Immagini di grandi artisti. I quadri più famosi di tutti i tempi
Queste fotografie sono note a chiunque abbia un minimo di familiarità con la storia della fotografia. Sì, proprio arte, perché guardandole si capisce che qui, come mai prima d'ora, il fotografo ha lasciato la cornice di un osservatore esterno, in cui guida il suo obiettivo, e si è fatto Artista, cioè ha reinterpretato la realtà e l'ha lasciata passare attraverso se stesso. Qui vediamo non tanto un riflesso oggettivo della realtà quanto la sua valutazione soggettiva data dall'autore. Ognuna di queste foto ha la sua storia... "Soldati delle truppe federali caduti il primo giorno della battaglia di Gettysburg, Pennsylvania" Uno dei primi fotografi di guerra Matthew Brady era conosciuto come il creatore dei pugnalitipi di Abraham Lincoln e Robert Lee. Brady aveva tutto: carriera, soldi, propria attività... E ha deciso di rischiare tutto questo (oltre alla propria vita), seguendo l'esercito dei nordisti con una macchina fotografica in mano. Essendo sfuggito a malapena alla cattura nella primissima battaglia a cui prese parte, Brady perse in qualche modo il suo ardore patriottico e iniziò a inviare assistenti in prima linea. Per diversi anni di guerra, Brady e il suo team hanno scattato più di 7.000 foto. Si tratta di una cifra piuttosto impressionante, soprattutto se si considera che per effettuare un solo colpo servivano attrezzature e prodotti chimici, che venivano posti all'interno di un carro coperto, trasportato da diversi cavalli. Non assomiglia alle solite scatole di sapone digitali? Le fotografie che sembravano così appropriate sul campo di battaglia avevano un'aura molto pesante. Tuttavia, fu grazie a loro che gli americani comuni per la prima volta furono in grado di vedere l'amara e dura realtà militare, non velata da slogan patriottici sciovinisti. 
"John F. Kennedy ha sparato all'assassino..."“Oswald è stato portato fuori. Stringo la telecamera. La polizia sta trattenendo la pressione dei cittadini. Oswald fece qualche passo. Premo il pulsante di scatto. Non appena i colpi sono esplosi, ho premuto di nuovo il grilletto, ma il mio flash non ha avuto il tempo di ricaricarsi. Ho iniziato a preoccuparmi della prima foto e due ore dopo mi sono diretto a sviluppare le foto. ” - Robert H. Jackson Fotografia che ha alzato la posta in gioco dei fotoreporter. "Omaha Beach, Normandia, Francia" Il fotoreporter di guerra Robert Capa ha detto che se le tue foto sono brutte, significa che non eri abbastanza vicino alla scena. E sapeva di cosa stava parlando. Le sue fotografie più famose furono scattate la mattina del 6 giugno 1944, quando, insieme ai primi reparti di fanteria, sbarcò in Normandia il giorno dello sbarco alleato. Sotto il fuoco, Capa è stato costretto a tuffarsi sott'acqua con la sua macchina fotografica per evitare i proiettili. È scappato a malapena. Dei quattro film girati dal fotografo nel giorno della terribile battaglia, sono sopravvissuti solo 11 fotogrammi - il resto è stato irrimediabilmente rovinato da un anziano assistente di laboratorio, che in fretta ha illuminato quasi tutto il materiale (come si è scoperto in seguito, ha provato a sviluppare le pellicole prima di essere mandato in stampa nuovo problema rivista di vita). Ironia della sorte, è stato questo errore nello sviluppo del film che ha dato a diverse fotografie esistenti il loro famoso aspetto "surreale" (la rivista Life nei commenti alle fotografie ha erroneamente pensato che fossero "leggermente sfocate"). Cinquant'anni dopo, durante le riprese della scena dello sbarco in Normandia di Salvate il soldato Ryan, il regista Steven Spielberg ha cercato di ricreare l'effetto delle fotografie di Robert Capa rimuovendo la pellicola protettiva dagli obiettivi della fotocamera per l'effetto "sfocatura". "Omicidio di un Viet Cong da parte del capo della polizia di Saigon" Il fotoreporter di AP Eddie Adams una volta scrisse: "La fotografia è l'arma più potente del mondo". Una citazione molto azzeccata per illustrare il Propria vita- Nel 1968, la sua fotografia di un ufficiale che spara in testa a un prigioniero ammanettato non solo ha vinto il Premio Pulitzer nel 1969, ma ha anche cambiato completamente l'atteggiamento degli americani nei confronti di ciò che stava accadendo in Vietnam. Nonostante l'evidenza dell'immagine, infatti, la fotografia non è così inequivocabile come sembrava ai normali americani, pieni di simpatia per i giustiziati. Il fatto è che l'uomo in manette è il capitano dei "guerrieri della vendetta" Viet Cong, e quel giorno lui ei suoi scagnozzi spararono e uccisero molti civili disarmati. Il generale Nguyen Ngoc Loan, nella foto a sinistra, è stato perseguitato dal suo passato per tutta la sua vita: gli è stato rifiutato il trattamento in un ospedale militare australiano, dopo essersi trasferito negli Stati Uniti ha dovuto affrontare una massiccia campagna che chiedeva la sua immediata deportazione, un ristorante che ha aperto in Virginia ogni giorno è stato attaccato da vandali. "Sappiamo chi sei!" - questa iscrizione ha perseguitato il generale dell'esercito per tutta la vita. "Ha ucciso un uomo in manette", ha detto Eddie Adams, "e io l'ho ucciso con la mia macchina fotografica". 
"Morte di Omaira Sanchez" 13 novembre 1985. L'eruzione del vulcano Nevado del Ruiz (Colombia). La neve di montagna si scioglie e una massa di fango, terra e acqua spessa 50 metri cancella letteralmente ogni cosa sul suo cammino dalla faccia della terra. Il bilancio delle vittime ha superato i 23mila. Il disastro ha ricevuto un'enorme risposta in tutto il mondo, grazie in parte a una fotografia di una bambina di nome Omaira Sanchez. Era intrappolata - fino al collo nel liquido, le gambe erano intrappolate nella struttura di cemento della casa. I soccorritori hanno provato a pompare via la sporcizia e a liberare il bambino, ma invano. La ragazza ha resistito per tre giorni, dopo di che ha contratto diversi virus contemporaneamente. Come ricorda la giornalista Christina Echandia, che è stata nelle vicinanze per tutto questo tempo, Omaira cantava e comunicava con gli altri. Era spaventata e costantemente assetata, ma si è comportata molto coraggiosamente. La terza notte, iniziò ad avere allucinazioni. La foto è stata scattata diverse ore prima della morte. Fotografo - Frank Fournier. 
