Tarihin kendisi, klasik sanatın ebedi olduğunu kanıtlıyor. İdealleri antik dünyada ortaya çıktı. Zaman geçti, imparatorluklar çöktü, nesiller nesilleri takip etti. Bir çöküş dönemi olarak kabul edilen Orta Çağ'dan sonra, Avrupa sanatı geçmişin ideallerine döner ve onları tam olarak eski mirastan çizmeye başlar. Kültürde ve özellikle mimari ve dekorda yeni bir aşamanın başlangıcı, 16. yüzyılda İtalyan Rönesansı tarafından atıldı. Sarayların iç mekanlarında, şimdiye kadar görülmemiş bir lüks ve dekoratiflik ortaya çıktı ve bu, gelen bireysel unsurlarla temsil edildi. antik çağ... 17. yüzyıl klasiklerin en parlak dönemiydi. Louis XVII döneminde Fransız saraylarının iç mekanlarında çarpıcı bir düzenlemeye kavuştu. O zaman muhteşem Versailles yaratıldı. Aynı yüzyıl, klasiklerin çeşitli stilistik yönlerini verdi - barok, rokoko, imparatorluk vb.

İç mekanda klasikler ve klasisizm

Bu arada, iç sanatın tanımında "klasik" ve "klasisizm" terimleri sıklıkla kullanılır. Aralarında temel bir fark varsa? Teorik muhakemeye girmeden belirtelim: Klasisizmin klasiklerden farklı olduğu, niteliksel değil, bütünlük, açıklık arzusuna dayanan özel bir sanatsal düşünce türünü yansıtan işlevsel bir kavram olduğu için bir bakış açısı var. , basitlik, denge ve tutarlılık. Mimaride ve iç sanatta, klasisizm kavramı genellikle şu durumlarda kullanılır: gelir antik mirasın yorumlanması hakkında. Ve "klasik" kavramı, çeşitli dalları genelleştirir. klasik sanat- barok, Fransız klasisizmi, rokoko, imparatorluk tarzı vb. Adalet uğruna, "klasisizm" kavramının yalnızca 19. yüzyılda, bu dönemin zaten sona erdiği ve taraftarlarının ortaya çıktığı belirtilmelidir. romantik akım onunla uzlaşmaz mücadelesini başlattı.

İç mekanda Barok

Barok tarzı, 16. yüzyılda İtalyan Rönesansının en şaşırtıcı ustalarından biri olan Michelangelo Buonarroti'nin zamanında ortaya çıktı. Barok, Fransa'da kendini tam olarak ortaya koymuş ve günümüze kadar varlığını sürdürmüştür. XVIII ortası Yüzyıl. Ciddiyet, dinamizm, pitoresklik barok'u karakterize eden şeylerdir. En sevdiği şekiller kavisli, oval, bükülmüş. Her ikisinde de görünürler mimari elemanlar ve mobilyalarda, aksesuarlarda, bireysel parçalarda. "Barok" kelimesinin Portekizce perola barroca'dan gelmesi boşuna değil - "tuhaf bir şekle sahip bir inci". İç dekorasyon kasıtlı olarak dekorla aşırı yüklenmiştir: alçı kalıplama, yaldızlı oymalı bagetler, kakmalar, vb. Lüks, tüm tezahürlerinde isyan ediyor.

iç mekanda rokoko

Rokoko, 18. yüzyılın başında Fransa'da ortaya çıktı ve neredeyse bu yüzyılın sonuna kadar varlığını sürdürdü. Bazıları bunu Barok'un "incelemesi" olarak değerlendirdi. Ancak özünde, estetikleri çarpıcı biçimde farklı değildir. Rokoko, barok gibi, iç mekanın lüks ve dekoratif zenginliğini teşvik eder. Etkililik, Rokoko'nun kendisine aşina olduğu Barok'un tüm unsurlarını kullandığı şeydir. Ancak Rokoko süsü, sanatsal düşüncesinin vektörünü seçer. Bu stil, en sevilen motifleri bitki bukleleri, aşk tanrıları, rokailler vb. olan karmaşık kesirli asimetrik desenlerle karakterize edilir. Yemyeşil çiçek çelenkleri, kavisli dallar, kuşlar vb. Şeklinde zarif sıva kalıplama da kullanılır.

İngiliz klasikleri

İngiliz klasikleri veya Viktorya tarzı - bu çift isim, İngiliz klasiklerinin Kraliçe Victoria (1837-1901) döneminde şekillenmesinden kaynaklanmaktadır. Her şey, ortaya çıkan tarzın bu yönden önce var olan her şeyi denemeye başlamasıyla başladı - Rokoko, İmparatorluk, neoklasizm, vb. Hatta "Gotik Rönesans" hareketi bile vardı. Bazı bilim adamları tarafından Viktorya tarzının gelenekselliğinin kanıtı olarak algılanan bu tür eklektizm (bu tanımı tırnak içine almak için bile öneriler var), yine de İngiliz klasiklerine bireysel karakterlerini verdi. İngiliz evinin mobilyaları, o zamanın İngiliz aristokrasisinin müreffeh ve ölçülü bir yaşam özlemlerine karşılık gelir. Odalar ayrıca çeşitli dekoratif detaylarla doludur. Mobilyalar masif ve doğal malzemelerden yapılmıştır. Panel şeklindeki ahşap da duvar dekorasyonunda kullanılmıştır. Popüler aksesuarlar antikalar, çini takımlar, köpek ve at resimleri ve heykellerdi. İngiliz klasiklerinin favori renkleri sarı, bej, kırmızı, tuğla, yeşildir. Perdeler, döşemeler ve masa örtüleri üzerinde çiçek desenleri olmadan böyle bir iç mekanın dekorunda ve ayrıca geleneksel bir İngiliz battaniyesinde özlü parlak bir kontrol yapamazsınız. Bu çağda zorunlu mobilya parçası bir kitaplık ya da kütüphaneydi. Ve tabii ki Foggy Albion sakinlerini ısıtan bir şömine. İç mekan İngiliz tarzı birçok kişiye ağır gelebilir, geçmiş içinde donmuş gibi görünür, sadece her saat yüksek sesle atan büyükbaba saati (İngiliz klasiklerinin ana konularından biri), zamanın durmadan geçişini hatırlatır.

Metin - Natalia Novikova

Tanıtım …………………………………………………………………

Barok……………………………………………………………

Klasisizm………………………………………………………..

Romantizm…………………………………………………………

Gerçekçilik………………………………………………………….

Bibliyografya………………………………

Tanıtım.

Sanat tarihi, farklı tarzlarda ve trendlerde bir değişiklik ile karakterizedir.

Altında sanatsal tarz tüm araçların bütünlüğünü anlamak sanatsal ifade, genel olarak belirli bir figüratif sistem oluşturan tüm yaratıcı teknikler.

Bir olarak stil figüratif sistem birliğe dayalı ideolojik içerik sanatsal formun tüm unsurlarının, tüm sanatsal ve ifade araçlarının birliğine yol açan . Böylece, "stil" kelimesi, her şeyden önce göze çarpan ve sanattaki bir fenomen arasındaki farkı diğerlerinden hemen belirleyebilen görünür, somut orijinalliği ifade eder.

Bu fenomenlerin kendileri sonsuz çeşitliliktedir: Bireysel bir çalışmanın veya bir grup eserin stilinden, bireysel stilden, yazarın stilinden, belirli ülkelerin, halkların, coğrafi bölgelerin stili hakkında konuşabiliriz.

Bununla birlikte, çoğu zaman "sanatsal stil" kavramı, sosyo-tarihsel içeriğin birliği, sanatsal-figüratif ilkelerin, araçların, tekniklerin istikrarlı birliğini belirlediğinde, belirli dönemlerin büyük, "tarihsel" stillerini ifade eder.

yılında sanat alanında 17. yüzyılın ikinci yarısı... stil gelişti barok, zamanın dini ve aristokrat kültürüyle yakından ilişkiliydi. Hayatı, gerçek hayatın tüm zenginliğini yüceltme eğilimlerini gösterdi. Resim, heykel, mimari, barok müzik seslendirdi ve hükümdarları, kiliseyi, soyluları yüceltti.

Avrupa sanatında ve edebiyatında Barok'un sanatsal araçlarının karşıtı olan farklı bir estetik türü kutsallaştırıldı. klasisizm... Rönesans kültürüyle yakından ilişkili olan klasisizm, mükemmel modeller olarak eski sanat normlarına döndü, rasyonalist netlik ve ciddiyetle karakterize edildi.

19. yüzyılın ilk yarısı manevi kültürün yoğun bir gelişim zamanı oldu. Çeşitli tezahürleri arasında, romantizm olağanüstü çok yönlülük ile karakterizedir. Sanatsal yaratım alanında, edebiyatta, güzel sanatlarda, müzikte, tiyatroda bir akım olarak canlı bir şekilde damgalandı. Aynı zamanda, romantizm belirli bir dünya görüşünü temsil ediyordu: felsefi ve estetik fikirler, tarih bilimi alanında geliştirilen romantik yön ortaya çıktı. romantik tip kişilik ve davranış.

XIX yüzyılın 30-40'larında. kurgu ve resimde romantizmle birlikte, gerçekçilik. Realist yazarlar Balzac, Stendhal, Dickens, Thackeray ve diğerlerinin eserleri, olağanüstü geniş bir gerçeklik kapsamı ve toplumsal sorunların baskınlığı ile ayırt edilir. Toplumun yaşamı, en çeşitli tezahürlerinde, yaşamında, geleneklerinde, ait olduğu insanların psikolojisinde farklı sınıflar, literatürde hiç bu kadar çok yönlü bir yansıma almamıştır.

Yeni Çağın tarihsel ve kültürel süreçleri - kapitalizmin gelişimi, bilimsel ve teknolojik ilerleme, liberal-demokratik ilkeler üzerine kurulu bir sosyal sistem, Aydınlanma ve pozitivizmin fikir ve değerleri, 17. yüzyılın büyük stillerinin estetiği 19. yüzyıllar (barok, rokoko, duygusallık, klasisizm, romantizm, gerçekçilik) - modern dünyanın oluşumu üzerinde belirleyici bir etkiye sahipti.

Barok.

