Wykłady na dyscyplinie "Analiza prac muzyki" Moduł estetyczny i podstawy metodologiczne Analiza sekcji produkcji muzyki Sekcja muzyczna jako jedna z form świadomości publicznej. Cykliczne formy przykłady cykli muzycznych

Żywotność "GlinksKaya" biurokratyczna forma świadczy o wykorzystaniu swoich kompozytorów radzieckich. Jednocześnie aktualizowane są techniki rozwojowe, ekspresyjne narzędzia (zwłaszcza język harmoniczny), ale utrzymuje się typ samego formularza: początkową sekcję "małej kuszej" ("Maiden Chastushki") z Opery Generraver "nie tylko miłość ".

W forma biurokratyczna odmiana jest przede wszystkim partia wokalna.

Charakterystyczne cechy zmienności: Opcja oznacza zmiany melodii, umożliwia zmiany strukturalne i na dużą skalę, ale zachowuje figuratywną i gatunkową jedność. Konsekwencją tego jest względna równość wariantu i tematów, podczas gdy zmienność jest zjawiskiem pochodnym, drugorzędnym, podporządkowanym na ten temat.

Połączenie jasności, definicji struktury, zdolność do różnorodnych zmian, zdolność do śledzenia tekstu tworzy formę biurea jednej z najczęstszych form muzyki wokalnej. Ogromne miejsce zajmuje ten formularz w kreatywności piosenki Schuberta, Maler. Od radzieckich kompozytorów do jej chętnego odwołania się do miasta Sviridov: Chór "Jak urodziła się piosenka", "na tej krawędzi" z "wiersza pamięci S. Yesenin". Inne przykłady są "Gretchen dla pikantnego" Schubert "Romance Polina" z "Peak Lady" Tchaikovsky.

Przez formę

Forma końcowa powstała z potrzeby śledzenia muzyki do rozwoju działki. Więcej niż jakakolwiek inna forma jest tutaj używana sztuka i bolesne możliwości muzyczne i jego zdolność do wzmocnienia emocjonalnej strony tekstu. Nie jest przypadkiem, że formularz ten został podany w tej formie, tych kompozytorów, którzy byli szczególnie wrażliwi na najlepsze odcienie tekstów i subtekstu psychologicznego - Schubert, Musorgsky. W formie końcowej napisano większość utworów arkusza. Świetne miejsce zostało wykonane przez tę formę w muzyce późnej XIX - początku XX wieku., Zwłaszcza w gatunku "wierszy z muzyką", który został dystrybuowany w pracy Wolfa, w rosyjskiej muzyce - w Mentera, Prokofiew, Gnesin, Cherepnin, częściowo Rakhmaninov i w wokalach na temat tekstów prozowych ("brzydkie kaczątko" prokofiew).

Każda forma końcowa jest oparta na zasadę ciągłej aktualizacji materiału muzycznego zgodnie z treścią tekstu. Jednak kompozytorzy starają się wejść w postaci przekrojowe tych lub innych czynników muzycznych i jednoczących. W tym celu zasady pobytu, zamknięcie odwetowe, refren obrotowy ("uruchamianie" Mussorgsky i Chorusa "Bajushki, zatoki, zatoki"), intonational i tematyczne połączenie części formularza, organizacja tonalna używany.

Przykłady przelotowej formy: "Las Car" Schubert, Chór "Flash" Kalikina.

Temat 14. Formy cykliczne: apartament, cykl Sonata-symfoniczny

Cykliczny Kształt składa się z kilku oddzielnych kontrastujących części, niezależnych w formie, ale połączonej przez pojedynczy cel artystyczny.

Główne oznaki cyklicznych form:

♦ obecność kilku części (od 2 do 10),

♦ niezależność formularza każdej części,

♦ eksploracja części (część może być wykonana oddzielnie),

♦ kontrast temp,

♦ Kontrast z natury

♦ Społeczność tonalna:

a) pojedyncza tonalność wszystkich części,

b) tworzenie potwierdzenia tonalnego (widzianego cyklu symfonicznego),

c) Alokacja centrów tonalnych (przeważająca tonalność),

♦ Wspólny pomysł:

a) jedna część wykonawców,

b) jedna kula gatunku,

c) społeczność tematyczna

d) Program.

Formy cykliczne są wokalne, instrumentalne i malownicze.

Wokal (cykle wokalno-instrumentalne) są podzielone na cancate-Ora Torial(Kantata, oratoria, masa, requiem, pasja) i komora (cykle wokalne).

Malownicze cykle.: Opera i balet.

Cykle narzędziowe.

Istnieją dwa główne typy cyklicznych form: cykl size i syna-symfoniczny. Niezależność części cykli jest określona przez fakt, że mogą być wykonywane oddzielnie (tańce pakietu, części Sonatu lub Symfonii).

Zestaw (wiersz, sekwencja) jest cyklicznym produktem składającym się z niezależnych, kontrastujących i tempa tańca lub części gatunków. Alkłada części w apartamencie nie jest surowa, a ich liczba nie jest regulowana. Często wszystkie części są napisane w jednej tonacji.

Suite ma kilka historycznie stałych typów. Stary (barokowy) apartament został wreszcie utworzony przez środek XVII wieku. - Pierwsza połowa XVIII wieku. W pracy kompozytorów różnych szkół narodowych: odpływ, Handel, Korelli, Cooper, Ramo i innych. W różnych krajach nazywano go inaczej: w Niemczech - Passpit, w Anglii - lekcje, we Francji - Uwertura, we Włoszech - Sonata - Sonata Kamera Da, balet.

Na garnitur XVII wieku. I wcześniej zwykła była społeczność tańca tematyczna, ale w XVIII wieku. Stało się stosunkowo rzadkie (brak baha, możliwe jest wykrywanie handel). Dancing Suit od środka XVII wieku. Zgubił postać zastosowaną, aw XVIII wieku. Ich forma stała się znacznie bardziej skomplikowana, chociaż dominowane małe formy (proste 2- i 3-osobowe, kompozytowe, stare barze, koncert i kontraście-kompozyt).

Podstawa starożytnego pakietu stuleci XVII-XVIII. 4 taniec były: allemanda, kwarantan, Sarabanda i pobrana. W cyklu tańce uspokajające ciężko szybko się sprzeciwiały:

1) Allemanda - Umiarkowanie powolne tempo,

2) Kurata - umiarkowanie szybko,

3) Sarabanda jest bardzo powolna,

4) Album jest bardzo szybki.

Allemanda. - Dwóch dolarów (rozmiar 4/4) taniec płynny o umiarkowanym tempie, pochodzenia niemieckiego. Rozpoczyna się ze względu na zegar (k. XVII wieku) z jednym ósmym lub szesnastym czasem trwania. Przez liczbę głosów allemanów częściej niż 4 głosowanie, z obfitości kołków, imitacji. Jednocześnie rozwój polifoniczny wygładza taniec rytmu. Forma Almendy jest starym dwoma rozdziałem (część, której część adresowana była częścią).

Kuranta. - Threedole (3/4 lub 3/2) taniec pochodzenia francuskiego. Tempo umiarkowany lub szybki. Typowy rytm. Razem z allemand na początku. XVIII wiek Kuralta wyszła z wszystkich i służyła jako przedmiot stylizacji (Bach). W przypadku liczby głosów są zazwyczaj dwa biegu. Prosta forma dwupoziomowa (na końcu - osobliwe powtórzenie).

Sarabanda. - Threedole (3/4 lub 3/2) taniec pochodzenia hiszpańskiego. Pozbawiony początkowej pracy. Typowe rysunki rytmiczne:

w Cadenssi -. Zmiana harmonii podkreśla główny rodzaj rytmu. W Sarande przeważa magazyn akordowy (homohone harmoniczna tekstura). Kształt trzech części (represity jest wyraźniejsza).

Zhiga. - Szybki Thedole (3/8, 6/8, 9/8, 12/8, 12/16) Dance of English Origin. Często dokonany. Często poddano to fundamentalnemu rozwojowi, w tym wraz z odwołaniem tematu II. W liczbie głosów - dwa - lub trzy-skali. Forma jest prostą trzyczęściową.

Oprócz głównych tańców w apartamencie, często wprowadzane są dodatkowe zabawy:

1) Niektóre tańce miały podwójną (opcję), rodzaj zmienności ozdobnej;

2) Jest gra wstępna (preambuła, uwertura, TOCCAT, Fantasy, Sinfonia) przed allemanda); Taka gra może być małym dwoma lub trzema częściami;

3) Wewnątrz apartamentu (zwykle między Sarandy i Jig), inne tańce są umieszczane - MenueT, Gavot, Burre, Paspie, Rondo, Burlesque, Scherzo, Capriccio lub Play (Aria).

