Natura morta dei moderni artisti francesi. Natura morta di grandi maestri
Su alcuni artisti del segno che hanno creato dipinti nel genere della natura morta.
introduzione
Il termine "still life" è usato per definizione di dipinti raffiguranti oggetti inanimati (dalla "natura morta" latina). Inoltre, gli oggetti possono essere come origine naturale (frutta, fiori, animali morti e insetti, teschi, ecc.), Così come creato da uomo (vari utensili, orologi, libri e rotoli di carta, gioielli e così via). Spesso, alcuni sottotesto nascosti, trasmessi attraverso un'immagine simbolica, si trasforma in natura morta. Le opere di una natura allegorica appartengono al sottogenano Vanitas.
Natura morta come genere ha ottenuto il più grande sviluppo nei Paesi Bassi nel 17 ° secolo come metodo di protesta contro la Chiesa ufficiale e imponendo arte religiosa. Nell'ulteriore storia di dipingere il lavoro dell'olandese di quel tempo (Utrekh, Leiden, Delft e altri) ha avuto un enorme impatto sullo sviluppo dell'arte: composizione, prospettiva, l'uso dei simboli come elemento della narrazione. Nonostante la sua importanza e l'interesse per la parte del pubblico, secondo le accademie delle arti, la natura morta occupava l'ultimo posto nella Gerarchia Generale dei Generi.
Rachel Rulily.
Risch è uno dei più famosi realisti o dutch e autori della natura morta. Le composizioni di questo artista contengono una massa di simboli, una varietà di mittenti morali e religiosi. La sua identità aziendale è una combinazione di uno sfondo scuro, uno studio meticoloso di parti, colore delicato e un ulteriore, attaccato, elementi (insetti, uccelli, rettili, cristallo VAZ).
Arrestare van Stenweyk.
Il lavoro di questo realista olandese è perfettamente dimostrato dalle nazioni ancora nello stile di Vanitas, illustrando il trambusto della vita terrena. Uno dei dipinti più famosi è la "Allegoria della Vanità della vita umana", in cui il cranio umano è mostrato nei raggi della luce del sole. Varie composizioni della composizione si riferiscono alle idee della inevitabilità della morte fisica. I dettagli e il livello del realismo dei dipinti dello sterzo si ottengono attraverso l'uso di pennelli sottili e apparecchi di vernice.
Paul Cesanne.
Conosciuto dai suoi paesaggi, ritratti e lavori di genere, Cezann ha contribuito allo sviluppo della natura morta. Dopo che l'interesse per l'impressionismo è scomparso, l'artista ha iniziato a esplorare frutta e oggetti naturali, sperimentare con figure sfuse. Questi studi hanno contribuito a creare una prospettiva e un volume in vita ancora non solo con l'aiuto di metodi classici, ma anche da officina utilizzando il colore. Tutte le direzioni seisane considerate sono state ulteriormente studiate da George Matrimonio e Picasso nello sviluppo del cubismo analitico. Nel perseguimento, l'obiettivo di creare qualcosa di "costante", l'artista preferiva scrivere gli stessi oggetti, e un processo incredibilmente lungo di creare natura morta ha portato al fatto che frutta e verdura cominciarono a marcire e decomponenti molto prima della fine della foto .
Orlare.
Lo studente di David Bayei, Dutch Realist Jem è noto per magnifici livelli ancora con un gran numero di parti caricate con composizioni, abbondanza di insetti e altri elementi ornamentali e simbolici. Spesso, l'artista ha usato motivi religiosi nelle opere, come Jan Broygeo e Federico Borromeo.
Jean Batist Shader.
Il figlio del carpentiere Jean Charred ha acquisito la sua diligenza e desideri per l'ordine con precisione grazie a suo padre. I dipinti del Maestro sono spesso calmi e sobri, perché cercava di armonia di tono, colori e forme, in molti aspetti raggiunti attraverso il lavoro con illuminazione e contrasti. Il desiderio di pulizia e ordine è anche espresso in assenza di allegorie nelle composizioni.
Francia Snakers.
L'autore di natura morta e scene con animali dell'era barocca è stato incredibilmente prolifico, e la sua capacità di ritrarre la trama della pelle, della pelliccia, del vetro, del metallo e di altri materiali era insuperabile. Anche Snyders era un animale eccezionale, raffigurante spesso gli animali morti nelle sue sollevate ancora. Più tardi, diventa il pittore ufficiale di Ersgertzog Albert Austria, che ha portato a creare un capolavoro ancora più.
Francisco de Surbaran.
Surbaran è un noto direttore di dipinti su un argomento religioso - è uno dei più grandi creatori di vita ancora. Dipinto in severi tradizioni spagnole, il suo lavoro ha una qualità che non dipende dal tempo e dalla semplicità impeccabile. Di norma, rappresentano un piccolo numero di oggetti su uno sfondo oscurato.
Conor Walton.
Conor Walton merita attenzione dagli autori moderni. Il contributo dell'artista irlandese allo sviluppo della natura morta può essere chiaramente visto nei lavori "Hide: Arances and Limons" (2008), "Natura morta con grandi orchidee" (2004). Lavori della procedura guidata sono accurati e realizzati con un uso eccezionale di luce, contribuendo a superare la trama di varie superfici.
Top ancora vita Aggiornato: 14 novembre 2017 dall'autore: Gleb.
Vai alla fase finale di questa serie di messaggi sul genere della natura morta. Sarà dedicato al lavoro degli artisti in Russia.
Forse, forse da Fedor Petrovich Tolstoy (1783-1873). Grafica still life f.P. Tolstoy, famoso scultore russo, medaler, disegnatore, disegnatore e pittore, probabilmente la parte più importante e preziosa del suo patrimonio creativo, anche se l'artista stesso ha detto che ha creato questi lavori "in gravi di tempo".
La proprietà principale dei disegni comunque dello stile di vita è spesso - la loro illusione. L'artista ha accuratamente copiato la natura. Ha provato, secondo le sue stesse parole, "con rigide prigioni di trasferire un fiore copiato dalla natura su carta come è, con tutti i minimi dettagli appartenenti a questo fiore". Per introdurre uno spettatore in errore, Tolstoy ha utilizzato tali tecniche illusioniste, come immagine di goccioline di rugiada o carta traslucida, che copre il disegno e aiutando a ingannare la visione.
Illya Efimofich Repin (1844-1930) si rivolse anche a un tale motivo della natura morta come fiori. Tali lavori possono essere attribuiti al dipinto "Bouquet Autumn Bouquet" (1892, Galleria Tretyakovskaya, Mosca), dove l'artista con uguale attenzione raffigura il paesaggio autunnale, una giovane donna in piedi contro lo sfondo di alberi d'oro, e un modesto bouquet di giallo e Fiori bianchi nelle sue mani.
I. Repin. Bouquet di autunno. Ritratto di una fede della corda. 1892, Galleria Tretyakov
La storia del dipinto "mele e foglie" è in qualche modo insolita. Natura morta, combinando frutta e foglie, è stata fissata per uno studente di repina, v.a. Sierov. La composizione del soggetto era così amata dall'insegnante che ha deciso di scrivere una tale vita ancora stessa. I fiori e i frutti hanno attirato molti artisti che preferivano da altre cose precisamente questi, la maggior parte poetici e meravigliosamente mostrando il mondo della natura. Anche in. Kramskaya, che è stato ritenuto in modo sprezzante creduto per un genere del genere, ha anche dato omaggio alla natura morta, creando uno spettacolare quadro "bouquet di fiori. Floxes "(1884, Galleria Tretyakov, Mosca).
Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) è noto alla maggior parte di noi come artista che ha prestato attenzione al paesaggio, ritratto e pittura storica nel suo lavoro. Tuttavia, va notato che il soggetto nel suo lavoro ha sempre svolto un ruolo importante e spesso occupava la stessa posizione uguale, così come altri elementi della composizione. Un po 'più alto, ho già detto il suo lavoro studente "mele sulle foglie", 1879, tenuto sotto la guida di repin. Se confrontiamo questo lavoro con il lavoro scritto sullo stesso tema della Repin, puoi vedere che la natura morta di Serov si distingue più schizzinosa del tessuto del suo insegnante. L'artista del novizio ha usato un punto di vista basso, quindi il primo e il secondo piano sono combinati e lo sfondo è ridotto.
