I dipinti più famosi e significativi della pittura del mondo. I dipinti più famosi di tutti i tempi 100 persone famose dipinte

Magnifici lavori d'arte di grandi maestri sono in grado di sorprendere anche le persone per le quali l'arte significa poco. Ecco perché i musei del nome del mondo sono tra le attrazioni più popolari che attraggono milioni di visitatori all'anno.

Per distinguersi da un enorme numero di dipinti scritti nella storia dell'arte, l'artista ha bisogno di non solo talento, ma anche la capacità di esprimere un terreno unico di un modo insolito e molto rilevante per il suo tempo.

Le immagini presentate sotto dichiarano ad alta voce non solo per il talento dei loro autori, ma anche su numerose tendenze culturali che sono apparse e scomparse, e gli eventi storici più importanti che sono sempre stati riflessi nell'art.

"Nascita di Venere"

Questa foto, scritta dal Gran Maestro del Revival di Sandro Botticelli, raffigura il momento dell'aspetto della bella Venere dalla schiuma del mare. Uno dei loro aspetti più attraenti dell'immagine è una moderna posa della Dea e la sua semplice, ma una bella faccia.

"I cani giocano a poker"

Scritto da Kassio Kulij nel 1903, una serie di 16 dipinti raffigura i cani raccolti dal poker che giocano attorno a una rivista o da un tavolo da gioco. Molti critici riconoscono queste immagini dall'immagine canonica degli americani che ERA.

Ritratto di Madame Reamenier

Questo ritratto scritto da Jacques-Louis David, raffigura un brillante diva laico in un ambiente minimalista e semplice a contrasto, vestito in un semplice vestito senza maniche bianche. Questo è un vivido esempio di neoclassicismo nell'arte ritratto.

№5

Questa famosa foto scritta da Jackson Pollock è il lavoro più iconico che raffigura vivamente tutti i caos che infuriava nell'anima e alla mente del centrocampo. Questo è uno dei lavori più costosi mai venduti dall'artista americano.

"Figlio di uomo"

Il "Figlio dell'uomo", scritto da Renè Magritte, è una specie di autoritratto raffigurante l'artista stesso in un abito nero, ma con una mela invece di faccia.

"Numero 1" ("Royal Red and Blue")

Questo è un lavoro abbastanza fresco scritto da Mark Rotko, non più di un colpo di tre diverse sfumature su tela fatte a mano. Attualmente, l'immagine è esposta presso l'Istituto delle Arti di Chicago.

"Beating Innocent"

Sulla base della storia biblica sull'omicidio di bambini innocenti a Betlemme, Peter Paul Rubens ha creato questa foto terribile e crudele che colpisce le emozioni di tutti coloro che la guardano.

"Domenica giorno sull'isola di Grand-Zhatt"

Creato da George Sulfur, questa immagine unica e molto popolare raffigura un rilassante giorno libero dall'atmosfera in una grande città. Tale dipinto è un eccellente esempio di indicislismo, che si combina in un intero set di punti.

"Danza"

"Dance" Henri Maissea è un esempio di uno stile chiamato Formism, che si distingue per colori e forme luminosi, praticamente innaturali e ad alta dinamica.

"Gotico americano"

"American Gothic" è un'opera d'arte, simboleggia idealmente l'immagine degli americani durante la Grande Depressione. In questa immagine, concedere il legno raffigurato un paio rigido, probabilmente un paio religioso, in piedi contro una semplice casa con finestre nello stile gotico.

"Caricatore di fiori"

Questa immagine del pittore messicano più popolare del ventesimo secolo - fiume Diego, raffigura una persona che porta a malapena un cesto sovraccaricato di fiori tropicali luminosi.

"Madre Whistler"

Conosciuto anche come "accordo in grigio e nero, madre dell'artista", questo è uno dei dipinti più famosi dell'artista americano James Whistler. In questa immagine, il whistler raffigurava sua madre seduta su una sedia, contro un muro grigio. L'immagine utilizza solo tonalità nere e grigie.

"La persistenza della memoria"

Questo è un culto non meno religioso Salvador Dali, famoso per l'intero mondo del surrealista spagnolo, che ha dato questo movimento alle arti avanzate.

Ritratto di Dara Maar.

Pablo Picasso è uno dei pittori spagnoli più popolari e influenti. È il fondatore del Styled nel suo tempo, chiamato cubismo, che cerca di schiacciare qualsiasi oggetto e trasferirlo per chiarire forme geometriche. Questa immagine è il primo ritratto nello stile del cubismo.

"Ritratto di un artista senza barba"

Questa immagine di Van Gogh è un autoritratto e unico perché raffigura un pittore senza una barba abituale. Inoltre, questo è uno dei pochi dipinti di Van Gogh, che sono stati venduti in collezioni private.

"Night Terrace Cafe"

Van Gogh alato Scritto da Vincent, questa immagine raffigura la vista abituale è completamente nuova, utilizzando colori sorprendentemente brillanti e forme insolite.

"Composizione VIII"

Vasily Kandinsky è riconosciuto come fondatore di Abstract Art - Style che utilizza forme e simboli invece dei soliti oggetti e persone. "Composizione VIII" è uno dei primi dipinti dipinti esclusivamente in questo stile.

"Bacio"

Una delle prime opere artistiche nello stile Art Nouveau, questa immagine è quasi completamente soddisfatta nei toni dell'oro. L'immagine di Gustav Clima è uno dei pezzi di stile più luminosi.

"Palla in Moulin de la Gatte"

Piece Pierre Renuara Pierre è un'immagine luminosa e dinamica della vita urbana. Inoltre, è uno dei dipinti più costosi del mondo.

"Olympia"

Nella foto "Olympia", Edward Mana ha creato questa contraddizione, praticamente scandalo, come una donna nuda con uno sguardo vicino è chiaramente un'amante, non velata da miti del periodo classico. Questo dei primi lavori nello stile del realismo.

"Il terzo del maggio 1808 a Madrid"

In questo lavoro, Francisco Goya ritrae l'attacco di Napoleone agli spagnoli. Questo è uno dei primi dipinti spagnoli che attirano la guerra in luce negativa.

"MINIENI"

La più famosa immagine di Diego Velasquez raffigura una bambaria di cinque anni Infanta Margarita sullo sfondo dei suoi genitori scritti da Velasquez.

"Ritratto di Arnolphin Fours"

Questa immagine è una delle più antiche opere di pittura. È stata scritta da Jan Van Eykom e raffigura un uomo d'affari italiano Giovanni Arnolphini e la sua moglie incinta nella loro casa a Brugge.

"Torrente"

L'immagine dell'artista norvegese Edward Minka è raffigurante una persona distorta dalla paura sullo sfondo di un cielo rosso sanguinante. Paesaggio sullo sfondo Aggiunge un charm cupo questa immagine. Inoltre, il torrente è uno dei primi dipinti realizzati nello stile dell'espressionismo, dove il realismo è ridotto al minimo per garantire una maggiore libertà per le emozioni.

"Dolci"

"Felpe" Scritto da Claude Monet fanno parte di una serie di 250 dipinti raffiguranti elementi del giardino dell'artista. Questi dipinti sono esposti in vari musei artistici del mondo.

"Starlight Night"

"Star Night" Van Gogh è una delle immagini più famose della cultura moderna. Attualmente è esposto al Museo dell'arte contemporanea a New York.

"Autunno di Ikara"

Questa foto, scritta dall'artista olandese Peter Breighele, mostra l'indifferenza di una persona a soffrire dei suoi vicini. Un forte tema sociale è mostrato qui in modo piuttosto semplice, usando l'immagine dell'ICar, annegando sott'acqua e persone che ignorano la sua sofferenza.

"Creazione di Adamo"

"Creazione di Adamo" è uno dei numerosi magnifici affresco mokelangelo, che adornano il soffitto della cappella sistina nel Palazzo Vaticano. Mostra la creazione di Adamo. Oltre all'immagine delle forme umane ideali, l'affresco è uno dei primi nella storia dell'arte dei tentativi di ritrarre Dio.

"Ultima cena"

Questo affresco del Grande Leonardo raffigura l'ultima cena di Gesù al suo tradimento, arresto e morte. Oltre alla composizione, alle forme e alle pitture, la discussione di questo affresco è Pepit Teorie sui simboli nascosti e sulla presenza di Mary Maddalen accanto a Gesù.

"Gernik"

"Gernik" Picasso raffigura l'esplosione della città spagnola con lo stesso nome durante la guerra civile spagnola. Questa è un'immagine in bianco e nero, raffigurante negativamente il fascismo, il nazismo e le loro idee.

"Ragazza con orecchino perla"

Questa immagine di Johannes Vermeer è spesso chiamata la Mona Lisa olandese, non solo per la sua straordinaria popolarità, ma anche perché l'espressione di fronte alla ragazza è difficile da catturare e spiegare.

"Decorazione di Giovanni il Battista"

Immagine di Caravaggio ritratti molto realistici Il momento di uccidere Giovanni Battista in prigione. È filtrato con i dipinti e le espressioni dei suoi personaggi lo rendono un vero capolavoro classico.

"L'orologio notturno"

"Night watch" è uno dei dipinti più famosi di Rembrandt. Raffigura un ritratto di gruppo di una compagnia di fucile guidata dai suoi ufficiali. L'aspetto unico dell'immagine deve essere seme, che dà l'impressione della scena notturna.

"Atene scuola"

Scritto da Raffaello Nel suo precoce periodo romano, questo affresco raffigura famosi filosofi greci, come Platone, Aristotele, Euclideo, Socrate, Pythagora e altri. Molti filosofi sono rappresentati sotto forma di contemporanei di Rafael, ad esempio Platone - Leonardo da Vinci, Heraclit - Michelangelo, Euclideo - Bramte.

"Monna Lisa"

Probabilmente l'immagine più famosa del mondo è "Dzokonda" Leonardo da Vinci, meglio conosciuta come "Mona Lisa". Questa tela è il ritratto della signora Gerardini, attirando l'attenzione della misteriosa espressione del viso.

