Scultura greci autori e titoli. Statue greche leggendarie
1.1 Scultura nell'antica Grecia. Prerequisiti per il suo sviluppo
Tra tutte le belle arti delle civiltà antiche, l'arte dell'antica Grecia, in particolare, la sua scultura, occupa un posto molto speciale. Il corpo vivo, capace di ogni lavoro muscolare, mettevano i greci al di sopra di tutto. La mancanza di vestiti non ha scioccato nessuno. Tutto è stato trattato troppo semplicemente per vergognarsi di qualcosa. E allo stesso tempo, ovviamente, la castità non ha perso da questo.
1.2 Scultura della Grecia di epoca arcaica
Il periodo arcaico è il periodo della formazione della scultura greca antica. Il desiderio dello scultore di trasmettere la bellezza del corpo umano ideale, che si manifestava pienamente nelle opere di un'epoca successiva, è già comprensibile, ma era ancora troppo difficile per l'artista allontanarsi dalla forma di un blocco di pietra, e le cifre di questo periodo sono sempre statiche.
I primi monumenti della scultura greca antica di epoca arcaica sono definiti dallo stile geometrico (VIII secolo). Queste sono figurine schematiche trovate ad Atene, Olimpia , in Beozia. L'era arcaica della scultura greca antica cade tra il VII e il VI secolo. (inizio arcaico - circa 650 - 580 aC; alto - 580 - 530; tardi - 530 - 500/480). L'inizio della scultura monumentale in Grecia risale alla metà del VII secolo. AVANTI CRISTO NS. ed è caratterizzato da orientalizzante stili, di cui il più importante era quello di Dedal, associato al nome dello scultore semi-mitico Dedalo . Il circolo della scultura di "Dedal" comprende una statua di Artemide di Delo e una statua femminile di opera cretese, conservata al Louvre ("Signora di Auxerre"). La metà del VII sec. AVANTI CRISTO NS. anche i primi kouros sono datati . Allo stesso periodo risale la prima decorazione scultorea del tempio. - rilievi e statue da Prinia a Creta. In futuro, la decorazione scultorea riempie i campi evidenziati nel tempio dalla sua stessa struttura - frontoni e metope v Tempio dorico, fregio continuo (Zoforo) - in ionico. Le prime composizioni di frontone nell'antica scultura greca provengono dall'Acropoli ateniese e dal Tempio di Artemide sull'isola di Kerkyra (Corfù). Lapidi, statue dedicatorie e di culto sono rappresentate nell'arcaico dal tipo di kouros e bark . Rilievi arcaici adornano le basi di statue, frontoni e metope dei templi (più tardi, una scultura rotonda arriva al posto dei rilievi nei frontoni), steli tombali . Tra i famosi monumenti della scultura rotonda arcaica vi sono la testa di Era, trovata vicino al suo tempio ad Olimpia, la statua di Cleobis e Biton a partire dal Delfo, Moschophor ("Toro") dall'Acropoli ateniese, Era di Samos , statue di Didima, Nikka Arkherma et al.. L'ultima statua mostra lo schema arcaico della cosiddetta "corsa in ginocchio" usata per rappresentare una figura che vola o corre. Nella scultura arcaica vengono adottate anche una serie di convenzioni, ad esempio il cosiddetto "sorriso arcaico" sui volti delle sculture arcaiche.
Le sculture dell'era arcaica sono dominate da statue di snelli giovani nudi e ragazze drappeggiate - kuros e cortecce. Né l'infanzia né la vecchiaia attirarono l'attenzione degli artisti in quel momento, perché solo nella giovinezza matura le forze vitali sono nel loro massimo splendore ed equilibrio. L'arte greca antica crea immagini dell'uomo e della donna nella loro forma ideale. In quell'epoca, gli orizzonti spirituali erano insolitamente allargati, una persona sembrava trovarsi faccia a faccia con l'universo e voleva comprenderne l'armonia, il segreto della sua integrità. I dettagli sfuggivano, le idee sullo specifico "meccanismo" dell'universo erano le più fantastiche, ma il pathos del tutto, la coscienza dell'interconnessione universale - quella era la forza della filosofia, della poesia e dell'arte della Grecia arcaica *. Proprio come la filosofia, allora ancora vicina alla poesia, indovinò astutamente i principi generali dello sviluppo e la poesia - l'essenza delle passioni umane, le belle arti crearono un aspetto umano generalizzato. Diamo un'occhiata ai kouros, o, come a volte vengono chiamati, "l'Apollo arcaico". Poco importa se l'artista intendesse veramente ritrarre Apollo, o un eroe, o un atleta; l'uomo è giovane, nudo, e la sua casta nudità non ha bisogno di vergognose coperture. Sta sempre in piedi, il suo corpo permeato dalla volontà di muoversi. La costruzione del corpo è mostrata ed enfatizzata con la massima chiarezza; è subito evidente che le gambe lunghe e muscolose possono piegarsi alle ginocchia e correre, i muscoli addominali possono tendere, il petto può gonfiarsi nella respirazione profonda. Il volto non esprime alcuna esperienza specifica o tratti caratteriali individuali, ma in esso sono nascoste le possibilità di varie esperienze. E il "sorriso" convenzionale - angoli della bocca leggermente rialzati - solo la possibilità di un sorriso, un accenno alla gioia di essere insito in questa persona, come appena creata.
Le statue di Kouros furono realizzate principalmente nelle zone dove prevaleva lo stile dorico, cioè nel territorio della Grecia continentale; statue femminili - cortecce - principalmente nell'Asia Minore e nelle città insulari, focolari di stile ionico. Bellissime figure femminili sono state ritrovate durante gli scavi dell'arcaica Acropoli ateniese, eretta nel VI secolo a.C. e., quando regnava Pisistrato, e distrutto durante la guerra con i Persiani. Per venticinque secoli le cortecce di marmo furono sepolte nella "spazzatura persiana"; alla fine furono tirati fuori, mezzo spezzati, ma senza perdere il loro straordinario fascino. Alcuni di essi potrebbero essere stati eseguiti da maestri ionici invitati da Pisistrato ad Atene; la loro arte influenzò la plastica attica, che oggi unisce i tratti del rigore dorico alla grazia ionica. Nella crosta dell'Acropoli ateniese, l'ideale della femminilità si esprime nella sua purezza incontaminata. Il sorriso è luminoso, lo sguardo è fiducioso e, per così dire, gioiosamente stupito dallo spettacolo del mondo, la figura è castamente drappeggiata con un peplo - un velo, o una veste leggera - un chitone (in epoca arcaica, femminile le figure, a differenza di quelle maschili, non erano ancora raffigurate nude), i capelli gli scorrevano sulle spalle in ciocche ricci. Queste cortecce stavano su piedistalli davanti al tempio di Atena, con in mano una mela o un fiore.
Le sculture arcaiche (così come quelle classiche) non erano così uniformemente bianche come le immaginiamo ora. Molti hanno conservato tracce di colorazione. I capelli delle ragazze di marmo erano dorati, le guance rosa, gli occhi azzurri. Sullo sfondo del cielo senza nuvole dell'Hellas, tutto ciò doveva sembrare molto festoso, ma allo stesso tempo rigorosamente, grazie alla chiarezza, alla compostezza e alla costruttività di forme e sagome. Non c'era eccessiva fioritura e variegatura. La ricerca dei fondamenti razionali della bellezza, dell'armonia basata sulla misura e sul numero, è un punto molto importante nell'estetica dei greci. I filosofi pitagorici si sforzavano di cogliere regolari rapporti numerici nelle consonanze musicali e nella disposizione dei corpi celesti, credendo che l'armonia musicale corrispondesse alla natura delle cose, all'ordine cosmico, "all'armonia delle sfere". Gli artisti cercavano proporzioni verificate matematicamente del corpo umano e del "corpo" dell'architettura.In questo, l'arte greca antica è fondamentalmente diversa da quella cretese-micenea, estranea a qualsiasi matematica.
Scena di genere molto vivace: Così, nell'era arcaica, furono poste le basi dell'antica scultura greca, le indicazioni e le opzioni per il suo sviluppo. Anche allora, gli obiettivi principali della scultura, gli ideali estetici e le aspirazioni degli antichi greci erano chiari. In epoche successive ebbero luogo lo sviluppo e il perfezionamento di questi ideali e dell'abilità degli antichi scultori.
1.3 Scultura della Grecia di epoca classica
Il periodo classico della scultura greca antica cade tra il V e il IV secolo a.C. (primi classici o "stile rigoroso" - 500/490 - 460/450 a.C.; alto - 450 - 430/420 a.C.; "stile ricco" - 420 - 400/390 a.C.; tardo classico - 400/390 - OK. 320 aC AVANTI CRISTO NS.). A cavallo di due epoche - arcaica e classica - c'è una decorazione scultorea del tempio di Atena Aphaia sull'isola di Egina . Le sculture del frontone occidentale risalgono alla fondazione del tempio (510 - 500 aC AVANTI CRISTO a.C.), sculture della seconda orientale, in sostituzione delle precedenti, - all'inizio dell'età classica (490 - 480 a.C.). Il monumento centrale dell'antica scultura greca dei primi classici sono i frontoni e le metope del Tempio di Zeus ad Olimpia (circa 468 - 456 aC AVANTI CRISTO NS.). Un'altra opera significativa dei primi classici - il cosiddetto "Trono di Ludovisi", decorato con rilievi. Di questo periodo discendono anche alcuni originali in bronzo: "Auriga di Delfi", statua di Poseidone da Capo Artemisio, Bronzo da Riace . I più grandi scultori dei primi classici - Pitagora Regian, Calamidi e Myron . Giudichiamo il lavoro dei famosi scultori greci principalmente da testimonianze letterarie e copie successive delle loro opere. Gli alti classici sono rappresentati dai nomi Fidia e Policleto . La sua fioritura a breve termine è associata alle opere sull'Acropoli ateniese, cioè alla decorazione scultorea del Partenone (frontoni, metope e zophoros sono sopravvissuti, 447 - 432 a.C.). L'apice dell'antica scultura greca era apparentemente crisoelefantino statue di Atena Parthenos e Zeus Olimpico di Fidia (entrambi non sono sopravvissuti). Lo "stile ricco" è caratteristico delle opere di Callimaco, Alkamen, Agorakrita e altri scultori della fine del V secolo AVANTI CRISTO I suoi monumenti caratteristici sono i rilievi della balaustra del tempietto di Nika Apteros sull'Acropoli di Atene (410 aC circa) e una serie di stele funerarie, tra le quali la più famosa è la stele di Gegeso. . Le opere più importanti dell'antica scultura greca dei tardi classici - decorazione del Tempio di Asclepio a Epidauro (circa 400 - 375 a.C.), Tempio di Atena Alei a Tegea (circa 370 - 350 a.C.), il Tempio di Artemide ad Efeso (circa 355 - 330 a.C.) e il Mausoleo ad Alicarnasso (c. 350 a.C.), sulla cui decorazione scultorea lavorarono Scopa, Briasside, Timoteo e Leohar . Quest'ultimo è anche attribuito alle statue di Apollo del Belvedere e Diana di Versailles . Ci sono anche una serie di originali in bronzo del IV secolo. AVANTI CRISTO NS. I più grandi scultori del tardo classico sono Prassitel, Skopas e Lisippos, in molti modi anticipò la successiva era dell'ellenismo.