Famoso con tutti fin dall'infanzia, un'immagine della "ragazza con le pesche" va oltre il genere del ritratto e non è per caso che si chiami "ragazza con pesche", e non "ritratto di fede mammut". Possiamo vedere che le caratteristiche del ritratto, dell'interno e della natura morta sono collegate qui. L'artista paga uguale attenzione all'immagine della ragazza in una camicetta rosa e alcuni, ma soggetti raggruppati abilmente. Su una tovaglia bianca giacciono dolcemente gialle pesche, foglie di acero e un coltello lucido. Bella scoperta e altre cose che sono in gran parte: sedie, un grande piatto di porcellana, che adornano il muro, una figura di un soldato giocattolo, un candelabro sul davanzale. Luce solare, versando fuori dalla finestra e lasciando gli oggetti luminosi abbagliamento, dà il fascino poetico dell'immagine.
Mikhail Alexandrovich Vrubel (1856-1910) ha scritto: "E ancora una volta enfatizzarmi, no, non si arrende, ma sono ascoltato dalla nota nazionale intima che voglio talvolgere su tela e nell'ornamento. Questa è la musica di un uomo di un uomo, non sezionata da distrazioni di un ordine, differenziato e pallido ovest. "
Alla Academy of Arts, l'amata insegnante Vrubel era Pavel Chistyakov, che ha insegnato il giovane pittore a "disegnare una forma" e sosteneva che i moduli del volume non dovrebbero essere creati nello spazio con tubo e contorni, dovrebbero essere costruiti con linee. Grazie a lui, Vrubel imparava a non mostrare solo la natura, ma come se avesse avuto una conversazione sincero, quasi amorosa con lei. In tale spirito, è stata eseguita una meravigliosa natura morta dei Maestri "Roshovnik" (1884).
Sullo sfondo del drappeggio squisito con motivi floreali, l'artista ha pubblicato un elegante vaso arrotondato, dipinto dai modelli orientali. Il dolce fiore rosa bianco rosa, ombreggiato con un panno verde blu, è distintamente distinto, e le foglie della pianta sono quasi fuse con alberi neri in vaso. Questa composizione viene eseguita dal fascino e dalla freschezza inesprimibili, che lo spettatore non può semplicemente non cedere.
Durante il periodo della malattia, Vrubel cominciò a scrivere di più dalla natura, ei suoi disegni differiscono non solo dalla raffica della forma, ma anche spiritualità completamente speciale. Sembra che ogni movimento della mano dell'artista dà la sua sofferenza e passione.
Soprattutto notevole in questo senso che disegna "still-life. Candeliere, decanter, vetro. Questo è un trionfo schiacciante di obiettività violenta. Ogni soggetto di natura morta porta una forza esplosiva nascosta. Il materiale da cui sono realizzate le cose, sii in bronzo il candelabro, il decantatore di vetro o un bagliore della candela opaca, tremante tremelle dalla tensione interna colossale. La pulsazione viene trasmessa dall'artista con brevi colpi di cross-story, a causa della quale la trama acquisisce esplosivi e tensioni. Pertanto, gli articoli acquisiscono incredibili indennità in cui è la vera essenza delle cose
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Grandi competenze nella creazione di vita ancora - "annuss" raggiunto G.n. Calore e T. ulyanov. Molto spesso, ritraggono un muro militante, su cui sono stati disegnati i nodi e i corpi dell'albero. Sulle pareti sono appese o zitti per nastri inchiodati per unghie una varietà di oggetti: forbici, capesante, lettere, libri, taccuini musicali. Sui ripiani stretti, orologi, inchiostri, bottiglie, candelesticks, piatti e altre piccole cose sono posizionate sugli scaffali stretti. Sembra che tale serie di oggetti sia completamente accidentale, ma in realtà non è così. Guardando tali livelli ancora, puoi indovinare gli interessi degli artisti impegnati in musica, leggere, appassionati d'arte. Maestri con amore e diligentemente raffigurarono le loro cari cose. Questi dipinti toccano la loro sincerità e l'immediatezza della percezione della natura.
Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) ha anche pagato molta natura morta nel suo lavoro. Alle sue amiche tesi, è possibile vedere tessuti in raso brillante, brillando con samovars rame, la lucentezza delle fette di rame e porcellana a fette di anguria, cluster d'uva, mele, cupcakes appetitosi. Uno dei suoi meravigliosi dipinti è "Kupchikha for Tea", il 1918 è impossibile non ammirare lo splendore luminoso degli oggetti mostrati sulla tela. Samovar scintillante, carne rossa brillante di angurie, mele lucide e uva trasparente, vaso di vetro con marmellata, zuccheria placcata in oro e una tazza di fronte, tutte queste cose fanno un umore festivo in un'immagine.
Nel genere della natura morta, è stata prestata molta attenzione alle cosiddette "fermi gruppi di congelamento". Molte livelli ancora - "inganni", nonostante il fatto che il loro compito principale fosse quello di introdurre uno spettatore per errore, possedere meriti artistici indubbiamente, particolarmente evidenti nei musei, dove, intrecciati intorno alle pareti, tali composizioni, ovviamente, non riescono a ingannare il pubblico . Ma ci sono delle eccezioni qui. Ad esempio, "Natura morta con libri", eseguita da P.G. Bogomolov, inserito nella "libreria" illusorio, e i visitatori non riconoscono immediatamente che è solo una foto.
Molto buono "still life con un pappagallo" (1737) G.n. Teplova. Con l'aiuto di linee chiare e chiare, spostandosi in contorni morbidi, lisci, ombre luminose, trasparenti, sfumature di colore sottile, l'artista mostra una varietà di oggetti sollevati su una bacheca. Legno trasmesso bosco, le sfumature bluastre, rosa, giallastre di cui aiutano a creare quasi una vera sensazione di un vero odore appena un albero punteggiato.
G.n. Calore. "Natura morta con un pappagallo", 1737, Museo di Stato di ceramica, Manor Kuskovo
Russo ancora Lifes- "Deceivers" del XVIII secolo mostrano che gli artisti non ancora non trasmettono abilmente spazio e volumi. Ancora più importante, per loro mostrare la consistenza degli oggetti, come se fosse trasferito su tela dalla realtà reale. A differenza della vita olandese, dove le cose assorbite dal mezzo leggero sono raffigurate nell'unità con lei, nei dipinti dei maestri russi, gli oggetti si sono scaricati con molta attenzione, persino meschina, vivono come da soli, indipendentemente dallo spazio circostante.
All'inizio del XIX secolo, un grande ruolo nell'ulteriore sviluppo della natura morta è stato giocato dalla scuola A.G. Venetsanova, che ha trascorso contro la rigorosa delimitazione dei generi e cercava di insegnare ai suoi alunni con una visione olistica della natura.
A.G.VETSANOV. Khumno, 1821-23.
La scuola veneziana ha scoperto un nuovo genere per l'arte russa - interni. Gli artisti hanno mostrato vari locali della Noble House: soggiorni, camere da letto, armadietti, cucine, aule, umani, ecc. In questi lavori, un posto importante è stata data un'immagine di vari oggetti, anche se la natura morta non era quasi interessata ai rappresentanti del Circolo veneziano (in ogni caso, una pochissima vita è stata conservata, eseguita dagli studenti del famoso pittore). Tuttavia, Venetsanov ha invitato i suoi allievi per allenarti attentamente non solo i volti e le figure delle persone, ma anche le cose intorno a loro.
Il soggetto nel dipinto di Venetsian non è un accessorio, è inestricabilmente collegato con il resto dei dipinti ed è spesso la chiave per capire l'immagine. Ad esempio, una funzione simile viene eseguita da falciforme nella foto "zntsy" (la seconda metà del 1820, il museo russo, San Pietroburgo). Le cose nell'arte di Venetsiano sembrano coinvolte nella vita senza fretta e serena dei personaggi.
Sebbene Venetcianov, in tutte le probabilità, non ha scritto le reali livelli ancora, comprendeva questo genere nel suo sistema di apprendimento. L'artista ha scritto: " Le cose inanimate non sono soggette ai diversi cambiamenti, che sono caratteristici degli oggetti animati, stanno, mantengono davanti a un artista inesperto, vivace, immobile e dargli un tempo più accurato e intelligente, per penetrare nel rapporto di una parte a L'altro come nelle linee, così nella luce e nell'ombra, Koi dipende dal sito occupato da oggetti”.
Naturalmente, la vita ancora ha svolto un ruolo importante nel sistema pedagogico dell'Accademia delle Arti dei secoli XVIII-XIX (in classi curriculanti, gli alunni fatte copie da salvelleria, compilate da cose come figure in gesso, piatti, candeletti, multicolore Nastri, frutta e fiori. Gli oggetti per l'allenamento ancora le sollevate Venetsian hanno scelto in modo che siano interessati ai pittori principianti, sono comprensibili in forma, splendidamente a colori.