Giovedì 8 dicembre 2016 11:56 + in preventivo

Giornali bancari i tempiammontava al rating. 200 migliori artistichi viveva nel periodo dall'inizio del XX secolo fino ai giorni nostri.

Di conseguenza, secondo i lettori britannici, primo posto ha preso il grande artista spagnolo Pablo Picasso.

Secondo posto Diviso per Pospressionist. Campo Cesannu., il terzo è il fondatore del moderno austriaco Gustav Klimt.. L'ultima riga è impegnata nell'artista giapponese moderno Hiroshi Sudage..

Gli artisti francesi appaiono tra i primi dieci Claude Monet, Henri Matisse, Marsiglia Dushan E l'artista americano Jackson Pollock.
Dozzina di chiusura una leggenda di pop art Andy Warhole, Rappresentativo di astrazione Villem de Kuning. e famoso modernista Pete Mondrian..
È impossibile non notare la sovrastima della valutazione di alcuni artisti e ignorare gli altri, non meno talentuosi. Editoriale per i tempi, riassumentato il sondaggio, è perplesso: "Cosa c'è Martin Kippenberger Martin Kippenberger? Perché è stimato sopra di quello rotko, della scarpa e della colla? Munch (46th Place) ha peggiorato Freda Calo? Molto probabilmente, questo è spiegato dal desiderio delle donne di mettere un raffinato rappresentante sessuale il più alto possibile nella classifica.

Da artisti russinella classifica appaiono Basilico Kandinsky. (15), Creatore "Black Square "Casimir. Malevich. (17). 95 ° Artista ucraino-americano Alexander ARCHOKOTENKO.. 135th - uno dei fondatori del costruttivismo Alexander Rodchenko. Sono anche entrato nella lista Mark Shagal.-71, e Vladimir Tatlin. - 145th.

Qui 20 migliori artisti del 20 ° secolo, secondo gli amanti della British Art

Venti dei migliori artisti del XX e del primo XXI secolo

1. Pablo Picasso.

2. Paul Cesanne.

3. Gustav Klimt.

4. Claude Monet.

5. Marsiglia Dushan.

6. Henri Matisse.

7. Jackson Pollock.

8. Andy Warhol.

9. Villem de Cuning

10. Pete Mondrian.

11. Paul Gogen.

12. Francis Bacon.

13. Robert Raushenberg.

14. George Marriage.

15. Vasily Kandinsky.

16. Konstantin Brankzzy.

17. Kazimir Malevich.

18. Jasper Jones.

19. Frieda Kalo.

20. Martin Kippenberger.
………………
Sì, se un tale sondaggio è stato condotto con noi, la lista sarebbe completamente diversa. Inoltre, gli elenchi delle migliori opere letterarie - in ogni paese differiscono in modo significativo.
Ma mentre abbiamo solo questo elenco in cui molti artisti non lo sanno.
Pertanto, ecco una breve storia sui primi venti artisti.
E lista completa 200 migliori artisti del XX e del primo XXI secolo- Alla fine del post.
...................
1.Picasso Pablo. - Artista spagnolo, programma

8. Andy Warhol. (vero nome - Andrew Varchol., Rusin. Andriy Vargola.; 1928-1987) - Artista e produttore americano, una persona evidente nella storia dell'arte Pop Art A e contemporanea nel suo complesso. Il fondatore dell'ideologia "Homo Universale".
Warhol ha creato diversi dipinti che sono diventati una sensazione nel mondo dell'arte. Nel 1960, ha creato un design per la lattine della Coca-Cola, che gli ha portato la fama dell'artista con una straordinaria visione dell'arte. E nel 1960-1962 c'era un ciclo di opere con l'immagine di lattine della zuppa di campbell.


Warhol. Uno dei primi schermi applicati e schermo di seta come metodo per creare dipinti.
Warhol ha creato un certo numero di dipinti, che raffigurarono gli idoli della società moderna. Tra le stelle che Andy dipinte: ripetute Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, Beatles, Michael Jackson, Lenin e altri. Questi disegni in colori vivaci sono diventati una "carta chiamante" di Warhol. Ricrecando l'atmosfera dell'America degli anni '60.


Secondo i critici, questi dipinti riflettono la vaga cultura del consumo di massa, la mentalità della civiltà occidentale. Warhol è contato per pop art e arti concettuali, come Robert Raushenberg, Jasper Jones e Roy Liechtenstein. Nel presente, i prezzi dei suoi dipinti raggiungono decine di milioni di dollari. Un'intera sottocultura si è riunita intorno alla figura warhol.

Nel 2015, la foto è stata venduta all'ufficio del Museo del Qatar per $ 300 milioni. 287 \\ 237 \\ 225

12.francis pancetta- (1909-1992) - Artista inglese espressionista. La pittura della pancetta è sempre espressiva, è un tipo di pianto che trasmette la tragedia dell'esistenza. Il tema principale del suo lavoro è il corpo umano - distorto, allungato, racchiuso in forme geometriche. Diverse opere sono incluse nell'elenco dei dipinti più costosi.

Il 14 maggio 2008, Trittico "Punto di riferimento del Canonico XX secolo" Francis Bacon 1976 Venduto a Sotby Asta per 86,3 milioni di dollari. Famiglia della famiglia MUI, proprietari della produzione di vino Château Pétrus, il miliardario russo romano Abramovich. E il pittore ha ricevuto il titolo del più costoso artista del dopoguerra e ha colpito il terzo posto nei primi dieci artisti più costosi del mondo in generale, perdendo solo Picasso e Clima. 180 \\ 122 \\ 96

13.Robert Raushenberg. (1925, Port Arthur -2008, Captiva Island, Florida) - Artista americana. Un rappresentante dell'espressionismo astratto, e poi l'arte concettuale e l'arte pop art, nelle sue opere, per la tecnica del collage e ridimensionato, usava la spazzatura.
Come altri rappresentanti del Pop Art, cercò di esprimere la sua visione del mondo in forme scioccanti insolite. Per fare questo, sono stati utilizzati tela, collage, installazioni.
Nei primi anni '50, Rauschenberg passò attraverso tre fasi di creare opere pittoresche:
"Pittura bianca" - su uno sfondo bianco, numeri neri e alcuni personaggi sono raffigurati.
"Pittura nera" - I pezzi di giornali bloccati sul tessuto, e tutto questo era coperto di smalto nero.
"Pittura rossa" - tela astratta in colori rossi parzialmente con adesivi da giornali, chiodi, foto, ecc.
Nel 1953, Raushenberg Star Figura Willem de Kuning e lo mise sotto il nome "Stretch Disegno de Kuning", toccato la natura della natura dell'arte.

Dalla metà degli anni '50 RAUSENBERG crea oggetti spaziali che chiamano "modelli combinati", ad esempio:
"Odalisk" (cuscino satinato, pollo di spaventapasseri, foto e riproduzioni)
"Bed" - Block, Spannalizzante vernice e set up verticalmente ...


Alla fine degli anni '50, ha padroneggiato la tecnica del filtro (sfregamento, introdotto nell'arte di Max Ernst) per trasferire foto di riviste su carta. Rauschenberg lo ha usato per creare un ciclo grafico di 34 illustrazioni per "ADU" Dante nello stile di Pop Art. Nel 1962, ha padroneggiato la tecnica silkografica e ha creato un numero di grandi opere in esso. Uno dei dipinti di questa serie " Percorso nel cielo» ( Skyway., 1964). Su di esso, i simboli culturali Pop (ad esempio, gli astronauti americani) sono adiacenti alle immagini di Rubens.

Raushenberg è il proprietario di molti premi, tra cui: il premio principale alla Biennale veneziana, il Grammy, la Medaglia nazionale degli Stati Uniti, il Premio Imperiale del Giappone e degli altri.
Negli anni '60 e '70, Raushenberg è stato coinvolto nella sfera di spettacoli, hepptening e altre azioni teatrali.

