Sama historia dowodzi, że sztuka klasyczna jest wieczna. Jego ideały powstały w starożytnym świecie. Czas mijał, imperia upadały, pokolenia następowały po pokoleniach. Po epoce średniowiecza, uważanej za okres dekadencki, sztuka europejska zwraca się ku ideałom przeszłości i zaczyna czerpać je właśnie ze starożytnego dziedzictwa. Początek nowego etapu w kulturze, aw szczególności w architekturze i wystroju, zapoczątkował w XVI wieku włoski renesans. We wnętrzach pałaców pojawił się niespotykany dotąd luksus i dekoracyjność, reprezentowana przez poszczególne elementy pochodzące z epoka starożytna. XVII wiek był okresem rozkwitu klasyków. Swoje żywe wcielenie we wnętrzach francuskich pałaców osiągnął za panowania Ludwika XVII. Wtedy powstał wspaniały Wersal. Ten sam wiek dał różne kierunki stylistyczne klasyków - barok, rokoko, imperium itp.

Klasyka i klasycyzm we wnętrzu

Nawiasem mówiąc, w opisie sztuki wnętrz często używa się terminów „klasyczny” i „klasycyzm”. Czy jest między nimi zasadnicza różnica? Nie wchodząc w rozważania teoretyczne, zaznaczmy: istnieje pogląd, że klasycyzm różni się od klasyki tym, że nie jest koncepcją jakościową, ale funkcjonalną, która odzwierciedla szczególny typ myślenia artystycznego opartego na pragnieniu integralności, przejrzystości, prostota, równowaga i logika. W architekturze i sztuce wnętrz często używa się pojęcia klasycyzmu, gdy rozmawiamy o interpretacji starożytnego dziedzictwa. A pojęcie „klasyczny” uogólnia różne gałęzie sztuka klasyczna- barok, francuski klasycyzm, rokoko, imperium itp. Należy uczciwie zauważyć, że sama koncepcja „klasycyzmu” pojawiła się dopiero w XIX wieku, kiedy ta era już się kończyła i rozpoczęli swoją działalność wyznawcy romantycznego kierunku bezkompromisowa walka z nim.

Barok we wnętrzu

Styl barokowy powstał w czasach jednego z najwspanialszych mistrzów włoskiego renesansu - Michała Anioła Buonarrotiego w XVI wieku. Barok w pełni ujawnił się we Francji i trwał do połowa osiemnastego roku stulecie. Powaga, dynamizm, malowniczość - to, co charakterystyczne dla baroku. Jego ulubione kształty to zakrzywione, owalne, skręcone. Wyglądają jak elementy architektoniczne, a w meblach, dodatkach, indywidualnych detalach. Nic dziwnego, że słowo „barok” pochodzi od portugalskiego perola barroca – „perła o dziwacznym kształcie”. Dekoracja wnętrza jest celowo przeładowana dekoracją: sztukaterią, złoconymi rzeźbionymi bagietkami, intarsjami itp. Luksus szaleje we wszystkich swoich przejawach.

Rokoko we wnętrzu

Rokoko pojawiło się we Francji na początku XVIII wieku i trwało prawie do końca tego stulecia. Niektórzy uważali to za „przerzedzenie” baroku. Ale w rzeczywistości ich estetyka nie ma uderzających różnic. Rokoko, podobnie jak barok, sprzyja luksusowi i dekoracyjnemu nasyceniu wnętrza. Efektowność jest tym, do czego rokoko wykorzystało wszystkie znane mu elementy baroku. Ale rokokowy ornament wybiera wektor jego myśli artystycznej. Ten styl charakteryzuje się złożonymi ułamkowymi asymetrycznymi rysunkami, których ulubionymi motywami są kwieciste loki, amorki, rocaille itp. Pełen wdzięku sztukaterię stosuje się również w postaci bujnych girland z kwiatów, zakrzywionych gałęzi, ptaków itp.

angielski klasyczny

Klasyka angielska, czyli styl wiktoriański – tak podwójna nazwa wynika z faktu, że angielska klasyka ukształtowała się za panowania królowej Wiktorii (1837-1901). Wszystko zaczęło się od tego, że wyłaniający się styl zaczął wypróbowywać wszystkie istniejące wcześniej trendy - rokoko, imperium, neoklasycyzm itp., Był nawet ruch „renesansu gotyckiego”. Taki eklektyzm, postrzegany przez niektórych badaczy jako dowód konwencjonalności stylu wiktoriańskiego (są propozycje nawet wyodrębnienia tej definicji w cudzysłowie), nadał jednak anglojęzycznej klasyce indywidualny charakter. Atmosfera angielskiego domu odpowiada pragnieniu ówczesnej angielskiej arystokracji dostatniego i wyważonego życia. Pomieszczenia wypełnione są różnymi dekoracyjnymi detalami. Meble są masywne i wykonane z naturalnych materiałów. Drewno w postaci paneli zostało również wykorzystane do dekoracji ścian. Popularnymi akcesoriami były antyki, zestawy porcelanowe, obrazy przedstawiające psy i konie oraz rzeźby. Ulubione kolory angielskich klasyków to żółty, beżowy, czerwony, ceglany, zielony. Wystrój takiego wnętrza nie może się obyć bez kwiecistych wzorów na zasłonach, obiciach mebli i obrusach, a także bez lakonicznej, jasnej kratki na tradycyjnej angielskiej kratce. Obowiązkowym meblem w tej epoce był regał, czyli biblioteka. I oczywiście kominek, który ogrzewa mieszkańców Foggy Albion. Wnętrze w angielski styl dla wielu może wydawać się ciężki, przeszłość wydaje się w niej zamrożona, tylko zegar dziadka, głośno bijący co godzinę (jeden z kluczowych tematów angielskiej klasyki), przypomina o nieustannym upływie czasu.

Tekst - Natalia Novikova

Wstęp……………………………………………………………………

Barokowy……………………………………………………………

Klasycyzm………………………………………………………..

Romantyzm…………………………………………………………

Realizm…………………………………………………………….

Bibliografia………………………………

Wstęp.

Historia sztuki charakteryzuje się zmianą różnych stylów i kierunków.

Pod styl artystyczny zrozumieć całość wszystkich środków artystyczna ekspresja, wszystkie techniki twórcze, które generalnie tworzą pewien system figuratywny.

Styl jako jeden system figuratywny oparty na jedności treści ideologiczne, który generuje jedność wszystkich elementów formy artystycznej, wszelkich środków plastycznych i wyrazowych. Tak więc słowo „styl” oznacza tę widzialną, namacalną oryginalność, która przede wszystkim rzuca się w oczy i dzięki której można od razu określić różnicę między jednym zjawiskiem w sztuce a innymi.

Same te zjawiska są nieskończenie różnorodne: możemy mówić o stylu pojedynczego dzieła lub grupy dzieł, o stylu jednostki, autora, o stylu poszczególnych krajów, ludów, regionów geograficznych.

Najczęściej jednak pojęcie „stylu artystycznego” oznacza duże, „historyczne” style pewnych epok, kiedy jedność treści społeczno-historycznych determinuje trwałą jedność zasad, środków i technik artystycznych i figuratywnych.

W dziedzinie sztuki w druga połowa XVII wieku. nastąpił rozkwit stylu barokowy, co było ściśle związane z ówczesną kulturą kościelną i arystokratyczną. Przejawiała tendencje do gloryfikowania życia, całego bogactwa prawdziwego życia. Malarstwo, rzeźba, architektura, muzyka barokowa gloryfikowały i gloryfikowały monarchów, kościół i szlachtę.

W sztuce i literaturze europejskiej kanonizowano inny rodzaj estetyki, w przeciwieństwie do środków artystycznych baroku. klasycyzm. Ściśle związany z kulturą renesansu klasycyzm zwracał się do starożytnych norm sztuki jako wzorców doskonałych, cechowała go racjonalistyczna jasność i rygoryzm.

Pierwsza połowa XIX wieku stał się czasem intensywnego rozwoju kultury duchowej. Wśród jego różnorodnych przejawów najbardziej zauważalny rozkład był: romantyzm z wyjątkową wszechstronnością. W dziedzinie twórczości artystycznej odcisnął się wyraźnie w postaci nurtu w literaturze, sztukach plastycznych, muzyce, teatrze. Jednocześnie romantyzm był pewnym światopoglądem: powstał romantyczny nurt rozwinięty w dziedzinie idei filozoficznych i estetycznych, nauk historycznych romantyczny typ osobowość i zachowanie.

W latach 30-40 XIX wieku. wraz z romantyzmem w fikcji i malarstwie, realizm. Dzieła pisarzy-realistów Balzaca, Stendhala, Dickensa, Thackeraya i innych wyróżniają się wyjątkowo szerokim ujęciem rzeczywistości i przewagą problemów społecznych. Życie społeczeństwa w jego najróżniejszych przejawach, życie, obyczaje, psychologia osób należących do różne klasy, nigdy nie doczekały się w literaturze tak wieloaspektowego odbicia.

Historyczno-kulturowe procesy New Age – rozwój kapitalizmu, postęp naukowy i technologiczny, ustrój społeczny zbudowany na zasadach liberalnej demokracji, idee i wartości oświecenia i pozytywizmu, estetyka wielkich stylów XVII- XIX wieki (barok, rokoko, sentymentalizm, klasycyzm, romantyzm, realizm) - miały decydujący wpływ na kształtowanie się współczesnego świata.

Barokowy.