Barok (İtalyan barok - "kısır", "şehvetli", "aşırılıklara eğilimli", liman. perola barroca - "düzensiz şekilli inci" (kelimenin tam anlamıyla "köşeli inci"); bu kelimenin kökeni hakkında başka varsayımlar da var) kültür merkezi İtalya olan XVII-XVIII yüzyılların. Barok tarzı ortaya çıktı XVI-XVII yüzyıllarİtalyan şehirlerinde: Roma, Mantua, Venedik, Floransa. Barok dönem, "Batı uygarlığının" zafer yürüyüşünün başlangıcı olarak kabul edilir. Barok, kontrast, gerilim, görüntülerin dinamizmi, yapmacıklık, ihtişam ve ihtişam için çabalama, gerçekliği ve yanılsamayı birleştirme, sanatların kaynaşması için (şehir ve saray ve park toplulukları, opera, kült müzik, oratoryo); aynı zamanda - belirli türlerin özerkliğine yönelik bir eğilim (Concerto Grosso, Sonata, Enstrümantal müzikte Suite).

Üslubun ideolojik temelleri 16. yüzyılda yaşanan şok sonucunda oluşmuştur. Reform ve Kopernik Öğretileri. Antik çağda kurulan rasyonel ve kalıcı bir birlik olarak dünya kavramı, Rönesans'ın insanı en rasyonel bir varlık olarak görmesi gibi değişti. Pascal'ın sözleriyle, insan kendini "her şey ve hiçbir şey arasında bir şey", "fenomenlerin yalnızca görünüşünü yakalayan, ancak ne başlangıcını ne de sonunu anlayamayan" olarak tanımaya başladı.

Barok dönemi, eğlence uğruna çok fazla zamana yol açar: hac yerine - bir gezinti yeri (parkta yürür); şövalye turnuvaları yerine - "atlıkarınca" (ata binme) ve kart oyunları; gizemler yerine - tiyatro ve maskeli balo. Ayrıca bir salıncak ve "ateşli eğlence" (havai fişek) görünümünü de ekleyebilirsiniz. İç mekanlarda ikonların yerini portreler ve manzaralar almış, maneviyattan gelen müzik hoş bir ses oyununa dönüşmüştür.

Barok dönem, gelenek ve otoriteyi hurafe ve önyargı olarak reddeder. "Açık ve seçik" düşünülen veya matematiksel bir ifadesi olan her şey doğrudur, der filozof Descartes. Bu nedenle barok hala Akıl ve Aydınlanma çağıdır. "Barok" kelimesinin bazen ortaçağ mantığındaki çıkarım türlerinden birini - baroco'yu belirtmek için alınması tesadüf değildir. İlk Avrupa parkı, bir orman fikrinin son derece matematiksel olarak ifade edildiği Versay'da ortaya çıkıyor: ıhlamur sokakları ve kanalları bir cetvel boyunca çizilmiş gibi görünüyor ve ağaçlar stereometrik şekiller şeklinde budanıyor. İlk kez, üniforma giymiş Barok orduları, geçit töreni alanındaki oluşumların geometrik doğruluğu olan "matkap" a büyük önem veriyor.

Barok adam vahşet, kibir, zorbalık, gaddarlık ve cehaletle özdeşleştirilen doğallığı reddeder - bunların hepsi romantizm çağında bir erdem haline gelecektir. Barok bir kadın cildinin solgunluğuna değer verir, doğal olmayan, iddialı bir saç modeli, bir korse ve balina kemiği çerçevesinde yapay olarak uzatılmış bir etek giyer. Topuklu ayakkabı giyiyor.

Ve Barok çağda ideal erkek, İngiliz beyefendisidir. nazik: "yumuşak", "nazik", "sakin". Başlangıçta bıyık ve sakalını tıraş etmeyi, parfüm ve pudralı peruk takmayı tercih etti. Şimdi bir tüfeğin tetiğini çekerek öldürürlerse neden zorlasınlar. Barok çağda doğallık, gaddarlık, vahşet, bayağılık ve savurganlıkla eş anlamlıdır. Filozof Hobbes için doğa durumu, anarşi ve herkesin herkese karşı savaşı ile karakterize edilen bir durumdur.

Barok, doğayı akıl temelinde yüceltme fikri ile karakterizedir. Dayanma zorunluluğu değil, "hoş ve nazik sözlerle sunmak güzel" (Yunost dürüst ayna, 1717). Filozof Spinoza'ya göre dürtüler artık günahın içeriği değil, "insanın özüdür". Bu nedenle iştah enfes bir şekilde şekillenir. sofra adabı(Çatalların ve peçetelerin ortaya çıktığı Barok çağdaydı); karşı cinse ilgi - kibar flört, kavgalar - zarif bir düelloda.

Barok, uyuyan bir Tanrı - deizm fikri ile karakterizedir. Tanrı bir Kurtarıcı olarak düşünülmez, ancak büyük mimar Tıpkı bir saatçinin bir mekanizma yaratması gibi dünyayı yaratan. Dolayısıyla barok dünya görüşünün mekanizma olarak böyle bir özelliği. Enerjinin korunumu yasası, uzay ve zamanın mutlaklığı, Tanrı'nın sözüyle garanti altına alınmıştır. Ancak, dünyayı yarattıktan sonra, Tanrı emeklerinden dinlendi ve Evrenin işlerine hiçbir şekilde karışmaz. Böyle bir Tanrı'ya dua etmek işe yaramaz - sadece O'ndan öğrenebilirsiniz. Dolayısıyla Aydınlanma'nın gerçek koruyucuları peygamberler ve rahipler değil, doğa bilimcileridir. Isaac Newton evrensel çekim yasasını keşfeder ve "Doğal Felsefenin Matematiksel İlkeleri" (1689) adlı temel eseri yazar ve Carl Linnaeus biyolojiyi "Doğa Sistemi"ni (1735) sistemleştirir. Boyunca Avrupa başkentleri ah Bilim Akademileri ve bilim dernekleri kurulmaktadır.

Algı çeşitliliği bilinç düzeyini yükseltir - filozof Leibniz buna benzer bir şey söylüyor. Galileo ilk kez bir teleskopu yıldızlara yönlendirir ve Dünyanın Güneş etrafındaki dönüşünü kanıtlar (1611) ve Leeuwenhoek mikroskop altında küçük canlı organizmaları keşfeder (1675). Dev yelkenli tekneler, dünyanın coğrafi haritalarındaki beyaz noktaları silerek, dünya okyanuslarının enginliğini kat eder. Gezginler ve maceracılar: Kaptan Gulliver ve Baron Munchausen, dönemin edebi sembolleri oldular.

Athenais de Montespan

Resimde Barok tarzı kompozisyonların dinamizmi, "düzlük" ve formların ihtişamı, aristokrat ve sıra dışı arsalar ile karakterize edilir. Barok'un en karakteristik özellikleri, çarpıcı gösteriş ve dinamizm; canlı bir örnek Rubens ve Caravaggio'nun eseridir.

Milano yakınlarındaki doğum yeri tarafından Caravaggio lakaplı Michelangelo Merisi (1571-1610), 16. yüzyılın sonunda yaratılan İtalyan sanatçılar arasında en önemli usta olarak kabul edilir. yeni stil resimde. Dini konularda boyanmış resimleri, yazarın modern yaşamının gerçekçi sahnelerine benzemekte ve geç antik dönem ile modern zaman arasında bir karşıtlık yaratmaktadır. Kahramanlar, ışık ışınlarının karakterlerin etkileyici jestlerini yakaladığı ve özgünlüklerini zıt bir şekilde yazdığı alacakaranlıkta tasvir edilmiştir. İlk başta caravaggians olarak adlandırılan Caravaggio'nun takipçileri ve taklitçileri ve Annibale Carracci (1560-1609) veya Guido Reni (1575-1642) gibi hareketin kendisi caravaggism, Caravaggio'nun duygu isyanını ve karakteristik tarzını da benimsediler. insanları ve olayları tasvir etmedeki natüralizmi olarak.

17. yüzyılın başlarında Peter Paul Rubens (1577-1640) Anvers'te bir kursu tamamladıktan sonra oraya gelmesine rağmen, Caravaggio ve Carraci stilini öğrendiği İtalya'da okudu. Kuzey ve Güney'in resim okullarının en iyi özelliklerini mutlu bir şekilde birleştirdi, tuvallerinde doğal ve doğaüstü, gerçeklik ve fantezi, öğrenme ve maneviyatı birleştirdi. Flaman Barok'un bir başka ustası olan Rubens'e ek olarak, van Dijk (1599-1641), uluslararası tanınırlık kazandı. Rubens'in çalışmasıyla yeni stil, Frans Hals (1580 / 85-1666), Rembrandt (1606-1669) ve Vermeer (1632-1675) tarafından ele geçirildiği Hollanda'ya geldi. İspanya'da Diego Velazquez (1599-1660) Caravaggio tarzında çalıştı ve Fransa'da - Barok okulundan memnun olmayan Nicolas Poussin (1593-1665), çalışmalarında yeni bir trendin temellerini attı - klasisizm .

Barok mimarisi için(L. Bernini, İtalya'da F. Borromini, Rusya'da BF Rastrelli, Commonwealth'te Jan Christoph Glaubitz) uzamsal kapsam, uyum, karmaşık, genellikle eğrisel formların akışkanlığı ile karakterize edilir. Büyük ölçekli revaklar, cephelerde ve iç mekanlarda bol miktarda heykel, volütler, çok sayıda perçin, ortasında yırtmaçlı yay cepheleri, rustik sütunlar ve pilastrlar sıklıkla bulunur. Kubbeler karmaşık şekiller, Roma'daki Aziz Petrus'ta olduğu gibi genellikle çok katmanlıdırlar. Tipik barok detaylar telamon (atlant), caryatid, mascaron'dur.

İtalyan mimarisinde Barok sanatının en önemli temsilcisi Maniyerizmden kopan ve kendi tarzını yaratan Carlo Maderna (1556-1629) olmuştur. Ana eseri, Santa Susanna Roma Kilisesi'nin (1603) cephesidir. Barok heykelin gelişimindeki ana figür, yeni üsluptaki ilk başyapıtları yaklaşık 1620 yılına dayanan Lorenzo Bernini'dir. Bernini aynı zamanda bir mimardır. Roma'daki Aziz Petrus Katedrali meydanının ve diğer binaların dekorasyonunun sahibidir. D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longena, L. Vanvitelli, P. da Cortona önemli katkılarda bulundu. Sicilya'da, 1693'teki büyük bir depremden sonra, yeni bir geç barok tarzı ortaya çıktı - Sicilya barok.