La scultura greca è stata parzialmente conservata in detriti e frammenti. La maggior parte delle statue ci è nota da copie romane, che sono state eseguite in gran numero, ma non hanno trasmesso la bellezza degli originali. I copisti romani li irruvidivano e li asciugavano e, trasformando oggetti di bronzo in marmo, li sfiguravano con goffi puntelli. Le grandi figure di Atena, Afrodite, Ermes, Satiro, che ora vediamo nelle sale dell'Eremo, sono solo pallide rivisitazioni di capolavori greci. Li superi quasi indifferentemente e di colpo ti fermi davanti a qualche testa con il naso rotto, con un occhio danneggiato: questo è un originale greco! E la straordinaria forza della vita soffierà improvvisamente da questo frammento; il marmo stesso è diverso da quello delle statue romane: non bianco mortale, ma giallastro, trasparente, luminoso (i greci lo strofinavano ancora con la cera, che dava al marmo un tono caldo). Così dolci sono i passaggi di luce e d'ombra che si fondono, così nobile è la morbida scultura del volto che si ricorda involontariamente i rapimenti dei poeti greci: queste sculture respirano davvero, sono davvero vive*. Nella scultura della prima metà del secolo, quando c'erano le guerre con i Persiani, prevaleva uno stile coraggioso, austero. Quindi fu creato un gruppo statuario di tirannicidi: un marito maturo e un giovane, in piedi fianco a fianco, fanno un impetuoso movimento in avanti, il più giovane porta la spada, il più anziano la oscura con un mantello. Questo è un monumento a personaggi storici - Armodio e Aristogitone, che uccisero il tiranno ateniese Ipparco diversi decenni prima - il primo monumento politico nell'arte greca. Allo stesso tempo, esprime lo spirito eroico di resistenza e l'amore per la libertà che divamparono nell'era delle guerre greco-persiane. "Non sono 'schiavi mortali, non sono soggetti a nessuno", dice la tragedia di Eschilo "I Persiani" sugli Ateniesi. Battaglie, combattimenti, gesta eroiche... L'arte dei primi classici è piena di questi soggetti bellicosi. Sui frontoni del tempio di Atena a Egina - la lotta dei greci contro i troiani. Sul frontone occidentale del tempio di Zeus ad Olimpia - la lotta dei Lapiti con i centauri, sulle metope - tutte e dodici le fatiche di Ercole. Un'altra serie di motivi preferiti sono le gare di ginnastica; in quei tempi lontani, la forma fisica e la padronanza dei movimenti del corpo erano di importanza decisiva per l'esito delle battaglie, quindi i giochi atletici erano tutt'altro che un semplice intrattenimento. I temi dei combattimenti corpo a corpo, delle gare equestri, delle gare di corsa e del lancio del disco hanno insegnato agli scultori a rappresentare il corpo umano in dinamica. L'arcaica rigidità delle figure è stata superata. Ora agiscono, si muovono; appaiono pose complesse, angoli di ripresa audaci, grandi gesti. L'innovatore più brillante fu lo scultore attico Miron. Il compito principale di Myron era esprimere il movimento nel modo più completo e forte possibile. Il metallo non consente un lavoro così preciso e delicato come il marmo, e forse è per questo che si è dedicato alla ricerca del ritmo del movimento. L'equilibrio, il maestoso "ethos", è conservato nella scultura classica dallo stile austero. Il movimento delle figure non è né irregolare, né eccessivamente agitato, né troppo impetuoso. Anche nei motivi dinamici della lotta, della corsa, della caduta, la sensazione di "calma olimpica", di completezza plastica integrale e di autoisolamento non viene persa.
Atena, che fece per ordine di Platea, e che costò molto cara a questa città, rafforzò la fama del giovane scultore. Gli fu commissionata per l'Acropoli una statua colossale della patrona di Atena. Raggiunse i 60 piedi di altezza e superò tutti gli edifici circostanti; da lontano, dal mare, splendeva di una stella d'oro e regnava su tutta la città. Non era acrolite (composito), come la Plateia, ma era tutto fuso in bronzo. Un'altra statua dell'Acropoli, la Vergine Atena, realizzata per il Partenone, era costituita da oro e avorio. Atena era raffigurata in abito da combattimento, in elmo dorato con una sfinge in altorilievo e avvoltoi ai lati. In una mano teneva una lancia, nell'altra una figura di vittoria. Un serpente rannicchiato ai suoi piedi - il guardiano dell'Acropoli. Questa statua è considerata la migliore garanzia di Fidia dopo il suo Zeus. È servito come originale per innumerevoli copie. Ma l'apice della perfezione di tutte le opere di Fidia è considerato il suo Zeus olimpico. Fu l'opera più grande della sua vita: gli stessi greci gli diedero la palma. Ha fatto un'impressione irresistibile sui suoi contemporanei.
Zeus era raffigurato sul trono. In una mano teneva uno scettro, nell'altra un'immagine di vittoria. Il corpo era d'avorio, i capelli erano d'oro, il mantello era d'oro, smaltato. Il trono comprendeva ebano, osso e pietre preziose. Le pareti tra le gambe sono state dipinte dal cugino di Fidia, Panen; il piede del trono era un miracolo della scultura. L'ammirazione dei Greci per la bellezza e la sapiente disposizione di un corpo vivente era così grande che lo ritenevano esteticamente solo nella completezza e completezza statuaria, che permetteva di apprezzare la maestosità della postura, l'armonia dei movimenti del corpo. Tuttavia, l'espressività non era tanto nelle espressioni dei volti quanto nei movimenti del corpo. Guardando le moire misteriosamente serene del Partenone, la rapida, vivace Nika, slacciarsi un sandalo, quasi dimentichiamo che le loro teste vengono sbattute - così eloquente è la plasticità delle loro figure.
In effetti, i corpi delle statue greche sono insolitamente spiritualizzati. Lo scultore francese Rodin ha detto di uno di loro: "Questo torso giovanile senza testa sorride felicemente alla luce e alla primavera di quanto potrebbero fare occhi e labbra". Il movimento e la postura nella maggior parte dei casi sono semplici, naturali e non necessariamente associati a qualcosa di sublime. Le teste delle statue greche, di regola, sono impersonali, cioè poco individualizzate, ridotte a poche variazioni del tipo generale, ma questo tipo generale ha un'elevata capacità spirituale. Nel tipo di viso greco, l'idea di "umano" trionfa nella sua forma ideale. Il viso è diviso in tre parti di uguale lunghezza: fronte, naso e parte inferiore. Ovale corretto e delicato. La linea retta del naso continua la linea della fronte e forma una linea perpendicolare tracciata dall'inizio del naso all'apertura dell'orecchio (angolo facciale retto). Sezione oblunga di occhi piuttosto profondamente inseriti. Una bocca piccola, labbra piene convesse, il labbro superiore è più sottile di quello inferiore e ha un bellissimo taglio fluente simile a un cupido. Il mento è grande e rotondo. I capelli ondulati avvolgono morbidamente e strettamente la testa, senza interferire con la vista della forma arrotondata del cranio. Questa bellezza classica può sembrare monotona, ma, essendo un espressivo "aspetto naturale dello spirito", si presta a variazioni ed è capace di incarnare vari tipi dell'ideale antico. Un po 'più di energia nelle labbra, nel mento sporgente - davanti a noi c'è una severa vergine Atena. Più morbidezza nei contorni delle guance, le labbra sono leggermente socchiuse, le orbite sono ombreggiate - davanti a noi c'è il viso sensuale di Afrodite. L'ovale del viso è più vicino al quadrato, il collo è più spesso, le labbra sono più grandi - questa è già l'immagine di un giovane atleta. E la base è sempre lo stesso look classico rigorosamente proporzionale.
Dopo la guerra... La posa caratteristica di una figura in piedi cambia. In epoca arcaica le statue stavano completamente diritte, frontalmente. I classici maturi li animano e li animano con movimenti equilibrati e fluidi, mantenendo equilibrio e stabilità. E le statue di Prassitele - il Satiro a riposo, Apollo Saurocton - con grazia pigra si appoggiano ai pilastri, senza di loro dovrebbero cadere. La coscia è molto arcuata da un lato e la spalla è abbassata verso la coscia - Rodin paragona questa posizione del corpo a un'armonica, quando i mantici sono compressi da un lato e divaricati dall'altro. Il supporto esterno è necessario per l'equilibrio. Questa è una posa di riposo da sogno. Prassitele segue le tradizioni di Policleto, usa i motivi dei movimenti da lui trovati, ma li sviluppa in modo tale che in essi traspare un diverso contenuto interiore. Anche l'"Amazzone ferita" Polycletai si appoggia su una mezza colonna, ma avrebbe potuto resistere senza di essa, il suo corpo forte ed energico, pur soffrendo di una ferita, sta saldamente a terra. Apollo Prassitele non è colpito da una freccia, lui stesso mira a una lucertola che corre lungo un tronco d'albero - l'azione, sembrerebbe, richiede una concentrazione volitiva, tuttavia il suo corpo è instabile, come uno stelo oscillante. E non si tratta di una particolarità casuale, non di un capriccio di scultore, ma di una sorta di nuovo canone in cui trova espressione una mutata visione del mondo. Tuttavia, non solo la natura dei movimenti e delle posizioni è cambiata nella scultura del IV secolo a.C. NS. Prassitele ha una diversa cerchia di temi preferiti, si allontana dalle trame eroiche nel "mondo leggero di Afrodite ed Eros". Scolpì la famosa statua di Afrodite di Cnido. Praxitel e gli artisti della sua cerchia non amavano raffigurare i torsi muscolosi degli atleti, erano attratti dalla delicata bellezza del corpo femminile con il morbido fluire dei volumi. Preferivano il tipo dell'adolescente, contraddistinto da "la prima bellezza giovanile, effeminata". Praxitel era famoso per la particolare morbidezza della scultura e la maestria nella lavorazione della materia, la capacità di trasmettere il calore di un corpo vivo nel freddo marmo2.
