protetta, vacanze invernali, uno studente studentesco allegro.

La seconda parte è "di nuovo souce". Famiglia correlata con periferia lavorativa, altezza anno scolastico, Puraden Obella, di nuovo afferrato un due. Nell'angolo in alto a sinistra, l'immagine "arrivata in vacanza" era visibile.

La terza parte è "riesame". Casa di campagna, estate, a piedi, una disuguaglianza dannosa, avendo fallito l'esame annuale, è costretto a sedersi in quattro pareti e strumenti. Nell'angolo in alto a sinistra, è visibile una foto "due".

Come nascono i capolavori

Joseph Turner, "pioggia, coppie e velocità", 1844

Nel 1842, la signora Simon ha viaggiato in treno in Inghilterra. Improvvisamente iniziò una doccia forte. Il signore anziano, che era seduto di fronte a lei, si alzò, aprì la finestra, ha attaccato la testa e guardò dieci minuti. Incapace di mantenere la tua curiosità, la donna ha anche aperto la finestra e cominciò a guardare avanti. Un anno dopo, ha trovato una foto di "pioggia, coppie e velocità" presso la mostra della Royal Academy of Arts ed è stata in grado di riconoscere lo stesso episodio in esso.

Lezione di anatomia da Michelangelo

Michelangelo, "Creazione di Adamo", 1511

Un paio di esperti americani nel campo della neuroanatomia credono che Michelangelo abbia effettivamente lasciato alcune illustrazioni anatomiche in uno dei suoi più lavoro famoso. Credono che nella parte giusta della foto raffigura un enorme cervello. È sorprendente, ma puoi trovare componenti anche complessi, come cerebellum, nervi ottici e ghiandola pituitaria. E il nastro fuso verde coincide perfettamente con la posizione dell'arteria vertebrale.

"Ultima cena" van Gogh

Vincent van Gogh, " Terrazza notturna Cafe ", 1888

Explorer Jared Baxter crede che sulla tela Van Gogh "Night Terrace Cafe" è crittografata dalla dedizione della "serata segreta" Leonardo da Vinci. Nel centro della foto c'è un cameriere con capelli lunghi E in una tunica bianca, ricordando i vestiti di Cristo, e intorno a lui esattamente 12 visitatori Cafe. Anche Baxter attira l'attenzione sulla croce, situata proprio dietro la schiena del cameriere in bianco.

La memoria di Dali.

Salvador Dali, "costanza della memoria", 1931

Non è un segreto che i pensieri che frequentano DALI durante la creazione dei suoi capolavori erano sempre sotto forma di molto immagini realisticheche l'artista ha sopportato la tela. Quindi, secondo lo stesso autore, l'immagine "costanza della memoria" è stata scritta a seguito di associazioni che sorgono a forma di formaggio fuso.

Cosa urla la munk.

Edward Munk, Creek, 1893.

La munk ha detto alla comparsa dell'idea di uno dei dipinti più misteriosi della pittura mondiale: "Ho camminato lungo il sentiero con due amici - il sole era seduto - il cielo è diventato inaspettatamente rossa, ho sospeso, sentendo Esausto, e appoggiato al recinto - Ho guardato il sangue e le lingue di fiamma su un fiordo bluastro-nero e la città - i miei amici sono andati oltre, e mi sono alzato, tremando dall'eccitazione, sentendo un grido infinito, piercing. " Ma che tipo di tramonto potrebbe spaventare l'artista?

C'è una versione che l'idea di "urlo" è nata al mulino nel 1883, quando si sono verificate diverse eruzioni più forti del vulcano di Krakataau, così potente che hanno cambiato la temperatura dell'atmosfera della terra in un grado. Quantità abbondante di polvere e cenere diffuse in tutto ground Shar., venendo anche in Norvegia. Diverse serate di fila, i tramonti sembravano come se, l'apocalisse sarebbe - uno di loro era la fonte dell'ispirazione dell'artista.

Scrittore nella gente

Alexander Ivanov, "il fenomeno della gente di Cristo", 1837-1857.

