La storia stessa dimostra che l'arte classica è eterna. I suoi ideali hanno avuto origine nel mondo antico. Il tempo è passato, gli imperi sono crollati, le generazioni si sono succedute alle generazioni. Dopo il Medioevo, che era considerato un periodo decadente, l'arte europea si rivolge agli ideali del passato e comincia ad attingere proprio dall'eredità antica. L'inizio di una nuova fase nella cultura, e in particolare nell'architettura e nell'arredamento, fu posto nel XVI secolo dal Rinascimento italiano. Negli interni dei palazzi è apparso un lusso e un decoro mai visti prima, rappresentati da singoli elementi che provenivano da epoca antica... Il XVII secolo fu il periodo di massimo splendore dei classici. Ha raggiunto la sua straordinaria incarnazione negli interni dei palazzi francesi durante il regno di Luigi XVII. Fu allora che fu creata la magnifica Versailles. Lo stesso secolo ha dato varie direzioni stilistiche dei classici: barocco, rococò, impero, ecc.

Classici e classicismo negli interni

A proposito, nella descrizione dell'arte d'interni, vengono spesso usati i termini "classico" e "classicismo". Se c'è una differenza fondamentale tra loro? Senza entrare nel ragionamento teorico, designiamo: c'è un punto di vista che il classicismo differisce dai classici in quanto non è un concetto qualitativo, ma funzionale che riflette un tipo speciale di pensiero artistico basato sul desiderio di integrità, chiarezza , semplicità, equilibrio e coerenza. In architettura e arte d'interni, il concetto di classicismo è spesso usato quando viene sull'interpretazione del patrimonio antico. E il concetto di "classico" generalizza vari rami di arte classica- barocco, classicismo francese, rococò, stile impero, ecc. In tutta onestà, va notato che il concetto stesso di "classicismo" è apparso solo nel XIX secolo, quando questa era era già alla fine e gli aderenti alla tendenza romantica iniziò la loro inconciliabile lotta con esso.

Barocco negli interni

Lo stile barocco ha avuto origine durante il periodo di uno dei maestri più sorprendenti del Rinascimento italiano - Michelangelo Buonarroti nel XVI secolo. Il barocco si è rivelato pienamente in Francia ed è esistito fino al metà XVIII secolo. Solennità, dinamismo, pittoresco sono ciò che caratterizza il barocco. Le sue forme preferite sono curve, ovali, contorte. Appaiono in entrambi elementi architettonici e nei mobili, negli accessori, nelle singole parti. Non c'è da stupirsi che la parola "barocco" derivi dal portoghese perola barroca - "una perla dalla forma bizzarra". La decorazione interna è volutamente sovraccarica di decorazioni: modanature in stucco, baguette intagliate dorate, intarsi, ecc. Il lusso è in rivolta in tutte le sue manifestazioni.

Rococò all'interno

Il rococò è apparso in Francia all'inizio del XVIII secolo ed è esistito quasi fino alla fine di questo secolo. Alcuni lo consideravano un "assottigliamento" del barocco. Ma in sostanza, la loro estetica non è sorprendentemente diversa. Il rococò, come il barocco, promuove il lusso e la ricchezza decorativa degli interni. L'efficacia è ciò per cui il rococò ha usato tutti gli elementi familiari del barocco. Ma l'ornamento rococò sceglie il vettore del suo pensiero artistico. Questo stile è caratterizzato da complessi motivi asimmetrici frazionari, i cui motivi preferiti sono riccioli di piante, amorini, rocailles, ecc. Viene anche utilizzata la graziosa modanatura in stucco sotto forma di lussureggianti ghirlande di fiori, rami curvi, uccelli, ecc.

classici inglesi

Classici inglesi o stile vittoriano: questo doppio nome è dovuto al fatto che i classici inglesi presero forma durante il regno della regina Vittoria (1837-1901). Tutto è iniziato con il fatto che lo stile emergente ha iniziato a provare tutto ciò che esisteva prima di questa direzione: rococò, impero, neoclassicismo, ecc., C'era persino un movimento del "Rinascimento gotico". Tale eclettismo, percepito da alcuni studiosi come prova della convenzionalità dello stile vittoriano (si suggerisce addirittura di racchiudere questa definizione tra virgolette), conferiva tuttavia ai classici inglesi il loro carattere individuale. Gli arredi della casa inglese corrispondono alle aspirazioni dell'aristocrazia inglese di quel tempo per una vita prospera e misurata. Le stanze sono anche piene di vari dettagli decorativi. L'arredamento è massiccio e realizzato con materiali naturali. Il legno sotto forma di pannelli veniva utilizzato anche nella decorazione delle pareti. Gli accessori popolari erano oggetti d'antiquariato, servizi di porcellana, dipinti di cani e cavalli e sculture. I colori preferiti dei classici inglesi sono il giallo, il beige, il rosso, il mattone, il verde. Nell'arredamento di un tale interno, non puoi fare a meno di motivi floreali su tende, tappezzeria e tovaglie, oltre a un laconico check luminoso su una tradizionale coperta inglese. Il mobile obbligatorio in questa epoca era una libreria, o una biblioteca. E, naturalmente, un camino che riscalda gli abitanti di Foggy Albion. Interni in stile inglese può sembrare pesante a molti, il passato sembra essersi congelato in esso, solo l'orologio a pendolo, che batte rumorosamente ogni ora (uno dei soggetti chiave dei classici inglesi), ricorda l'incessante scorrere del tempo.

Testo - Natalia Novikova

Introduzione …………………………………………………………………

Barocco……………………………………………………………

Classicismo………………………………………………………..

Romanticismo…………………………………………………………

Realismo…………………………………………………………….

Bibliografia………………………………

Introduzione.

La storia dell'arte è caratterizzata da un cambiamento di stili e tendenze differenti.

Sotto stile artistico comprendere la totalità di tutti i mezzi espressione artistica, tutte tecniche creative, che in genere formano un certo sistema figurativo.

Stile unico sistema figurativo basato sull'unità contenuto ideologico, che dà luogo all'unità di tutti gli elementi della forma artistica, di tutti i mezzi artistici ed espressivi. Così, la parola "stile" denota quell'originalità visibile, tangibile, che salta all'occhio prima di tutto e per la quale si può immediatamente determinare la differenza tra un fenomeno nell'arte dagli altri.

Questi stessi fenomeni sono infinitamente diversi: possiamo parlare dello stile di una singola opera o di un gruppo di opere, dello stile individuale, dello stile dell'autore, dello stile di alcuni paesi, popoli, regioni geografiche.

Tuttavia, molto spesso il concetto di "stile artistico" denota grandi stili "storici" di determinate epoche, quando l'unità del contenuto storico-sociale determina l'unità stabile di principi, mezzi, tecniche artistico-figurativi.

Nel campo dell'arte in seconda metà del XVII secolo... lo stile è fiorito barocco, strettamente legato alla cultura ecclesiastica e aristocratica dell'epoca. Manifestava tendenze a glorificare la vita, tutta la ricchezza della vita reale. La pittura, la scultura, l'architettura, la musica barocca cantavano ed esaltavano i monarchi, la chiesa, la nobiltà.

Un diverso tipo di estetica, opposto ai mezzi artistici del Barocco, è stato canonizzato nell'arte e nella letteratura europea. classicismo... Strettamente legato alla cultura del Rinascimento, il classicismo rivolto alle antiche norme dell'arte come a modelli perfetti, era caratterizzato da chiarezza e rigore razionalistici.

Prima metà del XIX secolo divenne un momento di intenso sviluppo della cultura spirituale. Tra le sue diverse manifestazioni, romanticismo caratterizzato da un'eccezionale versatilità. Nel campo della creazione artistica, è stato vividamente impresso come una tendenza in letteratura, belle arti, musica, teatro. Allo stesso tempo, il romanticismo rappresentava una certa visione del mondo: la tendenza romantica sviluppata nel campo delle idee filosofiche ed estetiche, della scienza storica, tipo romantico personalità e comportamento.

Negli anni 30-40 del XIX secolo. insieme al romanticismo nella narrativa e nella pittura, realismo. Le opere degli scrittori realisti Balzac, Stendhal, Dickens, Thackeray e altri si distinguono per una copertura eccezionalmente ampia della realtà e la predominanza dei problemi sociali. La vita della società nelle sue più diverse manifestazioni, vita, costumi, psicologia delle persone appartenenti a classi diverse, non hanno mai ricevuto in letteratura una riflessione così sfaccettata.

Processi storici e culturali della New Age: lo sviluppo del capitalismo, il progresso scientifico e tecnologico, un sistema sociale costruito su principi liberal-democratici, le idee e i valori dell'Illuminismo e del positivismo, l'estetica dei grandi stili del XVII secolo -ottocento (barocco, rococò, sentimentalismo, classicismo, romanticismo, realismo) - hanno avuto un'influenza decisiva sulla formazione del mondo moderno.

Barocco.

