Pubblicazioni della sezione dei musei

Family Forrunners: artisti russi del XIX secolo

Rossia è giustamente orgogliosa dei suoi artisti - "Amazoni dell'Avant-Garde" Goncharova o Rozanova, e per loro - argento o spiritoso-cigno, e davanti a loro ... e chi era davanti a loro? Diciamo chi ha pavimentato la strada che fiorisce creatività femminile XX secolo. La domanda è stata studiata da Sophia Bagdasarov.

Il numero di donne impegnate nella pittura cominciava a crescere come valanga dal 1900. Ma nel secolo precedente sono contati sulle dita. Ciò era dovuto sia alla bassa disponibilità di educazione femminile che all'idea patriarcale di cui le professioni sono decenti alle signore. La situazione è cambiata gradualmente.

Rommovs.

Il lavoro di Maria Fedorovna, Wives Paul I. Ritratto di Paolo I. 1790

I primi artisti professionisti sul territorio della Russia, naturalmente, erano stranieri - Dorothea Gzel (la moglie del popolare ero un pittore invitato da Peter I), Marie-Anna Kollo (figlia dello scultore), Elizabeth Vizh Lebedin (coniuge del Artista Jean-Batista Lebedna) e altri.

Forse il primo artista russo-russo è anche uno straniero - questa è un'imperatrice Maria Fedorovna, moglie Paul I. russo grande principessa Dal 1776, ha apprezzato i frutti della sua eccellente formazione tedesca: ha scritto pastello, dipinto con matite di piombo, e uno dei primi al mondo è stato sovrapposto alle capacità di svolta. Il suo miglior cammeo su jasher o agata - ritratti di parenti. Le figlie dell'imperatrice si impegnarono anche a disegnare e scarseggianti. E la cosa principale è che Maria Fedorovna insegnava non solo i suoi figli, ma anche impegnati nella formazione di tutti i suoi sacrifici femminili. Ha fondato le istituzioni e le scuole, ha trovato programmi di formazione, cioè il piano chiaro per lo sviluppo dell'istruzione femminile in Russia, che il paese ha aderito a un intero secolo.

Anche il suo omonimo era impegnato nella pittura, un'altra imperatrice Maria Fedorovna (la moglie del suo bisnonno Alexander III). Da lei, la capacità di disegnare la figlia del disegno, grande principessa Olga Aleksandrovna. Aiutale a nutrire i bambini in emigrazione: lascia i suoi acquerelli e non così talentuosi, ma gli acquirenti erano lieti di avere qualcosa "da Romanov".

Nobiltà-diletki.

A poco a poco, siamo diventati come in Europa: ogni signora istruita doveva essere in grado di ballare, ricamare e disegnare. Tra la nobiltà dell'Alexandrovskaya e dell'era Nikolaev, artisti amatoriali che hanno decorato i loro album e i libri memorabili con vari schizzi. Le signore lavoravano secondo il lavoro delle opere di altri artisti: ad esempio, la Freillina Catherine Bakunina (Potorotskaya sposò), il soggetto della passione di Pushkin, ha creato il suo "autoritratto", rimuovendo una copia dal disegno di Kyrenovsky Oriena; I ritratti di sua madre e marito sono anche copianti.

Alcune signore impasterono la tecnica pastello (la figlia del generale Kamensky Alexander Rzhevskaya, il nipote dei Conti di Panini Alexander Repnin). Il disegno era impegnato in giovani donne da Sheremeth, Dolgoruky, Apraksini. Il dipinto della miniatura sull'avorio è stato considerato decente - come Anna Buturlin, i nipoti del cancelliere Vorontsov. E il più talentuoso è stato tenuto a scrivere con l'olio - il tecnico del "maschio" che richiede tempo. Tra questi - la figlia del capo dell'Istituto Smolny di Alexander Bühler e Kuzina Gogol Glafira Psöl, l'allievo del governatore di Malorussia.

Psöl. Ritratto di sorella. 1839.

A. BUTURLIN. Auto ritratto. 1817.

E. Bakunina (Poltoratskaya). Ritratto di madre. 1828.

Figlie e sorelle

Maria Dunova. Ritratto di un ragazzo. 1820.

Aristocratici, naturalmente, ha insegnato i prossimi insegnanti. Un altro modo è stato padroneggiato dalle arti delle ragazze nate nelle famiglie artistiche. I primi esempi apparentemente figlia pittore storico Trofim Dornova Maria e il famoso Genereist Venetsian Alexander. Le opere di Venetsiano non erano affatto dilettanti, e non aveva paura di scrivere con l'olio. È un peccato che la dipendenza dal genitore-insegnante sia ovvio: ovviamente, la ragazza creata dipinti di genere. Tuttavia, gli artisti delle generazioni successive hanno peccato da questo: prendiamo Olga Lagoda-Shishkin, che negli anni '70 studiò all'Accademia Imperiale delle Arti. Per prima cosa è diventata uno studente, e poi sua moglie famosa Ivan Shishkin. Olga Lagoda-Shishkin, come un coniuge, ha scritto in un genere paesaggistico. Le opere di Isaac Levitan hanno ispirato Sophia Kurenikov - il suo studente e un amato di lunga anno.

Più vicino alla fine delle donne secolo da famiglia d'arte Osservare la tua lingua. Nessuno rimproverà nell'imitazione della sorella di talento Polenova Elena con lei magic Fairy Tales.. La sua maniera era anche alla figlia di Konstantin Makovsky - Elena Luksh-Makovskaya.

Alunni diligenti

La formazione professionale delle donne è iniziata alla fine degli anni 1830, quando disegnano le classi per le ragazze aperte con la Società Imperiale delle Arti. Evdokia Bakunina e Ekaterina Khilkova hanno studiato per loro. La foto di Hilkova raffigurante queste lezioni è conservata. Nel tempo, le donne hanno cominciato a prendere la scuola di Mosca di pittura, articoli e architettura. Due dollenan School of School, Antonina Rzhevskaya ed Emilia Shanks, sono le uniche donne adottate nel commercio dei film. Nel 1842, le classi serali delle donne furono aperte a San Pietroburgo a San Pietroburgo, a scuola per determinare frequentemente.