"Ritratto di Churchill" 27 gennaio 1941. Winston Churchill si recò in uno studio fotografico al 10 di Downing Street per scattare alcuni dei suoi ritratti, dimostrando la sua resilienza e determinazione. Tuttavia, non importa cosa, il suo sguardo era troppo rilassato - con un sigaro in mano, grande persona non corrispondeva all'immagine che il fotografo Yousuf Karsh voleva ottenere. Si avvicinò al grande politico e con un movimento deciso gli tolse di bocca il sigaro. Il risultato è leggermente superiore. Churchill guarda con rabbia il fotografo, che a sua volta preme il grilletto. È così che l'umanità ha ricevuto uno dei ritratti più famosi di Winston Churchill. Due fotografie che mostrano il drammatico cambiamento nella vita negli Stati Uniti. 
Negozio di alimentari Solo pochi anni prima della "Grande Depressione" degli Stati Uniti. I negozi traboccano di pesce, verdura e frutta. Foto scattata in Alabama, vicino alla ferrovia. "Madre di immigrati" Grazie alla leggendaria fotografa Dorothea Lange, Florence Owen Thompson è stata letteralmente l'epitome della Grande Depressione nel corso degli anni. Lange ha scattato la foto mentre visitava un campo di raccoglitori di verdure in California nel febbraio 1936 per mostrare al mondo la resilienza e la resilienza di una nazione orgogliosa durante i tempi difficili. La storia della vita di Dorothea si è rivelata attraente quanto il suo ritratto. A 32 anni era già madre di sette figli e vedova (il marito è morto di tubercolosi). Trovandosi praticamente senza mezzi di sussistenza in un campo di lavoro per sfollati, la sua famiglia ha mangiato carne di uccelli uccisi dai bambini e verdure della fattoria, così come gli altri 2.500 lavoratori del campo. La pubblicazione della fotografia ha avuto l'effetto dell'esplosione di una bomba. La storia di Thompson, apparsa sulle copertine delle testate più autorevoli, ha suscitato un'immediata risposta da parte del pubblico. L'IDP ha immediatamente inviato cibo e generi di prima necessità al campo. Sfortunatamente, a questo punto la famiglia Thompson aveva già lasciato il loro posto abitabile e non aveva ricevuto nulla dalla generosità del governo. Va notato che a quel tempo nessuno conosceva il nome della donna raffigurata nella fotografia. Solo quarant'anni dopo la pubblicazione di questa fotografia, nel 1976, la Thompson si "rivelò" rilasciando un'intervista a uno dei giornali centrali. 
"Ritiro" Ritiro del Corpo dei Marines degli Stati Uniti nel 1950 a causa del gelo disumano. Durante Guerra di Corea Il generale MacArthur sopravvalutava le sue capacità ed era assolutamente fiducioso nel successo della campagna. Così credette prima del contraccolpo delle truppe cinesi, dopo di che pronunciò il suo frase famosa: "Ritiro! Perché ci stiamo muovendo nella direzione sbagliata!” 
"Carestia in Sudan" L'autore della fotografia, Kevin Carter, ha ricevuto il Premio Pulitzer nel 1994 per il suo lavoro. La carta raffigura una ragazza sudanese piegata dalla fame. Presto morirà e il grande condor sullo sfondo è pronto per questo. La fotografia ha scioccato l'intero mondo civilizzato. L'origine della ragazza è sconosciuta a nessuno, incluso il fotografo. Ha sparato, ha allontanato il predatore e ha guardato il bambino andarsene. Kevin Carter era un membro del Bang Bang Club, quattro fotoreporter impavidi che viaggiano attraverso l'Africa alla ricerca di sensazioni fotografiche. Kevin Carter è stato consegnato all'oblio dall'intero pubblico dei lettori per il fatto che quando gli è stato chiesto se ha portato questa ragazza al punto di distribuzione del cibo, ha risposto che era solo un messaggero che portava notizie e aiutare il tipo non era nelle sue competenze. Due mesi dopo aver ricevuto il premio, Carter si suicidò. Forse perseguitato dai ricordi orribili di ciò che ha visto in Sudan. "Il mostro di Loch Ness" o "Foto del chirurgo" Questa foto è anche chiamata "Foto del chirurgo". Questa foto sfocata, scattata nell'aprile del 1934, è famosa in tutto il mondo. Per 60 anni, ha alimentato le ipotesi più incredibili su una lucertola fossile vivente che vive oggi nel Loch Ness scozzese, ha dato origine a molte voci e congetture, ha avviato diverse spedizioni subacquee e ha dato origine a un'intera industria del turismo in una piccola cittadina. Ciò è continuato fino al 1994, fino a quando Figlio adottivo l'autore del falso - Christian Sperling - non ha detto al pubblico che il suo patrigno, Marmaduke Weatherrell, è stato assunto da un giornale londinese Mail giornaliera per cercare un grosso animale, non riusciva a trovarlo e ha deciso di scattare questa foto falsa con l'aiuto del figliastro di Christian e del figlio di Ian. È Ian il vero autore della fotografia. "Nessie" è stata costruita su frettolosamente ed era sostenuto in superficie da un sottomarino giocattolo e da un contrappeso di assi. Per rendere la storia più credibile, i truffatori hanno convinto il chirurgo locale Robert Kenneth Wilson a identificarsi come l'autore dell'immagine. 
"La linea per il riso" Tra l'inverno del 1948 e la primavera del 1949, Henry Cartier Bresson viaggiò con la sua macchina fotografica a Pechino, Shanghai e in altre città. Questa foto è stata scattata a Nanchino. La foto mostra una fila di persone affamate di riso. "Gandhi e il suo filatoio"... Uno dei più persone influenti Nel 20 ° secolo, a Gandhi non piaceva essere fotografato, ma nel 1946 la collaboratrice di Life Margaret Bork-White fu autorizzata a scattargli una foto davanti a un filatoio, un simbolo della lotta per l'indipendenza dell'India. Prima che la fotografa fosse ammessa alla sessione fotografica, lei stessa ha dovuto imparare a usare una ruota che gira: questi erano i requisiti dell'entourage di Gandhi. Dopo aver superato questo ostacolo, Margaret ne aveva altri due. Per cominciare, si è scoperto che era vietato parlare con Gandhi: aveva solo un "giorno di silenzio", che tradizionalmente trascorreva senza parlare con nessuno. E poiché odiava la luce intensa, a Margaret erano consentiti solo tre colpi (accompagnati da tre torce). Anche l'atmosfera molto umida dell'India è stata un problema, che ha influito negativamente sullo stato della fotocamera, quindi le prime due foto non hanno avuto successo, ma la terza ha avuto successo. È stato lui a formare l'immagine di Gandhi per milioni di persone. La foto era l'ultima ritratto a vita Gandhi - due anni dopo fu ucciso. "Dalì Atomico" Philip Haltzman è stato l'unico fotografo a fare carriera fotografando le persone... che saltano. Ha sostenuto che mentre salta, il soggetto mostra inconsapevolmente il suo vero io interiore. Non si può che essere d'accordo con questa affermazione guardando la fotografia di Salvador Dalì intitolata "Dal? Atomicus". 