L'Olanda ci ha dato un numero enorme dei più famosi, i più grandi artisti nell'intera storia dell'arte. Olanda e Fiandre XV - XVII secoli. Era un vero terreno fertile per i pittori. Ora li conosciamo come grandi artisti olandesi, Grandi artisti olandesi e fiamminghi. Ci sono così tanti di loro che sono difficili da elencarli anche per iscritto. Ogni museo rispettoso del rispetto considera il suo dovere l'acquisizione per l'esposizione degli artisti del passato, immigrati da questi luoghi. Si può dire che sono diventati i fondatori di molti generi di pittura, sviluppati tecniche speciali dell'immagine, che vengono utilizzate anche nel nostro tempo. La scuola olandese della pittura è stata una delle più forti in Europa. Ecco alcuni nomi che sono noti a tutto il mondo e che conoscono anche quelli che non sono affatto interessati alla pittura mondiale:, la famiglia di Breyget, Yang Vermeer, Peter de Heh, Hugo Van Gus, Paolo Potter, Brower Adrian, Jan Van Van Eyk e molti -a molto gli altri. È anche difficile immaginare, così com'era, l'arte della pittura, dei grafici, se non fosse per questo ricco negli artisti della formazione nella storia dell'umanità.

Adrian van Ostay. Pescivendola

Jerome Bosch. Tentazione di Sant'Antonio

Potter Powlllus. Giovane toro

Peter de heh. Dvorik in Dalphte.

Peter clas. Natura morta con il granchio

Rembrandt. L'orologio notturno

Francia Hals. Gypsy.

Hugo van der Gus. Autunno

Jan Vermeer. Procura

Peter Bruegel Senior. Cacciatori di neve

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La storia di qualsiasi paese trova la sua espressione nell'arte, ed è particolarmente indicativa di questo modello sull'esempio di pittura. In particolare, nell'esempio del dipinto dei Paesi Bassi che è sopravvissuto alla rivoluzione, che ha notevolmente influenzato l'ulteriore destino dello stato unificato una volta. Come risultato della rivoluzione nel XVII secolo I Paesi Bassi condivisi in due parti: in Olanda e Fiandre (il territorio del Belgio moderno), che è rimasto sotto il dominio della Spagna.

Storico il loro sviluppo è andato diversi modi., così come culturale. Quindi, è diventato possibile dividere il concetto complessivo una volta del dipinto olandese su olandese e fiammingo.

Pittura olandese

La cultura dei Paesi Bassi del XVII secolo è la personificazione vivente della celebrazione dello stato che ha acquisito indipendenza. Artisti, coperti dal gusto della libertà, riempiti questa volta da Paphos di Aggiornamenti sociali, spirituali e per prima cosa ha prestato molta attenzione all'ambiente circostante - Natura, immagine umana.I genranisti olandesi sono ispirati wordness, piccoli episodi di tutti i giorni, Cosa diventa una delle caratteristiche caratteristiche del realismo olandese.

Inoltre, i principali clienti dell'arte sono diventati non solo rappresentanti di Top Elite, ma anche commercianti, contadini. Questo è in parte e ha influenzato lo sviluppo della pittura come soggetto interno, e ha anche contribuito ad un aumento dell'interesse pubblico nei temi della vita quotidiana.

L'arte dell'Olanda XVII secolo è famosa un ampio sistema di genere di pittura.

Ad esempio, tra i giocatori del paesaggio erano marinisti, gli artisti raffiguranti specie di luoghi semplici o di età forestale erano anche maestri di paesaggi invernali o dipinti con il chiaro di luna; C'erano genrei specializzati nelle figure dei contadini, dei Burghers, sulle scene fatte in casa; C'erano maestri di vari tipi di still sui livelli - "colazioni", "dessert", "negozi".

Focalizzare rigorosamente il pittore su un sottosistema del genere contribuito al dettaglio e al miglioramento di tutti i dipinti olandesi nel suo complesso.

XVII secolo è veramente veramente era d'oro del dipinto olandese.

Caratteristiche artistiche

Sensazione di colori leggeri e sottili Gioca nelle immagini degli artisti olandesi un ruolo importante.

Ad esempio, come nelle immagini Rembrandt -l'artista che è diventato la personificazione dell'intera epoca del dipinto dell'Olanda. Rembrandt non aveva paura Dettagli realisticiContrariamente ai canoni dell'immagine della realtà e a causa dei contemporanei È aumentato il "pittore della bruttezza".

Rembrandt ha allegato prima particolare importanza Luce di gioco, Cosa gli ha permesso di inventare diversi dal resto lettera MANERA. Secondo Andre Felibiena. "... Spesso ha scoperto solo i pennelli larghi e metti fuori gli spessi strati di vernici uno dopo l'altro, non permettendo a se stesso un piccolo lavoro per fare transizioni più fluide e morbide da alcuni toni agli altri".

"Restituzione del figlio prodigo", 1666-1669

Jan Vermeer.(Vermeer / Delftsky Vermer ) - Armonia del pittore e chiarezza della visione del mondo. Famoso per la sua forza decisioni figurative e tendenza all'immagine atmosfera opaeted di tutti i giorni, Ha prestato particolare attenzione sfumatura colorataCiò che ha reso possibile trasmettere il carattere dello spazio spento.

"Giovane donna con la brocca d'acqua", 1660-1662

Jacob van Ryutsdal.scritto paesaggi monumentali in colori freddichi incarnò la sua sottile sensazione di drammatico e persino cupo variabilità del mondo.

"Cimitero ebraico", 1657

Albert Cape. famoso per un aspetto insolito Composizione Paesaggio - ha dato, di norma, con un punto di vista bassoche consente di trasferire l'estensità dello spazio esteso.

"Mucche sulla riva del fiume", 1650

Francia Hals (Gals / Hals) noto ritratti eccezionali di genere e gruppoattirare la propria caratteristica.

"Tsygana", 1628-1630

Pittura fiamminga

Nelle Fiandre, lo sfondo culturale era notevolmente diverso dall'olandese. Nobiltà feudale e chiesa cattolicaha ancora giocato un ruolo importante nella vita del paese, essendo i principali clienti dell'art . Pertanto, i principali tipi di lavoro di pittura fiamminga sono rimasti dipinti per i castelli, per le case urbane di ricche e maestose immagini dell'altare per le chiese cattoliche. Scene di mitologia antica e storie bibliche, enormi livelli ancora, ritratti di clienti eminenti, immagine di festival lussureggianti - i principali generi d'arte delle Fiandre XVII secolo.