Barokowy (włoski barocco - „błędny”, „rozwiązły”, „nadmierny”, port. perola barroca - „perła o nieregularnym kształcie” (dosłownie „perła z imadlem”); istnieją inne założenia dotyczące pochodzenia tego słowa) - cecha charakterystyczna kultury europejskiej XVII-XVIII wieku, której centrum stanowiły Włochy. Styl barokowy pojawił się w XVI-XVII wiek we włoskich miastach: Rzymie, Mantui, Wenecji, Florencji. Epokę baroku uważa się za początek triumfalnego pochodu „cywilizacji zachodniej”. Barok charakteryzuje kontrast, napięcie, dynamiczne obrazy, afektacja, dążenie do wielkości i przepychu, do łączenia rzeczywistości z iluzją, do fuzji sztuk (zespoły miejskie i pałacowo-parkowe, opera, muzyka kultowa, oratorium); jednocześnie - tendencja do autonomii poszczególnych gatunków (concerto grosso, sonata, suita w muzyce instrumentalnej).

Ideologiczne podstawy stylu powstały w wyniku szoku, podobnie jak w XVI wieku. Reformacja i Kopernik. Zmieniło się utrwalone w starożytności pojęcie świata jako racjonalnej i trwałej jedności, a także renesansowa idea człowieka jako istoty najbardziej racjonalnej. Człowiek zaczął rozpoznawać siebie jako „coś pomiędzy wszystkim a niczym”, mówiąc słowami Pascala, „tego, który wyłapuje tylko pozory zjawisk, ale nie jest w stanie zrozumieć ani ich początku, ani końca”.

Epoka baroku daje początek ogromnej ilości czasu na rozrywkę: zamiast pielgrzymek – promenada (spacery po parku); zamiast turniejów rycerskich – „karuzele” (przejażdżki konne) i gry karciane; zamiast tajemnic teatr i bal maskowy. Możesz dodać wygląd huśtawek i „ognistej zabawy” (fajerwerki). We wnętrzach ikony zajęły portrety i pejzaże, a muzyka z duchowej zamieniła się w przyjemną grę dźwięków.

Epoka baroku odrzuca tradycję i autorytet jako przesądy i uprzedzenia. Wszystko, co jest „jasne i wyraźne”, jest pomyślane lub ma matematyczne wyrażenie, jest prawdziwe, deklaruje filozof Kartezjusz. Dlatego barok to wciąż wiek Rozumu i Oświecenia. Nieprzypadkowo słowo „barok” bywa stawiane na oznaczenie jednego z rodzajów wnioskowania w logice średniowiecznej – baroku. Pierwszy europejski park pojawia się w Wersalu, gdzie idea lasu wyrażona jest w najbardziej matematyczny sposób: aleje lipowe i kanały wydają się być narysowane na linijce, a drzewa przycięte są w sposób stereometryczny. Po raz pierwszy ubrana w mundur barokowej armii, dużą wagę przywiązuje się do „wiertła” – geometrycznej poprawności konstrukcji na placu apelowym.

człowiek barokowy odrzuca naturalność, utożsamianą z dzikością, arogancją, tyranią, brutalnością i ignorancją – wszystko to, co w dobie romantyzmu stanie się cnotą. Kobieta w stylu barokowym pielęgnuje bladość skóry, nosi nienaturalną, plisowaną fryzurę, gorset i sztucznie przedłużoną spódnicę na fiszbinach. Ona jest w szpilkach.

A dżentelmen staje się ideałem człowieka w epoce baroku – z Anglików. delikatny: „miękki”, „delikatny”, „spokojny”. Początkowo wolał golić wąsy i brodę, perfumować się i nosić pudrowane peruki. Po co zmuszać, skoro teraz zabijają, naciskając spust muszkietu. W epoce baroku naturalność jest synonimem brutalności, dzikości, wulgarności i ekstrawagancji. Dla filozofa Hobbesa stan natury to stan charakteryzujący się anarchią i wojną wszystkich ze wszystkimi.

Barok charakteryzuje się ideą uszlachetniania natury w oparciu o rozum. Potrzeba nie jest tolerowana, ale „dobrze jest ofiarować słowami miłymi i uprzejmymi” (Młodość, uczciwe lustro, 1717). Według filozofa Spinozy instynkty nie stanowią już treści grzechu, ale „samą istotę człowieka”. Dlatego apetyt kształtuje się znakomicie etykieta stołu(w epoce baroku pojawiły się widelce i serwetki); zainteresowanie płcią przeciwną - w kurtuazyjnym flircie, kłótnie - w wyrafinowanym pojedynku.

Barok charakteryzuje się ideą śpiącego Boga – deizmem. Bóg nie jest pojmowany jako Zbawiciel, ale jako… Wielki Architekt który stworzył świat niczym zegarmistrz, tworzy mechanizm. Stąd taka cecha światopoglądu barokowego, jak mechanizm. Prawo zachowania energii, absolutność przestrzeni i czasu gwarantuje słowo Boże. Jednak po stworzeniu świata Bóg odpoczął od swoich trudów i w żaden sposób nie ingeruje w sprawy Wszechświata. Nie ma sensu modlić się do takiego Boga – można się tylko od Niego uczyć. Dlatego prawdziwymi strażnikami Oświecenia nie są prorocy i kapłani, ale przyrodnicy. Isaac Newton odkrywa prawo powszechnego ciążenia i pisze fundamentalną pracę „Matematyczne zasady filozofii naturalnej” (1689), a Carl Linnaeus systematyzuje biologię „System natury” (1735). Wszędzie w stolice europejskie Powstają akademie nauk i towarzystwa naukowe.

Różnorodność percepcji podnosi poziom świadomości – jak mówi filozof Leibniz. Galileusz po raz pierwszy kieruje teleskop na gwiazdy i udowadnia obrót Ziemi wokół Słońca (1611), a Leeuwenhoek odkrywa pod mikroskopem maleńkie żywe organizmy (1675). Ogromne żaglówki przemierzają przestrzenie oceanów świata, wymazując białe plamy z geograficznych map świata. Literackimi symbolami epoki są podróżnicy i poszukiwacze przygód: ​​Kapitan Gulliver i Baron Munchausen.

Athenais de Montespan

Styl barokowy w malarstwie charakteryzujący się dynamizmem kompozycji, „płaskością” i przepychem form, arystokracją i oryginalnością wątków. Najbardziej charakterystycznymi cechami baroku są chwytliwe ekstrawagancja i dynamika; uderzającym przykładem jest praca Rubensa i Caravaggia.

Michelangelo Merisi (1571-1610), który od urodzenia pod Mediolanem otrzymał przydomek Caravaggio, uważany jest za najważniejszego mistrza wśród włoskich artystów tworzących pod koniec XVI wieku. nowy styl w malarstwie. Jego obrazy, malowane na tematy religijne, przypominają realistyczne sceny ze współczesnego życia autora, tworząc kontrast między późnym antykiem a współczesnością. Bohaterowie ukazani są w półmroku, z którego promienie światła wyrywają wyraziste gesty bohaterów, kontrastując z ich specyfiką. Zwolennicy i naśladowcy Caravaggia, zwani początkowo caravaggiami, a sam nurt karawagizmu, tacy jak Annibale Carracci (1560-1609) czy Guido Reni (1575-1642), przejęli zamieszki uczuć i charakterystyczną dla Caravaggia manierę , a także naturalizm w przedstawianiu ludzi i wydarzeń.

Peter Paul Rubens (1577-1640) na początku XVII wieku. studiował we Włoszech, gdzie nauczył się stylu Caravaggia i Carraci, choć przybył tam dopiero po ukończeniu kursu w Antwerpii. Z radością łączył najlepsze cechy szkół malarskich Północy i Południa, łącząc w swoich płótnach to, co naturalne i nadprzyrodzone, rzeczywistość i fantazję, naukę i duchowość. Oprócz Rubensa międzynarodowe uznanie zdobył inny mistrz flamandzkiego baroku van Dyck (1599-1641). Wraz z dziełem Rubensa nowy styl dotarł do Holandii, gdzie podchwycili go Frans Hals (1580/85-1666), Rembrandt (1606-1669) i Vermeer (1632-1675). W Hiszpanii, na sposób Caravaggia, pracował Diego Velasquez (1599-1660), a we Francji - Nicolas Poussin (1593-1665), który niezadowolony ze szkoły barokowej położył podwaliny pod nowy nurt w swojej twórczości - klasycyzm.

Dla architektury barokowej(L. Bernini, F. Borromini we Włoszech, B. F. Rastrelli w Rosji, Jan Christoph Glaubitz w Rzeczypospolitej) charakteryzują się rozpiętością przestrzenną, fuzją, płynnością złożonych, zwykle krzywoliniowych form. Często spotykane są wielkoformatowe kolumnady, mnóstwo rzeźb na fasadach i we wnętrzach, woluty, duża ilość grabi, fasady łukowe z grabią pośrodku, boniowane kolumny i pilastry. Kopuły nabywają złożone kształty, często są wielopoziomowe, jak w katedrze św. Piotra w Rzymie. Charakterystyczne detale baroku - telamon (atlas), kariatyda, maszkaron.

W architekturze włoskiej najwybitniejszym przedstawicielem sztuki barokowej był Carlo Maderna (1556-1629), który zerwał z manieryzmem i stworzył własny styl. Jego głównym dziełem jest fasada rzymskiego kościoła Santa Susanna (1603). Główną postacią w rozwoju rzeźby barokowej był Lorenzo Bernini, którego pierwsze arcydzieła wykonane w nowym stylu pochodzą z około 1620 roku. Bernini jest również architektem. Jest właścicielem dekoracji placu katedry św. Piotra w Rzymie oraz wnętrz i innych budowli. Istotny wkład wnieśli D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longhena, L. Vanvitelli, P. da Cortona. Na Sycylii po wielkim trzęsieniu ziemi w 1693 roku pojawił się nowy styl późnego baroku – barok sycylijski.

Kwintesencją baroku, imponującą fuzją malarstwa, rzeźby i architektury, jest kaplica Coranaro w kościele Santa Maria della Vittoria (1645-1652).

