Najlepsze najsłynniejsze obrazy. Najsłynniejsze obrazy na świecie

„Każdy portret malowany z uczuciem jest w istocie portretem artysty, a nie tego, który mu pozował” Oscar Wilde

Co to znaczy być artystą? Samo naśladowanie pracy nie może być uważane za sztukę. Sztuka jest czymś, co pochodzi z wnętrza. Pomysł autora, ekscytacja, poszukiwania, pragnienia i smutki, które wcielają się w płótno artysty. W całej historii ludzkości napisano setki tysięcy, a być może miliony obrazów. Niektóre z nich to prawdziwe arcydzieła, znane na całym świecie, znają je nawet osoby niezwiązane ze sztuką. Czy można wyróżnić 25 najwybitniejszych spośród takich obrazów? Zadanie jest bardzo trudne, ale próbowaliśmy...

✰ ✰ ✰

Trwałość pamięci, Salvador Dali

Dzięki temu zdjęciu Dali stał się sławny za kilka lat. młody wiek miał 28 lat. Obraz ma kilka innych nazw - ” miękki zegarek”, „Twardość pamięci”. To arcydzieło przyciągnęło uwagę wielu historyków sztuki. Zasadniczo interesowała ich interpretacja obrazu. Mówi się, że idea płótna Dalego jest związana z teorią względności Einsteina.

✰ ✰ ✰

„Taniec”, Henri Matisse

Henri Matisse nie zawsze był artystą. Miłość do malarstwa odkrył po ukończeniu studiów prawniczych w Paryżu. Studiował sztukę tak gorliwie, że stał się jednym z najwięksi artyści na świecie. Ten obraz ma bardzo mało negatywnej krytyki krytyków sztuki. Odzwierciedla połączenie pogańskich rytuałów, tańca i muzyki. Ludzie tańczą w transie. Trzy kolory - zielony, niebieski i czerwony - symbolizują Ziemię, Niebo i Ludzkość.

✰ ✰ ✰

Pocałunek, Gustav Klimt

Gustav Klimt był często krytykowany za bycie nago na swoich obrazach. „Pocałunek” został zauważony przez krytyków, ponieważ łączy w sobie wszystkie formy sztuki. Obraz mógłby być wizerunkiem samego artysty i jego kochanki Emilii. Klimt namalował to płótno pod wpływem Mozaika bizantyjska. Bizantyjczycy używali złota w swoich obrazach. Podobnie Gustav Klimt mieszał złoto w swoich farbach, aby stworzyć swoje własny styl obraz.

✰ ✰ ✰

Śpiąca Cyganka, Henri Rousseau

Nikt poza samym Rousseau nie mógł lepiej opisać tego obrazu. Oto jego opis - „koczowniczej Cyganki, która śpiewa swoje piosenki na mandolinie, śpi na ziemi ze zmęczenia, jej dzbanek z woda pitna. Przechodzący lew podszedł, by ją powąchać, ale jej nie dotknął. Wszystko jest zalane światło księżyca bardzo poetycka atmosfera. Warto zauważyć, że Henri Rousseau jest samoukiem.

✰ ✰ ✰

„Sąd Ostateczny”, Hieronim Bosch

Bez zbędnych ceregieli - obraz jest po prostu wspaniały. Ten tryptyk jest największym z zachowanych obrazów Boscha. Lewe skrzydło przedstawia historię Adama i Ewy. Centralna część to Dzień Sądu Ostatecznego» ze strony Jezusa - kto powinien iść do nieba, a kto do piekła. Ziemia, którą tu widzimy, płonie. Na prawym skrzydle widnieje obrzydliwy obraz piekła.

✰ ✰ ✰

Wszyscy znają Narcyza z mitologia grecka- mężczyzna, który miał obsesję na punkcie swojego wyglądu. Dali napisał własną interpretację Narcyza.