L'arte fiamminga del barocco (allegro, materiale e sensuale, lussureggiante nell'abbondanza delle forme) è stata trovata dalle caratteristiche del rinascimento italiano e spagnolo nella rifrazione del loro sapore nazionale, soprattutto si manifestava nella pittura.

La vivacità fiamminga è diversa forme monumentali, ritmo dinamico e celebrazione in stile decorativo. Particolarmente brillantemente si è manifestato nella creatività Peter Paul Rubens,chi è diventato la figura centrale di pittura fiamminga.

Il suo stile è caratterizzato da un'immagine lussureggiante e luminosa Grandi forme pesanti nel movimento rapido. I rubini sono caratterizzati da vernici ricche calde, contrasti taglienti di luce e ombra, lo spirito generale della vacanza vittoriosa. Eugene Delacroix ha detto:

"La sua qualità principale, se preferiva molti altri, - Questo è uno spirito acuto, cioè una vita piercing; Senza questo, nessun artista può essere ottimo ... Tiziano e Paolo Veronesesembrano essere terribilmente umili accanto a lui. "

Tutto inerente alle sue spazzole e è diventato caratteristiche comuni di tutta la scuola.

"Unione di terra e acqua", 1618

Arte Giacob Yordans. Attrarre allegria, monumentalità, ma allo stesso tempo sinceramente, l'amore di Yordans all'immagine feste ricche (Ripetuta ripetizione della trama del "re del fagiolo" è confermato. A proposito, il re del fagiolo sulle feste ha votato qualsiasi torta di bob al forno nel suo pezzo di torta) e gli eroi delle leggende cristiane come fantastica salute dei Flemaduri incarnano lo spirito di cultura delle Fiandre del XVII secolo.

"Vacanze del King Bobov", 1655

Antonis Wang Dyk. - Ritratto che ha creato il tipo di ritratto aristocratico, eseguito dal miglior psicologismo, espresso nell'attenzione alle dinamiche della silhouette e dall'espressività complessiva dei tipi.

"Ritratto di Charles I on the Hunt", 1635

Francia Snakers. Conosciuto dall'immagine della natura sensuale delle cose rappresentate dalla colorazione e dalla monumentalità dei titoli decorativi ancora, tele animaliste.

"Negozio di frutta", 1620

Jan Bruegel Jr. - Il nipote dell'artista Peter Bruegel senior, che ricordava dallo abile mescolanza del paesaggio e della pittura domestica, del paesaggio e degli apparecchi mitologici allegorici, così come la trasmissione di talento dell'effetto panoramico dovuto all'alta posizione dell'orizzonte.

"Flora sullo sfondo del paesaggio", 1600-1610

Le principali differenze della pittura olandese e fiamminga

1. In Olanda Il principale cliente dell'arte diventa strato di lavoro, nelle Fiandre - il cortile reale e lo sanno.
2. Trame. I diversi clienti chiedono cose diverse. Folks semplici interessato a dipinti raffiguranti il \u200b\u200bcircostante ogni giorno tra le nazioni Previsto in richiesta piatti antichi e biblici, dimostrazione di lusso.
3. Maestro di scrivere. Caratteristica una caratteristica del dipinto olandese diventa una sottile sensazione di illuminazione. D'ora in poi, questo è lo strumento principale che ti consente di riflettere l'immagine della realtà antiestetica. Nella pittura fiamminga, la posizione centrale occupacaratteristico mezzo barocco mezzi di espressività artistica - forme, sapore brillante, abbondanza e lusso.

La fine dell'epoca della pittura olandese e fiamminga può essere chiamata simile - sotto l'influenza dell'influenza dei gusti francesi e dei punti di vista e olandese, e la coscienza nazionale fiamminga si indebolisce gradualmente, e quindi il concetto di pittura fiamminga e olandese diventa storico passato.

Gli eventi del XVII secolo in Olanda e Fiandre hanno presentato il mondo degli autori eccezionali e un aspetto fresco allo sviluppo generale delle tendenze della pittura mondiale.

FONTI:

1. Storia dell'arte piccola. Arte europea occidentale XVII.

2. Arte fiamminga e olandese del XVII secolo. Come due poli del mese di interesse del giorno // banauka.ru/6067.html.

3. L'era del Rinascimento nei Paesi Bassi // http://m.smallbay.ru/article/lar_renaiss_niderland.html.

Pittura olandese alla fine del XVI secolo è inseparabilmente connessa con fiammingo e ha il nome generale della scuola olandese. Entrambi, essendo un ramo del dipinto tedesco, considera i fratelli Van Eykov con le proprie spese e vanno a lungo in una direzione, sviluppare la stessa tecnica, quindi gli artisti dell'Olanda non sono diversi dal fianco e dalle controparti brabanti .

Quando il popolo olandese si è liberato dell'oppressione della Spagna, il dipinto olandese acquisisce un personaggio nazionale. Gli artisti olandesi distingue la riproduzione della natura con amore speciale in tutta la sua semplicità e verità e una sottile sensazione di colore.

L'olandese è stato il primo a comprendere che anche in una natura inanimata respira la sua vita, tutto è attraente, tutto è capace di causare il pensiero ed eccitare il movimento del cuore.

Tra i giocatori del paesaggio che interpretano la loro natura domestica sono particolarmente rispettati da Jan Wang Goyen (1595-1656), che, insieme a Ezaias van de Veld (circa 1590-1630) e St. Peter Moles Senior (1595-1661), è considerato il fondatore del paesaggio olandese.

Ma gli artisti dell'Olanda non possono essere distribuiti a scuole. L'espressione "Dutch School of Painting" è molto condizionale. Nei Paesi Bassi, società organizzate di artisti, che hanno presentato società gratuite, che hanno difeso i diritti dei loro membri e non hanno influenzato le attività creative.

Il nome di Rembrandt (1606-1669) brilla particolarmente brillantemente, nella personalità del quale tutte le migliori qualità del dipinto olandese si sono concentrate e la sua influenza si rifletteva in tutta la sua nascita - in ritratto, dipinti storici, scene domestiche e paesaggio.

Nel XVII secolo, la pittura domestica sviluppata con successo, i primi esperimenti di cui sono annotati nella vecchia scuola olandese. In questo genere, i nomi di Cornelis Bega (1620-64), Richard Brannyburg (1650-1702), Cornelis Duzart (1660-1704), Cornelis Duzart (1660-1704), henric Rockies, soprannominato da CHANG (1621-82) ,

Alla categoria del genere, puoi classificare gli artisti che hanno scritto scene di vita militare. Il principale rappresentante di questa industria della pittura è il Phillips famoso e insolitamente prolifico di Hoover (1619-68)

In uno scarico speciale, i maestri possono essere distinti, che nei loro dipinti combinano il paesaggio con l'immagine degli animali, un famoso in un numero di tali pittori di idillio rurale - Poullus Potter (1625-54); Albert Cape (1620-91).