1 Pablo Picasso 21587
2 Paul Cezanne 21098
3 Gustav Klimt 20823
4 Claude Monet 20684
5 Marcel Dusymp 20647
6 Henry Matisse 17096
7 Jackson Pollock 17051
8 Andy Warhol 17047
9 Villem de Cuning 17042
10 Pete Mondrian 17028
11 Paul Gaugs 17027
12 Francis Bacon 17018
13 Robert Raushenberg 16956
14 Georges Matrimonio 16788
15 Vasily Kandinsky 16055
16 Konstantin Brankuzі 14224
17 Casimir Malevich 13609
18 Jasper Jones 12988
19 Frida Kalo 12940
20 Martin Kippenberger 12784
21 Paul Klee.
22 Egon Shile.
23 Donald Judd.
24 Bruce Nauman.
25 Alberto Dzhacomet.
26 Salvador Dali.
27 Auguste Roden.
28 Mark Rotko.
29 Edward Hopper.
30 Lucian Freud.
31 Richard Serra.
32 Rene Magritt.
33 David Hokney.
34 Philip Gaston.
35 Geri Cartier Bresson 8779
36 Pierre Bonnar.
37 Jean-Michel Baskia
38 Max Ernst.
39 Diana Arbus.
40 Georgia O'Kef.
41 Sai Pubbly.
42 Max Bekmann.
43 Barnet Newman.
44 George de Kiriko
45 Roy Liechtenstein 7441
46 Edward Munk.
47 Pierre August Renoir
48 mn rey.
49 Henry Mur.
50 Cindy Sherman.
51 Jeff Kuns.
52 Tracy Emin.
53 Demin Hurst.
54 Yves Klein.
55 Henry Russo.
56 haim souttin.
57 ARCHIL GORKI.
58 Amadeo Modigliani.
59 Umberto Bocchioni.
60 Jean Dubuloff.
61 EVA Hessse.
62 Edward Villard.
63 Karl Andre.
64 Juan Gras.
65 Lucio Fontana.
66 Franz Klin.
67 David Smith.
68 Josef Bois.
69 Alexander Cauder.
70 Louise Borgeois.
71 Mark Shagal.
72 Gerhard Richter.
73 Baltus.
74 Joan Miro.
75 Ernst Ludwig Kirchner
76 Frank Stella.
77 Georg Baselitz.
78 Francis Picabia.
79 Jenny Savil.
80 DAN FLAVIN.
81 Alfred Stiglitz.
82 ANSELM KIFER.
83 Matthew Bernie.
84 Georges Gros.
85 Bernd e Hill Becher
86 Zigmar Polka.
87 Bryce Mard.
88 Maurizio Katell.
89 Sol Levitt.
90 Chuck Clow 2915
91 Edward Weston.
92 Joseph Cornell.
93 Karel Appel.
94 Bridget Riley.
95 Alexander Arifenko.
96 Anthony Karo.
97 Richard Hamilton.
98 Clifford Still.
99 Luke Tuimans.
100 classe di Áldenburg
101 EDUARDO LUIGI PAOLOTSKI
102 Frank Auerbach.
103 Dinos e Jake Chepman
104 Marlene Duma.
105 Anton Taspe
106 Georgeo Morandi.
107 Walker Evans.
108 NAN Goldin.
109 Robert Frank.
110 Georges Ruo.
111 ARP Hans.
112 agosto mittente
113 James Rosenquist.
114 Andreas Gursky.
115 Eugente Atge.
116 Jeff Wall.
117 Ellsworth Kelly.
118 Bill Brandt.
119 Cristo e Jean-Claude
120 Howard Hodgkin.
121 Joseph Albers.
122 Piero Mandzoni.
123 Agnes Martin.
124 Anish Kapar.
125 L. S. Lowry
126 Robert Motherwell.
127 Robert Delone.
128 Stewart Devis.
129 Ed Rusha.
130 Gilbert e George 2729
131 WENNA SPENCER.
132 James Eneser.
133 Fernard Ledger.
134 Brassey (Dul Halas)
135 Alexander Rachenko.
136 Robert Riman.
137 Ed Rindhard.
138 Hans Belber.
139 IZ Genzken.
140 Kees van Dongen
141 Oyji.
142 Paula Roeg.
143 Thomas Hart Benton
144 Hans Hoffman.
145 Vladimir Tatlin.
146 ODILON REDON.
147 George Segal.
148 yorg namedorf.
149 Robert Smithson.
150 Peter Doyag 2324
151 ed e Nancy Kinholz
152 Richard Prince.
153 Ansel Adams.
154 naum gabo 2256
155 Diego Rivera 2239
156 Barbara Hepworth 2237
157 Nikola de Stelle 2237
158 Walter de Maria 2229
159 Felix Gonzalez Torres 2228
160 Jacomo Ball 2225
161 Ben Nikalon 2221
162 ormoni anthony 2218
163 Lionel Feaninger 2216
164 Emil Nolde 2213
165 Mark Wallinger 2211
166 Herman Nitssch 2209
167 Paul Signac 2209
168 Jean Tigley 2209
169 Kurt Shvitters 2209
170 Grayson Perry 2208
171 Julian Snabel 2208
172 Ramon Dushan-Wiyon 2208
173 Robert Gober 2208
174 Duane Hanson 2208
175 Richard Dibencorn 2207
176 Apex Catz 2207
177 ALIGiero Booty 2206
178 Genidier-Brzesca Henri 2206
179 Laslo Mokhoy-Naga 2205
180 Jacques Henri Lartig 2205
181 Robert Morris 2205
182 Sarah Lucas 2204
183 Jannis Kunellis 2204
184 Chris Barden 2204
185 OTTO DIX 2203
186 David Bomberg 2203
187 Physley e Weiss 2203
188 Ogaastes Giovanni 2203
189 Marsden Hartley 2203
190 Takashi Murakami 2203Reting

Citigened.
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Ci sono opere d'arte che sembrano battere lo spettatore sulla testa, silenziose e incredibili. Altri sono in ritardo nel pensiero e alla ricerca di strati semantici, simbolismo segreto. Alcuni dipinti sono sheaven da segreti e enigmi mistici, mentre altri sorprendono un prezzo esorbitante.

Abbiamo visto attentamente tutti i principali risultati della pittura del mondo e abbiamo scelto due dozzine di dipinti più strani da loro. Salvador Dali, le cui opere cadono completamente sotto il formato di questo materiale e sono i primi a venire in mente, non ha incluso intenzionalmente in questa selezione.

È chiaro che la "stranezza" è un concetto abbastanza soggettivo e per tutti i loro fantastici dipinti, abbassando una serie di altre opere d'arte. Saremo lieti se li condividi tra i commenti e raccontarli un po '.

"Torrente"

Edward Munch. 1893, cartone, olio, temperature, pastello.
Galleria nazionale, Oslo.

"Creek" è considerato un evento iconico di espressionismo e uno dei dipinti più famosi del mondo.

Ci sono due interpretazioni del raffigurato: è l'eroe stesso coperto da horror e urla silenziosamente silenziosamente, premendo le mani verso le orecchie; O l'eroe chiude le orecchie dal pianto che piange la pace e la natura intorno al grido. La munk ha scritto quattro opzioni "crema", e c'è una versione che questa immagine è il frutto di una psicosi depressiva maniacale, da cui ha sofferto l'artista. Dopo il corso del trattamento in clinica, la munk non è stata restituita al lavoro sul web.

"Sono andato su un sentiero con due amici. Il sole era d'accordo - inaspettatamente il cielo divenne rosso sanguinario, sospeso, sentendosi esausto, e si sporse sulla recinzione - guardai il sangue e le lingue di fiamma sopra un fiordo bluastro-nero e la città. I miei amici sono andati oltre, e mi sono alzato, tremava dall'eccitazione, sentendo un grido infinito, piercing natura, "disse Edward Munk sulla storia del dipinto.

"Da dove vogliamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?"

Paul Gajen. 1897-1898, tela, olio.
Museo delle belle arti, Boston.

Alla direzione di Mogen stesso, l'immagine dovrebbe essere letta da destra a sinistra - i tre principali gruppi di figure illustrano le domande impostate nel titolo.

Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; Il gruppo medio simboleggia l'esistenza quotidiana della scadenza; Nel gruppo finale, secondo l'artista, "la vecchia che si avvicina alla morte sembra essere riconciliata e preparando le sue riflessioni," le sue gambe "uno strano uccello bianco ... rappresenta l'inutilità delle parole".

L'immagine profonda-filosofica delle impostazioni post-funzioni del campo di Gaugaen è stata scritta da loro su Tahiti, dove è fuggito da Parigi. Alla fine del lavoro, voleva persino terminare la vita del suicidio: "Credo che questo cantile superi tutti i miei precedenti e che non creerò mai qualcosa di meglio o anche simile". Ha vissuto per altri cinque anni e si è rivelato.

"Gernik"

Pablo Picasso. 1937, tela, olio.
Museo Queen Sofia, Madrid.

"Gernika" presenta scene di morte, violenza, atrocità, sofferenza e impotenza, senza specificare i loro motivi diretti, ma sono ovvi. Dicono che nel 1940 Pablo Picasso fu chiamato a Gestapo a Parigi. Discorso immediatamente andato sull'immagine. "Lo hai fatto?" "No, l'hai fatto."

L'enorme affresco "Gernika", scritto da Picasso nel 1937, parla della tassa della divisione volontaria della Luftwaffe alla città di Herront, a causa della quale la città sessima è stata completamente distrutta. La foto è stata scritta letteralmente per il mese - i primi giorni di lavoro sull'immagine Picasso ha lavorato per 10-12 ore, e nei primi schizzi potevi vedere l'idea principale. Questa è una delle migliori illustrazioni del incubo del fascismo, così come crudeltà umana e dolore.

"Ritratto di Arnolphin Fours"

Jan van Eyk. 1434, legno, olio.
Galleria nazionale di Londra, Londra.

Il famoso dipinto è interamente pieno di simboli, allegorie e una varietà di riferimenti - fino alla firma "Yang van Eyk era qui", che ha trasformato la foto non solo nel lavoro dell'arte, e nel documento storico confermando la realtà del evento su cui era presente l'artista.

Ritratto di presumibilmente Giovanni di Nikolao Arnolphin e sua moglie è una delle opere più difficili della Scuola Occidentale della Pittura del Rinascimento settentrionale.

In Russia, negli ultimi anni, l'immagine ha acquisito grande popolarità grazie alla ritratta somiglianza di Arnolphin con Vladimir Putin.

"Demone seduto"

Mikhail Vrubel. 1890, tela, olio.
Stato Galleria Tretyakov, Mosca.

"Le mani si oppongono a lui"

Bill Stonehem. 1972.

Questo lavoro, ovviamente, non può essere contato per i capolavori della pittura mondiale, ma il fatto che sia strano è un dato di fatto.

Intorno al dipinto con un ragazzo, una bambola e palme, premuto contro il vetro, vai leggende. Da "A causa di questa immagine che muore" a "i bambini su di esso sono vivi". Sembra una pioggia e una terribile, che crea molte paure e speculazioni nelle persone con una psiche debole.

L'artista ha assicurato che lui stesso è stato rappresentato all'età di cinque anni, che la porta è la rappresentazione della linea divisoria tra il mondo reale e il mondo dei sogni, e la bambola è un conduttore che può trascorrere il ragazzo attraverso questo mondo. Le mani rappresentano vite o opportunità alternative.

L'immagine ha guadagnato la fama nel febbraio 2000, quando è stato messo in vendita su eBay con lo sfondo, dicendo che l'immagine è "con i fantasmi". "Le mani si oppongono a lui" comprate per $ 1025 Kim Smith, che fu semplicemente disseminato di lettere con storie terribili e le richieste di bruciare l'immagine.