Od innych cyklicznych form w epoce barokowej, sonata i koncert są dystrybuowane.

Sekcja 2 Gatunki muzyki chóralnej

Tematy 11 -12 cykli w muzyce chóralnej wokalnej

Kompozytorzy robót wokalno-chóralnych i instrumentalnych są często łączone do cykli. Przypomnijmy cykl instrumentalny Camille Saint-Sansa "Karnawał zwierząt". Muzyka tej pracy jest pełna humoru, w nim jest głos zwierząt.

Najbardziej ulubiona gra wielu fanów kreatywności K, Saint-Sansa - "Swan". W głównym temacie tej pracy wykonuje wiolonczelę, przedstawiono wdzięczny ruch łabędzie na wodzie.

Cykl wokalny jest cyklem romansu lub piosenek w połączeniu z jednym pomysłem.

Pamiętaj, co gra z cyklu C. Saint-Sansa "Zwierzęta karnawałowe" słuchałeś wcześniejszych klas. Co łączy prace tego cyklu?

Rosyjski kompozytor skromny Petrovich Mussorgsky stworzył niezrównany cykl wokalny "dzieci", składający się z siedmiu miniatur muzycznych do wykonywania jednego lub dwóch wokalistów, któremu towarzyszy fortepian. Wiersze do każdej z tych małych scen napisały sam kompozytor.

Miniatura - mała praca muzyczna, najczęściej gra narzędzi.

W pierwszej sztuce zwanej "z nianami" dziecko przekonuje swoją nianię, by opowiedzieć o różnych historiach. Specyfiki tej pracy jest to, że kompozytor przekazuje emocjonalne traktowanie chłopca przez recytatywę. W takim przypadku sylaby szokowe w słowach AH zbiegł się z melodycznym skokiem. Dzięki tej muzyce powstaje wrażenie mowy na żywo dziecka.

Drugi produkt cyklu - "W rogu" rozpoczyna się od "wysokiej" noty emocjonalnej Niani, która jest zły na swoim pet Mikhasik, ciągłe ósme notatki - jest to rodzaj akompaniamentu Vigukowan: "O ty, pościgu ! Odblokowany plątanina, zmęczono fale! Ahti! Wszystkie pętle opalone! Pończocha spryskała atramentem! " 3 Kąt, aby usłyszeć kontrowersyjną reakcję chłopca, zawarte w mniejszych intonocjach z upadającym końcem. Dziecko wyjaśnia Nyan, że szkoda spowodowała kotek, a nie.

Pokrycie cyklu nadruków "Dzieci". Mussorgsky.

Mowa stopniowo rozwija się - dynamika różni się, tempo jest przyspieszone, niepewne intonacje wymówek rozwijają się w płaczu obrażonego dziecka. W ostatnich czterech padach tempo muzyki spowalnia nieco - chłopiec "grozi" niani, że nie pokocha jej w przyszłości, ponieważ go obrażał.

Cykl zawiera sztuki "Beetle", "z lalką", "na senach nadchodzących", "Cat Sailor", "na kiju". Inni, że kompozytor grał do swoich przyjaciół nie został zachowany w świetnej formie.

W każdej części dzieci pokazują swoje cechy w różnych sytuacjach życiowych. W tym celu autor harmonijnie łączy słowa i muzykę. Dzięki tej interakcji każda z muzyki i poetyckich sztuk tworzy wrażenie holistycznej i ukończonej pracy, która ma prawo do życia poza cyklem.

Skromny Musorgsky, "z Niani", "w rogu" z cyklu wokalnego "Dzieci".

Z scen wokalnych najbardziej lubiłeś? Jakie muzyczne oznacza kompozytor ujawnia świat dziecka? Zwróć uwagę na ekspresję melodii wokalnej, jego połączenie z tekstem. Jaka jest rola wsparcia instrumentalnego w tworzeniu obrazów poetyckich?

Portret kompozytora

Skromny Petrovich Musrsorgsky:

"Jeśli dźwięk wyrazy ludzkiej myśli i uczuć, prosta rozmowa, jest prawidłowo odzwierciedlona w mojej muzyce, a takie odtwarzanie jest muzycznie artystyczne, a potem wszystko jest w porządku!"

Modest Petrovich Mussorgsky (1839-1881) - rosyjski kompozytor-Novator, autor arcydzieł opery "Boris Godunov" i "Hovanshchina" ", muzyka, której ryż i głębokie korzenie narodowe. Jest także autorem prac orkiestrowych i komorowych, romansów, w tworzeniu, które polegały na kreatywności ludowej. Praca artysty wyróżnia się głębokością, dramatem i prawdziwością obrazów.

Urodzony w p. Prowincja Karevo Pskov. Studiował i pracował w Petersburgu, służył jako wojsko. Profesjonalny kompozytor muzyczny kompozytor nie otrzymał i zaczął tworzyć muzykę jako amator (amator).

Jednak następnie postanowił poświęcić swoje życie w sztuce, pozostawiając usługę.

Aktywna aktywność twórcza rozpoczęła się w szeregach słynnego narodowego kręgu narodowego kręgu rosyjskich kompozytorów "potężna ręka". Materiał musi jednak zmusił go do pracy jako urzędnik w różnych instytucjach, które rozproszone od kreatywności.

W 1879 r. Wraz z piosenkarzem Opery Darya Leonova popełnił koncertową wycieczkę po miastach Ukrainy. Motywy ukraińskie znajdują odzwierciedlenie w niedokończonej operze "targach Sorochinskaya" w oparciu o pracę Nikolai Gogola.

Pomnik N. Musorgsky w pobliżu szkoły muzycznej w mieście Rog Krivoy Rog (Ukraina)

1. Jakie prace są łączone w cykle muzyczne? Jaka jest podstawa cyklu wokalnego?

2. Podaj przykłady muzyczne w pracy: instrumentalne, wokal, napisane w formie cyklu.

Projekt muzyczny. Wprowadź sekcję biblioteki szkolnej "Muzyka dla dzieci". Wybierz zdjęcia o dzieciach, które mogą być ilustracje-epimigraphami do każdego cyklu od Fonotka. Zadanie woli. Utwórz cykl kilku znanych piosenek do pewnego tematu, daj mu nazwę. Pomyśl o budowie cyklu wokalnego, rozwój muzyki zgodnie z wybraną działką i treści piosenek wiosłowych.

Muzyczne cykle piosenki lub sztuki, są one tworzone zgodnie z pewnym tematem lub zawarte z autorami fragmentów własnych opera, baletów, symfonicznych.

Jednym z najbardziej ukochanych tematów, które zawsze zainspirowały kompozytorów do tworzenia "magicznej" muzyki to świąteczne wakacje. Tak więc cykl fortepianu miniatury na melodiach koralików samochodowych powszechnych w życiu Ukraińców należy do dzieł Wasily Barvinsky.

Zagraniczni artyści nie pozostali na boku, z których wielu dał słuchaczy radosnych minut muzyki świątecznej. Na przykład brytyjski kompozytor Benjamin Britten stworzył cykl chórowy Carol, który można usłyszeć podczas świąt Bożego Narodzenia w salach koncertowych różnych krajów.

Jestem w świecie muzyki: postrzegam, rozumiem

Benjamin Britten, "Wieniec kolażu" lub "Boże Narodzenie wieniec piosenki" na chór, daleki solista i harfę (№2, 5, 10).

Opisz ogólny nastrój pracy i indywidualne miniatury chóralne. Jaka farba do barwa przynosi dźwięk harfy?

Portret kompozytora

Benjamin Britten:

"Nie poddawaj się, gdy najpierw słuchasz nowej pracy i nie rozumiesz tego ... Pamiętaj, że muzyka nie jest rozrywką, choć to jest ten cel, że lekki używa muzyki".

Benjamin Britten (1913-1976) - brytyjski pianista, dyrygent, jeden z największych kompozytorów XX wieku, w których praca prawie wszystkie gatunki muzyczne są reprezentowane.

Urodzony w hrabstwie Suffolk, w rodzinie lekarza. Jako dziecko odkryłem zdolności muzyczne i zaczęłam angażować się w muzykę pod kierunkiem matki, pianistów kochanków i aktywnych uczestników lokalnego kręgu chóralnego. Pierwsze małe sztuki inspirowane wrażenia z życia rodzinnego pojawiły się wcześnie - o 8 lat. W ciągu 12 lat Benjamin napisał "prostą symfonię" na orkiestrę smyczkową, a na 16 - wszedł do Royal Music College (Konserwatorium). Podczas szkolenia było wiele prac chóralnych, symfonicznych i kameralnych, w tym kilka piosenek dla dzieci. Od tego czasu autor stale poruszył muzykę dla dzieci.