Allentato le donne nell'Accademia Imperiale delle Arti - per la prima volta peggiore di 30 persone, inclusa la futura moglie Shishkin. Per le donne del XIX secolo, che ha iniziato a pensare all'emancipazione, la pietra miliare è diventata 1854, quando la medaglia dell'Accademia ha ricevuto per la prima volta una donna - Sovakhov-Kobylin Sophia sorella. (A proposito, due anni prima, la donna divenne il presidente dell'Accademia - la sorella dell'imperatore grande principessa Maria Nikolaevna.) Nel 1873, all'Accademia, gli studenti hanno permesso di impegnarsi in alcuni voti con gli studenti, ma nel tempo Il numero di ragazze aveva così aumentato di aver deciso di fare il loro ramo. Apprendimento misto, sì anche in istituzione di stato, era un fenomeno avanzato: così

Van Gogh, Matisse, Gauguen, Dali ... e centinaia di altri uomini, geni di pittura, che sono ascoltati da tutti coloro che conosciamo e amano dall'infanzia. Ma il rappresentante della bella metà dell'umanità come se rimanga da parte ... Quanto spesso puoi sentire un'offensiva, una domanda ingiusta: "Perché non ci sono artisti famosi tra le donne? Forse non sono dati?" Certo, non lo è. Oggi ricorderemo i grandi artisti, i russi e gli stranieri, i cui dipinti sono giustamente considerati capolavori mondiali. Sette grandi nomi, sette difficili destino femminile nel mondo arti visiveÈ consuetudine essere maschi ...

Natalia Goncharov. (1881-1962) - La grande nipote di quella stessa Natalia Nikolaevna Goncharova, la moglie di Alexander Sergeevich Pushkin (in una volta l'artista ha emesso "Tales of Tsar Saltan", dato il tributo alla famosa parentela).
Ha studiato pittura sotto la guida di un eccezionale artista e insegnante Konstantin Korovina. Insieme a suo marito - M. F. F. Larionov, uno dei fondatori dell'Avant-Garde russo, ha organizzato l'Associazione " Coda oslena." Nel 1915, Sergei Dyagilev ha ricevuto un invito a lavorare sulle stagioni russe - Titoratori di artisti d'opera e balletti a Parigi.
Il valore di oggi del suo stoffa, Natalia Goncharov, ha superato tutti gli artisti del mondo. Nel 2008, il record dei prezzi nella "Street femminile" ha rotto il quadro "fiori" venduto all'asta di Christie per più di $ 10 milioni. Il lavoro è una delle opere chiave dell'Avant-Garde russo, in quanto combina elementi europei Impressionismo e la direzione assolutamente innovativa creata da Goncharova e suo marito - T. N. "Luhism". Come, tutti gli oggetti che vediamo sono la quantità di raggi, rifratta da questi stessi soggetti. Ha sperimentato l'artista e con il primitivismo usando l'iconografia.
Nel 2010, nel trading di Londra, il dipinto "spagnolo" ha impostato un altro record di prezzo - il suo fortunato proprietario ha rotto con $ 1,26 milioni.
Oggi, la maggior parte dei lavori di Natalia Goncharova si trovano nella Galleria Tretyakov.

Natalia Goncharov. "Peacock sotto. sole luminoso.". 1911.

Frida Kalo. (1907-1954) - il più famoso artista messicanoche ha glorificato autoritratti colorati. Sulla sua creatività aveva un effetto evidente di m cultura e arte exicana dei popoli dell'America DecoluMovy. Stile artistico Frida Calo caratterizza come arte folk o arte ingenua.
Tutta la sua vita, Frida aveva una sanità debole - ha sofferto di polio all'età di sei anni, e ha anche trasferito un grave incidente d'auto Nell'adolescenza, dopo di che doveva passare attraverso numerose operazionichi lo influenza fino alla fine della vita. Era dopo la tragedia che le chiese per la prima volta suo padre e dipingere da suo padre. La prima foto era un autoritratto che ha determinato per sempre la principale direzione della creatività. Ha registrato nel diario:"Sto scrivendo me stesso, perché trascorro un sacco di tempo da solo e perché io sono il tema che conosco meglio".
Nel 1929. Kalo ha sposato l'artista del fiume Diego.Sono vigorosi vivendo insieme È diventata una leggenda.
Nel 1937. Nella casa di Diego e Frida, aderi da un'occhiata comunista, il leader rivoluzionario sovietico Lion Trotsky ha brevemente trovato asilo; Avevano un romanzo con Frieda.
A quaranta Le immagini di Frida Calo appaiono in diverse mostre visibili. Allo stesso tempo, i suoi problemi di salute sono esacerbati. Medicinali e farmaci progettati per ridurre la sofferenza fisica cambiarlo stato indipendenteCiò che riflette luminosamente nel diario, che è diventato un secchio tra i suoi fan.Nel 1953. La sua prima mostra personale ha avuto luogo nella sua patria. A quel tempo, Frida non poteva più alzarsi dal letto, e fu portata all'apertura della mostra su un letto d'ospedale. Un anno dopo, l'artista del culto e l'icona dello stile sono morti, ma la sua vita stessa, immagine luminosa E i fantastici dipinti sono diventati una leggenda stimolante per milioni di persone in tutto il mondo ...

Frida Calo. "Autoritratto (Diego in pensieri)." 1943.

Maria Bashkirtseva. (1858 - 1884) - nato nella provincia di Poltava. È la prima degli artisti russi, i cui dipinti, "Jean e Jacques" e "Rally", decoravano le pareti del Louvre. Tuttavia, la maggior parte delle sue opere non sopravviveva alla prima guerra mondiale. Oltre a 150 dipinti, 200 disegni e numerosi acquerelli, Maria Bashkirtseva ha lasciato dietro se stesso e il patrimonio letterario - "Diario", che ha portato da 15 anni in francese. Dopo la sua morte, è stato trasferito a tutte le lingue europee e presto pubblicato in America. È interessante notare che la madre scoppiava dal diario tutte le pagine su cui sono stati menzionati i femministi respinti della figlia. È noto che Maria Bashkirtseva ha sostenuto attivamente i diritti delle donne. La sua natura sembrava canoni vicini e accademici di pittura. Preferiva lavorare ai piaceri, ha scritto i parigini parigini grattugiati dai paesaggi di strada di tutti i giorni.
L'età dell'artista, purtroppo, non era lunga: morì per la tubercolosi per soli 25 anni. NEL l'anno scorso La vita artista ha condotto una corrispondenza con Gi de Maupassan, che ha detto sulla sua tomba: "Era l'unica rosa della mia vita, di cui avrei sentito le rose, sapendo che sarebbe stato così contadino e così breve!". E la Grande Marina Tsvetaeva ha dedicato alla collezione Bashkirtsey di Testi primi testi "album serale".

Maria Bashkirtseva. "Ombrello di pioggia". 1883.