Nei dipinti creati da studenti di talento di Venetsianov, le cose sono state trasferite sinceramente e fresche. Tali sono ancora Lives K. Zelentsova, P.E. Cornilova. Ci sono opere nelle opere di VenetoNovens che sono alla loro essenza non sono ancora vitali, ma, tuttavia, il ruolo delle cose in loro è enorme. Puoi chiamare, ad esempio, il tessuto "Cabinet nelle isole" e "Riflessione nello specchio" G.V. Soroki immagazzinata nella riunione del museo russo a San Pietroburgo.
G.V. Gazza. "Cabinet nelle isole". Frammento, 1844, Museo russo, San Pietroburgo
I livelli ancora in questi lavori non sono in modo indipendente, ma come parte particolare della parte interna, corrispondente al generale sistema di quadri compositivi ed emotivi. L'elemento di rilegatura principale qui è la luce, girando delicatamente da un oggetto all'altro. Guardando la tela, sai quanto è interessante l'artista in tutto il mondo, raffigurante amorevolmente ogni oggetto, ogni piccola cosa.
Natura morta presentata nel "ufficio delle isole", sebbene ci vuole un piccolo posto nella composizione generale, sembra insolitamente significativa, assegnata a causa del fatto che l'autore lo bruciava dal resto delle alte sorgenti del divano, e a sinistra ea destra ritagliata il telaio. Sembra che quaranta così affascinato dagli oggetti sdraiati sul tavolo, che quasi dimenticarono del resto dei dipinti. Il Master ha scritto attentamente tutto: piuma d'oca, matita, circo, trasporto, perochelnik, abaco, fogli di carta, candela in un candelabro. Il punto di vista dall'otto ti consente di considerare tutte le cose, nessuno di loro illumina un altro. Attributi come un cranio, gli orologi, così come i simboli di "Earth Fuss" (figurina, carta, punteggi), consentono alcuni ricercatori di classificare la vita ancora al tipo di vanitas, anche se una tale coincidenza è puramente casualmente, molto probabilmente un servo L'artista ha approfittato del fatto che distendeva sul tavolo il suo proprietario.
Il famoso maestro delle composizioni del soggetto della prima metà del XIX secolo fu l'artista I.F. Khrustsky, che ha scritto un sacco di bei dipinti nello spirito della natura olandese della natura del XVII secolo. Tra i suoi migliori lavori - "Fiori e frutti" (1836, Galleria Tretyakov, Mosca), "Ritratto di una moglie con fiori e frutti" (1838, Art Museum of Bielorussia, Minsk), "Still Life" (1839, Museo del Museo del Accademia delle Arti, San Pietroburgo).
Nella prima metà del XIX secolo, la "Natura morta botanica", che ci è venuta da noi dall'Europa occidentale, era molto popolare. In Francia, in questo momento, il lavoro della botanica con bellissime illustrazioni. Gran parte di fama in molti paesi europei ha ricevuto l'artista P.Z. Rabutay, che era considerato "il pittore più famoso dei fiori del suo tempo". La "figura botanica" era un fenomeno significativo non solo per la scienza, ma anche per l'arte e la cultura. Disegni simili sono stati presentati come regalo, album decorati, che li mettono così in una riga con altre opere di pittura e grafica.
Nella seconda metà del XIX secolo, è stata prestata molta attenzione all'immagine degli articoli. Fedotov. Sebbene non abbia scritto l'altro studente, il mondo delle cose creato da lui ammira la sua bellezza e la sua veridicità.
Gli oggetti nelle opere di Fedotov sono inseparabili dalla vita delle persone, prendono la partecipazione più diretta agli eventi drammatici rappresentati dall'artista.
Guardando il quadro "fresco cavalier" ("mattina dopo Pirushki", 1846), sei incredibile un'abbondanza di oggetti, accuratamente scaricata dal Maestro. Una vera natura morta, sorprendente dalla sua laconicità, è presentata alla famosa immagine di Fedotov "Guardando Major" (1848). Glass tangibile in realtà trasmesso: bicchieri da vino ad alta gamba, bottiglia, decanter. Il migliore e trasparente, sembra fare un delicato squillo di cristallo.
Fedotov p.a. Maggiore muratura. 1848-1849. Gtg.
Fedotov non separa oggetti dall'interno, quindi le cose vengono mostrate non solo in modo affidabile, ma anche pittoresco piuttosto sottili. Ognuno è l'oggetto più comune o non troppo attraente che occupa il suo posto nello spazio generale sembra incredibile e bello.
Sebbene Fedotov non abbia scritto ancora la vita, ha mostrato un indubbio interesse in questo genere. Il Flair gli suggerì come posizionare uno o un altro argomento, da quale punto di vista è immaginare quali cose guarderanno accanto non solo logicamente ragionevoli, ma anche espressive.
Il mondo delle cose che aiutano a mostrare la vita di una persona in tutte le sue manifestazioni, dà le opere di Musicalità speciale Fedotov. Questi sono i dipinti "Ancora, ancora ancora ancora" (1851-1852), "vedova" (1852) e molti altri.
Nella seconda metà del XIX secolo, il genere dello studente ha praticamente fermato interessato agli artisti, sebbene molti genrestoni comprendono volentieri gli elementi della natura morta nelle loro composizioni. Gran parte di importanza è acquisita da cose nei dipinti v.g. Perova ("Tea Party in Mytishchi", 1862, Galleria Tretyakovskaya, Mosca), L.I. Solomatkina ("City Slavs", 1846, Museo storico di stato, Mosca).
I livelli ancora sono presentati nelle scene di genere A.l. Yushanova ("Fili del capo", 1864), M.K. Klodta ("musicista del paziente", 1855), v.i. Jacobi ("Performer", 1858), A.I. Korzukhin ("Prima della confessione", 1877; "Nel Monastero Hotel", 1882), K.E. Makovsky ("Alekseich", 1882). Tutte queste tele sono ora memorizzate nella collezione della Galleria Tretyakov.
K.e. Makovsky. "Alekseich", 1882, Galleria Tretyakovskaya, Mosca
Nel 1870-1880, il genere leader nel dipinto russo rimase la famiglia, sebbene il paesaggio e il ritratto abbiano anche occupato un posto importante. I film hanno svolto un ruolo enorme per l'ulteriore sviluppo dell'arte russa, sforzandosi di mostrare la verità della vita nelle loro opere. Gli artisti hanno cominciato a attribuire grande importanza a lavorare dalla natura e quindi, sempre più spesso appellati al paesaggio e alla natura morta, anche se molti di loro consideravano l'ultima perdita di tempo, passione priva di significato per la forma, priva di contenuti interni. Quindi, I.n. Kramskaya ha menzionato il famoso pittore francese, non trascurato da vita ancora, in una lettera a V.M. VasnetSov: "Un uomo di talento non trascorrerà tempo sull'immagine, messo, pelvi, pesce, ecc. È bello fare persone che hanno già tutto, e abbiamo un brutto angolo".
Ciononostante, molti artisti russi che non hanno scritto ancora la vita, gli ammirarono, guardando i maestri occidentali. Ad esempio, V.D. Polenov, che era in Francia, ha scritto I.n. KRAMSKY: "Guardi come va qui, come per il petrolio, tutti lavorano in un genere, in un'ampia varietà di aree che a cui piacciono, e tutto questo è apprezzato e pagato. Abbiamo principalmente il valore che è fatto, e qui - come fatto. Ad esempio, per un bacino di rame con due pesci pagano ventimila franchi, e anche in aggiunta, considerano queste azioni di rame al Maestro del primo pittore, e, forse, non senza resmon ".
Avendo visitato nel 1883 presso la mostra di Parigi v.i. Surimov ammirato i paesaggi, i salvagioni ancora e dipinti con l'immagine dei fiori. Ha scritto: "Il buon pesce di Hiberta. Il pesce Sliz viene consegnato a padroneggiare, in modo colorato, impastato il tono. " C'è nella sua lettera a P.M. Tretyakov e tali parole: "e Gilbert Fish - un miracolo cosa. Bene, affatto nelle mani puoi prendere, prima dell'inganno è scritto. "
E il Polenov, e Surimov poteva essere bellissimi maestri di natura morta, come evidenziato da oggetti scritti magistrali nelle loro composizioni ("paziente" Polenov, "Menshikov a Berezov" Surikov).