Styl barokowy rozprzestrzenia się w Hiszpanii, Niemczech, Belgii (wtedy Flandrii), Holandii, Rosji, Francji, Rzeczypospolitej. hiszpański barok, czyli lokalne churrigueresco (na cześć architekta Churriguera), które rozpowszechniło się również w Ameryka Łacińska. Jego najpopularniejszym zabytkiem jest katedra w Santiago de Compostela, która jest również jednym z najbardziej czczonych przez wierzących kościołów w Hiszpanii. W Ameryce Łacińskiej barok zmieszany z lokalnymi tradycjami architektonicznymi jest jego najbardziej pretensjonalną wersją i nazywa się go ultrabarokiem.

We Francji styl barokowy jest wyrażany skromniej niż w innych krajach. Wcześniej uważano, że styl w ogóle się tu nie rozwinął, a barokowe zabytki uważano za zabytki klasycyzmu. Czasami termin „klasycyzm barokowy” jest używany w odniesieniu do francuskiej i angielskiej wersji baroku. Obecnie Pałac Wersalski wraz z regularnym parkiem, Pałac Luksemburski, budynek Akademii Francuskiej w Paryżu i inne dzieła są uważane za francuski barok. Naprawdę mają pewne cechy klasycyzmu. charakterystyczna cecha Styl barokowy jest regularnym stylem w sztuce krajobrazowej, czego przykładem jest park w Wersalu.

Później, na początku XVIII wieku. Francuzi wypracowali własny styl, rodzaj baroku – rokoko. Przejawiało się to nie w projektowaniu zewnętrznym budynków, ale tylko we wnętrzach, a także w projektowaniu książek, odzieży, mebli, malarstwa. Styl był rozpowszechniany w całej Europie i Rosji.

W Belgii wybitny pomnik barok to Grand Place Ensemble w Brukseli. Dom Rubensa w Antwerpii, zbudowany według własnego projektu artysty, ma cechy barokowe.

Barok pojawił się w Rosji już w XVII wieku („barok naryszkiński”, „barok golicyński”). W XVIII wieku, za panowania Piotra I, rozwinął się w Petersburgu i na jego przedmieściach w dziele D. Trezziniego – tak zwany „barok Piotrowy” (bardziej powściągliwy), a rozkwitł za panowania Elżbiety Pietrowna w twórczości SI Chevakinsky'ego i B. Rastrelli.

W Niemczech wyróżniającym się zabytkiem barokowym jest Nowy Pałac w Sanssouci (autorzy – I.G. Bühring, H.L. Manter) oraz Pałac Letni w tym samym miejscu (G.W. von Knobelsdorff). Największe i najbardziej znane zespoły barokowe na świecie: Wersal (Francja), Peterhof (Rosja), Aranjuez (Hiszpania), Zwinger (Niemcy), Schönbrunn (Austria). W Wielkim Księstwie Litewskim rozpowszechnił się barok sarmacki i barok wileński, największym przedstawicielem był Jan Christoph Glaubitz. Wśród jego słynne projekty- przebudowany Kościół Wniebowstąpienia Pańskiego (Wilno), Sobór św. Zofii (Połock) itp.

Carlo Maderna Kościół św. Zuzanny, Rzym

Klasycyzm.

Klasycyzm (klasycyzm francuski, z łac. classicus - wzorowy) - styl artystyczny i nurt estetyczny w sztuce europejskiej XVII-XIX wieku.

Klasycyzm opiera się na ideach racjonalizmu, które powstały równolegle z tymi samymi ideami w filozofii Kartezjusza. Dzieło sztuki, z punktu widzenia klasycyzmu, powinno być budowane w oparciu o ścisłe kanony, ujawniając tym samym harmonię i logikę samego wszechświata. Zainteresowanie klasycyzmem jest tylko wieczne, niezmienne - w każdym zjawisku stara się rozpoznać tylko istotne, typologiczne cechy, odrzucając przypadkowe pojedyncze znaki. Estetyka klasycyzmu przywiązuje dużą wagę do społecznej i edukacyjnej funkcji sztuki. Klasycyzm czerpie wiele zasad i kanonów ze sztuki antycznej (Arystoteles, Horacy).

Klasycyzm ustanawia ścisłą hierarchię gatunków, które dzielą się na wysokie (ode, tragedia, epopeja) i niskie (komedia, satyra, bajka). Każdy gatunek ma ściśle określone cechy, których mieszanie jest niedozwolone.

Jako pewien kierunek powstał we Francji w XVII wieku. Francuski klasycyzm uznał osobowość człowieka za najwyższą wartość bytu, uwalniając go od wpływów religijnych i kościelnych. Rosyjski klasycyzm nie tylko przyjął teorię zachodnioeuropejską, ale także wzbogacił ją o cechy narodowe.

Główną cechą architektury klasycyzmu odwoływano się do form starożytnej architektury jako wzorca harmonii, prostoty, rygoru, logicznej przejrzystości i monumentalności. Architektura klasycyzmu jako całości charakteryzuje się regularnością planowania i klarownością formy wolumetrycznej. Porządek w proporcjach i formach zbliżonych do starożytności stał się podstawą architektonicznego języka klasycyzmu. Klasycyzm charakteryzuje symetryczne osiowe kompozycje, powściągliwość dekoracyjnej dekoracji i regularny system urbanistyczny.

Architektoniczny język klasycyzmu został sformułowany pod koniec renesansu przez wielkiego mistrza weneckiego Palladio i jego następcę Scamozziego. Wenecjanie tak bardzo absolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej, że zastosowali je nawet przy budowie tak prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones przeniósł palladianizm na północ do Anglii, gdzie lokalni palladiańscy architekci stosowali się do wskazań Palladia z różnym stopniem wierności aż do połowy XVIII wieku.

Najważniejsze wnętrza w stylu klasycyzmu zaprojektował Szkot Robert Adam, który w 1758 roku powrócił do ojczyzny z Rzymu. Był pod wielkim wrażeniem zarówno badań archeologicznych włoskich naukowców, jak i architektonicznych fantazji Piranesiego. W interpretacji Adama klasycyzm był stylem niewiele ustępującym rokokowi pod względem wyrafinowania wnętrz, co przysporzyło mu popularności nie tylko wśród demokratycznych środowisk społecznych, ale także wśród arystokracji. Podobnie jak jego francuscy koledzy, Adam głosił całkowite odrzucenie szczegółów pozbawionych funkcji konstruktywnej.

Francuz Jacques-Germain Soufflot podczas budowy kościoła św. Ogromna wielkość jego projektów zapowiadała megalomanię imperium napoleońskiego i późnego klasycyzmu. W Rosji zmierza w tym samym kierunku co Soufflet Bażenow. Francuzi Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boulet poszli jeszcze dalej w kierunku rozwoju radykalnego stylu wizjonerskiego z naciskiem na abstrakcyjną geometryzację form. W rewolucyjnej Francji ascetyczny patos obywatelski ich projektów na niewiele się przydał; Innowacja Ledoux została w pełni doceniona dopiero przez modernistów XX wieku.

Teatr Bolszoj w Warszawie.

Muzyka okresu klasycznego lub muzyka klasycyzmu, odnosi się do okresu w rozwoju muzyki europejskiej około 1730-1820. Pojęcie klasycyzmu w muzyce jest stale kojarzone z twórczością Haydna, Mozarta i Beethovena, których nazywa się klasykami wiedeńskimi i wyznaczają kierunek dalszego rozwoju kompozycji muzycznej.

Impuls do rozwoju rzeźby klasycznej w połowie XVIII wieku służyły pisma Winckelmanna i wykopaliska archeologiczne starożytnych miast, poszerzające wiedzę współczesnych o rzeźbie antycznej. Na pograniczu baroku i klasycyzmu we Francji fluktuowali tacy rzeźbiarze jak Pigalle i Houdon. Klasycyzm osiągnął najwyższe ucieleśnienie w dziedzinie plastyki w heroicznych i idyllicznych dziełach Antonia Canovy, czerpiącego inspirację głównie z posągów epoki hellenistycznej (Praksytelesa). W Rosji Fedot Shubin, Michaił Kozłowski, Borys Orłowski, Iwan Martos skłaniali się ku estetyce klasycyzmu.

Pomniki publiczne, które rozpowszechniły się w epoce klasycyzmu, dały rzeźbiarzom możliwość idealizowania sprawności militarnej i mądrości mężów stanu. Lojalność wobec antycznego modelu wymagała od rzeźbiarzy przedstawiania modeli nago, co było sprzeczne z przyjętymi normami moralnymi. Aby rozwiązać tę sprzeczność, postacie nowoczesności początkowo przedstawiali rzeźbiarze klasycyzmu w postaci nagich starożytnych bogów: Suworowa w postaci Marsa i Poliny Borghese w postaci Wenus. Za czasów Napoleona problem rozwiązano, przechodząc do wizerunku współczesnych postaci w antycznych togach (m.in. figury Kutuzowa i Barclay de Tolly przed Soborem Kazańskim).

Antonio Canovy. Kupidyn i Psyche (1787-1793, Paryż, Luwr)

Różnice między barokiem a klasycyzmem.

W epoce klasycyzmu, która nastąpiła po epoce baroku, rola polifonii polifonicznej zmalała i wysunęła się na pierwszy plan polifonia homofoniczna
( z greckiego „homos” – „jeden” i „fone” – „dźwięk”, „głos”)

w odróżnieniu polifonia, gdzie wszystkie głosy są równe, polifonia homofoniczna wyróżnia się jeden, działający główny temat, a reszta gra rolę akompaniament(akompaniament). Akompaniament to zazwyczaj system akordów (harmonie). Stąd nazwa nowego sposobu komponowania muzyki – harmoniczne homofoniczne.