6 ore, 28 salti, una stanza piena di assistenti che lanciano un secchio d'acqua in aria e gatti arrabbiati: ecco come è nata questa foto. Sullo sfondo della fotografia c'è il capolavoro surreale di Dalì, Leda Atomica, ancora da completare. Haltsman voleva versare il latte dal secchio, non l'acqua, ma nel dopoguerra era troppo sprezzante nei confronti del cibo. Le fotografie di celebrità di Khaltsman in un salto sono apparse su almeno sette copertine della rivista Life e hanno dato origine a un nuovo tipo di ritratti - senza la statica ancora obbligatoria. "Einstein che mostra la lingua" Potresti giustamente chiederti: "Questa fotografia ha davvero cambiato il mondo?" Einstein ha rivoluzionato la fisica nucleare e la meccanica quantistica e questa fotografia ha cambiato l'atteggiamento nei confronti di Einstein e degli scienziati in generale. Il fatto è che lo scienziato di 72 anni era stanco delle continue molestie della stampa che lo molestava nel campus di Princeton. Quando gli è stato chiesto di sorridere alla telecamera per la centomillesima volta, invece di sorridere, ha mostrato la lingua sporgente di Arthur Saysse alla telecamera. Questo linguaggio è il linguaggio del genio, motivo per cui la fotografia è diventata immediatamente un classico. Ora Einstein sarà sempre ricordato e considerato un grande originale - sempre! "Il corpo di Che Guevara" Delinquente? sociopatico? Il faro del socialismo? O, come lo definì l'esistenzialista Jean-Paul Sartre, "l'uomo più perfetto del nostro secolo"? Indipendentemente dal tuo punto di vista, Ernesto "Che" Guevara è stato a lungo il santo patrono "dei rivoluzionari di tutto il mondo. Senza dubbio, è un uomo leggendario e questo status gli è stato assegnato non dalla vita, ma dalla sua stessa morte. Insoddisfatto degli sforzi del Che per promuovere la rivoluzione tra i poveri e gli oppressi in Bolivia, l'esercito nazionale (addestrato ed equipaggiato dalle truppe americane e dalla CIA) catturò e giustiziò Che Guevara nel 1967. Ma prima di seppellire il suo corpo in una tomba segreta, gli assassini si radunarono intorno lui, posando per una fotografia di scena. I militari volevano dimostrare al mondo intero che il Che era morto, sperando che il suo movimento politico sarebbe morto con lui. In attesa di essere accusati di falsificazione della fotografia, i prudenti carnefici di Che Guevara gli amputarono le braccia e le conservarono nella formaldeide. Ma uccidendo un uomo, i funzionari boliviani hanno inconsapevolmente dato vita a una leggenda su di lui. La fotografia che fece il giro del mondo aveva una sorprendente somiglianza con le immagini rinascimentali di Gesù prese dalla croce. Il volto del Che è spaventosamente calmo, e i suoi assassini si pavoneggiano davanti alla telecamera, uno di loro indica una ferita nel corpo di Che Guevara Il significato allegorico della foto è stato subito ripreso dai sostenitori del Che, che hanno inventato lo slogan "Che è vivo!" Grazie a questa foto, Che Guevara sarà ricordato per sempre come un martire morto per le idee socialiste. "Dirigibile Hindenburg" L'esplosione del dirigibile Hindenburg nel 1937, ovviamente, non è il relitto del Titanic o la tragedia di Chernobyl del XX secolo. Delle 97 persone a bordo sorprendentemente sopravvisse 62. Durante l'atterraggio all'aeroporto di Lakehurst, nel New Jersey, dopo un volo dalla Germania, uno zeppelin Hindenburg tedesco esplose. Il guscio del dirigibile era pieno di idrogeno, e non di elio inerte sicuro, poiché a quel tempo gli americani si erano già rifiutati di vendere questo gas a un potenziale nemico: una nuova guerra mondiale era imminente. L'evento è stato filmato da 22 fotografi. Dopo l'incidente, i dirigibili non erano più considerati un mezzo di trasporto sicuro e sviluppato. Questa fotografia ha registrato la fine dello sviluppo della costruzione di dirigibili. "Valle del fiume Serpente" Molti credono che l'era della fotografia possa essere divisa in due parti: prima di Ansel Adams e dopo Ansel Adams. Nell'era "pre-Adamo", la fotografia non era affatto considerata come arte indipendente... Le foto con l'aiuto di varie manipolazioni sono state fatte per sembrare dipinti. Adams, invece, evitò con tutte le sue forze qualsiasi manipolazione delle fotografie, dichiarando l'arte fotografica "la poesia della realtà". Con le sue opere ha dimostrato il valore della “fotografia pura”. Nell'era delle fotocamere portatili abbastanza compatte, ha aderito ostinatamente a attrezzature ingombranti e fotocamere di grande formato vecchio stile. Adams ha mostrato agli americani la bellezza della loro nazionalità. Nel 1936 scattò una serie di fotografie e le inviò a Washington DC per aiutare a preservare il Kings Canyon della California. Di conseguenza, questa zona è stata dichiarata parco nazionale. "Il giorno della vittoria, Times Square, 1945" o "Il bacio" Il 14 agosto 1945, la notizia della resa del Giappone segnò la fine della seconda guerra mondiale. Per le strade di New York è iniziata una festa burrascosa, ma forse nessuno degli abitanti della città si è sentito più libero in quel momento dei militari. Tra le persone felici riunite a Times Square quel giorno c'era uno dei fotoreporter più talentuosi del XX secolo, un immigrato tedesco di nome Alfred Eisenstadt. Raccogliendo le immagini della celebrazione con la sua macchina fotografica, notò un marinaio "camminare per strada e afferrare ogni ragazza nel suo campo visivo". Life magazine, ma quando un affascinante soldato ha ballato e baciato un'affascinante infermiera, e Eisenstadt ha scattato una foto, l'immagine è stata replicata sui giornali di tutto il paese. incontro, ma rimane ancora oggi un simbolo duraturo dell'America alla fine di una lunga lotta per la pace. 
"Ragazzo con una granata" Un ragazzino con una granata giocattolo in mano... opera famosa di Diana Arbus. Il nome del ragazzo è Colin Wood, figlio del famoso tennista Sidney Wood. V mano destra il ragazzo stringe una granata, la sua mano sinistra è vuota. Diane ha trascorso molto tempo a scegliere l'angolazione di cui aveva bisogno e, di conseguenza, il ragazzo non poteva sopportarlo e ha gridato "Toglilo!". Nel 2005, la foto è stata venduta per $ 408.000. 
"tronchi" Punk di strada che minacciano il fotografo con una pistola. Sì, il bambino ha solo 11 anni e una pistola giocattolo tra le mani. Sta solo facendo il suo gioco. Ma se guardi da vicino, non vedrai nessun gioco nei suoi occhi. 
"Picasso" Sono stati necessari otto pezzi di chl :) per riflettere perfettamente la dissomiglianza di punti di vista sul mondo di Pablo Picasso e di altre persone. L'artista è stato felicissimo di questa foto. “Guarda il pane! Solo quattro dita! Ecco perché ho deciso di chiamare questa foto “Picasso”, ”ha detto Picasso al suo amico, il fotografo Duvanuoshi. 
