Racconta brevemente la storia del dipinto. Dieci storie divertenti sui dipinti della galleria Tretyakov
L'idea di raffigurare un orologio che scorre è venuta a Salvador Dalì a cena quando ha notato che il Camembert si scioglieva al sole.
Fu solo più tardi che a Dalì fu chiesto se la teoria della relatività di Einstein fosse criptata sulla tela, e lui rispose con uno sguardo furbo: “Piuttosto, la teoria di Eraclito che il tempo è misurato dal flusso del pensiero. Ecco perché ho chiamato il dipinto "La persistenza della memoria". E prima c'era il formaggio, il formaggio fuso"."L'ultima Cena"
Quando Leonardo da Vinci scrisse L'Ultima Cena, prestò particolare attenzione a due figure: Cristo e Giuda. Leonardo trovò un modello per il volto di Gesù in tempi relativamente brevi: un giovane che cantava nel coro della chiesa si avvicinò al suo ruolo. Ma Leonardo cercava da tre anni la persona capace di esprimere il vizio di Giuda. Una volta, camminando per strada, il maestro vide un ubriacone nella grondaia. Da Vinci portò l'ubriacone in una taverna, dove iniziò immediatamente a scrivere Giuda da lui.
Quando il bevitore tornò sobrio, ricordò che diversi anni prima aveva già posato per l'artista. Questo era lo stesso corista. Nel grande affresco di Leonardo, Gesù e Giuda mostrano il volto di una persona.
"Ivan il Terribile e suo figlio Ivan"
Nel 1913, un artista malato di mente tagliò con un coltello un dipinto di Repin "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan". Solo grazie al sapiente lavoro dei restauratori la tela è stata restaurata. Lo stesso Ilya Repin è venuto a Mosca e ha ridisegnato la testa di Grozny in uno strano colore viola: in due decenni, le idee dell'artista sulla pittura sono cambiate molto. I restauratori hanno rimosso queste modifiche e hanno restituito il dipinto a una corrispondenza esatta per le sue fotografie del museo. Repin, avendo visto in seguito la tela restaurata, non si accorse delle correzioni.
"Sogno"
Nel 2006, il collezionista americano Steve Wynn ha accettato di vendere The Dream di Pablo Picasso per 139 milioni di dollari, uno dei prezzi più alti di sempre. Ma quando parlava dell'immagine, agitava le braccia in modo troppo espressivo e strappava l'arte con il gomito. Wynne lo considerò un segno dall'alto e decise di non vendere la tela dopo il restauro, che, tra l'altro, costò un bel soldo.
"Una barca"
Un incidente meno devastante, ma non meno curioso, è accaduto con il dipinto di Henri Matisse. Nel 1961, il Museum of Modern Art di New York, presentò al pubblico un'immagine del maestro "Boat". La mostra è stata un successo. Ma solo sette settimane dopo, un conoscitore d'arte casuale notò che il capolavoro era appeso a testa in giù. Durante questo periodo, 115 mila persone sono riuscite a vedere l'arte, il libro delle recensioni è stato riempito con centinaia di commenti ammirati. La confusione si diffuse su tutti i giornali.
"Battaglia di negri in una grotta nella notte profonda"
Il famoso "Quadrato nero" non è stato il primo dipinto del suo genere. 22 anni prima di Malevich, nel 1893, l'artista e scrittore francese Allais Alphonse espose il suo capolavoro "Battaglia di negri in una grotta nel profondo della notte" - una tela rettangolare completamente nera nella Galleria Vivienne.
"Festa degli Dei sull'Olimpo"
Negli anni '60. a Praga è stato ritrovato uno dei dipinti più famosi di Peter Paul Rubens "La Festa degli Dei sull'Olimpo". Per molto tempo, la data della sua scrittura è rimasta un mistero. L'indizio è stato trovato nella foto stessa, inoltre, dagli astronomi. Hanno indovinato che la posizione dei pianeti è stata sottilmente codificata sulla tela. Ad esempio, il duca Gonzaga di Mantova come il dio Giove, Poseidone con il Sole e la dea Venere con Cupido riflettono la posizione di Giove, Venere e il Sole nello Zodiaco.
Inoltre, Venere è vista dirigersi verso la costellazione dei Pesci. Osservatori meticolosi calcolarono che una posizione così rara dei pianeti nel cielo fu osservata nei giorni del solstizio d'inverno nel 1602. Questa era una datazione abbastanza accurata dell'immagine.
"Colazione sull'erba"
Edouard Manet, "Colazione sull'erba"
Claude Monet, Colazione sull'erba
Edouard Manet e Claude Monet sono confusi non solo dagli attuali candidati alle scuole d'arte, ma anche dai loro contemporanei. Entrambi vivevano a Parigi alla fine del XIX secolo, comunicavano tra loro ed erano quasi gli stessi nomi. Quindi, nel film "Ocean's Eleven" tra i personaggi di George Clooney e Julia Roberts, si svolge il seguente dialogo:
- Confondo sempre Monet e Manet. Ricordo solo che uno di loro sposò un'amante.
- Moneta.
- Quindi Mane aveva la sifilide.
“E hanno scritto entrambi a volte.
Ma gli artisti avevano poca confusione con i nomi, inoltre, hanno attivamente preso in prestito idee l'uno dall'altro. Dopo che Manet ha presentato al pubblico il dipinto "Colazione sull'erba", Monet, senza pensarci due volte, ne ha scritto uno con lo stesso nome. Come al solito, non è stato senza confusione.
"Madonna Sistina"
Quando guardi il dipinto di Raffaello "La Madonna Sistina", puoi vedere chiaramente che Papa Sisto II ha sei dita sulla mano. Tra le altre cose, il nome Sixtus è tradotto come "sesto", che alla fine ha dato origine a molte teorie. In effetti, il "mignolo inferiore" non è affatto un dito, ma una parte del palmo. Questo è evidente se guardi da vicino. Nessun misticismo e segreto presagio dell'Apocalisse, ma mi dispiace.
"Mattina in una pineta"
Gli orsi dell'immagine "Morning in a Pine Forest" di Shishkin, diffusi dai pasticceri, non erano affatto opera di Shishkin. Ivan era un eccellente pittore di paesaggi, sapeva brillantemente come trasmettere il gioco di luci e ombre nella foresta, ma le persone e gli animali non gli venivano dati. Quindi, su richiesta dell'artista, i simpatici cuccioli sono stati dipinti da Konstantin Savitsky e il dipinto stesso è stato firmato con due nomi. Ma Pavel Tretyakov, dopo aver acquistato il paesaggio per la sua collezione, ha cancellato la firma di Savitsky e tutti gli allori sono andati a Shishkin.
Il misterioso mondo dell'arte può sembrare confuso a una persona inesperta, ma ci sono capolavori che tutti dovrebbero conoscere. Talento, ispirazione e lavoro scrupoloso su ogni tratto danno origine a opere che vengono ammirate secoli dopo.
È impossibile raccogliere tutte le creazioni eccezionali in un'unica selezione, ma abbiamo cercato di selezionare i dipinti più famosi che raccolgono file giganti davanti ai musei di tutto il mondo.
I dipinti più famosi di artisti russi
"Mattina in una pineta", Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky
Anno di creazione: 1889Museo
Shishkin era un eccellente pittore di paesaggi, ma raramente doveva disegnare animali, quindi le figure dei cuccioli di orso furono disegnate da Savitsky, un eccellente pittore di animali. Alla fine del lavoro, Tretyakov ordinò di cancellare la firma di Savitsky, credendo che Shishkin avesse svolto un lavoro molto più ampio.