W muzyce jest mniej zdobnictwa i zdobnictwa. Utwory stały się bardziej harmonijne, klarowne w strukturze, zwłaszcza te pisane forma sonatowa.

W epoce barokowy w utworze muzycznym każda z części koncentrowała się na ekspresji i ujawnieniu jeden jasno narysowany zmysły, co zostało rozwiązane za pomocą prezentacji jeden temat, który się zmienił (różny) w całej części i w epoce klasycyzm w jednej części pracy ujawnił się wiele emocji, które zostały wyrażone za pomocą prezentacji i opracowania dwa lub więcej tematy o różnej treści figuratywnej.

Muzyka wczesnego baroku (1600-1654)

Rozwój opery włoskiej przez włoskiego kompozytora można uznać za warunkowy punkt przejścia między epoką renesansu i baroku. Claudio Monteverdi (1567-1643).

Kompozytor urodził się we włoskim mieście Cremona w rodzinie lekarza. Jako muzyk Monteverdi rozwijał się w młodości. Pisał i wykonywał madrygały; grał na organach, altówce i innych instrumentach. Monteverdi studiował kompozycję muzyczną u znanych wówczas kompozytorów. W 1590 jako śpiewak i muzyk został zaproszony do Mantui na dwór księcia Vincenza Gonzagi; on później kierował kaplica dworska. W 1612 Monteverdi opuścił służbę w Mantui, a od 1613 osiadł w Wenecji. W dużej mierze dzięki Monteverdiemu w 1637 roku w Wenecji otwarto pierwszą na świecie operę publiczną. Tam kompozytor poprowadził kaplicę katedry św. Marka. Przed śmiercią Claudio Monteverdi przyjął święcenia kapłańskie.

Po studiach opera Renesansowi kompozytorzy Peri i Caccini Monteverdi tworzyli własne dzieła operowe. Już w pierwszych operach – „Orfeusz” (1607) i „Ariadna” (1608) – udało się kompozytorowi środki muzyczne przekazywać głębokie i namiętne uczucia, tworzyć czas dramatyczna akcja. Monteverdi jest autorem wielu oper, ale przetrwały tylko trzy – „Orfeusz”, „Powrót Ulissesa do ojczyzny” (1640; oparty na fabule starożytnego greckiego poematu epickiego „Odyseja”) i „Koronacja Poppei” ( 1642).

Opery Monteverdiego harmonijnie łączą muzykę i tekst. W sercu opery monolog – recytatyw (od t. recitare – „recytować”), w którym recytowane każde słowo, a muzyka elastycznie i subtelnie oddaje odcienie nastroju. Monologi, dialogi i epizody chóralne płynnie przenikają się, akcja rozwija się powoli (trzy-cztery akty w operach Monteverdiego), ale dynamicznie. Kompozytor przypisał orkiestrze ważną rolę. Na przykład w „Orfeuszu” wykorzystał niemal wszystkie znane wówczas instrumenty. muzyka orkiestrowa nie tylko towarzyszy śpiewowi, ale sama opowiada o wydarzeniach rozgrywających się na scenie i przeżyciach bohaterów. Po raz pierwszy pojawił się w Orfeuszu uwertura(uwertura francuska lub łacińska apertura - „otwarcie”, „początek”)- instrumentalne wprowadzenie do ważnego utworu muzycznego. Opery Claudio Monteverdiego wywarły znaczący wpływ na kompozytorów weneckich i położyły podwaliny pod wenecką szkołę operową. .

Monteverdi pisał nie tylko opery, ale także muzyka sakralna, religijny oraz świeckie madrygały. Stał się pierwszym kompozytorem, który nie sprzeciwiał się metodom polifonicznym i homofonicznym – chóralne epizody jego oper zawierają techniki polifoniczne.
W twórczości Monteverdiego nowe połączono ze starym – tradycjami renesansu.

Na początku XVIII wieku. uformowany szkoła operowa w Neapolu. Cechy tej szkoły - zwiększona uwaga na śpiew, dominująca rola muzyki. To właśnie w Neapolu styl wokalny bel canto(wł. bel canto - "piękny śpiew"). Bel canto słynie z niezwykłego piękna brzmienia, melodii i technicznej perfekcji. Wykonawca bel canto musi umieć oddać wiele odcieni barwy głosu, a także po mistrzowsku przekazać liczne szybkie sekwencje dźwięków nałożonych na główną melodię. - koloratura (wł. koloratura - „dekoracja”).

W XVIII wieku opera stał się głównym nurtem sztuka muzyczna we Włoszech, wspomagany przez wysokie poziom profesjonalnyśpiewaków wyszkolonych w ogrody zimowe(It. conservatorio, err lat. konserwować - "chronić") - instytucje edukacyjne, które szkolą muzyków. W tym czasie powstały cztery konserwatoria w centrach włoskiej opery - Wenecji i Neapolu. Popularności gatunku służyły także otwierające się w różnych miastach kraju opery, dostępne dla wszystkich grup społecznych. Opery włoskie wystawiano w teatrach największych stolic europejskich, a kompozytorzy z Austrii, Niemiec i innych krajów pisali opery oparte na tekstach włoskich.

Znaczącą postacią okresu wczesnego baroku, stojącą po stronie katolicyzmu, przeciwstawiającego się rosnącym wpływom ideologicznym, kulturowym i społecznym protestantyzmu, był Giovanni Gabrieli (1555-1612). Jego prace należą do stylu „wysokiego renesansu” (rozkwitu renesansu). Jednak niektóre jego nowinki w zakresie instrumentacji (przypisanie określonych zadań danemu instrumentowi) wyraźnie wskazują, że był jednym z kompozytorów, którzy wpłynęli na powstanie nowego stylu.

Jednym z wymogów kościoła przy komponowaniu muzyki sakralnej było to, że teksty w pracach z wokalem byli wybredny. Wymagało to odejścia od polifonii w kierunku technik muzycznych, w których do głosu doszły słowa. Wokale stały się bardziej złożone, ozdobne w porównaniu z akompaniamentem.

Wielki wkład w rozpowszechnianie nowych technik wnieśli: niemiecki kompozytor Heinricha Schutza (1585-1672), wykształcony w Wenecji, najsłynniejszy kompozytor niemiecki przed Janem Sebastianem Bachem i jeden z najważniejszych kompozytorów okresu wczesnego baroku obok D. Gabrieliego i C. Monteverdiego. W swojej pracy wykorzystywał nowe techniki, pełniąc funkcję chórmistrza w Dreźnie.

Muzyka dojrzałego baroku (1654-1707)

Okres centralizacji najwyższej władzy w Europie jest często nazywany Absolutyzm. Absolutyzm osiągnął swój zenit pod rządami francuskiego króla Ludwika XIV. Dla całej Europy dwór Ludwika był wzorem do naśladowania. W tym muzyka wykonywana na dworze. Zwiększona dostępność instrumenty muzyczne(dotyczyło to zwłaszcza instrumentów klawiszowych) dało impuls do rozwoju izba muzyka (od niego. kamera - "pokój") wykonywane w małych pomieszczeniach lub w domu.

dojrzały barok jest inny od wczesnej wszechobecności nowego stylu polifonicznego ( darmowe pisanie) i zwiększona separacja formy muzyczne zwłaszcza w operze. Podobnie jak w literaturze, pojawiająca się możliwość dużego nakładu druk utwory muzyczne doprowadziło do poszerzenia widowni; nasiliła się wymiana między ośrodkami kultury muzycznej.

W teorii muzyki dojrzały barok określa się koncentracją kompozytorów na harmonii i próbami tworzenia spójnych systemów muzycznego uczenia się.
W kolejnych latach doprowadziło to do pojawienia się wielu teoretyczny Pracuje. Znakomitym przykładem takiej działalności jest dzieło późnego baroku – „Gradus ad Parnassum” (ros. Schody do Parnasu), wydane w 1725 r. przez Johanna Josepha Fuchs(Niemiec Johann Joseph Fux) (1660-1741), austriacki teoretyk i kompozytor. Praca ta, systematyzująca teorię kontrapunktu, była najważniejszym narzędziem badania kontrapunktu niemal do końca XIX wieku.

Wybitnym przedstawicielem nadwornych kompozytorów dworu Ludwika XIV był Giovanni Battista Lulli (1632-1687). (Jean-Baptiste). Już w wieku 21 lat otrzymał tytuł „nadwornego kompozytora muzyki instrumentalnej”. Od samego początku twórczość Lully'ego była ściśle związana z teatrem. Po zorganizowaniu dworskiej muzyki kameralnej i skomponowaniu „airs de cour” (arii dworskich) zaczął pisać muzykę baletową. Sam Ludwik XIV tańczył w baletach, które były wówczas ulubioną rozrywką dworskiej szlachty. Lully był doskonałym tancerzem. Zdarzyło mu się brać udział w przedstawieniach, tańcząc z królem. Jest znany ze swojego wspólny współpracował z Molierem, do którego sztuk pisał muzykę. Ale najważniejsze w pracy Lully'ego wciąż było pisanie opery. Co zaskakujące, Lully stworzył kompletny typ francuskiej opery; tragedii lirycznej we Francji (fr. tragedie lyrique), a niewątpliwą dojrzałość twórczą osiągnął już w pierwszych latach swojej twórczości w Opera. Lully często wykorzystywał kontrast między majestatycznym brzmieniem sekcji orkiestrowej a prostymi recytatywami i ariami. Język muzyczny Lully'ego nie jest zbyt skomplikowany, ale z pewnością Nowy: wyrazistość harmonii, energia rytmiczna, wyrazistość artykulacji formy, czystość faktury mówią o zwycięstwie zasad myślenia homofonicznego. W dużej mierze jego sukcesowi sprzyjała także umiejętność doboru muzyków do orkiestry i praca z nimi (sam prowadził próby). Nieodłącznym elementem jego twórczości była dbałość o harmonię i instrument solowy.