Santa Maria della Vittoria Kilisesi'ndeki (1645-1652) Coranaro Şapeli, resim, heykel ve mimarinin etkileyici bir birleşimi olan mükemmel Barok olarak kabul edilir.

Barok tarzı İspanya, Almanya, Belçika (daha sonra Flanders), Hollanda, Rusya, Fransa, İngiliz Milletler Topluluğu'nda yayılıyor. İspanyol Barok veya yerel Churrigueresco (mimar Churriguera'nın onuruna) Latin Amerika... En popüler anıtı, İspanya'daki inananlar tarafından en çok saygı duyulanlardan biri olan Santiago de Compostela'daki katedraldir. Latin Amerika'da Barok yerel mimari geleneklerle karıştırılmıştır, bu onun en ayrıntılı versiyonudur ve buna ultra barok denir.

Fransa'da Barok tarzı diğer ülkelere göre daha mütevazı. Daha önce, üslubun burada hiç gelişmediğine ve barok anıtların klasisizm anıtları olarak kabul edildiğine inanılıyordu. Bazen "barok klasisizm" terimi, barok'un Fransızca ve İngilizce versiyonlarıyla ilgili olarak kullanılır. Günümüzde, Versay Sarayı, düzenli bir park, Lüksemburg Sarayı, Paris'teki Fransız Akademisi binası ve diğer eserler ile birlikte Fransız Barokları arasında yer almaktadır. Klasisizmin bazı özelliklerine sahipler. Karakteristik özellik Barok tarzı, bir örneği Versailles Parkı olan bahçe sanatında düzenli bir stildir.

Daha sonra, 18. yüzyılın başında. Fransızlar kendi tarzlarını geliştirdiler, bir tür barok - rokoko. Binaların dış tasarımında değil, sadece iç mekanlarda olduğu kadar kitap, giysi, mobilya ve resim tasarımında da kendini gösterdi. Tarz Avrupa ve Rusya'ya yayıldı.

Belçika'da olağanüstü bir anıt Barok, Brüksel'deki Grand Place topluluğudur. Rubens'in sanatçının kendi tasarımına göre inşa ettiği Antwerp'teki evi barok özelliklere sahip.

Rusya'da barok 17. yüzyılda ortaya çıktı (“Naryshkin barok”, “Golitsyn barok”). 18. yüzyılda, Peter I'in saltanatı sırasında, St. Petersburg'da ve banliyölerde D. Trezzini'nin ve SI Chevakinsky ve B. Rastrelli'nin eserlerinde “Petrine Barok” (daha kısıtlı) gelişti. Elizabeth Petrovna'nın saltanatı sırasında zirveye ulaştı.

Almanya'da olağanüstü bir Barok anıt, Sanssouci'deki Yeni Saray (yazarlar - J.G.Buring, H.L. Munter) ve oradaki Yaz Sarayı (G.V. von Knobelsdorf). Dünyanın en büyük ve en ünlü barok toplulukları: Versailles (Fransa), Peterhof (Rusya), Aranjuez (İspanya), Zwinger (Almanya), Schönbrunn (Avusturya). Litvanya Büyük Dükalığı'nda Sarmat Barok ve Vilna Barok stilleri yaygınlaştı, en büyük temsilcisi Jan Christoph Glaubitz'di. onun arasında ünlü projeler- Rab'bin Yükselişi Kilisesi (Vilnius), Ayasofya Katedrali (Polotsk), vb. yeniden inşa edildi.

Carlo Maderna Saint Susanna Kilisesi, Roma

Klasisizm.

klasisizm (Latin classicus'tan Fransız klasisizmi - örnek) - 17.-19. yüzyıl Avrupa sanatında sanatsal stil ve estetik yön.

Klasisizm, Descartes felsefesinde aynı fikirlerle eşzamanlı olarak oluşan rasyonalizm fikirlerine dayanmaktadır. Klasisizm açısından bir sanat eseri, katı kurallar temelinde inşa edilmeli, böylece evrenin uyumunu ve tutarlılığını ortaya çıkarmalıdır. Klasisizm için ilgi yalnızca sonsuzdur, değişmez - her fenomende, rastgele bireysel özellikleri atarak yalnızca temel, tipolojik özellikleri tanımaya çalışır. Klasisizm estetiği, sanatın sosyal ve eğitim işlevine büyük önem verir. Klasisizm, antik sanattan (Aristoteles, Horace) birçok kural ve kanon alır.

Klasisizm, yüksek (ode, trajedi, epik) ve düşük (komedi, hiciv, masal) olarak ayrılan katı bir tür hiyerarşisi kurar. Her türün, karıştırılmasına izin verilmeyen kesin olarak tanımlanmış özellikleri vardır.

17. yüzyılda Fransa'da belirli bir yön nasıl oluştu. Fransız klasisizmi, bir kişinin kişiliğini, onu dini ve kilise etkisinden kurtararak, varlığın en yüksek değeri olarak öne sürdü. Rus klasisizmi sadece Batı Avrupa teorisini benimsemekle kalmadı, aynı zamanda onu ulusal özelliklerle zenginleştirdi.

Klasisizm mimarisinin ana özelliği bir uyum, sadelik, titizlik, mantıksal netlik ve anıtsallık standardı olarak antik mimarinin biçimlerine bir başvuru vardı. Bir bütün olarak klasisizm mimarisi, planlamanın düzenliliği ve hacimsel formun netliği ile karakterizedir. Klasisizmin mimari dilinin temeli, antik çağa yakın oranlarda ve formlarda düzendi. Klasisizm için simetrik eksenli kompozisyonlar, dekoratif dekorasyonun kısıtlanması ve düzenli bir şehir planlama sistemi karakteristiktir.

Klasisizmin mimari dili, büyük Venedik ustası Palladio ve takipçisi Scamozzi tarafından Rönesans'ın sonunda formüle edildi. Venedikliler antik tapınak mimarisinin ilkelerini o kadar mutlak hale getirdiler ki, onları Villa Capra gibi özel konakların yapımında bile uyguladılar. Inigo Jones, Palladyanlığı kuzeye İngiltere'ye getirdi; burada yerel Palladyan mimarlar, 18. yüzyılın ortalarına kadar değişen derecelerde sadakatle Palladyen ilkelerini takip etti.

Klasisizm tarzındaki en önemli iç mekanlar, 1758'de Roma'dan anavatanına dönen İskoçyalı Robert Adam tarafından tasarlandı. Hem İtalyan bilim adamlarının arkeolojik araştırmalarından hem de Piranesi'nin mimari fantezilerinden çok etkilendi. Adam'ın yorumunda, klasisizm, iç mekanın karmaşıklığı açısından rokokodan pek de aşağı olmayan bir tarz gibi görünüyordu; bu, ona sadece demokratik düşünceli toplum çevreleri arasında değil, aynı zamanda aristokrasi arasında da popülerlik kazandırdı. Fransız meslektaşları gibi, Adam da yapıcı bir işlevi olmayan ayrıntıların tamamen reddedilmesini vaaz etti.

Fransız Jacques-Germain Soufflot, Paris'teki Saint-Genevieve kilisesinin inşası sırasında, klasisizmin geniş kentsel alanları organize etme yeteneğini gösterdi. Projelerinin muazzam ihtişamı, Napolyon İmparatorluğu'nun megalomanisini ve geç klasisizmin habercisiydi. Rusya'da Soufflot ile aynı yönde hareket etti Bazhenov... Fransız Claude-Nicolas Ledoux ve Etienne-Louis Bull, formların soyut geometrikleştirilmesine yönelik bir önyargı ile radikal bir vizyoner stil geliştirmeye daha da ileri gitti. Devrimci Fransa'da, projelerinin çileci yurttaşlık duygusu çok az talep görüyordu; Ledoux'nun yeniliği, yalnızca 20. yüzyılın modernistleri tarafından tam olarak takdir edildi.

Varşova'daki Bolşoy Tiyatrosu.

Klasisizm döneminin müziği veya klasisizm müziği, Avrupa müziğinin gelişiminde yaklaşık olarak 1730 ile 1820 arasındaki dönemi ifade eder. Müzikte klasisizm kavramı, Viyana klasikleri olarak adlandırılan Haydn, Mozart ve Beethoven'ın eserleri ile sürekli olarak ilişkilidir ve müzik kompozisyonunun daha da gelişmesinin yönünü belirlemiştir.

Klasik heykelin gelişimi için itici güç 18. yüzyılın ortalarında, çağdaşların antik heykel hakkındaki bilgilerini genişleten Winckelmann'ın yazıları ve antik kentlerin arkeolojik kazıları hizmet etti. Pigalle ve Houdon gibi heykeltıraşlar, Fransa'da Barok ve Klasisizmin eşiğinde dalgalandı. Klasisizm, esas olarak Helenistik dönemin heykellerinden (Praxitel) ilham alan Antonio Canova'nın kahramanca ve pastoral eserlerinde plastik alanındaki en yüksek düzenlemesine ulaştı. Rusya'da Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky, Ivan Martos klasisizm estetiğine yöneldi.

Klasisizm çağında yaygınlaşan kamusal anıtlar, heykeltıraşlara devlet adamlarının askeri cesaretini ve bilgeliğini idealize etme fırsatı verdi. Antik modele bağlılık, heykeltıraşların modelleri çıplak olarak tasvir etmelerini gerektiriyordu, bu da kabul edilen ahlaki normlarla çelişiyordu. Bu çelişkiyi çözmek için, çağdaş figürler başlangıçta klasisizm heykeltıraşları tarafından çıplak antik tanrılar şeklinde tasvir edildi: Suvorov Mars şeklinde ve Pauline Borghese Venüs şeklinde. Napolyon altında, sorun, antik togalardaki çağdaş figürlerin görüntüsüne geçilerek çözüldü (Kazan Katedrali'nin önündeki Kutuzov ve Barclay de Tolly figürleri).

Antonio Canova. Aşk Tanrısı ve Ruh (1787-1793, Paris, Louvre)

Barok ve klasisizm arasındaki farklar.