L'unico originale superstite di Prassitele è considerato la statua in marmo "Ermete con Dioniso" trovata ad Olimpia. Hermes nudo, appoggiato a un tronco d'albero, dove il suo mantello è gettato con noncuranza, tiene in una mano piegata un piccolo Dioniso e nell'altra un grappolo d'uva, a cui sta raggiungendo un bambino (la mano che tiene l'uva è persa) . Tutto il fascino della lavorazione pittorica del marmo è in questa statua, soprattutto nella testa di Hermes: i passaggi di luce e ombra, il più sottile "sfumato" (nebbia), che, molti secoli dopo, fu raggiunto nella pittura di Leonardo da Vinci . Tutte le altre opere del maestro sono note solo da riferimenti ad autori antichi e copie successive. Ma lo spirito dell'arte di Prassitele soffia nel IV secolo aC. e., e soprattutto può essere sentito non nelle copie romane, ma nelle piccole sculture greche, nelle figurine di argilla di Tanager. Furono prodotti in gran numero alla fine del secolo, era una sorta di produzione di massa con il centro principale a Tanagra. (Una loro collezione molto buona è conservata nell'Ermitage di Leningrado.) Alcune figurine riproducono famose grandi statue, altre semplicemente danno varie varianti libere di una figura femminile drappeggiata. La grazia viva di queste figure, sognanti, pensierose, giocose, è un'eco dell'arte di Prassitele.
1.4 Scultura della Grecia di epoca ellenistica
Il concetto stesso di "ellenismo" contiene un'indicazione indiretta della vittoria del principio ellenico. Anche in aree remote del mondo ellenistico, in Battria e Partia (l'odierna Asia centrale), compaiono forme d'arte antiche particolarmente trasformate. E l'Egitto è difficile da riconoscere, la sua nuova città di Alessandria è già un vero e proprio centro illuminato di antica cultura, dove fioriscono scienze esatte e umanitarie, e scuole filosofiche, originate da Pitagora e Platone. L'Alessandria ellenistica ha dato al mondo il grande matematico e fisico Archimede, il geometra di Euclide, Aristarco di Samo, il quale, diciotto secoli prima di Copernico, sosteneva che la Terra gira intorno al Sole. Gli armadi della famosa Biblioteca di Alessandria, designati in lettere greche, dall'alfa all'omega, conservavano centinaia di migliaia di pergamene - "opere che brillavano in tutti i campi del sapere". Lì sorgeva il grandioso faro di Pharos, classificato tra le sette meraviglie del mondo; lì nasce il Museion, il palazzo delle muse, prototipo di tutti i futuri musei. Rispetto a questa ricca e lussureggiante città portuale, capitale dell'Egitto tolemaico, città della metropoli greca, anche Atene sembrava probabilmente umile. Ma queste modeste e piccole città furono le principali fonti di quei tesori culturali che furono custoditi e venerati ad Alessandria, quelle tradizioni che continuarono a seguire. Se la scienza ellenistica doveva molto all'eredità dell'Antico Oriente, le arti plastiche conservavano un carattere prevalentemente greco.
I principi formativi di base sono venuti dai classici greci, il contenuto è diventato diverso. C'è stata una decisa demarcazione tra vita pubblica e privata. Nelle monarchie ellenistiche si instaura il culto di un unico sovrano, equiparato a una divinità, simile a quello che era nell'antico dispotismo orientale. Ma la somiglianza è relativa: una "persona privata" che non è toccata dalle tempeste politiche o lo tocca solo leggermente è tutt'altro che impersonale come negli antichi stati orientali. Ha la sua vita: è un commerciante, è un imprenditore, è un funzionario, è uno scienziato. Inoltre, è spesso di origine greca - dopo le conquiste di Alessandro, iniziò il reinsediamento di massa dei greci a est - non è estraneo ai concetti di dignità umana sollevati dalla cultura greca. Anche se rimosso dal potere e dagli affari pubblici, il suo mondo privato isolato esige e trova espressione artistica per sé, la cui base sono le tradizioni dei classici tardo greci, rielaborati nello spirito di una maggiore intimità e genere. E nell'arte “statale”, ufficiale, nei grandi edifici e monumenti pubblici, le stesse tradizioni si elaborano, al contrario, in direzione di fasto.
Sfarzo e intimità sono tratti opposti; L'arte ellenistica è piena di contrasti: gigante e miniatura, cerimoniale e quotidiano, allegorico e naturale. Il mondo è diventato più complesso, le esigenze estetiche più diverse. La tendenza principale è un allontanamento dal tipo umano generalizzato per comprendere una persona come un essere concreto e individuale, e quindi la crescente attenzione alla sua psicologia, l'interesse per l'evento, e una nuova vigilanza verso i segni nazionali, dell'età, sociali e altri della personalità. Ma poiché tutto ciò è stato espresso in un linguaggio ereditato dai classici, che non si sono posti tali compiti, allora nelle opere innovative dell'era ellenistica si avverte una certa inorganicità, non raggiungono l'integrità e l'armonia dei loro grandi predecessori. La testa ritratto della statua erosa di Diadoco non si adatta al suo torso nudo, che ripete il tipo di un atleta classico. La drammaticità del poliedrico gruppo scultoreo "Toro Farnese" è contraddetta dalla rappresentatività "classica" delle figure, le loro posture e movimenti sono troppo belli e fluidi per credere nella verità delle loro esperienze. In numerose sculture da parco e da camera, le tradizioni di Prassitele sono sminuite: Eros, "il dio grande e potente", si trasforma in un cupido giocoso; Apollo - nell'Apollino civettuolo e viziato; il rafforzamento del genere non fa loro bene. E le famose statue ellenistiche di vecchie che trasportano provviste, una vecchia ubriaca, un vecchio pescatore dal corpo flaccido mancano del potere di generalizzazione figurativa; l'arte padroneggia per sé esternamente questi nuovi tipi, senza penetrare nel profondo, perché l'eredità classica non ne dava una chiave. La statua di Afrodite, tradizionalmente chiamata la Venere di Milo, fu trovata nel 1820 sull'isola di Melos e divenne subito nota in tutto il mondo come la perfetta creazione dell'arte greca. Questo apprezzamento non è stato scosso da molti dei ritrovamenti successivi di originali greci - Afrodite di Milo occupa un posto speciale tra questi. Eseguito, a quanto pare, nel II secolo aC. NS. (opera dello scultore Agesandr o Alexander, come dice l'iscrizione mezza consumata sul piedistallo), ha poca somiglianza con le statue dell'epoca raffiguranti la dea dell'amore. Le afrodite ellenistiche il più delle volte si rifacevano al tipo di Afrodite di Cnido Prassitele, rendendola sensualmente seducente, anche leggermente carina; tale è, ad esempio, la famosa Afrodite dei Medici. Afrodite di Milone, nuda solo a metà, drappeggiata sulle cosce, severa e sublimemente calma. Lei personifica non tanto l'ideale del fascino femminile quanto l'ideale di una persona in senso generale e più alto. Lo scrittore russo Gleb Uspensky ha trovato un'espressione azzeccata: l'ideale di un "uomo raddrizzato".La statua è ben conservata, ma le sue mani sono state staccate. Ci sono state molte speculazioni su cosa stessero facendo queste mani: la dea aveva in mano una mela? o uno specchio? o teneva l'orlo dei suoi vestiti? Non è stata trovata una ricostruzione convincente, anzi, non ce n'è bisogno. Nel tempo, la "mancanza" di Afrodite di Milone è diventata, per così dire, il suo attributo; non interferisce minimamente con la sua bellezza e aumenta persino l'impressione della maestà della figura. E poiché non è sopravvissuta una sola statua greca intatta, è in questo stato, in parte danneggiato, che Afrodite si presenta davanti a noi come un "enigma marmoreo", immaginato dall'antichità, come simbolo della lontana Grecia.
Un altro notevole monumento dell'ellenismo (di quelli giunti fino a noi, e quanti sono scomparsi!) è l'altare di Zeus a Pergamo. La scuola di Pergamo più di altre gravitava verso il pathos e il dramma, continuando le tradizioni di Scopas. I suoi artisti non sempre ricorrevano a soggetti mitologici, come facevano in epoca classica. Sulla piazza dell'Acropoli di Pergamo c'erano gruppi scultorei che perpetuano un vero evento storico: la vittoria sui "barbari", le tribù della Gallia che assediarono il regno di Pergamo. Ricchi di espressività e dinamicità, questi gruppi si distinguono anche per il fatto che gli artisti rendono omaggio ai vinti, mostrandoli insieme valorosi e sofferenti. Raffigurano un Gallo che uccide sua moglie e se stesso per evitare la prigionia e la schiavitù; raffigurano un Gallo ferito a morte sdraiato a terra con la testa china. Dal volto e dalla figura si capisce subito che si tratta di un "barbaro", uno straniero, ma muore di morte eroica, e questo si vede. Nella loro arte, i greci non si sviliscono fino al punto di umiliare i loro avversari; questa caratteristica dell'umanesimo etico emerge con particolare chiarezza quando gli avversari - i Galli - sono rappresentati in modo realistico. Dopo le campagne di Alessandro, in generale, molto è cambiato in relazione agli stranieri. Come scrive Plutarco, Alessandro si considerava il riconciliatore dell'universo, "costringendo tutti a bere ... dalla stessa coppa dell'amicizia e mescolando insieme vite, costumi, matrimoni e forme di vita". La morale e le forme di vita, così come le forme di religione, iniziarono davvero a mescolarsi nell'era dell'ellenismo, ma l'amicizia non regnò e la pace non venne, i conflitti e le guerre non si fermarono. Le guerre di Pergamo con i Galli sono solo un episodio. Quando finalmente la vittoria sui Galli fu finalmente vinta, fu eretto un altare di Zeus in suo onore, completato dalla costruzione nel 180 a.C. NS. Questa volta, la guerra a lungo termine con i "barbari" è apparsa come una gigantomachia: la lotta degli dei olimpici con i giganti. Secondo l'antico mito, i giganti - giganti che vivevano nel lontano occidente, figli di Gaia (Terra) e Urano (Cielo) - si ribellarono agli Olimpi, ma furono da loro sconfitti dopo una feroce battaglia e sepolti sotto i vulcani, in le viscere profonde della madre terra, da lì ricordano se stesse per eruzioni vulcaniche e terremoti. Un grandioso fregio marmoreo, lungo circa 120 metri, eseguito con la tecnica dell'altorilievo, circondava la base dell'altare. I resti di questa struttura furono scavati negli anni '70 dell'Ottocento; grazie al lavoro certosino dei restauratori è stato possibile unire migliaia di frammenti e formare un quadro abbastanza completo della composizione complessiva del fregio. Corpi possenti si accumulano, si intrecciano come un groviglio di serpenti, i giganti caduti sono tormentati da leoni dalla criniera ispida, i cani scavano, i cavalli calpestano i piedi, ma i giganti combattono ferocemente, il loro capo Porfirion non si ritira davanti al tuono Zeus. La madre dei giganti Gaia implora di risparmiare i suoi figli, ma essi non le danno ascolto. La battaglia è terribile. C'è qualcosa che prefigura Michelangelo negli angoli di ripresa tesi, nella loro potenza titanica e nel tragico pathos. Sebbene battaglie e battaglie fossero un tema frequente di antichi rilievi, a partire dall'arcaico, non sono mai stati raffigurati come sull'altare di Pergamo - con una sensazione così tremenda di cataclisma, battaglie per la vita e la morte, in cui sono coinvolte tutte le forze cosmiche, tutti i demoni terra e cielo. La struttura della composizione è cambiata, ha perso la sua classica chiarezza, è diventata vorticosa, confusa. Ricordiamo le figure di Skopas sul rilievo del Mausoleo di Alicarnasso. Loro, con tutto il loro dinamismo, si trovano su un piano spaziale, sono separati da intervalli ritmici, ogni figura ha una certa indipendenza, le masse e lo spazio sono equilibrati. È diverso nel fregio di Pergamo: per coloro che combattono qui è angusto, la massa soppressa lo spazio e tutte le figure sono così intrecciate che formano un caos tempestoso di corpi. E i corpi sono ancora classicamente belli, "ora figure radiose, ora formidabili, vive, morte, trionfanti, morenti", come disse di loro IS Turgenev *. Gli dei dell'Olimpo sono belli, e anche i loro nemici sono belli. Ma l'armonia dello spirito oscilla. Volti distorti dalla sofferenza, ombre profonde nelle orbite degli occhi, capelli sparsi a serpentina ... Gli dei dell'Olimpo trionfano ancora sulle forze degli elementi sotterranei, ma questa vittoria non dura a lungo: gli inizi elementali minacciano di far saltare in aria un mondo armonioso e armonioso. Così come l'arte del greco arcaico non dovrebbe essere giudicata solo come i primi precursori dei classici, e L'arte ellenistica nel suo insieme non può essere considerata un'eco tardiva dei classici, sottovalutando il fondamentalmente nuovo che ha portato. Questa novità era associata all'espansione degli orizzonti dell'arte e al suo interesse curioso per la persona umana e le condizioni concrete e reali della sua vita. Quindi, prima di tutto, lo sviluppo del ritratto, il ritratto individuale, che gli alti classici quasi non conoscevano, e gli ultimi classici erano solo agli approcci ad esso. Gli artisti ellenistici, anche facendo ritratti di persone che non sono vive da molto tempo, hanno dato loro un'interpretazione psicologica e hanno cercato di rivelare l'unicità dell'aspetto sia esterno che interno. Non contemporanei, ma discendenti ci hanno lasciato i volti di Socrate, Aristotele, Euripide, Demostene e persino il leggendario Omero, ispirato narratore cieco. Sorprende per realismo ed espressione il ritratto di un vecchio filosofo sconosciuto, come si vede, un polemista implacabile e appassionato, il cui volto rugoso dai tratti taglienti non ha nulla in comune con il tipo classico. In precedenza, era considerato un ritratto di Seneca, ma il famoso stoico visse dopo che questo busto in bronzo fu scolpito.