Con la massima attenzione, gli artisti dell'Olanda appartenevano al mare.

Nell'opera del Villem Wang de Velte Senior (1611 o 1612-93), il suo famoso figlio Villem Wang de Velte Jr. (1633-1707), Lyudolf Bakmaisena (1631-1708), il dipinto delle specie marine ammontava alla loro specialità.

Nel campo della natura morta, Yang-Davids de Gem (1606-83), suo figlio Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gundecter (1636-95), Maria Osterweik (1630-93 ).

Il brillante periodo di pittura olandese ha allungato a lungo - solo un secolo.

Con l'inizio del XVIII secolo. Il suo declino arriva, la ragione dei gusti e le opinioni dell'era spruzzata di Louis XIV. Invece di un atteggiamento diretto nei confronti della natura, l'amore per il domestico e la sincerità, il dominio delle teorie pregiudizi, la convenzionità, l'imitazione dei centri della scuola francese. Il distributore principale di questa direzione deplorevole è stata sistemata in Amsterdam Flemandes Gerard de leashes (1641-1711),

Anche il famoso Adrian Wang de Verff (1659-1722) ha anche contribuito (1659-1722), il sapore opaco delle immagini dei cui dipinti non erano il momento della perfezione di equitazione.

Un'influenza straniera sul ventesimo secolo del XIX secolo.

Successivamente, gli artisti olandesi si sono rivolti ai loro vecchi tempi a una rigorosa osservazione della natura.

Particolarmente ricco del nuovo pittura olandese dei paesaggi. Andreas Selfhaut (1787-1870), Barn Kookkuk (1803-62), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (r. 1837), Johannes Weissengruh (1822-1880), ecc.

Tra i più recenti marinisti del campionato Palm Netherlands appartiene a Johannesu Schotel (1787-1838).

Nel verniciatura degli animali, la grande arte dei degni di Vershur ha mostrato (1812-74).