Barocco cultura dei secoli XVII-XVIII, il cui centro era l'Italia. Lo stile barocco è apparso in XVI-XVII secoli nelle città italiane: Roma, Mantova, Venezia, Firenze. L'era barocca è considerata l'inizio della marcia trionfale della "civiltà occidentale". Il barocco è caratterizzato da contrasto, tensione, dinamismo delle immagini, affettazione, ricerca della grandezza e dello splendore, per combinare realtà e illusione, per la fusione delle arti (ensemble di città e palazzo e parco, opera, musica di culto, oratorio); allo stesso tempo - una tendenza all'autonomia di certi generi (Concerto Grosso, Sonata, Suite nella musica strumentale).

Le basi ideologiche dello stile si sono formate a seguito dello shock, che si è verificato nel XVI secolo. La Riforma e gli insegnamenti di Copernico. Il concetto del mondo come unità razionale e permanente, che è stato stabilito nell'antichità, è cambiato, così come la visione rinascimentale dell'uomo come l'essere più intelligente. L'uomo comincia a riconoscersi come "qualcosa tra il tutto e il niente" nelle parole di Pascal, "colui che coglie solo l'apparenza dei fenomeni, ma non riesce a comprenderne né l'inizio né la fine".

L'era barocca dà origine a un'enorme quantità di tempo per motivi di intrattenimento: invece di pellegrinaggi - una passeggiata (passeggiate nel parco); invece di tornei cavallereschi - "giostre" (equitazione) e giochi di carte; invece di misteri: teatro e ballo in maschera. Puoi anche aggiungere l'aspetto di un'altalena e "divertimento infuocato" (fuochi d'artificio). Negli interni, il posto delle icone è stato preso da ritratti e paesaggi, e la musica dallo spirituale si è trasformata in un piacevole gioco di suoni.

L'epoca barocca rifiuta la tradizione e l'autorità come superstizione e pregiudizio. È vero tutto ciò che è pensato "chiaramente e distintamente" o ha un'espressione matematica, afferma il filosofo Cartesio. Pertanto, il barocco è ancora l'età della Ragione e dell'Illuminismo. Non è un caso che la parola "barocco" sia talvolta usata per designare uno dei tipi di inferenze nella logica medievale: baroco. Il primo parco europeo appare a Versailles, dove l'idea di una foresta è espressa in modo estremamente matematico: vicoli e canali di tiglio sembrano essere disegnati lungo un righello e gli alberi sono tagliati alla maniera di figure stereometriche. Per la prima volta, gli eserciti barocchi vestiti in uniforme prestano grande attenzione al "trapano" - la correttezza geometrica delle formazioni sulla piazza d'armi.

uomo barocco rifiuta la naturalezza, che si identifica con la ferocia, l'arroganza, la tirannia, la brutalità e l'ignoranza - tutto ciò che nell'era del romanticismo diventerà una virtù. Una donna barocca apprezza il pallore della sua pelle, indossa un'acconciatura innaturale e pretenziosa, un corsetto e una gonna allungata artificialmente su una cornice di osso di balena. Indossa i tacchi.

E l'uomo ideale nell'era barocca è il gentiluomo - dall'inglese. gentile: "morbido", "gentile", "calmo". Inizialmente, preferiva radersi baffi e barba, indossare profumo e indossare parrucche incipriate. Perché forzare, se ora uccidono premendo il grilletto di un moschetto. In epoca barocca, naturalezza è sinonimo di brutalità, ferocia, volgarità e stravaganza. Per il filosofo Hobbes, lo stato di natura è uno stato caratterizzato dall'anarchia e dalla guerra di tutti contro tutti.

Il barocco è caratterizzato dall'idea di nobilitare la natura sulla base della ragione. Necessità da non sopportare, ma "bello da offrire con parole piacevoli e cortesi" (Specchio onesto della gioventù, 1717). Secondo il filosofo Spinoza, le pulsioni non sono più il contenuto del peccato, ma "l'essenza stessa dell'uomo". Pertanto, l'appetito si forma in modo squisito galateo a tavola(fu in epoca barocca che comparvero forchette e tovaglioli); interesse per il sesso opposto - in cortesi flirt, litigi - in un raffinato duello.

Il barocco è caratterizzato dall'idea di un Dio addormentato - deismo. Dio non è pensato come un Salvatore, ma come Grande Architetto che ha creato il mondo proprio come un orologiaio crea un meccanismo. Da qui una tale caratteristica della visione del mondo barocca come meccanismo. La legge di conservazione dell'energia, l'assolutezza dello spazio e del tempo sono garantite dalla parola di Dio. Tuttavia, avendo creato il mondo, Dio si riposò dalle sue fatiche e non interferisce in alcun modo negli affari dell'Universo. È inutile pregare un tale Dio: puoi solo imparare da Lui. Pertanto, i veri custodi dell'Illuminismo non sono profeti e sacerdoti, ma scienziati naturali. Isaac Newton scopre la legge della gravitazione universale e scrive l'opera fondamentale "Principi matematici della filosofia naturale" (1689), e Carl Linneo sistematizza la biologia "Sistema della natura" (1735). Per tutto capitali europee ah Vengono istituite Accademie delle Scienze e società scientifiche.

La diversità della percezione eleva il livello di coscienza - qualcosa del genere dice il filosofo Leibniz. Galileo per la prima volta dirige un telescopio verso le stelle e dimostra la rotazione della Terra attorno al Sole (1611), e Leeuwenhoek scopre al microscopio minuscoli organismi viventi (1675). Enormi barche a vela solcano la vastità degli oceani del mondo, cancellando macchie bianche sulle mappe geografiche del mondo. Viaggiatori e avventurieri: il capitano Gulliver e il barone Munchausen divennero i simboli letterari dell'epoca.

Ateneo di Montespan

Lo stile barocco nella pittura caratterizzato da dinamismo delle composizioni, "piattezza" e splendore delle forme, trame aristocratiche e non comuni. I tratti più caratteristici del barocco sono l'esuberanza e il dinamismo sorprendenti; un vivido esempio è l'opera di Rubens e Caravaggio.

Michelangelo Merisi (1571-1610), soprannominato Caravaggio dalla sua città natale nei pressi di Milano, è considerato il maestro più significativo tra gli artisti italiani che crearono alla fine del XVI secolo. nuovo stile nella pittura. I suoi dipinti, dipinti su soggetti religiosi, ricordano scene realistiche della vita moderna dell'autore, creando un contrasto tra i tempi della tarda antichità e i tempi moderni. Gli eroi sono raffigurati nel crepuscolo, da cui raggi di luce catturano i gesti espressivi dei personaggi, scrivendo in contrasto la loro specificità. Seguaci e imitatori di Caravaggio, che in un primo momento furono chiamati caravaggiani, e il movimento stesso caravaggesco, come Annibale Carracci (1560-1609) o Guido Reni (1575-1642), adottarono il tripudio di sentimenti e il modo caratteristico di Caravaggio, così come come il suo naturalismo nel raffigurare persone ed eventi.

Peter Paul Rubens (1577-1640) all'inizio del XVII secolo studiò in Italia, dove apprese lo stile di Caravaggio e Carraci, sebbene vi arrivò solo dopo aver completato un corso ad Anversa. Ha felicemente combinato le migliori caratteristiche delle scuole pittoriche del Nord e del Sud, fondendo nelle sue tele il naturale e il soprannaturale, la realtà e la fantasia, l'apprendimento e la spiritualità. Oltre a Rubens, un altro maestro del barocco fiammingo, van Dijk (1599-1641), ottenne riconoscimenti internazionali. Con l'opera di Rubens il nuovo stile giunse in Olanda, dove fu ripreso da Frans Hals (1580/85-1666), Rembrandt (1606-1669) e Vermeer (1632-1675). In Spagna, Diego Velazquez (1599-1660) lavorò alla maniera di Caravaggio, e in Francia - Nicolas Poussin (1593-1665), che, non soddisfatto della scuola barocca, gettò nella sua opera le basi di una nuova tendenza: il classicismo .

Per l'architettura barocca(L. Bernini, F. Borromini in Italia, BF Rastrelli in Russia, Jan Christoph Glaubitz nel Commonwealth) sono caratterizzati da portata spaziale, coesione, fluidità di forme complesse, solitamente curvilinee. Si trovano spesso colonnati di grandi dimensioni, abbondanza di sculture sulle facciate e sugli interni, volute, un gran numero di rivetti, facciate ad arco con strappi nel mezzo, colonne bugnate e lesene. Le cupole acquisiscono forme complesse, sono spesso a più livelli, come la Cattedrale di San Pietro a Roma. Tipici dettagli barocchi sono telamone (atlant), cariatide, mascherone.

Nell'architettura italiana, il rappresentante più importante dell'arte barocca fu Carlo Maderna (1556-1629), che ruppe con il manierismo e creò il proprio stile. La sua creazione principale è la facciata della chiesa romanica di Santa Susanna (1603). La figura principale nello sviluppo della scultura barocca fu Lorenzo Bernini, i cui primi capolavori nel nuovo stile risalgono al 1620 circa. Bernini è anche architetto. Possiede la decorazione della piazza della Basilica di San Pietro a Roma e degli interni, oltre ad altri edifici. D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longena, L. Vanvitelli, P. da Cortona hanno apportato contributi significativi. In Sicilia, dopo un forte terremoto nel 1693, apparve un nuovo stile del tardo barocco: il barocco siciliano.

La Cappella Coranaro nella Chiesa di Santa Maria della Vittoria (1645-1652) è considerata la quintessenza del barocco, un'impressionante fusione di pittura, scultura e architettura.