Dozzine di simulatori hanno posto Alexander Ivanov per la sua immagine principale. Uno di questi è noto per non meno dell'artista. Sullo sfondo, tra i traversini e i cavalieri romani, che non hanno ancora sentito la predicazione di Giovanni I precursori, puoi vedere il personaggio di Korchin Chiton. Il suo Ivanov ha scritto da Nicholas Gogol. Lo scrittore allentò con l'artista in Italia, in particolare sulle questioni religiose e gli ha dato consigli nel processo di scrittura dell'immagine. Gogol credeva che Ivanov "fosse morto a lungo per il mondo intero, tranne che per il suo lavoro".

Gotta michelangelo.

Rafael Santi, Atene School, 1511.

Creare il famoso affresco "Atene School", Rafael perpetuava i suoi amici e conoscenti nelle immagini degli antichi filosofi greci. Uno di questi era Michelangelo Buonotti "nel ruolo di" Herclite. Diversi secoli affresco hanno tenuto i segreti della vita personale di Michelangelo, e ricercatori moderni Hanno fatto un'ipotesi che il ginocchio stranamente arrabbiato dell'artista testimonia la presenza di malattia delle articolazioni.

È probabile che considerà le caratteristiche dello stile di vita e le condizioni di lavoro degli artisti del Rinascimento e dell'operacolismo cronico Michelangelo.

Specchio coppia arnolfini.

Yang van Eyk, "Ritratto di Arnolphin Fau", 1434

Nello specchio dietro i coniugi di Arnolphin, puoi vedere il riflesso di altre due persone nella stanza. Molto probabilmente, questi sono testimoni presenti alla conclusione del contratto. Uno di questi è Van Eyke, come evidenziato dall'iscrizione latina, collocata, contrariamente alla tradizione, sopra lo specchio nel centro della composizione: "Jan van Eyk era qui". Così solitamente contratti fissi.

Come un difetto si trasformò in un talento

Rembrandt Harmans Wang Reno, "autoritratto all'età di 63", 1669.

Ricercatore Margaret Livingston ha studiato tutti gli autoritratti Rembrandt e hanno scoperto che l'artista ha sofferto come uno strabismo: nelle immagini, i suoi occhi guardano direzioni diverse, che non è osservato sui ritratti dei pennelli di altre persone. La malattia ha portato al fatto che l'artista potrebbe meglio percepire la realtà in due dimensioni rispetto alle persone con una visione normale. Questo fenomeno è chiamato "stereo" - l'incapacità di vedere il mondo in 3D. Ma poiché il pittore deve lavorare con un'immagine bidimensionale, era questa carenza di Rembrandt che potrebbe essere una delle spiegazioni del suo talento fenomenale.

Sicuro Venere.

Sandro Botticelli, "nascita di Venere", 1482-1486.

Prima dell'aspetto della "nascita di Venere", l'immagine di un corpo femminile nudo nella pittura simboleggiava solo l'idea del peccato originale. Sandro Botticelli Il primo dei pittori europei non ha trovato nulla di peccaminoso. Inoltre, gli storici dell'arte sono fiduciosi che la dea pagana dell'amore simboleggia sull'affresco immagine cristiana: Il suo fenomeno è l'allegoria del Rinascimento dell'anima, che ha superato il rito del battesimo.

Butterist o macellaio?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, "Butterist", 1596.

Per molto tempo, l'immagine è stata esposta nell'Hermitage chiamata "Butcher's". Solo all'inizio del XX secolo, gli storici dell'arte hanno convenuto che la canvasa mostra ancora il giovane (probabilmente il Caravaggio ha posato il suo artista familiare Mario Minni): sulle note di fronte al musicista, la registrazione del bassy Party Madrigala Jacob Arcaader " Sai che ti amo ". Una donna potrebbe difficilmente fare una tale scelta - è solo difficile per la gola. Inoltre, un liuto, come un violino al limite dell'immagine, era considerato uno strumento maschile nell'era del Caravaggio.

Parlando del genere del paesaggio è impossibile non rivolgersi al lavoro dei grandi giocatori del paesaggio. Ora è difficile immaginare che duecento anni fa, una tale cosa come un paesaggio, non è ancora esistita. Le tradizioni dei dipinti del paesaggio russo hanno iniziato a formare solo alla fine XVIII secolo.. Prima di ciò, gli artisti hanno scritto sotto l'influenza del italiano e maestri francesi, Natura incisione secondo le leggi accademiche della costruzione, considerata obbligatoria nella pittura di quel tempo.