Historia jest taka. Piękny młody człowiek Narcyz z łatwością złamał serca wielu dziewczynom. Bogowie interweniowali i, aby go ukarać, pokazali mu jego odbicie w wodzie. Narcyz zakochał się w sobie i umarł, ponieważ nie mógł się objąć. Wtedy Bogowie pożałowali, że mu to zrobili, i postanowili uwiecznić go w postaci kwiatu narcyza.

Po lewej stronie obrazu Narcyz patrzący na swoje odbicie. Potem zakochał się w sobie. Prawy panel pokazuje wydarzenia, które miały miejsce później, w tym powstały kwiat, żonkil.

✰ ✰ ✰

Fabuła obrazu oparta jest na biblijnym bicie dzieci w Betlejem. Po tym, jak narodziny Chrystusa stały się znane od Mędrców, król Herod polecił zabić wszystkie małe dzieci płci męskiej i niemowlęta w Betlejem. Na zdjęciu rzeź jest w apogeum, ostatnie dzieci odebrane matkom czekają na swoją bezlitosną śmierć. Widoczne są także zwłoki dzieci, dla których wszystko jest za nimi.

Poprzez wykorzystanie bogatych zabarwienie, obraz Rubensa stał się arcydziełem światowej sławy.

✰ ✰ ✰

Prace Pollocka bardzo różnią się od innych artystów. Położył swoje płótno na ziemi i poruszał się po płótnie i chodził po nim, kapiąc farbę z góry na płótno za pomocą patyczków, pędzli i strzykawek. Dzięki tej unikalnej technice zyskał w kręgach artystycznych przydomek „Sprinkler Jack”. Obraz ten przez pewien czas nosił tytuł najdroższego obrazu na świecie.

✰ ✰ ✰

Znany również jako „Taniec w Les Moulins de la Galette”. Ten obraz jest uważany za jeden z najradośniejszych obrazów Renoira. Ideą obrazu jest pokazanie widzom zabawnej strony. paryskie życie. Po dokładnym przestudiowaniu obrazu widać, że Renoir umieścił na płótnie kilku swoich przyjaciół. Ponieważ obraz wydaje się nieco wyblakły, początkowo był krytykowany przez współczesnych Renoirowi.

✰ ✰ ✰

Historia zaczerpnięta jest z Biblii. Na obrazie " Ostatnia Wieczerza” przedstawia ostatnią wieczerzę Chrystusa przed jego aresztowaniem. Właśnie rozmawiał ze swoimi apostołami i powiedział im, że jeden z nich go zdradzi. Wszyscy apostołowie są zasmuceni i mówią mu, że na pewno to nie oni. To był ten moment, który da Vinci pięknie przedstawił swoim żywym wizerunkiem. Wielki Leonardo potrzebował czterech lat, aby ukończyć ten obraz.

✰ ✰ ✰

„Lilie wodne” Moneta można znaleźć wszędzie. Prawdopodobnie widziałeś je na tapetach, plakatach i okładkach czasopism artystycznych. Faktem jest, że Monet miał obsesję na punkcie lilii. Zanim zaczął je malować, wyhodował niezliczone ilości tych kwiatów. Monet zbudował most w stylu japońskim w swoim ogrodzie nad stawem z liliami. Był tak zadowolony z tego, co zrobił, że narysował tę historię siedemnaście razy w ciągu jednego roku.

✰ ✰ ✰

W tym obrazie jest coś złowrogiego i tajemniczego, otacza go aura strachu. Tylko taki mistrz jak Munch potrafił przedstawić strach na papierze. Munch wykonał cztery wersje Krzyku w olejach i pastelach. Według wpisów do pamiętnika Muncha jest całkiem jasne, że on sam wierzył w śmierć i duchy. W obrazie „Krzyk” przedstawił siebie w momencie, gdy pewnego dnia spacerując z przyjaciółmi poczuł strach i podniecenie, które chciał namalować.

✰ ✰ ✰

Obraz, który zwykle określany jest jako symbol macierzyństwa, nie powinien się nim stać. Mówi się, że model Whistlera, który miał pozować do obrazu, nie pojawił się i zamiast tego postanowił namalować swoją matkę. Można powiedzieć, że jest tu przedstawione smutne życie matki artysty. Ten nastrój wynika z ciemnych kolorów użytych w tym obrazie.