"Ivan il Terribile e suo figlio Ivan il 16 novembre 1581", Ilya Repin
Anni di creazione: 1883–1885Museo: Galleria Tretyakov, Mosca
Per creare il capolavoro, meglio conosciuto come "Ivan il terribile uccide suo figlio", Repin si è ispirato alla sinfonia "Antar" di Rimsky-Korsakov, ovvero la sua seconda parte intitolata "La dolcezza della vendetta". Influenzato dai suoni della musica, l'artista ha raffigurato agli occhi del sovrano una scena sanguinosa di omicidio e successivo pentimento.
Demone seduto, Mikhail Vrubel
Anno di creazione: 1890Museo: Galleria Tretyakov, Mosca
Il dipinto era una delle trenta illustrazioni disegnate da Vrubel per l'edizione dell'anniversario di M.Yu. Lermontov. Il "demone seduto" personifica i dubbi inerenti allo spirito umano, il sottile, sfuggente "stato d'animo dell'anima". Secondo gli esperti, l'artista era in una certa misura ossessionato dall'immagine di un demone: questa immagine è stata seguita da "Demon Flying" e "Demon Defeated".
Boyarynya Morozova, Vasily Surikov
Anni di creazione: 1884–1887Museo: Galleria Tretyakov, Mosca
Il film è basato sulla trama della vita dei vecchi credenti "The Tale of Boyar Morozova". La comprensione dell'immagine chiave è arrivata all'artista quando ha visto un corvo, una macchia che spiegava ali nere su una tela innevata. Più tardi, Surikov stava cercando da molto tempo un prototipo per il volto del boiardo, ma non riuscì a trovare nulla di adatto, finché un giorno incontrò una donna del Vecchio Credente con una faccia pallida e frenetica al cimitero. Il bozzetto del ritratto è stato completato in due ore.
"Eroi", Viktor Vasnetsov
Anni di creazione: 1881–1898Museo: Galleria Tretyakov, Mosca
Il futuro capolavoro epico nacque in un piccolo schizzo a matita nel 1881; Per ulteriori lavori sulla tela, Vasnetsov ha raccolto scrupolosamente informazioni sugli eroi da miti, leggende e tradizioni per molti anni e ha anche studiato le antiche munizioni russe originali nei musei.
Analisi del dipinto di Vasnetsov "Tre eroi"
"Fare il bagno al cavallo rosso", Kuzma Petrov-Vodkin
Anno di creazione: 1912Museo: Galleria Tretyakov, Mosca
Inizialmente, l'immagine era concepita come uno schizzo quotidiano della vita di un villaggio russo, ma durante il lavoro la tela dell'artista era ricoperta da un numero enorme di simboli. Per cavallo rosso, Petrov-Vodkin significava "il destino della Russia"; dopo che il paese entrò nella prima guerra mondiale, esclamò: "Ecco perché ho dipinto questo quadro!". Tuttavia, dopo la rivoluzione, i critici d'arte filo-sovietici interpretarono la figura chiave della tela come "un presagio di fuochi rivoluzionari".
"Trinità", Andrei Rublev
Anno di creazione: 1411Museo: Galleria Tretyakov, Mosca
L'icona che ha posto le basi per la tradizione della pittura di icone russe nei secoli XV-XVI. La tela raffigurante la trinità degli angeli dell'Antico Testamento apparsa ad Abramo è un simbolo dell'unità della Santissima Trinità.
"La nona onda", Ivan Aivazovsky
Anno di creazione: 1850Museo
Una chicca nella "pittura" del mitico pittore marino russo, che senza remore può essere considerato uno dei pittori più famosi al mondo. Possiamo vedere come i marinai che miracolosamente sono sopravvissuti alla tempesta si aggrappano all'albero maestro in attesa di un incontro con la "nona onda", il mitico culmine di tutte le tempeste. Ma le calde tonalità che prevalgono sulla tela danno speranza per la salvezza delle vittime.
"L'ultimo giorno di Pompei", Karl Bryullov
Anni di creazione: 1830–1833Museo: Museo Russo, San Pietroburgo
Completato nel 1833, il dipinto di Bryullov fu originariamente esposto nelle più grandi città d'Italia, dove fece scalpore: il pittore fu paragonato a Michelangelo, Tiziano, Raffaello ... A casa, il capolavoro fu accolto con non meno entusiasmo, assicurandosi il soprannome "Carlo Magno" per Bryullov. La tela è davvero grande: le sue dimensioni sono 4,6 per 6,5 metri, il che lo rende uno dei dipinti più grandi tra le creazioni degli artisti russi.
I dipinti più famosi di Leonardo da Vinci
"Monna Lisa"
Anni di creazione: 1503–1505Museo: Louvre, Parigi
Un capolavoro del genio fiorentino che non ha bisogno di presentazioni. È interessante notare che il dipinto ha ricevuto il suo status di culto dopo l'incidente con il rapimento dal Louvre nel 1911. Due anni dopo, il rapitore, che si rivelò essere un impiegato del museo, tentò di vendere la tela alla Galleria degli Uffizi. Gli eventi del caso di alto profilo sono stati trattati in dettaglio dalla stampa mondiale, dopo di che sono state messe in vendita centinaia di migliaia di riproduzioni e la misteriosa La Gioconda è diventata un oggetto di culto.
Anni di creazione: 1495–1498Museo: Santa Maria delle Grazie, Milano
Cinque secoli dopo, l'affresco classico sulla parete del refettorio del convento domenicano di Milano è riconosciuto come uno dei dipinti più misteriosi della storia. Come concepito da Da Vinci, l'immagine raffigura il momento del pasto pasquale, quando Cristo avvisa i discepoli dell'imminente tradimento. Un numero enorme di simboli nascosti ha dato origine a un'altrettanto grande varietà di studi, allusioni, prestiti e parodie.
"Madonna Litta"
Anno di creazione: 1491Museo: Hermitage, San Pietroburgo
Detto anche "Madonna col Bambino", il dipinto fu conservato a lungo nella collezione dei Duchi di Litta, e nel 1864 fu acquistato dall'Ermitage di San Pietroburgo. Molti esperti concordano sul fatto che la figura del bambino non sia stata dipinta personalmente da da Vinci, ma da uno dei suoi studenti - una posa troppo insolita per un pittore.
I dipinti più famosi di Salvador Dali
Anno di creazione: 1931Museo: Museum of Modern Art, New York
Paradossalmente, l'opera più famosa del genio del surrealismo è nata dal pensiero del formaggio Camembert. Una sera, dopo una cena amichevole che si è conclusa con una merenda con formaggio, l'artista si è immerso nelle riflessioni sulla "polpa spalmabile", e la sua fantasia ha disegnato l'immagine di un orologio che si scioglie con un ramoscello d'ulivo in primo piano.
Anno di creazione: 1955Museo: National Gallery of Art, Washington
Una trama tradizionale che ha ricevuto una tela surreale utilizzando principi aritmetici studiati da Leonardo da Vinci. In primo piano, l'artista ha messo una sorta di magia del numero "12", allontanandosi dal metodo ermeneutico di interpretare la trama biblica.
I quadri più famosi di Pablo Picasso
Anno di creazione: 1905Museo: Museo Puskin, Mosca
Il dipinto divenne il primo segno del cosiddetto periodo "rosa" nell'opera di Picasso. Texture ruvida e stile semplicistico si combinano con un delicato gioco di linee e colori, un contrasto tra la figura massiccia di un atleta e una fragile ginnasta. La tela fu venduta insieme ad altre 29 opere per 2mila franchi (in totale) al collezionista parigino Vollard, cambiò diverse collezioni e nel 1913 fu acquistata dal filantropo russo Ivan Morozov, già per 13mila franchi.