Mary Kassat.(1844-1926) — famoso artista americano E il grafico che ha scritto nello stile dell'impressionismo. Ha vissuto la maggior parte della sua vita in Francia, era amichevole con Edgar Degas e Berta Morizo. Il motivo per le sue tele è servito come immagini della vita sociale e personale delle donne, con particolare attenzione alla stretta relazione di madri e bambini.
Nonostante il fatto che la famiglia Maria abbia obiettato al suo desiderio di diventare un artista professionista, iniziò a studiare dipingere nella Pennsylvania Academy of Bel Arts di Philadelphia. Interetta ad un piacevole tasso di apprendimento e del rapporto di patrocinio dalla metà maschile degli studenti e degli insegnanti, ha deciso di continuare lo studio da soli, e nel 1886 si è trasferito a Parigi.
Vedendo i pastelli di Edgar Degi nella finestra dello shopping sulla vendita di dipinti, ha scritto ad un amico: "Dovevo venire a spingere il mio naso alla finestra per assorbire tutto ciò che potevo, dal suo dipinto. Ha cambiato la mia vita. Ho visto l'arte come volevo vederlo. " Ha incontrato Degas nel 1874. essola invitò a partecipare alla mostra di impressionisti e il lavoro di Mary Cassat è stato esposto alle esposizioni nel 1879.
Cassatt è diventato estremamente abile nell'uso dei pastelli, alla fine eseguendo molti dei loro web in questa tecnica.
Una serie di immagini rigorosamente scritte, finemente notate, non sentimentali sulla madre e il bambino è il tema principale delle sue opere più famose.
I 1890 sono diventati per il cassat il periodo più vivace e creativo nella sua vita. Lei imitava giovane artisti americaniSostenere il suo consiglio e il suo supporto.In riconoscimento del suo contributo all'arte, nel 1904 lei Ricevuto l'ordine della legione onoraria.
Mary Kassat è morto nel 1926 In Chateau de Bofrene, vicino a Parigi, e fu sepolto in una cripta familiare.

Mary Cassat. "Donne ammirando il bambino." 1897.

Zinaida Serebryakova.(1884-1967) - Artista russo-realista. Suo nonno e il bisnonno si dedicarono all'architettura, suo padre era impegnato nella scultura e nella pittura, e nello zio, è stato elencato un famoso artista e un critico Alexander Benua, quindi Zinaida divenne amici e tela dall'infanzia.
Serebryakova ha sposato il suo cugino; I parenti non approvano questa unione, e l'artista e il suo coniuge hanno dovuto emigrare, lasciando i bambini in Russia. Guarda il figlio Zinaide Serebryakov solo dopo 36 anni ...
Oggi, la tela dell'artista è venduta per soldi favolosi. E durante la sua vita a Parigi, cercò di guadagnarsi da vivere con i ritratti di scrittura, ma molto spesso hanno dato loro ai clienti. A causa della povertà di Serebryakov, è stato persino costretto a fare vernici in modo indipendente. Non poteva tornare in Russia e non poteva: la seconda guerra mondiale lo ha tagliato dalla sua patria.
Sami. immagine famosa Zinaida Serebryakova - Autoritratto dell'artista "per il bagno" (1909). Per la prima volta, il pubblico ha parlato del talento dell'autore dopo la presentazione del lavoro presso la Mostra VII "Unione degli artisti russi" (1910). Oggi, il autoritratto di un artista di 25 anni è tenuto nella Galleria Tretyakov. E il dipinto "per colazione" (1914), i cui eroi erano d'argento, chiamati uno dei migliori ritratti per bambini nella storia della pittura.

Zinaida Serebryakova. "Per il bagno". Auto ritratto. 1909.

Bert Morizo. (1841-1895) — artista francese che ha scritto nello stile dell'impressionismo. Portò i nipoti al famoso artista, il maestro stile rococò, Jean Onor Fragonar,era sposato con evidente mana, il fratello e il collega del mio amico Eduard Mana. Le caratteristiche del volto di Borth hanno familiarizzate con gli intenditori di impressionismo, come la criniera spesso lo ha disegnato.
Morizo \u200b\u200bè nato a Bourge, in una ricca famiglia borghese. Lei e sua sorella Edma Morizo \u200b\u200bdivenne artisti. La famiglia, dopo che Berta ha deciso la scelta della professione, non interferisce con la sua carriera. Pittura studiata a K.koro, lavorando con lui al Plenier.
Nel 1864, ha messo per la prima volta un lavoro su uno dei più prestigiosi esibizione artistica Francia - Paris Salon. Il suo lavoro è stato selezionato per partecipare a sei saloni di fila, mentre nel 1874 non si unì al gruppo di impressionisti "rifiutati" creati da Cezanne, Degas, Monet , Morizo, Pissaro, Renoir e Sisty e ha preso parte alla loro prima esposizione Nello Studio Photographer Nadar.
Facile, riempito con la luce leggera e gioiosa di pittura di vita B.Morizo \u200b\u200bcrea immagini montate, causando una sensazione di armonia e bellezza nell'anima. Nei suoi dipinti non ci sono motivi sociali e esplosioni di emozioni, ma sono stati costretti a un nuovo modo di peer in eventi quotidiani e familiari vita di ogni giornoDa loro sono stato impiantato con calore, comfort e felicità in famiglia tranquilla. Questa direzione di pittura si è rivelata in merito, le immagini di Berts acquistarono volentieri, hanno inviato invariabilmente l'interesse del pubblico delle mostre. L'artista si è rivelato un sacco di seguaci in tutto il mondo, specialmente tra i pittori delle donne.

Bert Morizo. "Cattura delle farfalle". 1874.

Elena Polenova.(1850 - 1898) - Sorella del famoso pittore russo Vasily Polenova. H. hortal, creando un mondo favoloso sulla tela.
Nato a San Pietroburgo, nella famiglia di uno storico scienziato. Interesse per i terreni mitici - provengono dall'infanzia: Lile Lile, come i suoi compiti la chiamarono, leggi sempre racconti popolari russi. Attingi insieme a mio fratello, ha studiato al famoso artista e insegnante, l'autore del metodo "Wide View", Pavel Chistyakov. Dal momento che le donne in quel momento all'Accademia delle Arti, il sentiero è stato ordinato, la ragazza ha studiato a Ivan Kramsky nella scuola di Società San Pietroburgo per la promozione delle arti.
La vita personale di Elena Polenova non ha funzionato. A differenza della vita della creatività: diverse opere acquistate per la collezione di Tretyakov stesso. Storie favolose Le foto sono venute a lei in un sogno. E ha lavorato sulla tela nella tenuta del patrocinio di Mamontov, Abramtsevo. Qui, per esempio, è nata la "Bestia" - un mostro, scherzando l'anima dal regno dei sogni luminosi.
Negli ultimi anni di vita, l'artista ha eseguito molti schizzi di fantastici ornamenti floreali per il telaio delle icone, ricami, ceramiche. Disegno ornamenti floreali, Polenova ha mostrato una fantasia inesauribile, ogni volta ha trovato una nuova disposizione dei colori, un nuovo ritmo, creando un trapano e un flusso dinamico di forme. Elena Polenova è morta il 19 novembre 1898 a Mosca, nel periodo di massimo splendore delle forze e del talento, senza fare molti piani. Quindi, ha dovuto organizzare un padiglione russo alla fiera del mondo a Parigi nel 1900 ...