Barok dönemini takip eden klasisizm çağında çok sesliliğin rolü azalmış ve ön plana çıkmıştır. homofonik polifoni
( Yunancadan. "homos" - "bir" ve "arka plan" - "ses", "ses")

farklı polifoni, tüm seslerin eşit olduğu yerde, homofonik polifoniöne çıkıyor bir, performans ana fikir ve geri kalanı rol oynar eşlik(eskortlar). Eşlik genellikle bir akor (armoni) sistemidir. Bu nedenle müzik bestelemenin yeni yolunun adı - homofonik-harmonik.

Müzikte daha az süsleme ve süsleme vardır. Eserler, özellikle yazılı olanlar, daha uyumlu, yapı olarak daha net hale geldi. sonat formu.

çağda barok Bir müzik parçasında, her bölümün ifade etmeye ve açığa çıkarmaya odaklandığı bir, parlak bir şekilde izlenen hisler, sunum kullanılarak çözüldü değişen bir konu (çeşitli) bölüm boyunca ve çağda klasisizm işin bir bölümünde ortaya çıktı birçok duygu sunum ve geliştirme yoluyla ifade edilen iki veya daha fazla farklı yaratıcı içeriğe sahip konular.

Erken Barok Müzik (1600-1654)

İtalyan besteci tarafından İtalyan operasının gelişimi, Rönesans ve Barok dönemleri arasında şartlı bir geçiş noktası olarak kabul edilebilir. Claudio Monteverdi (1567-1643).

Besteci, İtalya'nın Cremona şehrinde bir doktor ailesinde doğdu. Bir müzisyen olarak Monteverdi gençliğinde gelişti. Madrigaller yazıp icra etti; org, viyola ve diğer enstrümanları çalardı. Müzik besteleyen Monteverdi, o dönemde tanınmış bestecilerle çalıştı. 1590'da Mantua'ya, Dük Vincenzo Gonzaga'nın sarayına şarkıcı ve müzisyen olarak davet edildi; daha sonra yöneldi mahkeme şapeli... 1612'de Monteverdi Mantua'daki hizmetten ayrıldı ve 1613'te Venedik'e yerleşti. Büyük ölçüde Monteverdi sayesinde, dünyanın ilk kamu opera binası 1637'de Venedik'te açıldı. Orada besteci, San Marco Katedrali'nin şapeline yöneldi. Ölümünden önce Claudio Monteverdi atandı.

okuduktan operasyonel yaratıcılık Rönesans Peri ve Caccini'nin bestecileri Monteverdi, kendi opera eserlerini yarattı. Zaten ilk operalarda - "Orpheus" (1607) ve "Ariadne" (1608) - besteci başardı müzikal araçlar derin ve tutkulu duyguları iletmek, gerginlik yaratmak dramatik eylem... Monteverdi birçok operanın yazarıdır, ancak sadece üçü hayatta kalmıştır - "Orpheus", "Ulysses'in Anavatanına Dönüşü" (1640; antik Yunan destansı şiiri "Odyssey" in arsasına dayanarak) ve "Poppea'nın Taç Giymesi" (1642).

Monteverdi'nin operalarında müzik ve metin uyumlu bir şekilde birleştirilmiştir. Operalar dayanmaktadır monolog - resitatif (İtalyan recitare'den - "okumak"), hangisinde okunan her kelime ve müzik, ruh halinin tonlarını esnek ve incelikle aktarır. Monologlar, diyaloglar ve koro bölümleri sorunsuz bir şekilde birbirine akar, eylem yavaş gelişir (Monteverdi'nin operalarında üç veya dört eylem vardır), ancak dinamik olarak. Besteci orkestraya önemli bir rol verdi. Örneğin "Orpheus" da o dönemde bilinen hemen hemen tüm enstrümanları kullanmıştır. orkestra müziği sadece şarkıya eşlik etmekle kalmıyor, sahnede yaşananları ve karakterlerin deneyimlerini de kendisi anlatıyor. İlk olarak "Orpheus" da ortaya çıktı. uvertür(Fransız uvertür veya Latin apertura - "açılış", "başlangıç")- önemli bir müzik parçasına enstrümantal giriş. Claudio Monteverdi'nin operaları Venedik bestecileri üzerinde önemli bir etkiye sahipti, Venedik opera okulunun temellerini attı .

Monteverdi sadece yazmadı operalar, aynı zamanda kutsal müzik, din ve laik madrigaller... Polifonik ve homofonik yöntemlere karşı çıkmayan ilk besteci oldu - operalarının koro bölümleri çok sesli teknikleri içeriyor.
Monteverdi'nin çalışmasında yeni, eskiyle birleşti - Rönesans gelenekleri.

18. yüzyılın başlarında. oluşturulan Napoli'deki opera okulu... Bu okulun özellikleri, müziğin baskın rolü olan şarkı söylemeye artan ilgidir. Napoli'deydi ki vokal tarzı bel canto(it. bel canto - "güzel şarkı söyleme"). Bel canto, olağanüstü ses, melodi ve teknik mükemmellik güzelliği ile ünlüdür. Bel canto stilinin icracısı, sesin tınısının birçok tonunu yeniden üretebilmeli ve ana melodi üzerine bindirilmiş sayısız hızlı ses dizisini ustaca aktarabilmelidir. - koloratur (o. koloratur - "dekorasyon").

18. yüzyılda opera ana tür oldu müzik sanatıİtalya'da, yüksek bir profesyonel seviye eğitim almış şarkıcılar kış bahçeleri(İtalyan konservatuarı, err lat. koru - "koruuyorum") - müzisyenler yetiştiren eğitim kurumları. O zamana kadar, her biri İtalyan opera sanatının merkezlerinde - Venedik ve Napoli'de dört konservatuar oluşturuldu. Türün popülaritesi, ülkenin farklı şehirlerinde açılan ve toplumun her kesimine açık olan opera evleriyle de sağlandı. İtalyan operaları büyük Avrupa başkentlerinde tiyatrolarda sahnelenirken, Avusturya, Almanya ve diğer ülkelerden besteciler İtalyan metinlerine dayalı operalar yazdılar.

Protestanlığın artan ideolojik, kültürel ve sosyal etkisine karşı çıkan, Katolikliğin yanında yer alan erken Barok döneminin önemli bir figürü, Giovanni Gabrieli (1555-1612). Eserleri "Yüksek Rönesans" tarzına (Rönesans'ın en parlak dönemi) aittir. Ancak enstrümantasyon alanındaki bazı yenilikleri (belirli bir enstrümanı kendi özel görevlerine ataması), yeni bir üslubun ortaya çıkmasına etki eden bestecilerden biri olduğunu açıkça göstermektedir.

Kutsal müziğin bestelenmesi için kilisenin gereksinimlerinden biri şuydu: metinler vokalli eserlerde vardı seçici... Bu, çok seslilikten sözcüklerin ön plana çıktığı müzikal tekniklere geçişi gerektirdi. Vokaller, eşlikle karşılaştırıldığında daha karmaşık, gösterişli hale geldi.

Yeni tekniklerin yayılmasına büyük katkı sağladı ve Alman besteci Heinrich Schütz (1585-1672), Venedik'te okudu.Johann Sebastian Bach'tan önceki en ünlü Alman besteci ve D. Gabrieli ve C. Monteverdi ile birlikte erken Barok döneminin en önemli bestecilerinden biridir. Dresden'de koro şefliği yaparken çalışmalarında yeni teknikler kullandı.

Olgun Barok Müzik (1654-1707)

Avrupa'da üstün gücün merkezileşme dönemine genellikle denir. mutlakiyetçilik... Mutlakiyetçilik, Fransız kralı Louis XIV döneminde doruğa ulaştı. Louis'in sarayı tüm Avrupa için bir rol modeldi. Mahkemede gerçekleştirilen müzik dahil. Artan kullanılabilirlik müzik Enstrümanları(bu özellikle klavyeler için geçerlidir) geliştirmeye ivme kazandırdı bölme müzik (ondan. kamera - "oda") küçük odalarda veya evde yapılır.

olgun barok farklı yeni polifonik tarzın erken her yerde yayılmasından ( ücretsiz mektup) ve artan ayırma müzikal formlarözellikle operada. Literatürde olduğu gibi, ortaya çıkan büyük tiraj olasılığı Yazdır müzik eserleri seyircinin genişlemesine yol açtı; müzik kültürünün merkezleri arasında artan alışveriş.

Müzik teorisinde, olgun barok, bestecilerin uyum ve tutarlı müzik eğitimi sistemleri yaratma girişimlerine odaklanmasıyla tanımlanır.
Daha sonraki yıllarda bu, birçok teorikİşler. Bu etkinliğin dikkate değer bir örneği, geç Barok döneminin eseridir - Johann Joseph tarafından 1725'te yayınlanan "Gradus ad Parnassum" (Rusça. Parnassus'a Adımlar). Fuchs(Alman Johann Joseph Fux) (1660-1741), Avusturyalı teorisyen ve besteci. Kontrpuan teorisini sistematize eden bu makale, neredeyse 19. yüzyılın sonuna kadar kontrpuan çalışması için en önemli araçtı.

Louis XIV mahkemesinin mahkeme bestecilerinin seçkin bir temsilcisi, Giovanni Battista Lully (1632-1687). (Jean-Baptiste)... Zaten 21 yaşındayken "enstrümantal müziğin mahkeme bestecisi" unvanını aldı. Lully'nin yaratıcı çalışması, en başından beri tiyatro ile yakından ilişkilidir. Saray oda müziği organizasyonu ve "airs de cour" (court arias) kompozisyonunun ardından bale müziği yazmaya başladı. Louis XIV, o zamanlar saray soylularının en sevdiği eğlence olan balelerde dans etti. Lully mükemmel bir dansçıydı. Kralla dans ederek prodüksiyonlara katılma şansı buldu. Onun için bilinir eklem yeri Oyunları için müzik yazdığı Moliere ile birlikte çalıştı. Ama Lully'nin çalışmasındaki en önemli şey hala yazmaktı. operalar... Şaşırtıcı bir şekilde, Lully tam bir Fransız operası türü yarattı; Fransa'da sözde lirik trajedi (fr. tragedie lyrique) ve çalışmalarının ilk yıllarında şüphesiz yaratıcı olgunluğa ulaştı. Opera binası... Lully genellikle orkestra bölümünün görkemli sesi ile basit alıntılar ve aryalar arasındaki karşıtlığı kullandı. Lully'nin müzik dili çok zor değil ama kesinlikle yeni: armoni netliği, ritmik enerji, formun ifade netliği, doku saflığı, homofonik düşünme ilkelerinin zaferinden bahseder. Başarısını büyük ölçüde, orkestra için müzisyenleri seçme yeteneği ve onlarla yaptığı çalışmalar (kendisi provalar yaptı) ile kolaylaştırdı. Çalışmalarının ayrılmaz bir parçası, armoni ve solo enstrümana dikkat etmekti.