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Con la celebrazione dell'edificio borghese e il calvinismo del malto dell'arte monumentale e decorativa e della chiesa in Olanda è crollato. Compiti per il dipinto di palazzi e castelli, che mettono quasi gli artisti barocchi nelle monarchie, quasi non aveva luoghi in Olanda. La nobiltà era troppo debole per garantire l'esistenza di una grande arte decorativa. Il calvinismo, d'altra parte, era contro i dipinti nei suoi templi.
La domanda di opere di verniciatura era tuttavia estremamente grande. Ha camminato il vantaggio degli individui, e, inoltre, in larga misura dai circoli che non avevano un importante rifornimento di materiale. Sviluppa e diventa un tipo dominante di piccoli dipinti per macchine progettati per appendere in spazi modesti. Insieme agli ordini, i dipinti erano ancora più spesso eseguiti per il mercato dell'arte, e il commercio era diffuso. La grande richiesta dei dipinti ha portato prodotti enormi e, a causa della loro sovrapproduzione, molti artisti dovevano essere visti tranne che per la loro professione diretta, altre fonti di esistenza. I pittori eccezionali spesso si rivelano i giardinieri, poi i concessionari dei concessionari, quindi i dipendenti (Goyen, Walls, Gobbema, ecc.).
Per quanto riguarda il tema e le tecniche visive nella pittura olandese del XVII secolo, l'inizio del realismo è interamente dominato. L'artista era principalmente richiesto dalla trasmissione veritiera di forme esterne della vita circostante in tutta la varietà dei suoi fenomeni.
L'importanza della personalità nella nuova società borghese ha avuto la sua conseguenza della distribuzione estremamente del ritratto. Un lungo periodo di lotta, dove il vincitore ha sentito la sua forza, ha contribuito a questo processo. Il ruolo principale svolto dalle diverse organizzazioni e prima di tutte le società dei fucili, ha causato uno speciale tipo di ritratto pubblico di gruppo, che ottiene uno sviluppo diffuso e diventa uno dei fenomeni specifici di pittura olandese. Seguendo i numerosi ritratti di gruppo di tiratori, ci sono natura simili di un gruppo di rappresentanti di determinati workshop commerciali, società mediche (la cosiddetta "anatomia"), i manager sono feroci.
La resistenza Tension Ingoing Invaders ha aggravato la sensazione nazionale. Dall'arte iniziò non solo la verità - avrebbe dovuto essere raffigurato, gente popolare e la situazione del giorno di oggi, le immagini non accustate della loro natura nativa, tutta la coscienza orgogliosa di e ciò che è stato usato per vedere l'occhio: navi, bellissimo bestiame, Abbondanza del cane, fiori. Genere, paesaggio, immagini animali e natura morta sono diventati tipi dominanti di argomenti. Un dipinto religioso respinto dalla Chiesa protestante non è stato escluso, ma non ha svolto alcun ruolo importante e ha acquisito un carattere completamente diverso rispetto ai paesi della proprietà del cattolicesimo. L'inizio mistico è stato soppiantato in loro con un'interpretazione realistica dei terreni, e i dipinti di questo cerchio sono stati goduti il \u200b\u200bvantaggio della forma di pittura domestica. Le scene della storia antica sono trovate come un'eccezione e sono utilizzate per suggerimenti sugli attuali eventi politici. Come tutte le allegorie, hanno avuto successo in ambienti stretti coinvolti in interessi letterari e umanitari.
Una caratteristica tipica della scuola olandese di questo tempo è una specifica ristretta su determinati tipi di soggetti. Questa specializzazione porta alla differenziazione dei generi: alcuni artisti sviluppano quasi esclusivamente scene domestiche dalla vita degli strati medi e superiori della borghesia, tutta l'attenzione degli altri è diretta alla vita contadina; Tra i giocatori del paesaggio, molti con difficoltà possono trovare qualcosa di diverso dalle pianure, canali, villaggi e pascoli; Altri sono entusiasti di motivi forestali, altri specializzati nell'immagine del mare. Gli artisti olandesi non hanno solo un compito di trasferimento accurato di oggetti e fenomeni raffigurati, ma si sforzano di dare l'impressione dello spazio, nonché l'impatto sulle forme di avvolgimento della loro atmosfera e della luce. Il problema della trasmissione di luce e dell'aria è una ricerca pittoresca comune e principale per la scuola olandese del XVII secolo. Pertanto, la pittura acquisisce involontariamente l'inizio delle emotività, causando un certo sentimento dal pubblico.
Il primo trimestre del 17 ° secolo è per il dipinto dell'Olanda nel periodo di transizione, quando solo le caratteristiche contrassegnate non hanno ancora ricevuto il loro pieno sviluppo. Dal lato tematico, i principali tipi di pittura olandese - paesaggio e vita - mentre relativamente pochi differenziati. E gli elementi di genere e paesaggi nei dipinti di questo tempo sono spesso equivalenti. Nelle immagini puramente delle specie, ci sono molte convenzioni sia nella costruzione complessiva del paesaggio che del sapore.
Insieme a continuare tradizioni realistiche locali dal vivo, l'Italia è fortemente influenzata dall'Italia, in particolare i suoi flussi manieristici e l'arte realistica di Caravaggio. Il rappresentante tipico dell'ultima direzione è stato Honthorst (1590-1656). Anche l'impatto sull'olandese ha lavorato all'inizio del XVII secolo dall'artista tedesco Adam Elsheimer (1578-1610) è molto evidente. Il romanticismo dell'interpretazione di quelli selezionati dalla Bibbia o dall'antica letteratura, così come ben noto orientalismo (attrazione ad est), che è stato espresso nella selezione di tipi, vesti e altre parti, sono combinati nel suo lavoro con un aumento del desiderio di effetti decorativi. Come il più grande artista di questo gruppo, Peter Lastman nominato (1583-1633).
Francia Hals. La prima volta dall'artista, con il lavoro di cui la scuola olandese entra in un periodo di completa di massimo splendore, è Frans Hals (circa 1580-1666). La sua attività è stata tenuta quasi interamente a Harlem. Qui per circa il 1616, viene proposto come il ritratto più grande avanzato e conserva il suo ruolo in questo settore fino alla fine della vita. Con l'avvento di Hals rigorosamente realistici e acutamente individuale ritratto olandese raggiunge la maturità. Tutto timido, piccolo, naturalistico, distinguendo i suoi predecessori è superato.
La fase iniziale dell'arte di Hals non è chiarita. Vediamo immediatamente il master decisivo al problema del ritratto genitore. Scrive uno dopo un'altra immagine raffigurante le frecce della Corporation of St. Adriana e St. George (Garlem, Museo di Francia Hals), dove viene anche trasmesso un assieme multiplo e luminosità affollata di ciascuno di questi presenti con un'inimitabile facilità. L'abilità pittoresca e la risorsa compositiva dei gruppi vanno in questi ritratti mano nella mano con la straordinaria nitidezza. Hals non è uno psicologo: i suoi modelli di solito passano per lui. E scrive per la maggior parte del popolo la cui tutta la vita procede in condizioni di attività intense, attive, ma non troppo approfondendo l'ordine psicologico. Ma Hals, come nessuno, prende l'aspetto di queste persone, sa come afferrare il più fugace, ma allo stesso tempo la più caratteristica dell'espressione facciale, nella posa, nei gesti. Allegro in natura, cerca di catturare ogni immagine in un momento di rinascita, gioia, e nessuno con tale sottigliezza e varietà, come lui, non passa la risata. Ritratto di un ufficiale (1624, Londra, collezione Wallace), ondeggiando sulla sedia "Gytegeaisen" (fine del 1630, Bruxelles, Galleria d'arte), "Gypsy" (fine del 1620, Louvre), o il cosiddetto "Harlem Witch "- Mallet Bobbebe (Berlino) può essere chiamato come esempi caratteristici della sua arte acuta e spesso folle. Uomini, donne, bambini sono ritratti da lui con la stessa sensazione di un'immagine vivace ("ritratto di un giovane con un guanto", ca. 1650, eremitaggio). La tecnica di Hals stessa contribuisce all'impressione di vivacità, insolitamente libera e crescente nel corso degli anni nella sua latitudine. La colorazione decorativa del lavoro anticipata viene successivamente morto, il sapore diventa argento, la libertà di proprietà dei toni in bianco e nero parla della capacità che può permettersi di offrire allegramente dolci scenografiche. In alcuni lavori, le tecniche impressionistiche sono programmate. Hals scrive innumerevoli ritratti individuali fino agli ultimi anni di vita, ma di nuovo cums di ritratti di gruppo. Generalizzato dal colore, scoprendo la debolezza anziana della mano nella figura, rimangono tuttavia estremamente espressive. I loro personaggi rappresentano gruppi di Elders Stagna (1664, Harlem, Museo di Francia Hals), dove l'artista di ottanta anni si è ritrovato l'ultimo rifugio. La sua arte era troppo avanzata nel suo tempo per garantire il successo del materiale nell'ambiente dell'allora società borghese.