✰ ✰ ✰

Picasso poznał Dorę Maar w Paryżu. Mówi się, że była intelektualnie bliższa Picasso niż wszystkie jego poprzednie kochanki. Używając kubizmu, Picasso był w stanie przekazać ruch w swojej pracy. Wygląda na to, że twarz Maara zwraca się w prawo, w stronę twarzy Picassa. Artysta urzeczywistnił obecność kobiety. Może chciał czuć, że zawsze tam była.

✰ ✰ ✰

Van Gogh namalował Gwiaździstą noc podczas leczenia, gdzie pozwolono mu malować tylko wtedy, gdy jego stan się poprawił. Wcześniej w tym samym roku odciął lewy płatek ucha. Wielu uważało artystę za szalonego. Z całej kolekcji prac Van Gogha Gwiezdna noc» zyskał największą sławę, być może dzięki niezwykłemu sferycznemu światłu wokół gwiazd.

✰ ✰ ✰

Na tym obrazie Manet odtworzył Wenus z Urbino Tycjana. Artysta miał złą reputację, przedstawiając prostytutki. Choć panowie w tym czasie dość często odwiedzali kurtyzany, nie sądzili, że komuś przyszło do głowy ich narysować. Wtedy lepiej było, aby artyści malowali obrazy na historycznych, mitycznych lub motywy biblijne. Jednak Manet, wbrew krytyce, pokazał widzom ich współczesność.

✰ ✰ ✰

Ten obraz to historyczne płótno przedstawiające podbój Hiszpanii przez Napoleona.

Po otrzymaniu zamówienia na obrazy przedstawiające walkę ludu Hiszpanii z Napoleonem, artysta nie malował płócien heroicznych i żałosnych. Wybrał moment egzekucji hiszpańskich buntowników przez francuskich żołnierzy. Każdy z Hiszpanów przeżywa ten moment na swój sposób, ktoś już się pogodził, ale dla kogoś właśnie nadeszła główna bitwa. Wojna, krew i śmierć, tak właśnie przedstawił Goya.

✰ ✰ ✰

Uważa się, że przedstawiona dziewczyna jest najstarsza córka Vermeera, Marii. Jej rysy są obecne w wielu jego pracach, ale trudno je porównać. Książkę o tym samym tytule napisała Tracey Chevalier. Ale wersja Tracy, która jest przedstawiona na tym zdjęciu, jest zupełnie inna. Twierdzi, że podjęła ten temat, ponieważ informacji o Vermeerze i jego obrazach jest bardzo mało, a ten konkretny obraz ma tajemniczą atmosferę. Później na podstawie jej powieści powstał film.

✰ ✰ ✰

Dokładna nazwa obrazu to „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banning Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga”. Towarzystwo strzeleckie było cywilną milicją powołaną do obrony miasta. Oprócz milicji Rembrandt dodał kilka dodatkowe osoby. Biorąc pod uwagę, że w momencie pisania tego obrazu kupił drogi dom, może być prawdą, że otrzymał ogromną opłatę za Nocną Straż.

✰ ✰ ✰

Chociaż obraz zawiera wizerunek samego Velázqueza, nie jest to autoportret. główny bohater płótna - Infantka Małgorzata, córka króla Filipa IV. Przedstawia moment, w którym Velazquez, pracujący nad portretem króla i królowej, zmuszony jest zatrzymać się i spojrzeć na infantkę Margheritę, która właśnie weszła do pokoju ze swoją świtą. Obraz wygląda niemal jak żywy, budząc ciekawość publiczności.

✰ ✰ ✰

To jedyny obraz Bruegla, który został namalowany olejem, a nie temperą. Nadal istnieją wątpliwości co do autentyczności obrazu, głównie z dwóch powodów. Po pierwsze nie malował olejami, a po drugie ostatnie badania wykazały, że pod warstwą malarstwa znajduje się schematyczny rysunek złej jakości, który nie należy do Bruegla.