"Persone e immagini" Robert Doisneau non seguì la tradizione della fotografia artistica del suo tempo. Utilizzando la tecnica del reportage di ripresa, ha cercato l'insolito nell'ordinario, l'emozionante nel quotidiano. Ogni giorno, nella vetrina di un noto negozio, veniva esposto un quadro di nudo e si fotografavano le reazioni dei passanti. Le migliori foto scattate da Robert Doisneo sono state incluse nella serie “People and Pictures”. Ecco come è apparsa la "telecamera nascosta".
"Ogni ritratto dipinto con sentimento è, in sostanza, un ritratto dell'artista, e non quello che ha posato per lui." Oscar Wilde
Cosa serve per essere un artista? Una semplice imitazione dell'opera non può essere considerata arte. L'arte è ciò che viene da dentro. L'idea dell'autore, la passione, le ricerche, i desideri ei dolori, che si incarnano sulla tela dell'artista. Nel corso della storia dell'umanità sono stati scritti centinaia di migliaia e forse milioni di dipinti. Alcuni di loro sono, infatti, capolavori, conosciuti in tutto il mondo, li conoscono anche persone che non hanno nulla a che fare con l'arte. È possibile individuare i 25 più eccezionali tra questi dipinti? Il compito è molto difficile, ma ci abbiamo provato...
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25La persistenza della memoria, Salvador Dali
Grazie a questa foto, Dalì è diventato famoso in un modo piuttosto giovane età, aveva 28 anni. L'immagine ha molti altri titoli - " Orologio morbido"," La durezza della memoria. " Questo capolavoro ha attirato l'attenzione di molti critici d'arte. Fondamentalmente, erano interessati all'interpretazione dell'immagine. Dicono che l'idea della pittura di Dalì sia associata alla teoria della relatività di Einstein.
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24La danza, Henri Matisse
Henri Matisse non è sempre stato un artista. Ha scoperto il suo amore per la pittura dopo aver completato la sua laurea in legge a Parigi. Ha studiato arte con così tanto zelo che è diventato uno dei più grandi artisti del mondo. Questo dipinto ha pochissime critiche d'arte negative. Riflette una combinazione di riti pagani, danza e musica. La gente balla in trance. Tre colori - verde, blu e rosso, simboleggiano la Terra, il Cielo e l'Umanità.
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23Il bacio, Gustav Klimt
Gustav Klimt è stato spesso criticato per essere nudo nei suoi dipinti. Il bacio è stato acclamato dalla critica poiché fondeva tutte le forme d'arte. Il dipinto avrebbe potuto essere un'immagine dell'artista stesso e della sua amata, Emilia. Klimt ha scritto questa tela sotto l'influenza mosaici bizantini... I Bizantini usavano l'oro nei loro dipinti. Allo stesso modo, Gustav Klimt ha mescolato l'oro nei suoi colori per creare il suo proprio stile la pittura.
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22Lo zingaro addormentato di Henri Rousseau
Nessuno tranne lo stesso Rousseau potrebbe descrivere meglio questo quadro. Ecco la sua descrizione - "una zingara nomade che canta le sue canzoni a un mandolino, dorme per terra dalla fatica, accanto a lei giace la sua brocca con bevendo acqua... Un leone di passaggio venne ad annusarla, ma non la toccò. Tutto è inondato dal chiaro di luna, un'atmosfera molto poetica." È interessante notare che Henri Rousseau è autodidatta.
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21Il Giudizio Universale, Hieronymus Bosch
Senza ulteriori indugi, l'immagine è semplicemente stupenda. Questo trittico è il più grande dipinto sopravvissuto di Bosch. L'ala sinistra mostra la storia di Adamo ed Eva. La parte centrale è " ultimo giudizio Dal lato di Gesù - chi dovrebbe andare in paradiso e chi dovrebbe andare all'inferno. La terra che vediamo qui è in fiamme. Sulla fascia destra c'è un'immagine disgustosa dell'inferno.
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Tutti conoscono Narciso da mitologia greca- un uomo ossessionato dal suo aspetto. Dalì ha scritto la sua interpretazione di Narciso.
La storia è così. Il bellissimo giovane Narciso ha facilmente spezzato il cuore di molte ragazze. Gli dei intervennero e, per punirlo, gli mostrarono il suo riflesso nell'acqua. Narciso si innamorò di se stesso e alla fine morì perché non poteva abbracciarsi. Allora gli dei si pentirono di avergli fatto questo e decisero di immortalarlo sotto forma di un fiore di narciso.
Sul lato sinistro dell'immagine c'è Narciso che guarda il suo riflesso. Dopo di che si innamorò di se stesso. Il pannello di destra mostra gli eventi che si sono svolti dopo, incluso il fiore risultante: il narciso.
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La trama dell'immagine si basa sul massacro biblico di bambini a Betlemme. Dopo che fu saputo dai Magi della nascita di Cristo, il re Erode ordinò di uccidere tutti i bambini e i neonati maschi a Betlemme. Nella foto, il massacro è al culmine, gli ultimi bambini, sottratti alle loro madri, attendono la loro morte spietata. Sono visibili anche i cadaveri dei bambini, per i quali tutto è già alle spalle.
Attraverso l'uso di rich colori, la pittura di Rubens divenne un capolavoro di fama mondiale.
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Il lavoro di Pollock è molto diverso dagli altri artisti. Appoggiò la sua tela a terra e si spostò intorno alla tela e ci camminò sopra, facendo colare la vernice dall'alto sulla tela con bastoncini, pennelli e siringhe. Grazie a questa tecnica unica nei circoli artistici, è stato soprannominato "Jack the Sprayer". Per qualche tempo questo dipinto ha tenuto il titolo di dipinto più costoso del mondo.
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Conosciuto anche come Dancing at Le Moulin de la Galette. Questo dipinto è considerato uno dei dipinti più gioiosi di Renoir. L'idea alla base del dipinto è mostrare al pubblico un lato divertente. vita parigina... A un esame più attento del dipinto, puoi vedere che Renoir ha messo molti dei suoi amici sulla tela. Poiché l'immagine sembra leggermente sfocata, è stata inizialmente criticata dai contemporanei di Renoir.
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La trama è tratta dalla Bibbia. Sul dipinto" L'ultima Cena“Rappresenta l'ultima cena di Cristo prima del suo arresto. Ha appena parlato con i suoi apostoli e ha detto loro che uno di loro lo avrebbe tradito. Tutti gli apostoli sono rattristati e gli dicono che non sono certo loro. Fu questo momento che da Vinci ritrasse magnificamente grazie alla sua immagine dal vivo. Il grande Leonardo ha impiegato quattro anni per completare questo dipinto.
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Le "ninfee" di Monet si trovano ovunque. Probabilmente li hai visti su sfondi, poster e copertine di riviste d'arte. Il fatto è che Monet era ossessionato dai gigli. Prima di iniziare a dipingerli, ha coltivato un numero infinito di questi fiori. Monet ha costruito un ponte in stile giapponese nel suo giardino su uno stagno di ninfee. Era così contento di quello che ha fatto, che ha disegnato questa trama diciassette volte in un anno.
