Questa lista di famosi giocatori del paesaggio è stato compilato dal nostro redattore di Neil Collins, il Maestro delle Arti e del laurea di legge. Presenta la sua opinione personale sui dieci migliori rappresentanti di Genre Art. Come una tale compilazione, rivela più dei sapori personali del compilatore, che in che cosa si trova i pittori dei dolori dei giocatori del paesaggio occupano. Quindi una dozzina dei migliori giocatori del paesaggio e dei loro paesaggi.

http://www.visual-arts-cerk.com/best-landscape-artists.htm.

№10 Thomas Cole (1801-1848) e Frederick Edwin Church (1826-1900)

Nel decimo posto due artisti americani contemporaneamente.

Thomas Cole: il più grande paesaggio americano dell'inizio del XIX secolo e il fondatore della Hudson River School, Thomas Cole è nato in Inghilterra, dove ha lavorato come studente di incisione all'emigrazione negli Stati Uniti nel 1818, dove rapidamente Raggiunto il riconoscimento come paesaggi artisti, stabilendo nel villaggio di Katskill nella Valle dell'Hudson. Essendo un fan di Claude Lorrain e Turnner, ha visitato l'Inghilterra e l'Italia nel 1829-1832, dopo di che (in parte, grazie al sostegno che ha ricevuto da John Martin e Turner), ha iniziato a concentrarsi meno sull'immagine dei paesaggi naturali E più sui grandi argomenti allegorici e storici. È in gran parte colpito dalla bellezza naturale del paesaggio americano, Cole riempiva la maggior parte della sua arte del paesaggio con grande sensazione e ovvio splendore romantico.

Paesaggi famosi di Thomas Cool:

- "Vista di Katskill - Early Autunno" (1837), Tela, Olio, Museo Metropolitano, New York

- "American Lake" (1844), tela, olio, Detroit Institute of Art

Frederick Edwin Church.

- Cascate del Niagara (1857), Corcoran, Washington

- "The Heart of Andes" (1859), Museo Metropolitan, New York

- "Kotopakh" (1862), Detroit Institute of Art

№9 Kaspar David Friedrich (1774-1840)

Pensiero, malinconico e poco reclusivo, Kaspar David Friedrich - il più grande paesaggio artista della tradizione romantica. Nato vicino al Mar Baltico, si stabilì a Dresda, dove si concentrò esclusivamente su connessioni spirituali e il significato del paesaggio, ispirando il silenzio silenzio della foresta, così come la luce (alba, tramonto, chiaro di luna) e stagioni. Il suo genio era la capacità di catturare la dimensione spirituale sconosciuta nella natura finora, il che dà l'emotività del paesaggio, nulla e non ha mai sostenuto la mistica.

Paesaggi famosi di Caspar David Friedrich:

- "Paesaggio invernale" (1811), tela, petrolio, galleria nazionale, Londra

- "Paesaggio in Risangebirge" (1830), tela, olio, museo Pushkin, Mosca

- "Uomo e donna guardando la luna" (1830-1835), olio, galleria nazionale, Berlino

№8 Alfred Sisley (1839-1899)

Frequentemente chiamato "Impressionista dimenticato", Anglo-Francese Alfred Sisley ha inflitto solo Monet nella sua devozione al Plenuerismo spontaneo: Era l'unico impressionista che si è dedicato esclusivamente a pittura del paesaggio. La sua reputazione seriamente sottostimata si basa sulla capacità di catturare azioni uniche del mondo e delle stagioni su ampi paesaggi, scene di mare e fiume. Scontorò soprattutto la sua immagine dell'alba e del giorno oscuro. Ora non è molto popolare, ma è ancora considerato uno dei più grandi rappresentanti del dipinto di paesaggio degli impressionisti. Potrebbe essere assolutamente sopravvalutato, perché, a differenza di Monet, il suo lavoro non soffriva mai di mancanza di forma.

Paesaggi famosi Alfred Sisley:

- "Misty Morning" (1874), tela, olio, Museo Orsay

- "Neve a Luvezenne" (1878), tela, olio, museo Orsay, Parigi

- "Ponte Maretti nei raggi del sole" (1892), tela, olio, collezione privata

№7 Albert Kyype (1620-1691)

Artista olandese-realista, Aelbert Quip è uno dei più famosi giocatori di pittori olandesi. Le sue magnifiche viste pittoresche, le scene del fiume e i paesaggi con il bestiame calmo, mostrano la maestosa serenità e laboratorio con una luce brillante (primo mattino o sole serale) in stile italiano è un segno di grande influenza di Klodeev. Questa luce dorata spesso prende solo solo laterali e facce di piante, nuvole o animali a causa degli effetti di luce imposti dall'impatto. Così, Kyype ha trasformato il suo nativo Dordrecht nel mondo inventato, riflettendolo all'inizio o alla fine della giornata ideale, con una sensazione completa di immobilità e sicurezza, e armonia di tutto con la natura. Popolare in Olanda, era molto apprezzato e raccolto in Inghilterra.