V.d. Polenov. "Paziente", 1886, Galleria Tretyakov
La maggior parte delle parti ancora create da famosi artisti russi nel 1870-1880 sono opere di Etutus, che mostrano il desiderio degli autori di trasmettere le peculiarità delle cose. Alcuni lavori simili raffigurano oggetti insoliti e rari (ad esempio, un etudio con natura morta per il dipinto I.e. Repin "Cossacks scrivere una lettera al Sultan turco", 1891). Non c'erano valori indipendenti.
Interessanti vita ancora A.D. Lithuako, realizzato come Etudi preparatorie alla grande canvasi "Ivan Grozny mostra i suoi tesori dell'ambasciatore Goretia" (1875, museo russo, San Pietroburgo). L'artista ha mostrato tessuti lussuosi di Brocade, armi incrostati con pietre preziose, prodotti in oro e argento immagazzinati in tesori reali.
Più rari in quel momento sono stati etuti ancora la vita, rappresentando gli oggetti domestici ordinari. Tali lavori sono stati creati per studiare la struttura delle cose, nonché il risultato di esercizi nella tecnica pittoresca.
Un ruolo importante della natura morta ha giocato non solo nel genere, ma anche nel verniciatura del ritratto. Ad esempio, nella foto I.n. Kramsky "Nekrasov nel periodo" Recenti canzoni "(1877-1878, Galleria di Tretyakov Galleria, Mosca) Esegui la caratteristica degli accessori. S.n. Goldstein, che è stato studiato dalla creatività di Kramsky, scrive: "Alla ricerca di una composizione generale del lavoro, cerca l'interno ricreato da lui, nonostante la sua natura domestica, ha contribuito principalmente alla consapevolezza dell'aspetto spirituale del poeta, illegale Significato della sua poesia. E infatti, i singoli accessori di questo interiore - Toma "contemporaneo", posati a caso sul tavolo nel letto di un paziente, un foglio di carta e una matita nelle sue mani indebolite, Belinsky Busto, appeso al muro, il ritratto di Dobrolyubov - acquisito in questo lavoro L'importanza non è segni esterni della situazione in questo lavoro, ma reliquie, strettamente associate a un uomo di persona. "
Tra le poche abitazioni ancora, i luoghi magnifici occupano i "mazzi". Interessante "Bouquet" V.D. Polenova (1880, Museo Abramtsevo - maniera), la maniera di esecuzione un po 'simile alla vita ancora, cioè Repin. Senza prestigiatura nel suo motivo (piccoli fiori selvatici in un semplice vaso di vetro), tuttavia, ammira il suo dipinto gratuito. Nella seconda metà degli anni 1880, i bouquet simili appariranno nella pittura I.I. Levitan.
In uno, mostra i fiori dello spettatore I.n. Kramskaya. Molti ricercatori ritengono che due immagini siano "un bouquet di fiori. FLOXES "(1884, Galleria Tretyakovskaya, Mosca) e" Roses "(1884, Assemblea R.K. Viktorova, Mosca) - sono state create da un maestro mentre lavorava sul cannucciatore" Rezazy Mountain ".
Due "bouquet" Kramskoy hanno dimostrato alla XII Mobile Exhibition. Composizioni spettacolari e luminose raffiguranti i fiori del giardino su uno sfondo scuro, hanno trovato gli acquirenti anche prima dell'apertura della mostra. I proprietari di queste opere erano barone G.O. Ginzburg e Imperatrice.
Alla mostra ix mobile 1881-1882, la pubblicità del pubblico ha attirato l'immagine k.e. Makovsky, chiamato nel catalogo "natura morta" (ora si trova nella Galleria Tretyakov chiamata "nel workshop dell'artista"). Su una grande tazza, un enorme cane e un bambino che si estende dalla sedia al frutto sul tavolo è rappresentato sul tappeto. Ma queste cifre sono solo i dettagli necessari per l'autore per far rivivere la natura morta - molte cose lussuose nel laboratorio dell'artista. Scritto nelle tradizioni dell'arte fiamminga, la foto di Makovsky tocca ancora l'anima dello spettatore. L'artista, affascinato dalla trasmissione della bellezza delle cose costose, non è riuscito a mostrare la loro personalità e ha creato un lavoro, il cui obiettivo principale è dimostrare ricchezza e lusso.
Tutti gli elementi nella foto sono come se raccolti per colpire lo spettatore con la loro magnificenza. Sulla tabella è tradizionale per la natura morta. Set di frutta - grandi mele, pere e uve su un grande piatto bellissimo. Ecco una grande tazza d'argento, decorata con un ornamento. Nelle vicinanze è una nave da fascia bianca-blu, vicino al quale c'è un'arma antica riccamente decorata. Il fatto che questo sia un laboratorio dell'artista, assomiglia a spazzole posizionate in un'ampia brocca sul pavimento. La sedia dorata è una spada in luci lussuose guaine. Il pavimento strapperà il tappeto con un ornamento luminoso. I cari o cari tessuti - un broccato, confuso con una pelliccia spessa, e il velluto, da cui è cucita la tenda. Il sapore della tela è progettato in ombre ricche con una predominanza di scarlatto, blu, dorato.
Di tutti i precedenti, è chiaro che nella seconda metà del XIX secolo, la vita ancora non ha svolto un ruolo significativo nella pittura russa. È stato distribuito solo come Etude per l'immagine o il perno educativo. Molti artisti che soddisfano i livelli ancora nel quadro del programma accademico, in lavori indipendenti in più rispetto a questo genere non sono stati restituiti. Le sollevioni ancora scrisse principalmente non professionali, creando acquerelli con fiori, frutti di bosco, frutta, funghi. I grandi maestri non consideravano natura morta degno di attenzione e oggetti usati solo per mostrare in modo convincente la situazione e decorare l'immagine.
Le prime routine della nuova natura morta si possono trovare negli artisti di pittura che hanno lavorato alla svolta dei secoli XIX-XX: I.I. Levitan, I.e. Grabar, v.e. Borisova-Musatova, M.F. Larionova, K.a. Mucca. Era in quel momento in arte russa una natura morta apparve come un genere indipendente.
Ma è stata una natura morta molto particolare, intesa da artisti che hanno lavorato in modo impressionistico, non come una composizione ordinaria chiusa soggetto. I maestri raffiguravano i dettagli della natura morta nel paesaggio o nell'interno, ed erano importanti non tanto la vita delle cose come lo spazio stesso, la luce della luce dissolvendo i contorni degli oggetti. Grande interesse è anche grafico ancora lifes m.a. Vrubel, distinto da un'originalità unica.
All'inizio del XX secolo, tali artisti hanno svolto un grande ruolo nello sviluppo della natura morta russa come A.ya. GOLOVIN, S.YU. Sudyikin, A.F. Gaush, B.I. Anisfeld, I.S. Scolaro. Nuova parola in questo genere ha detto n.n. Sapunov, ha creato un numero di pannelli dipinti con bouquet di colori.
Nel 1900, molti artisti di varie direzioni applicati alla natura morta. Tra questi erano cosiddetti. Cezannisti di Mosca, simbobilisti (P.V. Kuznetsov, K.S. Petrov-Vodkin) e altri. Un posto importante le composizioni del soggetto occupavano nel lavoro di tali maestri famosi come M.F. Larionov, N.S. Goncharova, A.V. Lentolov, R.R. Falk, P.P. Konchalovsky, A.V. Shevchenko, d.p. Sterleberg, che ha reso la vita ancora piena di altri generi in pittura russa del 20 ° secolo.
Una transizione di artisti russi, che nel loro lavoro usato elementi di natura morta impiegherebbe molto spazio. Pertanto, limitiamo noi stessi al materiale fornito qui. Coloro che desiderano possono leggere maggiori dettagli sui collegamenti forniti nella prima parte di questa serie di messaggi sul genere della natura morta.
Messaggi precedenti: parte 1 -
Parte 2 -
Parte 3 -
Parte 4 -
Parte 5 -
Natura morta è un genere che ha acquisito la fama nell'arte occidentale entro la fine del XVI secolo e da allora rimane un genere importante.
La natura morta è classificata secondo l'immagine degli oggetti convenzionali che possono essere naturali, come fiori, frutta, ecc. O artificiale, come occhiali, strumenti musicali, ecc. Quello che segue è una lista dei 10 artisti naturali più famosi Compreso Charden, Cezanna Fields, Van Gogh e Georgio Morandi.