Elena Polenova. "Ivan-Tsarevich e il firebird." 1896.

• 29.03.2019 Il 50% dei lotti venduto, Mosca e San Pietroburgo acquistato. Offerte passarono sullo sfondo della buona attività di acquisto
• 27.03.2019 Il 12 e 13 aprile 2019, la casa d'asta Hargesheimer Kunstauktionen GmbH a Düsseldorf (Germania) conduce il prossimo trading di primavera " Arte russa"E" Icone russe e greche "
• 27.03.2019 Abbiamo usato la più grande richiesta gioielleria, prodotti in porcellana e argento
• 26.03.2019 L'asta della pittura, la grafica e le DPI, che si terrà il 28 marzo, Litfond ha preparato 165 lotti: dalle icone fine di XVII. Secolo e incisione raffigurante l'imperatore Pietro II del primo terzo del XVIII secolo alle opere dei nostri contemporanei
• 26.03.2019 Venti lotti tradizionali sono dieci lavoro pittoresco, cinque fogli di grafica originale, due opere in tecnica mista, Scultura dell'autore, una piastra di porcellana e una foto

• 12.03.2019 Tale conclusione è contenuta nello studio pubblicata a marzo 2019 US Analysis Analysis Bureau (Bea) e National Art End (Nea)
• 11.12.2018 Per tre mesi fa, è stato stipulato il decreto del governo n. 285: i venditori di dipinti sono stati ordinati per elencare il 5% quando la rivendita a un'organizzazione accreditata, dimostrerò a favore degli artisti e degli eredi del copyright. Spiego che questo non lo è
• 06.12.2018 Per ogni immagine del lotto, vedere il risultato reale, ricalcolato da sterline in dollari a 1,28. E confronta con la previsione di AI
• 27.11.2018 Curatori della mostra "Tail Comet" Elena Basner, Yuri avvakumov e Sergey Sazonov. L'autore delle idee di Natalia Karovskaya. Otto falsecakes sono mostrati specificamente in una stanza separata. Compreso lo scandaloso "Samovar" Malevich
• 20.11.2018 Valutazione very. lavoro costoso Ora gli artisti viventi sono il design che parla del ruolo e del luogo dell'artista nella storia dell'arte è molto inferiore a circa l'età e la fortezza della salute.

• 29.03.2019 Famoso artista di Mosca Tatiana Yang presenterà il suo nuovo progetto personale Opus Incertum nel centro antico del giardino
• 29.03.2019 Il tesoro di circa duemila oggetti prevede di rendere accessibile al pubblico in generale fino alla fine di quest'anno. Sarà completamente esibito - in quell'ala del palazzo, dove Nicholas ho vissuto
• 28.03.2019 La mostra nella casa I. S. Ostrukhov a Trubnikovsky Lane è cronometrata fino all'80 ° anniversario della nascita di V. Erofeev e al 50 ° anniversario della sua il famoso lavoro. L'esposizione è stata opera dell'artista Kirill Mamonov basato sul poema "Mosca - Petushki"
• 26.03.2019 Alla mostra di uno di rappresentanti luminosi Le arti dell'era di stagnazione, ristrutturazione e tempo post-sovietica hanno presentato 86 lavori pittoreschi E una stabilimento video dal gruppo GTG e collezioni private
• 06.03.2019 NEL Galleria teatrale Sulla piccola Ordyanka, la mostra personale di Vladimir Lubarova apre

Parliamo degli "artisti delle donne" e che sotto questo termine si intende.

Ecco alcune cose nel mondo dell'arte, che conosco:

Nel 2013, ogni artista nelle vendite all'asta Top-100 era un uomo.
Nel 2014 non c'era una sola donna tra i primi 40.
Nel 2015, solo cinque di 34 galleria d'arte Wearphed dalle liste in cui le donne costituiscono più del 50%. E questo è in America - il leader della democrazia mondiale!

Meno del quattro per cento degli artisti in arte contemporanea Nella collezione della metropolitana di New York, il lavoro delle donne, ma, attenzione (!) - Il 76% delle tele sono donne nude o semi-nudi. Dal 2007, solo il 29% delle mostre personali nel Museo di Whitney è stato dedicato alle donne -Huzhniki.

Gli artisti degli uomini continuano a perpetuano il mito che le donne cattivi artisti: "Anche se nella pittura nell'accademia artistica, oltre il 90% di trucco le donne, questo è il fatto che pochissimi saranno in grado di diventare artisti veramente potenti", ha detto Georg Baselitz quest'anno.

"Se le donne sono abbastanza ambiziose per avere successo, possono farlo, grazie, ma finora non potevano dimostrare che vogliono il successo, di regola, le donne si vendono buone, ma non come artisti".

Questi sono solo numeri, sì, e potevo trovarli nelle recensioni di American Art. La stessa immagine deprimente nell'arte e da noi.
Accolgo con favore una revisione statistica più completa (anche se dubito che questa sarà un'altra storia), e se hai altri numeri - scrivi. Ma oggi è chiaramente tracciato una cosa - la realtà è la seguente: le donne non sono abbastanza nel mondo dell'arte.

Piccola domanda: perché così piccole donne - artisti di strada? Le loro unità, mentre gli uomini in questa zona centinaia! Quegli artisti che conosciamo oggi, non peggio, e talvolta meglio Benxi. Si scopre che al fine di raggiungere il successo in Street Art, le donne devono superare seriamente gli uomini - solo allora li noteranno. Ma è solo in questo modo?

Il termine "artista" enfatizza necessariamente la paternità femminile di qualsiasi lavoro eseguito da esso.

Separare le donne di artisti e uomini, il critico può dire che l'arte "femminile" deve essere affrontata con un'altra misura. Ma l'approccio con un'altra misura significa nella prima negligenza e sovrastimazione della plancia per le donne.

Ruth Asawa è nato nel 1926, in California. Ricevuto il soprannome "Lady Fountain" a causa della tendenza alla progettazione fontane insolite, in particolare, a San Francisco. All'inizio della sua carriera, ha imparato come all'uncinetto sculture dai fili, creando opere in cui sono stati composti il \u200b\u200brealismo e l'astrazione.

Vivianna Torun è spesso indicata come uno dei più famosi gioiellieri svedesi, un maestro gioielliere con uno stile personale. Comunicata con Picasso e Matisse nei saloni parigini.