Per la prima volta, un bambino con tutte le caratteristiche anatomiche dell'infanzia e con tutto il fascino che gli è peculiare diventa oggetto di chirurgia plastica. Nell'era classica, i bambini piccoli, se venivano ritratti, avevano maggiori probabilità di essere adulti in miniatura. Anche in Prassitele nell'Ermete con il gruppo di Dioniso, Dioniso somiglia poco a un bambino in termini di anatomia e proporzioni. Sembra che solo ora si siano accorti che il bambino è una creatura molto speciale, giocosa e scaltra, con le sue abitudini particolari; se ne accorsero e ne rimasero talmente affascinati che lo stesso dio dell'amore, Eros, iniziò ad essere rappresentato fin da bambino, ponendo le basi di una tradizione consolidata da secoli. I ragazzini grassocci e ricci degli scultori ellenistici sono impegnati con ogni sorta di trucchi: cavalcano un delfino, armeggiano con uccelli, persino strangolano un serpente (questo è il piccolo Ercole). La statua di un ragazzo che combatte contro un'oca era particolarmente popolare. Tali statue erano collocate nei parchi, erano decorazione di fontane, erano collocate nei santuari di Asclepio, il dio della guarigione, e talvolta venivano utilizzate per lapidi.
Conclusione
Abbiamo esaminato la scultura dell'antica Grecia durante l'intero periodo del suo sviluppo. Abbiamo visto l'intero processo della sua formazione, prosperità e declino - l'intera transizione da forme rigorose, statiche e idealizzate di arcaismo attraverso l'armonia equilibrata della scultura classica al drammatico psicologismo delle statue ellenistiche. La scultura dell'antica Grecia è stata giustamente considerata un modello, un ideale, un canone per molti secoli, e ora non cessa di essere riconosciuta come un capolavoro dei classici mondiali. Niente del genere è stato ottenuto né prima né dopo. Tutta la scultura moderna può essere considerata, in un modo o nell'altro, una continuazione delle tradizioni dell'antica Grecia. La scultura dell'antica Grecia nel suo sviluppo ha percorso un percorso difficile, aprendo la strada allo sviluppo della plastica di epoche successive in vari paesi. In un secondo momento, le tradizioni dell'antica scultura greca si arricchirono di nuovi sviluppi e realizzazioni, mentre i canoni antichi servirono come base necessaria, la base per lo sviluppo dell'arte plastica in tutte le epoche successive.
La scultura dell'antica Grecia, come tutta l'arte antica, è un esempio speciale, maestria e una sorta di ideale. L'antica arte greca, e in particolare la scultura dell'antica Grecia, ha avuto un impatto molto significativo sullo sviluppo della cultura mondiale. Fu il fondamento su cui in seguito si sviluppò la civiltà europea. Le bellissime statue degli scultori greci erano realizzate in pietra, calcare, bronzo, marmo, legno ed erano decorate con magnifici oggetti realizzati in metalli preziosi e pietre. Furono installati nelle principali piazze delle città, sulle tombe di famosi greci, nei templi e persino nelle ricche case greche. Il principio principale della scultura nell'antica Grecia era una combinazione di bellezza e forza, idealizzazione di una persona e del suo corpo. Gli antichi greci credevano che solo un'anima perfetta può essere in un corpo perfetto e ideale.
Lo sviluppo della scultura nell'antica Grecia può essere suddiviso in tre fasi significative. Questo è arcaico - VI-VII secolo aC. Classici, che, a loro volta, possono essere suddivisi in periodi di inizio - inizio del V secolo a.C., alti classici - fine del V secolo a.C. e fine - VI secolo a.C. E l'ultima tappa è l'ellenismo. Inoltre, dalle descrizioni degli storici antichi, si può capire che esisteva una scultura della Grecia omerica, ma ai nostri tempi sono sopravvissute solo piccole figurine e vasi decorati con pittura. Ognuna di queste fasi della cultura greca ha le sue caratteristiche uniche.
periodo arcaico
Durante questo periodo, gli antichi artisti greci si sforzarono di creare l'immagine ideale di un uomo e di una donna. La scultura era dominata dalle figure di giovani guerrieri nudi chiamati kuros. Dovevano mostrare il valore, la salute fisica e la forza di una persona, acquisiti negli sport di quel tempo. Il secondo esempio di arte di questo periodo era la corteccia. Si tratta di ragazze drappeggiate in abiti lunghi, in cui si esprimeva l'ideale della femminilità e della purezza primordiale. In questo momento è apparso il cosiddetto "sorriso arcaico", che ha ispirato i volti delle statue.
Esempi prominenti di sculture superstiti del periodo arcaico sono il Kouros del Pireo, che adorna oggi il Museo di Atene, e la Dea con il melograno e la Dea con la lepre, che sono conservate nel Museo di Stato di Berlino. Famosa è la scultura dei fratelli Cleobis e Biton di Argo, che delizia gli occhi degli amanti dell'arte greca nel Museo Delfico.
In epoca arcaica gioca un ruolo importante anche la scultura monumentale, in cui il rilievo gioca il ruolo principale. Si tratta di composizioni scultoree piuttosto grandi, spesso raffiguranti eventi descritti nei miti dell'antica Grecia. Ad esempio, sul frontone del tempio di Artemide, sono state raffigurate le azioni che si svolgono nella storia di Medusa la Gorgone e il coraggioso Perseo, noto a tutti fin dall'infanzia.
I primi classici
Con il passaggio all'età classica, l'immobilità, si potrebbe dire, la staticità delle sculture arcaiche, viene gradualmente sostituita da figure emotive catturate in movimento. Appare il cosiddetto movimento spaziale. Le pose delle figure sono finora semplici e naturali, ad esempio una ragazza che slaccia un sandalo o un corridore che si prepara per la partenza.
Forse una delle statue più famose di quel periodo è il "Discobolo" dell'autore Mirone, che diede un contributo molto significativo all'arte dei primi classici della Grecia. La figura è stata fusa in bronzo nel 470 a.C. e raffigura un atleta che si prepara a lanciare un disco. Il suo corpo è perfetto e armonioso, pronto a lanciare il secondo successivo.
Un altro grande scultore di quel tempo fu Policleto. La più famosa oggi è la sua opera denominata "Dorifor", realizzata tra il 450 e il 440 a.C. Questo è un lanciere, potente, riservato e pieno di dignità. È pieno di forza interiore e, per così dire, mostra il desiderio del popolo greco di quei tempi per la sublimità, l'armonia e la pace. Sfortunatamente, gli originali di queste sculture dell'antica Grecia, fusi in bronzo, non sono sopravvissuti fino ad oggi. Possiamo solo ammirare le loro copie realizzate con vari materiali.
All'inizio del XX secolo, una statua in bronzo del dio Poseidone fu trovata in fondo al mare nei pressi di Capo Artemisio. È raffigurato come maestoso, formidabile, tenendo la mano in cui reggeva un tridente. Questa statua, per così dire, segna il passaggio dal primo all'alto periodo classico.
Alto classico
La direzione dei grandi classici perseguiva un duplice obiettivo. Da un lato, per mostrare tutta la bellezza del movimento nella scultura, e, dall'altro, per unire l'immobilità esterna della figura con il respiro interiore della vita. Il grande scultore Fidia è riuscito a unire queste due aspirazioni nella sua opera. È famoso, in particolare, per aver decorato l'antico Partenone con una bellissima scultura in marmo.
Ha anche creato un magnifico capolavoro "Athena Parthenos", che, purtroppo, è morto in tempi antichi. Nel Museo Nazionale di Archeologia della città di Atene, puoi vedere solo una copia ridotta di questa statua.
Il grande artista ha creato molti altri capolavori durante la sua vita creativa. Questa è la statua di Atena Promachos nell'Acropoli, che stupisce per le sue enormi dimensioni e imponenza, e, non meno colossale, la figura di Zeus nel tempio di Olimpia, che è stata poi classificata tra una delle incredibili sette meraviglie del mondo .