100 grandi dipinti (parte 1)

I grandi panni sono sempre uno specchio del tempo, il che è la complessa forma allegorica, si godeva il loro artista. Non ogni immagine è chiara per lo spettatore a colpo d'occhio, alcuni di loro richiedono molta attenzione, comprensione, determinata formazione e conoscenza.

Vogliamo sul nostro sito non solo per raccontare le opere più famose della pittura del mondo, ma offrire un'opportunità per tutti di ordinare una riproduzione qualitativa su una tela naturale, a cui piaceva il capolavoro.

Yana van Eyka. (1390-1441) È consuetudine considerare il più grande pittore olandese del XV secolo, che ha messo l'inizio di una tradizione realistica nella pittura dell'altare. Proprio da una piccola città olandese sul fiume Maas, nel 1422, essendo un maestro rispettato, entrò nel servizio a contare John Bavarian e fino al 1424 partecipazione alle opere di decorazione del conte Palace di Aia. Nel 1425, Wang Ayke si trasferì a Lille, dove è diventato il pittore della corte del Duca Burgundian Philip III del bene. Nel cortile del Duca, che ha molto apprezzato l'artista, non ha solo scritto immagini, ma ha anche eseguito molte istruzioni diplomatiche, partendo ripetutamente in Spagna e in Portogallo.

Nel 1431, Van Eyk si trasferì a Brugge, dove viveva fino alla fine dei suoi giorni, esibendo il lavoro e come pittore di corte, e come artista della città. Il maggior numero di cose che ci sono venute da noi sono state scritte dal Maestro in quel momento in cui era al servizio del Duca di Borgogna.

Una delle opere più famose di Wang Enyk, il ritratto della coppia Arnolphin, si trova nella collezione della Galleria nazionale di Londra. In una foto che raffigura la cerimonia di nozze di due giovani ricchi, l'artista ha trovato un posto per diversi personaggi - per esempio, per un cane, situato alle gambe del sposi, il simbolo della lealtà. In uno specchio rotondo appeso al muro nelle profondità della composizione, ci sono due mutandine, testimoni del matrimonio. In uno di loro, l'artista ritraeva se stesso, come dice l'iscrizione sopra lo specchio. Artista appena sposata eseguita in crescita. Il pittore raffigura amorevolmente le cose che circondano sposi. Questi articoli riportano molto sullo stile di vita dei loro proprietari, enfatizzando le loro virtù degli hamburger - la confezione, la modestia, l'amore per l'ordine.

Il contenuto dell'immagine sopra descritto è solo la versione più comune, ma per alcuni ricercatori un altro è attraente: è un autoritratto dell'artista. Nel 1934, il famoso storico dell'arte austriaca Erwin Panofsky ha suggerito che l'immagine non mostra il matrimonio, ma il fidanzamento. Inoltre, è stato trovato che Giovanni Arnolphin e sua moglie non lo fossero, e la donna mostrata nell'immagine sta chiaramente aspettando l'aggiunta della famiglia. E Margarita van Eyk (sorella dell'artista) è stata data dal Figlio il 30 giugno 1434 .

Quindi chi è l'eroe della foto? O è davvero, una scena familiare, e non affatto un ritratto di cagna? Fino ad ora, la domanda rimane aperta ...

Van Eyk introduce lo spettatore alla privacy delle persone, mostrando la bellezza della vita di tutti i giorni. Con questo, ha aperto nuove e realistiche possibilità di arte visiva, pienamente implementata solo nel XVII secolo, quando molti dipinti simili sono stati creati in Olanda.

Questa è la più grande creazione dell'artista, così come la sua "primavera", trecento e più anni erano in un profondo oblio in una tranquilla villa Castello nelle vicinanze di Firenze. La foto è stata notata solo a metà del secolo scorso, quando i pittori di prerafaeliti e Rossetti riaprivano Botticelli come uno dei più rari talenti d'Italia XV secolo.

"Birth of Venus" è stato scritto per Lorenzo di Pierrechic Medici, Cousin Lorenzo Magnifico e il patrono più importante di Botticelli. Firenze, dove l'artista ha condotto quasi tutta la sua vita, è stato gestito dalla potente famiglia di Medici. La trama dei dipinti è associata alla cultura della Corte Lorenzo Medici, intriso della filosofia del neoplatonismo. Questa volta del Poliaciano e del Sonyet di Lorenzo magnifico, il tempo dei tornei e le processioni del Carnevale è stato il momento del periodo di massimo splendore di Botticelli.

Nella "nascita" Sandro Botticelli raffigurato l'immagine dell'Afrodite Urano - celeste Venere, figlie dell'uranio nato dal mare senza una madre. L'immagine catturata non così tanto la nascita di quanto il momento che seguì quando la respirazione dei geni dell'aria, Venere raggiunge la riva promessa. La bellezza della figura nuda è incoronata da Nympho, che è l'incarnazione della natura, è pronta a coprirla con un mantello. Ora è una delle tre montagne, la ninfa del tempo dell'anno. Questa montagna, giudicando i suoi vestiti che la copreva, condiscendente il tempo dell'anno, quando il potere di Venere raggiunge i vertici. Forse questa immagine dell'artista ha ispirato uno degli inni di Omero, che descrive come Marshmallow, il Dio del vento occidentale, portato all'isola di Cipro Venere, dove le montagne lo prese.

Secondo le idee della tazza Lorenzo Medici Venere, la dea dell'amore, è anche la dea dell'umanità. È lei che insegna alle persone a ragionare, Valor, è una madre di armonia, nata dall'unione di materia e spirito, natura e idee, amore e anima.

L'immagine più famosa del mondo, "Mona Lisa", la creazione di Leonardo da Vinci, si trova a Louvre.

"Mona Lisa" è stata creata tra il 1503 e il 1506 e infine migliorata nel 1510. Fino ad ora, rimane poco chiaro chi ha esattamente posto il grande maestro. Un artista ha ricevuto un ordine da Francia-Ko del Jokondo, il commerciante di seta fiorentino e la maggior parte degli storici e gli storici dell'arte credono che Lisa Gerardini sia catturato nel ritratto, la moglie di Jocondo, che ordinò un ritratto in onore della nascita del loro secondo figlio, che è apparso nel dicembre del 1502. Ciononostante, ci sono già 500 anni di controversie su chi è davvero raffigurato in questa famosa immagine.

La parola "mona" è probabilmente la forma abbreviata da Monsna o Mia Donna, cioè, Milady o Madame. In francese, si chiama "La Joconde", e in italiano - "La Gioconda" (divertente), ma questo è solo un gioco di parole, una coincidenza con il nome di quello che serviva come prototipo di dipinti.

Il ritratto è un campione eccellente della tecnica preferita di Leonard, il cosiddetto Spumato - "illuminazione fumosa", una dolce fogna con una soft gamma di toni, che come un po 'spalmato e muoversi lisciamente uno a un altro. Allo stesso tempo, Leonardo denota gli angoli della bocca e degli occhi con tale precisione e grazia che l'immagine acquisisce una qualità veramente fantastica.

Alcuni ricercatori sostengono che l'immagine è un autoritratto di Leonardo stesso, che ha dato la sua apparizione per le caratteristiche delle donne o anche i tratti dell'Hermafrodite. E infatti, se l'immagine di Mona Lisa rimuove i capelli, sarà una strana faccia punita. Questa ipotesi è stata confermata dal lavoro svolto da ricercatori indipendenti - Lilian Schwartz da Belle Labs Laboratory e Digby Kesta dalla clinica di Londra di Modsley, che ha confermato l'ipotesi che Leonardo potesse ritrarre se stesso nell'immagine di Mona Lisa. I ricercatori hanno confrontato con l'aiuto di programmi per computer speciali "Monu Lisa" e Autoritratto Leonardo, fatto quando era già nel punto di attenzione. Il risultato è stato sorprendente. "Mona Lisa" si è rivelata quasi una riflessione dello specchio del viso del grande maestro. Quasi tutte le caratteristiche del viso perfettamente coincidono, compresa la punta del naso, labbra e occhi.

Nel 1911, Monu Lizu ha rubato Italian Vincenzo Perugia da Louvrey, che ha lavorato nel Museo del falegname. Ha appena fatto una foto della galleria, nascondendola sotto i vestiti. Il famoso dipinto è stato trovato solo nel 1913, quando il rapitore ha cercato di venderlo a un certo collezionista. Prima di questo, il capolavoro di Leonardo è stato tenuto in una valigia con un doppio fondo. L'attaccante dedicato ha spiegato al fatto che desideravo restituire una foto in Italia presa da illegalmente napoleone Bonaparte.

Dal libro di Robert Kamming "Great Artists":
"Ampiamente conosciuta come" Dresden Venus ", questa immagine era estremamente originale, non avendo analoghi nell'arte dell'antichità classica. Il lavoro dimostra l'interesse dell'artista al nuovo ideale della bellezza, dove l'umore poetico prevale sui contenuti razionali.
Questo sdraiato nudo è diventato una delle immagini più popolari della pittura europea. Georgeon raffigura una forma di un albero addormentato sotto un albero con gli occhi chiusi, immerso nei sogni e ignari che ciò viene osservato dietro di lei. Quasi tutte le variazioni successive sono raffigurate su questo argomento. In particolare, la criniera nella sua "Olympia" raffigurata "Venere" che offre servizi sessuali.
Morbide sfumature e forme arrotondate di Venere parlano dell'effetto di Leonardo da Vinci, è indovinato e per risolvere le pieghe del drappeggio. "Dresden Venere" è stato scritto in una dannazione nel "Mono Liza" - ed entrambi hanno immediatamente generato molte copie e imitazioni.
Le luci e l'abbagliamento trasmesse Skilly su un drappeggio lussuoso dimostrano la tecnica di pittura del Master Master Master.
I contorni del corpo liscia rafforzano la sensazione di sonno profondo e, così com'era, sarebbero stati invitati a guardare lo sguardo.
La natura erotica dell'immagine indica che l'immagine è stata ordinata per una camera da letto personale.
Le immagini a raggi X e la registrazione dei restauratori del XIX secolo mostrano che inizialmente Georgeon raffigurato (o stava per ritrarre) sul lato destro della figura Cupido.
Secondo le voci, Georgeon non ha avuto il tempo di porre fine all'immagine nella vita, e si ritiene che l'ordine di completare il paesaggio fosse dato a Tiziano. Il paesaggio "multistrato" e le colline blu all'orizzonte sono caratteristici del primo modo di Tiziano. La morte prematura dell'avversario ha contribuito all'arrampicata della stella di Tiziano. "