Anno di creazione: 1937Museo: Museo Reina Sofia, Madrid
Guernica è il nome di una città dei Paesi Baschi, bombardata dai bombardieri tedeschi nell'aprile 1937. Picasso non era mai stato a Guernica, ma rimase sbalordito dalla portata della catastrofe come un "colpo di corno di toro". L'artista ha trasmesso gli orrori della guerra in forma astratta e ha mostrato il vero volto del fascismo, velandolo di bizzarre forme geometriche.
I dipinti più famosi del Rinascimento
La Madonna Sistina di Raffaello Santi
Anni di creazione: 1512–1513Museo: Galleria dei Maestri Antichi, Dresda
Se osservi attentamente lo sfondo, che a prima vista è costituito da nuvole, noterai che in effetti Raffaello ha raffigurato lì le teste degli angeli. I due angeli situati nella parte inferiore del quadro sono conosciuti quasi più del capolavoro stesso, per la sua diffusa replica nell'arte di massa.
La Nascita di Venere di Sandro Botticelli
Anno di creazione: 1486Museo: Galleria degli Uffizi, Firenze
Il dipinto si basa sull'antico mito greco della nascita di Afrodite dalla schiuma del mare. A differenza di molti capolavori del Rinascimento, la tela è giunta fino ai giorni nostri in ottime condizioni grazie allo strato protettivo di tuorlo d'uovo, con cui Botticelli ha prudentemente ricoperto l'opera.
La Creazione di Adamo di Michelangelo Buonarotti
Anno di creazione: 1511Museo: Cappella Sistina, Vaticano
Uno dei nove affreschi sul soffitto della Cappella Sistina, che illustra il capitolo della Genesi: "E Dio creò l'uomo a sua immagine". Fu Michelangelo che per primo ritrasse Dio come un vecchio saggio con i capelli grigi, dopo di che questa immagine divenne archetipica. Gli scienziati moderni credono che i contorni della figura di Dio e degli angeli personifichino il cervello umano.
"Night Watch", Rembrandt
Anno di creazione: 1642Museo: Rijksmuseum, Amsterdam
Il titolo completo del dipinto è "Discorso della compagnia di fucili del capitano Frans Banning Kok e del tenente Willem van Ruytenburg". Il dipinto ricevette il suo nome moderno nel XIX secolo, quando fu ritrovato dai critici d'arte, i quali, a causa dello strato di fango che ricopriva l'opera, decisero che l'azione nel dipinto si svolgesse sotto il favore delle tenebre notturne.
"Giardino delle delizie", Hieronymus Bosch
Anni di creazione: 1500–1510Museo: Museo del Prado, Madrid "Quadrato nero"
Malevich scrisse Black Square per diversi mesi; la leggenda dice che sotto uno strato di vernice nera è nascosto un dipinto: l'artista non ha avuto il tempo di finire il lavoro in tempo e, in un impeto di rabbia, ha offuscato l'immagine. Esistono almeno sette copie del "Quadrato nero" realizzate dalla mano di Malevich, nonché una sorta di "continuazione" dei quadrati suprematisti: "Quadrato rosso" (1915) e "Quadrato bianco" (1918).
L'urlo, Edvard Munch
Anno di creazione: 1893Museo: Galleria Nazionale, Oslo
A causa dell'inspiegabile impatto mistico sullo spettatore, il dipinto è stato rubato nel 1994 e nel 2004. Si ritiene che il dipinto creato all'inizio del XX secolo abbia anticipato le numerose catastrofi del secolo successivo. Il profondo simbolismo di Scream ha ispirato molti artisti, tra cui # 5, 1948 di Andy Warhol
Questa tela provoca ancora molte polemiche. Alcuni critici d'arte ritengono che l'eccitazione attorno al dipinto, dipinto con la tecnica spray proprietaria, sia stata creata artificialmente. La tela non è stata venduta fino a quando tutte le altre opere dell'artista non sono state acquistate, rispettivamente, il prezzo per un capolavoro inutile è salito alle stelle. "Number Five" è stato venduto per $ 140 milioni, diventando il dipinto più costoso della storia.
Dittico Marilyn di Andy Warhol
Anno di creazione: 1962Museo: Tate Gallery, Londra
Una settimana dopo la morte di Marilyn Monroe, l'artista scandaloso iniziò a lavorare sulla tela. Sulla tela sono stati applicati 50 ritratti a stencil dell'attrice, stilizzati nel genere della "pop art" da una fotografia del 1953.
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Oggi in ogni museo puoi ascoltare meravigliose guide che ti racconteranno nel dettaglio la collezione e gli artisti in essa rappresentati. Allo stesso tempo, molti genitori sanno che è difficile per la maggior parte dei bambini trascorrere anche solo un'ora in un museo e le storie sulla storia della pittura li stancano piuttosto rapidamente. Per evitare che i bambini si annoino nel museo, offriamo un "cheat sheet" per i genitori: dieci storie divertenti sui dipinti della Galleria Tretyakov, che interesseranno sia i bambini che gli adulti.
1. Ivan Kramskoj. "Sirene", 1871
Ivan Kramskoy è principalmente conosciuto come l'autore del dipinto "Unknown" (spesso viene erroneamente chiamata "The Stranger"), così come una serie di bellissimi ritratti: Leo Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitry Mendeleev. Ma è meglio che i bambini inizino a conoscere il suo lavoro con l'immagine magica "Sirene", a cui è collegata la seguente storia.
Nell'agosto 1871, l'artista Ivan Kramskoy stava visitando la tenuta di campagna del suo amico, amante dell'arte e famoso filantropo Pavel Stroganov. Camminando la sera, ammirava la luna e ammirava la sua luce magica. Durante queste passeggiate, l'artista ha deciso di dipingere un paesaggio notturno e cercare di trasmettere tutto il fascino, tutta la magia di una notte di luna, "catch the moon" - con le sue stesse parole.
Kramskoy iniziò a lavorare sul dipinto. In una notte di luna apparve una sponda di un fiume, sopra una collinetta e una casa, circondata da pioppi. Il paesaggio era bellissimo, ma mancava qualcosa: la magia non nasceva su tela. L'artista è stato aiutato dal libro di Nikolai Gogol "Serate in una fattoria vicino a Dikanka", o meglio una storia chiamata "La notte di maggio o la donna annegata" - favolosa e un po' inquietante. E ora le ragazze sirena sono apparse nella foto, illuminate dalla luce della luna.
L'artista ha lavorato così attentamente sull'immagine che ha iniziato a sognarla e voleva costantemente finire qualcosa in essa. Un anno dopo che il fondatore della Galleria Tretyakov, Pavel Tretyakov, l'ha acquistata, Kramskoy ha voluto ancora una volta cambiare qualcosa e ha apportato piccole modifiche proprio nella sala espositiva.
La tela di Kramskoy è diventata il primo dipinto "da favola" nella storia della pittura russa.
2. Vasily Vereshchagin. "Apoteosi della guerra", 1871
È successo che le persone hanno sempre combattuto. Da tempo immemorabile, capi coraggiosi e potenti governanti equipaggiarono i loro eserciti e li mandarono in guerra. Naturalmente, volevano che i lontani discendenti sapessero delle loro imprese militari, quindi i poeti componevano poesie e canzoni e gli artisti creavano bellissimi dipinti e sculture. In queste immagini, la guerra di solito assomigliava a una vacanza: colori vivaci, guerrieri senza paura che andavano in battaglia ...
L'artista Vasily Vereshchagin conosceva la guerra in prima persona - ha preso parte alle battaglie più di una volta - e ha dipinto molti dipinti in cui ha raffigurato ciò che ha visto con i suoi occhi: non solo soldati coraggiosi e i loro comandanti, ma anche sangue, dolore e sofferenza .