Obraz przedstawia historię Ikara i moment jego upadku. Według mitu pióra Ikara były przyczepione woskiem, a gdy Ikar wzniósł się bardzo blisko słońca, wosk stopił się i wpadł do wody. Ten krajobraz zainspirował Wystana Hugh Audena do napisania swojego najsłynniejszego wiersza na ten sam temat.

✰ ✰ ✰

„Szkoła Ateńska” jest chyba najbardziej słynny fresk Rafael, malarz włoskiego renesansu.

Na tym muralu w Szkole Ateńskiej wszyscy wielcy matematycy, filozofowie i naukowcy zebrali się pod jednym dachem, dzielą się swoimi teoriami i uczą się od siebie. Wszyscy bohaterowie żyli w inny czas, ale Rafael umieścił je wszystkie w jednym pokoju. Niektóre z postaci to Arystoteles, Platon, Pitagoras i Ptolemeusz. Bliższe spojrzenie pokazuje, że na tym zdjęciu znajduje się autoportret samego Rafaela. Każdy artysta chciałby zostawić swój ślad, jedyną różnicą jest forma. A może uważał się za jedną z tych wielkich postaci?

✰ ✰ ✰

Michał Anioł nigdy nie uważał się za artystę, zawsze uważał się za rzeźbiarza. Ale udało mu się stworzyć niesamowity, wykwintny fresk, przed którym czci cały świat. To arcydzieło jest na suficie Kaplica Sykstyńska w Watykanie. Michał Anioł otrzymał zlecenie namalowania kilku historii biblijnych, z których jedną jest stworzenie Adama. Na tym zdjęciu rzeźbiarz Michała Anioła jest po prostu widoczny. Ludzkie ciało Adama jest oddane z niesamowitą wiernością, żywymi kolorami i precyzyjną muskularną formą. Można więc zgodzić się z autorem, w końcu jest bardziej rzeźbiarzem.

✰ ✰ ✰

„Mona Lisa”, Leonardo da Vinci

Chociaż jest to najbardziej zbadany obraz, Mona Lisa nadal jest najbardziej tajemnicza. Leonardo powiedział, że nigdy nie przestał nad tym pracować. Mówi się, że dopiero jego śmierć dopełniła obraz. „Mona Lisa” to pierwszy włoski portret, na którym modelka jest pokazana do pasa. Skóra Mony Lisy wydaje się błyszczeć dzięki zastosowaniu kilku warstw przezroczystych olejków. Jako naukowiec Leonardo da Vinci wykorzystał całą swoją wiedzę, aby urealnić obraz Mona Lisy. To, kto dokładnie jest przedstawiony na obrazie, nadal pozostaje tajemnicą.

✰ ✰ ✰

Obraz przedstawia Wenus, boginię miłości, unoszącą się na muszli na wietrze, który wieje Zefir, bóg wiatru zachodniego. Na brzegu spotyka ją Ora, bogini pór roku, gotowa ubrać nowonarodzone bóstwo. Wzorem dla Wenus jest Simonetta Cattaneo de Vespucci. Simonetta Cattaneo zmarła w wieku 22 lat, a Botticelli chciał być pochowany obok niej. Połączył go z nią niespełniona miłość. Ten obraz jest najwspanialszym dziełem sztuki, jakie kiedykolwiek stworzono.

✰ ✰ ✰

Wniosek

To był artykuł TOP 25 najsłynniejszych obrazów na świecie. Dziękuję za uwagę!

Wprawdzie uważam, że zawód projektanta nie jest związany ze sztuką, ale wydaje mi się, że edukacja kulturalna i rozwój smaku są ważne dla każdego projektanta. Dlatego dzisiejszy post będzie trochę ogólnoedukacyjny.

Chciałbym, aby każda osoba podziwiała nieśmiertelne obrazy wielkich artystów. W tym artykule zebrałem najlepsze i ikoniczne obrazy różni mistrzowie Dzieła wizualne.