Besteci ve Kemancı baş melek Corelli(1653-1713) concherto grosso türünün gelişimi üzerine yaptığı çalışmalarla tanınır. (konçerto grosso - "büyük konser")... Corelli, eserleri Avrupa çapında yayınlanan ve icra edilen ilk bestecilerden biridir. JB Lully'nin opera besteleri gibi, konçerto grosso türü, bir orkestranın küçük solo gruplarının sesi ile tam bir orkestranın sesinin zıt bir yan yana gelmesi üzerine kuruludur. Müzik, yüksek sesli bölümlerden sessiz bölümlere ani geçişler üzerine kuruludur, hızlı geçişler yavaş bölümlere karşıdır. Arcangelo Corelli'nin takipçileri arasında, daha sonra Corelli'nin en sevdiği formlarda yazılmış yüzlerce eser besteleyen Antonio Vivaldi vardı: üçlü sonatlar ve konserler.

V İngiltere gösterişli bir deha tarafından işaretlenmiş olgun barok Henry Purcell(1659-1695). 36 yaşında genç yaşta öldü, çok sayıda eser yazdı ve yaşamı boyunca geniş çapta tanındı. Purcell, Corelli ve Barok döneminin diğer İtalyan bestecilerinin eserlerine aşinaydı.Kısa ömrü boyunca Purcell, en önemlileri opera olan birçok vokal, enstrümantal, müzikal ve teatral eser yazdı. "Dido ve Aeneas"(1689). Bu ilk İngilizce ulusal opera... Asil kızlar için bir yatılı okuldan bir dans öğretmeni tarafından görevlendirildi. Düzenin özel doğası eserin görünümünü etkiledi: Monteverdi veya Lully'nin anıtsal operalarının aksine, Purcell'in eseri küçük boyutlu, aksiyon hızla gelişiyor... Nicholas Tate'in opera librettosu, Romalı şair Virgil'in kahramanlık destanı "Aeneid"e dayanıyordu.

Virgil, Truva'nın savunucularından birine sahiptir - Aeneas, şehrin düşmesinden sonra dolaşmaya gider. Bir fırtına gemisini Afrika kıyılarına sürüklüyor; burada Kartaca kraliçesi Dido ile tanışır. Dido, Aeneas'a aşık oldu ve kahraman, tanrıların emriyle onu terk edince, kendi canına kıydı. Purcell'in operasında kahramanları ayıran haberci tanrılar tarafından değil, orman cadıları tarafından gönderilir ( popüler karakterlerİngiliz folkloru). Aeneas, tanrılara karşı kutsal bir görev için aldatma aldı ve en değerli şeyi - aşkı mahvetti.

Purcell'in sanatının ayırt edici bir özelliği, uyum... Besteci, mükemmel melodiler yaratmak için harika bir yeteneğe sahipti - sakin, görkemli ve kusursuz form. Henry Purcell'den sonra İngiliz müziğinde 20. yüzyıla kadar. böyle seçkin ustaları adlandırmak pek mümkün değil.

Yukarıdaki bestecilerin aksine Dietrich Buxtehude (1637-1707)) bir mahkeme bestecisi değildi. Buxtehude çalıştı orgcu, önce Helsingborg'da (1657-1658), sonra Elsinore'de (1660-1668) ve daha sonra 1668'den başlayarak St. Lübeck'teki Mary. Eserlerini yayınlayarak değil, icra ederek para kazandı ve kilise metinleri için müzik bestelemek ve kendi org bestelerini icra etmek için soyluların himayesini tercih etti. Buxtehude'nin müziği büyük ölçüde fikirlerin ölçeği, hayal gücünün zenginliği ve özgürlüğü, acınası bir tutku, drama, birkaç hitabet tonlaması üzerine kuruludur. Çalışmaları, J.S.Bach ve G.F. Telemann gibi besteciler üzerinde güçlü bir etkiye sahipti.

Geç Barok Müziği (1707-1760)

Olgun ve geç barok arasındaki kesin çizgi bir tartışma konusudur; Yalan söyler arasında bir yerde 1680 ve 1720. Farklı ülkelerde stillerin eşzamansız olarak değiştirildiği gerçeği, tanımının önemli bir karmaşıklığına kadar; bir yerde kural olarak kabul edilen yenilikler, başka bir yerde yeni buluntulardı. İtalya Arcangelo'ya teşekkürler Corelli ve öğrencileri Francesco Geminiani ve Pietro Locatelli, Olgun dönemden geç döneme Barok geçişleri... Önemli bir dönüm noktası neredeyse mutlak olarak kabul edilebilir. tonalitenin üstünlüğü müzik bestelemenin yapılandırıcı bir ilkesi olarak. Bu, özellikle Lully'nin yerini ana olarak alan Jean Philippe Rameau'nun teorik çalışmalarında dikkat çekicidir. Fransız besteci... Aynı zamanda, Johann Joseph Fuchs'un katı bir tarzın polifonisine adanmış ana çalışması "Derece cehennem Parnassum" (1725) 'in ortaya çıkışı, müzikteki varlığına tanıklık etti. 2 yazı stilleri - homofonik-harmonik ve polifonik.

Formlarönceki dönemde açılmış, olgunluğa ulaşmış ve büyük değişkenlik; konser, süit, sonat, konçerto grosso, oratoryo, opera ve bale artık belirgin bir ulusal özellikler... Genel kabul görmüş çalışma şemaları yaygın olarak kabul edilmektedir: tekrar eden iki parçalı form (AABB), basit üç parçalı form (ABC) ve rondo.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- Venedik'te doğan İtalyan besteci.
1703'te görevlendirildi Katolik rahip... Aynı yılın Aralık ayının ilk günü, Venedik'te kızlar için bir yetimhane olan Pio Ospedale della Pieta'da maestro di kemancı oldu. Vivaldi'nin ünü konser performansları veya saraydaki bağlantıları ile değil, üçlü sonatları, keman sonatları ve konserlerini içeren eserlerinin yayınlarıyla sağlandı. Amsterdam'da yayınlandılar ve Avrupa çapında yaygın olarak dağıtıldılar. bunlarda var enstrümantal türler o dönemde hala gelişmekte olan (barok sonat ve barok konser) en önemli katkısını Vivaldi yapmıştır. Bazı teknikler Vivaldi'nin müziğinin karakteristiğidir: konser grososu için üç parçalı döngüsel bir form ve hızlı bölümlerde ritorneli kullanımı. Vivaldi 500'den fazla konser besteledi. Ünlü Mevsimler gibi bazı eserlerine de program adları verdi. Vivaldi'nin kariyeri, bir bestecinin bağımsız olarak var olma fırsatının arttığını gösteriyor: konser etkinlikleri ve eserlerinin yayınlanması.

Domenico Scarlatti(1685-1757), zamanının önde gelen klavye bestecilerinden ve icracılarından biriydi. Kariyerine saray bestecisi olarak başladı; ilk olarak Portekiz'de ve 1733'ten itibaren hayatının geri kalanını geçirdiği Madrid'de. Babası Alessandro Scarlatti, Napoliten opera okulunun kurucusu olarak kabul edilir. Domenico ayrıca operalar ve kilise müziği besteledi, ancak şöhret (ölümünden sonra) ona klavyeler için çalışır... Bu eserlerin bir kısmını kendi zevki için, bir kısmını da soylu müşterileri için yazmıştır.

Barok dönemin en ünlü saray bestecisi Georg Frideric Handel'in fotoğrafı.(1685-1759). Almanya'da doğdu, üç yıl İtalya'da okudu, ancak 1711'de Londra'dan ayrıldı ve burada bağımsız olarak parlak ve ticari açıdan başarılı kariyerine başladı. opera bestecisi soylular için emirleri yerine getirmek. Handel yorulmak bilmeyen bir enerjiyle diğer bestecilerin malzemelerini yeniden işledi ve sürekli değiştirilmiş kendi kompozisyonları. Örneğin ünlü Mesih hatipini o kadar çok revize etmesiyle tanınıyor ki, artık orijinal denilebilecek bir versiyonu yok. Maddi durumunun iyiye gitmesine ve gerilemesine rağmen, klavye, tören müziği, opera, konser, grosso ve oratoryolar için yayınlanmış eserlerine dayanan ünü büyümeye devam etti. Ölümünden sonra, önde gelen bir Avrupa bestecisi olarak tanındı ve klasisizm çağının müzisyenleri tarafından incelendi. Handel hayatı boyunca şunları yazdı: 50 operalar ("Almira" "Agrippina", "Rinaldo", "Julius Caesar", vb.), 23 oratorios ("Mesih", "Samson", "Judas Macovei", "Herkül"), sayısız kilise ilahisi, org konseri ve bir dizi eğlence parçası ("Suda Müzik", "Kraliyet Havai Fişekleri için Müzik") .

Barok döneminin en büyük bestecilerinden biri - Johann Sebastian Bach doğdu
21 Mart 1685, Almanya'nın Eisenach şehrinde. Hayatı boyunca çeşitli türlerde 1000'den fazla eser besteledi, opera hariç... Ancak yaşamı boyunca anlamlı bir başarı elde edemedi. Birçok kez hareket eden Bach, birbiri ardına çok yüksek olmayan bir pozisyon değiştirdi: Weimar'da Weimar Dükü Johann Ernst'in mahkeme müzisyeniydi, daha sonra St. Arnstadt'taki Boniface, birkaç yıl sonra St. Blasius, sadece yaklaşık bir yıl çalıştığı Mühlhausen'de, ardından Weimar'a döndü ve mahkeme orgcusu ve konser organizatörünün yerini aldı. Bu görevde dokuz yıl kaldı. 1717'de Anhalt-Köthen Dükü Leopold, Bach'ı Kapellmeister olarak işe aldı ve Bach Köthen'de yaşamaya ve çalışmaya başladı. 1723'te Bach, 1750'de ölümüne kadar kalacağı Leipzig'e taşındı.