Una volta ha pensato a come mostrare tutti gli orrori della guerra in una foto, come far capire al pubblico che la guerra è sempre dolore e morte, come lasciare che gli altri guardino i suoi dettagli disgustosi? Si rese conto che non era sufficiente dipingere un quadro con un campo di battaglia cosparso di soldati morti: tali tele erano esistite prima. Vereshchagin ha inventato un simbolo di guerra, un'immagine, solo guardandola tutti possono immaginare quanto sia terribile qualsiasi guerra. Dipinse un deserto bruciato, nel mezzo del quale si erge una piramide di teschi umani. Intorno - solo alberi secchi e senza vita e solo i corvi affollano la loro festa. In lontananza si vede una città fatiscente e lo spettatore può facilmente intuire che anche lì non c'è più vita.
3. Aleksej Savrasov. Le torri sono arrivate, 1871
Tutti conoscono il dipinto "I corvi sono arrivati" fin dall'infanzia, e sicuramente tutti hanno scritto su di esso saggi scolastici. E oggi gli insegnanti parleranno sicuramente ai bambini dei paesaggi lirici di Savrasov e del fatto che già nel titolo stesso di questa immagine si può sentire la gioiosa prefigurazione della mattina dell'anno e tutto in esso è pieno di un significato profondo vicino al cuore . Nel frattempo, poche persone sanno che i famosi "Rooks ...", così come tutte le altre opere di Savrasov, potrebbero non essere esistiti affatto.
Alexey Savrasov era il figlio di un piccolo merciaio di Mosca. Il desiderio di dipingere del ragazzo non ha suscitato gioia nei suoi genitori, ma tuttavia Kondrat Savrasov ha lasciato che suo figlio andasse alla Scuola di pittura e scultura di Mosca. Sia gli insegnanti che i compagni di classe hanno riconosciuto il talento del giovane artista e gli hanno predetto un grande futuro. Ma è successo che, non avendo studiato nemmeno per un anno, Alexey, apparentemente a causa della malattia di sua madre, è stato costretto a smettere di studiare. Il suo insegnante Karl Rabus chiese aiuto al capo della polizia di Mosca, il maggiore generale Ivan Luzhin, che aiutò il giovane talentuoso a ottenere un'educazione artistica.
Se Luzhin non avesse preso parte al destino del giovane artista, non sarebbe mai nato uno dei dipinti più famosi della storia della pittura russa.
4. Vasily Polenov. "Cortile di Mosca", 1878
A volte, per dipingere un bel quadro, l'artista viaggia molto, cerca a lungo i panorami più belli e meticolosamente, alla fine, trova il luogo ambito e vi torna più e più volte con un album da disegno. E succede anche che per creare un'opera meravigliosa, ha solo bisogno di andare alla sua finestra, guardare un cortile di Mosca completamente normale - e accade un miracolo, appare un paesaggio straordinario, pieno di luce e aria.
Un tale miracolo accadde all'artista Vasily Polenov, che guardò fuori dalla finestra del suo appartamento all'inizio dell'estate del 1878 e scrisse rapidamente ciò che vide. Le nuvole scivolano facilmente nel cielo, il sole si alza sempre più in alto, riscaldando la terra con il suo calore, illuminando le cupole delle chiese, accorciando le ombre spesse ... Sembrerebbe - un'immagine semplice, che l'artista stesso non ha prendere sul serio all'inizio: ha scritto e quasi se ne è dimenticato. Ma poi è stato invitato a partecipare alla mostra. Non aveva nulla di significativo e Polenov decise di esporre "Moscow Courtyard".
Stranamente, è stata questa "immagine insignificante" che ha portato fama e gloria a Vasily Polenov - sia il pubblico che la critica l'hanno adorata: ha sia calore che colori vivaci, e i suoi personaggi possono essere visti all'infinito, inventando una storia su ciascuno di loro .
5. Ivan Shishkin. "Mattina in una pineta", 1889
"Mattina in una foresta di pini" di Ivan Shishkin è probabilmente il dipinto più famoso della collezione della Galleria Tretyakov. Nel nostro Paese la conoscono tutti, grazie alle riproduzioni nei libri di testo scolastici, o forse grazie ai dolcetti al cioccolato "Piede d'orso".
Ma non tutti sanno che lo stesso Shishkin ha dipinto solo la foresta mattutina in una foschia nebbiosa e non ha nulla a che fare con gli orsi. Questa immagine è il frutto del lavoro congiunto di Shishkin e del suo amico, l'artista Konstantin Savitsky.
Ivan Shishkin era un maestro insuperabile nel rappresentare ogni sorta di sottigliezze botaniche - il critico Alexander Benois lo rimproverò praticamente per la sua dipendenza dall'accuratezza fotografica, chiamando i suoi dipinti privi di vita e freddi. Ma l'artista non era in rapporti amichevoli con la zoologia. Dicono che questo è il motivo per cui Shishkin si è rivolto a Savitsky con una richiesta di aiutarlo con gli orsi. Savitsky non ha rifiutato il suo amico, ma non ha preso sul serio il suo lavoro e non ha firmato.
Più tardi, Pavel Tretyakov acquistò questa tela da Shishkin e l'artista suggerì che Savitsky lasciasse una firma sull'immagine - dopotutto, ci lavorarono insieme. Savitsky lo fece, ma a Tretyakov non piaceva. Affermando di aver acquistato il dipinto da Shishkin e di non voler sapere nulla di Savitsky, ha chiesto un solvente e ha rimosso la firma "extra" con le proprie mani. E così è successo che oggi nella Galleria Tretyakov è accreditato un solo artista.
6. Viktor Vasnetsov. "Eroi", 1898
L'artista più "favoloso" nella storia della pittura russa è considerato Viktor Vasnetsov - è il suo pennello che appartiene a opere famose come "Alyonushka", "Il cavaliere al bivio", "Heroic Skok" e molti altri. Ma il suo dipinto più famoso è "Heroes", che raffigura i personaggi principali dell'epica russa.
L'artista stesso ha descritto l'immagine come segue: "Heroes Dobrynya, Ilya e Alyosha Popovich in un viaggio eroico - notano sul campo, c'è un gateway, dove offendono qualcuno?"
Al centro, su un cavallo nero, Ilya Muromets, guarda in lontananza da sotto il palmo, in una mano l'eroe ha una lancia, nell'altra una mazza damascata. A sinistra, su un cavallo bianco, Dobrynya Nikitich estrae una spada dal fodero. A destra, Alyosha Popovich sta cavalcando un cavallo rosso, con in mano arco e frecce. Una storia interessante è collegata agli eroi di questa immagine, più precisamente ai loro prototipi.
Viktor Vasnetsov ha pensato a lungo a come dovrebbe essere Ilya Muromets, e per molto tempo non è riuscito a trovare la faccia "giusta": audace, onesta, che esprime forza e gentilezza. Ma un giorno, per caso, incontrò il contadino Ivan Petrov, che era venuto a Mosca per lavorare. L'artista rimase sbalordito: in una strada di Mosca vide il vero Ilya Muromets. Il contadino accettò di posare per Vasnetsov e ... rimase per secoli.
Nell'epica Dobrynya Nikitich è piuttosto giovane, ma per qualche ragione il dipinto di Vasnetsov raffigura un uomo di mezza età. Perché l'artista ha deciso di farlo liberamente con i racconti popolari? La risposta è semplice: nell'immagine di Dobrynya Vasnetsov che si è ritratto, è sufficiente confrontare l'immagine con i ritratti e le fotografie dell'artista.