Lo stile barocco si sta diffondendo in Spagna, Germania, Belgio (poi Fiandre), Paesi Bassi, Russia, Francia, Commonwealth. Barocco spagnolo, o secondo il locale Churrigueresco (in onore dell'architetto Churriguera), diffusosi anche in America Latina... Il suo monumento più famoso è la cattedrale di Santiago de Compostela, che è anche una delle chiese più venerate della Spagna. In America Latina, il barocco si mescola alle tradizioni architettoniche locali, questa è la versione più elaborata e si chiama ultra-barocco.

In Francia, lo stile barocco è più modesto che in altri paesi. In precedenza, si credeva che lo stile non si sviluppasse affatto qui e che i monumenti barocchi fossero considerati monumenti del classicismo. A volte il termine "classicismo barocco" è usato in relazione alle versioni francese e inglese del barocco. Al giorno d'oggi, il Palazzo di Versailles, insieme a un parco regolare, il Palazzo del Lussemburgo, l'edificio dell'Accademia di Francia a Parigi e altre opere sono classificate tra il barocco francese. Hanno alcune delle caratteristiche del classicismo. Caratteristica Lo stile barocco è uno stile regolare nell'arte del giardinaggio, un esempio del quale è il Parco di Versailles.

Più tardi, all'inizio del XVIII secolo. i francesi svilupparono il proprio stile, una sorta di barocco - rococò. Si manifestava non nella progettazione esterna degli edifici, ma solo negli interni, nonché nella progettazione di libri, vestiti, mobili e dipinti. Lo stile era diffuso in tutta Europa e in Russia.

In Belgio un monumento eccezionale Il barocco è l'ensemble della Grand Place di Bruxelles. La casa di Rubens ad Anversa, costruita secondo il progetto dell'artista, ha caratteristiche barocche.

In Russia, il barocco è apparso nel 17 ° secolo ("Naryshkin barocco", "Golitsyn barocco"). Nel XVIII secolo, durante il regno di Pietro I, il cosiddetto "Barocco petrino" (più sobrio) si sviluppò a San Pietroburgo e nei sobborghi ad opera di D. Trezzini e ad opera di SI Chevakinsky e B. Rastrelli raggiunse il suo apice durante il regno di Elisabetta Petrovna.

In Germania, un eccezionale monumento barocco è il Palazzo Nuovo a Sanssouci (autori - J.G.Buring, H.L. Munter) e il Palazzo d'Estate lì (G.V. von Knobelsdorf). I più grandi e famosi complessi barocchi del mondo: Versailles (Francia), Peterhof (Russia), Aranjuez (Spagna), Zwinger (Germania), Schönbrunn (Austria). Nel Granducato di Lituania si diffusero gli stili Barocco Sarmatico e Barocco di Vilna, il più grande rappresentante fu Jan Christoph Glaubitz. Tra i suoi progetti famosi- Chiesa ricostruita dell'Ascensione del Signore (Vilnius), Cattedrale di Santa Sofia (Polotsk), ecc.

Carlo Maderna Chiesa di Santa Susanna, Roma

Classicismo.

Classicismo (classicismo francese, dal latino classicus - esemplare) - stile artistico e direzione estetica nell'arte europea dei secoli XVII-XIX.

Il classicismo si basa sulle idee del razionalismo, che si sono formate simultaneamente con le stesse idee nella filosofia di Cartesio. Un'opera d'arte, dal punto di vista del classicismo, dovrebbe essere costruita sulla base di canoni rigorosi, rivelando così l'armonia e la consistenza dell'universo stesso. L'interesse per il classicismo è solo eterno, immutabile: in ogni fenomeno, cerca di riconoscere solo caratteristiche tipologiche essenziali, scartando le caratteristiche individuali casuali. L'estetica del classicismo attribuisce grande importanza alla funzione sociale ed educativa dell'arte. Il classicismo riprende molte regole e canoni dall'arte antica (Aristotele, Orazio).

Il classicismo stabilisce una rigida gerarchia di generi, che sono divisi in alto (ode, tragedia, epico) e basso (commedia, satira, favola). Ogni genere ha caratteristiche rigorosamente definite, la cui miscelazione non è consentita.

Come si è formata una certa direzione in Francia, nel XVII secolo. Il classicismo francese ha affermato la personalità di una persona come il valore più alto dell'essere, liberandolo dall'influenza religiosa e ecclesiastica. Il classicismo russo non solo ha adottato la teoria dell'Europa occidentale, ma l'ha anche arricchita di caratteristiche nazionali.

La caratteristica principale dell'architettura del classicismo c'era un appello alle forme dell'architettura antica come standard di armonia, semplicità, rigore, chiarezza logica e monumentalità. L'architettura del classicismo nel suo insieme è caratterizzata dalla regolarità della pianificazione e dalla chiarezza della forma volumetrica. La base del linguaggio architettonico del classicismo era l'ordine, nelle proporzioni e nelle forme vicine all'antichità. Per il classicismo sono caratteristiche le composizioni simmetriche-assiali, il contenimento della decorazione decorativa e un sistema regolare di pianificazione urbana.

Il linguaggio architettonico del classicismo fu formulato alla fine del Rinascimento dal grande maestro veneziano Palladio e dal suo seguace Scamozzi. I veneziani assolutizzarono così tanto i principi dell'architettura dei templi antichi da applicarli anche nella costruzione di dimore private come Villa Capra. Inigo Jones portò il palladianesimo nel nord dell'Inghilterra, dove gli architetti palladiani locali seguirono i precetti palladiani con vari gradi di fedeltà fino alla metà del XVIII secolo.

Gli interni più significativi in ​​stile classicista furono progettati dallo scozzese Robert Adam, tornato in patria da Roma nel 1758. Rimase molto colpito sia dalle ricerche archeologiche degli scienziati italiani sia dalle fantasie architettoniche di Piranesi. Nell'interpretazione di Adam, il classicismo appariva come uno stile che era appena inferiore al rococò in termini di raffinatezza degli interni, che gli valse popolarità non solo tra i circoli della società di mentalità democratica, ma anche tra l'aristocrazia. Come i suoi omologhi francesi, Adam predicava un completo rifiuto dei dettagli privi di una funzione costruttiva.

Il francese Jacques-Germain Soufflot, durante la costruzione della chiesa di Saint-Genevieve a Parigi, dimostrò la capacità del classicismo di organizzare vasti spazi urbani. L'enorme grandezza dei suoi progetti prefigurava la megalomania dell'impero napoleonico e del tardo classicismo. In Russia si è mosso nella stessa direzione di Soufflot Bazhenov... I francesi Claude-Nicolas Ledoux e Etienne-Louis Bull sono andati ancora oltre nello sviluppo di uno stile visionario radicale con una propensione alla geometrizzazione astratta delle forme. Nella Francia rivoluzionaria, l'ascetico pathos civico dei loro progetti era poco richiesto; L'innovazione di Ledoux è stata pienamente apprezzata solo dai modernisti del XX secolo.

Teatro Bolshoi di Varsavia.

Musica del periodo del classicismo o la musica del classicismo, si riferisce al periodo di sviluppo della musica europea tra il 1730 e il 1820 circa. Il concetto di classicismo nella musica è costantemente associato alle opere di Haydn, Mozart e Beethoven, chiamati i classici viennesi e ha determinato la direzione dell'ulteriore sviluppo della composizione musicale.

L'impulso per lo sviluppo della scultura classica a metà del XVIII secolo servirono gli scritti di Winckelmann e gli scavi archeologici di antiche città, che ampliarono la conoscenza dei contemporanei sulla scultura antica. Scultori come Pigalle e Houdon oscillarono sull'orlo del barocco e del classicismo in Francia. Il classicismo raggiunse la sua massima incarnazione nel campo della plastica nelle opere eroiche e idilliache di Antonio Canova, che trasse ispirazione principalmente dalle statue di epoca ellenistica (Praxitel). In Russia, Fedot Shubin, Mikhail Kozlovsky, Boris Orlovsky, Ivan Martos gravitavano attorno all'estetica del classicismo.

I monumenti pubblici, che si diffusero nell'era del classicismo, diedero agli scultori l'opportunità di idealizzare il valore militare e la saggezza degli statisti. La fedeltà al modello antico richiedeva agli scultori di raffigurare modelli nudi, il che contraddiceva le norme morali accettate. Per risolvere questa contraddizione, le figure contemporanee furono inizialmente raffigurate da scultori del classicismo sotto forma di divinità antiche nude: Suvorov sotto forma di Marte e Pauline Borghese sotto forma di Venere. Sotto Napoleone, il problema fu risolto passando all'immagine di figure contemporanee in toghe antiche (come le figure di Kutuzov e Barclay de Tolly davanti alla cattedrale di Kazan).

Antonio Canova. Amore e Psiche (1787-1793, Parigi, Louvre)

Differenze tra barocco e classicismo.

Nell'era del classicismo, che seguì l'era del barocco, il ruolo della polifonia polifonica diminuiva e si affermava polifonia omofonica
( dal greco. "homos" - "uno" e "sfondo" - "suono", "voce")

a differenza di polifonia, dove tutte le voci sono uguali, in polifonia omofonica spicca uno, esibirsi tema principale e il resto gioca il ruolo accompagnamento(accompagnatrici). L'accompagnamento è solitamente un sistema di accordi (armonia). Da qui il nome del nuovo modo di comporre musica - omofonico-armonico.