Rembrandt. La generazione è successiva che Hals, contro lo sfondo di un realismo olandese approvato cresce da una figura gigante di Rembrandt (1606-1669). La sua creatività è il più grande orgoglio dell'Olanda, ma il significato di questo master non è limitato al quadro di una nazionalità. Rembrandt è rappresentato da uno dei più grandi artisti realistici di tutti i tempi e allo stesso tempo uno dei più grandi maestri di pittura.
Rembrandt Harmens Wang Reno è nato nel 1606 a Leiden ed era il figlio del prospero proprietario della farina. Ha scoperto presto l'attrazione per la pittura e dopo un breve soggiorno a Leiden University è stata completamente data all'art. Al termine del solito periodo di allenamento triennale, Rembrandt è andato a migliorare ad Amsterdam, che divenne uno studente di lastman. Avendo imparato una serie di tecniche di quest'ultimo, percepì e l'influenza della direzione realistica del karavagista.
Tornando a Leiden, Rembrandt ha iniziato a lavorare come maestro indipendente, ha avuto un grande successo, e questo successo lo spinse a trasferirsi ad Amsterdam, dove si è stabilito dal 1631. Qui Rembrandt è diventato molto presto un artista alla moda, pieno di ordini e circondato da molti studenti. Allo stesso tempo, è stato rivelato e il tempo più brillante nella sua vita personale.
Nel 1634, sposò una giovane ragazza di Milovoide di Sasquia Wang-Ulena Borg, appartenente al cognome di Bourgeois visibile di Amsterdam e lo ha portato nello stato maggiore della dote. Ha aumentato la già crescente ricchezza del maestro prospero, gli fornì l'indipendenza materiale e allo stesso tempo ha permesso la passione per la raccolta di opere d'arte e ogni sorta di cose antiche.
Già durante il soggiorno di Rembrandt a Leiden e soprattutto dopo il trasferimento di Amsterdam, le caratteristiche principali della sua arte influenzano con tutte le certezza. Il cerchio delle sue immagini copre storie religiose, storia, mitologia, ritratto, genere, mondo animale, paesaggio, natura morta. Il focus di Rembrandt ha ancora una persona, trasmissione psicologicamente corretta di personaggi e movimenti mentali. Questo interesse per i problemi psicologici si manifesta in innumerevoli ritratti, così come negli argomenti preferiti di Rembrandt Biblical che danno una ragione desiderata per l'immagine delle relazioni e dei personaggi umani. Il meraviglioso dono incredibile della narrativa consente di trasportare il pubblico non solo l'espressività delle immagini, ma anche l'inibitorio del deposito della trama selezionata.
Rembrandt Immagini rilevano la sua comprensione profondamente realistica dei compiti dell'art. Studia costantemente la natura e sbirciando energicamente in tutte le forme di realtà circostante. La sua attenzione è attratta da tutto in ciò che è pronunciata la caratteristica: l'espressione di persone, gesti, movimenti, costumi. Risolve le sue osservazioni nei disegni, poi nelle pittoresche Etudes. Questi ultimi sono principalmente nel suo primo periodo. La conoscenza acquisita della forma e la sua espressività diventa parte integrante di tutte le opere composite di Rembrandt e li informano una veridicità straordinaria.
In parallelo con esacerbare l'attenzione sull'essenza dei fenomeni, Rembrandt è interamente assorbita in problemi puramente pittoreschi e principalmente il problema dell'illuminazione. L'unicità e l'abilità delle sue decisioni gli hanno portato la gloria del più grande pittore. La sofisticazione della luce di Rembrandt in combinazione con effetti coloranti è un alto valore artistico nei quadri dei maestri. Ma questo non è solo un valore decorativo autosufficiente. L'interpretazione di Rembrandta degli effetti di illuminazione è allo stesso tempo uno dei mezzi principali per identificare la natura delle immagini. La sua composizione si basa sul rapporto tra piani illuminati e ombre. La loro distribuzione che sta allocando alcune forme e lo scarosing altri attrae l'attenzione dello spettatore a ciò che è particolarmente essenziale per narrative o caratteristiche e quindi migliora l'espressività. Il lato scenico è organicamente collegato al contenuto.
L'attività artistica di Rembrandt dall'inizio alla fine è intrisa dell'unità interna. Ma il suo percorso creativo ti consente di distinguere tra un numero di fasi chiaramente pronunciati caratterizzati da alcune caratteristiche specifiche.
Dopo anni di apprendistato e i primi passi indipendenti, un tipo così nuovo è il 1630. Durante questo periodo, Rembrandt è forte, da un lato, elementi romantici e fantasia, dall'altra - le caratteristiche formali dell'arte barocca. L'impressione di fiction è causata principalmente dall'effetto dell'illuminazione, lontano da sempre dipendente da una certa fonte, ma generata dalla capacità irradiante degli articoli stessi. Per le tendenze barocche dell'arte Rembrandt di questo periodo, l'iniziativa del linguaggio artistico, del dinamismo e del Pathos di composizioni, in parte, la nitidezza del sapore. In questa fase, Rembrandt è costantemente la tendenza alla teatralizzazione delle immagini, spingendo i maestri di scrivere se stesso e il suo vicino a lussureggianti impermeabili, caschi, turbanti, berretti o raffigurano Saskoviah sotto forma di eroine bibliche, poi un'antica dea.
Per ritratto personalizzato, è adatto, ovviamente, altrimenti. Le caratteristiche distinguono la loro vivacità, l'abilità di forme di formazione, la ricerca di elegalità e allo stesso tempo, il famoso rigore giustifica la sua gloria come ritrattista. Un ritratto di gruppo noto come "Anatomy of Doctor Tulip" (1632, Aia, Mauritzheis,), dove la capacità di unirsi a rappresentare l'attenzione delle persone alla conferenza, letta da una tulite in un tavolo anatomico, è stata raggiunta dalle caratteristiche, è stata la prima Successo particolarmente forte di Rembrandt.
Con l'estrema abbondanza di ritratti di ritratto che cade il decennio in considerazione, Rembrandt ha trovato il tempo per un affascinante pittura narrativa. "Angel Lasciando la famiglia tovia" (1637, Louvre) può servire come esempio delle marcate caratteristiche barocche di questo periodo. La trama prese in prestito dalla Bibbia, dove il momento è presentato quando un angelo, che ha aiutato il figlio di Tovia a guarire suo padre, lascia la famiglia familiare, è saturato di elementi del genere. Un altro approccio del genoma all'argomento è catturato nell'immagine dell'Hermitage "parabola sulle grapeters" (1637). In questo caso, la parabola evangelica si trasforma in una scena puramente realistica di calcolare il ricco proprietario con i lavoratori. La lealtà dei gesti e delle espressioni di individui qui non è meno caratteristica di Rembrandt rispetto al problema pittoresco della trasmissione della luce, che scorre in piccole finestre e serve nelle profondità di una sala adesiva elevata.
Abilità pittoresca e caratteristica di Rembrandt nel sapore verdognolo 1630 si manifestano con tutta la pienezza in una delle immagini più famose - Hermitage "Dana" (1636). Sulla sensazione della vita nel trasferimento del corpo, in un gesto, nell'espressità del volto, è insolitamente vivamente rivelato dal realismo del concetto artistico del Maestro in questo momento del suo sviluppo creativo.
Dall'inizio degli anni 1640, la creatività di Rembrandt si unisce a una nuova fase, durata fino al centro del prossimo decennio. L'indipendenza di una comprensione del Master dei Compiti dell'arte, il suo desiderio di profonda Vita Verità, Interesse per problemi psicologici, nel corso degli anni avevo sempre più e più, rivelato a Rembrandte la più grande personalità creativa, molto lontano la cultura del Società borghese che lo circonda. Il contenuto profondo di Rembrandt Art era il secondo inaccessibile. Voleva l'arte del realistico, ma più superficiale. L'originalità delle pittoresche tecniche di Rembrandt a sua volta è andata storta con un modo generalmente accettato, un po 'dimagrante della lettera. Poiché i tempi della lotta dell'eroica nazionale per l'indipendenza è stato spostato nel passato, nei gusti dell'ambiente dominante, le tendenze rimorchiavano sull'elegazza e l'idealizzazione nota dell'immagine. La disgrazia dei punti di vista di Rembrandt, sostenuta dalla sua indipendenza materiale, lo ha portato a una discrepanza completa con la società. Questo divario con il mezzo borghese colpito da tutta la certezza a causa dell'ordine del Maestro di un grande ritratto di gruppo della gilda degli sparatutto di Amsterdam. L'immagine (1642, Amsterdam), eseguita come risultato di questo ordine, non ha soddisfatto i clienti e rimase incomprensibile persino cerchi artistici. Invece di un gruppo di ritratti più o meno ordinario, Rembrandt ha dato un quadro dei discorsi della squadra armata, in sella a suoni del tamburo dietro i suoi leader. Caratteristica ritratto raffigurata ritirata sullo sfondo prima della scena dinamica. La pittura ampiamente concepita di contrasti di illuminazione ha riportato un'immagine di un carattere romantico, di Thoring e del suo nome condizionale - "orologio notturno".