7. Valentino Serov. “Ragazza con le pesche. Ritratto di V. S. Mamontova", 1887
"Ragazza con pesche" è uno dei ritratti più famosi nella storia della pittura russa, dipinto dall'artista Valentin Serov.
La ragazza nel ritratto è Vera, figlia del mecenate Savva Mamontov, nella cui casa l'artista visitava spesso. È interessante notare che le pesche sul tavolo non sono state portate da regioni calde, ma sono cresciute non lontano da Mosca, proprio nella tenuta di Abramtsevo, cosa piuttosto insolita nel XIX secolo. Mamontov lavorava come giardiniere-mago: nelle sue abili mani, gli alberi da frutto fiorivano anche a febbraio e il raccolto veniva raccolto all'inizio dell'estate.
Grazie al ritratto di Serov, Vera Mamontova è passata alla storia, ma l'artista stesso ha ricordato quale lavoro gli è servito per convincerlo a posare per una ragazza di 12 anni che si distingueva per un carattere insolitamente irrequieto. Serov ha lavorato al dipinto per quasi un mese e ogni giorno Vera sedeva tranquillamente nella sala da pranzo per diverse ore.
Le opere non sono state vane: quando l'artista ha presentato il ritratto in mostra, il quadro è piaciuto molto al pubblico. E oggi, più di cento anni dopo, "La ragazza con le pesche" delizia i visitatori della Galleria Tretyakov.
8. Ilya Repin. "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan 16 novembre 1581", 1883-1885
Guardando questa o quella foto, ti chiedi spesso quale sia stata la fonte di ispirazione per l'artista, cosa lo ha spinto a scrivere proprio un'opera del genere? Nel caso del dipinto di Ilya Repin "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan il 16 novembre 1581" non è affatto facile indovinare le vere ragioni.
Il dipinto raffigura un episodio leggendario della vita di Ivan il Terribile, quando, in un impeto di rabbia, inferse un colpo fatale a suo figlio, lo Zarevich Ivan. Tuttavia, molti storici ritengono che in realtà non ci sia stato alcun omicidio e il principe sia morto di malattia, e per nulla per mano di suo padre. Sembrerebbe che cosa possa far volgere un artista a un episodio così storico?
Come ha ricordato l'artista stesso, l'idea di dipingere il dipinto "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan" gli è venuta dopo ... un concerto in cui ha ascoltato la musica del compositore Rimsky-Korsakov. Era una suite sinfonica "Antar". I suoni della musica si impossessarono dell'artista e volle incarnare nella pittura l'atmosfera che aveva creato sotto l'influenza di quest'opera.
Ma non solo la musica è diventata fonte di ispirazione. Durante un viaggio in Europa nel 1883, Repin partecipò a una corrida. La vista di questo spettacolo sanguinoso impressionò l'artista, che scrisse che, "avendo contratto ... questo sanguinoso, al suo arrivo a casa, prese immediatamente la scena sanguinosa" Ivan il Terribile con suo figlio ". E l'immagine del sangue è stata un grande successo".
9. Michail Vrubel. Demone seduto, 1890
Come a volte il nome della foto significa molto. Cosa vede lo spettatore al primo sguardo al dipinto di Mikhail Vrubel "Il demone seduto"? Un giovane muscoloso si siede su una roccia e guarda con tristezza il tramonto. Ma non appena pronunciamo la parola "demone", sorge immediatamente l'immagine di una creatura magica e scortese. Nel frattempo, il demone di Mikhail Vrubel non è affatto uno spirito malvagio. L'artista stesso ha detto più di una volta che un demone è uno spirito "non tanto malvagio quanto sofferente e addolorato, ma nonostante tutto, uno spirito prepotente... maestoso".
Questo dipinto è interessante per la sua tecnica pittorica. L'artista applica la vernice sulla tela non con il suo solito pennello, ma con una sottile piastra d'acciaio: una spatola. Questa tecnica ti consente di combinare le tecniche di un pittore e di uno scultore, letteralmente "scolpire" un'immagine con l'aiuto delle vernici. È così che si ottiene un effetto "mosaico": si crea l'impressione che il cielo, le rocce e il corpo dell'eroe stesso non siano dipinti con vernice, ma siano realizzati con pietre accuratamente lucidate, forse anche preziose.
10. Aleksandr Ivanov. "L'apparizione di Cristo al popolo (L'apparizione del Messia)", 1837-1857
Il dipinto di Alexander Ivanov "L'apparizione di Cristo al popolo" è un evento unico nella storia della pittura russa. Non è facile parlarne con i bambini, soprattutto di 6-7 anni, ma dovrebbero assolutamente vedere questa tela monumentale, su cui l'artista lavora da più di 20 anni e che è diventata l'opera di tutta la sua vita.
La trama dell'immagine si basa sul terzo capitolo del Vangelo di Matteo: Giovanni Battista, battezzando il popolo ebraico sulle rive del Giordano nel nome dell'atteso Salvatore, improvvisamente lo vede camminare nel nome del quale battezza le persone. I bambini apprenderanno in seguito le caratteristiche compositive del quadro, i suoi simboli e il linguaggio artistico. Durante la prima conoscenza, vale la pena parlare di come un dipinto sia diventato l'opera dell'intera vita dell'artista.
Dopo aver completato i suoi studi presso l'Accademia delle Arti di San Pietroburgo, Alexander Ivanov è stato inviato "per uno stage" in Italia. "L'apparizione di Cristo al popolo" doveva diventare un'opera responsabile. Ma l'artista prende molto sul serio il suo lavoro: studia attentamente le Sacre Scritture, la storia, trascorre mesi alla ricerca del paesaggio desiderato, un tempo infinito cerca un'immagine per ogni eroe del quadro. I soldi che gli sono stati assegnati per il lavoro si stanno esaurendo, Ivanov conduce un'esistenza miserabile. Il meticoloso lavoro sull'immagine ha portato al fatto che l'artista ha rovinato la sua vista e ha dovuto sottoporsi a un trattamento per molto tempo.
Quando Ivanov ha completato il suo lavoro, il pubblico italiano ha accettato con entusiasmo l'immagine, questo è stato uno dei primi casi di riconoscimento europeo di un artista russo. In Russia, tuttavia, non è stata immediatamente apprezzata - solo dopo la morte dell'artista è arrivata la vera fama.
Lavorando sul dipinto, Ivanov ha creato oltre 600 schizzi. Nella sala in cui è esposto è possibile vederne alcuni. È interessante utilizzare questi esempi per tracciare come l'artista ha lavorato sulla composizione, sul paesaggio, sulle immagini degli eroi del quadro.
Selezione dei record
Oggi in ogni museo puoi ascoltare meravigliose guide che ti racconteranno nel dettaglio la collezione e gli artisti in essa rappresentati. Allo stesso tempo, molti genitori sanno che è difficile per la maggior parte dei bambini trascorrere anche solo un'ora in un museo e le storie sulla storia della pittura li stancano piuttosto rapidamente. Per evitare che i bambini si annoino nel museo, offriamo un "cheat sheet" per i genitori: dieci storie divertenti sui dipinti della Galleria Tretyakov, che interesseranno sia i bambini che gli adulti.
1. Ivan Kramskoj. "Sirene", 1871
Ivan Kramskoy è principalmente conosciuto come l'autore del dipinto "Unknown" (spesso viene erroneamente chiamata "The Stranger"), così come una serie di bellissimi ritratti: Leo Tolstoy, Ivan Shishkin, Dmitry Mendeleev. Ma è meglio che i bambini inizino a conoscere il suo lavoro con l'immagine magica "Sirene", a cui è collegata la seguente storia.