Ci sono meno ornamenti e decorazioni nella musica. Le opere sono diventate più armoniose, chiare nella struttura, specialmente quelle scritte in forma sonata.

Nell'era barocco in un brano musicale, ciascuna delle parti si è concentrata sull'esprimere e rivelare uno, tracciato brillantemente i sensi, che è stato risolto usando la presentazione un argomento che è cambiato (variato) in tutta la parte, e nell'era classicismo in una parte del lavoro è stato rivelato tante emozioni che sono stati espressi attraverso la presentazione e lo sviluppo due o più argomenti di diverso contenuto fantasioso.

Musica del primo barocco (1600-1654)

Lo sviluppo dell'opera italiana da parte del compositore italiano può essere considerato un punto di transizione condizionale tra l'epoca rinascimentale e quella barocca. Claudio Monteverdi (1567-1643).

Il compositore è nato nella città italiana di Cremona nella famiglia di un medico. Come musicista, Monteverdi si è sviluppato nella sua giovinezza. Scrisse ed eseguì madrigali; suonava l'organo, la viola e altri strumenti. Composizione musicale Monteverdi studiò con i famosi compositori dell'epoca. Nel 1590 fu invitato come cantore e musicista a Mantova, alla corte del duca Vincenzo Gonzaga; in seguito si diresse cappella di corte... Nel 1612 Monteverdi lasciò il servizio a Mantova e nel 1613 si stabilì a Venezia. In gran parte grazie a Monteverdi, nel 1637 a Venezia fu aperto il primo teatro d'opera pubblico al mondo. Lì il compositore diresse la cappella della Cattedrale di San Marco. Prima della sua morte, Claudio Monteverdi è stato ordinato sacerdote.

Avendo studiato creatività operistica i compositori del Rinascimento Peri e Caccini, Monteverdi creò le proprie opere operistiche. Già nelle prime opere - "Orfeo" (1607) e "Arianna" (1608) - il compositore riuscì mezzi musicali trasmettere sentimenti profondi e appassionati, creare un teso azione drammatica... Monteverdi è l'autore di molte opere, ma solo tre sono sopravvissute: "Orfeo", "Il ritorno di Ulisse in patria" (1640; basato sulla trama dell'antico poema epico greco "Odissea") e "L'incoronazione di Poppea" (1642).

Nelle opere di Monteverdi, musica e testo sono armoniosamente combinati. Le opere sono basate su monologo - recitativo (dall'italiano recitare - "recitare"), in quale recitato ogni parola, e la musica trasmette in modo flessibile e sottile sfumature di umore. Monologhi, dialoghi ed episodi corali confluiscono dolcemente l'uno nell'altro, l'azione si sviluppa lentamente (nelle opere di Monteverdi tre o quattro atti), ma dinamicamente. Il compositore ha assegnato un ruolo importante all'orchestra. In "Orfeo", ad esempio, utilizzò quasi tutti gli strumenti conosciuti a quel tempo. Musica orchestrale non solo accompagna il canto, ma lei stessa racconta gli eventi che accadono sul palco e le esperienze dei personaggi. Apparso per la prima volta in "Orfeo" ouverture(francese ouverture, o latino apertura - "apertura", "inizio")- introduzione strumentale a un brano musicale importante. Le opere di Claudio Monteverdi ebbero un impatto significativo sui compositori veneziani, gettarono le basi della scuola lirica veneziana .

Monteverdi ha scritto non solo opere liriche, ma anche musica sacra, religioso e madrigali secolari... Divenne il primo compositore che non si opponeva ai metodi polifonici e omofonici: gli episodi corali delle sue opere includono tecniche polifoniche.
Nell'opera di Monteverdi, il nuovo si combina con l'antico: le tradizioni del Rinascimento.

All'inizio del XVIII secolo. formato scuola lirica a Napoli... Le peculiarità di questa scuola sono la maggiore attenzione al canto, ruolo dominante della musica. È stato a Napoli che stile vocale bel canto(it. bel canto - "bel canto"). Il bel canto è famoso per la sua straordinaria bellezza di suono, melodia e perfezione tecnica. L'esecutore dello stile belcantistico deve essere in grado di riprodurre molte sfumature del timbro della voce, oltre a trasmettere magistralmente numerose sequenze rapide di suoni sovrapposte alla melodia principale - coloratura (it. coloratura - "decorazione").

Nel XVIII secolo musica lirica divenne la specie principale arte musicale in Italia, facilitato da un alto livello professionale cantanti formati in conservatori(Conservatorio italiano, err lat. conservare - "proteggo") - istituzioni educative che hanno formato musicisti. A quel tempo, erano stati creati quattro conservatori ciascuno nei centri dell'arte lirica italiana: Venezia e Napoli. La popolarità del genere fu anche servita dai teatri d'opera che aprirono in diverse città del paese, accessibili a tutti gli strati della società. Le opere italiane sono state rappresentate nei teatri delle principali capitali europee, mentre compositori provenienti da Austria, Germania e altri paesi hanno scritto opere basate su testi italiani.

Una figura significativa del primo barocco, la cui posizione era dalla parte del cattolicesimo, opponendosi alla crescente influenza ideologica, culturale e sociale del protestantesimo, fu Giovanni Gabrieli (1555-1612). Le sue opere appartengono allo stile "Alto Rinascimento" (l'apogeo del Rinascimento). Tuttavia, alcune delle sue innovazioni nel campo della strumentazione (assegnazione di un determinato strumento a compiti propri e specifici) indicano chiaramente che è stato uno dei compositori che hanno influenzato l'emergere di un nuovo stile.

Uno dei requisiti della chiesa per la composizione della musica sacra era che testi nei lavori con la voce erano esigente... Ciò ha richiesto un passaggio dalla polifonia alle tecniche musicali, dove le parole sono venute in primo piano. Le voci sono diventate più complesse, floride rispetto all'accompagnamento.

Ha dato un grande contributo alla diffusione di nuove tecniche e compositore tedesco Heinrich Schütz (1585-1672), studiato a Venezia, è il più famoso compositore tedesco prima di Johann Sebastian Bach e uno dei più importanti compositori del primo barocco insieme a D. Gabrieli e C. Monteverdi. Ha usato nuove tecniche nel suo lavoro mentre prestava servizio come maestro di coro a Dresda.

Musica barocca matura (1654-1707)

Il periodo di centralizzazione del potere supremo in Europa è spesso chiamato Assolutismo... L'assolutismo raggiunse il suo apice sotto il re di Francia Luigi XIV. Per tutta l'Europa, la corte di Louis era un modello. Compresa la musica eseguita a corte. Maggiore disponibilità strumenti musicali(questo vale soprattutto per le tastiere) ha dato impulso allo sviluppo Camera musica (da esso. fotocamera - "stanza") eseguita in piccole stanze oa casa.

Barocco maturo è diverso dalla prima onnipresente diffusione del nuovo stile polifonico ( lettera gratis) e maggiore separazione forme musicali soprattutto nell'opera. Come in letteratura, la possibilità emergente di grande circolazione Stampa opere musicali ha portato ad un ampliamento del pubblico; maggiore interscambio tra i centri della cultura musicale.

Nella teoria della musica, il barocco maturo è definito dall'attenzione dei compositori sull'armonia e sui tentativi di creare sistemi coerenti di educazione musicale.
Negli anni successivi, questo ha portato alla nascita di molti teorico lavori. Un notevole esempio di questa attività è l'opera del periodo tardo barocco - "Gradus ad Parnassum" (russo. Passi per il Parnaso), pubblicata nel 1725 da Johann Joseph Fuchs(Tedesco Johann Joseph Fux) (1660-1741), teorico e compositore austriaco. Questo saggio, che ha sistematizzato la teoria del contrappunto, è stato, quasi fino alla fine del XIX secolo, lo strumento più importante per lo studio del contrappunto.

Un eccezionale rappresentante dei compositori di corte della corte di Luigi XIV fu Giovanni Battista Lully (1632-1687). (Jean-Baptiste)... Già all'età di 21 anni ricevette il titolo di "compositore di corte di musica strumentale". Il lavoro creativo di Lully fin dall'inizio è stato strettamente associato al teatro. Dopo l'organizzazione della musica da camera di corte e la composizione "airs de cour" (arie di corte), iniziò a scrivere musica per balletto. Lo stesso Luigi XIV danzò nei balletti, che erano allora l'intrattenimento preferito della nobiltà di corte. Lully era un'eccellente ballerina. Ha avuto la possibilità di partecipare a produzioni, ballando con il re. È conosciuto per il suo giunto lavorare con Molière, per le cui opere ha scritto musica. Ma la cosa principale nel lavoro di Lully era ancora scrivere opere... Sorprendentemente, Lully ha creato un tipo completo di opera francese; la cosiddetta tragedia lirica in Francia (fr. tragedie lyrique), e raggiunse un'indubbia maturità creativa nei primissimi anni della sua opera in Teatro dell'opera... Lully usava spesso il contrasto tra il suono maestoso della sezione orchestrale e semplici recitazioni e arie. Il linguaggio musicale di Lully non è molto difficile, ma certamente nuovo: la chiarezza dell'armonia, l'energia ritmica, la chiarezza dell'articolazione della forma, la purezza della trama parlano della vittoria dei principi del pensiero omofonico. In larga misura, il suo successo fu anche facilitato dalla sua capacità di selezionare musicisti per l'orchestra e dal suo lavoro con loro (lui stesso dirigeva le prove). Parte integrante del suo lavoro era l'attenzione all'armonia e allo strumento solista.