Paesaggi famosi Albert Kyype:

- "Dordrecht Giorno dal Nord" (1650), olio, tela, collezione di Anthony de Rothschild

- "Paesaggio del fiume con cavaliere e contadini" (1658), olio, Galleria nazionale, Londra

№6 Jean-Batist Camille Coro (1796-1875)

Jean-Batista Coro, uno dei più grandi giocatori di paesaggio in stile romantico, è famoso per un'immagine pittoresca indimenticabile della natura. Il suo approccio particolarmente sottile alla distanza, la luce e la forma dipendevano piuttosto dal tono che dal riso e dal colore, dando l'atmosfera composta composizione di un romanzo infinito. Teoria pittorica meno vincolata, il lavoro del crot, tuttavia, sono tra gli scenari più popolari del mondo. Come partecipante regolare nel Salone di Parigi dal 1827 e un membro della Scuola Barbizonskaya, guidata da Theodore Rousseau (1812-1867), ha avuto un enorme impatto su altri artisti dei Plenäristi, come Charles Francois Dowby (1817-1878) , Camille Pissarro (1830-1903) e Alfred Sisley (1839-1899). Era anche un uomo insolitamente generoso che ha trascorso la maggior parte dei suoi soldi per gli artisti bisognosi.

Paesaggi famosi di Jean-Batista Coro:

- "Ponte a Narni" (1826), olio, tela, Louvre

- "Ville-D" Avrey "(circa 1867), tela, burro, Brooklyn Art Museum, New York

- "Paesaggio rurale" (1875), tela, olio, museo Tolosa-Lotrek, Albi, Francia

№5 jacob van ryutsdal (1628-1682)

- "Mulino in Waik vicino a Douisted" (1670), tela, olio, reynxmusumum

- "Cimitero ebraico a Auckerkee" (1670), Galleria di Vecchi Maestri, Dresda

№4 Claude Lorren (1600-1682)

Pittore francese, disegnatore e incisore, attivo a Roma, considerato da molti storici dell'arte come il più grande artista del paesaggio idilliaco nella storia dell'arte. Dal momento che in puro (cioè, il paesaggio laico e non classico), come nella solita vita morta o di genere di genere, è stato osservato (nel XVII secolo a Roma) la mancanza di gravità morale, Claude Lorren ha introdotto gli elementi classici e temi mitologici Nelle loro composizioni, compresi dei, eroi e santi. Inoltre, il suo ambiente scelto, la campagna intorno a Roma era ricca di antiche rovine. Questi classici paesaggi pastorali italiani erano anche pieni di luce poetica, che presenta il suo contributo unico all'arte del pittura del paesaggio. Claude Lorena ha particolarmente influenzato gli artisti inglesi, sia durante la sua vita che per due secoli dopo di lei: John Constable lo ha definito "il più bello ufficiale del paesaggio che aveva mai visto".

Paesaggi famosi di Claude Lorrente:

- "Modern Rome - Campo Vachchino" (1636), tela, olio, louvre

- "Paesaggio con matrimonio Isaac e Rebecca" (1648), olio, Galleria nazionale

- "Paesaggio con Tovius and Angel" (1663), Olio, Eremo, San Pietroburgo

- "Costruzione di una barca a Flekod" (1815), Olio, Museo di Victoria e Albert, Londra

- "Treag per il fieno" (1821), olio, tela, galleria nazionale, Londra

№2 Claude Monet (1840-1926)

Il più grande ufficiale del paesaggio moderno e un gigante di pittura francese, Monet era la figura principale di un movimento impressionistico incredibilmente influente, i cui principi di pittura plenaria spontanea rimasero fedeli al resto della sua vita. Un amico intimo degli artisti-impressionisti Renuara e Pissarro, il suo desiderio di verità ottica, principalmente nell'immagine del mondo, è una serie di vestiti raffiguranti lo stesso oggetto in varie condizioni di illuminazione, e in momenti diversi del giorno, come "Hay Stacks" (1888), "Poplar" (1891), "Cattedrale Ruran" (1892) e "Fiume Thames" (1899). Questo metodo ha raggiunto il climax nelle famose "piazze" della serie (tra tutti i paesaggi più famosi), creati dal 1883 nel suo giardino al donatore. La sua ultima serie di modelli monumentali L'Acqua Lishes con fiori tremolificanti è stata interpretata da diversi storici e pittori d'arte come un importante predecessore di arte astratta, e da altri come il più alto esempio di trovare il naturalismo spontaneo di Monet.

Ci sono opere d'arte che sembrano battere lo spettatore sulla testa, silenziose e incredibili. Altri sono in ritardo nel pensiero e alla ricerca di strati semantici, simbolismo segreto. Alcuni dipinti sono sheaven da segreti e enigmi mistici, mentre altri sorprendono un prezzo esorbitante.

Abbiamo visto attentamente tutti i principali risultati della pittura del mondo e abbiamo scelto due dozzine di dipinti più strani da loro. Salvador Dali, le cui opere cadono completamente sotto il formato di questo materiale e sono i primi a venire in mente, non ha incluso intenzionalmente in questa selezione.

È chiaro che la "stranezza" è un concetto abbastanza soggettivo e per tutti i loro fantastici dipinti, abbassando una serie di altre opere d'arte. Saremo lieti se li condividi tra i commenti e raccontarli un po '.

"Torrente"

Edward Munch. 1893, cartone, olio, temperature, pastello.
Galleria nazionale, Oslo.

"Creek" è considerato un evento iconico di espressionismo e uno dei dipinti più famosi del mondo.

Ci sono due interpretazioni del raffigurato: è l'eroe stesso coperto da horror e urla silenziosamente silenziosamente, premendo le mani verso le orecchie; O l'eroe chiude le orecchie dal pianto che piange la pace e la natura intorno al grido. La munk ha scritto quattro opzioni "crema", e c'è una versione che questa immagine è il frutto di una psicosi depressiva maniacale, da cui ha sofferto l'artista. Dopo il corso del trattamento in clinica, la munk non è stata restituita al lavoro sul web.