Młody kompozytor otrzymał swoją pierwszą pracę w firmie filmowej dokumentacji dokumentalnych, gdzie był mały zespół instrumentalny. Dzięki pracy w filmie Britten dowiedział się szybko muzykę, nawet gdy nie było inspiracji, a na różnych, często nie na wszystkich plotach poetyckich (na przykład, o rozładunku naczynia).

W 1939 r. Kiedy rozpoczęła się druga wojna światowa Britten poszedł do Ameryki. Jako odpowiedź na wydarzenia tragiczne, które wystąpiły w Europie, powstała "ballada bohaterów" Cantata "- jest poświęcony walce z faszyzmem w Hiszpanii. Łoszczenie kompozytora wrócił do ojczyzny i osiadł w nadmorskim mieście Oldbor. Tam świat widział kilka oper, w szczególności "Peter Gress".

Artysta napisał również wiele dzieł muzycznych dla dzieci i juniorów. W grze "Utwórzmy Operę" same młode widzowie weźmie udział.

O połowę pługu

Och, połowa rudy pluguchok.

Hojny wieczór, dobry wieczór,

Dobrzy ludzie na zdrowiu!

(Powtarzane po każdej linii).

Tam Vasilko spacery z pługiem.

Jego matka bije do jedzenia.

Ori, syn, Thi Nivka.

Tak i pszenica Siєm.

1. Nazwij cykle chórów wokalnych znanych z Ciebie i ich autorami.

2. Pamiętaj i wyjaśnij, kiedy zakrzyki są wykonywane podczas świąt Bożego Narodzenia, a kiedy są genosiecie.

Projekt muzyczny. Zapytaj, które kolędy i generacji są dystrybuowane w Twojej okolicy. Zapisz nazwiska i słowa ulubionych piosenek. Jeśli to możliwe, zapisz melodie. Utwórz razem z rodzicami lub dorosłymi "Vynochok z koralików samochodowych i hojny dla mojej rodziny" lub "Boże Narodzenie wieniec piosenek mojej krawędzi".

Cycki nazywane są formularzami, które składają się z kilku, z reguły, niezależnie na temat tematów i tworzenia części oddzielonych przez nieaplamowane przerwy, przerywając bieżący czas muzyczny (podwójne cechy zegara z "tłuszczową" prawą linią). Wszystkie cykliczne formy ucieleśniają bardziej zróżnicowaną i wieloaspektową zawartość w połączeniu z artystycznym zamiarem.

Niektóre cykliczne formy w postaci uogólnionej są wykonane przez koncepcję ideologiczną, bałagan, na przykład - Theocentryczne, później - cykl syn-i symfoniczny - antropocentryczny.

Główną zasadą organizacji form cyklicznych jest kontrast, którego wyrażenie jest historycznie zmienne i wpływa na różne środki ekspresyjności muzycznej.

Powszechne formy cykliczne są uzyskiwane w epoce barokowej (koniec 16 - pierwsza połowa XVIII wieku). Są bardzo zróżnicowane: cykle dupleksu z Fuga, Concerti Grossi, koncerty do podejmowania narzędzi z orkiestrą, apartamentem, WOAR, solo i zespołami.

Korzenie wielu form cyklicznych są zamknięte w dwóch rodzajach przeżarzania opery z XVII wieku, tzw. Francuzów (Lully) i Włoch (A. Studella, A. Scarlatti) przy użyciu typowych kontrastów. W uwertaniu francuskim najważniejszym stosunkiem pierwszej powolnej sekcji (uroczyste natury) i szybki polifoniczny drugi (zwykle, fügled), czasami zakończono zwięzłą adagio (czasami na materiale pierwszej partycji). Podobny rodzaj współczynników tempo, powtarzający się, staje się bardzo typowy dla zespołu Sonatas i Concerti Grossi, zwykle składający się z 4 części. W Concerti Grossi Corlli, Vivaldi, Handel w pierwszych częściach jest dość z pewnością wyrażone przez funkcję wpisu. Wkłada nie tylko z powodu powolnej szyby, stosunkowo małej długości, ale czasami istnieje czasami harmonijne otwarcie.

Mansion to 6 koncertów Brandenburg I.S. Baha (1721), w którym wszystkie pierwsze części są napisane tylko w szybkim tempie, ale są najbardziej rozwiniętymi, rozszerzoną, które określają dalsze wdrażanie cykli. Taka funkcja pierwszych części (z różnicą w formacji wewnętrznej) przewiduje funkcję 1 części w późniejszym cyklu syn-symfonicznym.

Nieco mniej zauważalny wpływ tego typu współczynników tempo w garniturach i klipach blisko nich. W stosunku do "obowiązkowych" tańców - powtarzające się i rosnące kontrast tempo-rytmiczny: umiarkowanie powolny allemand podwójnego dollane jest zastępowany przez umiarkowanie szybkich dzwonków trzydolarnych, bardzo powolnej trójstronnej sarandy - bardzo szybki dżig (zwykle w Sześć, dwunasta połowa rozmiarów, które łączą dwa i trzy-pręta). Te cykle są jednak dość wolne od liczby części. Często istnieją części wstępne (preludium, preludium i fuga, fantazja, synponia), a tzw. "Plusy", bardziej nowoczesne tańce (Gavot, MenueT, Burre, Ryodon, Lur, Muzett) umieszczono między Sarandy i Gig. Często tańce plug-in (zwłaszcza zazwyczaj dla menuty i Gavotov) były dwa, na końcu drugiego zawierały wskazanie powtórzenia pierwszego. Bach w swoich garniturach utrzymywał wszystkie "obowiązkowe" tańce, inni kompozytorzy zwrócili się do nich bardziej swobodnie, w tym tylko jeden lub dwóch z nich.

W partycjach, w których wszystkie "obowiązkowe" tańce są często zapisywane, koło narządów płciowych liczb wtyczek jest znacznie szerszy, na przykład, Rondo, Capriccio, Burlesque.

Zasadniczo w pakiecie (wiersz) tańce są równe, nie ma różnorodności funkcjonalnej. Jednak niektóre funkcje zaczynają formować. Tak więc Sarabanda staje się lirycznym centrum apartamentu. Jest bardzo różny od ograniczonego ostrego, ciężkiego, uroczystego prototypu domowego podwyższonej czułości, wyrafinowania, teksturowanej łaski, dźwięku w średniego rejestrze. Często jest to Sarabands, które mają ozdobne Duplice, które wzmacnia swoją funkcję ośrodka lirycznego. W Ziga (najbardziej "wspólna linia" według pochodzenia - taniec angielskich żeglarzy), najszybszym tempie, ze względu na energiczną, masę, aktywną polifoniczność, funkcja końcowego jest utworzona.

Wskaźniki tempa uwertury włoskiej, które obejmowały trzy sekcje (ekstremalne - szybkie, polifoniczne, średnie - powolne, śpiewające), przenoszą się do trzech części cykli koncertów do narzędzia doładowania (rzadziej, dla dwóch, trzech solistów) Orkiestra. Pomimo zmian w formacji, trzy części cykl koncertowy na temat ogólnych konturów zachował stabilność z XVII wieku do ery romantycznej. Aktywny, konkurencyjny charakter pierwszych części jest niewątpliwie bardzo blisko klasycznego Sonatny Allegro.

Specjalne miejsce jest zajęte przez cykle dwukierki z fugują, gdzie podstawowy kontrast - w różnych rodzajach myślenia muzycznego: więcej wolnych, improwizacji, czasem więcej homofonu w pierwszych częściach (preludium, tokkate, fantazje) i ściśle zorganizowane logicznie - w Fugas. Korelacje tempo wyróżniają się dużą różnorodnością i nie są podatne na pisanie.

Pierwsza część koncertów do narzędzia doładowania z orkiestrą (przyszła Sonate Allegri Symphony), liryczne Sarabandy SYTONY (próbki symfonicznego Andanti), aktywnego, energicznego tłuszczu (prototi), były znaczące. W pewnym stopniu występuje efekt Concerti Grossi z ich powolnymi początkowymi częściami. Wiele symfonii Viennese Classics zaczyna się od powolnego przystąpienia do różnych długości (zwłaszcza Haidna). Wpływ pakietu jest objawiany i w obecności menu z przodu końcowego. Ale znacząca koncepcja i funkcjonalna pewność części w cyklu syn-i symfonicznym jest inna. Treść apartamentu, która została zdefiniowana jako kolektor jedności, w widocznym cyklu symfonicznym można sformułować jako jedność różnorodności. Części cyklu Semon-syfonicznego są znacznie trudniejsze funkcjonalnie koordynowane. Genre-semantyczna rola części odzwierciedlają główną skraj człowieka: akcji (homo agens), kontemplacja, refleksji (homo sapiens), odpoczynek, gra (homo Ludens), człowiek w Socia (Homo Commomo).