Compositore e violinista Arcangelo Corelli(1653-1713) noto per il suo lavoro sullo sviluppo del genere del concherto grosso (concerto grosso - "grande concerto")... Corelli è stato uno dei primi compositori le cui opere sono state pubblicate ed eseguite in tutta Europa. Come le composizioni operistiche di JB Lully, il genere del concerto grosso è costruito su una giustapposizione contrastante del suono di piccoli gruppi solisti di un'orchestra e il suono di un'intera orchestra. La musica è costruita su transizioni brusche da parti rumorose a parti tranquille, i passaggi veloci si contrappongono a quelli lenti. Tra i seguaci di Arcangelo Corelli c'era Antonio Vivaldi, che in seguito compose centinaia di opere scritte nelle forme preferite di Corelli: trio sonate e concerti.

V Inghilterra barocco maturo segnato da un genio sgargiante Henry Purcell(1659-1695). Morì giovane, all'età di 36 anni, dopo aver scritto un gran numero di opere e divenne ampiamente noto durante la sua vita. Purcell conosceva l'opera di Corelli e di altri compositori italiani dell'epoca barocca.Durante la sua breve vita, Purcell scrisse molte opere vocali, strumentali, musicali e teatrali, la più significativa delle quali fu l'opera "Dido ed Enea"(1689). Questo è il primo inglese opera nazionale... È stata incaricata da un insegnante di danza di un collegio per nobili fanciulle. La natura privata dell'ordine ha influenzato l'aspetto dell'opera: in contrasto con le opere monumentali di Monteverdi o Lully, l'opera di Purcell di piccole dimensioni, l'azione si sta sviluppando rapidamente... Il libretto dell'opera di Nicholas Tate era basato sull'eroico poema epico "Eneide" del poeta romano Virgilio.

Virgilio ha uno dei difensori di Troia - Enea, dopo la caduta della città, va a vagare. Una tempesta spinge la sua nave sulle coste dell'Africa; qui incontra Didone, regina di Cartagine. Didone si innamorò di Enea e, quando l'eroe la lasciò per volere degli dei, si tolse la vita. Nell'opera di Purcell, il messaggero che ha separato gli eroi non è inviato dagli dei, ma dalle streghe della foresta ( personaggi popolari folklore inglese). Enea prese l'inganno per un sacro dovere verso gli dei e rovinò la cosa più preziosa: l'amore.

Una caratteristica distintiva dell'arte di Purcell è armonia... Il compositore aveva un dono straordinario nel creare melodie perfette: calme, maestose e impeccabili nella forma. Dopo Henry Purcell nella musica inglese fino al XX secolo. è quasi impossibile nominare maestri così eccezionali.

A differenza dei compositori di cui sopra Dietrich Buxtehude (1637-1707) non era un compositore di corte. Buxtehude ha funzionato organista, prima a Helsingborg (1657-1658), poi a Elsinore (1660-1668), e poi, a partire dal 1668, nella chiesa di S. Maria a Lubecca. Guadagnava non pubblicando le sue opere, ma eseguendole, e preferiva al patrocinio della nobiltà comporre musica per testi ecclesiastici ed eseguire le proprie composizioni per organo questo compositore. La musica di Buxtehude è in gran parte costruita sulla scala delle idee, la ricchezza e la libertà dell'immaginazione, un debole per il pathos, il dramma, qualche intonazione oratoria. Il suo lavoro ha avuto una forte influenza su compositori come J.S.Bach e G.F. Telemann.

Musica del tardo barocco (1707-1760)

La linea esatta tra maturo e tardo barocco è oggetto di dibattito; lei mente da qualche parte nel mezzo 1680 e 1720. Ad un notevole grado di complessità della sua definizione è il fatto che in diversi paesi gli stili sono stati sostituiti in modo asincrono; le innovazioni, già accettate di regola in un luogo, erano scoperte fresche in un altro. Italia grazie ad Arcangelo Corelli e i suoi allievi Francesco Geminiani e Pietro Locatelli diventa il primo paese in cui Transizioni barocche dal periodo maturo a quello tardo... Il quasi assoluto supremazia della tonalità come principio strutturante della composizione musicale. Ciò è particolarmente evidente nelle opere teoriche di Jean Philippe Rameau, che prese il posto di Lully come principale compositore francese... Allo stesso tempo, l'apparizione dell'opera principale di Johann Joseph Fuchs "Degree hell Parnassum" (1725), dedicata alla polifonia di uno stile rigoroso, ha testimoniato la presenza nella musica Due stili di scrittura - omofonico-armonico e polifonico.

Forme aperto dal periodo precedente, hanno raggiunto la maturità e grande variabilità; concerto, suite, sonata, concerto grosso, oratorio, opera e balletto non avevano più un pronunciato caratteristiche nazionali... Gli schemi di lavoro generalmente accettati sono ampiamente accettati: la forma ripetuta in due parti (AABB), la forma semplice in tre parti (ABC) e il rondò.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- Compositore italiano, nato a Venezia.
Nel 1703 fu ordinato sacerdote prete cattolico... Il primo dicembre dello stesso anno diventa maestro di violino al Pio Ospedale della Pietà, orfanotrofio femminile veneziano. La fama di Vivaldi non fu portata da concerti o collegamenti a corte, ma dalle pubblicazioni delle sue opere, che includevano le sue trio sonate, sonate per violino e concerti. Sono stati pubblicati ad Amsterdam e ampiamente distribuiti in tutta Europa. Era in questi generi strumentali ancora in via di sviluppo in quel periodo (sonata barocca e concerto barocco), Vivaldi diede il suo contributo più significativo. Alcune tecniche sono caratteristiche della musica di Vivaldi: una forma ciclica in tre parti per il concerto grosso e l'uso dei ritorneli nelle parti veloci. Vivaldi ha composto oltre 500 concerti. Ha anche dato titoli di programma ad alcune sue opere, come le famose Stagioni. La carriera di Vivaldi mostra una maggiore opportunità per un compositore di esistere in modo indipendente: grazie al reddito di attività di concerto e la pubblicazione delle sue opere.

Domenico Scarlatti(1685-1757) fu uno dei principali compositori e interpreti a tastiera del suo tempo. Iniziò la sua carriera come compositore di corte; prima in Portogallo, e dal 1733 a Madrid, dove trascorse il resto della sua vita. Suo padre, Alessandro Scarlatti, è considerato il fondatore della scuola lirica napoletana. Domenico compose anche opere e musica sacra, ma la fama (dopo la sua morte) gli fornì funziona per le tastiere... Ha scritto alcune di queste opere per il proprio piacere, alcune per i suoi nobili clienti.

Il più famoso compositore di corte dell'epoca barocca fu Georg Frideric Handel(1685-1759). Nacque in Germania, studiò in Italia per tre anni, ma lasciò Londra nel 1711, dove iniziò la sua brillante carriera di successo commerciale come indipendente compositore d'opera eseguire gli ordini per la nobiltà. Con instancabile energia, Handel ha rielaborato il materiale di altri compositori, e costantemente alterato le proprie composizioni. Ad esempio, è noto per aver rivisto il famoso oratorio del Messia così tante volte che ora non esiste una versione che possa essere definita l'originale. Nonostante il fatto che le sue condizioni finanziarie migliorassero e andassero in declino, la sua fama, basata su opere pubblicate per tastiere, musica cerimoniale, opere, concerti grosso e oratori, continuò a crescere. Dopo la sua morte, è stato riconosciuto come uno dei principali compositori europei ed è stato studiato da musicisti dell'era del classicismo. Durante la sua vita, Händel ha scritto di 50 opere ("Almira", "Agrippina", "Rinaldo", "Giulio Cesare", ecc.), 23 oratori ("Messia", "Sansone", "Giuda Macovei", "Ercole"), innumerevoli canti religiosi, concerti d'organo, nonché una serie di brani di intrattenimento ("Musica sull'acqua", "Musica per fuochi d'artificio reali") .

Uno dei più grandi compositori dell'epoca barocca - Johann Sebastian Bach sono nato
21 marzo 1685 nella città di Eisenach, in Germania. Durante la sua vita compose più di 1000 opere di vario genere, tranne che per l'opera... Ma durante la sua vita non ottenne alcun successo significativo. Muovendosi più volte, Bach cambiò una posizione non troppo elevata dopo l'altra: a Weimar fu musicista di corte per il duca di Weimar Johann Ernst, poi divenne custode dell'organo nella chiesa di S. Bonifacio ad Arnstadt, pochi anni dopo accettò l'incarico di organista nella chiesa di S. Blasius a Mühlhausen, dove lavorò solo per circa un anno, dopodiché tornò a Weimar, dove prese il posto dell'organista di corte e organizzatore di concerti. Rimase in questa posizione per nove anni. Nel 1717, Leopoldo, duca di Anhalt-Köthen, assunse Bach come Kapellmeister, e Bach iniziò a vivere e lavorare a Köthen. Nel 1723 Bach si trasferì a Lipsia, dove rimase fino alla sua morte nel 1750.