Si può ammettere con amarezza che la nostra visione della scultura greca antica è lontana dalla verità. È quasi impossibile vedere gli originali delle statue di quell'epoca. Molti di loro furono distrutti durante la ridistribuzione del mondo mediterraneo. E ancora un altro dei motivi per la distruzione di questi più grandi monumenti d'arte è stata la loro distruzione da parte di cristiani fanaticamente credenti. Ci rimangono solo le loro copie dei maestri romani del I-II secolo d.C. e le descrizioni degli storici antichi.
Tardo classico
Nei tempi legati ai tardi classici, la scultura della Magna Grecia cominciò a caratterizzarsi per la plasticità dei movimenti e l'elaborazione dei più piccoli dettagli. Le figure cominciarono a distinguersi per grazia, flessibilità, cominciarono ad apparire i primi corpi femminili nudi. Uno degli esempi eclatanti di questo splendore è la statua di Afrodite di Cnido dello scultore Prassitele.
L'antico scrittore romano Plinio disse che questa statua era considerata la più bella statua di quei tempi, e molti pellegrini accorrevano a Cnido, desiderando vederla. Questa è la prima opera in cui Praxitel dipinge un corpo femminile nudo. La storia interessante dietro questa statua è che la scultura ha creato due figure: una nuda e una vestita. Gli abitanti di Kos, che hanno ordinato la statua di Afrodite, hanno scelto la dea vestita, temendo di rischiare, nonostante tutta la bellezza di questo capolavoro. E la scultura nuda fu acquisita dagli abitanti della città di Cnido, situata in Asia Minore, e grazie a ciò divennero famosi.
Un altro rappresentante di spicco dei tardi classici era Skopas. Si sforzava di esprimere passioni ed emozioni violente nelle sue sculture. Tra le sue opere famose ci sono la statua di Apollo Kifared, anche Ares di Villa Ludovisi, e una scultura chiamata Niobidi che muoiono intorno alla madre.
periodo ellenistico
Il tempo dell'ellenismo è caratterizzato da un'influenza piuttosto potente dell'Oriente su tutta l'arte della Grecia. Questo destino non è sfuggito alla scultura. La sensualità, il temperamento orientale e l'emotività hanno cominciato a penetrare nelle pose maestose e nella sublimità dei classici. Gli artisti iniziarono a complicare gli scorci, a usare lussuosi tendaggi. La bellezza femminile nuda ha cessato di essere qualcosa di insolito, blasfemo e provocatorio.
In quel momento apparve un numero enorme di diverse statue della dea nuda Afrodite o Venere. Una delle statue più famose fino ad oggi rimane la Venere di Milo, creata dal maestro Alessandro nel 120 a.C. Siamo tutti abituati a vedere le sue immagini senza mani, ma si ritiene che inizialmente la dea tenesse i suoi vestiti cadenti con una mano e nell'altra tenesse una mela. La sua immagine unisce tenerezza, forza e bellezza del corpo fisico.
Anche statue molto famose di questo periodo sono Afrodite di Cirene e Laocoonte e i suoi figli. L'ultimo lavoro è pieno di forti emozioni, dramma e straordinario realismo.
Il tema principale dell'opera scultorea dell'antica Grecia, a quanto pare, era una persona. L'uomo, infatti, non era più apprezzato che in quell'antichissima civiltà greca.
Con lo sviluppo della cultura, gli scultori hanno cercato di trasmettere attraverso le loro opere sentimenti ed emozioni sempre più umani. Tutti questi maestosi capolavori, creati decine di centinaia di anni fa, attirano ancora l'attenzione delle persone e colpiscono gli amanti dell'arte moderna in modo ammaliante e incredibilmente impressionante.
Conclusione
È difficile individuare un periodo nello sviluppo dell'antica cultura greca e non trovare in esso la rapida fioritura della scultura. Questo tipo di arte si è costantemente sviluppato e migliorato, raggiungendo una bellezza speciale nell'era classica, ma dopo non è svanito, rimanendo ancora il principale. È certamente possibile correlare la scultura e l'architettura dell'antica Grecia, ma solo a confronto è inaccettabile identificarle. E questo è impossibile, perché una scultura non è una struttura monumentale, ma un capolavoro abilmente scolpito. Molto spesso, gli antichi scultori si sono rivolti all'immagine di una persona.
Nelle loro opere, hanno prestato particolare attenzione alle posture, alla presenza del movimento. Hanno cercato di creare immagini viventi, come se non fossero una pietra davanti a noi, ma carne e sangue viventi. E lo hanno fatto bene, principalmente grazie a un approccio responsabile al business. La conoscenza dell'anatomia e una comprensione generale del carattere umano hanno permesso agli antichi maestri greci di raggiungere ciò che molti scultori moderni ancora non riescono a comprendere.
La scultura greca antica occupa un posto speciale tra la varietà di capolavori del patrimonio culturale appartenenti a questo paese. In esso, la bellezza del corpo umano, il suo ideale, è cantata e incarnata con l'aiuto di mezzi pittorici. Tuttavia, non solo la morbidezza delle linee e la grazia sono i tratti caratteristici che hanno segnato l'antica scultura greca. L'abilità dei suoi creatori era così grande che riuscirono a trasmettere anche in una pietra fredda una gamma di emozioni, a dare un significato profondo e speciale alle figure, come se respirassero loro la vita. Ogni scultura greca antica è dotata di mistero, che attrae ancora. Le creazioni dei grandi maestri non lasciano nessuno indifferente.
Come altre culture, ha vissuto diversi periodi nel suo sviluppo. Ognuno di loro è stato caratterizzato da cambiamenti in tutti i tipi di arti visive, compresa la scultura. Pertanto, è possibile tracciare le fasi principali della formazione di questo tipo di arte descrivendo brevemente le caratteristiche dell'antica scultura greca in diversi periodi dello sviluppo storico di questo paese.
periodo arcaico
Epoca dall'VIII al VI secolo a.C. La scultura greca antica in questo momento aveva una certa primitività come caratteristica. È stato osservato perché le immagini incarnate nelle opere non differivano per varietà, erano troppo generalizzate (chiamate kora, giovani uomini - kuros).
Apollo dell'ombra
La statua di Apollo dell'Ombra è la più famosa di tutte le figure di quest'epoca giunte fino ai nostri giorni. In totale, ora ne sono note diverse dozzine. È fatto di marmo. Apollo è raffigurato come un giovane con le mani in basso, le dita serrate a pugno. I suoi occhi sono spalancati e il suo volto riflette il sorriso arcaico tipico delle sculture di questo periodo.
Figure femminili
Le immagini di donne e ragazze si distinguevano per i capelli mossi, i vestiti lunghi, ma erano attratte soprattutto dall'eleganza e dalla morbidezza delle linee, l'incarnazione della grazia, della femminilità.
Le sculture arcaiche dell'antica Grecia erano alquanto sproporzionate e schematiche. Ogni opera, d'altra parte, è attraente con emotività contenuta e semplicità. Per questa epoca, la raffigurazione delle figure umane è caratterizzata, come abbiamo già notato, da un mezzo sorriso, che conferisce loro profondità e mistero.
Oggi nel Museo di Stato di Berlino, la "Dea con il melograno" è una delle sculture arcaiche meglio conservate. Con le proporzioni "sbagliate" e la ruvidità esterna dell'immagine, le mani, brillantemente eseguite dall'autore, attirano l'attenzione del pubblico. Un gesto espressivo rende la scultura particolarmente espressiva e dinamica.
"Kuros dal Pireo"
Situato nel Museo di Atene, "Kouros del Pireo" è una creazione successiva, quindi più perfetta, realizzata da un antico scultore. Un giovane potente guerriero appare davanti a noi. e una leggera inclinazione della testa parla della conversazione che sta avendo. Le proporzioni disturbate non sono più così sorprendenti. Le sculture arcaiche dell'antica Grecia, come abbiamo già detto, hanno tratti del viso generalizzati. Tuttavia, in questa figura non è così evidente come nelle opere del primo periodo arcaico.
Periodo classico
Il periodo classico va dal V al IV secolo a.C. Le opere dell'antica scultura greca in questo momento hanno subito alcune modifiche, di cui ora ti parleremo. Tra gli scultori di questo periodo, una delle figure più famose è Pitagora di Regia.
Caratteristiche delle sculture di Pitagora
Le sue creazioni sono caratterizzate da realismo e vivacità, all'epoca innovative. Alcune opere di questo autore sono considerate anche troppo audaci per quest'epoca (ad esempio, una statua di un ragazzo che tira fuori una scheggia). L'agilità mentale e il talento straordinario hanno permesso a questo scultore di studiare il significato dell'armonia utilizzando metodi di calcolo matematici. Li condusse sulla base della scuola filosofica e matematica, da lui fondata. Pitagora, usando questi metodi, ha esplorato l'armonia di diversa natura: musicale, struttura architettonica, corpo umano. C'era una scuola pitagorica secondo il principio del numero. Era considerato il fondamento del mondo.
Altri scultori del periodo classico
Il periodo classico, oltre al nome di Pitagora, ha dato alla cultura mondiale maestri famosi come Fidia, Policleto e Mirone. Le opere dell'antica scultura greca di questi autori sono unite dal seguente principio generale: la visualizzazione dell'armonia del corpo ideale e della bella anima in esso contenuta. È questo principio che è il principale che ha guidato vari maestri di quel tempo durante la creazione delle loro creazioni. La scultura greca antica è l'ideale dell'armonia e della bellezza.
Myron
Grande influenza sull'arte di Atene V secolo aC NS. fornito dalle opere di Miron (basti ricordare il famoso Discobolo, realizzato in bronzo). Questo maestro, a differenza di Policleto, di cui parleremo più avanti, amava raffigurare figure in movimento. Ad esempio, nella soprastante statua del Discobolo risalente al V secolo a.C. e., ha interpretato un bel giovane nel momento in cui oscillava per lanciare un disco. Il suo corpo è teso e piegato, catturato dal movimento, come una molla pronta a dispiegarsi. I muscoli allenati si gonfiavano sotto la pelle soda del braccio che era stato tirato indietro. Formando un supporto affidabile, siamo andati in profondità nella sabbia. Questa è l'antica scultura greca (Discobolo). La statua è stata fusa in bronzo. Tuttavia, dall'originale ci è pervenuta solo una copia in marmo realizzata dai romani. L'immagine sotto mostra una statua del Minotauro di questo scultore.
policlet
L'antica scultura greca di Policleto ha la seguente caratteristica: la figura di un uomo in piedi con la mano sollevata su una gamba è inerente all'equilibrio. Un esempio della sua magistrale incarnazione è la statua di Dori per il portatore di lancia. Policleto nelle sue opere ha cercato di combinare i dati fisici ideali con la spiritualità e la bellezza. Questo desiderio lo ha ispirato a pubblicare il suo trattato intitolato "Canon", che, purtroppo, non è sopravvissuto ai nostri giorni.