Cykl symfoniczny ma zamknięty profil tempa w oparciu o zasadę skoku z nadzieniem. Opozycja semantyczna Między Pierwszymi częściami Allegri i Andanti jest podkreślana nie tylko przez podstawowy współczynnik tempo, ale także, z reguły kontrast ladhoton.

Cykle symfoniczne i komorowe do Beethovena były zauważalnie od siebie różne. Ze względu na fundusze wykonujące (orkiestra), symfonia zawsze zakłada się, rodzaj "reklamy", krewnych reprezentacji teatralnej. Prace komorowe wyróżnia się dużą różnorodnością i wolnością, co przynosi im do narracyjnych gatunków literackich (warunkowo, oczywiście), aby zwiększyć osobisty "intymność", liryczność. Blichy jest najbliżej symfonii, innych zespołów (trio, niewinki różnych kompozycji) nie są tak liczne i często bliższe pakiet, a także odcinek, Serenada i innych gatunków muzyki orkiestry.

W fortepianie i zespołu Sonata, z reguły, 2-3 części. W pierwszych częściach formularz Semonate jest najbardziej powszechny (w symfonii - zawsze), ale istnieją inne formy (skomplikowane trzy części, różnice, Rondo w Haidnie i Mozarcie, odmiany w Beethoven, na przykład).

Główne sekcje pierwszych części symfonii są zawsze w tempie Allegro. W sonatach komorowych, wyznaczenie tempa Allegro jest również bardzo częste, ale istnieje również wypowiedzialna notacja tempa. W solowych i komnatach Sonats często łączy się z funkcjonalną rolą gatunkową wewnątrz jednej części (na przykład liryczny i taniec, taniec i finały). W znacznym stopniu cykle te są bardziej zróżnicowane, stają się jak "laboratorium" do dalszego rozwoju cykli. Tak więc, na przykład Gatunek Scherzo pojawia się po raz pierwszy w fortepian Sonatas Gaidna. Później Scherzo stanie się pełną częścią widzenia cyklu symfonicznego, prawie tłumiony menu. Scherzo ucieleśnia szerszego elementu semantycznego gry (z galaliczności krajowej do gry sił kosmicznych, jak na przykład dziewiątej symfonii Beethovena). Jeśli Haidna i Mozart nie ma czteroosobowych sonatów, a następnie wczesne fortepian Beethoven Sonats używać współczynników tempo i gatunków typowych dla symfonii.

W przyszłości, historyczny rozwój widzenia cyklu symfonicznego (począwszy od Beethovena) jest "rozgałęzienie" (z ogólnymi "korzeniami") na "tradycyjnej" oddziału, od wewnątrz treści odnawialnych i bardziej radykalnych ", innowacyjne". W "Tradycyjne" istnieje wzmocnienie lirycznych, epickich obrazów, detalowanie gatunków (romans, walca, elegia itp.), Ale zachowuje się tradycyjna liczba części i amplua semantyczna. Ze względu na nową zawartość (liryczne, epickie) pierwsze części utraciły szybkość tempa, przy zachowaniu intensywności wdrażania proceduralnego i wartości, która określa cały cykl części. Dlatego Scherzo staje się drugą częścią, przesuwając ogólny kontrast pętli cyklu, pomiędzy powolną częścią (najbardziej osobistą) a szybkimi finałami, co daje wdrażanie cyklu większych aspiracji (stosunek Menuet i końcowy, często również tańczą, bardziej niezamierzone, zmniejszając uwagę słuchaczy).

W klasycznych symfonie pierwsze części są najbardziej wpisywane na formację (forma Sonate i jej odmiany, wspomniano powyżej większą różnorodność form pierwszych części sonatów komory). W menu, a Scherzo mocno przeważają złożoną trzy części (oczywiście, nie bez wyjątków). Największą różnorodność tworzenia charakteryzuje się wolnymi częściami (proste i złożone formy, wariacje, Rondo, Sonate we wszystkich gatunkach) oraz finały (Sonate z odmianami, odmianami, Rondo, Rondo Sonata, czasami złożona trzyczęściowa).

We francuskiej muzyce z XIX wieku utworzono typ trójkolarowej symfonii, gdzie w drugiej częściach funkcje powolnych (ekstremalnych sekcji) i ostrych tańca (medium) są łączone. Takie są symfonię Dawida, Lalo, Franka, Bizeta.

W "innowacyjnej" gałęzi (po raz kolejny konieczne jest przypomnienie wspólnoty "korzenie") są bardziej widoczne. Często występują pod wpływem programu (szósta symfonia Beethovena "," Harold we Włoszech "," żałoby triumfalne "symfonie Berlioza), niezwykłych wykonawców i wzorów (dziewiąta symfonia Beethovena, Drugi, Po trzecie, czwarta symfonia Maler). Mogą być "podwojenia" części, z rzędu lub symetrycznie (niektóre symfonie, trzecia symfonia Tchaikovsky, druga symfonia Subriabina, niektóre symfonie Shostakovicha), syntezy różnych gatunków (Symfonia - Cantata, koncert symfoniczny).

W połowie XIX wieku cykl symfoniczny nabywa wartość gatunku najbardziej koncepcyjnego, powodując samego stosunku, co prowadzi do znanego ilościowego spadku cykli syfonowych symfonicznych. Ale jest inny powód związany z romantyczną estetyką, dążąc do uchwycenia wyjątkowości każdej chwili. Niemniej jednak wielowartość bycia może uosabiać tylko formę cykliczną. Ta funkcja z powodzeniem wykonuje nowy apartament, charakteryzujący się niezwykłą elastycznością i wolnością (ale nie anarchią), uchwycenie kontrastów we wszystkich różnorodności ich manifestacji. Dość często apartament są tworzone na podstawie muzyki innych gatunków (do dramatycznych występów, opery i baletu, później na podstawie muzyki do filmów). Nowy apartament jest zróżnicowany w wykonawcom (orkiestral, solo, zespół), może być oprogramowaniem i nie-programowem. Nowy apartament uzyskuje szeroko rozpowszechniony w muzyce w wieku 19-20 stuleci. Słowo "Suite" nie może być używany w tytule ("Motyle", "Karnawał", Craislerze, Fantastyczne sztuki, Viennese Carnival, album dla młodzieży i innych, dzieł Shuman, sezony Tchaikovsky, zdjęcia z Musorgsky's wystawa). Wiele miniaturowych opuses (Preludes, Mazurok, Nocnurns, Etiudes) są zasadniczo podobne do nowego pakietu.

Nowy apartament jest dwóm Polakom - cykl miniaturowy, a do symfonii (oba poluje na muzyce do dramatu Ibsen "na ochronę", "Shehherazada" i "Antar" rzymski Corsakow, na przykład).

Blisko organizacji nowych cykli wokalnych, takich jak "fabuła" ("Piękna Mellerchikha" Schubert, "miłość i życie kobiet" shuman), a uogólnione ("zimowy sposób" Schuberta "Miłość poety" Shumanan) , a także cykle chóralne i niektóre kantata.

Często w muzyce barokowej, a także w klasycznej i późniejszej muzyce, nie zawsze jest możliwe określenie liczby części, ponieważ uwaga Attacca, która występuje dość często, nie przerywa przepływu czasu percepcyjnego. Również często zdarza się, że niezależni od tematów i, w dużej mierze, na temat tworzenia muzyki, muzyka jest podzielona przez dwa subtelne cechy zegara (Sinfony z Bach Preshit do Minor, Sonata Mozart na skrzypce i Piano La Minor / K-402 /, Fantasy do Minor / K -457 /, Beethoven Sonata na wiolonczelę i fortepian. 69, Or. 102 nr 1 i wiele innych dzieł różnych autorów), co prowadzi do tworzenia indywidualnych (bezpłatnych) form. Mogą być nazywane Contrast-Composite (termin V.v. Protopopova) lub punkowo cykliczny.

Dozwolona jest wykonywanie poszczególnych części z robót cyklicznych, ale cykle są zazwyczaj łącznie z intencją artystyczną, której realizacja jest prowadzona przez środki muzyczne.

Jedność może objawiać się ogólnie: poprzez tempo, ukształtowane partie części, podobne zasady harmoniczne, plan tonalny, strukturę, organizację metromimiminową, stosunki intonacje we wszystkich częściach, a zwłaszcza, w ekstremalnych. Ten rodzaj jedności jest uogólniony. Opracowano w cyklicznych formach baroku i jest warunkiem koniecznym dla artystycznej pełni cyklicznych form każdej epoki.