Usando il concetto di genere come filtro attraverso il quale analizziamo l'arte, realizziamo limitazioni.

Ci sono artisti che dichiarano fermamente, "Non mi considero un artista della ragazza, sono solo un artista". E questa è una dichiarazione completamente legale per una persona.

Gli artisti delle donne sono solo artisti. Ma non oggi. Oggi, una donna nell'arte è una persona la cui creatività è valutata dal principio di genere. Oggi le donne sono una minoranza nell'arte.

E la scelta della professione, che rendono questo diritto, e non il privilegio.

Ora puoi buttarmi nelle scarpe da ginnastica, ma il fatto che è scritto qui è solo vero.

La domanda è il motivo per cui non c'erano grandi artisti nella storia delle Arti, ancora non perde pertinenza, sebbene il critico d'arte Linda Nohlin lo rispose nel 1971 nel saggio dello stesso nome. La nostra ufficio editoriale, da parte nostra, ha deciso di ricordare gli artisti del passato, che erano impegnati nella pittura, nella scultura, lavorano su tessuto - in una parola, arte, nonostante l'inaccessibilità dell'istruzione, la mancanza di diritti e negligenza dei contemporanei.

Plauille Nelli (1524-1588)
Italia

Plauille Nelli. Santa Caterina con un fiore. Per gentile concessione della Galleria degli Uffizi

Il primo famoso artista fiorentino del Rinascimento fu il monaco del monastero fiorentino di Santa Caterina Siena, e in seguito è diventato il suo precedente. A differenza della maggior parte degli artisti monastici, il suo lavoro non era limitato all'illustrazione dei manoscritti - ha scritto un grande formato di un grande formato per i grafici religiosi, con la pittura studiata in modo indipendente, copiando il lavoro di altri maestri. L'artista, per un lungo periodo dimenticato la storia dell'arte, è in gran parte dovuto a un piccolo numero di opere preservate, è stato comunque abbastanza popolare contemporaneamente. Ad esempio, Georgho Vazari ha celebrato il suo lavoro nelle "Vallesfoglio dei pittori, scultori e architetti più famosi". Inoltre, lui, abbastanza nello spirito della critica dell'arte femminista, ha scritto che Plauille Nelli "potrebbe creare cose meravigliose se fosse, come gli uomini, avevano l'opportunità di imparare e disegnare una foto e riprodurre la natura viva." Le opere dell'arte possono essere viste in Galleria Uffizi.Dove, nel quadro del programma espositivo a lungo termine per correggere l'ingiustizia storica, la mostra "Plauille Nelli è stata aperta. Arte monastica e pietà nelle orme di Savonarola "(fino al 4 giugno).

Katerina van Hemessen (1528 - dopo 1587)
Olanda

Katerina van Hemessen. Ritratto di una donna. Per gentile concessione di Rijksmuseum, Amsterdam

L'artista fiammingo era una figlia carina maestri famosi Yana van Hemessen, che ha insegnato la sua pittura. Per lo più ha scritto ritratti, ma i suoi dipinti furono conservati su grafici religiosi (scrivendoli più prestigiosi delle cose del genere). Lei possiede una delle prime Europa settentrionale Autoritratto al lavoro (per enfatizzare la situazione pubblica dell'artista non è stata accettata, come dimostrando strumenti di lavoro). L'artista aveva abbastanza successo in una volta: è entrata nella Gilda di San Luca e persino aveva tre studenti. Più tardi, circa il 1540, Katerina Van Emansen divenne l'artista della corte Maria austriaca. Elevato patronato a condizione che la libertà dal controllo della gilda e dal contenuto decente, e dopo la morte di Maria austriaca nel 1558, Katerina Van Hemsen ha ricevuto una pensione che ha fornito la sua confortevole esistenza.

Sofonisba Angvisol (circa 1532 - 1625)
Italia

Sofonisba Angvisol. Per gentile concessione del Kunsthistorisches Museum, Vienna, Austria

I selfons di Angvisol da molti artisti professionali si distinguono per l'origine: è nata in una famiglia aristocratica, mentre la maggior parte dei suoi colleghi era figlie di artisti che addestravano il loro mestiere. Come tutte e cinque le sue sorelle, ha ricevuto un'educazione versatile, che comprendeva la pittura, su una delle versioni, a causa del fatto che l'erede non nasceva in famiglia per molto tempo, ma era difficile fornire sei figlie. Per avere successo nella pittura professionale, tuttavia, è stato possibile solo a Sophonisbe, in misura considerevole, grazie all'assistenza attiva al Padre, che ha chiesto il sostegno di un giovane artista di maestri autorevoli, tra cui Michelangelo. Come artista del tribunale, ha prestato servizio per quasi 15 anni al cortile spagnolo, dove aveva uno status elevato, a giudicare dal fatto che prima del suo ritorno in Italia, il re Filippo II lo ha scelto a suo marito che definisce l'aristocratico siciliano e ha fornito la dote. L'artista specializzato nel ritratto, perché non poteva competere con gli uomini nell'immagine di composizioni multifigure: le donne erano vietate a studiare natura nuda. Nelle sue opere, ha combinato le tradizioni del ritratto italiano e spagnolo, a causa di quanto numerose immagini di Angvisol nel XIX secolo, quando l'interesse per il suo lavoro è stato praticamente scomparso, sono stato erroneamente attribuito ad Alonso Sancheu Coelho, che ha lavorato al Cortile spagnolo in circa lo stesso periodo, Giovanni Moroni e persino Tiziano. La prima grande mostra personale dell'artista ha avuto luogo solo nel 1994, all'incirca allo stesso tempo era la riabilitazione del suo nome nella storia dell'arte.

Marietta Robusti (circa 1560 - 1590)
Italia

Marietta Robusti. Auto ritratto. Per gentile concessione della Galleria degli Uffizi

Senior figlia Jacopo Robusti, più conosciuta come Tintoretto. L'artista stesso le ha insegnato lei, e in seguito ha lavorato nel suo laboratorio. Biografo Tintoretto Carlo Ridolfi ha scritto che Marietta vestita di un ragazzo nell'infanzia per accompagnare suo padre ovunque. A proposito della sua vita è un po 'conosciuta come sulla creatività. Solo uno precisamente, il lavoro attribuito di Marietta Robusti è stato conservato - "Ritratto di un uomo anziano con un ragazzo" (circa 1585), per molto tempo considerato un Tintoretto, mentre nel 1920 non ha trovato un monogramma dell'artista. L'identificazione dei suoi lavori rende difficile la somiglianza con il Paternal e la mancanza di descrizioni affidabili di ciò, nella creazione di che tipo di opere dell'artista, ha partecipato. Il successo di Marietta può essere giudicato dal fatto che è stato invitato a diventare un artista di corte due volte - Philip II e Maximilian II, ed entrambe le volte non hanno lasciato andare da sua figlia, e non aveva il diritto di partire per la sua volontà. Invece di servizio, al cortile, Tintoretto le ha rilasciato per sposare il gioielliere veneziano Yakopo Augusta. Una piccola quantità di Il lavoro conservato è spiegato dalla brevettezza della vita dell'artista: è morta all'età di circa 30 anni, presumibilmente durante il parto.