Le statue di Policleto sono piene di vita intensa. Amava ritrarre atleti a riposo. Ad esempio, "Lanciere" è un uomo di corporatura possente, pieno di autostima. Rimane immobile davanti allo spettatore. Tuttavia, questa pace non è statica, inerente alle antiche statue egiziane. Poiché una persona possiede facilmente e abilmente il proprio corpo, il lanciere piegò leggermente la gamba, spostando il peso del corpo sull'altro. Sembra che passerà un po' di tempo e girerà la testa e farà un passo avanti. Davanti a noi appare un uomo bello e forte, libero dalla paura, sobrio, orgoglioso - l'incarnazione degli ideali dei greci.
Fidia
Fidia può essere considerato a buon diritto un grande creatore, creatore di sculture, risalente al V secolo a.C. NS. Fu lui che fu in grado di padroneggiare l'abilità di fondere dal bronzo alla perfezione. Fidia gettò 13 figure scultoree, che divennero degni ornamenti del tempio di Apollo di Delfi. Tra le opere di questo maestro c'è anche la statua della Vergine Atena nel Partenone, alta 12 metri. È fatto di avorio e oro puro. Questa tecnica di realizzazione delle statue era chiamata crisoelefantina.
Le sculture di questo maestro riflettono soprattutto il fatto che in Grecia gli dei sono le immagini della persona ideale. Delle opere di Fidia, la meglio conservata è la striscia di marmo di 160 metri del fregio a rilievo, che raffigura la processione della dea Atena in cammino verso il tempio del Partenone.
statua di atena
La scultura di questo tempio è stata gravemente danneggiata. Anche nei tempi antichi, morì Questa figura si trovava all'interno del tempio. Fidia lo ha creato. L'antica scultura greca di Atena aveva le seguenti caratteristiche: la sua testa con un mento arrotondato e una fronte bassa e liscia, così come le braccia e il collo erano fatti di avorio, e il suo elmo, scudo, vestiti e capelli erano fatti di fogli d'oro .
Ci sono molte storie associate a questa figura. Così famoso e grande era questo capolavoro che subito Fidia ebbe molti invidiosi che cercarono in tutti i modi di infastidire lo scultore, per cui cercavano motivi per accusarlo di qualcosa. Questo maestro, ad esempio, è stato accusato di aver nascosto parte dell'oro destinato alla scultura di Atena. Fidia, come prova della sua innocenza, rimosse tutti gli oggetti d'oro dalla statua e li pesò. Questo peso corrispondeva esattamente alla quantità di oro che gli era stata data. Quindi lo scultore fu accusato di ateismo. Lo scudo di Atena era la ragione di ciò. Raffigurava una scena di battaglia con le Amazzoni dei Greci. Fidia tra i greci ritrasse se stesso, così come Pericle. Il pubblico in Grecia, nonostante tutti i meriti di questo maestro, gli si oppose comunque. La vita di questo scultore si concluse con una crudele esecuzione.
I successi di Fidia non si limitarono alle sculture realizzate nel Partenone. Così, creò una figura in bronzo di Atena Promachos, che fu eretta intorno al 460 a.C. NS. nell'Acropoli.
Statua di Zeus
Fidia divenne veramente famoso dopo che questo maestro creò una statua di Zeus per il tempio situato ad Olimpia. L'altezza della figura era di 13 metri. Sfortunatamente, molti originali non sono sopravvissuti, solo le loro descrizioni e copie sono sopravvissute fino ad oggi. In molti modi, ciò è stato facilitato dalla distruzione fanatica da parte dei cristiani. Anche la statua di Zeus non è sopravvissuta. Può essere descritto come segue: una figura di 13 metri era seduta su un trono d'oro. Il capo del dio era decorato con una corona di rami d'ulivo, simbolo della sua pace. Il petto, le braccia, le spalle, il viso erano di avorio. Il mantello di Zeus è gettato sulla sua spalla sinistra. La barba e la corona sono d'oro scintillante. Tale è questa antica scultura greca, brevemente descritta. Sembra che Dio, se si alza e raddrizza le spalle, non si adatterà a questa vasta sala: il soffitto sarà basso per lui.
periodo ellenistico
Le fasi di sviluppo della scultura greca antica sono completate dall'età ellenistica. Questo periodo è il periodo della storia dell'antica Grecia dal IV al I secolo a.C. La scultura in questo momento era ancora lo scopo principale della decorazione di varie strutture architettoniche. Ma rifletteva anche i cambiamenti in atto nella gestione dello Stato.
Nella scultura, che a quel tempo era una delle principali forme d'arte, inoltre, sorsero molte direzioni e scuole. Esistevano a Rodi, Pergamo, Alessandria. Le migliori opere presentate da queste scuole riflettono i problemi che preoccupavano le menti delle persone di quest'epoca in quel momento. Queste immagini, in contrasto con la classica calma determinazione, portano pathos appassionato, tensione emotiva, dinamica.
La tarda antichità greca è caratterizzata da una forte influenza dell'Oriente su tutta l'arte in generale. Appaiono nuove caratteristiche della scultura greca antica: numerosi dettagli, drappeggi squisiti, scorci complessi. Il temperamento e l'emotività dell'Oriente penetrano nella grandezza e nella tranquillità dei classici.
L'Afrodite di Cirene, che si trova nel Museo Termale Romano, è piena di sensualità, di civetteria.
"Laocoonte e i suoi figli"
La composizione scultorea più famosa di quest'epoca è Laocoonte e i suoi figli, di Agesander di Rodi. Questo capolavoro è ora conservato nei Musei Vaticani. La composizione è piena di dramma e la trama suggerisce emotività. L'eroe e i suoi figli, resistendo disperatamente ai serpenti inviati da Atena, come se capissero il loro terribile destino. Questa scultura è stata realizzata con straordinaria precisione. Le figure sono realistiche e plastiche. I volti degli eroi fanno una forte impressione.
Tre grandi scultori
Nelle opere di scultori risalenti al IV secolo a.C. e., si conserva l'ideale umanistico, ma allo stesso tempo scompare l'unità del collettivo civile. Le sculture greche antiche ei loro autori stanno perdendo il senso della pienezza della vita e l'interezza della loro percezione del mondo. Grandi maestri vissuti nel IV secolo a.C. e., creare arte che riveli nuove sfaccettature del mondo spirituale. Queste ricerche sono state espresse in modo più vivido da tre autori: Lisippo, Prassitele e Scopa.
Scopas
Skopas divenne la figura più importante tra gli altri scultori che lavoravano all'epoca. Dubbio profondo, lotta, ansia, impulso e passione respirano nella sua arte. Questo nativo dell'isola di Paro ha lavorato in molte città dell'Hellas. L'abilità di questo autore è stata incarnata in una statua chiamata "Nika di Samotracia". Questo nome è stato ricevuto in memoria della vittoria nel 306 aC. NS. Flotta di Rodi. Questa figura è installata su un piedistallo che ricorda la prua di una nave nel design.
"Dancing Menada" di Scopas è presentato in una prospettiva dinamica e complessa.
Prassitel
Avevano un principio creativo diverso.Questo autore ha cantato la bellezza sensuale del corpo e la gioia della vita. Prassitele godeva di grande fama ed era ricco. Questo scultore è noto soprattutto per la statua di Afrodite, da lui realizzata per l'isola di Cnido. Fu la prima nell'arte greca a raffigurare una dea nuda. La bella Frine, la famosa etaira, l'amata di Prassitele, servì da modello per la statua di Afrodite. Questa ragazza fu accusata di blasfemia, e poi assolta dai giudici ammirandone la bellezza. Prassitele è una cantante di bellezza femminile, venerata dai greci. Sfortunatamente, Afrodite di Cnido ci è nota solo da copie.
Leohar
Leocare è un maestro ateniese, il più grande dei contemporanei di Prassitele. Questo scultore, lavorando in varie città elleniche, ha creato scene mitologiche e immagini degli dei. Ha realizzato diverse statue ritratto con la tecnica crisoelefantina, raffiguranti membri della famiglia del re. Dopodiché divenne maestro di corte di Alessandro Magno, suo figlio. A quel tempo, Leocare creò la statua di Apollo, che era molto popolare nell'antichità. Fu conservata in una copia marmorea realizzata dai romani, e ricevette fama mondiale con il nome di Apollo del Belvedere. Leochares dimostra una tecnica virtuosistica in tutte le sue creazioni.
Dopo il regno di Alessandro Magno, l'era dell'ellenismo divenne un periodo di rapida fioritura della ritrattistica. Statue di vari oratori, poeti, filosofi, capi militari, statisti furono erette nelle piazze della città. I maestri volevano ottenere una somiglianza esterna e allo stesso tempo enfatizzare le caratteristiche nell'aspetto che trasformano un ritratto in un'immagine tipica.
Altri scultori e loro creazioni
Le sculture classiche sono diventate esempi di varie creazioni di maestri che hanno lavorato in epoca ellenistica. La Gigantomania è chiaramente visibile nelle opere di quel tempo, cioè il desiderio di incarnare l'immagine desiderata in un'enorme statua. Si manifesta particolarmente spesso quando vengono create antiche sculture greche di divinità. La statua del dio Helios ne è un ottimo esempio. È fatto di bronzo dorato e si trovava all'ingresso del porto di Rodi. L'altezza della scultura è di 32 metri. Hares, uno studente di Lisippo, ci ha lavorato per 12 anni, instancabilmente. Quest'opera d'arte ha preso il posto che le spetta nell'elenco delle meraviglie del mondo.
Dopo la cattura dell'antica Grecia da parte dei conquistatori romani, molte statue furono portate fuori da questo paese. Non solo sculture, ma anche capolavori di pittura, collezioni delle biblioteche imperiali e altri oggetti culturali subirono questo destino. Molte persone che lavorano nel campo dell'istruzione e della scienza sono state catturate. Nella cultura dell'antica Roma, quindi, si intrecciarono, avendo un impatto significativo sul suo sviluppo, vari elementi dell'età greca.
Conclusione
Naturalmente, diversi periodi di sviluppo che l'antica Grecia ha attraversato hanno apportato le proprie modifiche al processo di formazione della scultura, ma una cosa ha unito i maestri appartenenti a epoche diverse: il desiderio di comprendere la spazialità nell'arte, l'amore per l'espressione con l'aiuto di varie tecniche plastiche del corpo umano. L'antica scultura greca, la cui foto è presentata sopra, purtroppo, è sopravvissuta solo parzialmente fino ad oggi. Il marmo è stato spesso utilizzato come materiale per le figure, nonostante la sua fragilità. Questo era l'unico modo per trasmettere la bellezza e la grazia del corpo umano. Il bronzo, sebbene fosse un materiale più affidabile e nobile, veniva usato molto meno spesso.