I. Bosch si è rivelato essere un artista molto difficile, anche ora non c'è punto di vista costante sull'interpretazione di trame e singole immagini dei suoi dipinti.
Per gli artisti medievali (così come per il loro pubblico), tutti gli articoli e i fenomeni hanno avuto un significato simbolico, ogni articolo ha ricevuto la sua interpretazione simbolica basata sui testi della Bibbia. Quindi, ad esempio, sulla base della frase: "La Parola di Dio è forte, come un leone", ha considerato il simbolo della fede all-fivica, perché le figure di Leopoli sono decorate con i portali di molte cattedrali romaniche in Francia E in Italia, gli scultori dei secoli XIII-XIV mettono i leoni ai piedi dei dipartimenti della Chiesa. La creatività Bosch, forse anche pertanto difficile nel nostro tempo per la percezione diretta, che l'artista, oltre ai tradizionali simboli medievali (tutti conosciuti), ha usato un altro simbolismo - meno studiato e difficile da decifrare.
Il linguaggio artistico di Bosch non è mai impilato interamente in interpretazioni medievali simboliche. L'artista ha spesso utilizzato determinati simboli nel valore convertibile in generale accettato e ha anche inventato nuovi simboli. Forse quindi, fu chiamato un "cupo scarlatto", "professore onorario degli incubi", ma i surrealisti moderni videro in Bosche del loro padre spirituale e il precursore. Qui, ad esempio, una di queste scene. La coppia di amore si è ritirata in una bolla trasparente. Un po 'più alto, il giovane abbraccia un enorme gufo, il diritto della bolla nel mezzo della piscina, nell'acqua, un altro uomo si erge sulla sua testa, diffondendo le gambe, tra cui gli uccelli stanno piagnucolando il nido. Non lontano da lui, il giovane che ha seccato la sua amata dalla mela vuota rosa, alimenta la gente in piedi sul collo nell'acqua dal mostruoso cluster d'uva. Questo è il "Giardino del Giardino Rasomy" - uno dei dipinti più famosi di Jerome Bosch.
Il suo trittico "Giardino dei Rasosas", o "Giardino del piacere" (è spesso indicato come il lavoro più "Bosshovsky"), Jerome Bosch ha creato nel 1503, e in esso la sua visione particolare del mondo era pienamente manifestata. Il nome dell'immagine è già dato nella moderna letteratura, e nella seconda metà del XVI secolo, quando cadde nella proprietà del re Philip II, fu chiamata "la diversità del mondo", nel XVII secolo che aveva Il nome "Vanity and Glory".
Sul lato sinistro di questo trittico, il Paradiso è raffigurato, a destra - diavolo, e tra loro l'immagine dell'esistenza della terra, il lato sinistro del giardino delle destinazioni, raffigura la scena della "creazione di Eva" e il Il paradiso stesso brilla e trasferisce con vernici brillanti e frizzanti. Contro lo sfondo del fantastico paesaggio del paradiso. Pieno di vari animali e piante, il maestro mostra il risveglio Adamo solo che risvegliava Adamo sollevato da terra e in stupore guarda a Eva, che Dio lo mostra. Famoso critico d'arte Sh. De Tolnai osserva che un look sorpreso, che Adam lancia sulla prima donna, è un passo verso il peccato. E Eva, estratta dal bordo di Adamo, non è solo una donna, ma anche uno strumento di seduzione. La contraddizione tra un uomo rilassato e sensinato e i semi dei semi del peccato è riprodotta nella natura circostante. Cresciuto su una misteriosa scogliera arancione, una stupida palma diagonalmente opposta alla palma. Diversi incidenti gettano l'ombra cupo e sulla vita tranquilla degli animali: il leone divora un cervo, il cinghiale persegue un misterioso bestia. E oltre tutto questo, la fonte della vita è torna - un ibrido di piante e una scogliera di marmo, un design gotico in vento, installato su pietre blu scuro di una piccola isola. Alla cima ad esso - mentre ancora quasi notevoli mezzano, ma già dall'interno sembra, come un verme, gufo - bollettino della sfortuna.
La parte centrale del trittico è il vero "giardino del giardino di rasomy" - raffigura un grande paesaggio coperto da figure nude di uomini e donne con figure umane mescolate le bestie di proporzioni innaturali, uccelli, pesci, farfalle, alghe, enormi fiori e frutta. Nella composizione "Giardino del Giardino Terra" si distinguono tre piano: in primo piano, le "varie gioie" sono mostrate, la seconda occupata dalla cavalcata di numerosi cavalieri che stanno andando su una varietà di animali, il terzo (il più lontano ) è segnato con un cielo blu dove le persone volano sul pesce alato e con le loro ali apparentemente sullo sfondo questo paesaggio non può essere castigare di giochi d'amore di coppie umane, ma, come la psicoanalisi (psichiatra R. Haikin offerte anche a tenere un Analisi psicopatologica della creatività I. Bosch), i sogni di quel tempo aprono la vera importanza di questi piaceri terreni: ciliegie, fragole, fragole e uve, con tale gioia mangiata dalle persone, simboleggiano la sessualità peccaminosa, priva di La luce dell'amore divino; Una barca-mela in cui gli amanti prevengono, la forma assomiglia a un seno femminile; Gli uccelli diventano la personificazione della lussuria e della dissolutezza, del pesce - un simbolo di lussuria irrequieta, il guscio è una partenza femmina.
In fondo alla foto, il giovane abbracciò una fragola enorme. Il significato di questa immagine sarà inteso da noi se ricordiamo che nell'arte dell'Europa occidentale, il terremoto è stato un simbolo di purezza e verginità. La scena con cluster d'uva in piscina è una comunione, e un pellicano gigante, raccolto su una lunga ciliegia del becco (simbolo sensuality), prende in giro dalla sua gente seduta in un fantastico germoglio di fiori. Pellicano simboleggia l'amore per il prossimo. Simboli dell'arte cristiana L'artista offre spesso un suono particolarmente sensuale, li ridondano in un piano materiale e corpo
Jerome Bosch crea un'incredibile immaginazione del mondo dei desideri effimeri e dei piaceri sensuali: Aloe è scavato nella carne nuda, il corallo cattura saldamente i corpi, il lavandino sbatte e trasforma una coppia d'amore nei suoi prigionieri. Nella Torre dell'Adulteria, che sorge dallo amore fortunato e dalle pareti gialle-arancioni di cui è scintillante come un cristallo, i mariti ingannati stanno dormendo tra le corna. La sfera di vetro del colore d'acciaio, in cui gli amanti che indulgono nella carezza, sono coronati con una corona di corona a mezzaluna e di corna di marmo rosa. Sfera e una campana di vetro, che copre tre peccatori, illustrano il proverbio olandese. "Felicità e vetro - come sono di breve durata!". E sono i simboli della natura eretica del peccato e dei rischi che porta nel mondo
La fascia giusta del trittico - pressione sanguigna - la pressione sanguigna - scuro, scuro, inquietante, con focolai separati di piercing leggero la notte mglu, e con peccatori che sono tormentati da qualche tipo di strumenti musicali giganti. Nel centro dell'inferno c'è una figura enorme di Satana, questa è una specie di "guida" all'inferno - il capo "narratore" con una faccia pallida perdita e un sorriso ironico sulle labbra sottili. Le sue gambe sono tronchi d'albero cavi e stanno facendo affidamento su due navi. Il corpo di Satana è un eggshell aperto, sui campi dei suoi demoni del cappello e della strega che camminano, se ballano con anime peccaminose ... o stanno guidando intorno ad un enorme camoia (il simbolo della partenza maschile) di persone che sono oppressi in peccato innaturale. Sins: un peccatore crocifisso, penetrando le sue stringhe arpa; Accanto a lui, un demone fatto dal fatto spende una diversità dell'orchestra infernale sulle note scritte nei glutei di un altro peccatore. In una seggiolone siede un demone, punendo Rzhor e Westering. Spostò le gambe in brocche di birra e una pentola sul suo uccello le sue teste. E punisce i peccatori, divorali.
L'arsa infernale rappresenta la terza fase della caduta, quando la terra stessa si è trasformata nell'inferno. Gli oggetti precedentemente serviti come peccato ora si sono trasformati in pistole. Queste chimere di coscienza impura hanno tutti i valori specifici dei simboli dei sogni sessuali. Lepre (nella foto supera le sue dimensioni di una persona) nel cristianesimo era il simbolo dell'immortalità dell'anima. Boschu, gioca sul corno e abbassa il peccatore verso il fuoco infernale. Le orecchie giganti servono come una presunta disgrazia. Un enorme chiave attaccato a un monaco, dà il desiderio di quest'ultimo al matrimonio, vietato per i rappresentanti del clero. All'interno del mostro è una taverna, su cui il banner è fluttato - tutto lo stesso hacker. In una certa distanza si trova in uno stato di malinconia uomo che si appoggia al caos. Se vedi le caratteristiche del Hieronim Bosch stesso, l'intera immagine può apparire davanti allo spettatore in una luce diversa: l'artista stesso ha inventato questo incubo, tutte queste agonia e farina sono impegnate nella sua anima. Alcuni storici d'arte insistono su questo, ad esempio, hanno detto già Sh. De Tolnai. Tuttavia, Bosch era una persona profondamente religiosa, e per mettere se stesso all'inferno, non poteva pensare. Molto probabilmente l'artista dovrebbe essere ricercato tra quelle immagini che sono nei suoi dipinti leggeri e buoni, non era per niente che appartenesse alla fratellanza della Vergine.
I nostri contemporanei del personaggio "Giardino del piacere" sono in gran parte incomprensibili, ma per i contemporanei di Bosch (come già menzionato sopra) erano pieni di un significato simbolico profondo. I suoi dipinti (incluso il "Giardino del Jasom") spesso spaventano lo spettatore con compatibilità innaturale in un carattere dell'uomo e dell'animale, vivente e morto, e allo stesso tempo possono divertire. I suoi personaggi sono simili alle immagini da incubo dell'apocalisse e allo stesso tempo - sui divertenti diavoli del Carnevale. Tuttavia, con tutte le molte interpretazioni del significato del "giardino del giardino terra", nessuno di loro può
coprire completamente tutte le immagini dell'immagine.