Zainspiruj się zdrowiem (kliknij)!

Leonardo da Vinci „La Gioconda”

Wydaje mi się, że recenzję warto rozpocząć od najbardziej chyba znanego obrazu świata – Giocondy (lub „Mona Lisy”) Leonarda da Vinci. Jest to portret Lisy Gherardini namalowany w latach 1503-1505. Na ten moment przechowywane w Luwrze.

Istotną cechą obrazu jest słynna enigmatyczny uśmiech Mona Lisa. W najsłynniejszym uśmiechu na świecie kryje się kilka sekretów, które do dziś ekscytują umysły. Pierwsza tajemnica: trudno zrozumieć, czy Mona Lisa rzeczywiście się uśmiecha, czy tylko wydaje się być. Drugą i trzecią zagadkę można zobaczyć tylko na żywo, będąc w Luwrze: z dowolnego miejsca w holu wydaje się, że portret patrzy na ciebie i uśmiecha się tylko do ciebie; stopniowo przechodząc obok portretu od lewej do prawej, widać, jak dziewczyna na nim się starzeje. Ostatnie dwa zjawiska, które zdarzyło mi się osobiście zaobserwować i mogę potwierdzić, że faktycznie mają miejsce.

Rafał „Madonna Sykstyńska”

Ten obraz jest często używany do różnych kartek świątecznych. A raczej anioły z dołu. Obraz został zamówiony u Rafaela w 1512 roku. Obecnie przechowywany w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie.

Leonardo da Vinci „Ostatnia Wieczerza”

Fresk przedstawia ostatnią wieczerzę Chrystusa ze swoimi uczniami. Powstał w latach 1495-1498 w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie. Przybliżony rozmiar 4,5m x 8,7m.

Sandro Botticelli „Narodziny Wenus”

Obraz słynnego Włocha jest przechowywany we Florencji we Florencji Galeria Uffizi. Obraz został namalowany w 1486 roku. I przedstawia boginię piękna, zrodzoną z morskiej piany i wychodzącą na ląd.

Salvador Dali „Trwałość pamięci”

Prawdopodobnie najsłynniejszy obraz Salvadora Dali. Osobiście ten obraz uderza mnie prosto w mózg i sprawia, że ​​wątpię w rzeczywistość otaczającego mnie świata. Napisany w 1931 r. i obecnie przechowywany w Muzeum Sztuka współczesna w Nowym Jorku.

Kazimierz Malewicz Czarny kwadrat"

To płótno o wymiarach 79,5 × 79,5 centymetra było ikoniczne i dało początek nowemu kierunkowi w malarstwie. Jednocześnie Czarny Kwadrat jest również najbardziej kontrowersyjnym płótnem. Niewiele jest osób, które nie widzą tu sztuki i twierdzą, że równie dobrze będą rysować. Od 1915 Malewicz namalował 7 identycznych płócien.

Ciekawostka: wielu krytyków sugeruje, że Malewicz pierwotnie namalował inny obraz, a następnie posmarował go czarną farbą. Badania dla tego miejsca prowadzono wielokrotnie, ale krytycy sztuki byli oburzeni, argumentując, że obraz może zostać nieodwracalnie uszkodzony.

Vincent van Gogh „Gwiezdna noc”

Jeden z moich ulubionych obrazów w ogóle. Pisemny Holenderski artysta w 1889 roku. Obecnie jest przechowywany w Museum of Modern Art w Nowym Jorku.

Karol Bryułow ” Ostatni dzień Pompejów”

Rosyjski malarz namalował ten obraz w 1830 roku po wizycie w Pompejach. Obraz opowiada o słynnej erupcji Wezuwiusza, która pogrzebała całe miasto. Obecnie przechowywany w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu.

Pablo Picasso „Dziewczyna na balu”

Obraz został namalowany przez słynną hiszpański artysta w 1905 i przedstawia grupę wędrownych akrobatów. Obecnie przechowywane w Muzeum Puszkina, Moskwa.