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C'è qualcosa di minaccioso e misterioso in questa immagine, c'è un'aura di paura intorno ad essa. Solo un maestro come Munch è stato in grado di ritrarre la paura sulla carta. Munch ha realizzato quattro versioni di The Scream in oli e pastelli. Secondo le voci nel diario di Munch, è abbastanza chiaro che lui stesso credeva nella morte e negli spiriti. Nel dipinto "L'urlo", si è ritratto nel momento in cui un giorno, camminando con gli amici, ha provato paura ed eccitazione, che voleva dipingere.
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Il dipinto, che di solito viene indicato come un simbolo della maternità, non doveva esserlo. Si dice che il modello di Whistler, che avrebbe dovuto posare per il dipinto, non sia venuto e abbia deciso di dipingere invece sua madre. Possiamo dire che raffigura la triste vita della madre dell'artista. Questo stato d'animo è dovuto ai colori scuri utilizzati in questo dipinto.
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Picasso ha incontrato Dora Maar a Parigi. Si dice che fosse intellettualmente più vicina a Picasso di tutte le sue precedenti amanti. Usando il cubismo, Picasso è stato in grado di trasmettere il movimento nel suo lavoro. Sembra che il viso di Maar si volga a destra, verso quello di Picasso. L'artista ha reso quasi reale la presenza di una donna. Forse voleva sentire che lei era lì, sempre.
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Van Gogh scrisse Notte stellata durante il trattamento, dove gli fu permesso di dipingere solo quando le sue condizioni migliorarono. All'inizio dello stesso anno, si è tagliato il lobo dell'orecchio sinistro. Molti consideravano l'artista pazzo. Di tutta la collezione di opere di Van Gogh, Notte stellata è la più famosa, forse per l'insolita luce sferica intorno alle stelle.
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In questo dipinto, Manet ha ricreato la "Venere di Urbino" di Tiziano. L'artista era noto per ritrarre le prostitute. Sebbene i signori a quel tempo visitassero le cortigiane abbastanza spesso, non pensavano che qualcuno si sarebbe messo in testa di disegnarle. Allora era preferibile per gli artisti dipingere quadri su temi storici, mitici o biblici. Tuttavia, Manet, contrariamente alle critiche, ha mostrato al pubblico il suo contemporaneo.
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Questo dipinto è una tela storica raffigurante la conquista della Spagna da parte di Napoleone.
Avendo ricevuto un ordine per dipinti raffiguranti la lotta del popolo spagnolo con Napoleone, l'artista non dipinse tele eroiche e patetiche. Ha scelto il momento della fucilazione dei ribelli spagnoli da parte dei soldati francesi. Ognuno degli spagnoli sta vivendo questo momento a modo suo, qualcuno si è già rassegnato, ma per qualcuno la battaglia principale è appena arrivata. Guerra, sangue e morte, questo è ciò che Goya ha effettivamente rappresentato.
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Si crede che la ragazza raffigurata sia figlia più grande Vermeer, Maria. Le sue caratteristiche sono presenti in molte delle sue opere, ma sono difficili da confrontare. Tracy Chevalier ha scritto un libro con lo stesso titolo. Ma la versione di Tracy di chi è raffigurato in questa immagine è completamente diversa. Afferma di aver preso questo argomento, perché ci sono pochissime informazioni su Vermeer e sui suoi dipinti, e in particolare da questa immagine c'è un'atmosfera misteriosa. Successivamente, è stato realizzato un film basato sul suo romanzo.
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Il titolo esatto del dipinto è "Discorso della compagnia di fucili del capitano Frans Banning Kok e del tenente Willem van Ruutenbürg". Oltre alle milizie, Rembrandt ne aggiunse diverse persone in più... Dato che ha acquistato una casa costosa al momento di questo dipinto, potrebbe essere vero che ha ricevuto enormi royalties per The Night Watch.
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Sebbene il dipinto presenti un'immagine dello stesso Velazquez, questo non è un autoritratto. La protagonista della tela è l'Infanta Margherita, figlia del re Filippo IV. Questo mostra il momento in cui Velazquez, lavorando al ritratto del re e della regina, è costretto a fermarsi a guardare l'Infanta Margarita, appena entrata nella stanza con il suo seguito. L'immagine sembra quasi viva, suscitando curiosità nel pubblico.
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Questo è l'unico dipinto di Bruegel che è stato dipinto ad olio, non a tempera. Ci sono ancora dubbi sull'autenticità del dipinto, principalmente per due motivi. In primo luogo, non dipingeva a olio e, in secondo luogo, studi recenti hanno dimostrato che sotto lo strato di pittura c'è un disegno schematico di scarsa qualità, che non appartiene a Bruegel.
Il dipinto raffigura la storia di Icaro e il momento della sua caduta. Secondo il mito, le piume di Icaro erano attaccate con la cera, e poiché Icaro si alzava molto vicino al sole, la cera si scioglieva e cadeva nell'acqua. Questo paesaggio ispirò Whisten Hugh Auden a scrivere la sua poesia più famosa sullo stesso argomento.
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"Scuola di Atene" è forse il più famoso affresco dal pittore rinascimentale italiano Raffaello.
Tutti i grandi matematici, filosofi e scienziati si sono riuniti sotto lo stesso tetto in questo murale nella scuola di Atene, condividono le loro teorie e imparano gli uni dagli altri. Tutti gli eroi vivevano in tempo diverso ma Raphael li mise tutti nella stessa stanza. Alcune delle figure sono Aristotele, Platone, Pitagora e Tolomeo. A un esame più attento, è chiaro che c'è in questa foto e un autoritratto dello stesso Raffaello. Ogni artista vorrebbe lasciare il segno, l'unica differenza è la forma. Anche se forse si considerava una di queste grandi figure?
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Michelangelo non si è mai considerato un artista, si è sempre pensato più come uno scultore. Ma è riuscito a creare uno straordinario affresco squisito, davanti al quale il mondo intero è in soggezione. Questo capolavoro è sul soffitto cappella Sistina al Vaticano. Michelangelo fu incaricato di dipingere diverse storie bibliche, una delle quali è la creazione di Adamo. In questa immagine, lo scultore in Michelangelo è appena visibile. Corpo umano Adama è reso con incredibile fedeltà attraverso colori vibranti e una precisa forma muscolare. Quindi, si può essere d'accordo con l'autore, dopotutto è più uno scultore.
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2Gioconda di Leonardo da Vinci
Sebbene sia il dipinto più studiato, "Mona Lisa" è ancora il più misterioso. Leonardo ha detto che non ha mai smesso di lavorarci. Si dice che solo la sua morte abbia completato il lavoro sulla tela. "Mona Lisa" è il primo ritratto italiano in cui la modella è mostrata in vita. La pelle di Monna Lisa sembra risplendere grazie all'uso di diversi strati di oli trasparenti. Come scienziato, Leonardo da Vinci ha applicato tutte le sue conoscenze per rendere realistica l'immagine della Gioconda. Per quanto riguarda esattamente chi è raffigurato nella foto, rimane ancora un mistero.