№10 Still Life Series, Artist Tom Vesselman
Anno: 1962
Il movimento Pop Art è sorto negli anni '50 del 20 ° secolo e utilizza immagini riconoscibili da una cultura popolare. Tra le opere più popolari di Pop Art è una serie di livelli ancora Tom Vesselman. Le sue nazioni ancora raffigurano elementi del mondo moderno, non frutta e verdura della precedente generazione di artisti di questo genere. Questo lavoro (still life # 30) è una combinazione di pittura, sculture e collage di marchi, che Tom vide per strada.
№9 Vanitas con un violino e una palla di vetro
Artista: Peter clas
Da :, e nbsp -
Peter Clas è uno degli artisti del pittore avanzato ancora la vita del suo tempo. I suoi vanitas con un violino e una palla di vetro, che raffigura molti oggetti, compreso il cranio, ma soprattutto attira l'attenzione sulla palla di vetro, che riflette l'artista stesso davanti al cavalletto. Si sente mistico. Il Caravaggio "Cesto di frutta" è molto naturale, i vermo sono persino visibili sul frutto. E non è chiaro se il Maestro ritragga quello che ha visto, o in frutti viziati, un significato più profondo menzogne. Certamente buona natura morta con girasoli van Gogh. |
La valutazione presentata di natura morta è mostrata perfettamente come possono essere diversi dipinti di questo genere. Molto "sovietico" (o proletario) lavoro di Wesselman, anche se non raffigura gli attributi dell'URSS, ad eccezione della stella rossa. Il ritratto di Lincoln di Lincoln così tanto nella natura morta, sembra strano tra whisky, frutta, fiore interno, gatto e frutta, che è involontario associato alle immagini dei segretari generali, che in una volta c'erano un attributo indispensabile di qualsiasi ambiente. Due bottiglie di whisky sembrano birra, fanno l'impressione di una bevanda quotidiana, che non richiede spuntini speciali. La Casa Bianca nella foto è quasi completamente nascosta dal frutto, che suggerisce che è solo un leggero dettaglio dell'interno. I colori vivaci danno la composizione con un carattere esplicito degli anni '60 e facilitano la percezione di una stella rossa accanto a Lincoln. Contraccia brillantemente Vanitas con un violino, che è nettamente diverso con eleganza, raffinatezza, fiori più trattenuti e un insieme di oggetti del mondo opposto, relativo all'immagine del vesselman. Il cesto di frutta caravaggio è un esempio di una classica natura morta, molto elegante, laconica, che è sempre bella da vedere. Tavolozza interessante, che non si distingue per varietà di colori, ma impilati in una certa gamma di sfumature naturali. E il lavoro di Morandi è così semplice, essenziale e più pulito, che è impossibile stancarla di guardarla. Colore minimo, diversi elementi che compongono la composizione, senza schemi, diversità di oggetti, semplici, ad eccezione del vaso, moduli. Tuttavia, la vita ancora vuota considerare, trovare varie sfumature nella semplicità apparente. La tela di Cebzanna - una vacanza di vita, abbondanza, gioie semplici - frutta fresca, vino fatto in casa, dessert fatto in casa, dessert fatto in casa per mangiare, e non creare una composizione canonica. La natura morta con il limone è molto elegante, con una combinazione di colori favorevole di nero e giallo, e un piatto, un cesto e una coppia di caffè creano un certo "video", danno dinamismo. Skat on the Picture Sharden attira immediatamente l'attenzione, evidenzia efficacemente la tela contro lo sfondo di qualsiasi altro, anche se in realtà è piuttosto classica, tradizionale natura morta. Cubico, il lavoro geometrico del matrimonio dimostra che il genere della natura morta è possibile in questo stile. Bene, i girasoli di van Gogh sono soleggiati, gioiosi, radiosi, caldi, ma non sono sicuro che lo avrebbe messo al primo posto. |
Queste vita ancora sono molto diverse! Certo, i miei girasoli preferiti in questa lista! Ogni immagine è individuale e speciale. |
Mi è piaciuta solo arance e limoni. Il resto è piuttosto noioso! |
Oggi era alla mostra nel Museo Ucraino Nazionale dell'Arte Contemporanea.
Mi è piaciuto molto. Condivido.
Victor Tolochko.
1922-2006, Yalta.
"Primavera still life", 1985
olio, tela.
Victor Tolochko.
"Natura morta con un bollitore bianco", 1993
olio, tela
/Nato a Melitopoli, partecipante alla Seconda Guerra Mondiale, studiata a Kharkov. Ha diretto il museo d'arte a Yalta, che ha tenuto le sale del Palazzo Vorontsov in quel momento. Poi si è trasferito a Donetsk. Sulla pendenza degli anni tornati alla Crimea. Ha scritto ancora vita, paesaggi, ritratti. Artista folk dell'Ucraina/.
Ibrahim Litinsky.
1908-1958, Kiev.
"Natura morta con pipeoni al pianoforte", 1958
olio, tela
/Litinsky Ibrahim Moiseevich (1908 - 1958) - Artista ucraino, ritrattista, Maestro del blocco politico e cinematografico. Si è laureato alla Kiev Art-Industrial School, dopo aver studiato al Kiev Art Institute di Theatrical and Family Faculty (1927 - 1928). Ho scritto ritratti di persone eccezionali - Stalin, Panasa Saksagansky, Ivan Patzhjuzhsky, Natalia Uzhvius, Geura Geut. Le opere dell'artista sono in varie collezioni private./(a partire dal)
Nina Dragomirova.
1926
"Natulomort con verdure", 1971
/ Artista ucraino, pittore. Si è laureato alla Crimea Hu. N. Samokish (1952). Membro del Nsha dal 1970. Maestro del paesaggio e della natura morta. Le opere sono in numerose collezioni private dell'Ucraina. (C) /
Sergey Shapovalov.
1943, Kirovograd.
"Natura morta". 1998.
Olio, tela
/ Laureato all'Istituto Art Stato di Kiev. Membro dell'Unione degli artisti dell'Ucraina. Artista onorato dell'Ucraina (2008). Una parte significativa delle opere dell'artista si trova nelle mostre d'arte mobile dei ministeri della cultura e nei musei dell'Ucraina. Molte opere dell'artista sono in collezioni private. Ha preso parte a mostre commerciali straniere ("New York. Inther-ECPO 2002" (USA), "Casa russa" a Berlino (Germania). Nel 2004, una mostra personale dell'artista a Guadalajara (Spagna) (c) / era tenuto.
Fedor Zakharov.
1919-1994, Yalta.
"Lilla", 1982
olio, tela
/ Pittore eccezionale, paesaggio maestro e natura morta. Nato a p. Aleksandrovsky Smolensk Region. Nel 1935 - 1941 ha studiato all'arte e alla scuola industriale. M. Kalinin a Mosca, nel 1943 - 1950 - presso l'Istituto Art Moscow. V. Surikova, A. Lentulova, I. Chekmamasov e G. Ryazhsky. Nel 1950 si trasferì a Simferopol, dove ha insegnato la scuola d'arte. N. Samokish. Nel 1953 si è stabilito a Yalta. Operaio d'arte onorato dell'SSR ucraino dal 1970, l'artista nazionale dell'SSR ucraino dal 1978.
Vincitore del premio statale della SSR ucraino. T. Shevchenko (1987). Le mostre commemorative dell'artista hanno avuto luogo nella Galleria Tretyakov (2003), a Simferopol (2004) e Kiev (2005). Le opere sono conservate nella Galleria Tretyakov dello stato, il Museo dell'Arte Nazionale dell'Ucraina, la Galleria d'arte di Feodosia. I. AIVAZOVSKY, SIMFEROPOL, Musei artistici Sebastopoli, ecc. (C) /
Sergey Dupil.
1958, Kiev.
"Flox", 2003
olio, tela
/ Nato nel 1958 nel villaggio della regione di Sidorovka Cherkasy.
La creatività di I. Gabar, N. Glushchenko e F. Zaharov, fu fortemente influenzata dalla sua formazione come artista.
Membro dell'Unione nazionale degli artisti dell'Ucraina dal 2000. Vive e lavora a Rzhchevsky. (C) /
Vintina Tsvetkov.
1917-2007, Yalta.
"Fiori autunnali", 1958
olio, tela
/ Pittore ucraino e russo, Paesaggio maestro e natura morta. Nato a Astrakhan, in Russia. Si è laureato alla scuola d'arte del 1935 Astrakhan. Ordini e medaglie assegnati. Artista delle persone dell'Ucraina dal 1985. Visse e lavorato a Yalta. (C) /
Stepan Titko.