Judis Leister (1609-1660)
Olanda

Judis Leister. Auto ritratto. Per gentile concessione della National Gallery of Art, Washington DC

Perché Judsit Leister divenne un artista e chi ha studiato pittura (suo padre era un birraio), sconosciuto. Tuttavia, nel 1633, si unì alla Gilda della Sant'Arlemia di San Luca e divenne l'unica donna con lei che aveva il suo laboratorio d'arte e discepoli maschili. Nel 1636, l'artista ha sposato il suo collega Yana Minse Molinar e praticamente cessò di impegnarsi in pittura, almeno indipendentemente. Heritage creativo Judis Leister, che ha scritto principalmente scene di genereCome spesso accadeva con gli artisti delle donne, dopo la sua morte praticamente dissolta: molte opere sono state perse, un'altra parte è stata attribuita ad altri autori. Ad esempio, la "coppia allegra" (1630) è stata considerata uno di miglior lavoro Francia Hals, ed è stato sotto il suo nome, una foto ha comprato il Louvre. E l'Amsterdam Reyxmuseum ha acquisito come una delle opere più famose degli stessi hals del suo "allegro proprietario" (1629).

Mary Bil (1633-1699)
Gran Bretagna

Mary Bil. Ritratto di uno sconosciuto. Per gentile concessione del museo della hall di Moyse

Mary Beil è considerata il primo artista professionale dell'Inghilterra, e, che è particolarmente degno di nota, è il suo lavoro che ha portato il reddito principale per la famiglia. Il marito d'arte lo ha aiutato nel workshop e impegnato nella parte amministrativa del lavoro. Un tempo era considerata uno dei migliori ritratto dell'Inghilterra, i suoi dipinti hanno molto apprezzato l'artista popolare Peter Lelie, con il quale era amico e di cui influenza artistica Testato.

Mary Moser (1744-1819)
Gran Bretagna

Mary Moser. Natura morta. Per gentile concessione della collezione reale britannica

La rabbia di Kaufman è meno famosa contemporanea è stata la seconda donna fondatrice della Royal Academy of Arts. Al famoso ritratto di gruppo di accademici (1771-1772), Johanna Zoffani, è rappresentato dal ritratto accanto all'immagine di Kaufman - le donne accademiche, ovviamente non potevano partecipare alla scena con i modelli da uomo nudo, quindi l'artista li ha segnalizzati in ritratti. Come Kaufman, Mary Moser ha avuto un'origine svizzera, tuttavia, a differenza del primo, nata a Londra, nella famiglia dell'artista George Michael Mosel, i cui legami erano di una misura considerevole hanno aiutato la carriera di sua figlia. Ha ricevuto la prima medaglia della Royal Society of Arts in 14 anni per disegni di colori. Nell'immagine del fiore ancora la vita, si è concentrata nel futuro, diventando uno dei due due artisti con una tale specializzazione nell'accademia.

Marie-Deniz Willer (1774-1821)
Francia

Marie-Deniz willer. Esercitazione della giovane donna. Per gentile concessione di. Museo metropolitano Dell'arte.

Come spesso accadeva agli artisti, il lavoro di Marie-Deniz Willher non era praticamente preservato, e la biografia è conosciuta frammentaria. Le sue sorelle erano anche impegnate nella pittura, lei stessa studiava a Ann-Louis Liode Treoson e, forse, il Jacques Louis David, che non solo ha preso lo studente femminile, ma ha anche incoraggiato il loro interesse per i terreni storici. Spinge l'artista per partecipare ai saloni, dove dopo il grande Rivoluzione francese Hanno aperto un ampio accesso. Marie-Deniz willher nei saloni ha partecipato ripetutamente, una volta ricevuto un premio di 1,5 mila franchi. Una copia di essa presentata in uno dei saloni "un bambino nella culla, che indossava allagato il mese dell'anno x" ordinò il principe Nikolai Yusupov per Arkhangelsky. Maja. immagine famosa Willer "Praticare la giovane donna" (1801) dal Museo Metropolitano per un lungo periodo è stato considerato il lavoro di David e ha superato un'intera serie di riparabili - da Francois Gerar a un altro studente di David, Konstans Carpenté.

Rose Boner (1822-1899)
Francia

Bosco di rosa. Arare il neme. Per gentile concessione di Musée D "Orsay

Forse è stato l'artista di maggior successo del XIX secolo e uno degli artisti animali più famosi. Suo padre è un insegnante di disegno - apparteneva alla scuola di Sensimon, proclamò gli ideali dell'uguaglianza femminile. "Perché non posso essere orgoglioso di quello che sono una donna? Mio padre, un ardente aderente dell'umanismo, mi ha detto molte volte che il ruolo di una donna è quello di aumentare il genere umano che una donna è il Messia dei prossimi secoli. Da lui, dal suo insegnamento ho saputo della grande, nobile destinazione del pavimento, a cui sono orgoglioso e l'indipendenza di cui difenderò ultimo giorno La mia vita ... "- ha parlato Rosa Boner. La sua intera vita era controversa con idee tradizionali sulla femminilità: non si è sposata, spiegando il rifiuto del matrimonio dalla riluttanza a perdere l'indipendenza, indossava pantaloni (giustificato le specifiche di lavorare con gli animali) e vivevano con le donne, anche se non si è mai chiamato lesbica. Il successo internazionale è venuto a lei dopo lo spettacolo al Salone nel 1853, le fiere "Fair of Horses". Successivamente, la regina Victoria ha organizzato uno spettacolo privato di questa immagine nel Buckingham Palace, e in generale nel Regno Unito, Boner era ancora più popolare che nella sua natale Francia. Tuttavia, a casa è diventata il primo artista che ha ricevuto l'ordine della Legione onoraria, e tra gli altri i suoi premi furono l'ordine spagnolo di Isabella cattolica e l'ordine di Leopold belga, che conferma la sua fama internazionale.

Marianna Nord (1830-1890)
Gran Bretagna

Marianna a nord. Nepententhes Northiana. Phillips, A., A. Agnello & C.C. Lee Publishing 2008.