J.S.Bach, yaşamı boyunca Almanya'da besteci, icracı, öğretmen ve başta Karl Philip Emanuel olmak üzere Jr. Bach'ların babası olarak biliniyordu. Ama içinde son yıllar Bach'ın ölümünden sonra, besteci olarak ünü azalmaya başladı: tarzı, filizlenen klasisizm ile karşılaştırıldığında eski moda olarak kabul edildi.

1802'de Johann Nikolai Forkel, Johann Sebastian Bach'ın en eksiksiz ilk biyografisini yayınladı. 1829'da, JS Bach'ın ölümünden 79 yıl sonra, Felix Mendelssohn, Berlin'de Bach'ın Matthew Tutkusu'nu seslendirdi. Bu konserin başarısı, J.S.'nin çalışmalarına olan ilgiyi yeniden canlandırdı.

JS Bach şimdi tüm zamanların en popüler bestecilerinden biri: örneğin, Cultureciosque.com'da düzenlenen "Milenyumun En İyi Bestecisi" oylamasında Bach birinci oldu.

Barok ve klasisizm

saray versailles kültür artistik

17. yüzyılda, ekonominin ve sanatın aktif gelişimi bağlamında, Fransa, mutlakiyetçi yönetim biçimlerinin ve pratik uygulamaların örnek bir ülkesi statüsünü kazandı. ekonomik politika... Karşı-Reformasyon hareketi sayesinde Roma kültürel alan bölgesel olarak parçalanmış İtalya yeni bir anlam kazandı. Sonuç olarak, dini binaların inşası güçlü bir ivme kazandı. 17. yüzyılın sonunda bu koşullar altında başladı yeni etap inşaat, Alman prenslerinin ihtiyaçlarına yabancı modeller tarafından yönlendirilmesine katkıda bulundu. Büyük ölçüde, Louis XIV'in Fransız mutlakiyetçiliğinden etkilendiler. Her feodal lord -kendisine ait olan bölge ne kadar küçük olursa olsun- ikametgâhını kraliyet topraklarının bu incisi Versailles'dan kopyalamıştır.

için olduğu gerçeğine rağmen Avrupa mimarisi XVII - XVIII yüzyıllar tekdüzelik ve bütünlük karakteristik değildir, onu birleştirmek gelenekseldir Genel kavram"barok". Prens kaleleri ve dini binalar, inşaat sırasında öncelikli nesneler haline geldi ve Reform'a karşı direnişi kişileştirdi. 1730'larda, binaların samimiyetinin güçlendirilmesine hemen yansıyan Aydınlanma'nın etkisi hissedilmeye başlandı. Parklarla çevrili küçük zarif kaleler, şehzadelerin en gözde ikamet yerleri haline geldi. Bu en parlaklarından biri ayırt edici özellikleri barok.

Yeni stil, kentsel planlama faaliyetlerinin güzellikle yürütülmesinde yardım çağrısında bulundu. Çevre veya daha basit bir şekilde, bir manzara. Peyzaj, kentsel topluluğun ana bileşenlerinden biri haline geldi. İşlevsel ve demokratik içeriğini yitiren meydan, kentin törensel bir parçası, dekorasyonu haline geldi. Barok mimarisi, ihtişam, ihtişam ve dinamikler, muhteşemlik ve güçlü bir ölçek ve ritim kontrastı ile ayırt edilir.

Cephelerin tuhaf plastisitesi, karmaşık eğrisel planlar ve ana hatlar sayesinde, barok saraylar ve kiliseler biraz pitoresk ve dinamizm kazandı. Etraflarındaki boşluğa büyüyor gibiydiler. Barok iç mekanlar çok renkli heykeller, alçı pervazlar, oymalar ile dekore edilmiştir; Alanın hayali genişlemesi için aynalar ve tablolar gerekliydi ve plafondların boyanması, izleyicinin üzerine açılan tonozların yanılsamasını yarattı.

Barok resim ve heykelde baskın konum, dini, mitolojik veya alegorik nitelikte dekoratif çok yönlü kompozisyonların yanı sıra tören portrelerine aitti. Bir kişiyi tasvir ederken, gerilim, yüceltme ve artan dram halleri tercih edildi. Resimde, bütünün duygusal, ritmik ve renksel birliği, çoğu zaman kısıtlamasız vuruş özgürlüğü büyük önem kazanmıştır; heykelde - pitoresk bir form akışkanlığı, zengin yönler ve izlenimler.

Barok'un karakteristik özellikleri, planların karmaşıklığı, beklenmedik ve muhteşem mekansal ve hafif çözümlerle zengin iç tasarım, birçok eğri, plastik olarak kıvrımlı çizgiler ve yüzeyler, görüntülerin kontrastı, gerilimi ve dinamizmi, yapmacıklık, lüks ve ihtişam için çabalamak, gerçekliği ve yanılsamayı sanatların kaynaşmasıyla birleştirmek. Barok üslup, klasik formların sadeliği ile şekillendirmedeki karmaşıklığı karşılaştırdı. Resim ve heykel unsurları, boyalı duvar yüzeyleri mimaride yaygın olarak kullanılmıştır.

Barok'un ideolojik temelleri, Reform koşulları ve Kopernik'in öğretileri altında oluşturuldu. Antik çağ felsefesinin karakteristiği olan rasyonel ve kalıcı bir birlik olarak dünya kavramı ve insanı yaratılışın tacı olarak gören Rönesans görüşü değişti. Pascal'ın sözleriyle, insan kendini "her şey ve hiçbir şey arasında bir şey", "olguların yalnızca görünüşünü yakalayan, ancak ne başlangıcını ne de sonunu anlayamayan" olarak gerçekleştirmeye başladı.

Barok'un ortaya çıkışı, soyluların temsilcileri arasında palazzo'nun inşası için fon eksikliği ile bir dereceye kadar kolaylaştırıldı. Bu durumdan bir çıkış yolu ararken, güç ve zenginlik yanılsamasını yaratmak için sanata yöneldiler. Kısmen bundan dolayı, 16. yüzyılda Barok, İtalya topraklarında ortaya çıktı.

Barok'un mimari formları İtalyan Rönesansına dayanıyordu, ancak karmaşıklık, çeşitlilik ve pitoresk olarak onu aştı. Profilli kornişli cepheler, devasa sütunlar, yarım sütunlar ve birkaç katta pilastrlar, genellikle dışbükeyden içbükeye dalgalanan lüks heykelsi detaylar, yapının kendisine hareket ve ritim verir. Rönesans döneminden farklı olarak, böyle bir yapının tek bir detayı bağımsız değildi. Topluluğun tüm parçaları, iç mekanların tasarımı ve dekorasyonu ile peyzaj bahçeciliği ve kentsel mimari çevre ile tamamlanan genel mimari konsepte tabidir.

Fransa'da Barok tarzı, diğer ülkelere göre biraz daha mütevazı bir şekilde ifade edilir. Daha önce, barok üslubun burada hiç gelişmediği ve barok anıtların klasisizm anıtları olarak kabul edildiği genel olarak kabul edildi. Bazen barok klasisizm terimini barok'un Fransızca ve İngilizce versiyonlarıyla bağlantılı olarak kullanmak uygundur. Günümüzde, Versay Sarayı ile birlikte düzenli bir park, Lüksemburg Sarayı, Paris'teki Fransız Akademisi binası ve diğer mimari eserler Fransız Barokları arasında yer almaktadır. Klasisizmin bazı özelliklerine sahipler. Barok stilinin karakteristik bir özelliği, peyzaj bahçe sanatında düzenli stildir. en açık örnek yetenekli usta André Le Nôtre'nin yaratıcılığının zirvesi olan Parc de Versailles.

Alman sanat eleştirmeni ve tarihçisi antik sanat Johann Joachim Winkelmann 1755'te şöyle yazmıştı: "Büyük olmamızın ve mümkünse taklit edilemez olmamızın tek yolu eskileri taklit etmektir." Bu sloganla çağdaşlarını, ideal olarak algılanan antik çağın güzelliğini temel alarak sanatı yenilemeye çağırdı ve Avrupa toplumunda aktif destek buldu. Antik mimari onun tarafından bir uyum, sadelik, titizlik, mantıksal netlik ve anıtsallık standardı olarak algılandı. İlerici halk, klasisizmi mahkeme barokuna zorunlu bir muhalefet olarak algıladı. Klasisizmin yükselişi, zaman içinde, 101 yıl sonra - 1688'de İngilizce ve Fransızca - burjuva devrimleri dönemine denk geldi. Böylece, en yüksek model olarak antik sanata başvurmak ve yüksek Rönesans geleneklerine güvenmek, klasisizmin en önemli özelliklerinden biri haline geldi.

Klasisizmin güzel sanatları, uyumlu bir toplum yapısı fikrini somutlaştırmaya çalıştı. Karmaşıklık hakkında görsel Sanatlar klasisizm, kişilik ve toplum, ideal ve gerçeklik, duygular ve akıl arasındaki çatışmalarla açıkça kanıtlanır. Klasisizmin sanatsal biçimleri, katı organizasyon, duruş, sadelik ve görüntülerin uyumu özellikleri ile karakterize edilir.

Antik sanatın asil sadeliğini ve sakin ihtişamını inşaatta somutlaştırma arzusu, dönemin ustalarını antik binayı tamamen kopyalamaya çabalamaya yönlendirdi. Böylece, Alman mimar Gilly'nin Bavyera Ludwig I'in emriyle II. Frederick'e anıt projesi aşamasında bıraktığı şey, Regensburg'daki Tuna Nehri'nin eteklerinde gerçekleştirildi ve Valhalla adını aldı - "Hall of the Hall". ölü".

Almanya'da, prens sarayları - konutlar klasik tarzda inşaat merkezleri haline geldi, aralarında Karlsruhe'deki Marktplatz (alışveriş alanı), Münih'teki Maximilianstadt ve Ludwigstrasse ve Darmstadt'taki inşaat özel bir ün kazandı. Berlin ve Potsdam'daki Prusya kralları da inşaat sırasında klasisizmi tercih ettiler. Ancak, bu zamana kadar saraylar ana inşaat projelerinin statüsünü çoktan kaybetmişti, villalar ve kır evleri daha az etkileyici ve etkileyici görünmüyordu. Devlet inşaatı alanı sosyal binaları içeriyordu - hastaneler, körler ve sağırlar için evler, ayrıca hapishaneler ve kışlalar. Bunlara kısa sürede tiyatro, müze, üniversite ve kütüphane gibi kamu binaları eklendi. Resim, aristokrasinin ve burjuvazinin ülke mülkleri, şehirlerde ve köylerde belediye binaları ve konut binaları tarafından desteklendi.Kiliselerin inşası artık birincil bir görev değildi, ancak Karlsruhe, Darmstadt ve Potsdam'da harika yapılar ortaya çıktı, ancak oradaydı. pagan mimari formlarının Hristiyanlığa uygun olup olmadığı üzerine bir tartışma.