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Il dipinto raffigura Venere, la dea dell'amore, che fluttua su una conchiglia al vento che viene soffiata da Zefiro, il dio del vento di ponente. Sulla riva viene accolta da Ora, la dea delle stagioni, pronta a vestire una divinità appena nata. Simonetta Cattaneo de Vespucci è considerata la modella per Venere. Simonetta Cattaneo morì a 22 anni e Botticelli volle essere sepolto accanto a lei. Con il suo amore non corrisposto lo legò. Questo dipinto è l'opera d'arte più squisita mai creata.
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Conclusione
Questo era l'articolo TOP 25 dipinti più famosi al mondo... Grazie per l'attenzione!
Le collezioni dei musei e delle gallerie di Mosca sono tra le più ricche del mondo. Più di 150 anni fa mecenati russi dell'arte e i collezionisti iniziarono a raccogliere di più quadri famosi mondo, creazioni artistiche uniche, senza risparmiare né denaro né tempo alla ricerca di talenti. E per non perderti nelle decine di migliaia di dipinti presentati, abbiamo selezionato per te quadri famosi del mondo, presentato nei musei e nelle gallerie di Mosca
Galleria Statale Tretyakov
"Eroi", Viktor Vasnetsov, 1881-1898
Per quasi vent'anni, Viktor Mikhailovich ha lavorato su uno dei più grandi opere d'arte Russia, un capolavoro che è diventato un simbolo del potere del popolo russo. Vasnetsov considerava questa immagine il suo dovere creativo, un obbligo verso la sua patria. Al centro dell'immagine ci sono i tre personaggi principali dell'epica russa: Dobrynya Nikitich, Ilya Muromets e Alyosha Popovich. Il prototipo di Alyosha Popovich è diventato figlio minore Savva Mamontov, ma Dobrynya Nikitich - immagine collettiva l'artista stesso, suo padre e suo nonno.
Foto: wikimedia.org "Sconosciuto", Ivan Kramskoy, 1883
Un quadro mistico, avvolto in un'aura di mistero. Molte volte ha cambiato i suoi proprietari, poiché le donne hanno affermato che con una lunga permanenza vicino a questo ritratto, hanno perso la loro giovinezza e bellezza. È curioso che persino Pavel Tretyakov non volesse acquistarlo nella sua collezione e l'opera apparve nella galleria solo nel 1925 a seguito della nazionalizzazione delle collezioni private. Solo in epoca sovietica, "Unknown" di Kramskoy è stato riconosciuto come l'ideale di bellezza e spiritualità. Non è difficile riconoscere sullo sfondo del dipinto la Prospettiva Nevskij, o meglio il ponte Anichkov, attraverso il quale lo "sconosciuto" percorre con grazia un'elegante carrozza. Chi è quella ragazza? Un altro mistero lasciato dall'artista. Né nelle sue lettere né nei suoi diari Kramskoy ha lasciato alcun accenno alla sua personalità, e le versioni divergono: dalla figlia dell'autore ad Anna Karenina Tolstoj.
Foto: dreamwidth.org "Mattina in pineta", Ivan Shishkin e Konstantin Savitsky, 1889
Pochi sanno che oltre a Ivan Shishkin, un altro famoso artista russo, la cui firma, su insistenza di Pavel Tretyakov, è stata cancellata. Ivan Ivanovich, che possedeva un talento eccezionale come pittore, ha ritratto la grandezza della foresta del risveglio, ma la creazione degli orsi che giocano appartiene al pennello del suo compagno, Konstantin Savitsky. Questa immagine ha un altro nome, quello popolare - "Tre orsi", che è apparso grazie ai famosi dolci della fabbrica "Ottobre rosso".
Foto: wikimedia.org Demone seduto, Mikhail Vrubel, 1890
Galleria Tretyakov - posto unico per gli estimatori della creatività di Mikhail Vrubel, poiché qui c'è la collezione più completa dei suoi dipinti. Il tema del demone, personificazione della lotta interiore della grandezza spirito umano con dubbi e sofferenza, divenne il principale nel lavoro dell'artista e un fenomeno fenomenale nella pittura mondiale.
Il Demone Seduto è la più famosa di queste immagini di Vrubel. L'immagine è stata creata con tratti piuttosto grandi e nitidi di una spatola, che ricordano un mosaico da lontano.
Foto: muzei-mira.com "Boyarynya Morozova", Vasily Surikov, 1884-1887
L'epica tela storica, di dimensioni giganti, è stata scritta sulla base del "Racconto del boiardo Morozova", un associato dei sostenitori vecchia fede... Per molto tempo, l'autore ha cercato un volto adatto - esangue, fanatico, dal quale potesse dipingere un ritratto del personaggio principale. Surikov ha ricordato che la chiave dell'immagine di Morozova è stata data da un corvo una volta visto con un'ala nera, che ha combattuto disperatamente contro la neve.
Foto: gallery-allart.do.am
"Ivan il Terribile e suo figlio Ivan il 16 novembre 1581" o "Ivan il Terribile uccide suo figlio", Ilya Repin, 1883-1885
Questa immagine non lascia indifferente nessun visitatore della galleria: provoca ansia, paura inspiegabile, attrae e allo stesso tempo respinge, strega e si insinua nella pelle. Repin ha scritto della sua sensazione di ansia ed eccitazione durante la creazione del dipinto: “Ho lavorato come incantato. È diventato spaventoso per minuti. Mi sono allontanato da questa immagine. Nascondilo. Ma qualcosa mi ha portato a lei, e ho lavorato di nuovo. A tratti c'era un brivido, e poi la sensazione di incubo si affievoliva...». L'artista è riuscito a finire il dipinto per il 300° anniversario della morte di Ivan il Terribile, ma il capolavoro non è apparso immediatamente al pubblico: per tre mesi il dipinto è stato bandito dalla censura. Dicono che misticamente l'immagine ha causato problemi al suo creatore e alle persone che hanno partecipato alla sua creazione. Dopo il completamento del dipinto, la mano di Repin è stata portata via e l'amico dell'artista, che ha posato per il dipinto nel ruolo di Ivan assassinato, è impazzito.
Foto: artpoisk.info "Ragazza con pesche", Valentin Serov, 1887
Questo dipinto è considerato uno dei dipinti più gioiosi, freschi e lirici della fine del XIX secolo. La giovinezza e la sete di vita si fanno sentire qui in ogni colpo dell'ancora giovanissimo (22 anni) Valentin Serov, nel sorriso leggero, appena percettibile di Vera Mamontova, figlia di un famoso imprenditore e filantropo, nonché in un luminoso e accogliente, il cui calore si diffonde a chi lo guarda.
Più tardi Serov divenne uno dei migliori ritrattisti, riconosciuto in quasi tutto il mondo e immortalò molti contemporanei famosi, ma "La ragazza con le pesche" è ancora la sua opera più famosa.
Foto: allpainters.ru "Fare il bagno al cavallo rosso", Kuzma Petrov-Vodkin, 1912
I critici d'arte chiamano questa immagine visionaria. Credono che l'autore abbia predetto simbolicamente il destino "rosso" della Russia nel ventesimo secolo, raffigurandolo sotto forma di un cavallo da corsa.