Kompozytor i skrzypek Arcangelo Corelli(1653-1713) znany z pracy nad rozwojem gatunku concerto grosso (concerto grosso - "wielki koncert"). Corelli był jednym z pierwszych kompozytorów, których utwory były publikowane i wykonywane w całej Europie. Podobnie jak dzieła operowe J.B. Lully'ego, gatunek concerto grosso zbudowany jest na kontrastowym zestawieniu brzmienia małych solowych grup orkiestrowych i brzmienia pełnej orkiestry. Muzyka zbudowana jest na ostrych przejściach od głośnych do cichych fragmentów, szybkie pasaże przeciwstawiają się wolnym. Wśród zwolenników Arcangelo Corelli był Antonio Vivaldi, który później skomponował setki utworów napisanych w ulubionych formach Corelliego: sonat triowych i koncertów.

V Anglia dojrzały barok naznaczony genialnym geniuszem Henry Purcell(1659-1695). Zmarł młodo, w wieku 36 lat, po napisaniu wielu prac i szeroko znanym za życia. Purcell znał twórczość Corelliego i innych włoskich kompozytorów epoki baroku.Podczas swojego krótkiego życia Purcell napisał wiele utworów wokalnych, instrumentalnych, muzycznych i teatralnych, z których najważniejszym jest opera „Dido i Eneasz”(1689). To jest pierwszy angielski opera narodowa. Zamówiła ją nauczycielka tańca ze szkoły z internatem dla szlacheckich panien. Prywatny charakter zakonu wpłynął na wygląd dzieła: w przeciwieństwie do monumentalnych oper Monteverdiego czy Lully'ego, dzieło Purcella mały rozmiar, akcja porusza się szybko. Libretto opery (autor Nicholas Tate) zostało napisane na podstawie heroicznej epopei „Eneida” rzymskiego poety Wergiliusza.

Wergiliusz ma jednego z obrońców Troi - Eneasz po upadku miasta wyrusza na wędrówkę. Burza doprowadza jego statek do wybrzeży Afryki; tu poznaje Dydonę, królową Kartaginy. Dydona zakochała się w Eneaszu, a gdy bohater opuścił ją na rozkaz bogów, odebrał sobie życie. W operze Purcella herolda, który rozdzielił bohaterów, przysyłają nie bogowie, ale leśne wiedźmy ( popularne postacie folklor angielski). Eneasz wziął oszustwo za święty obowiązek wobec bogów i zniszczył najcenniejszą rzecz - miłość.

Charakterystyczną cechą twórczości Purcella jest Harmonia. Kompozytor miał niesamowity dar tworzenia doskonałych melodii - spokojnych, majestatycznych i nienagannych w formie. Po Henrym Purcellu w muzyce angielskiej do XX wieku. trudno wymienić tak genialnych mistrzów.

W przeciwieństwie do powyższych kompozytorów Dietrich Buxtehude (1637-1707) nie był kompozytorem dworskim. Buxtehude pracował organista, najpierw w Helsingborgu (1657-1658), następnie w Elsinore (1660-1668), a następnie, począwszy od 1668 r., w kościele św. Maryi w Lubece. Zarabiał nie wydawaniem swoich utworów, lecz ich wykonywaniem, komponowanie muzyki od tekstów kościelnych i wykonywanie własnych kompozycji organowych od mecenatu szlacheckiego. Jego kompozycje na organy wyróżniały się bogactwem wyobraźni, obfitością nieoczekiwanych i nieoczekiwanych barwne porównania i głęboki dramat.Ten kompozytor. Muzyka Buxtehudego jest w dużej mierze zbudowana na skali idei, bogactwa i wolności fantazji, zamiłowania do patosu, dramatyzmu i nieco oratorskiej intonacji. Jego twórczość wywarła silny wpływ na takich kompozytorów jak J. S. Bach i G. F. Telemann.

Muzyka późnego baroku (1707-1760)

Dokładna granica między dojrzałym a późnym barokiem jest przedmiotem dyskusji; ona kłamie gdzieś pomiędzy 1680 i 1720. W dużej mierze złożoność jego definicji polega na tym, że w różnych krajach style nie były zsynchronizowane; innowacje przyjęte już jako reguła w jednym miejscu były świeżymi odkryciami w innym. Włochy dzięki Arcangelo Corelli a jego uczniowie Francesco Geminiani i Pietro Locatelli stają się pierwszym krajem, w którym barokowe przejścia od dojrzałego do późnego okresu. Ważny kamień milowy można uznać za niemal absolutny dominacja tonu jako zasada strukturyzowania komponowania muzyki. Jest to szczególnie widoczne w pracach teoretycznych Jeana Philippe'a Rameau, który zajął miejsce Lully'ego jako główny francuski kompozytor. W tym samym czasie pojawienie się kapitalnego dzieła Johanna Josepha Fuchsa „Stopień ad Parnassum” (1725), poświęconego polifonii stylu surowego, świadczyło o obecności w muzyce dwa style pisania - homofoniczno-harmoniczne i polifoniczne.

Formularze, otwarte w poprzednim okresie, osiągnął dojrzałość i wielka zmienność koncert, suita, sonata, concerto grosso, oratorium, opera i balet nie wyrażały się już ostro cechy narodowe. Wszędzie powstały ogólnie przyjęte schematy utworów: powtarzająca się dwuczęściowa forma (AABB), prosta forma trzyczęściowa (ABC) i rondo.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- włoski kompozytor urodzony w Wenecji.
W 1703 otrzymał godność katolicki ksiądz. 1 grudnia tego samego roku zostaje maestro di violino w sierocińcu dla dziewcząt Pio Ospedale della Pieta w Wenecji. Sławę Vivaldiego przyniosły nie koncerty czy koneksje na dworze, ale publikacje jego utworów, w tym sonat triowych, sonat skrzypcowych i koncertów. Zostały opublikowane w Amsterdamie i szeroko rozpowszechnione w całej Europie. To jest w tych gatunki instrumentalne, rozwijając się (Sonata barokowa i Koncert barokowy), swój największy wkład wniósł Vivaldi. Pewne techniki są charakterystyczne dla muzyki Vivaldiego: trzyczęściowa cykliczna forma na concerto grosso i użycie ritornello w partiach szybkich. Vivaldi skomponował ponad 500 koncertów. Niektórym swoim dziełom nadał także tytuły programowe, np. słynne Cztery pory roku. Kariera Vivaldiego pokazuje coraz większe możliwości samodzielnego istnienia kompozytora: z dochodów z działalność koncertowa i publikowanie ich pism.

Domenico Scarlatti(1685-1757) był jednym z czołowych kompozytorów i wykonawców klawiszowych swoich czasów. Karierę rozpoczął jako kompozytor nadworny; najpierw w Portugalii, a od 1733 w Madrycie, gdzie spędził resztę życia. Jego ojciec Alessandro Scarlatti jest uważany za założyciela neapolitańskiej szkoły operowej. Domenico komponował także opery i muzykę kościelną, ale sławę (po śmierci) przyniósł mu jego działa na klawiaturach. Niektóre z tych dzieł pisał dla własnej przyjemności, inne dla swoich szlachetnych klientów.

Najsłynniejszym nadwornym kompozytorem epoki baroku był Georg Friedrich Haendel(1685-1759). Urodził się w Niemczech, studiował przez trzy lata we Włoszech, ale w 1711 wyjechał z Londynu, gdzie rozpoczął swoją błyskotliwą i komercyjnie udaną karierę jako niezależny kompozytor operowy który wykonuje rozkazy dla szlachty. Dysponując niestrudzoną energią, Handel przetwarzał materiał innych kompozytorów i nieustannie przerobiony własne pisma. Na przykład znany jest z tego, że tak wiele razy przerabiał słynne oratorium „Mesjasz”, że obecnie nie ma wersji, którą można by nazwać oryginałem. Chociaż jego fortuny finansowe rosły i malały, jego sława, oparta na opublikowanych utworach na instrumenty klawiszowe, muzyce ceremonialnej, operach, Concerto Grossos i oratoriach, nadal rosła. Po śmierci został uznany za czołowego kompozytora europejskiego i był studiowany przez muzyków epoki klasycznej. Za życia Handel pisał o tym 50 opery (Almira, Agrippina, Rinaldo, Juliusz Cezar itp.), 23 oratoria („Mesjasz”, „Samson”, „Judas Makovey”, „Herkules”), niezliczone chorały kościelne, koncerty organowe, a także szereg utworów rozrywkowych („Muzyka na wodzie”, „Muzyka dla Królewskich Fajerwerków”) .

Jeden z największych kompozytorów epoki baroku - Jan Sebastian Bach urodził się
21 marca 1685 w Eisenach w Niemczech. W swoim życiu skomponował ponad 1000 utworów w różnych gatunkach, z wyjątkiem opery. Ale za życia nie odniósł żadnego znaczącego sukcesu. Przenosząc się wielokrotnie, Bach zmieniał jedną niezbyt wysoką pozycję za drugą: w Weimarze był nadwornym muzykiem u księcia weimarskiego Johanna Ernsta, następnie został dozorcą organów w kościele św. Bonifacy w Arnstadt, kilka lat później przyjął stanowisko organisty w kościele św. Vlasia w Mühlhausen, gdzie pracował tylko przez około rok, po czym wrócił do Weimaru, gdzie zajął miejsce nadwornego organisty i organizatora koncertów. Pełnił to stanowisko przez dziewięć lat. W 1717 Leopold, książę Anhalt-Köthen, zatrudnił Bacha jako kapelmistrza, a Bach zaczął mieszkać i pracować w Köthen. W 1723 Bach przeniósł się do Lipska, gdzie pozostał do śmierci w 1750 roku.