Resimde, arsanın mantıksal gelişimi, kompozisyonun net dengesi, hacmin net aktarımı ve formun ışık ve gölge modellemesi, yerel renklerin kullanımı başroldeydi.

Peyzaj resminde planların net bir şekilde sınırlandırılması da renk yardımıyla ortaya çıkarılmıştır: ön plan kahverengi, ikincisi yeşil ve üçüncüsü mavi olarak boyanmış olmalıdır.

Klasisizm mimarisi, düzenin düzenliliği ve hacimsel formun netliği ile karakterizedir. Klasik üslubun mimari dilinin temeli, orantı ve biçim bakımından antik çağa yakın olan düzendi. Klasisizm, simetrik eksenel kompozisyonlar, dekoratif dekorasyonun kısıtlanması ve düzenli bir şehir planlama sistemi ile ayırt edilir.

Büyük Venedikli usta Palladio ve takipçisi Scamozzi, Rönesans'ın sonunda klasisizmin mimari dilini formüle etti. Venedikliler antik tapınak mimarisinin ilkelerini o kadar mutlak hale getirdiler ki, Villa Capra gibi özel konakların yapımında bile uygulama buldular. Inigo Jones, Palladyanlığı İngiltere'ye taşıdı; değişen dereceler sadakat, 18. yüzyılın ortalarına kadar Palladio'nun emirlerini takip etti.

Bu zamana kadar, geç Barok ve Rokoko'nun lüksünün doygunluğu, Kıta Avrupası aydınları arasında birikmeye başladı. Büyük kentsel planlama problemlerinin çözümü için Barok ve Rokoko'nun bu estetiği kesinlikle çok az kullanıldı. Zaten Louis XV döneminde, Paris'te "antik Roma" tarzında şehir planlama toplulukları kuruldu, bunların arasında Place de la Concorde (mimar Jacques-Ange Gabriel) ve Saint-Sulpice Kilisesi ve Louis XVI böyle bir "asil özlülük" zaten ana mimari eğilim haline geldi.

Paris'teki Saint-Genevieve Kilisesi'nin inşası sırasında, Fransız mimar Jacques-Germain Soufflot, klasisizmin geniş kentsel alanları organize etme yeteneğini gösterdi. Rusya'da Bazhenov, Soufflot ile aynı yönde ilerliyordu. Fransız Claude-Nicolas Ledoux ve Etienne-Louis Boulay, formların soyut geometrileştirilmesine yönelik bir önyargı ile radikal bir vizyoner stilin geliştirilmesine doğru daha da ileri gidebildiler. Devrimci Fransa'da, projelerinin çileci sivil pathosu talep edilmedi.

Napolyon Fransa'sının mimarları, Septimius Severus'un zafer takı ve Trajan Sütunu gibi imparatorluk Roma döneminden günümüze kalan askeri ihtişam görüntülerinden ilham aldı. İmparatorun emriyle, formda Paris'e transfer edildiler. Zafer Kemeri Carrouselle ve Vendome Sütunu. Napolyon savaşları döneminin askeri büyüklük anıtlarıyla ilgili olarak, "emperyal stil" - İmparatorluk terimini kullanmak gelenekseldir. Rusya'da, İmparatorluk tarzının seçkin ustaları, Karl Rossi, Andrei Voronikhin ve Andreyan Zakharov gibi ustalardı.

En önemli klasik tarzdaki iç mekanlar, 1758'de Roma'dan döndükten sonra İskoç mimar Robert Adam tarafından tamamlandı. İtalyan bilim adamlarının arkeolojik araştırmaları ve Piranesi'nin mimari fantezileri onun üzerinde büyük bir etki yarattı. Adam'ın yorumuna göre, klasisizm, Rokoko iç mekanlarına göre karmaşıklık açısından pek de aşağı olmayan bir tarzdı. Bu ona hem toplumun demokratik düşünceli çevreleri arasında hem de aristokrasi arasında ün kazandırdı. Fransız meslektaşları gibi, Adam da yapıcı işlevi olmayan parçaların tamamen reddedilmesini tercih etti. Klasisizm estetiği, büyük ölçekli kentsel planlama projelerine katkıda bulundu ve bir dereceye kadar kentsel gelişimin tüm şehirler ölçeğinde düzenlenmesine katkıda bulundu.

Rusya'da, eyaletlerin çoğunluğu ve neredeyse tamamı ilçe kasabaları klasik rasyonalizm ilkelerine uygun olarak yeniden tasarlandı. Altındaki otantik klasisizm müzeleri açık hava St. Petersburg, Helsinki, Varşova, Dublin, Edinburgh ve diğerleri gibi şehirler döndü. Minusinsk'ten Philadelphia'ya kadar tüm alan boyunca, Palladio'ya kadar uzanan tek bir mimari dil kuruldu. Olağan geliştirme, standart projelerin albümlerine uygun olarak gerçekleştirildi.

Napolyon Savaşlarını takip eden dönemde, klasisizm, özellikle Orta Çağ'da ilginin yeniden canlanması ve mimari neo-Gotik modasıyla birlikte, romantik renkli eklektizmle eşzamanlı olarak var oldu. Rosetta Slab'ın Champollion tarafından keşfiyle bağlantılı olarak, Mısır teması popülerlik kazandı. Antik Roma mimarisine olan ilgi, yavaş yavaş, özellikle Almanya ve Amerika Birleşik Devletleri'nde açıkça ortaya çıkan antik Yunan'daki her şeye saygı duymaya yol açtı. Alman mimarlar Leo von Klenze ve Karl Friedrich Schinkel, Parthenon ruhuyla görkemli müzeler ve diğer kamu binalarıyla sırasıyla Münih ve Berlin'i inşa ediyor. Fransa'da, klasisizmin saflığı, Rönesans ve Barok'un mimari repertuarından ücretsiz ödünç alma yoluyla inceltildi.

Bölüm 1 için Sonuçlar

Barok ve klasisizm üslupları sanatsal kültür XVII-XVIII yüzyıllarda Batı Avrupa. Sanatta bu iki yön, iki yüzyıl boyunca başarılı bir şekilde bir arada var oldu, paralel olarak gelişti ve dönüşümlü olarak lider bir pozisyon işgal etti veya arka planda kayboldu.

Sanat kültüründeki klasisist üslup, antik dünya sanatının bir standart olarak kullanılmasını gerektiriyordu. Klasisizmin doğuşu, oluşumunun doğasını etkileyen ve ulusal üslup çerçevesinde özelliklerin özelliklerine yansıyan burjuva devrimleri - İngiliz ve Fransız - aşamasında gerçekleşti.

V güzel Sanatlar klasisizm, yaşamın sosyal yönünün uyumlu bir şekilde düzenlenmesi fikrini somutlaştırma hedefini takip etti. Sanatsal formlar klasisizm, katı organizasyon, duruş, sadelik ve görüntülerin uyumu özellikleriyle işaretlenir.

Barok tarzın karakteristik özellikleri, planların karmaşıklığı, muhteşem mekansal ve hafif çözümlerle muhteşem iç dekorasyon, birçok eğri, plastik olarak kıvrımlı çizgiler ve yüzeyler, görüntülerin kontrast ve canlı dinamikleri, lüks arzusu, illüzyon ve illüzyon kombinasyonudur. gerçeklik ve sanatların birleşimi. Klasik formlara meydan okuyan Barok üslup, şekillendirmede karmaşıklığı teşvik etti. Mimaride resim ve heykel unsurlarının kullanımı, boyalı duvar yüzeyleri yaygındı.

Barok ideolojisinde, bir adam Pascal'ın sözleriyle "her şey ile hiçbir şey arasında bir şey" olarak ortaya çıktı, "olguların yalnızca görünüşünü yakalayan, ancak ne başlangıcını ne de sonunu anlayamayan kişi".

Le style c "est l" homme("Tarz bir kişidir"). Buffon'un bu özdeyişi, iki değişkeni birbirine bağlayan matematiksel bir ifadeye benzetilebilir. Bağımsız değişken, argüman, bir kişidir ve belirli bir sıralı ifade uygulamaları dizisi olarak stil, bir işlevdir. Bir insan nedir - bir stil de öyle. Bu tanımın tüm evrenselliği için, ortaya çıktığı anın tarihsel bağlamını - “doğal insan” kavramıyla Aydınlanma çağını hesaba katmak gerekir. İkincisi, bildiğiniz gibi, 17. yüzyılın fikirlerinin, Yeni Zamanın bu başlangıcının ve karakteristik stillerinin - klasisizm ve barok'un doğrudan bir gelişimidir. Bu tarzların, onların kombinasyonlarının, tüm Yeni Çağın projesini günümüze kadar içerdiğini söyleyebiliriz.