1941-2008, Lviv.
"Natura morta", 1968
olio, tela
/ Nato nel villaggio elegante regione di Lviv.
Nel 1949, la famiglia dell'artista fu repressa ed esiliata al territorio di Khabarovsk. Nel 1959, Stepan Titko si è laureato alla scuola ed è entrato nella facoltà d'arte della Facoltà del Khabarovsk State Printing Institute, e nel 1961 - al Khabarovsky Art Institute. Dal 1964 viveva a Komsomolsk-on-Amur e ha lavorato come artista-designer presso l'Istituto di Cosmonautica. Nel 1966, insieme alla sua famiglia, l'artista ritorna in Ucraina, si è stabilito nella città della Regione di Novy Ridge Lviv e lavora come insegnante che disegna a scuola. Dal 1969 al 1971 Titko S.I. Situato in un viaggio di business creativo sull'isola giapponese Saku.
Nel 1974 ha partecipato alla "Mostra Bulldozer". È stato accusato di formalismo e atteggiamento pro-occidentale all'art.
Lavori di Titko S.I. Conservare in Museo e collezioni private di Ucraina, Polonia, Germania, Francia, Stati Uniti e altri paesi. (C) /
Konstantin Filatav.
1926-2006, Odessa.
"Natura morta con una tazza", 1970
cartone, olio
Konstantin Filatav.
1926-2006, Odessa.
"Melanzane e peperoni", 1965
tela su cartone, olio
/ Artista onorato dell'Ucraina. Nato a Kiev.
Nel 1955 si è laureato alla scuola d'arte di Odessa che prende il nome da M. B. Grekova. Dal 1957, un partecipante in mostre repubblicane, all-sin e straniere. Membro dell'Unione degli artisti della SSR ucraino dal 1960.
Ha lavorato nel campo della pittura della macchina. L'autore di numerosi dipinti di genere, paesaggi, ritratti e ritratti ancora.
Dal 1970 al 1974 - un insegnante della scuola d'arte di Odessa.
Nel 1972 divenne un laureato del premio statale della SSR ucraino. T. Shevchenko per i dipinti "Piazza Rossa" e "V. I. LENIN. " Nel 1974, il titolo "Honored Artist of the Ucraino SSR" è stato assegnato.
Lavori k.v. Filatova è presentato in Museo e collezioni private in Ucraina e oltre. (a partire dal)/
Pavel Miroshnichenko (questo lavoro piace davvero!)
1920-2005, Sebastopoli
"Natura morta", 1992
olio, tela
/ Artista onorato dell'Ucraina. Santo, natura morta maestro.Nato a Belovodsk, nella regione di Lugansk.
Membro della Grande Guerra Patriottica. Ordini e medaglie assegnati.
Dal 1946 al 1951 ha studiato alla scuola d'arte della Crimea. N. S. Samokish. Dal 1951, l'artista visse e lavorato a Sebastopoli.
Dal 1965, Miroshnichenko P.P. - Membro dell'Unione degli artisti dell'Ucraina.
I lavori si trovano nel Museo d'Arte Sebastopoli. M. P. Kroshitsky e altri musei e collezioni private in Ucraina, Russia, Francia, Germania, Giappone, Stati Uniti, Polonia e Repubblica Ceca. Sono stati acquisiti cinque paesaggi marini per il museo d'arte russa in Giappone. (C) /
Gayane Atoyan.
1959, Kiev.
"Vasilka", 2001
olio, tela
/ Nel 1983 si è laureato al Kiev State Art Institute. Il suo capo insegnante considera sua madre - artista Tatyana yablonskaya.. Dal 1982 partecipa alle mostre d'arte.
Nel 1986 è stata adottata l'Unione degli artisti dell'Ucraina.
Le opere di Gayane Atoyan sono nei musei artistici di Kiev, Zaporizhia, Khmelnitsky, nelle collezioni private dell'Ucraina e dell'estero. (C) /
Evgeny Egorov.
1917-2005, Kharkov.
Rose, 1995.
carta, pastello
Ha lavorato all'Arte di Kharkiv e all'Istituto industriale (ora Kgadi) dal 1949 al 2000. (Dal 1972 al 1985 - Rettore) /.
Sergey Shurov.
1883-1961, Kiev.
"Natura morta", anni '50
Carta, acquerello
Igor Kotkov.
1961, Kiev.
"Natura morta con i fiori rossi" 1990
olio, tela
Si è laureato alla scuola d'arte repubblicana di Kiev, poi l'Accademia d'arte a Kiev. Ha lavorato come regista artista presso lo studio del film Ednochildo creando cartoni animati per adulti. A poco a poco, l'artista ha sviluppato la sua lettera alla lettera, la sua scrittura creativa. Ora la pittura è un'occupazione preferita e la questione della sua vita. Nel suo arsenale creativo, diverse dozzine di opere in collezioni private di Ucraina, Russia, Germania, Regno Unito, USA, Canada, due mostre personali a Kiev e partecipazione a molte altre mostre. (C) /
Vladimir Mikita (classe!)
1931, Transcarpazia.
"Hutsul Still Life", 2002
tela, Attrezzatura mista
/ Artista folk dell'Ucraina.
Nato nel villaggio di Rakoshino Mukachevsky distretto della regione Transcariana. Nazionalità - Rusin.
Nel 1947, dopo che il 9 ° grado ha superato gli esami nella scuola di Arte applicata di Uzhgorod ed è stata adottata sulla terza velocità.
Dal 1951 al 1954 fu nei ranghi dell'esercito sovietico sull'isola di Sakhalin. Dopo che l'esercito è stato impiegato nel laboratorio artistico del Fondo Art Transcarpatia, dove ha lavorato prima del pensionamento nel 2001.
Nel 1962, adottato nell'Unione degli artisti dell'Ucraina. Nel 2005 - il vincitore del premio nazionale dell'Ucraina. Taras Shevchenko.
Premiato gli ordini di Yaroslav Wise V e laurea in IV. Dal 2010 - Citizen onorary Uzhgorod.
Le opere dell'artista sono nei fondi dei ministeri della cultura dell'Ucraina e della Russia, in vari musei artistici, tra cui stranieri: Lituania, Slovacchia, Germania, Ungheria, Serbia, Venezuela e in riunioni private di tutto il mondo. (C) /
Anastasia Kalyuzhny.(Mi piace davvero davvero)
1984, Kerch.
"Natura morta" 2006
olio, tela
/ Anastasia Kalyuzhnaya si è laureata presso l'Accademia Nazionale delle Belle Arti dell'Ucraina, Scuola d'arte di Roman Serdyuk. La ricca esperienza della scuola di pittura ucraina servita come base per lo sviluppo dell'artista. Ora lavora a Kerch in uno stile realistico di pittura. (C) /
Mikhail Roskin.
1923-1998, uzhgorod.
"Vaso di cristallo con fiori", 1990
carta, pastello
/ Nato nella regione di Nikopol Dnipropetrovsk. Ho ricevuto una formazione artistica e professionale nello studio di artisti militari. M. B. Grekov. Membro dell'Unione nazionale degli artisti dell'Ucraina dal 1978 (c) /
Elena Yablonskaya.
1918-2009, Kiev.
"Tabacco facile sulla finestra", 1945
cartone, olio
/ Artista sorella Tatiana Jablonskaya. La moglie di un eccezionale artista ucraino E.V. Volobuyev.
Nel 1941 si è laureato al Kiev State Art Institute. Nel 1945 gli è stato premiato la medaglia "per il lavoro valoroso nella grande guerra patriottica del 1941-1945.".
Membro dell'Unione degli artisti dell'URSS dal 1944.
Master of Machine Painting and Book Graphics. Venti anni di libri illustrati di Elena Nilovna. Diverse generazioni di bambini sono cresciute sulle sue opere. L'artista parallelo a LED e attività pedagogica - insegnando grafici e scultori.
Nel 1977, il titolo è stato premiato - "Honored Artist of Ucraina".
Lavori E.N. Yablonskaya presentato al National Art Museum of Ucraina, in Museo, Galleria e collezioni private in Ucraina, Germania, Inghilterra, Stati Uniti e in altri paesi. (C) /
Oksana Pilipchuk.
1977, Kiev.
"Natura morta", 2001
olio, tela
/ Pilipchuk Oksana Dmitrevna - Artista del pittore, membro dell'Unione nazionale degli artisti dell'Ucraina, Insegnante dell'Università nazionale di Kiev della costruzione e dell'architettura (sedia del disegno e della pittura).