Il conflitto con il mezzo dominante e il tagliente dovuto a questa caduta di ordini non ha influenzato l'energia creativa del Maestro. Inoltre, non ha influito sul cambiamento delle condizioni familiari di Rembrandt, che ha perso la sua moglie preferita, che aveva un'ispirazione permanente delle sue immagini femminili, non è stata riflessa su di esso. Alcuni anni dopo il suo posto occupa un altro. Apparendo prima nel ruolo umile del servo, Gendrick Stoffels diventa poi la fedeltà della vita del Maestro e gli fornisce la pace e il silenzio del comfort della famiglia.
Il prossimo periodo era favorevole per lo sviluppo dell'arte di Rembrandt. La gioventù di Zador scompare dal suo lavoro. Diventa concentrato, equilibrato e ancora più profondo. La complessità delle composizioni e del pathos è sostituita dalla semplicità. La sincerità dei sentimenti non è violata dalla ricerca di effetti esterni. Il problema dell'illuminazione possiede ancora i maestri. La colorazione diventa calda. I toni dorati gialli e rossi dominano. Religioso nella natura del soggetto, ma puramente genere sull'interpretazione della trama, l'immagine dell'Hermitage "Sacra famiglia" (1645) è estremamente caratteristica di questa volta.
Insieme alle composizioni del genere biblico, questo periodo è pieno di una nuova immagine dell'immagine della realtà - Paesaggi per Rembrandta. Avendo dato in alcuni casi a contribuire ai loro imprenditori romantici, crea insieme ad esso entusiasmante il rigoroso realismo dell'approccio allegato di un villaggio olandese incontaminato. Little "Winter View" (1646, Kassel), alla luce di un chiaro giorno gelido, il cortile contadino e diverse figure sul poloit del canale ghiacciato, secondo le sottigliezze del sentimento e della veridicità della percezione visiva, funge da Uno dei campioni più perfetti del paesaggio realistico degli olandesi.
A Popaight, Rembrandt è ora libero quando si sceglie modelli e scrive il beneficio di una persona con individualità pronunciata. Questa è principalmente donne anziane e ebrei aquila. Ma con la stessa nitidezza, si rivela essere in grado di trasferire il fascino di una giovane donna o fascino di aspetto giovanile. Tutto il meschino è inferiore in questi ritratti di conseguenza generalizzata, ma allo stesso tempo straordinaria presentazione acuta dell'immagine. Ciò contribuisce in gran parte alla crescente latitudine delle maniere di esecuzione tecnica.
Nonostante l'estensione e il valore artistico di Rembrandt creato durante questo periodo, la situazione finanziaria di Rembrandt è stata estremamente difficile per la metà degli anni 1650. A causa della caduta del numero di ordini, una difficile vendita di dipinti e, in particolare, la disattenzione del Maestro nella condotta dei loro affari Rembrandt ha sperimentato grandi difficoltà materiali. Il debito associato all'acquisizione durante la vita di Saskiya è costosa a casa, minacciata con una rovina completa. I tentativi di uscire dal debito potevano fermare solo la catastrofe, ma è ancora scoppiata. Nell'estate del 1656, Rembrandt è stato dichiarato insolvente e tutta la sua proprietà è stata venduta dall'asta. Elevato letto familiare, è stato costretto a muoversi con la sua famiglia con il povero quartiere ebraico della capitale commerciale, e qui in una netta mancanza dei suoi ultimi giorni.
Queste avversità, così come la rembrandt completa quindi la sfortuna - la morte di Gendrik, la morte dell'unico figlio del Titus, erano impotente a fermare l'ulteriore crescita del suo genio. La fine del 1650 e 1660s è la fase più ambiziosa della creatività di Rembrandt. Rappresenta la sintesi di tutte le sue precedenti querse psicologiche e pittoresche. Forza eccezionale di immagini, semplicità del design, l'intensità del sapore caldo e la portata della tessitura pittoresca costituiscono le caratteristiche principali di questo periodo. Queste qualità sono ugualmente manifestate sia nei ritratti che nelle composizioni bibliche. Creato in questo momento Gruppo Ritratto di "Sindics" (anziani del negozio nuvoloso, 1662, Amsterdam) considera meritatamente uno dei vertici della creatività di Rembrandt). Caratteristica psicologica acuta, semplicità della costruzione, che non è complicata dal ritmo di linee e masse, oltre a un magro in termini di numero di colori, ma il colore intensivo è riassunto l'intero percorso precedente di Rembrandt-Ritraity. Nel campo del dipinto biblico, lo stesso ruolo appartiene al "ritorno del figlio prodigo", situato nell'eremo. La scena della riconciliazione rinunciata nella sua infertilità del figlio e del padre tutti amichevole su semplicità, dramma e sottigliezze del trasferimento di esperienze umane rimane insuperabile nell'arte mondiale. È difficile per lei trovare qualcosa di pari alla saturazione del tono e della latitudine della lettera.
"Il figlio prodigo" è uno dei dipinti più recenti del Maestro e, a quanto pare, risale al 1669 - l'anno della morte di Rembrandt. Questa morte è passata completamente inosservata, e solo molti anni dopo, nel XVIII secolo, la comprensione dell'arte di questo grande artista cominciò a crescere.
Il valore di Rembrandt è dovuto al dipinto del Maestro del suo enorme patrimonio come grafica. Tutte le proprietà di cui sopra delle opere di Rembrandt hanno influenzato le opere grafiche non meno luminose che nella pittura, e inoltre, sia nei disegni originali che nel campo della grafica stampata, incisioni. Nel recente, Rembrandt è il più grande Maestro del Gruppo Etch.
Per le sue caratteristiche, le incisioni non hanno meno significato rispetto ai dipinti. La distinta profondità di rembrandt dell'analisi psicologica, il realismo espressivo delle immagini e la perfezione della proprietà del tecnico dell'arte ha colpito la lunga fila di fogli meravigliosi, a teaticamente più diversi del dipinto del Maestro. Particolarramente famoso appartiene a "Cristo, cura dei pazienti" (il cosiddetto foglio in cento florians ", circa 1649)," tre croci "(1653), ritratti di Lutma (1656), Harling (1655), sei ( 1647), così come i paesaggi noti come "Tre True (1643) e" Gold Pesater's Manor "(1651).
Nessun posto minore significativo nel patrimonio grafico di Rembrandt scatta foto. L'acuità e la peculiarità della percezione del rembrandt del mondo circostante hanno colpito questi numerosi e vari fogli con una forza speciale. Il modo disegnare, come il modo pittoresco di Rembrandt, si evolve notevolmente in tutto lo sviluppo creativo del Wizard. Se i primi disegni di Rembrandt sono lavorati nei dettagli e sono piuttosto complessi in composizione, quindi in un periodo più maturo, li ha eseguiti con un ampio modo pittoresco, estremamente conciso e semplice. Rembrandt di solito dipinto con una penna d'oca o canna e è stata in grado di raggiungere con le più semplici tecniche di eccezionale espressività. I suoi disegni, anche quando sono dei minuto schizzi di qualche motivazione ordinaria, sono un intero completo, trasmettendo tutto la varietà della natura.
L'arte di Rembrandt nel suo complesso è rimasta i contemporanei incomprensibili. Durante il successo della Scuola degli studenti, di cui Ferdinand Dolore (1616-168-1680), Herbrandan van Den Den, ha acquisito la più grande fama (1621-1674) e Art de Helder (1645-1727). Avendo appreso il tema, le tecniche composite e i tipi di insegnanti, non sono andati tutti uguali nel loro pittura figura sull'imitazione esterna dei ricevimenti di Rembrandt. L'influenza vivace del Maestro, opposta a quella, ha sicuramente influenzato i numerosi giocatori del paesaggio adiacenti a lui - Philips Kindka (1619-1688), Domera (1622-1700) e altri. Indipendentemente da ciò, il suo sviluppo del problema della luce è diventato la pietra angolare per lo sviluppo di tutti i successivi dipinti olandesi.
Il pieno riconoscimento della creatività di Rembrandt ottiene, tuttavia, solo nel 19 ° secolo. E da ora in poi, non cessa di essere uno dei più alti campioni di realistico e allo stesso tempo la pittoresca forma di realizzazione delle immagini.