Ale jedność cyklu można przeprowadzić większą ulgę, a konkretnie: przy pomocy tematów końcowych, reminiscencji lub, znacznie rzadziej, harbing. W rozwój i powikłanie formy muzyki instrumentalnej, po raz pierwszy pojawiające się w Beethoven (w piątym dziewiącie symfonii, niektóre sonaty i kwatery). Z jednej strony, tematyczna zasada jedności (jest uważana szczegółowo MK Mikhailov w artykule "na temat stowarzyszenia Tematycznego cyklu Sonate-Symfonicznego" // Pytania teorii i estetyki muzyki: Vol. 2. - M. : SK, 1963) powstaje jako "koncentracja", koncentracja połączeń intonacyjnych, z drugiej strony, z drugiej strony możliwe jest wykrycie wpływu muzyki oprogramowania, a częściowej opery w Leitmotive Opera grając w dramacie.

Zasada tematyczna Jedności w pewnym stopniu narusza taką linię cyklicznych form, jako niezależność thuatyzmu części, bez wpływu na niezależność tworzenia (przeniesienie tych z reguły, występuje w nieostanowanych sekcjach formularzy - Włączenie i kody głównie). W przyszłym rozwoju historycznym tematyczna zasada jedności wzrosła w dedukcyjnym, w którym tworzenie poszczególnych części bardziej bezpośrednio zależy od całkowitego planu figuratywnego i kompozytowego cyklu. Te strony poprzednich części aktywnie wpływa na tworzenie się późniejszych, uczestniczących w swoich głównych sekcjach (w rozwoju, na przykład), lub jest modulowany w formie, transformacji stereotypu.

Główna literatura:

1. Beekov V.S. Kształt Sonataya i struktura widzenia cyklu symfonicznego. M.: Radziecki kompozytor, 1961.

2. Bobrovsky V.P. Podstawa funkcjonalna formy muzycznej. M.: Muzyka, 1978.

3. Mazel L.a. Struktura utworów muzycznych. M.: Muzyka, 1979.

4. Mazel L.a., Zuckerman V.a. Analiza prac muzycznych. M.: Muzyka, 1967.

5. Sokolov O.v. Morfologiczny system muzyki i jego artystyczne gatunki. Nizhny Novgorod, 1994.

6. SPOSOBIN I.V. Forma muzyczna. M.: GMI, 1956.

7. HOLOVA V.N. Formy utworów muzycznych. Petersburg: LAN, 1999.

Dodatkowa literatura:

1. Asafiev B.v. Forma muzyki jako proces. L.: Muzyka, 1971.

2. Aranovsky Mg. Wyszukiwania symfoniczne. L.: Radziecki kompozytor, 1979.

3. Katz B.a. Na szansie cyklu odmianowego // muzyki radzieckiej. - 1974 №2.

4. Claus Ts. Skład techniki w muzyce XX wieku. M., 1976.

5. Medushevsky V.v. Na wzorach i sposobie artystycznego wpływu muzyki. M.: Muzyka, 1976.

6. Medushevsky V.v. O muzycznym uniwersalnym. Skład i dramat / S.S. Scrapers: artykuły i wspomnienia. M.: Radziecki kompozytor, 1979.

7. Mikhailov Mk. Na tematycznym stowarzyszeniu widzenia cyklu symfonicznego // pytań teorii i estetyki muzyki. Obłon. 2. M.: Radziecki kompozytor, 1963.

8. Nazaykin E.v. Logiczna kompozycja muzyczna. M.: Muzyka, 1982.

9. Protopopov v.v. Procesy zmienności w formie muzycznej. M.: Muzyka, 1967.

10. Rytm. Przestrzeń i czas w literaturze i sztuce: Sob. Artykuły - L.: Science, 1974.

11. Sokolov O.v. Na dwóch podstawowych zasadach tworzenia muzyki. // o muzyce. Problemy analizy. - M.: Radziecki kompozytor, 1974.

12. Fainberg E.L. Sztuka i wiedza // pytania filozofii. 1967 №7.

13. HOLOVA V.N. Pytania rytmu w pracy kompozytorów XX wieku. M.: Muzyka, 1980.

14. HOLOVA V.N. Rosyjski rytm narodowy. M.: Radziecki kompozytor, 1982.

15. Chrystus D. Teoretyczne podstawy melodii. M.: Muzyka, 1980.

16. Zuckerman V.a. Analiza prac muzycznych. Ogólne zasady tworzenia. Proste formy. M.: Muzyka, 1980.

17. Zuckerman V.a. Analiza prac muzycznych. Złożone formy. M.: Muzyka, 1983.

18. Zuckerman V.a. Analiza prac muzycznych. Formularz zmienności. M.: Muzyka, 1974.

19. Zuckerman V.a. Analiza prac muzycznych. Rondo w jego rozwoju historycznym. Część 1, 2. m.: Muzyka, 1988.

Kształt sonatalny z odcinkiem jest używany w różnych gatunkach: indywidualne odtwarzanie, cykliczne finały Finały, powolne części.

Epizod może mieć jeden wypełniony formularz.

W niektórych przypadkach pojawia się z epizodu z epizodu.

Ponadto istnieją łączone w formie Sonate, która wykorzystuje rozwój z epizodem lub odwrotnie.

Formy do spania. Istota semonatu dramatu (zasolenia) leży w strukturze formy próbkowania, ale w procesie rozwoju. Proces ten jest wyrażony w specjalnych wskaźnikach i funkcjach materiału tematycznego. W przeciwieństwie do porównania lub rozwoju końcowego, typowe dla złożonej trójkolejowej lub Rondo, formularz selekcji wyróżnia się dynamiczną kombinację, która jest wyrażona w intensywnym przygotowaniu następujących lub partycji.

Jeszcze ważniejsze dla Dramatu Sonatoo ma rolę i interakcję funkcji materiałowych w ekspozycji, które są trzy:

1. Głównym materiałem, który odgrywa główną rolę w pracy i koncentruje się na uwagę słuchacza (główne tematy);

2. Przygotowanie materiału, które powoduje przestrzeganie oczekiwań (wejście, więzadła, przewiduje);

3. Końcowy materiał o charakterze twierdzenia (tematy ostateczne, kody).

W stosunku głównych i bocznych partii zawsze istnieje naruszenie równowagi na korzyść str .p. Jest to ułatwione przez duże rozmiary tego ostatniego, a zwłaszcza jego tonalne mocowanie przez materiał o charakterze twierdzenia i kazna.

Semonate forma jest stosowana w widocznym cyklu symfonicznym (pierwsza część, finały, powolna część), indywidualne dzieła samokonsu, nadzoru, mniej często muzyki wokalnej i opera. 41. Komunikacja części instrumentalnej pracy cyklicznej.

Cykliczne formy muzyczne są formy muzyczne pracy narzucającą obecność poszczególnych części, niezależnych w strukturze, ale związane z jednością planu. W historii muzyki akademickiej, cykle z preludium-fuga, cykli suite, cykle sonate-symfoniczne są znane. Seria powiązanych prac może być również nazywana cyklem (z których każdy może mieć lub nie posiadać cyklicznej formy) lub programów koncertowych. W muzyce pozakademicznej (jazz, rock), albumy koncepcyjne i oddzielne duże prace mogą być bardzo popularne dla cyklicznych form.

Dwuczęściowy cykl fugue preludium jest znany od czasu baroku. Wymaga funkcjonalizację preludium jako improwizacyjnego wejścia do fuga.

Cykle "Prelude-Fugue" można łączyć w większe cykle w oparciu o każdą zasadę formalną lub tematyczną. Najbardziej znanym przykładem jest "dobrze hartowany klucz" I. S. Bach, zbudowany na zasadę pewnej alteracji korespondencji Ladhoton. Przykładem z muzyki XX wieku jest "24 Preludia i Fugi" D. D. Szostakowicz.

Dla pakietu, znany od XVI wieku, są charakterystyczne:

komunikacja poszczególnych części prac z tradycyjnym zastosowanym (utwór, taniec) gatunki, prostota struktury części;

porównanie części części;

tendencja do jedności lub najbliższego pokrewieństwa telefonów.

Wierzchołki gatunku w muzyce barochku - apartamentów I. S. Baha i G. F. Handel, w okresie klasycznym - V. A. Mozart i J. Haydna. W XIX wieku główni kompozytorzy zwrócili się do gatunku pakietu głównie w celu stylizacji (E. Grieg, M. Ravel itp.).

W XX wieku gatunek pakietu był zasadniczo przemyślenia, nowych technik zastosowano do niego (taki, na przykład dodecafoniczny pakiet orchestralny A. Schönberg i A. Berg), pokryte nowym materiałem (tak, w apartamencie P. Heiret "1922 "Używane modne tańce odpowiedniego czasu: Shimmi, Boston, prawy).