Nell'agosto 1871, l'artista Ivan Kramskoy stava visitando la tenuta di campagna del suo amico, amante dell'arte e famoso filantropo Pavel Stroganov. Camminando la sera, ammirava la luna e ammirava la sua luce magica. Durante queste passeggiate, l'artista ha deciso di dipingere un paesaggio notturno e cercare di trasmettere tutto il fascino, tutta la magia di una notte di luna, "catch the moon" - con le sue stesse parole.
Kramskoy iniziò a lavorare sul dipinto. In una notte di luna apparve una sponda di un fiume, sopra una collinetta e una casa, circondata da pioppi. Il paesaggio era bellissimo, ma mancava qualcosa: la magia non nasceva su tela. L'artista è stato aiutato dal libro di Nikolai Gogol "Serate in una fattoria vicino a Dikanka", o meglio una storia chiamata "La notte di maggio o la donna annegata" - favolosa e un po' inquietante. E ora le ragazze sirena sono apparse nella foto, illuminate dalla luce della luna.
L'artista ha lavorato così attentamente sull'immagine che ha iniziato a sognarla e voleva costantemente finire qualcosa in essa. Un anno dopo che il fondatore della Galleria Tretyakov, Pavel Tretyakov, l'ha acquistata, Kramskoy ha voluto ancora una volta cambiare qualcosa e ha apportato piccole modifiche proprio nella sala espositiva.
La tela di Kramskoy è diventata il primo dipinto "da favola" nella storia della pittura russa.
2. Vasily Vereshchagin. "Apoteosi della guerra", 1871
È successo che le persone hanno sempre combattuto. Da tempo immemorabile, capi coraggiosi e potenti governanti equipaggiarono i loro eserciti e li mandarono in guerra. Naturalmente, volevano che i lontani discendenti sapessero delle loro imprese militari, quindi i poeti componevano poesie e canzoni e gli artisti creavano bellissimi dipinti e sculture. In queste immagini, la guerra di solito assomigliava a una vacanza: colori vivaci, guerrieri senza paura che andavano in battaglia ...
L'artista Vasily Vereshchagin conosceva la guerra in prima persona - ha preso parte alle battaglie più di una volta - e ha dipinto molti dipinti in cui ha raffigurato ciò che ha visto con i suoi occhi: non solo soldati coraggiosi e i loro comandanti, ma anche sangue, dolore e sofferenza .
Una volta ha pensato a come mostrare tutti gli orrori della guerra in una foto, come far capire al pubblico che la guerra è sempre dolore e morte, come lasciare che gli altri guardino i suoi dettagli disgustosi? Si rese conto che non era sufficiente dipingere un quadro con un campo di battaglia cosparso di soldati morti: tali tele erano esistite prima. Vereshchagin ha inventato un simbolo di guerra, un'immagine, solo guardandola tutti possono immaginare quanto sia terribile qualsiasi guerra. Dipinse un deserto bruciato, nel mezzo del quale si erge una piramide di teschi umani. Intorno - solo alberi secchi e senza vita e solo i corvi affollano la loro festa. In lontananza si vede una città fatiscente e lo spettatore può facilmente intuire che anche lì non c'è più vita.
3. Aleksej Savrasov. Le torri sono arrivate, 1871
Tutti conoscono il dipinto "I corvi sono arrivati" fin dall'infanzia, e sicuramente tutti hanno scritto su di esso saggi scolastici. E oggi gli insegnanti parleranno sicuramente ai bambini dei paesaggi lirici di Savrasov e del fatto che già nel titolo stesso di questa immagine si può sentire la gioiosa prefigurazione della mattina dell'anno e tutto in esso è pieno di un significato profondo vicino al cuore . Nel frattempo, poche persone sanno che i famosi "Rooks ...", così come tutte le altre opere di Savrasov, potrebbero non essere esistiti affatto.
Alexey Savrasov era il figlio di un piccolo merciaio di Mosca. Il desiderio di dipingere del ragazzo non ha suscitato gioia nei suoi genitori, ma tuttavia Kondrat Savrasov ha lasciato che suo figlio andasse alla Scuola di pittura e scultura di Mosca. Sia gli insegnanti che i compagni di classe hanno riconosciuto il talento del giovane artista e gli hanno predetto un grande futuro. Ma è successo che, non avendo studiato nemmeno per un anno, Alexey, apparentemente a causa della malattia di sua madre, è stato costretto a smettere di studiare. Il suo insegnante Karl Rabus chiese aiuto al capo della polizia di Mosca, il maggiore generale Ivan Luzhin, che aiutò il giovane talentuoso a ottenere un'educazione artistica.
Se Luzhin non avesse preso parte al destino del giovane artista, non sarebbe mai nato uno dei dipinti più famosi della storia della pittura russa.
4. Vasily Polenov. "Cortile di Mosca", 1878
A volte, per dipingere un bel quadro, l'artista viaggia molto, cerca a lungo i panorami più belli e meticolosamente, alla fine, trova il luogo ambito e vi torna più e più volte con un album da disegno. E succede anche che per creare un'opera meravigliosa, ha solo bisogno di andare alla sua finestra, guardare un cortile di Mosca completamente normale - e accade un miracolo, appare un paesaggio straordinario, pieno di luce e aria.
Un tale miracolo accadde all'artista Vasily Polenov, che guardò fuori dalla finestra del suo appartamento all'inizio dell'estate del 1878 e scrisse rapidamente ciò che vide. Le nuvole scivolano facilmente nel cielo, il sole si alza sempre più in alto, riscaldando la terra con il suo calore, illuminando le cupole delle chiese, accorciando le ombre spesse ... Sembrerebbe - un'immagine semplice, che l'artista stesso non ha prendere sul serio all'inizio: ha scritto e quasi se ne è dimenticato. Ma poi è stato invitato a partecipare alla mostra. Non aveva nulla di significativo e Polenov decise di esporre "Moscow Courtyard".
Stranamente, è stata questa "immagine insignificante" che ha portato fama e gloria a Vasily Polenov - sia il pubblico che la critica l'hanno adorata: ha sia calore che colori vivaci, e i suoi personaggi possono essere visti all'infinito, inventando una storia su ciascuno di loro .
5. Ivan Shishkin. "Mattina in una pineta", 1889
"Mattina in una foresta di pini" di Ivan Shishkin è probabilmente il dipinto più famoso della collezione della Galleria Tretyakov. Nel nostro Paese la conoscono tutti, grazie alle riproduzioni nei libri di testo scolastici, o forse grazie ai dolcetti al cioccolato "Piede d'orso".
Ma non tutti sanno che lo stesso Shishkin ha dipinto solo la foresta mattutina in una foschia nebbiosa e non ha nulla a che fare con gli orsi. Questa immagine è il frutto del lavoro congiunto di Shishkin e del suo amico, l'artista Konstantin Savitsky.
Ivan Shishkin era un maestro insuperabile nel rappresentare ogni sorta di sottigliezze botaniche - il critico Alexander Benois lo rimproverò praticamente per la sua dipendenza dall'accuratezza fotografica, chiamando i suoi dipinti privi di vita e freddi. Ma l'artista non era in rapporti amichevoli con la zoologia. Dicono che questo è il motivo per cui Shishkin si è rivolto a Savitsky con una richiesta di aiutarlo con gli orsi. Savitsky non ha rifiutato il suo amico, ma non ha preso sul serio il suo lavoro e non ha firmato.
Più tardi, Pavel Tretyakov acquistò questa tela da Shishkin e l'artista suggerì che Savitsky lasciasse una firma sull'immagine - dopotutto, ci lavorarono insieme. Savitsky lo fece, ma a Tretyakov non piaceva. Affermando di aver acquistato il dipinto da Shishkin e di non voler sapere nulla di Savitsky, ha chiesto un solvente e ha rimosso la firma "extra" con le proprie mani. E così è successo che oggi nella Galleria Tretyakov è accreditato un solo artista.