La scultura e la pittura dell'antica Grecia sono originali e interessanti. Vari esempi di arte danno un'idea della vita spirituale di questo paese.
La scultura greca antica è uno standard leader nel mondo dell'arte scultorea, che continua a ispirare gli scultori contemporanei a creare capolavori artistici. I temi frequenti delle sculture e delle composizioni in stucco degli antichi scultori greci erano battaglie di grandi eroi, mitologia e leggende, sovrani e antiche divinità greche.
La scultura greca è stata sviluppata specialmente nel periodo che va dall'800 al 300 a.C. NS. Questa area dell'arte scultorea ha nutrito la prima ispirazione dall'arte monumentale egiziana e mediorientale e si è evoluta nel corso dei secoli in una visione greca unica della forma e della dinamica del corpo umano.
I pittori e gli scultori greci hanno raggiunto l'apice dell'eccellenza artistica che ha catturato i tratti sfuggenti di una persona e li ha mostrati in un modo che nessun altro ha mai potuto mostrare. Gli scultori greci erano particolarmente interessati alla proporzione, all'equilibrio e alla perfezione idealizzata del corpo umano, e le loro figure in pietra e bronzo sono diventate alcune delle opere d'arte più riconoscibili mai prodotte da qualsiasi civiltà.
L'origine della scultura nell'antica Grecia
Dall'VIII secolo a.C., la Grecia arcaica vide un aumento della produzione di piccole figure solide in argilla, avorio e bronzo. Indubbiamente, anche il legno era un materiale ampiamente utilizzato, ma la sua suscettibilità all'erosione impediva la produzione di massa di prodotti in legno, poiché non mostravano la durata richiesta. Figure in bronzo, teste umane, mostri mitici, e in particolare grifoni, erano usati come decorazione e maniglie per vasi, calderoni e ciotole in bronzo.
Nello stile, le figure umane greche hanno linee geometriche espressive che spesso si trovano sulle ceramiche dell'epoca. I corpi di guerrieri e dei sono raffigurati con arti allungati e busto triangolare. Inoltre, le creazioni greche antiche sono spesso adornate con figure di animali. Molti di loro sono stati trovati in tutta la Grecia in luoghi di rifugio come Olimpia e Delfi, indicando la loro comune funzione di amuleti e oggetti di culto.
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Le più antiche sculture in pietra calcarea greche risalgono alla metà del VII secolo aC e sono state trovate a Thera. In questo periodo compaiono sempre più spesso anche figure in bronzo. Dal punto di vista dell'intenzione dell'autore, le trame delle composizioni scultoree diventavano sempre più complesse e ambiziose e potevano già raffigurare guerrieri, scene di battaglie, atleti, carri e persino musicisti con strumenti dell'epoca.
La scultura in marmo appare all'inizio del VI secolo a.C. Le prime statue monumentali in marmo a grandezza naturale fungevano da monumenti dedicati a eroi e nobili, oppure si trovavano in santuari, in cui si svolgevano servizi simbolici agli dei.
Le prime grandi figure di pietra trovate in Grecia raffiguravano giovani uomini vestiti con abiti femminili, accompagnati da una mucca. Le sculture erano statiche e ruvide, come nelle statue monumentali egizie, le braccia erano dritte ai lati, le gambe erano quasi unite, e gli occhi guardavano avanti senza particolari espressioni facciali. Queste figure piuttosto statiche si sono lentamente evolute attraverso i dettagli dell'immagine. Artigiani di talento si sono concentrati sui più piccoli dettagli dell'immagine, come capelli e muscoli, grazie ai quali le figure hanno iniziato a prendere vita.
Una posa caratteristica per le statue greche è diventata una posizione in cui le braccia sono leggermente piegate, il che conferisce loro tensione nei muscoli e nelle vene, e una gamba (di solito la destra) è leggermente avanzata in avanti, dando l'impressione di un movimento dinamico del statua. È così che sono apparse le prime immagini realistiche del corpo umano in dinamica.
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Pittura e colorazione dell'antica scultura greca
All'inizio del XIX secolo, scavi sistematici di antichi monumenti greci hanno rivelato molte sculture con tracce di superfici multicolori, alcune delle quali erano ancora visibili. Nonostante ciò, influenti storici dell'arte come Johann Joachim Winckelmann si opposero così fortemente all'idea della scultura greca dipinta che i sostenitori delle statue dipinte furono etichettati come eccentrici e le loro opinioni furono in gran parte soppresse per oltre un secolo.
Solo negli articoli scientifici pubblicati dell'archeologo tedesco Vindzenik Brinkmann tra la fine del XX e l'inizio del XXI secolo è stata descritta la scoperta di una serie di famose sculture greche antiche. Usando lampade ad alta intensità, luce ultravioletta, fotocamere appositamente progettate, getti in gesso e alcuni minerali in polvere, Brinkmann dimostrò che l'intero Partenone, compreso il suo corpo principale, così come le statue, era dipinto in diversi colori. Quindi ha analizzato chimicamente e fisicamente i pigmenti della vernice originale per determinarne la composizione.
Brinkmann ha creato diverse copie delle statue greche, dipinte in diversi colori, che hanno fatto il giro del mondo. La collezione presentava copie di molte opere di scultura greca e romana, dimostrando così che la pratica della pittura scultorea era la norma e non l'eccezione nell'arte greca e romana.
I musei in cui sono stati esposti i reperti hanno notato il grande successo della mostra tra i visitatori, dovuto a qualche discrepanza tra i soliti atleti greci candidi e quelle statue luminose che erano davvero. Le sedi espositive includono il Museo Glyptotek di Monaco, i Musei Vaticani e il Museo Archeologico Nazionale di Atene. La collezione ha fatto il suo debutto americano alla Harvard University nell'autunno del 2007.
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Fasi di formazione della scultura greca
Lo sviluppo dell'arte scultorea in Grecia ha attraversato diverse fasi significative. Ognuno di loro ha riflettuto sulla scultura con i suoi tratti caratteristici, evidenti anche ai non professionisti.
Fase geometrica
Si ritiene che la prima incarnazione della scultura greca fosse sotto forma di statue di culto in legno, descritte per la prima volta da Pausania. Nessuna prova di ciò è sopravvissuta e le loro descrizioni sono vaghe, nonostante il fatto che siano stati probabilmente oggetto di venerazione per centinaia di anni.
La prima vera testimonianza di scultura greca è stata trovata nell'isola di Eubea e datata al 920 a.C. Era una statua di un centauro di Lefkandi mano di una sconosciuta scultura in terracotta. La statua è stata riassemblata pezzo per pezzo poiché è stata deliberatamente fracassata e sepolta in due tombe separate. Un centauro ha un segno distinto (ferita) sul ginocchio. Ciò ha permesso ai ricercatori di ipotizzare che la statua possa rappresentare Chirone ferito da una freccia di Ercole. Se è così, può essere considerata la prima descrizione conosciuta di un mito nella storia della scultura greca.
Le sculture del periodo geometrico (c. 900-700 aC) erano piccole figurine di terracotta, bronzo e avorio. Opere scultoree tipiche di quest'epoca sono rappresentate da numerosi esempi di statua equestre. Tuttavia, il repertorio della trama non è limitato a uomini e cavalli, poiché alcuni degli esempi trovati di statue e stucchi di quel tempo raffigurano immagini di cervi, uccelli, scarafaggi, lepri, grifoni e leoni.
Non ci sono iscrizioni sulla scultura geometrica del primo periodo fino alla comparsa della statua di Manticlos "Apollo" dell'inizio del VII secolo aC, trovata a Tebe. La scultura è una figura di un uomo in piedi con un'iscrizione ai suoi piedi. Questa iscrizione è una sorta di istruzione per aiutarsi a vicenda e rispondere con gentilezza alla gentilezza.
periodo arcaico
Ispirati dalla monumentale scultura in pietra dell'Egitto e della Mesopotamia, i greci ricominciarono a scolpire nella pietra. Le singole figure condividono la durezza e l'atteggiamento frontale caratteristici dei modelli orientali, ma le loro forme sono più dinamiche di quelle della scultura egiziana. Esempi di sculture di questo periodo sono le statue di Lady Auxerre e il torso di Hera (primo periodo arcaico - 660-580 aC, esposte al Louvre, Parigi).
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Tali figure avevano una caratteristica nelle loro espressioni facciali: un sorriso arcaico. Questa espressione, che non ha alcuna attinenza specifica con la persona o la situazione che viene ritratta, potrebbe essere stata uno strumento dell'artista per dare animazione e "vivacità" alle figure.
Durante questo periodo, nella scultura predominavano tre tipi di figure: un giovane nudo in piedi, una ragazza in piedi vestita con abiti tradizionali greci e una donna seduta. Evidenziano e riassumono le caratteristiche fondamentali della figura umana e mostrano una comprensione e una conoscenza sempre più accurate dell'anatomia umana.
Le antiche statue greche di giovani nudi, in particolare il famoso Apollo, erano spesso presentate in enormi dimensioni, che avrebbero dovuto mostrare potere e forza maschile. Queste statue mostrano molti più dettagli della muscolatura e della struttura scheletrica rispetto alle prime opere geometriche. Le ragazze vestite hanno una vasta gamma di espressioni facciali e posture, come nelle sculture dell'Acropoli di Atene. I loro drappeggi sono scolpiti e dipinti con la delicatezza e la cura che caratterizzano i dettagli della scultura di questo periodo.
I greci decisero molto presto che la figura umana era il soggetto più importante delle attività artistiche. Basti ricordare che i loro dei hanno un aspetto umano, il che significa che non c'era alcuna differenza tra il sacro e il profano nell'arte: il corpo umano era sia secolare che sacro allo stesso tempo. Un nudo maschile senza essere legato a un personaggio avrebbe potuto facilmente diventare Apollo o Ercole, o ritrarre un potente olimpionico.
Come per la ceramica, i greci non producevano sculture solo per esposizione artistica. Le statue venivano create su ordinazione o da aristocratici e nobili, o dallo stato, ed erano utilizzate per pubbliche memoriali, per decorare templi, oracoli e santuari (cosa spesso attestata da antiche iscrizioni sulle statue). Inoltre, i greci usavano le sculture come monumenti per le tombe. Le statue del periodo arcaico non erano destinate a rappresentare persone specifiche. Queste erano immagini di perfetta bellezza, pietà, onore o sacrificio. Per questo gli scultori hanno sempre realizzato sculture di giovani, dall'adolescenza alla prima età adulta, anche quando venivano deposte sulle tombe di (presumibilmente) anziani.