Questa immagine dell'altare è l'ultima delle principali opere di Rafael dedicata al suo tema preferito. Anche nel primo periodo di creatività, si rivolse all'immagine della Madonna con un bambino, ogni volta che cerca un nuovo approccio. La natura predominante del genio di Rafael è stata espressa nel desiderio del Divino, alla trasformazione di terreni, umani nell'eterno, divino.
Sembra che il sipario si sia appena diffuso e gli occhi dei credenti aprirono la visione celeste - la nuvola di Vergine di Maria con il bambino Gesù sulle sue mani. Madonna tiene un fidato dello studente con il suo Gesù in materna con attenzione e attentamente. Il genio di Rafael sembrava concludere un bambino divino nel cerchio magico, formato dalla mano sinistra della Madonna, la sua copertura saltatrice e la mano destra di Gesù. La sua vista, diretta attraverso lo spettatore, è piena di ansiosi lungimiranza del tragico destino del figlio. La faccia di Madonna è l'incarnazione di un antico ideale di bellezza in collaborazione con la spiritualità dell'ideale cristiano.
Papa Sikst II, che ha adottato un martirio nel 258 d.C. E il santificato santificato, chiede a Maria sull'intercessione per tutti, che la prega prima dell'altare. Posa di Santa Barbara, la sua faccia e un occhio disturbato esprimono umiltà e riverenza. Nelle profondità dell'immagine, sullo sfondo, a malapena distinguibile nella foschia dorata, i volti degli angeli sono intuiti vagamente, rafforzando l'atmosfera complessiva elevata. Viste e gesti di due angeli in primo piano rivolto a Madonne. La presenza di questi ragazzi alati, più simile a divertimenti mitologici, dà il calore e l'umanità speciale della tela.
"Sicstinskaya Madonna" è stato ordinato Raphael nel 1512 come immagine dell'altare per la cappella del monastero di San Stica a Piacere. Papa Julius II, in quel momento, ancora cardinale, ha raccolto fondi per la costruzione della cappella, dove sono state tenute le reliquie di San Stice e Santa Barbara.
In Russia, specialmente nella prima metà del XIX secolo, la "Sicstinskaya Madonna" Rafael era molto venerata ed entusiasta di linee entusiaste di così diversi scrittori e critici, come V. A. Zhukovsky, V. G. Belinsky, N. P. Ogarev. Belinsky ha scritto da Dresden V. P. Botkin, condividendo le sue impressioni sulla "Madonna sicstinica": "Che nobiltà, quella per la grazia del pennello! È impossibile guardare! Mi sono ricordato involontariamente Pushkin: la stessa nobiltà, la stessa grazia di espressione, con lo stesso rigore dei contorni! Non c'è da meravigliarsi Pushkin amato Raphael così tanto: è relativo a lui per natura. " Due grandi scrittori russi, L. N. Tolstoy e F. M. Dostoevsky, hanno avuto le riproduzioni della Madonna sicstinica nei loro uffici lavorativi. F. M. Dostoevsky's Wife ha registrato: "Fedor Mikhailovich soprattutto in pittura ha messo le opere di Raffaello e il suo riconoscimento senior riconosciuto" Sisikstinsky Madonna ".
Carlo Maratty ha quindi espresso la sua sorpresa di fronte a Rafael: "Se avessi una foto di Raffaello e non saprei nulla di lui, se allo stesso tempo dissero che questa è la creazione di un angelo, lo avrei creduto. "
La grande mente di Goethe non solo apprezzava Raphael, ma ha anche trovato un'espressione insegnata per la sua valutazione: "Ha sempre lavorato che gli altri hanno solo sognato di creare".
Questo è vero, perché Rafael incorporato nelle sue opere non solo il desiderio per l'ideale, ma il mortale più ideale e conveniente.

Dal libro "100 grandi dipinti" Ionina n.a.:

Augsburg, dove l'intero cortile spagnolo e molti principi tedeschi si sono riuniti in quel momento. A Augsburg, Titian ha scritto un enorme ritratto equestriano di Karl V la mattina prima della battaglia, in cui il monarca ha vinto una delle sue vittorie più brillanti. I contemporanei di Tiziano questo ritratto colpì con la sua sorpresa: era strano vedere l'imperatore - un sottile gabinetto diplomatico e malinconico - nell'immagine di un cavaliere e un eroe con una lancia in mano, con un raccolto sollevato, saltandolo i campi. Ma tale era la volontà del monarca.
Nella battaglia di Mühlberg, questo fanatkin del cattolismo sembrava muoversi in qualche estasy: non ha guidato la battaglia da lontano, seduta in barelle sotto la protezione delle fortificazioni. Ha sofferto in avanti le sue truppe all'attacco e persino attraversarono la pericolosa ampia d'Elba, affascinando i suoi colonnelli dietro di lui. Questo giorno commemorativo e l'unico atto eroico dell'imperatore e ha dovuto perpetuare Tiziano. Il ritratto mostra non un karl v intagliato, silenzioso e paziente V, come è stato dichiarato nelle narrazioni dei contemporanei. Questo non è Karl, che ha ritratti lo stesso Tiziano nel ritratto, che ora è a Monaco di Baviera Pinakotek. Questa non è una rovina patetica, non un astuto lukava, non il triste "signore dell'universo", non il figlio del folle John e del lussuoso Philip ... Questo è il nipote del "Ultimo Cavaliere" - Massimiliano, e Perciò Tiziano raffigurato un focolaio separato nel ritratto e non un carattere psicologico intero.
Era il sorprendente e il più coraggioso di tutte le opere di Tiziano. Nella nebbia rossastra della primavera al mattino, una su una vasta pianura che si estende per le colline dell'Elba, l'imperatore, inseguì in un acciaio inseguito e dorato, con un bombardamento sollevato su una faccia pallida e decisiva, foglie di galoppo dalla foresta con una lancia in avanti. Quanto spettacolare e grande ^ guarda il cavaliere! Ma quanto è terribile da solo in questo campo. E dove si precipitò a un cavallo splendidamente scintillante. Il comando dei popoli, del fuoco e della spada che punisce lo sfortunato, che cadde sui nemici delle forze di Armada, un uomo, persino il cui gesto pigro potrebbe essere elevato o distrutto, - stanco e solitario raffigurato nel ritratto.
Lo spettatore guarda la sua caratteristica simile, volto di volontà con un mento molto eccezionale, e improvvisamente distingue chiaramente agli occhi dell'imperatore sparsi tristezza, una specie di affaticamento interiore, che viene trasmesso a tutta la sua figura e si chiede anche nella razza del silenzio. La sua apparizione dà l'impressione di uno spirito malvagio, e la visione sta catturando la sorpresa e le spaventose. Anche i vernici ritratto racchiudono qualcosa di minaccioso, militante. Di fronte a Karl V, qualcosa di terribile, "goduto": uno sul campo, uno nel mondo, uno con un'anima spezzata. Così ho capito e così raffigurato il cichio dell'imperatore. Forse lui e -sam non era ancora consapevole della sua grande affaticamento, e l'artista gli mostrò la propria anima - senza abbellimento.
Tiziano in questo ritratto non ha prolungato il suo passionismo, la sua portata della solennità, e si nutrì dei confini delle esigenze del cliente, dimorando al compito con un raro raffreddore per se stesso. Potrebbe essere, quindi alcuni ricercatori festeggiano anche nel ritratto, e nella postura dell'imperatore, alcuni sfortunati, come sui manichini nell'arsenale delle vecchie armi. Ma la penetrazione psicologica di Tiziano ha raggiunto il suo limite più alto in questo ritratto. Secondo la fiducia delle tecniche artistiche, questo ritratto è incredibile, in termini di natura e spirito dell'epoca - nulla può confrontare con lui. Sembra che Klio stesso sia una musa della storia - ha guidato in quei giorni dalla mano dell'artista.

Perseo - in mitologia greca, figlio di Danai, che soffriva di Giove quando si è rivolto nel flusso della pioggia dorata. I suoi atti eroici includevano il boccamento di meduse, una delle serpentine Gorgone, e la salvezza di eccellente Andromeda del mostro marino. L'ultimo argomento è una frequente leggenda non venuta. Perseo è raffigurato sia come un tipico eroe di antichità classica, o nell'immagine di un guerriero in armatura. Tiene una spada arrotondata - il dono del mercurio - e uno scudo brillante, consegnato da lui da minatore, il suo difensore.
L'ovido in "metamorfosi" racconta come Andromeda, la figlia del re etiope, fu incatenato a una roccia sulla riva come vittima portata dal mostro del mare. Perseo, svolazzante nel cielo, si innamorò di lei a prima vista. Si precipitò giù solo in tempo, ucciso mostro e liberato Andromed. Il dipinto "Perseo e Andromeda" Rubens si sono creati in quel momento in cui il suo lavoro era particolarmente emotivamente e allegro. Secondo la perfezione della pittura e la padronanza dell'alta esecuzione, questo lavoro è uno dei capolavori dell'artista. E qui per Rubens rimane la cosa principale per quello che nasce una persona: lotta, vittoria e amore.