Niektóre dzieła muzyki nieakademicznej (głównie progresywnej skały) są również szczelnie. Jako przykłady jaszczurka można nazwać "jaszczurką" z tego samego albumu Królewskiego zespołu Rockowego i Serce Atom Matki z tej samej nazwy Różowej Grupy Floyd albumu. Jednak "Rock-suite" jest często nazywany kompozycjami, raczej do formularzy wolnej i mieszanej (w tradycyjnej terminologii muzycznej i teoretycznej).

Cykl Sonate-Symfoniczny obejmuje najbardziej abstrakcyjne gatunki muzyki akademickiej, takich jak symfonia, sonata, kwartet, koncert. Jest to charakterystyczne:

abstrakcja z zastosowanego charakteru muzyki (nawet jeśli stosowano stosowany materiał jako materiał z dowolnej części);

możliwość kontraśników figuratyw-semantycznych między poszczególnymi częściami (do ich bezpośredniej opozycji);

złożony rozwój tonalny;

ustateczne funkcje i formy poszczególnych części (charakterystyczne dla poszczególnych gatunków muzyki Sonate-Symfonicznej).

Klasyczna Sonata powstała w XVIII wieku, wierzchołki rozwoju dotarły do \u200b\u200bVienna Classics i pozostają z niektórymi rezerwacjami, żywym gatunkiem. Symfonia jako gatunek powstał w środku XVIII wieku, wierzchołki rozwoju osiągnęły również w Vienna Classics i pozostają żywym gatunkiem muzyki akademickiej. (Forma symfoniczna nie powinna być mylona z symfonizmem, która może być scharakteryzowana i działa, które nie są związane z tym formą). Kwartet nabył kształt cyklu Sonata w dziełach J. Haydny i dalej rozwinęły się w pracy Viennese Classics. W drugiej połowie XX wieku zasady leitmotive i monotektyczne charakteryzowały się wielu dziełami tego gatunku. Koncert jako rodzaj syna-symfonicznego cyklicznej pracy, która charakteryzuje się opozycją do dźwięku pełnego składu zespołu i poszczególnych grup lub solistów, rozwinęło się dziś do końca XVIII wieku.

Prace muzyczne mogą składać się z części zjednoczonych różnymi, a nie na gatunkach wymienionych i nadal mają cykliczny charakter w taki czy inny sposób. Taki są wiele gatunków stosowanych muzyki duchowej (masa, koncert duchowy, czuwa), canata, wokal i wokalne cykle chóralne (scena i liryczne).

W cyklu można łączyć z całymi pracami (z czego z kolei może mieć lub nie posiadać cyklicznego charakteru). Są to wyżej wymienione cykle Preludesa i Fugi, TetraloGy R. Wagner "Ring Nibelung", albumy koncepcyjne w muzyce pozakademowej, a także oddzielne duże dzieła muzyki jazzowej i rockowej. 42. Język muzyczny.

Język muzyczny jest podobny do innych systemów językowych, tego rodzaju organizację, której reprezentacja w postaci systemu hierarchicznego ma większą siłę objaśniającej niż prosty opis taksonomiczny. W rezultacie zakłada się, że teksty muzyczne obserwowane przez nas tworzą "mowę muzyczną", która jest realizacją, pokoleniem jakiejś idealnej (nie obserwowanej bezpośrednio) systemu - muzyczny "język". ... Wyjaśnienia wymagają, po pierwsze, pojęcie "języka muzycznego" (i odpowiednio "mowy muzycznej"). Pod pierwszym jest rozumiany w systemie, który jest realizowany nie tylko w tekstach artystycznych, które zmniejszają pewne wzorce konstrukcji. Mówienie. Na przykład "językiem dzieł Beethoven", mamy na myśli, że system generujący nie tylko te prace, ale także wszelkiego rodzaju teksty, które zachowują wzorce specyficzne dla dzieł Beethovena. . . . Muzyczna mowa z tym zrozumieniem jest odblokowana, to znaczy składa się z nieskończonego zestawu tekstów. .

Ponadto ważne dla nas jest koncepcja stylu. Koncepcja ta może być zdefiniowana jako wiele tekstów względnych, do których jest postulowany, że wdrażają jeden system. Z drugiej strony. W odniesieniu do różnych stylów zakłada się, że wdrażają różne systemy. .

Struktura systemu muzycznego jest prezentowana w postaci hierarchii poziomów. Tak więc, najwyraźniej możliwe jest odróżnienie poziomu indywidualnych dźwięków, poziomu brzmienia, poziomu harmonicznego (poziom akordów), poziom (lub liczba poziomów) formalnego członkostwa. W jednym poziomie znajdują się jednostki jednego zamówienia - dźwięki, kombinacje dźwięków, akordów, różnych sekcji formularza. Model każdego poziomu, najwyraźniej powinien generować teksty, poprawne z punktu widzenia tego poziomu. "43. Struktury muzyczne i leksykalne

Wraz z słownictwem czysto Terminologicznym słownik obejmuje obszerną warstwę nadmiernymi stosowanymi w literaturze muzycznej, aby ocenić i opisać utwory muzyki, a także opisać ich wpływ na wewnętrzny świat osoby, dla estetycznego postrzegania słuchacza . W przygotowywaniu słownika używanego angielskiego i amerykańskiego inteligentnego słowników w muzyce, encyklopedia muzyczna, a także oryginalne teksty z książek motywu muzycznego. Ludzkie życie jest niemożliwe, aby wyobrazić sobie bez dźwiękowych obrazów artystycznych wynikających w przestrzeni psychicznej w postrzeganiu muzyki. W tej monografii znaczącą strukturę "musical" fragmenty obrazu świata, reprezentujące środki nowoczesnego angielskiego. Konstrukcje poznawcze leżące u podstaw percepcji słownictwa muzycznego jako profesjonalnego i amatorskie są analizowane. Metaforyczne modele są prezentowane jako podstawy poznawcze do tworzenia warunków muzycznych i wspólnego słownictwa muzycznego języka angielskiego. Uważa się na funkcjonowanie języka muzyki w tekstach o innym stosunku części werbalnych i wizualnych. Ta książka jest kolejnym krokiem w badaniu stosunku dwóch światów - językoznawczy i musical. Książka jest przeznaczona dla wszystkich, którzy są zainteresowani pytań mentalnej struktury językowej percepcji otaczającej rzeczywistości. 44. Prosta muzyka i ich semantyka

Praca składa się z oddzielnych fraz muzycznych - małych integralnych fragmentów muzycznych. Zwroty muzyczne są łączone w okresach. Okresy, które brzmią podobnie połączone na części. Fragmenty (zwroty, okresy, części) prac muzycznych są oznaczone literami łacińskimi: A, B, C itp Różne kombinacje fragmentów tworzą różne formy muzyczne. Wspólna forma w muzyce klasycznej - ABA (kształt piosenki) oznacza, że \u200b\u200bczęść początkowa znika, gdy zastępuje część B i powtarza się na końcu pracy.

Istnieje bardziej złożona struktura: motyw (najmniejszy element formy muzycznej; 1-2 takt), fraza (pełna myśl muzyczna; 2-4 takt), propozycja (najmniejsza część melodii zakończona przez dowolnych kadanów; 8 zegarów), okres (element muzyczny; 8-16 zegarów; 2 zdania)

Różne metody rozwoju i porównania elementów melodii doprowadziły do \u200b\u200btworzenia różnych typów form muzycznych:

Pojedynczy (a)

Nazywany jest także kształtem ballada lub IP. Najbardziej prymitywna forma. Melodia może być powtarzana z drobnymi zmianami (forma AA1A2 ...). Przykłady: Chastushki.

Dual Party (AB)

Składa się z dwóch kontrastujących fragmentów - argumentów i kontraby (na przykład, "sharmanwger" śpiewa z "albumu dziecięcego" P. I. Tchaikovsky). Jeśli jednak fragmenty nie są kontrastujące, to znaczy, drugi fragment jest zbudowany na materiale pierwszego, formularz dwupartyjny zamienia się w zmienność jednego kawałka. Niemniej jednak, podobne prace (na przykład, gra "pamięć" z "albumu dla młodzieży" R. Shuman) są czasami odnoszące się do dwupoziomowej.

Trzy stabilna forma (ABA)

Nazywany jest również piosenką lub trójsą. 2 rodzaje trzech części są różne - proste i kompleksowe; W prostym, każda sekcja jest okresem, średnia może być krótkim przejściem; W kompleksie - każda sekcja jest z reguły, dwuczęściowa lub prosta forma trzyczęściowa.