L'opera di Petrov-Vodkin non è solo un quadro, ma un simbolo, un'epifania, un manifesto. I contemporanei confrontano il potere della sua influenza con il "Quadrato nero" di Kazimir Malevich, che puoi vedere anche nella Galleria Tretyakov.
Foto: wikiart.org "Quadrato nero", Kazemir Malevich, 1915
Questa immagine è chiamata l'icona dei futuristi, che hanno messo al posto della Madonna. Secondo l'autore, ci sono voluti diversi mesi per crearlo ed è diventato parte di un trittico, che includeva anche "Black Circle" e "Black Cross". Come si è scoperto, Malevich ha dipinto lo strato principale del dipinto con colori diversi e se guardi da vicino, vedrai che gli angoli del quadrato difficilmente possono essere definiti dritti. Nella storia dell'arte mondiale, è difficile trovare un'immagine con più gloria forte di "Quadrato nero" di Kazimir Malevich. Lo copiano, lo imitano, ma il suo capolavoro è unico.
Foto: wikimedia.org Galleria d'arte europea e americana del XIX-XX secolo. Museo Statale di Belle Arti intitolato a A.S. Pushkin
"Ritratto di Jeanne Samary", Pierre-Auguste Renoir, 1877
È paradossale che questo dipinto sia stato originariamente progettato dall'artista solo come bozzetto preparatorio per un ritratto cerimoniale attrice francese Jeanne Samary, che può essere vista nell'Ermitage. Ma alla fine, i critici d'arte hanno concordato all'unanimità che questo è il migliore di tutti i ritratti di Renoir dell'attrice. L'artista ha combinato così abilmente i toni e i mezzitoni dell'abito di Samari che, di conseguenza, l'immagine ha iniziato a giocare con un insolito effetto ottico: quando si guarda sotto un certo angolo vestito verde Jeanne diventa blu.
Foto: art-shmart.livejournal.com
Boulevard des Capucines a Parigi, Claude Monet, 1873
Questa è una delle opere più riconoscibili di Claude Monet: orgoglio e tesoro Museo Puskin... A distanza ravvicinata, nell'immagine sono visibili solo piccoli tratti, ma vale la pena fare solo qualche passo indietro, poiché l'immagine prende vita: Parigi respira aria fresca, i raggi del sole illuminano la folla ribollente che si accalca lungo il boulevard, e sembra addirittura di sentire il rombo cittadino che si sente ben oltre la foto. Questa è l'abilità del grande impressionista Monet: per un momento dimentichi il piano della tela e ti dissolvi in un'illusione abilmente creata dall'artista.
Foto: nb12.ru Passeggiata dei prigionieri, Van Gogh, 1890
C'è qualcosa di simbolico nel fatto che Van Gogh abbia scritto La passeggiata dei prigionieri, una delle sue creazioni più toccanti, nel malattia mentale... Inoltre, se guardi da vicino, puoi vederlo chiaramente personaggio centrale i dipinti sono dotati delle caratteristiche degli artisti. Nonostante l'uso di tonalità pure di blu, verde e vernici viola, la colorazione della tela sembra cupa e i prigionieri che si muovono in cerchio sembrano dire che non c'è via d'uscita dal vicolo cieco, dove la vita è come un circolo vizioso.
Foto: opisanie-kartin.com La moglie del re, Paul Gauguin, 1896
Quest'opera dell'artista è considerata da molti critici d'arte una gemma unica tra le famose vergini nude dell'arte europea. È stato scritto da Gauguin durante il suo secondo soggiorno a Tahiti. A proposito, il dipinto non raffigura la moglie del re, ma lo stesso Gauguin, il tredicenne Tehura. Il paesaggio esotico e pittoresco del dipinto non può che suscitare ammirazione: un'abbondanza di colori e vegetazione, alberi colorati e una costa blu in lontananza.
Foto: stsvv.livejournal.com
Ballerini blu, Edgar Degas, 1897
Opera impressionista francese Edgar Degas è stato portato dentro contributo inestimabile nella storia delle belle arti mondiali e francesi. Il dipinto "Blue Dancers" è riconosciuto come uno dei i migliori lavori Degas sul tema del balletto, al quale ha dedicato molte delle sue tele più importanti. Il dipinto è realizzato in pastelli, che l'artista amava particolarmente per la graziosa combinazione di colori e linee. "Ballerini blu" si riferisce a periodo tardivo creatività dell'artista, quando la sua vista si è indebolita, e ha iniziato a lavorare con grandi macchie di colore.
Foto: nearyou.ru Ragazza sulla palla, Pablo Picasso, 1905
Uno dei più famosi e opere significative Il "periodo rosa" Pablo Picasso apparve in Russia grazie al mecenate e collezionista Ivan Morozov, che lo acquistò nel 1913 per la sua collezione personale. Il colore blu, in cui sono state dipinte quasi tutte le opere del precedente periodo difficile dell'artista, è ancora presente nell'opera, ma si sta notevolmente indebolendo, cedendo il primato a un rosa più chiaro e gioioso. Le tele di Picasso sono facilmente riconoscibili: mostrano chiaramente l'anima dell'autore e la sua straordinaria percezione del mondo che lo circonda. E come disse lo stesso artista: "Potrei dipingere come Raffaello, ma mi ci vorrà tutta la vita per imparare a dipingere come disegna un bambino".
Foto: alba.com Indirizzo: Corsia Lavrushinsky, 10
Mostra permanente "Arte del XX secolo" e sale espositive
Indirizzo: Krymsky Val, 10
Ore lavorative:
martedì, mercoledì, domenica - dalle 10.00 alle 18.00
giovedì, venerdì, sabato - dalle 10.00 alle 21.00
lunedì - giorno libero
Biglietto d'ingresso:
Adulto - 400 rubli (6 $)
Galleria d'arte europea e americana del XIX-XX secolo.
Indirizzo: Mosca, st. Volkhonka, 14
Ore lavorative:
Martedì, mercoledì, venerdì, sabato, domenica - dalle 11:00 alle 20:00
Giovedì - dalle 11:00 alle 21:00
lunedì - giorno libero
Biglietto d'ingresso:
Adulto - 300 rubli ($ 4,5), il venerdì dalle 17:00 - 400 rubli ($ 6)
Biglietto scontato - 150 rubli ($ 2,5), il venerdì dalle 17:00 - 200 rubli ($ 3)
Bambini sotto i 16 anni gratis
Nei nostri anni, c'è un solo modo per arricchirsi, diventare famosi e passare alla storia come fotografo: facendo tutto tranne che fotografare. Cento anni fa, avresti potuto diventare facilmente un grande artista della fotografia, poiché c'erano due prerequisiti chiave:
un. la fotografia era un mestiere complesso, problematico e poco conosciuto;
B. Lentamente sono nate e introdotte tecnologie che hanno permesso di riprodurre fotografie sui giornali e (poco dopo) nelle riviste a colori.