JS Bach za życia był dobrze znany w Niemczech jako kompozytor, wykonawca, pedagog i ojciec młodszych Bachów, przede wszystkim Carla Philippa Emmanuela. Ale w ostatnie latażycia, a po śmierci Bacha jego sława kompozytora zaczęła spadać: jego styl uznano za przestarzały w porównaniu z rozkwitającym klasycyzmem.

W 1802 r. Johann Nikolai Forkel opublikował pierwszą najbardziej kompletną biografię Jana Sebastiana Bacha. W 1829 roku, 79 lat po śmierci J.S. Bacha, Felix Mendelssohn wykonał w Berlinie Pasję według św. Mateusza Bacha. Sukces tego koncertu ożywił zainteresowanie twórczością J.S. Bacha i stał się przyczyną pojawienia się ogromnego zainteresowania muzyką Bacha w Niemczech, a następnie w całej Europie.

Dziś J.S. Bach jest jednym z najpopularniejszych kompozytorów wszech czasów: na przykład w głosowaniu Cultureciosque.com na „Najlepszego Kompozytora Tysiąclecia” Bach zajął pierwsze miejsce.

Barok i klasycyzm

pałac wersal kultura artystyczna

W XVII wieku, w warunkach aktywnego rozwoju gospodarki i sztuki, Francja uzyskała status państwa wzorcowego o absolutystycznych formach rządów i praktycznych Polityka ekonomiczna. Dzięki ruchowi kontrreformacji Rzym w przestrzeń kulturalna Rozdrobnione terytorialnie Włochy nabrały nowego znaczenia. W rezultacie budowa obiektów sakralnych nabrała silnego rozmachu. Rozpoczęty w tych warunkach pod koniec XVII wieku Nowa scena budowa przyczyniła się do tego, że książęta niemieccy kierowali się w swoich potrzebach wzorami zagranicznymi. W dużej mierze byli pod wpływem francuskiego absolutyzmu Ludwika XIV. Każdy pan feudalny – bez względu na to, jak małe należało do niego terytorium – skopiował swoją rezydencję z Wersalu, tej perły królewskich posiadłości.

Pomimo faktu, że dla Architektura europejska XVII - XVIII wiek nie charakteryzuje się jednolitością i integralnością, zwyczajowo się łączy ogólna koncepcja"barokowy". Zamki książęce i miejsca kultu stały się podstawowymi obiektami budowlanymi i ucieleśnieniem oporu wobec reformacji. W latach 30. XVIII wieku zaczęto odczuwać wpływy oświecenia, co od razu znalazło odzwierciedlenie we wzroście intymności budynków. Małe eleganckie zamki otoczone parkami stały się ulubionym miejscem pobytu książąt. To jeden z najjaśniejszych Cechy wyróżniające barokowy.

Nowy styl wezwał do pomocy w prowadzeniu działań urbanistycznych piękna środowisko lub prościej - pejzaż. Krajobraz stał się jednym z głównych elementów zespołu urbanistycznego. Plac, tracąc swoją funkcjonalną i demokratyczną treść, stał się przednią częścią miasta, jego ozdobą. Architektura barokowa wyróżnia się rozmachem, przepychem i dynamiką, widowiskowością oraz silnym kontrastem skal i rytmów.

Dzięki dziwacznej plastyczności elewacji, skomplikowanym krzywoliniowym planom i konturom barokowe pałace i kościoły nabrały malowniczości i dynamizmu. Wydawały się wrastać w przestrzeń wokół nich. Barokowe wnętrza zdobiła wielobarwna rzeźba, sztukaterie i rzeźby; lustra i malowidła ścienne były niezbędne do iluzorycznego poszerzenia przestrzeni, a malowanie plafonów stworzyło iluzję sklepień otwierających się nad widzem.

W malarstwie i rzeźbie barokowej dominującą pozycję miały dekoracyjne, wielopłaszczyznowe kompozycje o charakterze religijnym, mitologicznym lub alegorycznym oraz portrety obrzędowe. Podczas przedstawiania osoby preferowane były stany napięcia, egzaltacji i wzmożonego dramatu. W malarstwie wielkie znaczenie nabierała emocjonalna, rytmiczna i kolorystyczna jedność całości, często nieskrępowana swoboda kreski; w rzeźbie - malownicza płynność formy, bogactwo aspektów i wrażeń.

Charakterystyczne cechy baroku to złożoność planów, bogata aranżacja wnętrz z nieoczekiwanymi i efektownymi rozwiązaniami przestrzennymi i oświetleniowymi, wiele krzywizn, plastycznie zakrzywione linie i płaszczyzny, kontrast, napięcie i dynamizm obrazów, afektacja, pragnienie luksusu i przepychu, za łączenie rzeczywistości i iluzji, za fuzję sztuk. Styl barokowy skontrastował prostotę klasycznych form z wyrafinowaniem w kształtowaniu. Elementy malarstwa i rzeźby, malowane powierzchnie ścian znalazły szerokie zastosowanie w architekturze.

Ideologiczne podstawy baroku ukształtowały się w warunkach reformacji i nauki Kopernika. Zmieniła się idea świata jako racjonalnej i trwałej jedności, charakterystyczna dla filozofii starożytności i renesansowej wizji człowieka jako korony stworzenia. Człowiek zaczął sobie uświadamiać sobie „coś pomiędzy wszystkim a niczym”, jak powiedział Pascal, „ten, który wyłapuje tylko pozory zjawisk, ale nie jest w stanie zrozumieć ani ich początku, ani końca”.

Narodzinom baroku sprzyjał w pewnym stopniu brak środków na budowę pałacu ze strony przedstawicieli szlachty. W poszukiwaniu wyjścia z tej sytuacji zwrócili się do sztuki, aby stworzyć iluzję władzy i bogactwa. Częściowo z tego powodu barok powstał we Włoszech w XVI wieku.

Formy architektoniczne baroku opierały się na włoskim renesansie, ale przewyższały go złożonością, różnorodnością i malowniczością. Fasady z wyprofilowanymi gzymsami, kolumnami, półkolumnami i kolosalnymi na kilku piętrach pilastrami, luksusowe detale rzeźbiarskie, często przechodzące od wypukłych do wklęsłych, nadają samej konstrukcji ruch i rytm. W przeciwieństwie do okresu renesansu, żaden szczegół takiej konstrukcji nie był samodzielny. Wszystkie części zespołu podlegają wspólnemu projektowi architektonicznemu, którego dopełnieniem jest projekt i dekoracja wnętrz, a także ogrodnictwo krajobrazu i urbanistyka architektoniczna.

We Francji styl barokowy jest wyrażany nieco skromniej niż w innych krajach. Kiedyś uważano, że styl barokowy w ogóle się tu nie rozwinął, a zabytki barokowe uważano za zabytki klasycyzmu. Czasami właściwe jest użycie terminu „klasycyzm barokowy” w odniesieniu do francuskiej i angielskiej wersji baroku. Obecnie Pałac Wersalski wraz z regularnym parkiem, Pałacem Luksemburskim, budynkiem Akademii Francuskiej w Paryżu i innymi dziełami architektury uważane są za francuski barok. Naprawdę mają pewne cechy klasycyzmu. Cechą charakterystyczną stylu barokowego jest regularność w pejzażu, najjaśniejszy przykład czyli Park Wersalski, szczyt kreatywności utalentowanego mistrza Andre Le Notre.

niemiecki krytyk i historyk sztuki starożytna sztuka Johann Joachim Winckelmann napisał w 1755 r.: „Jedynym sposobem, abyśmy stali się wielcy i jeśli to możliwe, niepowtarzalnymi, jest naśladowanie starożytnych”. Tym hasłem wezwał współczesnych do odnowienia sztuki, wykorzystując piękno starożytności, postrzegane jako ideał, jako podstawę i znalazł aktywne wsparcie w społeczeństwie europejskim. Architektura antyczna była przez niego postrzegana jako norma harmonii, prostoty, rygoru, logicznej klarowności i monumentalności. Postępowa opinia publiczna postrzegała klasycyzm jako niezbędną opozycję wobec dworskiego baroku. Powstawanie klasycyzmu zbiegło się w czasie z okresem rewolucji burżuazyjnych – angielskiej w 1688 r. i francuskiej – 101 lat później. W ten sposób odwołanie się do sztuki antycznej jako najwyższego przykładu i nawiązanie do tradycji wysokiego renesansu stało się jedną z najważniejszych cech klasycyzmu.

Sztuki piękne klasycyzmu starały się ucieleśniać ideę harmonijnej struktury społeczeństwa. O złożoności Dzieła wizualne klasycyzm jest wyraźnie widoczny w konfliktach jednostki i społeczeństwa, ideału i rzeczywistości, uczuć i rozumu. Artystyczne formy klasycyzmu charakteryzują się cechami ścisłej organizacji, równowagi, prostoty i harmonii obrazów.

Pragnienie ucieleśnienia szlachetnej prostoty i spokojnej wielkości starożytnej sztuki w budownictwie skłoniło mistrzów epoki do całkowitego skopiowania starożytnego budynku. W ten sposób to, co niemiecki architekt Gilly miał na etapie projektowania pomnika Fryderyka II, z rozkazu Ludwika I Bawarskiego, zostało wykonane na zboczach Dunaju w Ratyzbonie i otrzymało nazwę Valhalla - „Sala Umarłych ”.