Periodo classico
Il periodo classico fece una rivoluzione nella scultura greca, a volte associata dagli storici a cambiamenti radicali nella vita sociale e politica: l'introduzione della democrazia e la fine dell'era aristocratica. Il periodo classico portò con sé cambiamenti nello stile e nella funzione della scultura, nonché un drammatico aumento dell'abilità tecnica degli scultori greci nel rappresentare forme umane realistiche.
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Anche le pose sono diventate più naturali e dinamiche, soprattutto all'inizio del periodo. Fu durante questo periodo che le statue greche iniziarono sempre più a raffigurare persone reali, piuttosto che vaghe interpretazioni di miti o personaggi interamente immaginari. Sebbene lo stile in cui sono stati presentati non si sia ancora evoluto in una forma di ritratto realistico. Le statue di Armodio e Aristogateon, create ad Atene, simboleggiano il rovesciamento della tirannia aristocratica e, secondo gli storici, diventano i primi monumenti pubblici che mostrano le figure di persone reali.
Il periodo classico vide anche una fioritura dell'arte dello stucco e l'uso delle sculture per decorare gli edifici. Templi caratteristici dell'era classica, come il Partenone ad Atene e il Tempio di Zeus ad Olimpia, utilizzavano modanature in rilievo per fregi decorativi, pareti e soffitti. La complessa sfida estetica e tecnica affrontata dagli scultori di quel periodo ha contribuito alla creazione di innovazioni scultoree. La maggior parte delle opere di quel periodo sono sopravvissute solo sotto forma di frammenti separati, ad esempio la decorazione in stucco del Partenone è oggi in parte al British Museum.
La scultura funeraria ha fatto un enorme salto in questo periodo: dalle statue dure e impersonali del periodo arcaico ai personalissimi gruppi familiari dell'era classica. Questi monumenti si trovano comunemente nei sobborghi di Atene, che anticamente erano cimiteri alla periferia della città. Sebbene alcuni di essi rappresentino tipi di persone "ideali" (una madre malinconica, un figlio obbediente), diventano sempre più la personificazione di persone reali e, di regola, mostrano che il defunto sta lasciando questo mondo con dignità, lasciando la famiglia. Questo è un notevole aumento del livello delle emozioni in relazione alle epoche arcaiche e geometriche.
Un altro cambiamento notevole è il fiorire della creatività di scultori di talento, i cui nomi sono passati alla storia. Tutte le informazioni conosciute sulle sculture nei periodi arcaico e geometrico sono concentrate sulle opere stesse e raramente viene prestata attenzione ai loro autori.
periodo ellenistico
Il passaggio dal periodo classico a quello ellenistico (o greco) avvenne nel IV secolo a.C. L'arte greca divenne sempre più diversificata sotto l'influenza delle culture dei popoli coinvolti nell'orbita greca, le conquiste di Alessandro Magno (336-332 aC). Secondo alcuni storici dell'arte, ciò ha portato ad una diminuzione della qualità e dell'originalità della scultura, tuttavia, le persone dell'epoca potrebbero non aver condiviso questa opinione.
È noto che molte sculture, precedentemente considerate geni dell'era classica, furono in realtà realizzate in epoca ellenistica. Le capacità tecniche e il talento degli scultori ellenistici sono evidenti in opere importanti come la Vittoria alata di Samotracia e l'altare di Pergamo. Nuovi centri della cultura greca, in particolare della scultura, si svilupparono ad Alessandria, Antiochia, Pergamo e in altre città. Nel II secolo aC, la crescente potenza di Roma aveva anche assorbito gran parte della tradizione greca.
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Durante questo periodo, la scultura conobbe di nuovo uno spostamento verso il naturalismo. Gli eroi per la creazione di sculture erano ormai persone normali: uomini, donne con bambini, animali e scene domestiche. Molte delle creazioni di questo periodo furono commissionate da famiglie benestanti per decorare le loro case e i loro giardini. Sono state create figure realistiche di uomini e donne di tutte le età e gli scultori non si sono più sentiti obbligati a ritrarre le persone come ideali di bellezza o perfezione fisica.
Allo stesso tempo, le nuove città ellenistiche sorte in Egitto, Siria e Anatolia avevano bisogno di statue raffiguranti gli dei e gli eroi della Grecia per i loro templi e luoghi pubblici. Ciò ha portato al fatto che la scultura, come la produzione di ceramica, è diventata un'industria con successiva standardizzazione e una certa riduzione della qualità. Questo è il motivo per cui sono sopravvissute molte più creazioni ellenistiche fino ad oggi rispetto all'era del periodo classico.
Insieme al naturale spostamento verso il naturalismo, c'è stato anche un cambiamento nell'espressione e nell'incarnazione emotiva delle sculture. Gli eroi delle statue cominciarono ad esprimere più energia, coraggio e forza. Un modo semplice per apprezzare questo cambiamento di espressione è confrontare le creazioni più famose create durante il periodo ellenistico con quelle del periodo classico. Uno dei capolavori più famosi del periodo classico è la scultura Delphi Carrier, che esprime umiltà e umiltà. Allo stesso tempo, le sculture del periodo ellenistico riflettono forza ed energia, che è particolarmente chiaramente espressa nell'opera "Fantino di Artemisia".
Le sculture ellenistiche più famose al mondo sono la Vittoria alata di Samotracia (I secolo a.C.) e la statua di Afrodite proveniente dall'isola di Melos, meglio conosciuta come Venere di Milo (metà del II secolo a.C.). Queste statue raffigurano trame e temi classici, ma la loro esecuzione è molto più sensuale ed emotiva di quanto lo spirito duro del periodo classico e le sue capacità tecniche consentissero.
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Anche la scultura ellenistica subì un aumento di scala, culminando nel Colosso di Rodi (fine del III secolo), che gli storici ritengono paragonabile per dimensioni alla Statua della Libertà. Una serie di terremoti e saccheggi distrussero questa eredità dell'antica Grecia, come molte altre opere importanti di questo periodo, la cui esistenza è descritta nelle opere letterarie dei contemporanei.
Dopo le conquiste di Alessandro Magno, la cultura greca si diffuse in India, come dimostrano gli scavi di Ai-Khanum nell'Afghanistan orientale. L'arte greco-buddista ha rappresentato uno stadio intermedio tra l'arte greca e l'espressione visiva del buddismo. Le scoperte fatte dalla fine del XIX secolo sull'antica città egiziana di Eraclem hanno rivelato i resti di una statua di Iside risalente al IV secolo a.C.
La statua raffigura una dea egizia in modo straordinariamente sensuale e sottile. Questo non è tipico per gli scultori di quella zona, perché l'immagine è dettagliata e femminile, che simboleggia la combinazione di forme egiziane ed ellenistiche durante il periodo della conquista dell'Egitto da parte di Alessandro Magno.
La scultura greca antica è la progenitrice di tutta l'arte mondiale! Fino ad ora, i capolavori dell'antica Grecia attirano milioni di turisti e amanti dell'arte che cercano di toccare la bellezza e il talento che non è influenzato dal tempo.
Di norma, le statue a quel tempo venivano scolpite in pietra calcarea o pietra, dopodiché venivano ricoperte di vernice e decorate con bellissime pietre preziose, elementi in oro, bronzo o argento. Se le figurine sono piccole, allora erano fatte di terracotta, legno o bronzo.
Scultura greca antica
La scultura dell'antica Grecia nei primi secoli della sua esistenza ha subito un'influenza piuttosto seria sull'arte egiziana. Quasi tutte le opere dell'antica scultura greca erano uomini seminudi con le mani abbassate. Dopo qualche tempo, le sculture greche iniziarono a sperimentare un po' con vestiti, posture e iniziarono a dare caratteristiche individuali ai loro volti.
Nel periodo classico, la scultura raggiunse il suo apice. I maestri hanno imparato non solo a dare alle statue pose naturali, ma anche a rappresentare le emozioni che una persona presumibilmente sperimenta. Potrebbe essere premura, distacco, gioia o severità, oltre che divertimento.
Durante questo periodo, divenne di moda raffigurare eroi e dei mitici, nonché persone reali che ricoprivano posizioni importanti: statisti, capi militari, scienziati, atleti o semplicemente persone ricche che volevano perpetuarsi per secoli.
Molta attenzione veniva data allora al corpo nudo, poiché il concetto di bene e di male che esisteva in quel momento e in quella zona era interpretato come un riflesso della perfezione spirituale di una persona.
Lo sviluppo della scultura, di regola, è stato determinato dalle esigenze, nonché dalle esigenze estetiche della società esistente in quel momento. Basta guardare le statue di quel tempo e si può capire quanto fosse colorata e vibrante l'arte a quel tempo.
Grande scultore Myron creò una statua che ebbe un enorme impatto sullo sviluppo delle arti visive. Questa è la famosa statua del lanciatore del disco - il lanciatore del disco. La persona viene catturata nel momento in cui la sua mano viene leggermente tirata indietro, c'è un disco pesante, che è pronto a lanciare in lontananza.
Lo scultore è stato in grado di catturare l'atleta proprio al culmine, che fa presagire il prossimo, quando il proiettile si alza in aria e l'atleta si raddrizza. In questa scultura, Miron ha dominato il movimento.
Era popolare in altri momenti maestro - Policleto, che il stabiliva l'equilibrio della figura umana con passo lento e in quiete... Lo scultore si sforza di trovare le proporzioni perfettamente corrette su cui il corpo umano può essere costruito durante la creazione della scultura. Alla fine, è stata creata un'immagine che è diventata una certa norma e, inoltre, un esempio da seguire.
Polyclet, nel processo di creazione delle sue opere, ha calcolato matematicamente i parametri di tutte le parti del corpo, nonché la loro relazione reciproca. L'altezza umana è stata presa come unità, dove la testa era un settimo, le mani e il viso erano un decimo e i piedi un sesto.
Policleto incarnava il suo ideale di atleta nella statua di un giovane con una lancia. L'immagine combina in modo molto armonioso la bellezza fisica ideale e la spiritualità. Lo scultore ha espresso in modo molto vivido in questa composizione l'ideale di quell'epoca: una personalità sana, versatile e completa.
La statua di Atena di 12 metri è stata creata da Fidia. Inoltre, creò una statua colossale del dio Zeus per il tempio di Olimpia.
L'arte del maestro Skopas respira slancio e passione, lotta e ansia, ma anche eventi profondi. La migliore opera d'arte di questo scultore è la statua della Menade. Allo stesso tempo, lavorava Praxitel, che nelle sue creazioni cantava la gioia della vita, così come la bellezza molto sensuale del corpo umano.
Lissip ha creato circa 1.500 statue di bronzo, tra cui sono semplicemente immagini colossali degli dei. Inoltre, ci sono gruppi che riflettono tutte le gesta di Ercole. Accanto alle immagini mitologiche nelle sculture del maestro, sono state esposte anche le vicende di quel tempo, che poi sono passate alla storia.