J.S.Bach era ben noto in Germania durante la sua vita come compositore, interprete, insegnante e padre dei Jr. Bach, principalmente Karl Philip Emanuel. Ma in l'anno scorso vita e dopo la morte di Bach, la sua fama di compositore iniziò a scemare: il suo stile era considerato antiquato rispetto al nascente classicismo.

Nel 1802, Johann Nikolai Forkel pubblicò la prima biografia più completa di Johann Sebastian Bach. Nel 1829, 79 anni dopo la morte di JS Bach, Felix Mendelssohn eseguì a Berlino la Passione secondo Matteo di Bach. Il successo di questo concerto ha riacceso l'interesse per il lavoro di J.S.

JS Bach è oggi uno dei compositori più apprezzati di tutti i tempi: ad esempio, nella votazione "Miglior compositore del millennio", tenutasi su Cultureciosque.com, Bach si è classificato al primo posto.

Barocco e classicismo

palazzo versailles cultura artistico

Nel XVII secolo, nel contesto dello sviluppo attivo dell'economia e delle arti, la Francia acquisì lo status di paese esemplare di forme assolutistiche di governo e pratiche politica economica... Grazie al movimento della Controriforma, Roma in spazio culturale l'Italia territorialmente frammentata assunse un nuovo significato. Di conseguenza, la costruzione di edifici religiosi ricevette un forte impulso. Iniziato in queste condizioni alla fine del XVII secolo nuovo stadio la costruzione contribuì al fatto che i principi tedeschi furono guidati nelle loro esigenze da modelli stranieri. In larga misura, furono influenzati dall'assolutismo francese di Luigi XIV. Ogni feudatario - non importa quanto piccolo fosse il territorio che gli apparteneva - copiava la sua residenza da Versailles, questa perla del dominio reale.

Nonostante il fatto che per architettura europea Secoli XVII - XVIII l'uniformità e l'integrità non sono caratteristiche, è consuetudine unirle concetto generale"barocco". I castelli principeschi e gli edifici religiosi divennero gli oggetti prioritari durante la costruzione e personificarono la resistenza alla Riforma. Negli anni '30 del Settecento iniziò a farsi sentire l'influenza dell'Illuminismo, che si rifletteva subito nel rafforzamento dell'intimità degli edifici. Piccoli ed eleganti castelli circondati da parchi divennero i luoghi di residenza preferiti dei principi. Questo è uno dei più brillanti caratteristiche distintive barocco.

Il nuovo stile ha chiesto aiuto nella conduzione delle attività di pianificazione urbana beauty ambiente, o, più semplicemente, un paesaggio. Il paesaggio è diventato una delle componenti principali dell'insieme urbano. La piazza, avendo perso il suo contenuto funzionale e democratico, è diventata la parte cerimoniale della città, la sua decorazione. L'architettura barocca si distingue per grandezza, splendore e dinamica, spettacolarità e un forte contrasto di scale e ritmi.

Grazie alla bizzarra plasticità delle facciate, ai complessi piani curvilinei e ai contorni, i palazzi e le chiese barocche hanno acquisito un certo pittoresco e dinamismo. Sembravano crescere nello spazio intorno a loro. Gli interni barocchi erano decorati con sculture multicolori, modanature in stucco, intagli; specchi e quadri erano necessari per l'illusoria espansione dello spazio, e la pittura dei plafoni creava l'illusione di volte che si aprivano sullo spettatore.

Nella pittura e nella scultura barocca, la posizione dominante spettava a composizioni decorative multiformi di natura religiosa, mitologica o allegorica, nonché a ritratti cerimoniali. Quando si rappresentava una persona, si preferivano stati di tensione, esaltazione e dramma elevato. Nella pittura ha acquisito grande importanza l'unità emotiva, ritmica e coloristica dell'insieme, spesso la libertà illimitata del tratto; nella scultura - una pittoresca fluidità di forme, una ricchezza di aspetti e impressioni.

I tratti caratteristici del barocco sono la complessità dei piani, il ricco design degli interni con soluzioni spaziali e luminose inaspettate e spettacolari, molte curve, linee e superfici curvate plasticamente, contrasto, tensione e dinamismo delle immagini, affettazione, ricerca del lusso e dello splendore, per coniugando realtà e illusione, alla fusione delle arti. Lo stile barocco contrastava la semplicità delle forme classiche con la raffinatezza nella modellatura. Elementi di pittura e scultura, le superfici murali dipinte erano ampiamente utilizzate in architettura.

Le basi ideologiche del barocco si sono formate sotto le condizioni della Riforma e degli insegnamenti di Copernico. Il concetto del mondo come unità razionale e permanente caratteristico della filosofia dell'antichità e la visione rinascimentale dell'uomo come corona della creazione cambiarono. L'uomo comincia a realizzarsi come "qualcosa tra il tutto e il niente" nelle parole di Pascal, "uno che coglie solo l'apparenza dei fenomeni, ma non riesce a comprenderne né l'inizio né la fine".

L'emergere del barocco fu in qualche modo facilitato dalla mancanza di fondi per la costruzione del palazzo tra i rappresentanti della nobiltà. Alla ricerca di una via d'uscita da questa situazione, si sono rivolti all'arte per creare l'illusione del potere e della ricchezza. In parte a causa di ciò, nel XVI secolo, il barocco sorse sul territorio italiano.

Le forme architettoniche del barocco si basavano sul Rinascimento italiano, ma lo superavano in complessità, diversità e pittoreschezza. Le facciate con cornici profilate, con colonne colossali, semicolonne e lesene su più piani, lussuosi dettagli scultorei, spesso fluttuanti da convesso a concavo, conferiscono movimento e ritmo alla struttura stessa. Non un singolo dettaglio di tale struttura era indipendente, a differenza del periodo rinascimentale. Tutte le parti dell'ensemble sono subordinate al concetto architettonico generale, che è completato dal design e dalla decorazione degli interni, nonché dal giardinaggio paesaggistico e dall'ambiente architettonico urbano.

In Francia, lo stile barocco è espresso un po' più modestamente che in altri paesi. In precedenza, era generalmente accettato che lo stile barocco non si sviluppasse affatto qui e che i monumenti barocchi fossero considerati monumenti del classicismo. A volte è appropriato usare il termine "classicismo barocco" in relazione alle versioni francese e inglese del barocco. Al giorno d'oggi, il Palazzo di Versailles insieme a un parco regolare, il Palazzo del Lussemburgo, l'edificio dell'Accademia di Francia a Parigi e altre opere di architettura sono classificati tra il barocco francese. Hanno alcune delle caratteristiche del classicismo. Una caratteristica dello stile barocco è lo stile regolare nell'arte del giardinaggio, l'esempio più chiaro che è il Parc de Versailles, l'apice della creatività del talentuoso maestro André Le Nôtre.

Critico e storico dell'arte tedesco arte antica Johann Joachim Winkelmann scrisse nel 1755: "L'unico modo per noi di diventare grandi, e se possibile inimitabili, è imitare gli antichi". Con questo slogan, ha invitato i suoi contemporanei a rinnovare l'arte, utilizzando la bellezza dell'antichità, percepita come ideale, come base, e che ha trovato un sostegno attivo nella società europea. L'architettura antica era percepita da lui come uno standard di armonia, semplicità, rigore, chiarezza logica e monumentalità. Il pubblico progressista percepiva il classicismo come una necessaria opposizione al barocco di corte. L'ascesa del classicismo coincise nel tempo con il periodo delle rivoluzioni borghesi - inglese nel 1688 e francese - 101 anni dopo. Pertanto, l'appello all'arte antica come modello più alto e la dipendenza dalle tradizioni dell'alto Rinascimento divennero una delle caratteristiche più importanti del classicismo.

Le belle arti del classicismo hanno cercato di incarnare l'idea di una struttura armoniosa della società. A proposito di complessità arti visive il classicismo è chiaramente evidenziato dai conflitti tra personalità e società, ideale e realtà, sentimenti e ragione. Le forme artistiche del classicismo sono caratterizzate dalle caratteristiche di rigorosa organizzazione, equilibrio, semplicità e armonia delle immagini.

Il desiderio di incarnare la nobile semplicità e la calma grandezza dell'arte antica nella costruzione ha portato i maestri dell'epoca a sforzarsi di copiare completamente l'antico edificio. Così, ciò che l'architetto tedesco Gilli aveva nella fase del progetto del monumento a Federico II, per ordine di Ludovico I di Baviera, fu realizzato sulle pendici del Danubio a Ratisbona e ricevette il nome Valhalla - "Sala dei Morto".