W Niemczech szczególną sławę zyskały książęce pałace - rezydencje, które stały się ośrodkami budownictwa w stylu klasycystycznym, wśród nich Marktplatz (plac handlowy) w Karlsruhe, Maximilianstadt i Ludwigstrasse w Monachium oraz budownictwo w Darmstadt. Królowie pruscy w Berlinie i Poczdamie również sprzyjali klasycyzmowi podczas budowy. Jednak do tego czasu pałace straciły już status głównych obiektów budowlanych, willi i domów wiejskich wyglądały nie mniej imponująco i imponująco. Sfera budownictwa państwowego obejmowała budynki socjalne – szpitale, domy dla niewidomych i głuchoniemych, a także więzienia i koszary. Wkrótce dodano do nich budynki użyteczności publicznej, takie jak teatry, muzea, uniwersytety i biblioteki. Obrazu dopełniły posiadłości wiejskie arystokracji i burżuazji, ratusze i budynki mieszkalne w miastach i wsiach.Budowa kościołów nie była już nadrzędnym zadaniem, ale niezwykłe budowle pojawiły się w Karlsruhe, Darmstadt i Poczdamie, dyskusja, czy pogańskie formy architektoniczne nadają się do chrześcijańskiego klasztoru.

W malarstwie dominowała rola logicznego rozwinięcia fabuły, wyraźnego wyważenia kompozycji, wyraźnego przeniesienia objętości i modelowania formy światłocieniowej oraz operowania lokalnymi kolorami.

Wyraźne rozgraniczenie planów w malarstwie pejzażowym ujawniono również za pomocą koloru: pierwszy plan musi być koniecznie pisany brązem, drugi - zielonym, a trzecim - niebieskim.

Architekturę klasycyzmu charakteryzuje regularność planowania i klarowność formy wolumetrycznej. Podstawą języka architektonicznego stylu klasycznego był porządek zbliżony proporcjami i formą do starożytności. Klasycyzm wyróżniają symetryczno-osiowe kompozycje, powściągliwość dekoracyjnej dekoracji i regularny system urbanistyczny.

Wielki wenecki mistrz Palladio i jego następca Scamozzi sformułowali architektoniczny język klasycyzmu pod koniec renesansu. Wenecjanie tak bardzo absolutyzowali zasady starożytnej architektury świątynnej, że wykorzystywano je nawet przy budowie tak prywatnych rezydencji jak Villa Capra. Inigo Jones przetransportował palladianizm do Anglii, gdzie lokalni palladiańscy architekci różne stopnie wierność przestrzegała nakazów Palladia aż do połowy XVIII wieku.

W tym czasie wśród intelektualistów kontynentalnej Europy zaczęło narastać przesycenie luksusem późnego baroku i rokoka. W rozwiązywaniu głównych problemów urbanistycznych ta estetyka baroku i rokoka była zdecydowanie mało przydatna. Już za Ludwika XV w Paryżu wzniesiono zespoły urbanistyczne w stylu „starożytnego rzymskiego” m.in. Place de la Concorde (architekt Jacques-Ange Gabriel) i kościół Saint-Sulpice, a pod Ludwik XVI taki „szlachetny lakonizm” stał się już głównym nurtem architektonicznym.

Francuski architekt Jacques-Germain Soufflot podczas budowy kościoła św. W Rosji Bazhenov podążał w tym samym kierunku co Soufflet. Francuzi Claude-Nicolas Ledoux i Etienne-Louis Boulet mogli posunąć się jeszcze dalej w kierunku rozwoju radykalnego stylu wizjonerskiego z naciskiem na abstrakcyjną geometryzację form. W rewolucyjnej Francji ascetyczny patos obywatelski ich projektów nie był pożądany.

Architekci Francji napoleońskiej szukali inspiracji w obrazach chwały militarnej zachowanych z czasów cesarskiego Rzymu, takich jak łuk triumfalny Septymiusza Sewera czy kolumna Trajana. Z rozkazu cesarza zostały przeniesione do Paryża w formie Łuk triumfalny Kolumna Carruzel i Vendôme. W odniesieniu do pomników wielkości militarnej epoki wojen napoleońskich zwyczajowo używa się określenia „styl cesarski” – Imperium. W Rosji tacy mistrzowie jak Karl Rossi, Andrey Voronikhin i Andrey Zakharov byli wybitnymi mistrzami stylu empirowego.

Najważniejsze wnętrza klasycystyczne zostały ukończone przez szkockiego architekta Roberta Adama po powrocie z Rzymu w 1758 roku. Wielkie wrażenie wywarły na nim badania archeologiczne włoskich naukowców oraz architektoniczne fantazje Piranesiego. W interpretacji Adama klasycyzm był stylem niewiele gorszym pod względem wyrafinowania od wnętrz rokokowych. Dzięki temu zyskał sławę zarówno wśród demokratycznie nastawionych kręgów społecznych, jak i wśród arystokracji. Podobnie jak jego francuscy koledzy, Adam wolał całkowite odrzucenie szczegółów pozbawionych funkcji konstruktywnej. Estetyka klasycyzmu przyczyniła się do wielkoskalowych projektów urbanistycznych i w pewnym stopniu przyczyniła się do uporządkowania zabudowy miejskiej w skali całych miast.

W Rosji najbardziej prowincjonalne i prawie wszystkie miasta powiatowe zostały przeprojektowane zgodnie z zasadami klasycznego racjonalizmu. Oryginalne muzea klasycyzmu pod otwarte niebo takie miasta jak Sankt Petersburg, Helsinki, Warszawa, Dublin, Edynburg i kilka innych odwróciły się. W całej przestrzeni od Minusińska do Filadelfii ustanowiono jeden język architektoniczny, którego początki sięgają Palladio. Zwykła budowa została wykonana zgodnie z albumami projektów standardowych.

W okresie po wojnach napoleońskich klasycyzm istniał równolegle z romantycznie zabarwionym eklektyzmem, zwłaszcza z odrodzeniem zainteresowania średniowieczem i modą na neogotyk architektoniczny. W związku z odkryciem przez Champolliona talerza z Rosetty popularność zyskały motywy egipskie. Zainteresowanie architekturą starożytnego Rzymu zostało stopniowo zastąpione szacunkiem dla wszystkiego, co starożytnej Grecji, co było szczególnie widoczne w Niemczech i Stanach Zjednoczonych. Niemieccy architekci Leo von Klenze i Karl Friedrich Schinkel budują odpowiednio Monachium i Berlin z okazałym muzeum i innymi budynkami użyteczności publicznej w duchu Partenonu. We Francji czystość klasycyzmu została osłabiona przez swobodne zapożyczenia z repertuaru architektonicznego renesansu i baroku.

Wnioski do rozdziału 1

Style baroku i klasycyzmu wykształciły się kultura artystyczna Europa Zachodnia w XVII-XVIII wieku. Te dwa nurty w sztuce z powodzeniem koegzystowały przez dwa stulecia, rozwijając się równolegle i na przemian zajmując wiodącą pozycję lub schodząc na dalszy plan.

Styl klasyczny w kulturze artystycznej odwoływał się do posługiwania się sztuką starożytnego świata jako wzorcem. Geneza klasycyzmu nastąpiła na etapie rewolucji burżuazyjnych – angielskiej i francuskiej – co wpłynęło na charakter jego formowania się i znalazło odzwierciedlenie w charakterystyce cech w ramach stylu narodowego.

V sztuki piękne klasycyzm dążył do urzeczywistnienia idei harmonijnego układu społecznej strony bytu. formy sztuki klasycyzm cechuje ścisła organizacja, równowaga, prostota i harmonia obrazów.

Charakterystyczne cechy stylu barokowego to złożoność planów, bogata dekoracja wnętrz z efektownymi rozwiązaniami przestrzennymi i świetlnymi, wiele krzywizn, plastycznie zakrzywione linie i płaszczyzny, kontrast i żywa dynamika obrazów, pragnienie luksusu, kombinacja iluzji i rzeczywistości oraz fuzji sztuk. Wbrew klasycznym formom styl barokowy sprzyjał wyrafinowaniu w kształtowaniu. W architekturze rozpowszechnione było zastosowanie elementów malarstwa i rzeźby, malowanych powierzchni ścian.

W ideologii barokowej człowiek jawił się jako „coś między wszystkim a niczym”, jak mówi Pascal, „ten, który ujmuje tylko pozory zjawisk, ale nie jest w stanie zrozumieć ani ich początku, ani końca”.

Le style c „est l” homme(„styl to osoba”). Maksymę tę, dzięki Buffonowi, można przyrównać do wyrażenia matematycznego dotyczącego dwóch zmiennych. Zmienna niezależna, argument, to osoba, a styl, jako uporządkowana sekwencja praktyk ekspresyjnych, jest funkcją. Co za osoba - taki jest styl. Przy całej uniwersalności tej definicji konieczne jest uwzględnienie kontekstu historycznego momentu jej pojawienia się – epoki Oświecenia, z jej koncepcją „człowieka naturalnego”. Ta ostatnia, jak wiadomo, jest bezpośrednim rozwinięciem idei XVII wieku, tego początku New Age i charakterystycznych dla niego stylów – klasycyzmu i baroku. Można powiedzieć, że te style, ich kombinacje, zawierają projekt całego New Age, aż do współczesności.