Iwan Aiwazowski „Dziewiąta fala”

Obraz poraża burzą kolorów i pokazuje bezradność człowieka wobec żywiołów. Namalowany przez światowej sławy rosyjskiego artystę w 1850 roku. Wystawiony w Petersburgu w Państwowym Muzeum Rosyjskim.

W rzeczywistości ta lista może być kontynuowana w nieskończoność. Jest na świecie duża ilość dzieła sztuki. Polecam obejrzeć je wszystkie na żywo.

Brak inspiracji? Radzę wybrać czas i odwiedzić dobre muzeum.

Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści są w przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowani artyści nowoczesność. I wierzcie mi, ich dzieła zapadną w waszej pamięci nie mniej niż dzieła mistrza z minionych epok.

Wojciecha Babskiego

Wojciech Babski - nowoczesny polski artysta. Ukończył Politechnikę Śląską, ale związał się z nią. V Ostatnio przyciąga głównie kobiety. Koncentruje się na manifestowaniu emocji, dąży do uzyskania jak największego efektu prostymi środkami.

Uwielbia kolor, ale często używa odcieni czerni i szarości, aby uzyskać jak najlepsze wrażenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio coraz większą popularność zdobywa za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z powodzeniem sprzedaje swoje prace, które można już znaleźć w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.

Warren Chang

Warren Chang - nowoczesny amerykański artysta. Urodzony w 1957 i wychowany w Monterey w Kalifornii, ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie w 1981 roku z tytułem Bachelor of Fine Arts w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim w 2009 roku rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta.

Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarskim wywodzi się z twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i obejmuje przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, studentów, pracownie, sale lekcyjne i wnętrza domowe. Jego celem jest tworzenie nastroju i emocji w swoich realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.

Chang stał się sławny po przejściu do tradycyjnych sztuk wizualnych. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters of America, największej społeczności malarstwa olejnego w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 jest uhonorowana możliwością otrzymania tej nagrody. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, wykłada również (znany jako utalentowany nauczyciel) na Akademii Sztuk Pięknych w San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni - włoski artysta. Urodzony w Blair, 15 października 1955. Ukończył scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, bo samodzielnie „zbudował dom wiedzy” na fundamencie szkoły. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.

Wczesne malarstwo Bruni ma korzenie w surrealizmie, ale z czasem zaczyna skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symboliki, wzmacniając to połączenie wyrafinowanym wyrafinowaniem i czystością swoich postaci. Przedmioty ożywione i nieożywione zyskują jednakową godność i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają zobaczyć esencję własnej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, zamyślenie i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony przepychem sztuki i harmonią muzyki.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodzony w 1970 roku w Gliwicach, ale od 1989 roku mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.

Jako dziecko uczył się sztuki pod kierunkiem ojca Jana, artysty samouka i rzeźbiarza, więc od młodym wieku, działalność artystyczna otrzymała pełne wsparcie od obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie m.in nauczyciel w szkole i artystka na pół etatu Cathy Gaggliardi zachęciła Alcasandera do wejścia Szkoła Artystyczna. Balos otrzymał wtedy pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo u profesora filozofii Harry'ego Rosina.

Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata, Balos przeniósł się do Chicago, aby zapisać się do szkoły sztuk wizualnych, której metody opierają się na kreatywności. Jacques-Louis David. realizm figuratywny i malarstwo portretowe byli bardzo prace Balosa z lat 90. i początku 2000. Dziś Balos wykorzystuje postać ludzką do podkreślenia cech i mankamentów ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.

Kompozycje fabularne jego obrazów są przeznaczone do samodzielnej interpretacji przez widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu zakres jego twórczości znacznie się poszerzył i obejmuje obecnie swobodniejsze metody malowania, w tym abstrakcję i różne style multimedialne, które pomagają wyrazić idee i ideały bycia poprzez malarstwo.