Viaggiatore e illustratore botanico, Marianna Nord non era un artista nel rigoroso senso della Parola: non ha ricevuto formazione professionale. Nell'infanzia e nei giovani, Marianna ha spesso visitato i Royal Botanical Gardens Kew, il direttore di chi era un altro suo padre, dove ha studiato la flora tropicale. Dopo la morte del genitore Marianna nord, che aveva quasi 40 anni in quel momento, ha ricevuto una solformance, gli ha permesso di non sposarsi e viaggiare quasi il resto della sua vita. Per il matrimonio, ha avuto un profondo disgusto, credendo che trasforma una donna in "qualcuno come i servitori più anziani". Quasi un quarto di secolo, dal 1871 al 1885, ha dedicato a viaggiare in tutto il mondo e l'immagine delle piante. I reperti del Nord scrissero nell'olio, anche se il genere dell'illustrazione botanica intendeva grafica e raffigurati piante nel loro ambiente naturale, e non su uno sfondo bianco, come è stato consueto. In assenza di fotografie a colori, il suo lavoro con gli oggetti accuratamente disegnati era utile per scopi scientifici. Con i suoi reperti botanici, Marianna nord condivisa con Charles Darwin, e il lavoro consegnato ai Giardini botanici reali Kew, dove la Galleria fu costruita sui propri fondi.

Poteri di Harriet (1837-1911)
Stati Uniti d'America

Poteri di Harriet. Panno biblico. Per gentile concessione di Museo di Belle Arti, Boston

I poteri Harriet sono nati in schiavitù nel territorio della Georgia. Combinata la tradizionale tecnica del cliente americano con un applique con radici africane orientali e creato panni patchwork unici. Ci sono solo due dei suoi lavori in cui ha fatto appello a trame bibliche, leggende locali E, non fino alla fine di ovvi motivi, fenomeni astronomici. Il primo del suo lavoro è il "panno biblico" (1885-1886) - ha acquistato l'artista Jenny Smith, osservandolo presso la mostra del cotone ad Atene nel 1886. Poi i poteri si sono rifiutati di separarsi dal lavoro, ma quattro anni dopo, a causa di difficoltà finanziarie, è stato costretto a venderlo, spiegando il significato delle trame dei piatti raffigurati: erano tutti presi dalla Bibbia. Le trame del secondo dei famosi lavori che i poteri di Harriet sono presi in prestito non solo dalla Bibbia, ma anche dalle leggende, ha anche interpretato disastri naturali e anche alcuni eventi storia americana. Dopo l'abolizione di schiavitù, poteri e suo marito avevano una piccola fattoria e circa mezzo ettari della terra, ma nel 1890 ° benessere della famiglia cominciò a peggiorare, il marito iniziò a vendere la terra, e poi gettò sua moglie con i bambini. Non si è sposata più e fino alla fine della sua vita, molto probabilmente viveva sui ricavi da cucire.

Mary Cassatt (1844-1926)
USA, Francia

Mary Cassette. Bere del tè. Per gentile concessione di Museo di Belle Arti, Boston

Dopo aver trascorso la maggior parte della vita in Francia, Mary Kassatt era una delle prime donne (e l'unico americano) che erano attaccati agli impressionisti dell'opposizione in quel momento. Nonostante l'educazione artistica piuttosto accademica (ha studiato al Salon Artist Jean Leon Zheroma e se stessa è stato ripetutamente esposto in cabina), Cassatt ha adottato un invito a Edgar Degi per aderire gruppo indipendente Artisti. Sotto l'influenza di Degas, la tecnica della lettera e il soggetto del loro lavoro, iniziando a scrivere nelle madri principali con bambini, che divennero il motivo principale della sua creatività. Oltre a pittura diretta, Cassatt ha funzionato come collezionisti di consulenti d'arte. Grazie al suo consiglio, l'incontro di Henry Osborne Hevemeyer e sua moglie Louisina, la maggior parte dei quali sono ora conservati nel Museo Metropolitano, reintegrato con le opere di Degas, Edward Mana, Camille Pissarro e Claude Monet.

Emilia Shanks (1857-1936)
Russia, Regno Unito

Gli stinchi di Emilia. Nuovo a scuola. Galleria di Tretyakov di stato

La prima delle due donne adottata nella partnership delle mostre d'arte mobile (la seconda era Antonina Rzhevskaya), è nata nella famiglia di successo entrepreneur James Shanks, il proprietario del workshop dei gioielli e il negozio a Mosca. Assisteva alla scuola di Mosca di pittura, scultura e architettura come libero professionista, i suoi insegnanti erano Vladimir Makovsky, Illiarion Sanids e Vasily Polenov, con i quali ha continuato ad essere amici e dopo la laurea nella scuola nel 1890. In pittura parallela che Emilia stinchi appassionati di fotografia, decollando per lo più la vita rurale e la natura. Dal 1891, è stato esposto con le intestazioni, e già nel 1892 il suo lavoro "Nuovo a scuola" ha molto apprezzato il laya repin, e Pavel Tretyakov la acquistò alla sua collezione. Nel 1894, Emily Shanks 15 voti (più di Valentina Serov) eletti un membro della partnership delle mostre d'arte mobile. Alla vigilia della prima guerra mondiale, insieme alla sua famiglia tornò a Londra, dove ha continuato a mostrare alla Royal Academy of Arts.

Maria Bashkirtseva (1858-1884)
Russia, Francia

Maria Bashkirtseva. Ombrello. Per gentile concessione del museo russo

Conosciuto principalmente grazie al suo diario, particolarmente popolare all'inizio del 20 ° secolo: Marina Tsvetaeva, Valery Bryusov e Sergey Andreevsky, erano molto apprezzati da Bashkirtsev. Maggior parte La vita di Bashkirtsev, nata nella provincia della Poltava, ha vissuto in Francia, dove sua madre lo prese nell'infanzia dopo aver segnato con il padre dell'artista. Giovane Maria Volevo diventare una ballerina, poi il cantante e persino iniziò a prendere gradini in questa direzione, ma nel 16 ha saputo che era malato di tubercolosi, e da 18 anni a causa della malattia cominciava a perdere la sua voce prima, e poi orecchio. A circa lo stesso, Maria, soprattutto sognato di gloria, ha deciso di impegnarsi nella pittura ed è entrato nell'accademia privata di Juliana (nazionale scuola superiore Le belle arti non erano ancora disponibili per le donne). Ha stimato la sua educazione artistica bassa. "Sono condannato alla solitudine o alla mediocrità del workshop femminile", scrive nel diario. - Qui non sei spinto in avanti, non incoraggiare, e si radica sul posto. Oh, perché sono solo una donna? " Si opponeva attivamente alla chiusura per le donne del sistema accademico educazione artistica E ha anche scritto un articolo su questo nella rivista "Citizen" sotto lo pseudonimo Polin Eagle. Ciononostante, l'artista è stato esposto al salone, e il suo lavoro ha acquisito il Louvre. Maria Bashkirtseva è morta in 25 anni da Chakhotka, con il tempo di creare circa 150 dipinti, 200 lavoro grafico E una piccola scultura, di cui una piccola parte è stata conservata, molto è morto durante la seconda guerra mondiale.