Un enorme contributo allo sviluppo del paesaggio russo ha fatto una partnership mostre mobili (Mobile) sotto la guida di I. N. Kramsky. Gli artisti hanno sfidato la bellezza di sciocchezze della natura russa, semplicità paesaggi rurali, ammende distese della Russia.

I più grandi maestri del paesaggio:

Alexey Kondratievich Savrasov (1830-1897)
Ivan Konstantinovich Aivazovsky (1817-1900)

Ivan Ivanovich Shishkin (1832-1898)

Arte di I.I. Shishkin è sorprendentemente chiaro e trasparente. I suoi dipinti sono la fauna selvatica, la sua bellezza. Ha creato l'arte del paesaggio con boschetti conifere, con un razl non routing, con tutta la semplicità del paesaggio settentrionale.

All'età di 12 anni nell'insistenza di suo padre è stato definito nel 1 ° ginnasio di Kazan. Il corso completo non ha finito. Nel 1852, si è trasferito a Mosca ed è entrato nella scuola di pittura, spaventosa e architettura. Qui, A. N. Mokritsky divenne il mentore di Shishkin. Dopo la laurea per il corso (1856), è stato consigliato uno studente di talento di continuare la loro istruzione a San Pietroburgo all'Accademia delle Arti. Il suo apprendimento è stato guidato da S. M. Vorobyov.

Gli insegnanti hanno immediatamente annotato la tendenza dello Shishkin al pittura del paesaggio. Già nel primo anno di soggiorno all'Accademia, è stata premiata una piccola medaglia d'argento per "vista nelle vicinanze di San Pietroburgo". Nel 1858, l'artista ha ricevuto una grande medaglia d'argento per la pittura "vista sull'isola di Valaam".

I successi raggiunti hanno permesso a Shishkin di fare un viaggio straniero come borsa di studio dell'Accademia. Il viaggio è iniziato con Monaco (1861), dove Ivan Ivanovich ha partecipato ai laboratori di artisti animali popolari B. e F. Adamo. Nel 1863, Shishkin si trasferì a Zurigo, poi a Ginevra, Praga, Düsseldorf. Scorso per la patria, è tornato a Petersburg nel 1866, prima della scadenza delle sue borse di studio.

In Russia, l'artista è stato assegnato il titolo di Accademico (1865). Da quel momento, è iniziato il periodo più fruttuoso della creatività della pittura. Immagini "squillo della foresta" (1867), "Rye" (1878), "Pini illuminati dal sole" (1886), "Mattina nella foresta di pini" (1889; gli orsi sono stati scritti da K. A. Savitsky), "Ship Grove" (1898) e molti altri.

Shishkin ha lavorato attivamente al Plenier, spesso intrapreso con uno scopo artistico di viaggiare in Russia. Ha quasi esposto annualmente le sue opere - prima all'Accademia, e poi, dopo la commendazione del cellulare esibizione artistica (1870), su queste fiere.

Ivan Iyich Levitan (1860-1900)

Nato il 30 agosto 1860 nella città lituana di Cybartai in famiglia ebraica. Il padre era piccolo dipendente nella gestione urbana. Poco dopo la nascita del figlio più giovane, la famiglia si è trasferita a Mosca. All'età di 13 anni, Isaac ha preso parte alla Scuola di Mosca di Pittura, spaventosa e architettura, in classe A. K. Savrasova e V. D. Polenova. Dall'inizio, Levitan ha guadagnato le lezioni e i ritratti personalizzati. Brillantemente laureato dalla scuola, ma a causa dell'origine, è stato assegnato il diploma di un certificato.

La prima immagine principale " Dimora silenziosa"Ha scritto dopo il viaggio nel 1890 nel nord russo. La tela ha acquisito P. M. Tretyakov per la sua galleria. Nel 1892, l'artista è stato costretto a lasciare Mosca, poiché gli ebrei non erano autorizzati a rimanere nelle capitali. Si è sistemato in un villaggio, situato lungo il tratto Vladimir, secondo i quali il Catzhan ha guidato in Siberia. L'artista ha catturato questi luoghi nella foto "Vladimirk" (1892). Negli anni '90. Levitan ha fatto un altro viaggio, questa volta lungo il Volga. C'era una foto di "vento fresco". VOLGA "(1891-1895). L'esacerbazione della tubercolosi ha causato la partenza dell'artista all'estero, alla Francia, poi all'Italia, anche se i problemi degli amici hanno contribuito a portarlo il permesso di ospitare a Mosca.