Alyssa mnisi

Alyssa Monks - współczesna amerykański artysta. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w New Jersey. Malarstwem zainteresowała się jeszcze jako dziecko. Studiował w New School w Nowym Jorku i Uniwersytet stanowy Montclair i absolwent Boston College w 1999 roku, otrzymał tytuł licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo Medici we Florencji.

Następnie kontynuowała studia w ramach programu magisterskiego na nowojorskiej Akademii Sztuki na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. Ukończyła Fullerton College w 2006 roku. Przez pewien czas wykładała na uniwersytetach i instytucje edukacyjne w całym kraju, ucząc malarstwa w New York Academy of Art, a także na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.

„Używając filtrów takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam Ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, przez które prześwitują kolorowe wyspy — części ludzkiego ciała.

Moje zdjęcia się zmieniają nowoczesny wygląd do już ustalonych, tradycyjnych postaw i gestów kąpiących się kobiet. Mogliby wiele powiedzieć uważnemu widzowi o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak korzyści płynące z pływania, tańca i tak dalej. Moje postacie są przyciśnięte do szyby okna kabiny prysznicowej, zniekształcając własne ciało, uświadamiając sobie, że w ten sposób wpływają na notoryczne męskie spojrzenie na nagą kobietę. Grube warstwy farby są mieszane ze sobą, aby z daleka naśladować szkło, parę, wodę i ciało. Jednak z bliska, zachwycająco właściwości fizyczne farba olejna. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.

Kiedy po raz pierwszy zaczęłam malować ludzkie ciało, od razu byłam nim zafascynowana, a nawet miała obsesję i poczułam, że muszę malować swoje obrazy tak realistycznie, jak to tylko możliwe. „Wyznawałem” realizm, aż zaczął się rozplątywać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style mogą współistnieć w tym samym momencie, zrobię to”.

Antonio Finelli

włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 r. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech między Rzymem a Campobasso. Jego prace były wystawiane w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, a także znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych.

Rysunki ołówkiem " Obserwator czasu” Antonio Finelli wysyła nas w wieczną podróż wewnętrzny świat ludzka czasowość i rygorystyczna analiza tego świata z nią związana, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady, jakie pozostawia na skórze.

Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, a artysta ma nadzieję, że na ciałach swoich bohaterów znajdzie dowody na bezwzględność czasu. Antonio definiuje swoje prace jako jedno, Nazwa zwyczajowa: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkiem nie tylko przedstawia osobę, ale pozwala widzowi kontemplować prawdziwe wyniki upływ czasu w osobie.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma troje dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Ukończył historię sztuki w BD School of Art. Następnie otrzymała dyplom w specjalności konserwator dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.

Pasja Flamini do malowania powstała już w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, bo uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobnej techniki nauczyła się w pracach artysty Pascala Torua. Flamininia inspiruje się wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper, François Legrand, a także różnymi nurtami artystycznymi: street artem, chińskim realizmem, surrealizmem i realizmem renesansowym. Jej ulubione malarz Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.

Denis Czernow

Denis Chernov jest utalentowany ukraiński artysta, urodził się w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkowa Szkoła Artystyczna w 1998 przebywał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował również na Wydziale Grafiki Państwowej Akademii Projektowania i Sztuki w Charkowie, którą ukończył w 2004 roku.

Regularnie uczestniczy w wystawy sztuki, w tej chwili jest ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość prac Denisa Czernowa znajduje się w prywatnych kolekcjach na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.

Denis pracuje w szerokim zakresie technik graficznych i malarskich. Rysunki ołówkiem to jedna z jego ulubionych metod malarskich, lista jego tematów rysunki ołówkiem także bardzo różnorodny, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje gatunkowe, ilustracje książkowe, literacki i rekonstrukcje historyczne i fantazje.