In Germania, i palazzi principeschi - residenze divennero centri di costruzione in stile classico, tra cui la Marktplatz (zona commerciale) a Karlsruhe, Maximilianstadt e Ludwigstrasse a Monaco, così come l'edilizia a Darmstadt, acquisirono particolare fama. Anche i re prussiani di Berlino e Potsdam favorirono il classicismo durante la costruzione. Tuttavia, a questo punto i palazzi avevano già perso lo status dei principali progetti di costruzione, le ville e le case di campagna non apparivano meno imponenti e imponenti. La sfera della costruzione statale includeva edifici sociali: ospedali, case per ciechi e sordi, nonché prigioni e caserme. A questi si aggiunsero presto edifici pubblici come teatri, musei, università e biblioteche. Il quadro era completato dalle tenute di campagna dell'aristocrazia e della borghesia, dai municipi e dagli edifici residenziali nelle città e nei villaggi.La costruzione di chiese non era più un compito primario, ma strutture meravigliose apparvero a Karlsruhe, Darmstadt e Potsdam, anche se c'era un dibattito se le forme architettoniche pagane fossero adatte al cristianesimo.

Nella pittura, il ruolo principale è stato svolto dallo sviluppo logico della trama, il chiaro equilibrio della composizione, il chiaro trasferimento di volume e la modellazione di luci e ombre della forma, l'uso di colori locali.

Una chiara delimitazione dei piani nella pittura di paesaggio è stata anche rivelata con l'aiuto del colore: il primo piano doveva essere dipinto in marrone, il secondo in verde e il terzo in blu.

L'architettura del classicismo è caratterizzata dalla regolarità dell'impianto e dalla chiarezza della forma volumetrica. La base del linguaggio architettonico dello stile classico era l'ordine, che è vicino nelle proporzioni e nella forma all'antichità. Il classicismo si distingue per composizioni assiali simmetriche, moderazione della decorazione decorativa e un sistema regolare di pianificazione urbana.

Il grande maestro veneziano Palladio e il suo seguace Scamozzi formularono il linguaggio architettonico del classicismo alla fine del Rinascimento. I veneziani assolutizzarono così tanto i principi dell'architettura dei templi antichi che trovarono applicazione anche nella costruzione di dimore private come Villa Capra. Inigo Jones trasportò il palladianesimo in Inghilterra, dove gli architetti palladiani locali da vari gradi la fedeltà seguì i precetti del Palladio fino alla metà del XVIII secolo.

A questo punto, la sazietà del lusso del tardo barocco e del rococò iniziò ad accumularsi tra gli intellettuali dell'Europa continentale. Per la soluzione di grandi problemi urbanistici, questa estetica del Barocco e del Rococò era decisamente di scarsa utilità. Già sotto Luigi XV furono eretti a Parigi complessi urbanistici in stile "antico romano", tra cui la Place de la Concorde (architetto Jacques-Ange Gabriel) e la Chiesa di Saint-Sulpice, e Luigi XVI questo "nobile laconicismo" è già diventato la principale tendenza architettonica.

Durante la costruzione della Chiesa di Saint-Genevieve a Parigi, l'architetto francese Jacques-Germain Soufflot dimostrò la capacità del classicismo di organizzare vasti spazi urbani. In Russia, Bazhenov si stava muovendo nella stessa direzione di Soufflot. I francesi Claude-Nicolas Ledoux e Etienne-Louis Bull sono stati in grado di avanzare ulteriormente verso lo sviluppo di uno stile visionario radicale con una propensione alla geometrizzazione astratta delle forme. Nella Francia rivoluzionaria, il pathos civico ascetico dei loro progetti non era richiesto.

Gli architetti della Francia napoleonica si sono ispirati alle immagini di gloria militare sopravvissute ai tempi della Roma imperiale, come l'arco trionfale di Settimio Severo e la Colonna Traiana. Per ordine dell'imperatore, furono trasferiti a Parigi nella forma arco di Trionfo Giostra e la colonna Vendome. In relazione ai monumenti della grandezza militare dell'era delle guerre napoleoniche, è consuetudine usare il termine "stile imperiale" - Impero. In Russia, eccezionali maestri dello stile Impero erano maestri come Karl Rossi, Andrei Voronikhin e Andreyan Zakharov.

Gli interni in stile classico più significativi furono completati dall'architetto scozzese Robert Adam al ritorno da Roma nel 1758. Le ricerche archeologiche degli scienziati italiani e le fantasie architettoniche di Piranesi gli fecero una grande impressione. Nell'interpretazione di Adam, il classicismo sembrava essere uno stile che era appena inferiore in raffinatezza agli interni rococò. Ciò gli valse fama sia tra i circoli della società di mentalità democratica che tra l'aristocrazia. Come i suoi omologhi francesi, Adam preferiva un completo rifiuto delle parti prive di funzione costruttiva. L'estetica del classicismo ha contribuito a progetti urbanistici su larga scala e, in una certa misura, ha contribuito all'ordinamento dello sviluppo urbano alla scala di intere città.

In Russia, la maggioranza dei provinciali e quasi tutti città di contea sono stati ridisegnati secondo i principi del razionalismo classico. Autentici musei del classicismo sotto aria aperta città come San Pietroburgo, Helsinki, Varsavia, Dublino, Edimburgo e alcune altre si sono trasformate. In tutto lo spazio, da Minusinsk a Filadelfia, si è stabilito un unico linguaggio architettonico, risalente al Palladio. Lo sviluppo ordinario è stato effettuato in conformità con gli album dei progetti standard.

Nel periodo successivo alle guerre napoleoniche, il classicismo coesisteva con l'eclettismo romanticamente colorato, in particolare con un risveglio di interesse per il Medioevo e la moda per il neogotico architettonico. In connessione con la scoperta della lastra di Rosetta da parte di Champollion, il tema egiziano ha guadagnato popolarità. L'interesse per l'antica architettura romana lasciò gradualmente il posto alla riverenza per tutto ciò che era greco antico, che si manifestava particolarmente chiaramente in Germania e negli Stati Uniti. Gli architetti tedeschi Leo von Klenze e Karl Friedrich Schinkel stanno costruendo rispettivamente Monaco e Berlino, con grandiosi musei e altri edifici pubblici nello spirito del Partenone. In Francia, la purezza del classicismo è stata assottigliata dal libero prestito dal repertorio architettonico del Rinascimento e del Barocco.

Conclusioni per il capitolo 1

Stili barocchi e classici sviluppati in cultura artistica Europa occidentale nel periodo dei secoli XVII-XVIII. Queste due direzioni nell'arte convivono con successo da due secoli, sviluppandosi parallelamente e occupando alternativamente una posizione di primo piano o svanendo in secondo piano.

Lo stile classicista nella cultura artistica richiedeva l'uso dell'arte del mondo antico come standard. La nascita del classicismo è avvenuta nella fase delle rivoluzioni borghesi - inglese e francese - che hanno influenzato la natura della sua formazione e si sono riflesse nelle caratteristiche delle caratteristiche nell'ambito dello stile nazionale.

V belle arti il classicismo perseguiva l'obiettivo di incarnare l'idea di una disposizione armoniosa del lato sociale della vita. Forme artistiche il classicismo è caratterizzato da caratteristiche di rigida organizzazione, equilibrio, semplicità e armonia delle immagini.

Le caratteristiche dello stile barocco sono la complessità dei piani, la magnifica decorazione interna con spettacolari soluzioni spaziali e luminose, molte curve, linee e superfici plasticamente curve, contrasto e vivida dinamica delle immagini, il desiderio di lusso, la combinazione di illusione e la realtà e la fusione delle arti. A dispetto delle forme classiche, lo stile barocco ha promosso la raffinatezza nella modellatura. In architettura, l'uso di elementi di pittura e scultura, superfici murali dipinte era molto diffuso.

Nell'ideologia del barocco, un uomo appariva come "qualcosa tra tutto e niente" nelle parole di Pascal, "uno che coglie solo l'apparenza dei fenomeni, ma non è in grado di comprenderne né l'inizio né la fine".

Le style c "est l" homme("Lo stile è una persona"). Questa massima di Buffon può essere paragonata a un'espressione matematica che lega due variabili. La variabile indipendente, l'argomento, è una persona, e lo stile, come una certa sequenza ordinata di pratiche espressive, è una funzione. Cos'è una persona - così è uno stile. Per tutta l'universalità di questa definizione, è necessario tenere conto del contesto storico del momento della sua comparsa - l'età dell'Illuminismo, con il suo concetto di "uomo naturale". Quest'ultimo, come sai, è uno sviluppo diretto delle idee del XVII secolo, questo inizio del New Age, e dei suoi stili caratteristici: classicismo e barocco. Possiamo dire che questi stili, le loro combinazioni, racchiudono il progetto dell'intera New Age, fino al presente.