Tornando a casa, dal 1898, Levitan cominciò a guidare la classe del paesaggio nella scuola, che si è laureato. Ha deteriorato la sua salute, e nel 1899 l'artista presso l'invito di A. P. Chekhov andò a Yalta. Tornando, inizialmente cominciò a insegnare, ma la salute ha continuato a deteriorarsi, e il 4 agosto 1900, Levitan è morto.

I paesaggi del cantante della natura russa non sono solo un'immagine fotografica della natura - l'artista è riuscito a trasferire il suo respiro dal vivo. Non c'è da meravigliarsi Critico V. V. Stasov chiamato i dipinti di Luvitan da parte di poesie emotive. Allo stesso tempo, Levitan non era solo un magnifico paesaggio. Il suo patrimonio creativo disegna anche immagini, acquerelli, illustrazioni di libri.

Per il nome Isaac Levitan collega la città del film. Levitan arriva nei piatti tre anni di fila, nel 1888-1890. NO nelle vicinanze del film non è un singolo angolo e percorsi, ovunque grande maestro. Ispirato alle bellezze magiche del film, scrive quasi 200 dipinti qui e Etudes! Ora famosi dipinti: "oltre regione eterna", "Dopo la pioggia. Pulci "," sera. I file d'oro, "Birch Grove" e molti altri - sono diventati la decorazione delle collezioni della Galleria Tretyakov, il museo russo e molti incontri in Russia e all'estero.

Vasily Dmitrievich Polenov (1844-1927)

Nato il 1 giugno 1844 nella tenuta Borz (ora Polenovo in Regione di tula) Nella famiglia di archeologo e bibliografia D. V. Polenova. Dopo aver ricevuto l'istruzione secondaria, è entrata in vasellamente alla San Pietroburgo Academy of Arts (1863) e un po ' successivamente iniziò Partecipa alle lezioni presso la Facoltà della Legge dell'Università.

Nel 1872, si è laureato a entrambi i corsi con gli onori del Polenov assegnato un viaggio all'estero a spese dell'Accademia. Ha visitato Vienna, Venezia, Firenze, Napoli, visse a Parigi per molto tempo. Una visita di visita era di breve durata; Nel 1876, l'artista è andato a un volontario presso la guerra serbo-Chernogor-turca.

Negli anni successivi, molto viaggiava attraverso il Medio Oriente e Grecia (1881-1882, 1899, 1909), Italia (1883-1884, 1894-1895). Nel 1879, si unì alla Società degli artisti cinematografici. Nel 1882-1895. Ha insegnato nella scuola di Mosca di pittura, scultura e architettura.

Il grado di merito Polenov nel 1893 è stato eletto da un membro valido dell'Accademia delle Arti. Dal 1910, era impegnato nello sviluppo di teatri provinciali, dopo tre anni dal capo della sezione speciale nella Moscow Society of People's Universities.

Polenov è noto come autore del divorzio funziona. Ha applicato agli argomenti storici e religiosi - "Cristo e peccato" (1886-1887), "sul lago Tivsel" (1888), "tra gli insegnanti" (1896); Nel 1877, ha creato una serie di etudi dei Consigli del Cremlino e delle camere del Palazzo; A tempi diversi, lo scenario teatrale ha fatto. I suoi schizzi sono stati costruiti chiese in Abramtsev (in co-paternità con V. M. Vasnetsov) e a Behov sotto Tuire (1906). Ma la più grande gloria di Polenov ha portato paesaggi: "Monshow Courtyard" (1878), "Babushin Garden", "Estate" (sia 1879), "Pond" invaso "(1880)," Autunno dorato"(1893), trasmettendo il fascino poetico degli angoli della vita urbana e la natura russa incontaminata.

Gli ultimi anni di vita, l'artista trascorse nella tenuta di Borok, dove ha organizzato il museo dell'arte e delle collezioni scientifiche. Qui dal 1927 c'è un museo-Usadba V. D. Polenova.