Il lavoro è conservato in molti musei ucraini, oltre a collezioni private di Ucraina, Bielorussia, Russia, Olanda, Stati Uniti, Giappone, Slovacchia, Repubblica Ceca, Polonia, Germania, Israele, Francia. /
Evgeny Smirnov.
1959, Sebastopoli
"Natura morta con pere verdi", 2000
olio, tela
/ Nato a Rybinsk, nella regione di Yaroslavl, in Russia. Dal 1975 al 1979 Ha studiato presso la pittoresca facoltà della scuola d'arte Saratov. Bogolyubova. Alla fine della formazione, Evgeny Smirnov si trasferì a Sebastopoli.
Nel 1993, entra nell'unione nazionale degli artisti dell'Ucraina. Dal 2005 - Honored Artist of Ucraina.
Le opere dell'artista si trovano nel museo dell'arte di Sebastopoli. M.P. Kroshitsky e in altri musei e collezioni private di Ucraina, Russia, Germania e altri paesi. /
Vera Chiersina.
1949, Kharkov.
"Serata Still Life", 2005
olio, tela
/ Grafico, pittore.
Nato in s. Regione Borisovka Belgorod, Russia.
Nel 1972 si è laureato all'Istituto Pedagogico State Orlovsky - Dipartimento artistico e grafico.
Nel 1980, ha difeso il suo diploma nell'Arte di Kharkov e nell'Istituto Industriale, con la specialità "Stanka Charts".Artista onorato dell'Ucraina, membro del ramo di Kharkov dell'Unione nazionale degli artisti dell'Ucraina, un insegnante della Kharkiv State Academy of Design and Arts, professore del dipartimento di pittura.
Partecipa a mostre internazionali, tutte ucraine e regionali.
Dal 1992 - membro dell'Unione nazionale di artisti dell'Ucraina. (C) /
Vladimir Kuznetsov.
1924-1998, Kharkov.
"Natura morta", 1992
olio, cartone
/ Laureato al Kharkiv Institute of Arts (1954), ha insegnato lì. Un partecipante regolare nelle mostre urbane, regionali e zonali dal 1954 il lavoro dell'artista è in molti musei regionali, nelle collezioni private in Russia e all'estero. /
Alexander Gromova.
1958
"Natura morta", 2011
olio, tela
/ Nato nella regione di S. Krasnopolye Nikolaev.
Nel 1987 si è laureato alla Uzhgorod State University, nel 1993 - la Facoltà d'Arte e Facoltà dell'Istituto Pedagogico di Odessa nominato. Membro dell'Unione nazionale degli artisti dell'Ucraina dal 1995. /
Azat Safin.
1961, Kharkov.
"Natura morta" 2003
olio, tela
Anna Fiernerman.
1922-1991, Kiev.
"Natura morta con Ryabina", 1966
cartone, olio
/ Nato nel villaggio del presupposto del distretto di Beloglinsky del territorio di Krasnodar della Russia. Nel 1941 si è laureato alla scuola secondaria dell'arte. T. G. Shevchenko. Dopo la laurea nel 1945, la Facoltà di Giornalismo dell'Università Ural è entrata nell'Istituto Art Kiev, che si è laureato nel 1951.
Durante i suoi studi, l'Istituto ha lavorato come dipendente letterario e un correttore nella casa editrice "Soviet Ucraina".
La moglie del famoso artista ucraino Rapoport Boris Naumovich.
Membro dell'Unione degli artisti dell'SSR ucraino dal 1955. I lavori sono conservati in collezioni Museum, Gallery e Private in Ucraina e all'estero. /
Adalbert Marton.
1913-2005, uzhgorod.
Natura morta, 1969.
carta, passail
/ Pittore ucraino-ungherese. Maestro del paesaggio transcarpazio e natura morta.
Nato a Clerete, USA. Nel 1936 si è laureato in una scuola d'arte e industriale a Golklock, Cecoslovacchia.
Dal 1937 viveva e lavorato a Uzhgorod. Dal 1957 ha partecipato a mostre regionali, repubblicane, all-sin e internazionali. Le opere dell'artista sono in musei, gallerie e collezioni private di Ucraina, Russia, Ungheria, USA, Canada e Giappone. Nel 1972, l'artista si trasferì in Ungheria, dove è morto nel 2005. (c) /
Alexander Sheremet.
1950, Kiev.
"Natura morta", 2001
olio, tela
Konstantin-Vadim Ignatov
1934, Kiev.
"Cerimonia del tè" 1972
temperatura della tela
/ Nato a Kharkov (Ucraina). Ha studiato alla Scuola d'arte della città di Kiev, studiata anche presso l'Istituto Art Stato di Kiev.
Nei tempi sovietici, c'era una reputazione come un eccezionale illustratore e ha lavorato nella casa editrice "Messel" circa 30 anni, dove illustrato più di 100 libri. Membro dell'Unione nazionale degli artisti dell'Ucraina. /
Lesya prumyamy.
1968
"SVYAZER", 2013
olio, tela
/ Nato nella regione Transcarpathian.
Si è laureata al Lviv State Institute of Applied And Decorative Art (1992). Pittore. Membro di Nsha (2006).
Andrei Starov.
1963-1996, Kiev.
Natura morta con foglie d'autunno "1991
olio, cartone
Karl Zvirinsky.
1923-1997
"Still life", 1965
Zoya Orova.
1981, Kiev.
Natura morta ", 2004
cartone, tecnica mista
Oleg Omelchenko.
1980
"Natura morta con un orologio", 2010
olio, tela
Nikolay Kristopchuk.
1934, Lviv.
"Kosovo Naturermorrt", 1983
olio, tela
Boris Kolesnik.
1927-1992, Kharkov.
"Natura morta", 1970
cartone, olio
/ Nato in s. Wilsans della regione di Kharkiv.
Nel 1943-1949. Ha studiato presso la scuola d'arte di stato di Kharkov, nel 1949-1955 - Nel Kharkiv State Art Institute.
Nel 1965 entrò nell'Unione degli artisti della SSR ucraino.
L'autore dei dipinti lirici di genere, rivelando la vita e le tradizioni del popolo ucraino.
KolesNik BA Works. Immagazzinato al Museo dell'arte russa di Kiev, nei musei artistici di Kharkov e di altre città dell'Ucraina e l'ex URSSR. /
Konstantin lomikin.
1924-1993, Odessa.
"Pere", 1980
cartone, pastello
/ Pittore, programma. Artista popolare dell'Ucraina.
Nato a Glukhov, regione Sumy. Nel 1951 si è laureato alla scuola d'arte di Odessa. Membro dell'Organizzazione di Odessa dell'Unione degli artisti dell'SSR ucraino dal 1953.
L'autore di dipinti tematici, le opere del genere domestico, dei paesaggi e della vita ancora.
Operaio d'arte onorato della SSR ucraino.
Le opere dell'artista sono nei musei artistici dell'Ucraina, nonché nelle collezioni private di Ucraina, Russia, Giappone, Francia, Grecia, Germania, Italia, Portogallo e altri paesi. /
Alexander Khmelnitsky.
1924-1998, Kharkov.
"Natura morta con un cappello rosso"
olio, tela
/ Nato a Kharkov.
Partecipato alle ostilità durante la grande guerra patriottica.
Dal 1947 al 1953 ha studiato presso il Kharkov State Art Institute, poi ha insegnato nel KHGSI, (Kharkiv Art and Industry Institute), con 1978 - Professore
Nel 1956, i membri dell'organizzazione di Kharkiv dell'Unione degli artisti dell'Ucraina sono stati adottati, è stato il presidente della sezione di pittura.
Nel 1974, ha partecipato alla creazione di Dioms "Forcing Dnieper" in collaborazione con A. Konstantinopoli, V. Mokroricksky, V. Parchevsky per il Museo della Grande Guerra Patriottica a Kiev.
Artista folk dell'Ucraina. Era un membro corrispondente dell'Accademia delle Arti dell'Ucraina dal 1997.
Le opere dell'artista sono in musei, gallerie, collezioni private dell'Ucraina e all'estero. /
Vladimir Boguslavsky.
1954, Lviv.
"Bronzo brocca", 2005
olio, tela
Spero ti sia piaciuto.
Grazie per l'attenzione!
Che strano dipinto è ancora la vita: costringe ad ammirare una copia di quelle cose i cui originali non ammirano.
Blaise Pascal
E la verità, hai mai guardato il frutto dal tavolo della cucina? Bene ... è quando era affamato, giusto? Ma l'immagine con una composizione di frutta o un lussuoso bouquet di fiori può essere ammirato dall'orologio. Questa è esattamente la speciale magia della natura morta.