"Sono andato su un sentiero con due amici. Il sole era d'accordo - inaspettatamente il cielo divenne rosso sanguinario, sospeso, sentendosi esausto, e si sporse sulla recinzione - guardai il sangue e le lingue di fiamma sopra un fiordo bluastro-nero e la città. I miei amici sono andati oltre, e mi sono alzato, tremava dall'eccitazione, sentendo un grido infinito, piercing natura, "disse Edward Munk sulla storia del dipinto.

"Da dove vogliamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?"

Paul Gajen. 1897-1898, tela, olio.
Museo delle belle arti, Boston.

Alla direzione di Mogen stesso, l'immagine dovrebbe essere letta da destra a sinistra - i tre principali gruppi di figure illustrano le domande impostate nel titolo.

Tre donne con un bambino rappresentano l'inizio della vita; Il gruppo medio simboleggia l'esistenza quotidiana della scadenza; Nel gruppo finale, secondo l'artista, "la vecchia che si avvicina alla morte sembra essere riconciliata e preparando le sue riflessioni," le sue gambe "uno strano uccello bianco ... rappresenta l'inutilità delle parole".

L'immagine profonda-filosofica delle impostazioni post-funzioni del campo di Gaugaen è stata scritta da loro su Tahiti, dove è fuggito da Parigi. Alla fine del lavoro, voleva persino terminare la vita del suicidio: "Credo che questo cantile superi tutti i miei precedenti e che non creerò mai qualcosa di meglio o anche simile". Ha vissuto per altri cinque anni e si è rivelato.

"Gernik"

Pablo Picasso. 1937, tela, olio.
Museo Queen Sofia, Madrid.

"Gernika" presenta scene di morte, violenza, atrocità, sofferenza e impotenza, senza specificare i loro motivi diretti, ma sono ovvi. Dicono che nel 1940 Pablo Picasso fu chiamato a Gestapo a Parigi. Discorso immediatamente andato sull'immagine. "Lo hai fatto?" "No, l'hai fatto."

L'enorme affresco "Gernika", scritto da Picasso nel 1937, parla della tassa della divisione volontaria della Luftwaffe alla città di Herront, a causa della quale la città sessima è stata completamente distrutta. La foto è stata scritta letteralmente per il mese - i primi giorni di lavoro sull'immagine Picasso ha lavorato per 10-12 ore, e nei primi schizzi potevi vedere l'idea principale. Questa è una delle migliori illustrazioni del incubo del fascismo, così come crudeltà umana e dolore.

"Ritratto di Arnolphin Fours"

Jan van Eyk. 1434, legno, olio.
Galleria nazionale di Londra, Londra.

Il famoso dipinto è interamente pieno di simboli, allegorie e una varietà di riferimenti - fino alla firma "Yang van Eyk era qui", che ha trasformato la foto non solo nel lavoro dell'arte, e nel documento storico confermando la realtà del evento su cui era presente l'artista.

Ritratto di presumibilmente Giovanni di Nikolao Arnolphin e sua moglie è una delle opere più difficili della Scuola Occidentale della Pittura del Rinascimento settentrionale.

In Russia, negli ultimi anni, l'immagine ha acquisito grande popolarità grazie alla ritratta somiglianza di Arnolphin con Vladimir Putin.

"Demone seduto"

Mikhail Vrubel. 1890, tela, olio.
Stato Galleria Tretyakov, Mosca.

"Le mani si oppongono a lui"

Bill Stonehem. 1972.

Questo lavoro, ovviamente, non può essere contato per i capolavori della pittura mondiale, ma il fatto che sia strano è un dato di fatto.

Intorno al dipinto con un ragazzo, una bambola e palme, premuto contro il vetro, vai leggende. Da "A causa di questa immagine che muore" a "i bambini su di esso sono vivi". Sembra una pioggia e una terribile, che crea molte paure e speculazioni nelle persone con una psiche debole.

L'artista ha assicurato che lui stesso è stato rappresentato all'età di cinque anni, che la porta è la rappresentazione della linea divisoria tra il mondo reale e il mondo dei sogni, e la bambola è un conduttore che può trascorrere il ragazzo attraverso questo mondo. Le mani rappresentano vite o opportunità alternative.

L'immagine ha guadagnato la fama nel febbraio 2000, quando è stato messo in vendita su eBay con lo sfondo, dicendo che l'immagine è "con i fantasmi". "Le mani si oppongono a lui" comprate per $ 1025 Kim Smith, che fu semplicemente disseminato di lettere con storie terribili e le richieste di bruciare l'immagine.

). Tuttavia, nel quadro di questo articolo, considereremo solo gli oggetti.

Storicamente, tutti i generi erano divisi in alto e basso. PER generi elevati o pittura storica attribuita alle opere di una natura monumentale, portando qualsiasi moralità, un'idea significativa dimostrando eventi storici e militari legati alla religione, alla mitologia o alla finzione artistica.

PER genere basso Correlato tutto ciò che riguarda il luogo comune. Questa è ancora vita, ritratti, pittura per la casa, paesaggi, animali, immagine delle persone nude e così via.

Animalismo (lat. Animale - Animale)

Un genere animale è sorto nell'antichità quando le prime persone dipinte sulle rocce di animali predatori. A poco a poco, questa direzione è cresciuta in un genere indipendente, che implica un'immagine espressiva di qualsiasi animale. Gli animalii di solito mostrano grande interesse nel mondo degli animali, ad esempio, possono essere eccellenti ciclisti, tenere animali domestici o semplicemente studiare le loro abitudini per molto tempo. Di conseguenza, il design degli animali del pittore può essere realistico o sotto forma di immagini artistiche.