çok kavram stil(lat. kalem- sopa) ve ilgili bir kavram uyarıcı(lat. uyarıcı, Edebiyat. - hayvanları sürmek için kullanılan sivri uçlu bir çubuk) etimolojik olarak klasisizm ilkeleriyle mükemmel bir şekilde eşleşir. Düz çizgiyi diğerlerine tercih etmek, Kartezyen rasyonalizmin özelliğidir. Çember, Aristotelesçilik ile birlikte ontolojik statüsünü yitirmiş ve yerini sonsuz, niteliksiz, mutlak olarak sayılabilir olana bırakmıştır. Descartes, genel olarak var oldukları ve dolaysız oldukları için dünyada var olan tüm hareketlerin tek yaratıcısının "Tanrı" olduğunu iddia eder. Ancak maddenin farklı konumları bu hareketleri düzensiz ve eğrisel hale getirir. Aynı şekilde, ilahiyatçılar bize Tanrı'nın tüm eylemlerimizin yaratıcısı olduğunu, çünkü var oldukları için ve onlarda iyi bir şey olduğu için öğretiyorlar, ancak iradelerimizin farklı eğilimleri bu eylemleri kısırlaştırabilir ”( Descartes R. Kompozisyonlar: 2 ciltte. M.: Mysl, 1989. Cilt 1. S.205). Bu ifade, Galileo'nun eylemsizlik ilkesine ortodoks teoloji maskesi takma girişimi olarak alınmamalıdır. Descartes'ın kötülük ve özgür irade sorununa ilişkin temel soruna değinmesi tesadüf değildir ve bunu tamamen St. Augustine. A.-I.'ye göre. Marroux, "Augustine'in 17. yüzyılın Fransız bilincinde işgal ettiği en önemli yer hakkında, Kartezyenizmin gelişiminde oynadığı rolden daha iyi hiçbir şey kanıtlanamaz" ( Marru A.-I. Aziz Augustine ve Augustinianizm. Dolgoprudny: Vestkom, 1999. S. 185). Yani St.Petersburg'un "iç adamının" titizliği arasında. Augustinus, mistik ve entelektüel olarak Tanrı'ya, dikkatinin dağılmasına izin verilmeyen en kısa yol boyunca çabalıyor ve Descartes'ın "iç adamının" titizliği ile bir topluluk var. Her şeyden önce, her şeye gücü yeten tarafından yönetilen akıl yoluyla şüphenin üstesinden gelmek için sürekli ihtiyaçtan oluşur. Kartezyen "Tanrı aldatıcı değildir" tezi, Yöntemin doğruluğunu garanti eder. İkincisi, sadece yaklaşık olarak hedefe ulaşma yeteneğinde. St. Augustine, bu, Descartes için Tanrı'nın kavranışıydı - inşaat yoluyla doğa üzerinde hakimiyet kurma. Bu nedenle, çok sayıda olası seçenek ortaya çıkar ve olasılıkçılık Kartezyenizm ( Gaidenko P. Modern Avrupa felsefesinin bilimle bağlantısı içinde tarihi. M.: Üniversite kitabı, 2000.S. 130). Şüphesiz en iyi örnek Doğa üzerindeki Kartezyen tahakküm projesinin uygulanması, A. Le Nôtrome tarafından Versailles parkının düzeni olarak hizmet edebilir ( Likhaçev D.S. Seçilmiş eserler: 3 ciltte. M.: Sanat. yak., 1987.T.3. S.488). Hem insan yapımı bir Cennettir hem de Francis I'e ait olan özlü mutlakiyetçilik formülünün görünür bir düzenlemesidir: “Un roi, une foi, une loi”. "Bir kral, bir inanç, bir yasa" üçlüsü, N. Boileau'nun "Şiirsel Sanat" ından katı kuralları ile üç ışınlı park kompozisyonunun yanı sıra zaman, yer ve eylem birliği ilkesi ile uyumlu olduğu ortaya çıkıyor. türler hiyerarşisi.

Klasisizm ve barok'un uzun süredir bir arada yaşaması bir tesadüf olarak kabul edilemez. Bu eşzamanlılık, doğal olarak, iki tarzın özellikleri ve oluşumundaki önemli farklılıkları ortadan kaldırmayan ara bağlantılarını gösterir. Barok, Rönesans'ın doğrudan mirasçısıydı, ancak açıkça hayal kırıklığına uğramış bir mirasçıydı. İşte, örneğin, A.F. Losev Montaigne hakkında: "Onun" Deneyleri "herhangi bir sistemden yoksundur,<…>antik alıntılarla serpilir, ancak antik çağlardan ilk başta sadece Stoacılar ona yakındı ve sonra sadece şüpheciler yakınlaştı "( Losev A.F. Rönesans estetiği. M.: Mysl, 1978.S. 597). Montaigne, Descartes'ın selefiydi, ancak burada, doğrudan Barok üslubuyla ilgili olarak stoacılık ve şüphecilikten bahsetmeye değer. Klasisizm, belirli bir tek (ama tek mümkün olmayan) biçime tabi olma monizmiyle ortadan kaldırılması gereken, doğa ile insan arasındaki sekülerleştirilmiş bir ikilik biçiminde Augustianizmden yola çıktıysa, o zaman barok, Stoacı Logos'un evrenselliğinden yola çıktı. pneuma nefesiyle doymuş bir organizma şeklinde birlik. Aynı Augustianizm bağlamında, bireysel kişiliğin psikolojik karmaşıklığını vurguladı. Dünya görüşünde, klasisizmin doğasında bulunan katı monofonik evrensellik hiyerarşisi yerine, aynı form veya temanın çoklu varyasyonlarının olasılığını ilan eden çok sesli bir plastisite evrenselliği ortaya çıktı. Bach fügünün kesintisiz çalışması "Faustçu" adama eşlik eder. Tarihsel bir fenomen olarak Barok, klasisizmden önce geldi, ancak stil değiştirmeye yönelik daha sonraki beklentiler açısından, klasisizmin öncülü değil mirasçısı olarak kabul edilmelidir. Barok'un ortaya çıkışının Karşı Reform ile ilişkili olduğu iyi bilinmektedir. Cizvit Tarikatı'nın kanunları ve hedefleri, ifadesini tam olarak Barok tarzında buldu. G. Vignola'nın projesine göre inşa edilen Roma'daki (1568-1584) Il Gesu'nun ana Cizvit tapınağını hatırlamak yeterlidir. Bu ilk olabilir tipik Paraguay'dan Livonia'ya kadar olan bölgelerde uygulanan mimarlık tarihindeki proje. Barok'un ana özelliği - aldatmacası, simülatifliği, ona hayranlarına ve düşmanlarına "İsa'nın askerleri" - doğasında var olan emek kültüyle Protestanlara dönüşme fırsatı verdi. “J. Deleuze'ün belirttiği gibi Barok, sonsuz bir üretim ya da sonsuz bir çalışma süreci icat eder. Sorun, kıvrımın nasıl tamamlanacağı değil, nasıl devam ettirileceği, onunla tavanın nasıl geçileceği, onu sonsuza yönlendireceğidir ”( Deleuze J. Fold, Leibniz ve Barok. M.: Logolar, 1997.S. 63). Bu nedenle, arkasında sayıların ve işlevlerin simetrisinin gizlendiği karmaşık formlar ve kontrpuan, Püritenlerin erdemlerini yüceltmeyi başardı (örneğin, GF Handel'in oratoryosu “Judas Maccabee”). Eski Ahit konularının kullanımı da Barok edebiyatının karakteristiğidir. J. Milton tarafından Kayıp Cennet ve P. Calderon tarafından Dünyanın En Büyük Canavarı. Hür irade ile Hukukun çatışmasından doğan felaket teması, dönemin trajik türüne hakimdir. Aynı zamanda, Kanun anlayışı çok eklektiktir: Eski Ahit, Gnostik ve rasyonalist olabilir. V son durum klasisizm ile bir çakışma bulunur. Barok'un Gnostik özellikleri, tezahürlerini, yalnızca dönemin literatüründe kanıtlandığı gibi, astroloji ve simyaya olan hayranlıkta buldu. Bu yüzden I. Kepler astrolojiye bağlılığını asla gizlemedi, hatta ona geçim kaynağı olarak hizmet etti. I. Newton bu konuda ve Teslis karşıtlığı konusunda sessiz kalmayı tercih etti. Bununla birlikte, Newton fizik programı yalnızca matematikle (rasyonel Kartezyen anlayışında) değil, aynı zamanda yaratıcısının çok şey çıkarabildiği simya ruhuyla da doyurulur. bilimsel fikirler (Dmitriev I.S. Bilinmeyen Newton. Dönemin arka planında siluet. SPb.: Aleteya, 1999). Descartesçıların sihir ilkesinin yeniden canlanmasıyla ilgili kesinlikle haklı sitemlerine - "Hipotezler icat etmem" - verdiği ünlü yanıt, bir gerçeklikten başka bir şey değildir.

Barok'un karakteristiği olan çeşitli teknolojilerin kullanımı yoluyla karşıtlık ve dış inandırıcılık arayışı, onun en derin karamsarlığından kaynaklanmaktadır. “Geri kalan bölümlerde komedi ne kadar güzel olursa olsun, - diye yazdı Pascal - son perde her zaman kanlıdır. Kafanıza toprak atın - ve sonsuza kadar son!" ( Pascal B. Düşünceler. M.: REFL-book, 1994.S. 256). Bu nedenle, natürmort tutkusu ve Rubens'in çıplaklığının hipertrofik canlılığı. Yapay olanın ironisi ve cazibesi, ölümle konuşmaya ve dünyayı hileli bir şekilde ele geçirmeye çalışır. Bu anlamda modernitemiz, kontrast ve sentetik (klonlamaya kadar) tutkusuyla Barok akımını sürdürüyor. J. Baudrillard, “Sıva kalıplama, bilim ve teknolojinin muzaffer bir yükselişi olarak düşünülebilir, ancak aynı zamanda ve her şeyden önce barok ile ilişkilidir.<…>Burada tüm teknoloji ve teknokrasi zaten ortaya konmuştur - evrensel bir tözün icadında ve tözlerin evrensel kombinatoriklerinde ifadesini bulan dünyanın ideal yanlışlığı varsayımı "( Baudrillard J. Sembolik değişim ve ölüm. M.: Dobrosvet, 2000.S. 116).

Klasisizm ve esnek barok'un katı ilkelerinin birleşimi, sonraki tüm stillerde görülebilir. Bazılarının diğerleri üzerindeki egemenliği, yalnızca en yüksek verimliliği sağlaması gereken taktik düşüncelerle belirlenir. Balzac'ın Vautrin'i, genç Rastignac'a hitaben bu “ağır emekçi Napolyon”, “Buraya nasıl geldiklerini biliyor musunuz? Bu insan kitlesine bir gülle ile çarpmak veya bir veba gibi nüfuz etmek gerekiyor. " Klasisizm birincisi, barok - ikincisi ile karşılaştırılabilir. Her ikisi de Yeni İnsan'ın oluşumu için Yeni Çağ'ın araçlarıydı. Dolayısıyla, fütüristlerin projeleriyle ve ciddi olanın pathos'u Le Corbusier ile klasisizmin baskınlığı modernitede görülebilir. Postmodernite barok teknikleri tercih eder. İkili kodların ve deterministik kaosun diline geçer. Çevre için endişe gösterir ve dünyayı simüle eden bir bilgi ağları ağı ile kaplar. dayanılmaz hafiflik olmak ".