Alexey Kondratievich Savrasov (1830 - 1897)

L'artista è nato 12 (24) nel maggio 1830 a Mosca, nella famiglia di un mercante della terza gilda di Kondiya Artemyevich Savrasova. Contrariamente ai desideri del Padre, che ha sognato di adattare il figlio a "affari commerciali", un ragazzo nel 1844 entrò nella scuola di Mosca di pittura e Vajania, dove ha studiato nella classe del responsabile del paesaggio K.i. Probus. Durante la formazione, nel 1850 avevano una foto della "pietra nella foresta alla fuoriuscita", quali storici dell'arte considerano un po 'goffo lungo la composizione. Nello stesso anno, per il dipinto "la vista del Kremlin di Mosca sotto la luna" è stato premiato il titolo di un artista non di classe.

Membro del fondatore dell'Associazione delle mostre d'arte mobile (vedi film). NEL lavori anticipati C. Gli effetti romantici prevalgono ("Vista del Cremlino in Pioggia Meteo", 1851, Galleria Tretyakov).

Nel 1850-60. Savrasov procede più spesso a calmi, immagini narrative, in alcuni casi di opere contrassegnate dal desiderio per il colore dell'unità delle opere ("Losine Island in Sokolniki", 1869, lì), per rafforzare il suono emotivo dell'illuminazione. Il risultato di queste ricerche è stato il quadro "Graci Flew" (1871, Ibid), dove Savrasov, raffigurante un motivo esternamente rigoroso e enfatizzando nella vita dell'ambiente naturale di un inachness (offensivo inizio primavera), è riuscito a mostrare profonda incessia natura nativa. Lyric Immediacy, interesse per la prigionia e le successive opere di Savrasova ("Rasklok", 1873, "Dvorik", 1870; "Tomb Over Volga", 1874, Assemblea privata, Mosca).

Alexey Savrasov, uno dei maggiori rappresentanti della destinazione lirica nel paesaggio russo, ha avuto un enorme impatto sui giocatori del paesaggio russo della fine del 19 ° - inizio del XX secolo.

Concluso a.k. Savrasov 26 settembre 1897, sepolto a Mosca, su Cimitero vagankovsky.. Il vicolo su cui è sepolto, porta il suo nome. Il suo studente preferito era Isaac Levitan

Archka Ivanovich Kindji (1841-1910)

Nato nel gennaio 1841 a Mariupol nella famiglia di un calzolaio, greco per origine. Osapotev, allevato nella famiglia di parenti. Iniziò presto a disegnare e padroneggiare il dipinto per lo più indipendentemente.

Nel 1855, a piedi è andato a Feodosia per imparare da I. K. Aivazovsky. Influenza famoso marinista Su Young Queenji è stato indubbiamente. Alla fine degli anni '60. Queenji è venuto a San Pietroburgo. Il primo lavoro, l'artista presentato nel 1868 alla mostra dell'Accademia delle Arti e presto è stato fermamente stabilito come maestro del paesaggio: "Autunno Rasolia" (1872); "Villaggio dimenticato" (1874); "Tratto Chumatsky in Mariupol" (1875) e altri.

Nel 1870, per la prima volta visitato l'isola di Valaam, dove successivamente verniciato. Mentre i contemporanei credevano, i paesaggi sono stati creati lì hanno attirato l'attenzione del pubblico.

La pittura "ucraina notte" (1876) è stata semplicemente rubata al pubblico e determinato il percorso speciale dell'autore dell'art. Con lei, Quinji iniziò la sua "ricerca della luce" - ha cercato di raggiungere la piena illusione illuminazione naturale. NEL massimo grado Questo si manifestava nella foto "Night on the Dnieper" (1880) con un sentiero lunare frizzante, in oscurità vellutata.

Il pittore in una nuova strada ha rivelato le possibilità del paesaggio, della trasformazione, della pulizia e della realtà elevata. Ha cercato la straordinaria intensità e luminosità delle vernici, nuove soluzioni di colore. Numerosi dipinti e schizzi "soleggiati" sono caratteristici di esso (tra cui "Birch Grove", 1879).