Tra gli artisti russi, molti cavalli perfettamente compresi, per esempio, e. Quindi, nella famosa immagine di Vasnetsov "Bogatisyri", i cavalli di Bogatiro sono raffigurati con la più grande abilità: attentamente pensata, il comportamento degli animali, dei briglie e della loro connessione con i piloti. Serov non piaceva le persone e credeva a un cavallo in molti sensi meglio di una persona, a causa di ciò che lo ha spesso raffigurato in una varietà di scene. Sebbene gli animali dipinti, l'animale non si considerava, così gli orsi sulla sua famosa pittura "mattina nella pineta" ha creato un animale K. Savitsky.

Nel tempo reale, ritratti con animali domestici, che erano la strada per l'uomo erano particolarmente popolari. Ad esempio, nella foto dell'imperatrice Catherine II è apparsa con il suo amato cane. Anche gli animali hanno frequentato ritratti e altri artisti russi.

Esempi di immagini di famosi artisti russi nel genere della famiglia

Pittura storica

Questo genere implica immagini monumentali che sono chiamate a trasferire una grande intenzione, qualsiasi verità, moralità o dimostrare eventi significativi. Comprende lavori su argomenti storici, mitologici, religiosi, folclore, oltre a scene militari.

Negli antichi stati, miti e leggende per un lungo periodo sono stati considerati eventi del passato, quindi erano spesso ritratti su affreschi o vasi. Più tardi, gli artisti hanno iniziato a separare gli eventi che si sono verificati dalla finzione, che è stato espresso principalmente nell'immagine delle scene di battaglia. Nell'antica Roma, l'Egitto e la Grecia sugli scudi dei guerrieri vincenti spesso rappresentavano le quinte di battaglie eroiche per dimostrare le loro celebrazioni sul nemico.

Nell'epoca del Medioevo, gli argomenti religiosi prevalgono, nell'era del Rinascimento, la società si rivolse al passato nell'obiettivo di glorificare i suoi stati e governanti, e dal XVIII secolo a questo genere spesso applicato allo scopo di educare giovani. In Russia, il genere ha una distribuzione di massa nel XIX secolo, quando gli artisti spesso hanno cercato di analizzare la vita della società russa.

Nei lavori degli artisti russi, è stata presentata la battaglia della pittura, per esempio, e. Grafici mitologici e religiosi nei loro dipinti colpiti. La pittura storica prevaleva, folklore - y.

Esempi di immagini di famosi artisti russi nel genere del dipinto storico

Natura morta (p. Natura - natura e morta - morto)

Questo genere di pittura è associato all'immagine degli oggetti inanimati. Possono essere fiori, frutta, piatti, selvaggina, stoviglie e altri oggetti, di cui l'artista è spesso la composizione secondo il suo piano.

Le prime vita ancora apparse nei paesi antichi. Nell'antico Egitto, era consuetudine ritrarre gli dei sotto forma di diversi evaches. Allo stesso tempo, c'era un riconoscimento dell'argomento in primo luogo, così gli antichi artisti non si preoccupano particolarmente dei neri o della trama degli oggetti dello studente. Nell'antica Grecia e Roma, fiori e frutti si sono incontrati nei dipinti e nelle case per decorare l'interno, quindi sono stati ritratti più in modo affidabile e pittoresco. La formazione e la fiorente di questo genere cade al XVI e XVII secolo, quando ancora la vita iniziarono a contenere religiosi nascosti e altri significati. Allo stesso tempo, le loro molte varietà sono apparse a seconda dell'immagine dell'immagine (floreale, frutta, scienziato, ecc.).

In Russia, il fiorente fiorente cade solo per il 20 ° secolo, poiché era usato per essere utilizzato principalmente per scopi di formazione. Ma lo sviluppo era rapido e catturato, compreso l'astrazione con tutte le sue direzioni. Ad esempio, ha creato bellissime composizioni di colori, preferite, ha lavorato e spesso "rianimato" le sue sollevamenti ancora, creando un'impressione dal visualizzatore che i piatti stanno per cadere dal tavolo o tutti gli articoli inizieranno ora a ruotare.

Gli oggetti rappresentati da artisti hanno sicuramente influenzato i loro punti di vista teorica o visione del mondo, stato mentale. Quindi, ha avuto oggetti raffigurati in base al principio di una prospettiva sferica, ed espressionist ancora la vita erano colpiti dal loro dramma.

Molti artisti russi usavano naturalmente la vita principalmente per scopi di formazione. Quindi, non solo levigate opere d'arte, ma hanno anche condotto molti esperimenti, piegare oggetti in modi diversi, lavorando con luce e colore. Sperimentato con la forma e il colore della linea, quindi lasciando il realismo in puro primitivismo, quindi mescolando entrambi gli stili.

Altri artisti si sono uniti alle nazioni ancora che sono state ritratte prima e alle loro cose preferite. Ad esempio, nelle immagini puoi incontrare il suo vaso preferito, note e il ritratto di sua moglie, e ho ritratto i tessuti dell'infanzia.

Nello stesso genere, molti altri artisti russi hanno lavorato, per esempio, e altri.