Il concetto stesso stile(dal lat. stilo- bastone) e un concetto correlato stimolo(dal lat. stimolo, lettere. - un bastone appuntito, che serviva a guidare gli animali) sono etimologicamente perfettamente abbinati ai principi della classicità. La preferenza per la linea retta su tutte le altre è caratteristica del razionalismo cartesiano. Il cerchio perse il suo statuto ontologico insieme all'aristotelismo e lasciò il posto all'infinito, al senza qualità, all'assolutamente numerabile. "Dio", afferma Cartesio, è l'unico creatore di tutti i movimenti esistenti nel mondo, poiché esistono in generale e perché sono diretti. Tuttavia, diverse posizioni della materia trasformano questi moti in irregolari e curvilinei. Allo stesso modo, i teologi ci insegnano che Dio è il creatore di tutte le nostre azioni, perché esistono e perché in esse c'è qualcosa di buono, ma le diverse inclinazioni delle nostre volontà possono rendere viziose queste azioni ”( Cartesio R. Composizioni: In 2 voll. M.: Mysl, 1989. Vol. 1. P.205). Questa affermazione non deve essere intesa come un tentativo di mascherare la teologia ortodossa sul principio d'inerzia di Galileo. Non è un caso che Cartesio tocchi la questione fondamentale del problema del male e del libero arbitrio, e lo fa in piena sintonia con le opinioni di S. Agostino. Secondo A.-I. Marroux, “sul posto preminente che Agostino occupò nella coscienza francese del XVII secolo, nulla testimonia meglio del ruolo che ebbe nello sviluppo del cartesianesimo” ( Marru A.-I. Sant'Agostino e l'agostinismo. Dolgoprudny: Vestkom, 1999. S. 185). Così tra il rigorismo dell'"uomo interiore" di S. Agostino, misticamente e intellettualmente proteso verso Dio lungo la via più breve, durante la quale non si lascia distrarre, e dal rigorismo dell'"uomo interiore" di Cartesio c'è una comunità. Consiste, in primo luogo, nella costante necessità di superare il dubbio per mezzo della ragione, guidata dall'Onnipotente. La tesi cartesiana "Dio non è un ingannatore" garantisce la verità del Metodo. In secondo luogo, nella capacità di raggiungere solo approssimativamente l'obiettivo. Per S. Agostino, questa era la comprensione di Dio, per Cartesio - il raggiungimento del dominio sulla natura attraverso la costruzione. Quindi, sorge una pluralità di possibili opzioni e probabilismo cartesianismo ( Gaidenko P. La storia della moderna filosofia europea nella sua connessione con la scienza. M .: Libro universitario, 2000.S. 130). Indubbiamente, il più buon esempio l'attuazione del progetto cartesiano di dominio sulla natura può servire da sistemazione del parco di Versailles di A. Le Nôtreux ( Likhachev D.S. Opere scelte: In 3 voll. M.: art. lett., 1987.T.3. Pag. 488). È sia un Eden artificiale che un'incarnazione visibile della formula laconica dell'assolutismo, che apparteneva a Francesco I: "Un roi, une foi, une loi". La triade "un re, una fede, una legge" risulta consonante con una composizione del parco a tre raggi, nonché con il principio dell'unità di tempo, luogo e azione dell'"Arte poetica" di N. Boileau con il suo rigoroso gerarchia dei generi.

La lunga coesistenza di classicismo e barocco difficilmente può essere considerata un caso. Tale sincronicità indica la loro interconnessione, che, naturalmente, non elimina differenze significative nei tratti e nella genesi dei due stili. Il barocco era un erede diretto del Rinascimento, ma un erede chiaramente deluso. Ecco cosa, ad esempio, A.F. Losev su Montaigne: i "suoi" esperimenti "sono privi di qualsiasi sistema,<…>sono cosparsi di citazioni antiche, anche se dall'antichità solo gli Stoici gli furono inizialmente vicini, e poi solo gli scettici divennero vicini "( Losev AF Estetica rinascimentale. M .: Mysl, 1978.S. 597). Montaigne fu il predecessore di Cartesio, ma qui vale la pena notare la menzione dello stoicismo e dello scetticismo come direttamente collegati allo stile barocco. Se il classicismo procedeva dall'agostianesimo nella forma di un dualismo secolarizzato tra natura e uomo, che deve essere rimosso dal monismo della subordinazione a qualche forma unica (ma non l'unica possibile), allora il barocco procedeva dall'universalità del Logos stoico, l'unità sotto forma di un organismo saturo del respiro del pneuma. Nel contesto di tutto lo stesso agostinismo, ha sottolineato la complessità psicologica della personalità individuale. Nella visione del mondo, invece della rigida gerarchia monofonica dell'universalismo inerente al classicismo, sorse un universalismo polifonico di plasticità, che dichiarava la possibilità di molteplici variazioni della stessa forma o tema. L'esecuzione ininterrotta della fuga di Bach accompagna l'uomo "faustiano". Come fenomeno storico, il barocco ha preceduto il classicismo, ma in termini di ulteriori prospettive di cambiamento degli stili, dovrebbe essere riconosciuto come l'erede piuttosto che il predecessore del classicismo. È noto che l'emergere del barocco è associato alla Controriforma. I canoni e gli obiettivi dell'Ordine dei Gesuiti trovarono la loro espressione proprio nello stile barocco. Basti ricordare il principale tempio gesuita de Il Gesù a Roma (1568-1584), costruito su progetto di G. Vignola. Questo potrebbe essere il primo tipico progetto nella storia dell'architettura, realizzato in aree dal Paraguay alla Livonia. La caratteristica principale del barocco - il suo inganno, la simulatività gli ha dato l'opportunità di trasformarsi nei suoi ammiratori e nemici "soldati di Gesù" - protestanti, con il loro culto intrinseco del lavoro. “Il Barocco, come nota J. Deleuze, inventa una produzione infinita o un processo di lavoro senza fine. Il problema non è come completare la piega, ma come continuarla, attraversare il soffitto con essa, dirigerla all'infinito ”( Deleuze J. Fold, Leibniz e il barocco. M .: Logos, 1997.S. 63). Pertanto, forme complesse e contrappunto, dietro le quali si nasconde la simmetria dei numeri e delle funzioni, potevano glorificare le virtù dei puritani (ad esempio, l'oratorio di GF Handel "Giuda Maccabeo"). L'uso di soggetti dell'Antico Testamento è caratteristico anche della letteratura barocca. Paradise Lost di J. Milton e Il mostro più grande del mondo di P. Calderon. Il tema della catastrofe derivante dallo scontro tra il libero arbitrio e la Legge domina il genere tragico dell'epoca. Allo stesso tempo, la comprensione della Legge è molto eclettica: può essere Antico Testamento, gnostica e razionalista. V quest'ultimo caso si trova una coincidenza con il classicismo. Le caratteristiche gnostiche del barocco trovarono la loro manifestazione nel fascino dell'astrologia e dell'alchimia, come evidenziato non solo dalla letteratura dell'epoca. Quindi I. Keplero non ha mai nascosto la sua adesione all'astrologia, lo ha persino servito come mezzo per guadagnarsi da vivere. I. Newton ha preferito tacere su questo punto, così come sul suo antitrinitarismo. Tuttavia, il programma di fisica newtoniano è saturato non solo dalla matematica (nella sua comprensione cartesiana razionalista), ma anche dallo spirito dell'alchimia, da cui il suo creatore ha saputo estrarre molto idee scientifiche (Dmitriev I.S. Newton sconosciuto. Silhouette sullo sfondo dell'epoca. SPb.: Aleteya, 1999). La sua famosa risposta ai rimproveri assolutamente giusti dei cartesiani per la rinascita del principio magico - "Io non invento ipotesi" - non è altro che un truismo.

La ricerca del contrasto e della credibilità esterna attraverso l'uso di varie tecnologie, caratteristica del barocco, deriva dal suo più profondo pessimismo. “Non importa quanto sia bella la commedia nel resto delle parti, - ha scritto Pascal - l'ultimo atto è sempre sanguinoso. Getta terra sulla tua testa - e la fine per sempre! " ( Pasquale B. Pensieri. M .: REFL-libro, 1994.S. 256). Da qui la passione per la natura morta e la vitalità ipertrofica del nudo di Rubens. L'ironia e la tentazione dell'artificiale cercano di parlare alla morte e di impossessarsi di essa in modo malizioso. In questo senso, la nostra modernità con la sua passione per il contrasto e il sintetico (fino alla clonazione) continua la tendenza del Barocco. “La modanatura dello stucco può essere pensata - nota J. Baudrillard - come un'ascesa trionfante della scienza e della tecnologia, ma è anche, e soprattutto, associata al barocco<…>Qui è già posta tutta la tecnologia e la tecnocrazia - la presunzione della falsità ideale del mondo, che trova espressione nell'invenzione di una sostanza universale e nella combinatoria universale delle sostanze "( Baudrillard J. Scambio simbolico e morte. M.: Dobrosvet, 2000.S. 116).

La combinazione dei rigidi principi del classicismo e del barocco flessibile può essere vista in tutti gli stili successivi. Il dominio di alcuni sugli altri è determinato solo da considerazioni tattiche che dovrebbero garantire la massima efficienza. “Sapete”, dice il Vautrin di Balzac, questo “Napoleone dei lavori forzati”, rivolgendosi al giovane Rastignac, “come fanno ad arrivare qui? È necessario schiantarsi su questa massa di persone con una palla di cannone o penetrare come una pestilenza». Il classicismo può essere paragonato al primo, il barocco al secondo. Entrambi erano gli strumenti della Nuova Era per la formazione dell'Uomo Nuovo. Così la dominante del classicismo si vede nella modernità con i suoi progetti dei futuristi e Le Corbusier, il suo pathos del serio. La postmodernità preferisce le tecniche barocche. Passa al linguaggio dei codici binari e del caos deterministico. Prendersi cura dell'ambiente e coprire il mondo con una rete di reti di informazioni, simulando “ leggerezza insopportabile essendo ".