Koncentryczna forma

Koncentryczna forma składa się z trzech lub więcej części powtarzanych po centralnym w odwrotnej kolejności, na przykład: w 45. Semantyki muzycznych form kompozytowych

System muzycznych kompozytowych ma taki szczegółowy łuk pojęć, co pozwala na "zobaczyć" utworów muzycznych do najmniejszych szczegółów. Żadna inna nauka o muzyce nie ma tak ostrego i dokładności wizji - historii muzyki, teorii egzekucji, etnografii muzycznej, estetyki muzycznej itp. Jednocześnie koncepcje muzyczne i kompozytowe mają "fraktujące" własność semantyczną, rozwijając się w długoterminowym doświadczeniu komunikacji muzyków z wyjaśniającą muzykę z systemem koncepcyjnym. Semantyczne i same kompozycje muzyczne - ich typy, odmiany, indywidualne przypadki. Formy muzyczne przechwytują naturę myślenia muzycznego i myślenia o wielowarstwowym, odzwierciedlającym idee ERA, Szkoła Sztuki Narodowej, stylu kompozytora itp W związku z tym obiekt rozważania - form, kompozycje dzieł muzycznych i metody analizy muszą być związane z ekspresyjno-semantyczną sferą muzyki.

Muzyka teoretyczna zajmuje się dwoma typami języków - artystycznego języka muzyki i naukowego języka teoretycznych koncepcji muzyki. Istnieje kategoryczna różnica między tymi językami, ale istnieje również podobieństwo - obecność ustalonych wartości semantycznych. W języku muzycznym semantyka charakteryzuje się ekspresyjną stowarzyszoną, z mieszaniem asocjacyjnego konceptualnego, w naukowym - przeciwnym, stowarzyszonym konceptualnym z mieszaniem ekspresyjnej stowarzyszenia; W muzyce intonacyjna jest jednostką języka, w teorii muzyki - słowa-termin. Jeśli chodzi o metodologię analizy muzyki, ważne jest, aby były stałe między intonacje muzyczne a muzycznymi pojęciami (słowami), nasyconych zwiększonymi ważkami, muzyką koncepcyjną i obrazami, ekspresywnością - język nauki muzycznej. Przyjmuj jako przykład "rozwój Sonate". Z jednej strony, w kategoriach artysty muzyki, ta sekcja jest zobowiązana do odegrania tej sekcji tak niestabilnej, fantazji, że "w powietrzu" sali koncertowej musi zwrócić się tak, jakby znak koncepcyjny: "To jest rozwój . " Z drugiej strony, pod względem nauki teoretycznej, znak, koncepcja "rozwoju Sonate" powinna powodować pomysł na jakiś rodzaj niestabilności muzycznej, fantazji i usłyszeniu z niektórych wyimaginowanych dźwięków intonacji w formie fortage. W działaniu "mechanizmu" takiego połączenia między elementami języków muzycznych i artystycznych i teoretycznych - klucz do faktu, że działanie analizy muzycznej (z należytymi umiejętnościami, sztuką) może służyć jako ekspresyjno-semantyczny logika pracy muzycznej.

"Formularz muzyczny" (Musikalische Formenlehre) historycznie pojawił się w Niemczech na końcu XVIII wieku. I jego celem było określenie norm struktury składowej dla dzieł różnych gatunków - Mott, Opera Aria, Sonata itp. Podstawowa poważna praca w formie muzycznej ", doktryna składu muzycznego" A.B. MARX (1837-1847), uważany za "formularze" w ogólnoustrojowej jedności z gatunkami i ze wszystkich stronami kompozycji muzycznej - wnętrze, harmonii, polifonii, narzędzi itp W tytule nie został wysłany słowo "formularzem", ale - "Skład". Słowo "formularz" miał długą, tradycję filozoficzną i między innymi, odpowiadającą kategorii piękna - od tamy, jego "metafizyki piękna" (III wiek), ożywione w XVIII-XIX wieku. Sheeptsbury i Winelman. A Glinka powiedział: "Forma oznacza stosunek części i całości, forma oznacza piękno".

Jednocześnie koncepcja "formy muzycznej" nie jest identyczna z pojęciem "formy" w filozofii i estetyce. "Kształt muzyczny" to monokropcja nie została schwytana w diade lub triadzie z żadnymi innymi kategoriami. Nie jest sprzeczne z "treścią", ale posiada treści, czyli ekspresyjno-semantyczną, intonarą istotą pracy muzycznej. Tradycja filozoficzna "forma" nie jest niezależna i jest rozumiana jedynie w związku z komplementarnymi kategoriach: materia i eidos (tj. "Formularz" - przez Platon), materię, kształt, treści (w hegel), kształt i treści (Schiller, w Marksist-Leninist filozofia i estetyka). Ze względu na niezdodność filozoficznego i muzycznego "formy", a także, zgodnie z autorem, przestarzałość filozoficznego Diandra "Formularz treści", zaleca się stosowanie nowszej, semiotyczną opozycję w muzyce: "Treść Plan - plan ekspresyjny. "

I. Muzyka forma jako zjawisko;

II. Forma muzyczna jako historycznie wpisana kompozycja;

III. Forma muzyczna jako indywidualny skład pracy.

Utrzymanie formy muzycznej jako zjawisko (I) odpowiada koncepcji treści muzyki i sztuki jako całości. W sztuce jako całości warstwy są skondensowane, które można nazwać "Special" i "Non-Soccer". Warstwa "nie-towarzyskie" odzwierciedla prawdziwy świat, w tym jego negatywne strony. "Specjalny" jest idealnym światem pięknej, niosącą etyczną ideę dobra dla osoby, estetyczną ideę harmonii wszechświata i psychicznie - emocji radości. Forma muzyczna związana jest przede wszystkim z "specjalną" treścią art. A cały system teorii muzycznych i kompozytowych uczy osiągnięcia czapki, nie jak to możliwe, związek głosów, a nie ich impuracji, organizacji rytmicznej, a nie dezorganizacją, w końcu kształtowania, tworzenia, a nie niewydolności. Oraz zasady składu, dąży do rozwoju uniwersalnego, niezmieniającego się w zależności od konkretnego planu osobnej pracy. W związku z tym nauka o formie muzycznej jest nauka muzyczna i piękna, idealna, "specjalna" zawartość muzyki.

Treść, semantyka formy muzycznej jako historycznie wpisana kompozycja (II) opiera się na tym samym mechanizmie języka, co semantyka gatunku muzycznego. Formularze gatunków są Gregoriańskie Mesa, średniowieczne Rondo, Virlael, Ballate, Le i inne, kolor gatunku mają klasyczne dwie i trzy-częściowe "formularze piosenki", "Formularz Adagio" i innych. Na semantyce formy muzycznej estetyczne, artystyczne idee tej epoki, które wpłynęły na wystąpienie lub doprowadziło do kwitnących jednej formy lub drugiej. Na przykład, mieszane formy XIX wieku, które pojawiły się w epoce figuratywnego i konstruktywnego wpływu na muzykę poetyckich gatunków ballad, wiersze, zawierają semantykę narracji na wydarzeniach niezwykłych, ze wspaniałymi transformacjami (transformacji), z burzliwym końcem kulminacji. Utworzenie semantyki typowych, historycznie wybranych form muzycznych jest cechą metodologiczną tego instrukcji badawczej.

Muzyczna forma jako indywidualna kompozycja pracy (III) pojawia się w postaci dwóch podstawowych przypadków: 1) Specyfikacja formy wpisanej historycznie, 2) indywidualnej, bez zawarcia formularza. W obu przypadkach znaczące znaczenie formularza jest dyktowane jasnym oryginalnym ideą kompozycji. Tak więc, C-MOLL Chopin, napisany w wpisanym wyrafinowanym trzy części, ma rzadką funkcję - transformowany przedruk, który wpłynęła na romantyczną siedzibę XIX wieku. A na przykład formularz nieożywiony trzecim kwartetu Lebaiduliny pochodzi z unikalnego pomysłu interakcji gatunków wyrażeń dźwięku podczas gry w pizzicato i łuku.

Z trzech znaczących poziomów formy muzycznej, pierwszy, Metauroven, jest uniwersalny i występuje we wszystkich dziełach muzycznych. Drugi, ścisłe kategorie gatunku w sensie semiotycznym, najjaśniejsze semantycznie, jest historycznie okolic. Trzecim poziomem jest reporence, ale jej gradatura waha się od minimalnego odchylenia ze standardowego standardu formularza do unikalnej, unikalnej kompozycji muzycznej. 46. \u200b\u200bFormularz jako element języka muzycznego.