6. Viktor Vasnetsov. "Eroi", 1898
L'artista più "favoloso" nella storia della pittura russa è considerato Viktor Vasnetsov - è il suo pennello che appartiene a opere famose come "Alyonushka", "Il cavaliere al bivio", "Heroic Skok" e molti altri. Ma il suo dipinto più famoso è "Heroes", che raffigura i personaggi principali dell'epica russa.
L'artista stesso ha descritto l'immagine come segue: "Heroes Dobrynya, Ilya e Alyosha Popovich in un viaggio eroico - notano sul campo, c'è un gateway, dove offendono qualcuno?"
Al centro, su un cavallo nero, Ilya Muromets, guarda in lontananza da sotto il palmo, in una mano l'eroe ha una lancia, nell'altra una mazza damascata. A sinistra, su un cavallo bianco, Dobrynya Nikitich estrae una spada dal fodero. A destra, Alyosha Popovich sta cavalcando un cavallo rosso, con in mano arco e frecce. Una storia interessante è collegata agli eroi di questa immagine, più precisamente ai loro prototipi.
Viktor Vasnetsov ha pensato a lungo a come dovrebbe essere Ilya Muromets, e per molto tempo non è riuscito a trovare la faccia "giusta": audace, onesta, che esprime forza e gentilezza. Ma un giorno, per caso, incontrò il contadino Ivan Petrov, che era venuto a Mosca per lavorare. L'artista rimase sbalordito: in una strada di Mosca vide il vero Ilya Muromets. Il contadino accettò di posare per Vasnetsov e ... rimase per secoli.
Nell'epica Dobrynya Nikitich è piuttosto giovane, ma per qualche ragione il dipinto di Vasnetsov raffigura un uomo di mezza età. Perché l'artista ha deciso di farlo liberamente con i racconti popolari? La risposta è semplice: nell'immagine di Dobrynya Vasnetsov che si è ritratto, è sufficiente confrontare l'immagine con i ritratti e le fotografie dell'artista.
7. Valentino Serov. “Ragazza con le pesche. Ritratto di V. S. Mamontova", 1887
"Ragazza con pesche" è uno dei ritratti più famosi nella storia della pittura russa, dipinto dall'artista Valentin Serov.
La ragazza nel ritratto è Vera, figlia del mecenate Savva Mamontov, nella cui casa l'artista visitava spesso. È interessante notare che le pesche sul tavolo non sono state portate da regioni calde, ma sono cresciute non lontano da Mosca, proprio nella tenuta di Abramtsevo, cosa piuttosto insolita nel XIX secolo. Mamontov lavorava come giardiniere-mago: nelle sue abili mani, gli alberi da frutto fiorivano anche a febbraio e il raccolto veniva raccolto all'inizio dell'estate.
Grazie al ritratto di Serov, Vera Mamontova è passata alla storia, ma l'artista stesso ha ricordato quale lavoro gli è servito per convincerlo a posare per una ragazza di 12 anni che si distingueva per un carattere insolitamente irrequieto. Serov ha lavorato al dipinto per quasi un mese e ogni giorno Vera sedeva tranquillamente nella sala da pranzo per diverse ore.
Le opere non sono state vane: quando l'artista ha presentato il ritratto in mostra, il quadro è piaciuto molto al pubblico. E oggi, più di cento anni dopo, "La ragazza con le pesche" delizia i visitatori della Galleria Tretyakov.
8. Ilya Repin. "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan 16 novembre 1581", 1883-1885
Guardando questa o quella foto, ti chiedi spesso quale sia stata la fonte di ispirazione per l'artista, cosa lo ha spinto a scrivere proprio un'opera del genere? Nel caso del dipinto di Ilya Repin "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan il 16 novembre 1581" non è affatto facile indovinare le vere ragioni.
Il dipinto raffigura un episodio leggendario della vita di Ivan il Terribile, quando, in un impeto di rabbia, inferse un colpo fatale a suo figlio, lo Zarevich Ivan. Tuttavia, molti storici ritengono che in realtà non ci sia stato alcun omicidio e il principe sia morto di malattia, e per nulla per mano di suo padre. Sembrerebbe che cosa possa far volgere un artista a un episodio così storico?
Come ha ricordato l'artista stesso, l'idea di dipingere il dipinto "Ivan il Terribile e suo figlio Ivan" gli è venuta dopo ... un concerto in cui ha ascoltato la musica del compositore Rimsky-Korsakov. Era una suite sinfonica "Antar". I suoni della musica si impossessarono dell'artista e volle incarnare nella pittura l'atmosfera che aveva creato sotto l'influenza di quest'opera.
Ma non solo la musica è diventata fonte di ispirazione. Durante un viaggio in Europa nel 1883, Repin partecipò a una corrida. La vista di questo spettacolo sanguinoso impressionò l'artista, che scrisse che, "avendo contratto ... questo sanguinoso, al suo arrivo a casa, prese immediatamente la scena sanguinosa" Ivan il Terribile con suo figlio ". E l'immagine del sangue è stata un grande successo".
9. Michail Vrubel. Demone seduto, 1890
Come a volte il nome della foto significa molto. Cosa vede lo spettatore al primo sguardo al dipinto di Mikhail Vrubel "Il demone seduto"? Un giovane muscoloso si siede su una roccia e guarda con tristezza il tramonto. Ma non appena pronunciamo la parola "demone", sorge immediatamente l'immagine di una creatura magica e scortese. Nel frattempo, il demone di Mikhail Vrubel non è affatto uno spirito malvagio. L'artista stesso ha detto più di una volta che un demone è uno spirito "non tanto malvagio quanto sofferente e addolorato, ma nonostante tutto, uno spirito prepotente... maestoso".
Questo dipinto è interessante per la sua tecnica pittorica. L'artista applica la vernice sulla tela non con il suo solito pennello, ma con una sottile piastra d'acciaio: una spatola. Questa tecnica ti consente di combinare le tecniche di un pittore e di uno scultore, letteralmente "scolpire" un'immagine con l'aiuto delle vernici. È così che si ottiene un effetto "mosaico": si crea l'impressione che il cielo, le rocce e il corpo dell'eroe stesso non siano dipinti con vernice, ma siano realizzati con pietre accuratamente lucidate, forse anche preziose.
10. Aleksandr Ivanov. "L'apparizione di Cristo al popolo (L'apparizione del Messia)", 1837-1857
Il dipinto di Alexander Ivanov "L'apparizione di Cristo al popolo" è un evento unico nella storia della pittura russa. Non è facile parlarne con i bambini, soprattutto di 6-7 anni, ma dovrebbero assolutamente vedere questa tela monumentale, su cui l'artista lavora da più di 20 anni e che è diventata l'opera di tutta la sua vita.
La trama dell'immagine si basa sul terzo capitolo del Vangelo di Matteo: Giovanni Battista, battezzando il popolo ebraico sulle rive del Giordano nel nome dell'atteso Salvatore, improvvisamente lo vede camminare nel nome del quale battezza le persone. I bambini apprenderanno in seguito le caratteristiche compositive del quadro, i suoi simboli e il linguaggio artistico. Durante la prima conoscenza, vale la pena parlare di come un dipinto sia diventato l'opera dell'intera vita dell'artista.