Esempi di immagini di famosi artisti russi nel genere della natura morta

Nu (fr. Nudite - Nut, NU abbreviato)

Questo genere viene chiamato per ritrarre la bellezza del corpo nudo e apparve davanti alla nostra epoca. Nel mondo antico, è stata prestata molta attenzione allo sviluppo fisico, poiché la sopravvivenza di tutta la razza umana dipendeva. Così, nell'antica Grecia, gli atleti della tradizione sono arrivati \u200b\u200bnudi, così che i ragazzi e i ragazzi avrebbero affrontato i loro corpi perfettamente sviluppati e cercarono la stessa eccellenza fisica. In circa i secoli VI-VI. AVANTI CRISTO e. È apparso statue da uomo nude, personificata il potere fisico di un uomo. Le figure delle donne, al contrario, sono sempre apparse davanti al pubblico delle vesti, poiché non è stata accettata di scoprire il corpo femminile.

Nell'era successiva, l'atteggiamento nei confronti dei corpi nudi è cambiato. Quindi, durante i tempi dell'ellenismo (dalla fine del VI secolo aC), la resistenza si è trasferita sullo sfondo, lasciando il posto all'amore della figura maschile. Allo stesso tempo, le prime figure nude femminili hanno iniziato ad apparire. Nell'era barocca, le donne con forme magnifiche erano ideali, mentre la priorità rococò divenne sensualità, e nei secoli XIX-XX, i dipinti o le sculture con i corpi nudi (in particolare gli uomini) sono stati spesso proibiti.

Gli artisti russi si sono ripetutamente applicati nelle loro opere al genere del nudo. Quindi, ha un ballerino con attributi teatrali, queste sono ragazze o donne positive nel centro di grafici monumentali. Questo ha un sacco di donne sensuali, tra cui in coppia, questa è un'intera serie di dipinti raffiguranti donne nude in classi diverse e y - ragazze, completa innocenza. Alcuni, per esempio, raffigurarono uomini completamente nudi, anche se tali immagini non sono state accolte con favore dalla società del loro tempo.

Esempi di immagini di famosi artisti russi nel genere nudo

Paesaggio (fr. Paysage, from pays - area)

In questo genere, la priorità è l'immagine di un ambiente naturale o umano creato: angoli naturali, specie di città, villaggi, monumenti, ecc. A seconda dell'oggetto scelto, naturale, industriale, marino, rurale, lirico e altri paesaggi sono evidenziati.

I primi paesaggi degli antichi artisti furono scoperti nella pittura rocciosa dell'era del neolitico e c'erano immagini di alberi, fiumi o laghi. Più tardi, il motivo naturale è stato utilizzato quando si decora la casa. Nell'epoca del Medioevo, il paesaggio quasi completamente sfollati temi religiosi, e nell'era del Rinascimento, al contrario, le relazioni armoniose dell'uomo e della natura sono apparse in ribalta.

In Russia, pittura del paesaggio sviluppata dal XVIII secolo ed è stato originariamente limitato (in questo stile, i paesaggi creati, per esempio, e), ma in seguito tutta la Pleiad di artisti russi di talento arricchirono questo genere da vari stili e tendenze. Ha creato il cosiddetto paesaggio senza senso, cioè, invece di inseguire per specie spettacolari, ha ritratto i momenti più intimi nella natura russa. E sono venuti al paesaggio lirico, colpendo il pubblico con un umore finemente trasmesso.

E questo è un paesaggio epico quando lo spettatore dimostra tutta la grandezza del mondo intorno. Applicata all'infinito a Starin, E. Volkov sapeva come trasformare qualsiasi paesaggio a bassa velocità in un'immagine poetica, ha lottato lo spettatore con la sua meravigliosa luce nei paesaggi, e potrebbe ammirare infinitamente angoli forestali, parchi, tramonti e trasmettere questo amore allo spettatore .

Ognuno dei giocatori del paesaggio si è concentrata su un tale paesaggio, che lo affascinava particolarmente fortemente. Molti artisti non potevano passare da edifici su larga scala e dipinti molti paesaggi industriali e cittadini. Tra questi lavori,

Magnifici lavori d'arte di grandi maestri sono in grado di sorprendere anche le persone per le quali l'arte significa poco. Ecco perché i musei del nome del mondo sono tra le attrazioni più popolari che attraggono milioni di visitatori all'anno.

Per distinguersi da un enorme numero di dipinti scritti nella storia dell'arte, l'artista ha bisogno di non solo talento, ma anche la capacità di esprimere un terreno unico di un modo insolito e molto rilevante per il suo tempo.

Le immagini presentate sotto dichiarano ad alta voce non solo per il talento dei loro autori, ma anche su numerose tendenze culturali che sono apparse e scomparse, e gli eventi storici più importanti che sono sempre stati riflessi nell'art.

"Nascita di Venere"

Questa foto, scritta dal Gran Maestro del Revival di Sandro Botticelli, raffigura il momento dell'aspetto della bella Venere dalla schiuma del mare. Uno dei loro aspetti più attraenti dell'immagine è una posa modesta della dea e il suo semplice, ma una bella faccia.

"I cani giocano a poker"

Scritto da Kassio Kulij nel 1903, una serie di 16 dipinti raffigura i cani raccolti dal poker che giocano attorno a una rivista o da un tavolo da gioco. Molti critici riconoscono queste immagini dall'immagine canonica degli americani che ERA.

Ritratto di Madame Reamenier

Questo ritratto scritto da Jacques-Louis David, raffigura un brillante diva laico in un ambiente minimalista e semplice a contrasto, vestito in un semplice vestito senza maniche bianche. Questo è un vivido esempio di neoclassicismo nell'arte ritratto.

№5

Questa famosa foto scritta da Jackson Pollock è il lavoro più iconico che raffigura vivamente tutti i caos che infuriava nell'anima e alla mente del centrocampo. Questo è uno dei lavori più costosi mai venduti dall'artista americano.