Maria Yakunchikova (1870-1902)
Russia, Francia

Maria Yakunchunchikova. Artista di schizzo dell'artista patchwork punk.. Per gentile concessione di Christie "s

Maria Yakunchunchikova è nata nella famiglia dell'imprenditore Vasily Yakunchunchov e Zinaida Mammoth. Savva Mamontov ha rappresentato la sua madre cuginoE la sorella nativa di Zinaida Vera era sposata con Pavel Tretyakov, quindi non c'era praticamente alcuna possibilità di stare lontano dall'art. Pittura È stata affascinata nell'infanzia - l'artista Nikolai Martynov è stato assunto per insegnare ai bambini Yakunkchikov. All'età di 15 anni, sono andato con un freestyle nella scuola di Mosca di pittura, scultura e architettura e presto si avvicinò alla famiglia completa (sua sorella maggiore Natalia nel 1882 sposata Vasily Polenov), partecipando regolarmente alle loro serate di disegno. Particolarmente amichevole Yakunchunchikova era con la sorella minore dell'artista Elena Polenova, che amava la stessa arte folk e portava via lo Yakunchunchov. Quando Maria aveva 18 anni, fu trovata la tubercolosi. I medici raccomandano il cambiamento del clima e Yakunchunchov si trasferirono in Europa, dall'esistenza da allora in Russia solo per partenze. A Parigi, entrò nell'accademia di Juliana, e venendo in patria, vissuta e lavorato come a tempo pieno a Behov e Mammut in Abramtsev, dove molta attenzione pagata per le arti decorative e applicate, in particolare ceramica e bruciatura del legno. Nel 1896 sposò un dottore Leon Weber-Baular, in due anni avevano il primo figlio. Allo stesso tempo, Sergey Dyagilev ha invitato Maria Yakunchunchov a partecipare alla "mostra di artisti russi e finlandesi" e ordinò la copertura per la rivista "World of Art". Nel 1900, ha partecipato alla progettazione del dipartimento rurale del padiglione russo della mostra mondiale a Parigi, dove il suo lavoro ha ricevuto una medaglia d'argento. Ma presto, il figlio di Yakunchunchikova ha trovato la tubercolosi, e la nascita nel 1901 del secondo figlio ha sottolineato la sua salute finalmente - nel 1902 è morto l'artista. "Era una donna caratteristica-russa con un tipico regalo russo ... Solo lei ha iniziato a svilupparsi come artista, si sposò, poi i bambini, poi una malattia del figlio serio e, infine, la morte. Yakunchunchova ha gestito poco, soprattutto rispetto a ciò che potrebbe. Ma in tutto ciò che lei, intensa, tra i pannolini dei bambini e il rumore di Parigi avevano il tempo di fare - ha mostrato la profondità di meravigliosi incontri, da solo e amore per luna dalle sue foreste russe, questa "spina di pesce e buoi", a cui lei Trattato con un po 'della riverenza e di cui cercava la vita ", ha scritto su Yakunchunchov Sergey Dyagilev.

Elsa von Freitag Loringhoven (1874-1927)
Stati Uniti d'America

Elsa von Freitag Lorgingofen. Per gentile concessione della Biblioteca del Congresso

Elsa Politsa è nata in Germania nella famiglia di un costruttore e una politica che ha guidato una vita dilagante e ha battuto sua madre. Incibile per la sifilide, quest'ultimo ha cercato di suicidarsi e in seguito morto in un ospedale psichiatrico. Come disse Elsa, la madre "mi ha lasciato l'eredità ... combatti". Era sposata tre volte e tutto era infruttuoso. L'ultimo coniuge Elza - Leopold Carl Friedrich Baron Freitag-Loringhoven Baron, per il quale è uscito già in America, fuggito, prendendo i suoi risparmi insignificanti e lasciando il suo titolo e l'opportunità di entrare nei circoli aristocratici di New York. Tutta la sua vita Elsa si è trasformata in un'opera d'arte di Dadist: ha scritto poesie, soddisfatte le esibizioni, create sculture e collage dagli oggetti trovati sulla spazzatura. L'artista George Bidll nel 1917 descrisse la sua stanza a New York come un punteggio "con alcune ghiandole sparse, pneumatici auto ... urne per la spazzatura, che erano inorriditi e disgustati, che per la sua percezione istrice, ma estremamente sensibile divennero oggetti della bellissima ... "" Ero anche biologico la sua stanza come, ad esempio, Brankuzy Studio a Parigi ", ha detto. C'è una teoria che la leggendaria "fontana" apparteneva alla mano di Elsa, e Marsiglia Dushan ha appena assegnato una paternità - è possibile leggere di più su questo nel nostro materiale.

Elena Kiseleva (1878-1974)
Russia, Jugoslavia

Elena Kiseleva. Ragazze sulla sovvenzione. Per gentile concessione della risonanza magnetica.

Elena Kiseleva, le cui opere divennero note al pubblico in generale a causa della mostra nel Museo dell'impressionismo russo (fino al 12 marzo), ha avuto ogni possibilità di entrare nella storia arte domestica: La laurea L'Accademia Imperiale Artisti, studiati nel laboratorio di Ilya Repin, divenne la prima donna, nel 1907 ricevette pensionati stranieri, e nel 1910, gli artisti degli architetti adottati nella società. Ho scritto soprattutto ritratti. "Composizione o paesaggio che ero poco interessante. Ero sempre un ritrasista e adorato con passione per ritrarre donne belle e interessanti ", ha confessato Kiselev. La Convenzione dell'artista è stata un sacco di emigrazione al regno di serbi, croati e sloveni (futura jugoslavia), dove si è trasferita con suo marito nel 1920. Ha scritto di questo tempo: "La vita ha da molto tempo ha preso il tutto interamente, e io ero in qualche modo l'artista, a parte. E soprattutto, c'era una vita molto difficile e difficile. E poi la rivoluzione, la guerra, i rifugiati. In questo momento sono stato creato nuova famigliaÈ nato il figlio, - dove era qui per pensare all'arte. " Dopo la morte del Figlio nel 1944, smetteva di dipingere affatto. L'eredità di Elena Kiselevoe alla fine degli anni '60 era interessata a Voronezh Art Historian Marina Lunev, che corrispondeva all'artista e ha contribuito attivamente al ritorno del suo lavoro alla sua patria.