Strona zawiera najwięcej znane obrazy Rosyjscy artyści XIX wieku z nazwiskami i opisami

Różnorodne malarstwo rosyjskich artystów od początku XIX wieku przyciąga swoją oryginalnością i wszechstronnością w kraju sztuki piękne. Mistrzowie malarstwa tamtych czasów nie przestali zadziwiać swoim wyjątkowym podejściem do fabuły i pełnym szacunku podejściem do uczuć ludzi, rodzima natura. W XIX wieku często malowano kompozycje portretowe z niesamowitym połączeniem emocjonalnego obrazu z epicko spokojnym motywem.

Obrazy rosyjskich artystów są wspaniałe w rzemiośle i naprawdę piękne w odbiorze, uderzająco dokładnie odzwierciedlają oddech swoich czasów, wyjątkowy charakter ludzi i ich pragnienie piękna.

Najpopularniejsze płótna rosyjskich malarzy: Aleksander Iwanow - jasny przedstawiciel malowniczy kierunek biblijny, w kolorach opowiadający o epizodach z życia Jezusa Chrystusa.

Karl Bryullov - malarz popularny w swoim czasie, jego reżyseria malarstwo historyczne, tematy portretowe, dzieła romantyczne.

Malarz morski Ivan Aivazovsky, jego obrazy są wspaniałe i można powiedzieć, że po prostu niezrównanie odzwierciedlają piękno morza z przezroczystymi toczącymi się falami, zachodami słońca i żaglówkami.

Wyróżniająca się wszechstronność wyróżnia dzieła słynny Ilja Repina, który stworzył dzieła gatunkowe i monumentalne odzwierciedlające życie ludzi.

Bardzo malownicze i wielkoformatowe obrazy artysty Wasilija Surikowa, opis historii Rosji jest jego kierunkiem, w którym artysta podkreślał epizody w kolorach ścieżka życia Rosjanie.

Każdy artysta jest wyjątkowy, na przykład malowniczy mistrz baśni i eposów Wiktor Wasniecow, wyjątkowy w swoim stylu, jest zawsze soczysty i jasny, romantyczne płótna, których bohaterami jesteśmy wszyscy sławni bohaterowie ludowe opowieści.

Każdy artysta jest wyjątkowy, na przykład malowniczy mistrz baśni i eposów Wiktor Wasniecow, wyjątkowy w swoim stylu, jest zawsze soczysty i jasny, romantyczne płótna, których bohaterami są znani bohaterowie baśni ludowych. Bardzo malownicze i wielkoformatowe obrazy artysty Wasilija Surikowa, opis historii Rosji jest jego kierunkiem, w którym artysta podkreślał epizody ścieżki życia narodu rosyjskiego w kolorach.

W malarstwie rosyjskim XIX wieku taki trend jak realizm krytyczny, podkreślając kpiny, satyrę i humor w wątkach. Oczywiście był to nowy trend, nie każdy artysta mógł sobie na to pozwolić. W tym kierunku zdecydowano się na takich artystów jak Pavel Fedotov i Wasilij Perow.

Pejzażyści tamtych czasów również zajmowali swoją niszę, a wśród nich Izaak Lewitan, Aleksiej Sawrasow, Arkhip Kuindzhi, Wasilij Polenow, młody artysta Fiodor Wasiliew, malowniczy mistrz lasu, leśne polany z sosnami i brzozy z grzybami Iwan Szyszkin. Wszystkie barwnie i romantycznie odzwierciedlały piękno rosyjskiej przyrody, której różnorodność form i obrazów wiąże się z kolosalnym potencjałem otaczającego świata.

Według Lewitana w każdej nucie rosyjskiej natury kryje się niepowtarzalna kolorowa paleta, stąd ogromna przestrzeń dla kreatywności. Być może jest to zagadka, że ​​płótna tworzone na rozległych przestrzeniach Rosji odznaczają się wykwintną surowością, ale jednocześnie przyciągają dyskretnym pięknem, od którego trudno odwrócić wzrok. A może wcale nie zawiła i raczej nie wpadająca w ucho fabuła, obraz Levitana „Mniszek” niejako zachęca widza do myślenia i dostrzegania piękna w prostocie.