Olanda. 17 ° secolo. Il paese sta vivendo un fiorente fiorente senza precedenti. La cosiddetta "età dell'oro". Alla fine del XVI secolo, diverse province del paese hanno raggiunto l'indipendenza dalla Spagna.

Ora i Paesi Bassi Simplystan andarono a modo loro. E le fianchette cattoliche (l'attuale Belgio) sotto l'ala della Spagna - sono propri.

In Olanda indipendente, dipinto religioso quasi nessuno necessario. La chiesa protestante non ha approvato il lusso della decorazione. Ma questa circostanza "giocava sulla mano" della pittura laica.

L'amore per questo tipo di arte si è svegliato letteralmente ogni residente del nuovo paese. L'olandese voleva vedere la propria vita nelle immagini. E gli artisti si avvicinarono volentieri per incontrarli.

Mai aver mai raffigurato la realtà circostante. Gente comune, camere ordinarie e la colazione più ordinaria del cittadino.

Il realismo fiorì. Fino al XX secolo, sarà un degno concorrente per l'accademismo con le sue ninfe e le sue dee greche.

Questi artisti chiamano il "piccolo" olandese. Perché? Le immagini erano di piccole dimensioni, perché sono state create per piccole case. Quindi, quasi tutte le immagini di Jan Vermeer in un'altezza di non più di mezzo metro.

Ma mi piace più un'altra versione. Nei Paesi Bassi nel 17 ° secolo vivevano e ha lavorato il grande Maestro, il "Big" Dutchman. E tutti gli altri rispetto a lui erano "piccoli".

Stiamo parlando, ovviamente, su Rembrandte. Da lui e inizio.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoritratto di 63 anni. 1669 Galleria nazionale di Londra

Rembrandt è stato in grado di sperimentare la gamma di emozioni più ampie durante la sua vita. Pertanto, nei suoi primi lavori così tanto divertimento e Bravadas. E così tanti sentimenti complessi - in seguito.

Qui è giovane e deluso nella foto "The Blind Figlio in Taverna". Sulle ginocchia - l'amata moglie Saskovia. È un artista popolare. Gli ordini versano il fiume.

Rembrandt. Il figlio prodigo nella taverna. 1635 Galleria di Vecchi Maestri, Dresda

Ma tutto questo scomparirà dopo circa 10 anni. Sasquia morirà di consumare. La popolarità si dissolverà come fumo. La grande casa con una collezione unica sarà presa per i debiti.

Ma lo stesso Rembrandt apparirà, che rimarrà il secolo. Grandi sentimenti di eroi. I loro pensieri più intimi.

2. Francia Hals (1583-1666)

Francia Hals. Auto ritratto. 1650 Museo Metropolitan, New York

Francia Hals è uno dei più grandi ritratti di tutti i tempi. Pertanto, lo considererei anche per il "grande" olandese.

In Olanda, in quel momento era consuetudine ordinare i ritratti di gruppo. Così tante opere simili sono apparse con l'immagine delle persone che lavorano insieme: le frecce della stessa gilda, i dottori di una città, gestendo la casa di riposo.

In questo genere, Hals ha assegnato la maggior parte di tutti. Dopotutto, la maggior parte di questi ritratti erano come un mazzo di carte. Le persone sono sedute al tavolo con la stessa espressione del viso e semplicemente guarda. Hals aveva diversamente.

Guarda il suo ritratto di gruppo della "Gilda della freccia di St. Giorgio.

Francia Hals. Frecce Guild Hild. Giorgio. 1627 Museo di Francia Hals, Garel, Paesi Bassi

Qui non troverai una singola ripetizione nella posizione o nella espressione del viso. Allo stesso tempo, non ci sono caos. Ci sono molti personaggi, ma nessuno sembra essere superfluo. A causa del posizionamento sorprendentemente corretto delle figure.

Sì, e in un singolo ritratto Hals ha superato molti artisti. I suoi modelli sono naturali. Le persone della società più alta dei suoi dipinti sono prive di ingrandimenti contrastati, e il modello dal fondo non sembra umiliato.

E i suoi eroi sono molto emotivi: sorridono, ridono, gesticolano. Come, ad esempio, è una "zingara" con un look allentato.