Sama koncepcja styl(od łac. rysik- kij) i powiązana koncepcja bodziec(od łac. bodziec, świeci. - szpiczasty kij, którym poganiano zwierzęta) etymologicznie najlepiej pasuje do zasad klasycyzmu. Preferencja linii prostej nad jakąkolwiek inną jest charakterystyczna dla racjonalizmu kartezjańskiego. Koło straciło swój status ontologiczny wraz z arystotelizmem i ustąpiło miejsca bezgranicznemu, bezwartościowemu, absolutnie wymiernemu. „Bóg”, przekonuje Kartezjusz, „jest jedynym stwórcą wszystkich ruchów istniejących na świecie, o ile w ogóle istnieją i są proste. Jednak różne pozycje materii zamieniają te ruchy w ruchy nieregularne i krzywoliniowe. W ten sam sposób teologowie uczą nas, że Bóg jest stwórcą wszystkich naszych działań, o ile one istnieją i o ile jest w nich coś dobrego, ale różne skłonności naszej woli mogą uczynić te działania złymi” ( Kartezjusz R. Kompozycje: W 2 tomach. M.: Myśl, 1989. Vol.1. S.205). Takiego stwierdzenia nie należy traktować jako próby nałożenia maski ortodoksyjnej teologii na zasadę inercji Galileusza. Nie jest przypadkiem, że Kartezjusz porusza fundamentalną kwestię problemu zła i wolnej woli i czyni to całkiem zgodnie z poglądami św. Augustyna. Według A.-I. Marru, „najważniejsze miejsce, jakie Augustyn zajmował w świadomości francuskiej XVII wieku, nic nie świadczy lepiej niż rola, jaką odegrał w rozwoju kartezjanizmu” ( Marru A.-I.Święty Augustyn i augustynizm. Dolgoprudny: Vestkom, 1999. S. 185). Tak więc pomiędzy rygoryzmem „człowieka wewnętrznego” św. Augustyn, aspirujący mistycznie i intelektualnie do Boga po najkrótszej drodze, na której nie wolno mu się rozpraszać, i rygoryzm „wewnętrznego człowieka” Kartezjusza, jest coś wspólnego. Polega ona, po pierwsze, na nieustannej potrzebie przełamywania wątpliwości przez rozum, prowadzony przez Wszechmocnego. Teza kartezjańska „Bóg nie jest zwodzicielem” gwarantuje prawdziwość Metody. Po drugie, w możliwości tylko w przybliżeniu osiągnięcia celu. Dla św. Augustyn takie było pojmowanie Boga, dla Kartezjusza osiągnięcie panowania nad naturą poprzez konstrukcję. Daje to początek wielu możliwościom i prawdopodobieństwo Kartezjanizm ( Gaidenko P. Historia nowożytnej filozofii europejskiej w jej związku z nauką. M .: Książka uniwersytecka, 2000. S. 130). Niewątpliwie najbardziej dobry przykład realizacja kartezjańskiego projektu dominacji nad naturą może posłużyć jako układ parku wersalskiego autorstwa A. Le Nôtre ( Lichaczow D.S. Wybrane prace: W 3 tomach. M.: Artysta. lit., 1987. V.3. str.488). Jest to zarówno stworzony przez człowieka Eden, jak i widoczne ucieleśnienie lakonicznej formuły absolutyzmu, należącej do Franciszka I: „Un roi, une foi, une loi”. Triada „jeden król, jedna wiara, jedno prawo” okazuje się zgodna z trójbelkową kompozycją parkową, a także zasadą jedności czasu, miejsca i działania z Sztuki poetyckiej N. Boileau z jej ścisłą hierarchią gatunki.

Długie współistnienie klasycyzmu i baroku trudno uznać za przypadek. Taka synchroniczność wskazuje na ich wzajemne powiązania, co oczywiście nie niweluje istotnych różnic w cechach i genezie obu stylów. Barok był bezpośrednim spadkobiercą renesansu, ale następca był wyraźnie rozczarowany. Oto, na przykład, A.F. Losev o Montaigne: „Jego „Eksperymenty” są pozbawione jakiegokolwiek systemu,<…>przeplatane starożytnymi cytatami, chociaż od starożytności bliscy mu byli tylko stoicy, a potem tylko sceptycy zbliżyli się do niego ”( Losev A.F. Estetyka renesansu. M.: Myśl, 1978. S. 597). Montaigne był prekursorem Kartezjusza, ale tutaj należy zwrócić uwagę na stoicyzm i sceptycyzm jako bezpośrednio związane ze stylem barokowym. Jeśli klasycyzm wywodził się z augustianizmu w postaci zsekularyzowanego dualizmu między naturą a człowiekiem, który powinien być usunięty przez monizm podporządkowania się jakiejś jednej (ale nie jedynej możliwej) formie, to barok wywodził się z uniwersalności stoickiego Logosu, jedność w postaci organizmu nasyconego oddechem pneumy. W kontekście tego samego augustianizmu podkreślał psychologiczną złożoność indywidualnej osobowości. W oczach świata zamiast sztywnej monofonicznej hierarchii uniwersalizmu tkwiącej w klasycyzmie powstał polifoniczny uniwersalizm plastyczności, deklarujący możliwość wielokrotnych wariacji tej samej formy lub tematu. Nieustanne bieganie fugi Bacha towarzyszy człowiekowi „faustowskiemu”. Jako fenomen historyczny barok poprzedzał klasycyzm, ale w perspektywie dalszego spojrzenia na zmianę stylów należy go uznać raczej za spadkobiercę niż poprzednika klasycyzmu. Wiadomo, że pojawienie się baroku wiąże się z kontrreformacją. Kanony i cele zakonu jezuitów znalazły swój wyraz właśnie w stylu barokowym. Wystarczy przypomnieć główną świątynię jezuitów Il Gesu w Rzymie (1568-1584), zbudowaną według projektu G. Vignoli. To może być pierwszy typowy projekt w historii architektury, realizowany w przestrzeniach od Paragwaju po Inflanty. Główną cechą baroku jest jego zwodniczość, symulacja dała mu możliwość przekształcenia „żołnierzy Jezusa” – protestantów, z ich nieodłącznym kultem pracy, w swoich zwolenników i wrogów. „Barok – jak zauważa J. Deleuze – wymyśla niekończącą się produkcję lub niekończący się proces pracy. Problem nie polega na tym, jak dokończyć fałdę, ale jak ją kontynuować, przekroczyć z nią sufit, popchnąć w nieskończoność. Delez J. Fold, Leibniz i barok. M.: Logos, 1997. s. 63). Dlatego złożone formy i kontrapunkt, za którymi kryje się symetria liczb i funkcji, okazały się być w stanie gloryfikować cnoty purytanów (np. oratorium G. F. Haendla „Judas Maccabee”). Odwołanie się do wątków Starego Testamentu jest także charakterystyczne dla literatury barokowej. „Raj utracony” J. Miltona i „Największy potwór świata” P. Calderona. Temat katastrofy, wynikającej ze zderzenia wolnej woli i Prawa, dominuje w tragicznym gatunku epoki. Jednocześnie rozumienie Prawa jest bardzo eklektyczne: może być starotestamentowe, gnostyckie i racjonalistyczne. V ostatni przypadek zbieg okoliczności z klasycyzmem. Gnostyckie cechy baroku znalazły swój wyraz w pasji do astrologii i alchemii, o czym świadczy nie tylko literatura epoki. Tak więc I. Kepler nigdy nie ukrywał swojego zaangażowania w astrologię, a nawet służył mu jako środek do zarabiania na życie. I. Newton wolał przemilczeć w tej kwestii, jak również o swoim antytrynitaryzmie. Jednak program fizyki Newtona jest przesiąknięty nie tylko matematyką (w jej racjonalistycznym, kartezjańskim rozumieniu), ale także duchem alchemii, z którego jego twórcy udało się wiele wydobyć. pomysły naukowe (Dmitriew I.S. Nieznany Newton. Sylwetka na tle epoki. Petersburg: Aleteyya, 1999). Jego słynna odpowiedź na absolutnie słuszne wyrzuty kartezjanów w odrodzeniu magicznej zasady – „nie wymyślam hipotez” – jest niczym innym jak truizmem.

Charakterystyczne dla baroku pragnienie kontrastu i zewnętrznej wiarygodności poprzez zastosowanie różnych technologii wynika z jego najgłębszego pesymizmu. „Niezależnie od tego, jak piękna jest komedia w innych częściach”, napisał Pascal, „ostatni akt jest zawsze krwawy. Rzucą ci ziemię na głowę - a koniec jest na zawsze! ( Pascal ur. Myśli. M.: REFL-book, 1994. S. 256). Stąd zamiłowanie do martwej natury i przesadna miłość do życia aktów Rubensa. Ironia i pokusa sztuczności próbują wyczarować śmierć i przejąć od niej władzę nad światem w łobuzerski sposób. W tym sensie nasza nowoczesność, z pasją do kontrastu i syntetyczności (aż do klonowania), kontynuuje nurt barokowy. „Stucco można traktować – zauważa J. Baudrillard – jako triumfalny wzrost nauki i techniki, ale jest on także, a przede wszystkim kojarzony z barokiem.<…>Cała technika i technokracja są już tu osadzone - domniemanie idealnej fałszywości świata, co znajduje wyraz w wynalezieniu uniwersalnej substancji i w uniwersalnej kombinatoryce substancji” ( Baudrillard J. Wymiana symboliczna i śmierć. M.: Dobrosvet, 2000. s. 116).

Połączenie sztywnych zasad klasycyzmu i elastycznego baroku widać we wszystkich późniejszych stylach. O dominacji jednego nad drugim decydują jedynie względy taktyczne, które powinny zapewnić jak największą skuteczność. „Czy wiecie”, mówi Vautrin Balzaca, ten „Napoleon z niewoli karnej”, odnosząc się do młodego Rastignaca, „jak oni tu trafiają? Trzeba wbić się w tę ludzką masę kulą armatnią lub przebić się jak zaraza. Klasycyzm można porównać z pierwszym, barok - z drugim. Obaj byli narzędziami New Age do formowania Nowego Człowieka. Tak więc dominacja klasycyzmu widoczna jest w nowoczesności z jej projektami futurystów i Le Corbusierem, jego patosem powagi. Postmodernizm preferuje techniki barokowe. Przechodzi na język kodów binarnych i chaosu deterministycznego. Wykazuje troskę o środowisko i pokrywa świat siecią sieci informacyjnych, symulując „ nieznośna lekkość istnienie."