Tradotto dal francese Still Life significa "Natura morta" (Natura morta). Tuttavia, questa è solo una traduzione letterale.
In realtà natura morta - Questa è un'immagine di oggetti immobili e surgelati (fiori, verdure, frutta, mobili, tappeti, ecc.). Le prime livelli ancora si trovano sugli affreschi dell'antica Grecia e dell'antica Roma.
Natura morta (affresco di Pompeo) 63-79, Napoli, Galleria nazionale Capodimont. Autore sconosciuto.
Quando un amico è venuto a visitare il romano, le regole del buon tono chiedevano che il proprietario della casa mostrò il meglio dei suoi piatti d'argento. Questa tradizione riflette luminosamente la natura morta dalla tomba del vellotorio di PRSK a Pompey.
Al centro della composizione - una nave per miscelare vino e acqua, l'incarnazione della fertilità di Dio di Dionisa-Lieber. Su entrambi i lati sul tavolo dorato, le brocche, le scale, le corna per il vino sono disposte simmetricamente.
Tuttavia, la vita ancora non è solo frutta, verdura e fiori, ma anche ... cranio umano, progettato per riflettere la frequenza della vita umana. Era quello che la natura morta dei sostenitori del genere Vanitas, rappresentanti delle prime fasi della natura morta, erano rappresentati.
Esempio eccezionale - Allegoricale vita ancora dell'artista olandese Willlem clase Hemedy.Dove il tubo è raffigurato accanto al cranio - il simbolo dell'elivesività dei piaceri terreni, un vaso di vetro - il riflesso della fragilità della vita, le chiavi - il simbolo del potere della famiglia, controllando le scorte. Il coltello simboleggia la vulnerabilità della vita e il braciere in cui i carboni sono a malapena caldi, significa la sua estinzione.
Vanità. Vanitas, 1628, Villem clas Heba.
Willlem Heddy ha giustamente chiamato "Master per la colazione." Con l'aiuto di un interessante collocamento di cibo, piatti e stoviglie, l'artista ha sorprendentemente dato l'umore dei dipinti. E la sua abilità per ritrarre il bagliore del mondo sulle superfici perfettamente lisce di tazze d'argento e tazze di vetro stupito persino famosi contemporanei dell'artista.
Incredibilmente, quanto esattamente e delicatamente Hed sapesse come trasmettere ogni sciocchezza: il gioco della luce, le caratteristiche della forma, il colore degli oggetti. In tutti i dipinti del Dutchman - mistero, poestità, sincero ammirazione per il mondo degli articoli.
Ti solleva ancora artisti famosi
La vita ancora spesso ama gli artisti famosi. Si tratta di maestri del pennello e dei loro lavori deliziosi ti dirò dopo.
Pablo Picasso - l'artista più costoso del mondo
Unico e inimitabile: questo è esattamente il nome dell'artista spagnolo eccezionale xx in. Pablo Picasso. Ogni lavoro dell'autore è un tandem del design originale e genio.
Natura morta con un bouquet di fiori, 1908
Natura morta con lampadine, 1908
Oltre alle luci reali tradizionalmente perfette, piene e colori vivaci, o cupo, eseguiti nei toni blu-grigio delle retille, Picasso era appassionato di cubismo. L'artista ha disposto gli oggetti o gli eroi dei loro dipinti su piccole forme geometriche.
E anche se gli storici dell'arte non riconoscono il cubismo Picasso, ora il suo lavoro è ben venduto e appartiene ai più ricchi collezionisti del mondo.
Chitarra e note, 1918
Eccentrico Vincent van Gogh
Insieme alla famosa "notte stella", una serie di dipinti con girasoli divenne un simbolo unico della creatività Van Gogh. L'artista prevedeva di decorare la sua casa ad Arles all'arrivo di un amico di Gogen.
"Il paradiso è un colore blu delizioso. Raggi del sole - giallo pallido. Questa è una combinazione morbida e magica di lazuria celeste e toni gialli dei dipinti di Delfttsky Vermetor ... Non posso scrivere qualcosa di così bello ... " Van Gogh ha detto che indossava. Forse è per questo che l'artista ha disegnato i girasoli innumerevoli volte.
Vaso con 12 girasoli, 1889
L'amore infelice, la povertà e la mancata accettazione del suo lavoro hanno spinto l'artista agli atti incanati e piuttosto muoiono la salute. Ma per dipingere un artista di talento ha scritto ostinatamente: "Anche se abbandonisco novantanove volte, smetto ancora la centesima volta."
Natura morta con papaveri rossi e margherite. Over, June 1890 G.
Iris. Saint-Remy, maggio 1890
Completa ancora Lives Field Cezanne
"Voglio restituire la natura dell'eternità", - Amato ripetere il grande artista francese Paul Cesanne. L'artista ha raffigurato non un gioco casuale di luce e ombre, non cambiando, ma le caratteristiche costanti degli oggetti.
Nel tentativo di mostrare oggetti da tutti i lati, li descrive in modo che lo spettatore ammira la vita ancora, come a diversi angoli. Vediamo il tavolo dall'alto, dalla tovaglia e dalla frutta - sul lato, una scatola nel tavolo - dal basso, e una brocca - da diversi lati allo stesso tempo.
Pesche e pere, 1895
Natura morta con ciliegie e pesche, 1883-1887.
Solleva ancora artisti moderni
La tavolozza dei colori e un'ampia varietà di sfumature consente agli attuali maestri di natura morta di raggiungere un incredibile realismo e bellezza. Vuoi ammirare le immagini impressionanti dei contemporanei di talento?
Briton Cecil Kennedy.
Dalle foto di questo artista, è impossibile strappare l'occhiata - tanta soam soam! Mmm ... Sembra che io senta già l'odore di questi colori incredibilmente belli. E tu?
Cecile Kennedy è giustamente considerato l'artista della modernità britannica più eccezionale. Il proprietario di diversi prestigiosi premi e il favorito di molti "i punti di forza di questo mondo", Kennedy divenne ancora famoso, solo quando era lontano da 40 anni.
Artista belga Julian Pepper
Informazioni sulla vita dell'artista belga Julian Turpers è scarso, che non dirai dei suoi dipinti. Le allegre ancora vita dell'artista - nelle collezioni delle persone più ricche del mondo.
Gregory Wang Ralte.
L'artista americano moderno Gregory Van Ralte presta particolare attenzione al gioco di luce e ombre. L'artista è convinto che la luce non dovrebbe cadere dritta, ma attraverso la foresta, le foglie di alberi, petali di fiori o mostravano dalla superficie dell'acqua.
Un artista di talento vive a New York. È appassionato di disegnare ancora la vita nella tecnica dell'acquerello.
Artista iraniano Ali Akbar Garden
Ali Akbar Sadeghi è uno degli artisti iraniani di maggior successo. Nelle sue opere, unisce abilmente le composizioni dei dipinti tradizionali iraniani, i miti culturali persiani con la pittura dell'icona e l'arte del vetro colorato.
Natura morta dei moderni artisti ucraini
Cosa non si dice, e nei maestri ucraini del pennello - la loro visione unica della Sua Maestà Still Life. E ora lo dimostrerò a te.
Sergey Shapovalov.
Immagini di Sergey Shapovalov. Bunny soleggiati. Ogni suo capolavoro è pieno di luce, buona e amore per la terra nativa. E l'artista è nato nel villaggio del distretto di Ingulo-Kamenka Novgorodkovsky della regione del Kirovograd.
Sergey Shapovalov - Artista onorato dell'Ucraina, membro dell'Unione nazionale degli artisti.
Igor Derkachev.
L'artista ucraino Igor Derkachev è nato nel 1945 a Dnepropetrovsk, dove vive ora. Venticinque anni hanno visitato lo studio d'arte dello studio alla cultura studentesca. Y. Gagarin, prima come studipo, e poi come insegnante.
I dipinti dell'artista sono stati trafitti dal calore, amore per tradizioni native e doni della natura. Questo particolare calore attraverso i dipinti dell'autore viene trasmesso a tutti i fan della sua creatività.
Viktor Tybenko.
Secondo l'autore, le sue sollevate ancora - uno specchio dei suoi sentimenti e dei suoi sentimenti. Nei mazzi di rose, negli assi di Vasilkov, Astra e Georgin, in quadri forestali "fragranti" - l'unico aroma estivo e i doni inestimabili della ricca natura dell'Ucraina.