Le rubine occupavano non l'impresa del persea, non la lotta e la resistenza, e l'adeguatezza della vittoria già compiuta, quando le grida gioiose sono scappate dalla costa e tutti ammucchiati un potente eroe. In questa immagine, Perseo agisce come un trionfo, una dea alata Victoria (gloria) con un ramo di palma e una corona di alloro nelle mani del vincitore. La apoteosi di Persea diventa una celebrazione della vita, non più oscurata, bella e gioiosa. E questo task artistico Rubens consente una tale completezza, con una forza così eccitante, che non ha ancora quasi trovato. Le intensità di dinamiche interne di ciascuna linea, ogni forma, il loro ritmo crescente raggiunge qui espressivi eccezionali qui. Una forza insormontabile, scoppia, come un vortice, da qualche parte dall'esterno, dà l'intera composizione e lamentarsi, come nella vasca idromassaggio, movimenti di una singola direzione.

S.m.sandomirsky.

Robert Wallace nel libro World Leonardo., M., 1997 scrive: "Dei due problemi con cui gli autori della" serata segreta "sono stati affrontati con secoli, il problema di allocare Juda Leonardo ha deciso con la massima facilità. Metteva i Giuda sullo stesso lato del tavolo come tutti gli altri, ma psicologicamente lo separarono da un'altra solitudine, che è molto più smagliatore della semplice rimozione fisica. Cupo e focalizzato, Giuda tirò fuori da Cristo. Su di esso, come se la vecchia stampa di colpa e la solitudine. "
Giuda si siede con tutti come apostolo in un certo numero di apostoli. Cristo solitario, a causa del biscotto, ma chi è il minimo solo, è Giuda. Da qui il suo potere fiducioso. E non c'è senso di colpa, perché la conversazione nell'immagine non riguarda il tradimento, ma sulla salvezza dell'anima delle persone, il meno preoccupato per questo.
Considera gli apostoli, anche se dopo ciò che non hanno già nulla da decidere.

12 11 10 9 8 7 Cristo 1 2 3 4 5 6
Bartolomeo John Foma Phillip Matthew
Peter Jacob Simeon.
Giuda

1. Thoms nella porta della porta su uno sfondo chiaro. La spazzola destra è compressa, indice di dito: "Dio non permetterà un tale crimine".
2. Jacob con orrore guarda il sangue del Nuovo Testamento accanto al polso. Le mani ampiamente tese e le palme vincolano le parole di Cristo e cercano di proteggere quelle in piedi dietro di lui.
3. Philip preme le dita sul petto e rappresentate da Molba: "Credimi, da parte mia è impossibile".
4. Entrambe le mani prendono le parole di Cristo e il look chiede il 6: "È possibile che lui dice."
5. Simeone con la palma destra prende le parole di Cristo e promuove il 6 °.
6. Matfea, entrambe le palme sono dirette a Cristo, - restituisce le sue parole indietro: "È impossibile!"
7. John. Le dita sono clip e si trovano sul tavolo, che è una farina, la debolezza. Bruscamente oscillato a sinistra, gli occhi coperti. La testa è impotente sulla sua spalla.
8. PETER. La mano sinistra prende le parole di Cristo e calma il 7 °. Nella mano destra, il coltello - è pronto ad uccidere il traditore.
9. Giuda: bassa potenza sostenibile, convinzione nella sua giustezza, determinazione, energia.
10. Palme sollevate al livello del petto: "Chi è il traditore?" L'aspetto ha smecciato sul coltello.
11. Mano destra sulla spalla del 10: si concorda con lui. Lei prende le parole di Cristo.
12. Bartolomeo rimasò risolutamente e pronto ad agire.
In generale, il gruppo giusto degli Apostoli non consente il tradimento; A sinistra - consente un'opportunità così tale ed è determinata a mostrare il traditore.
A proposito a sinistra di Giovanni, liberando la finestra - la luce della verità di Cristo, e Thomas, essendo nella finestra a livello di Cristo, ma spera non a se stesso, ma da Dio; Mentre il 2 ° Apostolo è sceso, mentre si mescolavano, confusi, gli studenti rimanenti sono dati a Leonardo da Vinci, che le idee del sacrificio e della salvezza, i comandamenti del Nuovo Testamento di Cristo Apostoli - Queste persone deboli - non saranno a vittima invano. Questa è la ragione per lo sconforto di Cristo. Inoltre, l'artista stesso dà omaggio all'elevata aspirazione e alla vittima del dio terreno.

Oggi presentiamo venti dipinti degni di attenzione e riconoscimento. Questi dipinti hanno scritto artisti famosi, e non solo la persona che lavora come arte dovrebbe essere conosciuta, ma anche persone mortali facilmente, come la nostra arte collanti la nostra vita, l'estetica approfondisce la nostra visione del mondo. Dai al tuo posto nella tua vita Art ...

1. "L'ultima cena". Leonardo da Vinci, 1495 - 1498

Pittura monumentale di Leonardo da Vinci, raffigurante la scena dell'ultima degna di Cristo con i suoi studenti. Creato nel 1495-1498 nel monastero domenicano di Santa Maria delle Grazie a Milano.

Il dipinto è stato ordinato da Leonardo il suo patrono, il Duca di Lodovico Sforza e sua moglie Beatrice d'Est. Lo stemma delle linee dipinte Sforza sopra il dipinto, formato dal soffitto con tre archi. Il dipinto è stato avviato nel 1495 ed è stato completato nel 1498; Il lavoro è andato con le pause. L'inizio del lavoro non è accurato, poiché "gli archivi del monastero furono distrutti e una parte insignificante dei documenti che abbiamo, risalente al 1497, quando il dipinto era quasi completato."

Il dipinto è diventato una pietra miliare nella storia del Rinascimento: la profondità riprodotta delle prospettive ha cambiato la direzione di sviluppo della pittura dell'Occidente.

Si ritiene che in questa immagine un sacco di segreti e suggerimenti siano nascosti, ad esempio, c'è un'ipotesi che l'immagine di Gesù e Giuda è stata cancellata da una persona. Quando Da Vinci ha scritto una foto, nella sua visione, Gesù ha personificato il bene, mentre Giuda era un male. E quando il Maestro ha trovato "il suo Giudas" (ubriacone dalla strada), si è scoperto che, secondo gli storici, questo ubriaco è stato servito da pochi anni prima del prototipo per scrivere l'immagine di Gesù. Quindi, si può dire che questa immagine ha catturato una persona in diversi periodi della sua vita.

2. "Sunflowers". Vincent van Gogh, 1887

Il nome dei due cicli dell'artista olandese Vincent van Gogh. La prima serie è eseguita a Parigi nel 1887. È dedicato ai colori sdraiati. La seconda serie è stata completata in un anno, ad Arle. Raffigura un bouquet di girasoli in un vaso. Due dipinti di Parigi hanno acquisito un amico van Gogh Paul Gajn.

L'artista ha scritto girasoli undici volte. I primi quattro dipinti sono stati creati a Parigi in agosto - settembre 1887. I grandi fiori tagliati si trovano come una specie di creature eccezionali nei nostri occhi.

3. "Nono Val". Ivan Konstantinovich Aivazovskyi?, 1850.

Uno dei dipinti più famosi del marinista dell'artista russo Ivan Aivazovsky è tenuto nel museo russo.

Il pittore raffigura il mare dopo la tempesta notturna più forte e le persone che hanno subito il naufragio. I raggi del sole illuminano le onde enormi. Il più grande è il nono albero - pronto a cadere sulle persone che cercano di scappare sul relitto dell'albero.

Nonostante il fatto che la nave sia distrutta e rimase solo l'albero, le persone sull'albero sono vive e continuano a combattere gli elementi. I toni caldi della foto rendono il mare non così duro e danno allo spettatore la speranza che le persone vengano salvate.

Creato nell'immagine 1850 "La nona Val" è diventata immediatamente il più famoso di tutto il suo Marine ed è stato acquisito da Nikolai I.

4. "Mach Nude." Francisco Goya, 1797-1800.

Immagine dell'artista spagnolo Francisco Goya, scritto intorno al 1797-1800. Comprende una coppia con una foto di "Maja Vestida". Immagini raffigurate Maha - Città spagnola e XIII-XIX secoli, uno degli oggetti preferiti dell'immagine dell'artista. "Mach è nuda" è una delle prime opere dell'arte occidentale raffigurante una donna completamente nuda senza connotazioni mitologiche o negative.

5. "Volare in amore." Mark Chagall, 1914-1918.

Lavorare sull'immagine "sopra la città" è iniziata nel 1914, e l'ultimo maestro dei maestri del Maestro era solo nel 1918. Durante questo periodo, Bella dall'amato divenne non solo per l'adorabile coniuge, ma anche la madre della loro figlia Idis, diventando per sempre il principale museo del pittore. L'unione della figlia ricca di un gioielliere offacario e un semplice gioielliere ebraico, il cui padre ha guadagnato una vivente, scarico aringhe, altrimenti non chiamerò melealliani, ma l'amore era più forte e sovrapponendo tutte le convenzioni. È questo amore che avvolto intorno a loro, ascendendo verso il paradiso.

Karina raffigura due amori di Shagal - Bella e il caro cuore Vitebsk. Le strade sono presentate sotto forma di case separate da un forte recinto oscuro. Non immediatamente, lo spettatore noterà una capra, pascolo sul lato sinistro del centro del dipinto, e un uomo semplice con un pantalone navale in prima linea - un soupfold dal pittore, rompendo il contesto generale e l'umore romantico del lavoro, ma questo è tutto camminato ...

6. "Volto della guerra". Salvador Dali, 1940.

L'immagine dell'artista spagnolo El Salvador Dali, scritto nel 1940.

La foto è stata creata sulla strada per gli Stati Uniti. Una tragedia impressionata volò nel mondo, sanguinario dei politici, il Maestro inizia a lavorare su un piroscafo. Situato nel Museo di Bumanza-Van Beningen a Rotterdam.