"Figlio di uomo"

Il "Figlio dell'uomo", scritto da Renè Magritte, è una specie di autoritratto raffigurante l'artista stesso in un abito nero, ma con una mela invece di faccia.

"Numero 1" ("Royal Red and Blue")

Questo è un lavoro abbastanza fresco scritto da Mark Rotko, non più di un colpo di tre diverse sfumature su tela fatte a mano. Attualmente, l'immagine è esposta presso l'Istituto delle Arti di Chicago.

"Beating Innocent"

Sulla base della storia biblica sull'omicidio di bambini innocenti a Betlemme, Peter Paul Rubens ha creato questa foto terribile e crudele che colpisce le emozioni di tutti coloro che la guardano.

"Domenica giorno sull'isola di Grand-Zhatt"

Creato da George Sulfur, questa immagine unica e molto popolare raffigura un rilassante giorno libero dall'atmosfera in una grande città. Tale dipinto è un eccellente esempio di indicislismo, che si combina in un intero set di punti.

"Danza"

"Dance" Henri Maissea è un esempio di uno stile chiamato Formism, che si distingue per colori e forme luminosi, praticamente innaturali e ad alta dinamica.

"Gotico americano"

"American Gothic" è un'opera d'arte, simboleggia idealmente l'immagine degli americani durante la Grande Depressione. In questa immagine, concedere il legno raffigurato un paio rigido, probabilmente un paio religioso, in piedi contro una semplice casa con finestre nello stile gotico.

"Caricatore di fiori"

Questa immagine del pittore messicano più popolare del ventesimo secolo - fiume Diego, raffigura una persona che porta a malapena un cesto sovraccaricato di fiori tropicali luminosi.

"Madre Whistler"

Conosciuto anche come "accordo in grigio e nero, madre dell'artista", questo è uno dei dipinti più famosi dell'artista americano James Whistler. In questa immagine, il whistler raffigurava sua madre seduta su una sedia, contro un muro grigio. L'immagine utilizza solo tonalità nere e grigie.

"La persistenza della memoria"

Questo è un culto non meno religioso Salvador Dali, famoso per l'intero mondo del surrealista spagnolo, che ha dato questo movimento alle arti avanzate.

Ritratto di Dara Maar.

Pablo Picasso è uno dei pittori spagnoli più popolari e influenti. È il fondatore del Styled nel suo tempo, chiamato cubismo, che cerca di schiacciare qualsiasi oggetto e trasferirlo per chiarire forme geometriche. Questa immagine è il primo ritratto nello stile del cubismo.

"Ritratto di un artista senza barba"

Questa immagine di Van Gogh è un autoritratto e unico perché raffigura un pittore senza una barba abituale. Inoltre, questo è uno dei pochi dipinti di Van Gogh, che sono stati venduti in collezioni private.

"Night Terrace Cafe"

Van Gogh alato Scritto da Vincent, questa immagine raffigura la vista abituale è completamente nuova, utilizzando colori sorprendentemente brillanti e forme insolite.

"Composizione VIII"

Vasily Kandinsky è riconosciuto come fondatore di Abstract Art - Style che utilizza forme e simboli invece dei soliti oggetti e persone. "Composizione VIII" è uno dei primi dipinti dipinti esclusivamente in questo stile.

"Bacio"

Una delle prime opere artistiche nello stile Art Nouveau, questa immagine è quasi completamente soddisfatta nei toni dell'oro. L'immagine di Gustav Clima è uno dei pezzi di stile più luminosi.

"Palla in Moulin de la Gatte"

Piece Pierre Renuara Pierre è un'immagine luminosa e dinamica della vita urbana. Inoltre, è uno dei dipinti più costosi del mondo.

"Olympia"

Nella foto "Olympia", Edward Mana ha creato questa contraddizione, praticamente scandalo, come una donna nuda con uno sguardo vicino è chiaramente un'amante, non velata da miti del periodo classico. Questo dei primi lavori nello stile del realismo.

"Il terzo del maggio 1808 a Madrid"

In questo lavoro, Francisco Goya ritrae l'attacco di Napoleone agli spagnoli. Questo è uno dei primi dipinti spagnoli che attirano la guerra in luce negativa.

"MINIENI"

La più famosa immagine di Diego Velasquez raffigura una bambaria di cinque anni Infanta Margarita sullo sfondo dei suoi genitori scritti da Velasquez.

"Ritratto di Arnolphin Fours"

Questa immagine è una delle più antiche opere di pittura. È stata scritta da Jan Van Eykom e raffigura un uomo d'affari italiano Giovanni Arnolphini e la sua moglie incinta nella loro casa a Brugge.

"Torrente"

L'immagine dell'artista norvegese Edward Minka è raffigurante una persona distorta dalla paura sullo sfondo di un cielo rosso sanguinante. Paesaggio sullo sfondo Aggiunge un charm cupo questa immagine. Inoltre, il torrente è uno dei primi dipinti realizzati nello stile dell'espressionismo, dove il realismo è ridotto al minimo per garantire una maggiore libertà per le emozioni.

"Dolci"

"Felpe" Scritto da Claude Monet fanno parte di una serie di 250 dipinti raffiguranti elementi del giardino dell'artista. Questi dipinti sono esposti in vari musei artistici del mondo.

"Starlight Night"

"Star Night" Van Gogh è una delle immagini più famose della cultura moderna. Attualmente è esposto al Museo dell'arte contemporanea a New York.