Francia Hals. Gypsy. 1625-1630.

Hals, come Rembrandt, ha finito la vita in povertà. Per la stessa ragione. Il suo realismo è venuto contro i gusti dei clienti. Chi voleva che il loro aspetto abbellisca. Hals non è andato in frank adulazione, e quindi ha firmato una frase - "Oblivion".

3. Gerard Terborh (1617-1681)

Gerard Terboro. Auto ritratto. 1668 Royal Gallery MauritShais, Aia, Paesi Bassi

Terboro era un mago di un genere domestico. Ricco e non molto Burghers stanno lentamente parlando, le signore leggono le lettere, e il pioniere sta guardando il corteggiamento. Due o tre figure strettamente disposte.

Era questo maestro che ha funzionato i canoni del genere domestico. Che poi preso in prestito da Yang Vermeer, Peter de heh e molti altri "piccoli" olandesi.

Gerard Terboro. Bicchiere di limonata. 1660. State Hermitage, San Pietroburgo

"Il bicchiere di limonata" è una delle famose opere di Terborch. Può vedere ancora un vantaggio dell'artista. Immagine incredibilmente realistica del tessuto del vestito.

C'è Terboro e lavoro insolito. Cosa parla del suo desiderio di andare oltre le esigenze dei clienti.

Il suo "smerigliatore" mostra la vita degli abitanti più poveri dell'Olanda. Siamo abituati a vedere cortili accoglienti e camere pulite nelle immagini di "Piccolo" olandese. Ma Terboro ha osato mostrare antiestetico Olanda.

Gerard Terboro. Macinino. 1653-1655. Musei governativi Berlino.

Come capisci, tali lavori non erano richiesti. E sono un fenomeno raro anche a Terborh.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Laboratorio dell'artista. 1666-1667. Museo della storia dell'arte, Vienna

Ciò che Yang Vermeer ha guardato, non è riconosciuto in modo affidabile. È solo ovvio che si è ritratto nel dipinto "Artist's Workshop". Vero dalla parte posteriore.

Pertanto, è sorprendente che un nuovo fatto dalla vita del Maestro sia diventato recentemente noto. È collegato con il suo capolavoro "Delft Street".

Jan Vermeer. Delft Street. 1657 Museo del governo ad Amsterdam

Si è scoperto che l'infanzia di Vermeer è passata su questa strada. La casa raffigurata apparteneva a sua zia. Ha sollevato i suoi cinque figli in esso. Forse si siede sulla soglia con cucito, e due dei suoi figli giocano sul marciapiede. Vermeer stesso viveva in casa di fronte.

Ma più spesso ritrae la situazione interna di queste case e i loro abitanti. Sembrerebbe che le trame dei dipinti siano molto semplici. Ecco una signora Miloid, un town to neoncino protetto, controlla il lavoro delle mie scale.

Jan Vermeer. Donna con pesi. 1662-1663. Galleria nazionale d'arte, Washington

Cosa distinguerò Vermeer tra migliaia di altri "piccoli" olandesi?

Era un maestro leggero insuperabile. Nella foto "Donna con pesi" avvolge dolcemente il volto dell'eroina, tessuto e pareti. Dare una spiritualità insopportabile raffigurata.

E le composizioni dei dipinti vermeer vengono accuratamente recuperati. Non troverai dettagli in eccesso. Basta rimuovere uno di loro, il dipinto "crollare" e la magia andrà via.

Tutto ciò è stato dato a Vermeleu non è facile. Tale straordinaria qualità richiedeva il lavoro scrupoloso. Totale 2-3 immagini all'anno. Di conseguenza, l'incapacità di nutrire la famiglia. Vermeer ha lavorato come rivenditore d'arte, vendendo il lavoro di altri artisti.

5. Peter de heh (1629-1884)

Peter de heh. Auto ritratto. 1648-1649. Reyxmuseum, Amsterdam.

Hoha spesso confrontato con vermeer. Hanno lavorato in una volta, anche c'era un periodo che in una città. E in un genere - domestico. A Hoha, vediamo anche una o due figure negli accoglienti cortili o speciali olandesi.

Le porte e le finestre aperte rendono lo spazio dei suoi dipinti multistrato e divertenti. E le figure sono inscritte in questo spazio molto armoniosamente. Come, per esempio, nella sua foto "il servo con una ragazza nel cortile".

Peter de heh. La cameriera con la ragazza nel cortile. 1658 Galleria nazionale di Londra

Fino al 20 ° secolo, l'ech è stato valutato molto alto. Ma le piccole opere del suo concorrente di Vermeer sono pochi che notarono.

Ma nel 20 ° secolo tutto è cambiato. Slava Hoha Faming. Tuttavia, i suoi risultati nella pittura sono difficili da riconoscere. Pochi, chi potrebbe concordare con competenza l'ambiente circostante e le persone.

Peter de heh. Giocatori sulla mappa nella stanza del sole. 1658 Royal Art Assembly, Londra

Si prega di notare che in una casa modesta sui "giocatori in mappe" può appendere un'immagine in una cornice di nota.

Questo ancora una volta parla di come tra il normale pittura olandese era popolare. I dipinti erano decorati con ogni casa: sia la casa del ricco hamburger, sia un modesto cittadino, e persino un contadino.

6. Yang Walls (1626-1679)

Muri yang. Autoritratto con liuto. 1670. Museo di Tissen-Bornemis, Madrid

Yang Walls, forse, il più allegro "piccolo" olandese. Ma morali amorevoli. Spesso raffigurava taverne o povere case in cui c'era un vizio.

I suoi personaggi principali - passeggiate e signore di facile comportamento. Voleva intrattenere lo spettatore, ma lo avvertì in modo imputuito dalla vita viziosa.

Muri yang. Kavardak. 1663 Museo della storia dell'arte, Vienna

C'è un muro e un lavoro più tranquillo. Come, ad esempio, la "WC del mattino". Ma qui l'artista sorprende lo spettatore troppo elementi franchi. Qui e tracce dalla calza Gum, e non una pentola notturna vuota. Sì, e in qualche modo per niente dal modo in cui il cane si trova proprio sul cuscino.

Muri yang. WC del mattino. 1661-1665. Reyxmuseum, Amsterdam.

Ma nonostante tutto il frivolezza, le soluzioni a colori del muro sono molto professionali. In questo, era superiore a molti "piccoli olandesi". Guarda quanto la calza rossa è perfettamente combinata con una giacca blu e un tappeto brillante beige.

7. Jacobs Wang Reydal (1629-1882)

Ritratto di un raisdale. Litografia del libro del XIX secolo.