Tekstura (Lat. Faktycznie jest urządzeniem, struktura) - typowy sposób rejestracji wielopoziomowej kompozycji muzycznej w jednym z magazynów muzycznych (Multi-Voice). W rosyjskiej wiedzy muzycznej jako synonim tekstury, termin "tkanina muzyczna" jest często używana jako synonim. Na przykład fraza "chóralna tekstura" opisuje typowy dodatek tkanki muzycznej w monorytmicznych zabiegach piosenek kościelnych ("Horalah") I. Baha i inne barokowe kompozytorzy, "Arpeggled Tekstury" - w Key Sonatas D. Scarlatti, Pointelizm - Tekstura składana z tonów "Izolowanych" dystrybuowanych między poszczególnymi głosami lub narzędziami w muzyce A. Weboryn i tym podobne.

Koncepcja tekstury jest ściśle związana z koncepcją magazynu muzycznego, który znajduje jego ekspresję w typowych frazach, na przykład "Senior Edge Texture", "tekstura polifoniczna", "heterofoniczna tekstura" itp 47. Melodia jako element języka muzycznego.

Aby zrozumieć muzykę, potrzebne są trzy rzeczy, dwa z nich są oczywiste, trzeci nie jest.

Pierwszą taką potrzebną rzeczą jest możliwość rozróżnienia elementów języka muzycznego - dynamiczna, barwa, rytmiczna, melodyczna, harmoniczna, polifoniczna, konstrukcyjna. Nie powinieneś bać się tych specjalnych słów - wszystko nie jest takie trudne.

Elementy dynamiczne są najbardziej oczywiste. Muzyka może brzmieć cicho lub głośno, dźwięk może stopniowo zwiększyć lub zanikać.

Elementy barwowe są czymś, czego na przykład różnią się od siebie dźwiękami różnych instrumentów muzycznych. Dokładnie, mając minimalne doświadczenia muzyczne, odróżniając dźwięk skrzypiec od dźwięku fortepianu. Agradiya w pierwszym przybliżeniu z faktem, że barwa jest taka, dzięki której rozpoznajemy różne źródła dźwięku - głos fletu i głos harfy, głos mamy i głos papieża.

Elementy rytmiczne są w najprostszej prezentacji stosunek dźwięków dźwięków. Muzyka istnieje w czasie, a niektóre dźwięki trwały dłużej niż inne. W rzeczywistości wszystko jest znacznie bardziej skomplikowane, ale na początek, limit do takiej definicji.

Elementy melodyczne są stosunkiem dźwięków wysokości. Jednocześnie dźwięki powinny być reprodukowane jednocześnie, ale z kolei. W rzeczywistości ponownie wszystko jest bardziej skomplikowane, ale do tej pory wystarczy tę definicję. Jeśli nie jesteś całkowicie jasny, co to jest "wysokość dźwięku", jest to niedroga definicja: W celu wystąpienia dźwięku, powinno być bilonizujące ciało - dzwon, ciąg, samolot powietrza w rurze (flet, rura organowa itp.). Brzmawiający korpus zależy od jednej lub innej prędkości (na przykład 100 lub 500 oscylacji na sekundę). Im więcej oscylacji odbywa się na sekundę, jak powiedzieć, formularz dźwięku powyżej. Nawet tzw. Ludzie "Non-Music" (choć istnieje praktycznie nie taka w przyrodzie, ale mówią) dźwięki "grubych" i "cienkich", "ciemności" i "światło" - jest to fundamentalne wyróżnienie Brzmi wysokości.

Elementy harmoniczne są również stosunkiem dźwięków wysokości, ale teraz dźwięki należy odtwarzać, nie z kolei, ale jednocześnie. W takim przypadku takie jednocześnie powtarzalne dźwięki, jako reguła, więcej niż dwa. I znowu, w rzeczywistości wszystko jest bardziej skomplikowane, ale na razie wystarczające, aby jakoś zrozumieli słowo "harmonia".

Elementy polifoniczne są również równoczesnym reprodukcją, ale nie oddzielnymi dźwiękami, ale dwa lub więcej różnych melodii.

Elementy strukturalne są tym, co muzyka jest szczególnie przypominająca języka i literatury. W pracy muzycznej można usłyszeć indywidualne muzyczne "słowa", "frazy", "ustępy", "rozdziały". Ale to nie oznacza to, że muzyczne "słowa" są przekazywane do normalnego języka, tak jak tłumaczymy, powiedzmy z języka hiszpańskiego do rosyjskiego. Niemniej jednak strumień muzyczny nie jest solidny, ale podzielony na części - zarówno małe, jak i duże - i to członkostwo może postrzegać słuch.

Teraz, kiedy nagle spisuję dynamikę, tech, rytm, melodie, harmonię, polifonię i strukturę, już wiemy, o czym mówimy.

Przypomnijmy, jak wspomniano powyżej, potrzebujesz trzech rzeczy do zrozumienia muzyki, i do tej pory mówiliśmy tylko o pierwszym z nich - zdolność do rozróżnienia elementów języka muzycznego.

Nowoczesna muzyka istotna wykorzystuje podstawowe zasady podejścia semiotycznego do muzyki i jej języka. Język muzyki można uznać za kombinację środków muzycznych (elementów), który ma złożoną strukturę, uważaną za ogólną własność kultury, której wszystkie elementy są powiązane ze sobą.

Okoliczny świat jest wypełniony dźwiękami różnych rodzajów: Istnieją dźwięki, które są wymawiane przez samą osobę iz pomocą instrumentów muzycznych, aby wyrazić swoje myśli, doświadczenia, a także dźwięki, które istnieją bezpośrednio w naturze. Każdy przedmiot może emitować dźwięk (jako animowany i nieożywiony) o różnej jakości. Dźwięki są słyszane od wszędzie, mogą być słychać w dowolnym miejscu: w domu, w pracy, nad brzegiem morza, w lesie itp. Czasami zwykłe dźwięki są przekazywane do kompozytora do pracy muzycznej, a następnie nabywają status muzycznego, co prowadzi do idei, że krzyk, dźwięki wpływów można nazwać musicalami, jeśli są one uwzględnione w strumieniu muzyki i są przymocowane do znaczenia muzycznego.

Tradycyjnie elementy języka muzyki jako specjalnego systemu znaków obejmują dźwięki charakteryzujące się wysokością, objętością, trwałością i barwą, które tworzą melodię, harmonię (oddzielne konsonanse, akordy). Dźwięki muzyczne, wchodzące w interakcje ze sobą wzorce metra rytmiczne, są sporządzane do pracy, która stwierdza niektóre obraz muzyczny.

Charakterystyczną cechą języka muzyki jest obecność różnych poziomów kultowych w nim współdziała ze sobą. Istnieją następujące poziomy środków ekspresji muzycznej (język muzyczny), który tworzą system poziomów: dźwięk (PLA, harmonia, bramy, rejestry, tonalność, melodia); Rytmiczne (rysunki rytmiczne); Strona kompozycji (proces muzyczny jako całość): wszystkie środki tworzenia kompozycji; Wykonywanie interpretacji (Agogic, artykulacja, uderzenia i intonacja wykonywania). Język muzyczny jest niejednorodnym systemem zawierającym elementy jako wysoce zorganizowane (dłoń "strona) i mniej zorganizowana (dynamika).

Tak więc język muzyki jest złożonym hierarchicznym, wielopoziomowym systemem, dla którego trend rozwoju, spójność i zdolność do aktualizacji części, jej komponentów. 48. Harmonia jako element języka muzycznego.

Harmonia (Dr Greek. Ἁἁἁοία - komunikacja, porządek; stoy, podłoga; spójność, proporcjonalność, harmonia) - kompleks koncepcji teorii muzyki. Harmonijny jest nazywany (w tym w każdą drogę mowę) przyjemną do słuchania i oddalone o spójność dźwięków (koncepcja muzyczna i estetyczna). W perspektywie naukowej prezentacja ta prowadzi do koncepcji kompozycji i technicznej harmonii jako łączenia dźwięków w konsonancji i ich naturalnym zgłoszeniu. Harmonia jako dyscyplina naukowego i edukacyjna i praktyczna badania dźwiękowej organizacji muzyki.

Koncepcja harmonii służy do scharakteryzowania logicznie zorganizowanego systemu dźwiękowego: typ LADA (modalna harmonia, harmonia tonalna), styl muzyczny (na przykład "harmonia barokowa"), indywidualnie specyficzne wcielenie solidności ("Harmony Prokofiev"), charakterystyka Accorder (harmonia jako synonimowa Accord "," Konsonancja ").

Koncepcja harmonii nie powinna jednak mieszać z koncepcjami "akompaniamentu", homofonii (na przykład w wyrażeniu "melodii i harmonii" zamiast "melodii i towarzyszenia" lub zamiast "melodii i konta"; " Polifonię i harmonia "zamiast" polifonii i homofonii ").