"Autunno di Ikara"

Questa foto, scritta dall'artista olandese Peter Breighele, mostra l'indifferenza di una persona a soffrire dei suoi vicini. Un forte tema sociale è mostrato qui in modo piuttosto semplice, usando l'immagine dell'ICar, annegando sott'acqua e persone che ignorano la sua sofferenza.

"Creazione di Adamo"

"Creazione di Adamo" è uno dei numerosi magnifici affresco mokelangelo, che adornano il soffitto della cappella sistina nel Palazzo Vaticano. Mostra la creazione di Adamo. Oltre all'immagine delle forme umane ideali, l'affresco è uno dei primi nella storia dell'arte dei tentativi di ritrarre Dio.

"Ultima cena"

Questo affresco del Grande Leonardo raffigura l'ultima cena di Gesù al suo tradimento, arresto e morte. Oltre alla composizione, alle forme e alle pitture, la discussione di questo affresco è Pepit Teorie sui simboli nascosti e sulla presenza di Mary Maddalen accanto a Gesù.

"Gernik"

"Gernik" Picasso raffigura l'esplosione della città spagnola con lo stesso nome durante la guerra civile spagnola. Questa è un'immagine in bianco e nero, raffigurante negativamente il fascismo, il nazismo e le loro idee.

"Ragazza con orecchino perla"

Questa immagine di Johannes Vermeer è spesso chiamata la Mona Lisa olandese, non solo per la sua straordinaria popolarità, ma anche perché l'espressione di fronte alla ragazza è difficile da catturare e spiegare.

"Decorazione di Giovanni il Battista"

Immagine di Caravaggio ritratti molto realistici Il momento di uccidere Giovanni Battista in prigione. È filtrato con i dipinti e le espressioni dei suoi personaggi lo rendono un vero capolavoro classico.

"L'orologio notturno"

"Night watch" è uno dei dipinti più famosi di Rembrandt. Raffigura un ritratto di gruppo di una compagnia di fucile guidata dai suoi ufficiali. L'aspetto unico dell'immagine deve essere seme, che dà l'impressione della scena notturna.

"Atene scuola"

Scritto da Raffaello Nel suo precoce periodo romano, questo affresco raffigura famosi filosofi greci, come Platone, Aristotele, Euclideo, Socrate, Pythagora e altri. Molti filosofi sono rappresentati sotto forma di contemporanei di Rafael, ad esempio Platone - Leonardo da Vinci, Heraclit - Michelangelo, Euclideo - Bramte.

"Monna Lisa"

Probabilmente l'immagine più famosa del mondo è "Dzokonda" Leonardo da Vinci, meglio conosciuta come "Mona Lisa". Questa tela è il ritratto della signora Gerardini, attirando l'attenzione della misteriosa espressione del viso.

Nel XVII secolo, è stata introdotta la separazione dei generi di pittura su "alta" e "bassa". Per il primo era storico, battaglia e generi mitologici. I secondi generi dipinti di pittura dalla vita quotidiana, come il genere domestico, la natura morta, il animale, il ritratto, nudo, paesaggio.

Genere storico

Il genere storico della pittura sta raffigurando un particolare argomento o persona, ma un certo momento o un evento che si è svolto nella storia delle epoche passate. È incluso nel principale generi di pittura Nell'art. I generi ritratto, battaglia, famiglia e mitologici sono spesso strettamente intrecciati con storico.

"Conquest Siberia Ermacom" (1891-1895)
Vasily surikov.

Nel genere storico, artisti Nikola Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasily Ivanovich Surikov, Boris Mikhailovich Kustodiev e molti altri.

Genere mitologico

Leggende, antiche leggende e miti, folklore folk - l'immagine di questi terreni, eroi ed eventi trovati il \u200b\u200bloro posto nel genere mitologico della pittura. Forse può essere assegnato in pittura di qualsiasi persone, perché la storia di ogni Ethnos è soddisfatta da leggende e leggende. Ad esempio, un tale appezzamento di mitologia greca, come il romanzo segreto del dio della guerra Ares e la dea della bellezza Afrodite raffigura il dipinto "Parnas" dell'artista italiano di nome Andrea Manteny.

"Parnas" (1497)
Andrea Mantenya.

Infine, la mitologia nella pittura è stata formata nell'epoca del Rinascimento. I rappresentanti di questo genere oltre ad Andrea Manteny sono Rafael Santi, Georgeon, Lucas Crane, Sandro Botticelli, Victor Mikhailovich Vasnetsov e altri.

Battle Genre.

La pittura di battaglia descrive le scene dalla vita militare. Molto spesso, sono illustrati varie escursioni militari, così come combattimenti marittimi e terreni. E poiché queste battaglie sono spesso prese dalla storia reale, la battaglia e i generi storici trovano il loro punto di intersezione qui.

Frammento di Panorama "Borodino Battle" (1912)
Franz rubu.

La pittura di battaglia ha preso forma nei tempi del Rinascimento italiano nelle opere di artisti Michelangelo Buonarioti, Leonardo da Vinci, e poi Theodora Zheriko, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubo, Mitrofan Borisovich Grekova e molti altri pittori.

Genere per la casa

Le scene della vita quotidiana, pubblica o privata della gente comune, essere qualcosa di urbano o contadino, raffigura un genere domestico nella pittura. Come molti altri generi di pitturaI dipinti domestici si trovano raramente in auto-forma, diventando parte di un genere ritratto o paesaggistico.

"Venditore di strumenti musicali" (1652)
Karel Fabrichius.