Avendo perso ogni speranza per la vita normale in Europa, l'artista dell'amato Parigi foglie in America. La guerra copre la vecchia luce e cerca di catturare l'intero mondo rimanente. Il Maestro ancora non sa che soggiornare nel Nuovo Mondo per otto anni lo renderà veramente famoso, e il suo lavoro è capolavori della pittura del mondo.

7. "Creek". Edward Munk, 1893

"Creek" (Norv. Skrik) - creato nell'intervallo tra il 1893 e il 1910 una serie di dipinti dell'artista norvegese-espressionista Edward Minka. Raffigurano la figura umana che grida nella disperazione sullo sfondo di un cielo rosso-sanguinoso e uno sfondo di paesaggio estremamente generalizzato. Nel 1895, Munch ha creato una litografia sulla stessa trama.

Rosso, il cielo caldo di Fiery copriva il fiordo freddo, che, a sua volta, dà origine a un'ombra fantastica, simile a un mostro settentrionale. Lo stress distorceva lo spazio, le linee si sono rotte, i colori non sono coerenti, la prospettiva è distrutta.

Molti critici ritengono che la trama dei dipinti sia il frutto di una fantasia malata di una persona mentalmente malsana. Qualcuno vede una premonizione di un disastro ambientale nel lavoro, qualcuno risolve la questione di cui la mummia ha ispirato l'autore a questo lavoro.

8. "Ragazza con un servizio di perle." Jan Vermeer, 1665

Foto "Ragazza con una perla" (Notera. "Het Meisje Met de Parel") è stato scritto intorno al 1665. In questo momento è tenuto nel Museo Mauritzheis, la città di Aia, Paesi Bassi ed è una carta da visita in visita. L'immagine, che ha ricevuto il soprannome della Mona Lisa olandese, o Mona Lisa del Nord, è stato scritto nel Genire Tronie.

Grazie al film di Peter Webber "Girl with a Pearl Serving" 2003, un enorme numero di persone lontano dalla pittura, ha imparato per il meraviglioso artista olandese Jan Vermeer, così come la sua più famosa ragazza di pittura "con un servizio di perle".

9. "Torre babilonese." Peter Bruegel, 1563

Immagine famosa dell'artista Peter Bruegel. L'artista ha creato almeno due immagini su questa trama.

L'immagine si trova - il Museo della storia dell'arte, Vienna.

La Bibbia ha una storia su come gli abitanti di Babilonia cercarono di costruire una torre ad alta alta torre per arrivare al cielo, ma Dio lo ha fatto in modo che parlassero in varie lingue, smettevano di capirsene, e la torre rimase incompiuta.

10. "Donne algerine". Pablo Picasso, 1955

"Donne algerine" - Una serie di 15 tele, create da Picasso nel 1954-1955 in base al dipinto di Ezhen Delacroix; I dipinti differiscono nell'artista assegnato con i letterali da A alla O. "Version O" è stato scritto il 14 febbraio 1955; Per un po ', apparteneva alla famosa American Assembly dell'arte del XX secolo Viktor Gantsse.

Pattern Pablo Picasso "Le donne algerine (versione O)" sono state vendute per $ 180 milioni.

11. "Nuovo pianeta". Konstantin giu, 1921

Pittore sovietico russo, paesaggio principale, artista del teatro, teorico d'arte. Accademico AH URSSR. Artista delle persone dell'URSS. Vincitore del premio stalinista del primo grado. WCP membro dal 1951.

Questo è un incredibile, creato nel 1921 e non è affatto caratteristico dell'artista-Realista di Giovanni, il quadro "Nuova pianeta" - uno dei lavori luminosi che è stata incarnata l'immagine dei cambiamenti in cui la rivoluzione di ottobre era nel secondo Decidente del XX secolo. Nuovo sistema, un nuovo modo e un nuovo modo di pensare solo alla società sovietica originaria. Cosa sta ora aspettando l'umanità? Futuro radioso? Non ci ha ancora pensato ancora, ma il fatto che la Russia sovietica e il mondo intero entra nell'era del cambiamento ovviamente, così come la rapida nascita di un nuovo pianeta.

12. "Sicstinskaya Madonna". Rafael Santi, 1754

Il dipinto di Raffaello, che dal 1754 è nella Galleria dei Vecchi Maestri a Dresda. Appartiene al numero di vertici generalmente accettati di alto revival.

Dimensioni enormi (265? 196 cm, la dimensione dell'immagine nel catalogo della galleria di Dresden) è stata creata da Rafael per l'altare della Chiesa del monastero di Saint Sict a Piacenz con Julia II. C'è un'ipotesi che l'immagine è stata scritta nel 1512-1513 in onore della vittoria sui francesi, che furono invasi in Lombardia durante le guerre italiane e la successiva inclusione di Piestes nella regione pontile.

13. "Camminare Maria Maddalena". Tiziano (Tiziano Titshevere), scritto intorno al 1565

L'immagine, scritta in circa 1565 dall'artista italiano Titan Titshevere. Appartiene all'eremo di stato a San Pietroburgo. A volte la data di creazione è indicata come "1560".

Il modello dell'immagine era Julia Festin, colpendo l'artista con un casting wops con i capelli dorati. La tela finita è stata molto colpita dal Duca di Gonzag, e ha deciso di ordinare la sua copia. Più tardi Tiziano, cambiare lo sfondo e la positività della donna, ha scritto un paio di un altro lavoro.

14. "MONA LISA". Leonardo da Vinci, 1503-1505

Ritratto della signora Liza del Jocondo, (IAL. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - Pittura Leonardo da Vinci, situata nel Louvre (Parigi, Francia), una delle opere più famose della pittura del mondo, che si ritiene che sia un ritratto di Lisa Gerardini, dei coniugi mercantili Florentia Francesco del Jocondo, scritto circa 1503 -1505.

Secondo una delle versioni estese, "Mona Lisa" - un autoritratto dell'artista.

15. "Mattina nella foresta di pini", Shishkin Ivan Ivanovich, 1889.

Immagine di Artisti russi Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky. Savitsky ha scritto orsi, ma il collezionista Paul Tretyakov mescola la sua firma, quindi l'immagine dell'immagine spesso indica uno.

Il design del dipinto è stato suggerito da Shishkin Savitsky, che in seguito si è esibito come coautore e raffigurato le figure dell'orso. Questi portano con alcune differenze nelle pose e nelle quantità (prima c'erano due di loro) appaiono nei disegni preparatori e nei schizzi. Gli animali si sono scoperti da Savitsky, quindi con successo che ha persino firmato nella foto insieme a Shishkin.

16. "Non ho aspettato." Ilya repin, 1884-1888.

Immagine dell'artista russo Ilya Repin (1844-1930), scritto nel 1884-1888. Fa parte della riunione della Galleria di Tretyakov di Stato.

L'immagine mostrata nella XII Mobile Exhibition è inclusa nel ciclo narrativo dedicato al destino della popolazione rivoluzionaria russa.

17. "Ball in Moulin de la Gatte", Pierre Auguste Renoir, 1876.

Immagine scritta dall'artista francese Pierre Auguste Renoir nel 1876.

Il posto dove l'immagine è il Museo di D'Ors. Moulin de la Galette è uno zucchine poco costoso su Montmartre, dove studenti e giovani laburisti di Parigi si sono riuniti.

18. "notte stella". Vincent van Gogh, 1889 anni.

De Sterrennacht. - Foto dell'artista Paesi Bassi Vincent Van Gogh, scritto nel giugno del 1889, con vista sul cielo predestrale sulla città immaginaria dalla finestra orientale dell'alloggio dell'artista a Saint-Remy de Provence. Dal 1941, è conservato nel Museo dell'arte contemporanea a New York. È considerato una delle migliori opere di Van Gogh e una delle opere più significative della pittura occidentale.

19. "Creazione di Adamo". Michelangelo, 1511.

Affresco di Michelangelo, scritto intorno al 1511. L'affresco è il quarto delle nove composizioni centrali del soffitto della cappella sicastina.

"Creazione di Adamo" è una delle composizioni più importanti del dipinto della Cappella Sicstina. In uno spazio infinito, il dio-padre vola, circondato da angeli di sovraccisione, con una decisiva tunica bianca. La mano destra è allungata verso la mano di Adamo e quasi toccala. Il corpo di Adamo sdraiato su una scogliera verde sta gradualmente in movimento, risveglia alla vita. L'intera composizione è concentrata sul gesto di due mani. La mano di Dio dà l'impulso, e la mano di Adamo prende, dando tutto il corpo di energia vitale. Il fatto che le loro mani non entrino in contatto, Michelangelo ha sottolineato l'impossibilità dell'uniforme del Divino e dell'uomo. Nell'immagine di Dio, secondo il piano dell'artista, non un principio meraviglioso, ma un'energia creativa gigantesca. Nella forma di Adam Michelangelo, il potere e la bellezza del corpo umano sta chasing. In effetti, la creazione della persona stessa appare davanti a noi, e il momento in cui ottiene l'anima, la ricerca appassionata del divino, sete di conoscenza.

20. "Baci nel cielo stellare". Gustav Klimt, 1905-1907.

Immagine dell'artista austriaco Gustav Climaving, scritto nel 1907-1908. La tela appartiene al periodo della creatività di Clima, chiamata "Golden", l'ultimo lavoro dell'autore nel suo "periodo d'oro".

Sulla roccia, sul bordo della radura del fiore, nell'auforma d'oro, ci sono completamente sommergibili l'uno nell'altro, abbandonato da tutto il mondo innamorato. A causa dell'incertezza del luogo di ciò che sta accadendo sembra che la coppia raffigurata nella foto vada oltre al tempo e lo spazio è una condizione cosmica, dall'altra parte di tutti gli stereotipi storici e sociali e dei cataclismi. Privacy completa e voltò il volto di un uomo sottolinea solo l'impressione di isolamento e estensione verso l'osservatore.

Fonte - wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me

20 dipinti che tutti dovrebbero sapere (storia della pittura) Aggiornato: 23 novembre 2016 dall'autore: sito web