Tendi saturati a contrasto teso, effetti di luce - tutto questo era insolito per pittura XIX. nel. fenomeno. L'incomprensione dei colleghi ha costretto il tipo di Kindji al momento del più alto successo per rifiutare di partecipare alle mostre. NEL ultima volta Ha mostrato il suo lavoro nel 1882

L'artista visse la mandria nella Crimea, dove ha creato una serie di grandi calendine e centinaia di etudi, continuando a sperimentare con vernici e colori. Tra le opere successive di Queenji è l'unica storia della storia di Cristo (1901) e respirando la straordinaria armonia "notte" (1905-1908)

Nel 1909, l'ARCHUP IVANOVICH fondò la Società degli artisti (che poi ha ricevuto il suo nome), che ha sostenuto il popolo dell'arte. Questa società, il pittore ha lasciato in ereditare il proprio stato ed era nel laboratorio del lavoro.

L'arte è stata considerata una delle porte più preziose per diversi secoli. cultura umana. Immagini artisti famosi Diventano un tesoro di stato, seguito da mille specialisti non residenti e costano centinaia di milioni di dollari. Nel nostro paese, l'arte apprezza significativamente meno, ma ognuno, forse, è familiare i dipinti più famosi degli artisti russi. Si tratta di loro che qualsiasi persona istruita sa.

Il fenomeno di persone di CristoAlexander Ivanov.

"Il fenomeno di Cristo alla gente" Decvemente rivela la cima dei dipinti più famosi degli artisti russi. L'artista russo Alexander Ivanov è diventato famoso per il dipinto "il fenomeno di Cristo al popolo", che ha tratto venti anni. Le dimensioni dei dipinti sono interessate, così come i suoi dettagli. L'autore è stato ispirato, naturalmente, ovviamente, trame della Bibbia, e divenne lontano dal primo lavoro dell'artista su argomenti religiosi - Ivanov sapeva che tutti piacevano nella prima immagine e incorporati ancora una volta - per l'ultima volta. L'immagine è stata chiamata contemporanei non solo uno sbalorditivo e l'evento più importante della loro vita. La Iraia, Ivanov stesso è morto lo stesso giorno, e il re comprò una foto subito dopo la morte dell'autore.

Vasily pukirev.

Uno dei dipinti più famosi degli artisti russi è considerato incredibilmente profondo nel significato della tela vasily pukireva. Pukirev - Non un notevole residente rurale che è diventato famoso per una sola foto - tutte le altre opere dell'autore sono rimaste dimenticate. Perché esattamente " Matrimonio ineguale"? L'immagine descrive la trama dalla vita di Pukireva stesso - è persino raffigurato sul dipinto stesso. Il giovane pukiree si leva in piedi sullo sfondo con le braccia incrociate, incapace di fare qualsiasi cosa, perché la sua sposa è sposata con il vecchio generale. Lo stesso Kostomarov, dopo aver visto la tela, ha preso una ragazza a sua moglie.

Le rook sono arrivate Alexey Savrasov.

"Le rook sono arrivate" - L'immagine più famosa dell'artista russo Alexei Savrasova. La popolarità dell'immagine ha ricevuto anche durante la sua prima mostra, dove è stata valutata dal suo realismo e dal suo senso. "Ci sono tali paesaggi solo nel" Gracchese "," disse la foto di Savrasov. È interessante notare che, ma la Chiesa, che è raffigurata sullo sfondo, esiste e si trova nella stessa forma fino ad oggi. Nello stesso villaggio, la famosa Susanin ha commesso la sua impresa.

Cacciatori di PrivalaVasily Perov.

Pittura autrice "Cacciatori privilegi" è un autore famoso Vasily Grigorievich Perov. Ora tutti sanno questo dei dipinti più famosi degli artisti russi, e nel XIX secolo hanno risposto molti non riusciti. C'erano quelli che ammiravano il lavoro di Perov. Prima di tutto, lavoro ammirato grande classico Dostoevsky. Alcuni hanno criticato l'immagine a causa della inesattezza, dopotutto, le piume dipintevano i cacciatori dei loro amici, che non erano familiari a questo tipo di occupazione.