La nascita della pittura domestica si è verificata nel X secolo ad est, e passò in Europa e in Russia solo nei secoli XVII-XVIII. Jan Vermeer, Karel Fabrichius e Gabriel Metsu, Mikhail Shibanov e Ivan Alekyevich Yermenhev sono gli artisti più famosi dei dipinti domestici in quel momento.

Genere animale

Gli oggetti principali del genere degli animali sono animali e uccelli, sia selvatici che compiti a casa, e in generale, tutti i rappresentanti del mondo degli animali. Inizialmente, l'animalismo era parte dei generi della pittura cinese, perché per la prima volta apparve in Cina nel VIII secolo. In Europa, l'animalismo è stato formato solo nell'era rinascimentale - gli animali sono stati raffigurati in quel momento come incarnazione dei vizi e virtù di una persona.

"Cavalli nel prato" (1649)
Paolo Potter.

Antonio Pisanello, Potter Potter, Potter, Albrecht Duers, Francia Sciabers, Albert Cape - Rappresentanti animali principali in Belle Arti.

Natura morta

Nel genere, natura morta raffigura oggetti che circondano una persona nella vita. Questi sono oggetti inanimati combinati in un gruppo. Tali articoli possono appartenere ad un genere (ad esempio, solo i frutti sono raffigurati nella foto), e possono essere eterogenei (frutta, oggetti di piatti, strumenti musicali, fiori, ecc.).

"Fiori in un cestino, farfalla e libellula" (1614)
Ambrosius Boshart Elder.

Natura morta come genere indipendente ha preso forma nel XVII secolo. Soprattutto allocare la scuola fiamminga e olandese di natura morta. In questo genere, i rappresentanti dei vari stili hanno scritto i loro dipinti, dal realismo al cubismo. Alcune delle più famose Life hanno scritto pittori Ambrosive Boshart Senior, Albertus Ion Brandt, Paul Cesanne, Vincent van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Villem clas Heba.

Ritratto

Il ritratto è un genere di pittura, che è uno dei più comuni nell'arte visiva. Lo scopo del ritratto nella pittura è rappresentare una persona, ma non solo la sua apparizione, e trasferire anche i sentimenti interiori e l'atmosfera ritratta.

Ritratti Ci sono singoli, accoppiati, gruppo, così come un autoritratto, che a volte si distinguono da un genere separato. E il ritratto più famoso di tutti i tempi, forse, è la foto di Leonardo da Vinci chiamata "Ritratto della signora Liza del Jocondo", ben noto come "Mona Lisa".

"MONA LISA" (1503-1506)
Leonardo Da Vinci

I primi ritratti sono apparsi un altro millennio fa nell'antico Egitto - queste erano immagini del faraone. Da allora, la maggior parte degli artisti si è provato in qualche modo o altrimenti in questo genere. I generi ritratto e storici della pittura possono anche intersecare: l'immagine di una grande persona storica sarà considerata un'opera del genere storico, almeno allo stesso tempo trasferirà l'aspetto e il carattere di questa persona come ritratto.

Nu.

L'obiettivo di nudo è un'immagine di un corpo umano nudo. Il periodo rinascimentale è considerato il momento dell'emergere e lo sviluppo di questo tipo di pittura, e l'oggetto principale della pittura è diventato più spesso il corpo femminile, che incarnava la bellezza dell'era.

"Concerto rurale" (1510)
Tiziano

Tiziano, Amedeo Modigliani, Antonio Sì Corredjo, Georgeon, Pablo Picasso sono gli artisti più famosi che hanno scritto immagini nel genere di Nu.

Scenario

Il tema principale del genere del paesaggio è la natura, l'ambiente - la città, la rurale o la natura selvaggia. I primi paesaggi sono apparsi in epoche antiche quando dipingono palazzi e templi, creando miniature e icone. Come genere indipendente, il paesaggio è redatto nel XVI secolo e da allora è incluso nel più popolare generi di pittura.

È presente nel lavoro di molti pittori, a partire da Peter Rubens, Alexei Kondratyevich Savasova, Eduard Mana, continuando a Isaac Iyich Levitan, Pitom Mondrian, Pablo Picasso, Matrimonio George e terminando con i numerosi artisti moderni del XXI secolo.

"Autunno dorato" (1895)
Isaac Levitan.

Tra il pittura del paesaggio, tali generi possono distinguere come paesaggi marini e cittadini.

Verite.

Il cavo è un paesaggio, il cui scopo è rappresentare il tipo di area urbana e trasferirlo alla bellezza e al sapore. Più tardi, con lo sviluppo dell'industria, il paesaggio della città va al paesaggio industriale.

"Square of St. Mark" (1730)
Kantelta.

Puoi tasso di paesaggi urbani, conosciuto con le opere di Cantelto, Peter Breygel, Fedor Yakovlevich Alekyevava, Sylvester Feodosievich Shchedrin.

Marina

Seascape, o Marina raffigura la natura dell'elemento marino, la sua grandezza. Il più famoso artista marinista del mondo, forse, è Ivan Konstantinovich Aivazovsky, la cui immagine "The Ninth Val" può essere chiamata un capolavoro di pittura russa. Il fiorente fiorente di Marina si è svolto simultaneamente con lo sviluppo del paesaggio in quanto tale.

"Barca a vela durante una tempesta" (1886)
James Battersworth.

Katsusik Hokusai, James Edward Battersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lion Feliksovich Lagorio e Rafael Montlonon Torres, sono anche conosciuti per i suoi paesaggi marini.

Se vuoi saperne di più su come i generi dipinti nell'arte sono nati e sviluppati, vedere il video seguente:

Prenditi, dimmi amici!

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