Dopo aver completato i suoi studi presso l'Accademia delle Arti di San Pietroburgo, Alexander Ivanov è stato inviato "per uno stage" in Italia. "L'apparizione di Cristo al popolo" doveva diventare un'opera responsabile. Ma l'artista prende molto sul serio il suo lavoro: studia attentamente le Sacre Scritture, la storia, trascorre mesi alla ricerca del paesaggio desiderato, un tempo infinito cerca un'immagine per ogni eroe del quadro. I soldi che gli sono stati assegnati per il lavoro si stanno esaurendo, Ivanov conduce un'esistenza miserabile. Il meticoloso lavoro sull'immagine ha portato al fatto che l'artista ha rovinato la sua vista e ha dovuto sottoporsi a un trattamento per molto tempo.
Quando Ivanov ha completato il suo lavoro, il pubblico italiano ha accettato con entusiasmo l'immagine, questo è stato uno dei primi casi di riconoscimento europeo di un artista russo. In Russia, tuttavia, non è stata immediatamente apprezzata - solo dopo la morte dell'artista è arrivata la vera fama.
Lavorando sul dipinto, Ivanov ha creato oltre 600 schizzi. Nella sala in cui è esposto è possibile vederne alcuni. È interessante utilizzare questi esempi per tracciare come l'artista ha lavorato sulla composizione, sul paesaggio, sulle immagini degli eroi del quadro.
Selezione dei record
Il 3 dicembre 1961 avvenne un evento significativo al Museum of Modern Art di New York: il dipinto di Matisse "The Boat", che rimase appeso a testa in giù per 46 giorni, fu adeguatamente pesato. Vale la pena dire che questo non è un incidente isolato e divertente associato ai dipinti di grandi artisti.
Pablo Picasso ha dipinto uno dei suoi famosi ritratti in meno di 5 minuti
Una volta, uno dei conoscenti di Pablo Picasso, guardando le sue nuove opere, disse sinceramente all'artista: “Scusa, ma non riesco a capire. Queste cose semplicemente non esistono". Al che Picasso ribatté: “Non capisci neanche il cinese. Ma esiste ancora». Tuttavia, molti non hanno capito Picasso. Una volta invitò lo scrittore russo Ehrenburg, suo buon amico, a dipingere il suo ritratto. Ha accettato felicemente, ma non ha avuto il tempo di sedersi su una sedia per posare, poiché l'artista ha detto che tutto era pronto.
Ehrenburg ha espresso sorpresa per la velocità di esecuzione dell'opera, dopotutto non erano trascorsi nemmeno 5 minuti, a cui Picasso ha risposto: “Ti conosco da 40 anni. E in tutti questi 40 anni ho imparato a dipingere ritratti in 5 minuti".
Ilya Repin ha aiutato a vendere un dipinto che non ha dipinto
Una signora ha acquistato un dipinto completamente mediocre sul mercato per soli 10 rubli, su cui sfoggiava con orgoglio la firma "I. Repin". Quando un intenditore di pittura mostrò questo lavoro a Ilya Efimovich, rise e finì di scrivere "Questo non è Repin" e firmò il suo autografo. Dopo un po ', una donna intraprendente ha venduto un dipinto di un artista sconosciuto firmato dal grande maestro per 100 rubli.
Gli orsi nel famoso dipinto di Shishkin sono stati dipinti da un altro artista
C'è una legge non detta tra gli artisti: l'assistenza reciproca professionale. Dopotutto, ognuno di loro non ha solo trame e punti di forza preferiti, ma anche punti deboli, quindi perché non aiutarsi a vicenda. Quindi, è noto per certo che per il dipinto "Pushkin in riva al mare" di Aivazovsky, la figura del grande poeta è stata dipinta da Repin, e per il dipinto di Levitan, "Autumn Day. Sokolniki "la signora in nero è stata dipinta da Nikolai Cechov. Il pittore paesaggista Shishkin, che poteva disegnare ogni filo d'erba e aghi nei suoi dipinti, non ha avuto orsi durante la creazione del dipinto "Morning in a Pine Forest". Pertanto, gli orsi per il famoso dipinto Shishkin sono stati dipinti da Savitsky.
Un pezzo di fibra di legno, su cui è stata semplicemente versata la vernice, è diventato uno dei dipinti più costosi
Il dipinto più costoso del mondo nel 2006 è stato Numero 5 di Jackson Polock, 1948. In una delle aste, il dipinto è andato a $ 140 milioni. Può sembrare divertente, ma l'artista non si è "preoccupato" particolarmente della creazione di questo quadro: ha semplicemente versato della vernice su un pezzo di fibra di legno steso sul pavimento.
Rubens ha criptato la data di creazione del suo dipinto da parte delle stelle
Per molto tempo, critici d'arte e scienziati non sono stati in grado di stabilire la data di creazione di uno dei dipinti più famosi di Rubens: il dipinto "La festa degli dei sull'Olimpo". Il mistero è stato risolto solo dopo che gli astronomi hanno dato un'occhiata più da vicino all'immagine. Si è scoperto che i personaggi nell'immagine erano disposti esattamente nello stesso ordine in cui i pianeti si trovavano nel cielo nel 1602.
Il logo Chupa-Chups è stato dipinto dal famoso surrealista
Nel 1961, Enrique Bernata, il proprietario dell'azienda Chupa-Chups, chiese all'artista Salvador Dalì di disegnare un'immagine per un involucro di caramelle. Dalì ha soddisfatto la richiesta. Oggi questa immagine, seppur in forma leggermente modificata, è riconoscibile sulle caramelle di questa azienda.
Vale la pena notare che nel 1967 in Italia con la benedizione del Papa è uscito con le illustrazioni di Salvador Dalì.
Il dipinto più costoso Il tormento porta sfortuna
Il dipinto di Munch "The Scream" è stato venduto all'asta per $ 120 milioni ed è oggi il dipinto più costoso di questo artista. Dicono che Munch, il cui percorso di vita è una serie di tragedie, le abbia messo così tanto dolore che l'immagine ha assorbito energia negativa e si è vendicata dei colpevoli.
Uno dei dipendenti del Museo Munch in qualche modo lasciò cadere accidentalmente il dipinto, dopo di che iniziò a soffrire di terribili mal di testa che portarono quest'uomo a suicidarsi. Un altro impiegato del museo, che non poteva reggere il dipinto, pochi anni dopo ebbe un terribile incidente d'auto. E un visitatore del museo, che si è permesso di toccare il quadro, dopo qualche tempo è stato bruciato vivo nel fuoco. Tuttavia, è possibile che queste siano solo coincidenze.
Il "Quadrato nero" di Malevich ha un "fratello maggiore"
Il quadrato nero, che è forse il dipinto più famoso di Kazimir Malevich, è una tela di 79,5 * 79,5 centimetri con un quadrato nero raffigurato su uno sfondo bianco. Malevich dipinse la sua pittura nel 1915. E nel 1893, 20 anni prima di Malevich, Alphonse Allay, uno scrittore umorista francese, dipinse il suo "quadrato nero". È vero, il dipinto di Alla si chiamava "La battaglia dei negri in una grotta profonda in una notte oscura".
Cristo e Giuda hanno un volto nel dipinto di da Vinci
Dicono che la creazione del dipinto "L'Ultima Cena" abbia richiesto uno sforzo titanico da parte di Leonardo da Vinci. L'artista ha trovato abbastanza rapidamente la persona da cui è stata dipinta l'immagine di Cristo. Uno dei coristi del coro della chiesa si è avvicinato a questo ruolo. Ma Da Vinci stava cercando "Giuda" da tre anni.
Una volta per strada, l'artista ha visto un ubriacone che ha cercato senza successo di uscire dal pozzo nero. Da Vinci lo portò in uno degli stabilimenti per bere, lo fece sedere e iniziò a dipingere. Che sorpresa fu l'artista quando, dopo essersi aperto, l'ubriacone ammise che diversi anni fa aveva già posato per lui. Si è scoperto che questo è lo stesso corista.