Cioè, è arrivato il momento glorioso in cui tu, dopo aver premuto il pulsante di scatto, hai già capito che questo fotogramma sarebbe stato visto da milioni di persone. Ma questi milioni non sapevano ancora che potevano fare lo stesso, dal momento che non c'erano scatole di sapone digitali, automazione completa e dump di foto su Internet. Beh, talento, ovviamente. Non hai concorrenza!
Forse la metà del secolo scorso dovrebbe essere riconosciuta come l'epoca d'oro della fotografia. Tuttavia, molti degli artisti della nostra lista appartengono ad altre epoche lontane e moderne.
Helmut Newton, Germania, 1920-2004
Poco più di un grande e famoso fotografo di moda con una comprensione molto, molto indipendente di cosa sia l'erotismo. Era molto richiesto da quasi tutte le riviste patinate, Vogue, Elle e Playboy in primis. Morì a 84 anni dopo essersi schiantato contro un muro di cemento a tutta velocità.
Richard Avedon, USA, 1923-2004
Dio del ritratto in bianco e nero, interessante anche perché scavando nelle sue gallerie, ne troverete chiunque. Le fotografie di questo geniale ebreo di New York hanno assolutamente tutto. Dicono che Richard abbia scattato la sua prima foto all'età di nove anni, quando il bambino ha accidentalmente catturato Sergei Rachmaninov nell'obiettivo.
Henri Cartier-Bresson, Francia, 1908-2004
Un eccezionale fotorealista, uno dei patriarchi del fotosaggio e allo stesso tempo - un uomo invisibile: aveva un talento filigranato per essere in grado di rimanere visibile a coloro che fotografava. In un primo momento ha studiato per essere un artista, dove ha guadagnato un desiderio per il surrealismo leggero, che è stato poi tangibilmente impresso nelle sue fotografie.
Sebastian Salgado, Brasile, 1944
Il creatore è quasi immagini fantastiche effettivamente preso da Il mondo reale... Salgado era un fotoreporter che era particolarmente attratto da anomalie, disgrazie, povertà e disastri ambientali, ma anche questi soggetti sono affascinanti per la bellezza. Nel 2014, il regista Wim Wenders ha realizzato un film su di lui intitolato "Il sale della terra" (premio speciale del Festival di Cannes).
William Eugene Smith, Stati Uniti, 1918-1978
Un fotoreporter, forse famoso per tutto ciò per cui un fotoreporter può diventare famoso: dalle fotografie militari canoniche ai ritratti espressivi e toccanti di persone grandi e comuni. Sotto, ad esempio, fotogrammi della sessione con Charlie Chaplin per la rivista Life.
Guy Bourdin, Francia, 1928-1991
Uno dei fotografi più copiati e imitati al mondo. Erotico, surreale. Ora - un quarto di secolo dopo la sua morte - è sempre più attuale e moderno.
Viji (Arthur Fellig), Stati Uniti, 1899-1968
Emigrante da dell'Europa orientale, Ora - grande classico fotografia di strada e criminalità. Una persona è riuscita a venire a qualsiasi incidente a New York - che fosse un incendio, un omicidio o una rissa banale - più velocemente di altri paparazzi e, spesso, della polizia. Tuttavia, oltre a tutti i tipi di emergenze, le sue fotografie mostrano quasi tutti gli aspetti della vita nei quartieri più poveri della metropoli. Sulla base della sua foto, è stato girato il film noir Naked City (1945), Stanley Kubrick ha studiato dai suoi scatti e lo stesso Ouiji è menzionato all'inizio del film comico Watchmen (2009).
Alexander Rodchenko, URSS, 1891-1956
Il pioniere del design e della pubblicità sovietici, Rodchenko, con tutto questo, è un pioniere del costruttivismo. Espulso dall'Unione degli artisti per aver deviato dagli ideali e dallo stile del realismo socialista, ma, fortunatamente, non arrivò nei campi: morì di morte naturale all'alba del "disgelo" di Krusciov.
Irwin Penn, USA, 1917-2009
Maestro del genere ritratto e moda. È famoso per l'abbondanza dei suoi pezzi distintivi, ad esempio per fotografare persone nell'angolo della stanza o su tutti i tipi di sfondi grigi e ascetici. Famoso frase di cattura: "Anche girare una torta può essere un'arte."
Anton Corbein, Paesi Bassi, 1955
Il fotografo rock più importante al mondo, la cui ascesa è iniziata con fotografie e videoclip iconici per i Depeche Mode e gli U2. La sua calligrafia è facilmente riconoscibile: forte sfocatura e rumore atmosferico. Corbain ha anche diretto diversi film: Control (biografia del frontman dei Joy Division), American (con George Clooney) e Most uomo pericoloso"(Tratto dal romanzo di Le Carré). Se cerchi su Google le famose foto dei Nirvana, dei Metallica o di Tom Waits, le probabilità che le foto di Corbijn siano le prime a uscire sono quasi del cento per cento.
Stephen Meisel, USA, 1954
Uno dei fotografi di moda di maggior successo al mondo, il cui nome è diventato particolarmente popolare nel 1992 dopo l'uscita del libro fotografico di Madonna "Sex". È considerato lo scopritore di molte superstar delle passerelle come Naomi Campbell, Linda Evangelista o Amber Valletta.
Diana Arbus, USA, 1923-1971
Il suo vero nome è Diana Nemerova e ha trovato la sua nicchia nel mondo della fotografia, lavorando con la natura più sgradevole: mostri, nani, travestiti, imbecilli ... Nella migliore delle ipotesi, con i nudisti. Nel 2006 è uscito il film biografico Fur, con Nicole Kidman nel ruolo di Diana.
David LaChapelle, USA, 1963
Maestro della fotografia pop ("pop" in buon senso parole) LaChapelle, in particolare, ha girato clip per Britney Spears, Jennifer Lopez e Christina Aguilera, quindi capirete il suo stile non solo dalle fotografie.
Marc Ribout, Francia, (1923-2016)
L'autore di almeno una dozzina di "stampe dell'epoca": avrai visto un milione di volte come una ragazza hippie porta una margherita alla canna di un fucile. Ribu ha viaggiato in tutto il mondo ed è molto venerato per i suoi portfolio delle riprese in Cina e Vietnam, anche se puoi trovare anche le sue scene di vita Unione Sovietica... Morto all'età di 93 anni.
Elliott Erwitt, Francia, 1928
Un francese con radici russe, famoso per la sua visione ironica e assurda del nostro mondo travagliato, che è molto mobile nelle sue fotografie fisse. Non molto tempo fa, ha anche iniziato a esporre in gallerie con il nome di André S. Solidor, che viene abbreviato in "culo".
Patrick Demarchelier, Francia / USA, 1943
Ancora un classico vivente della fotografia di moda che si è arricchito questo genere raffinatezza particolarmente sofisticata. E allo stesso tempo, ha abbassato il grado trascendentale di glamour oversize, che era la norma prima di lui.
Annie Leibovitz, USA, 1949
artigiana fiabe con una fortissima carica di arguzia, comprensibile anche ai sempliciotti, tutt'altro che iperglamour. Non sorprende che la lesbica Annie abbia iniziato come fotografa dello staff per la rivista Rolling Stone.