Tre Eroi Victor Vasnetsov

Victor Vasnetsov ha creato uno dei dipinti più famosi tra gli autori russi - "Tre dodiati". Vasnetsov ha detto che è stato ispirato da querce soprannominate - è stato stupito dal loro potere, e se stessa un po 'più tardi, è apparso solo in un sogno. Nella foto sono raffigurati personaggi famosi Fiabe folk russe. Nel centro di Murometri di Ilya, nella mano di cui una lancia, a sinistra - Dobrynya Nikitich, rimuovendo la spada fuori dalla guaina, e sulla destra - Alyaasha Popovich con un arco e frecce. È noto che Alesha ha dipinto l'artista con il figlio di Mamontov, nella cui proprietà e ha appeso una foto. E il resto dei guerrieri è simile ai membri della famiglia Vasnetsov della famiglia.

Ragazza con pescheValentin Serov.

Valentin Aleksandrovich Serov, a differenza degli autori precedenti, dopo aver scritto una foto "Ragazza con le pesche", è diventato uno degli artisti più significativi nell'impero. L'immagine è stata così colpita dal pubblico e persino alla famiglia reale che ha rivolto all'autore con l'ordine per diversi altri dipinti, obbligato a decorare i palazzi zaristi. "Ragazza con pesche" è meritata nella parte superiore dei dipinti più famosi degli artisti russi grazie alla gioia che la ragazza irradia. I critici sono chiamati immagine "vive". Ma immagina come fosse una ragazza che doveva posare per Serov, e non è l'unico che incarnava questo giovane sulle sue tele.

Trasportatori di chiatte sul VolgaIlya efimovich.

Ilya Efimovich - una partenza dall'Ucraina, nell'infanzia non ho mai visto grandi navi, burlari e soprattutto Volga. Per la prima volta, Efimovich ha visto Burlakov sulla Neva, dove aveva una trama per il futuro capolavoro. Adesso "Trasportatori di chiatte sulla Volga" Uno dei dipinti più indicativi di artisti russi, che è meritato in Top-10. L'immagine non è stata descritta una volta il grande figure letterarie, Incluso Dostoevsky stesso. Per scrivere una foto "Burlaki sulla Volga" L'autore ha richiesto solo 200 rubli per il viaggio. Fu allora venduto in soli 3000 rubli a Vladimir Alexandrovich - il grande principe russo. Ora l'immagine è l'eredità della cultura russa ed è impossibile valutare il suo costo.

Paura di Morozov.Vasily surikov.

"Cinghiale morozova" L'autore russo Vasily Surikova è una delle mostre più importanti della Galleria Tretyakov e del part-time, uno dei dipinti più famosi degli artisti russi. L'immagine ha grandi dimensioni e i visitatori sono stupiti come bene la vita è dettagliata di una tela così simile. La Galleria Tretyakov ha acquisito un'immagine di soli 25 mila rubli - denaro, naturalmente, grande per il XIX secolo, ma ora il suo costo è impossibile da sovrastimare. È interessante notare che l'acquisto di una foto era un rischio per la galleria, perché la maggior parte non percepisce la tela.

Straniero Ivan Kramskaya.

La seconda immagine più famosa degli artisti russi è giustamente misteriosa "Sconosciuto"Ivan Kramsky. Su una piccola tela, una giovane donna è raffigurata, che è vestita con la costosa e la maggior parte vestiti di moda fine xix. secolo. Qualcuno afferma che Anna Karenina è raffigurata nella foto, e alcuni credono generalmente che lo "sconosciuto" porta molta disgrazia a tutti coloro che lo guarderanno negli occhi. "Sconosciuto" è la foto più famosa di tutte le opere di Kramsky, e il mondo ancora non sa chi l'artista ha dipinto l'immagine. L'autore stesso non ha menzionato nulla.

Mattina in Pine BorIvan Shishkin.

"Mattina in Pine Bor."Ivan Shishkin è un artista che altro nell'Accademia rispose che sarebbe stato un sistema di paesaggio, dipinto il famoso dipinto "mattina in pine bor". Anche i bambini piccoli si conoscono sulla tela, tuttavia, lo chiamano "orso", poiché sono raffigurati su caramelle al cioccolato con il nome con lo stesso nome. Tra gli artisti russi, il dipinto "mattina in Pine Bor" Shishkin è il più riconoscibile e spesso criticato in una mancanza di realismo. Gli oggetti più attaccanti, perché ci sono troppi cuccioli, perché il Medvedity raramente ha un tale celeste. La pittura popolare ha guadagnato un favolosamente bello paesaggio della foresta Con l'aggiunta di animalismo della stampa, cioè una famiglia orso.