Szachy stylizacji martwa. Master Class ze zdjęciem
Jak każdy inny gatunek fotografii, wciąż życie jest niemożliwe bez kompozycji. Ponadto, martwa natura jest dokładnie gatunkiem, w którym skład odgrywa najważniejszą rolę i wymaga szczególnej uwagi od fotografa. W końcu rama reportażowa może być wybaczona, jeśli autor złapał naprawdę dobry czas. I homemade zdjęcia - zauważyłeś, jak zmarły mama, widząc na zdjęciu, choć talentless, ich dziecko? Jest mało prawdopodobne, że będziemy czekać na te same kondesję od publiczności, sfotografował pomarańczową butelką. Aby mieć pozytywny wpływ, będziesz musiał spróbować. I początek, oczywiście wynika z kompozycji pojętych ramki.
Wymaganie, kompozycja w martwym powietrzu jest harmonijną kombinacją i interakcją obiektów w ramce. Poprzez kompozycję można konsekwentnie pokazać widz, że chciałeś stworzyć nastrój, przekazać pomysł, a nawet opowiadał historię.
Kompozycja w martwym powietrzu może być podzielona na kilka typów:
- geometryczny
- przestrzenny
- kolor
Skład geometryczny
Nie jest tajemnicą, że wszystkie obiekty mają formularz geometryczny (lub przybliżony do geometrycznego). Nie jest to również tajemnicę, że osoba jest charakterystyczna dla powiązania każdej postaci z jej cechą jej charakterystyki. Na przykład kąty są podświadomie związane z wskaźnikami. Kiedy spojrzysz na kwadratowy lub prostokąt przez długi czas, pojawia się uczucie stabilności (może, ponieważ nasz podświadomie rysuje stabilny budynek). A krąg tworzy poczucie komfortu i łagodzenia. Warto pamiętać, że poziome linie (leżące człowieka) są znacznie spokojniejsze niż pionowy (człowiek stojący). Jeśli chodzi o przekątne, linie rosnące prowadzą z najwyższego dolnego rogu na prawy górny - wyglądają naprężająco malejąco: czytamy wszystko pozostawione w prawo, a nasz widok musi "gotować" wokół zdjęcia, aby dotrzeć do samego szczytu. Ale to jest ukryte i pewne poczucie zwycięstwa, prawda?! Downstream linie pochodzące z lewego górnego kąta po prawej dolnej prawej, przeciwnie, są tradycyjnie związane z relaksacją, smutkiem lub nawet spadkiem.
 |
 |
Wszystkie te małe sztuczki mogą być używane do własnych celów - w celu przeniesienia koncepcji, pomysłów na zdjęcia.
Wybór przestrzeni
Jeśli istnieje potrzeba podświetlenia pewnego przedmiotu w martwym stopniu, usuwając go do roli głównego bohatera, tutaj możesz grać na kompozycji przestrzennej. Na przykład umieść główny obiekt na czołówce, przed wszystkimi innymi. Lub ustaw światło, aby wiodący element został zapalony przez jaśniejszy niż wszyscy, a te obiekty, które się skończyły, a przed nim były słabsze. I możliwe jest, aby przebiegłe - zapalić różdżkę kadzidła lub zwolnić dym papierosowy, w ten sposób rysując w ramie do pasa powietrza: Fokus będzie koncentruje się na przednich obiektach, ponieważ daleko utopiony w romantycznej mgiełce .
Możesz także grać w aspektach technicznych aparatu: Jeśli chcesz pokazać go szczegółowo każdy element, w tym tło lub draperia, a następnie fotografowanie należy przeprowadzić za pomocą zamkniętej membrany. Ale jeśli ważne jest, aby wybrać jeden jeden element, membrana musi być ujawniona jak najwięcej. Nie ma potrzeby ignorowania funkcji optyki: na ramkach wykonanych przy użyciu soczewek szerokokątnych, elementy są znacznie zniekształcone, a bliżej aparatu obiekt, tym większy wydaje się w stosunku do pilota. I odwrotnie, duże długości ogniskowe "Zbieraj" perspektywę, przestrzeń jest znacznie bardziej płaski.
Skład kolorów.
Jeśli fotografia jest prowadzona w B / W, nie będziemy korzystać z wiedzy na temat właściwości narażenia koloru. Ale w przypadku zaplanowania fotograficznego koloru - nie powinieneś ignorować tego zakresu badań. Odwracając umysł na psychologię koloru, zobaczymy, że każdy z kolorów ma, oprócz oryginalnego koloru, własnego ładunku semantycznego. Ciepłe kolory (pomarańczowy, żółty, czerwony, terakota) przypominają nam o lato, słońce, ciepło. Jest to pierwszy stowarzyszenie, który występuje, patrząc na zdjęcie, rozwiązany w tych kolorach. Ponadto, z przebiegu malarstwa, możesz dowiedzieć się, że takie przedmioty wydają się bliżej wizualnie. Nie można powiedzieć o zimnych kolorach: niebieski, zielony, różowy, fioletowy - te kolory Lekko usuwają obiekt z widza i są powiązane jako reguła z zimą, zimną, wodą.
Ważne jest, aby pamiętać o kontraście, czasami można go odtwarzać, ale często nieskompresowane kombinacje kolorów odpychają lub zniekształcają znaczenie całej produkcji. Jeśli zdecydujesz się robić zdjęcia ogórka na pomarańczowym tle, pomyślaj, czy będzie tło, aby przeciągnąć uwagę? Czy naprawdę chciałeś to osiągnąć? Należy również pamiętać, że każdy element ma możliwość odzwierciedlenia lub absorbowania odcieni kolorów obiektów w pobliżu, a nawet dwa z tego samego w kolorze obiektu na jednym tle może wyglądać inaczej ze względu na różnice w ich teksturach.
Wpływ na widza ma również nasycenie koloru: kompozycja w miękkich pastelowych kolorach stworzy poczucie odpoczynku i nostalgii, a jasne, krzyczące farby, wręcz przeciwnie, nadają się do przyciągnięcia uwagi, transmisji ekspresji, fabryk. Dlatego jasne kolory są tak kochane przez reklamujących fotografów, podczas gdy zdjęcie sztuki jest często dotykane wyciszonym, spokojnym tonem.
Oczywiście każda kompozycja musi być w pełni skompilowana wspólnym smakiem, prawem wewnątrz zdjęcia - w przeciwnym razie się rozpada. Dlatego powinieneś być ostrożny z kontrastami kolorów, mogą mieć poważny wpływ - jak sprawić, by pracować bardziej interesujące i zniszczyć, wprowadzając niepotrzebne akcenty.
Czarny i biały
Pomimo braku koloru, w czarno-białej martwej życiu, ich prawa panuje, a kontrast tutaj również odgrywa ważną rolę. Ten sam kolor w tym przypadku jest zastępowany przez tone - inna gra, ale istnieją również reguły!
Z pewnością zauważyłeś, że pełne kobiety bardzo rzadko idą w kolorze białym. Faktem jest, że biały kolor wydaje się być objętością czerni. Na czarno-białym obrazie oczu najpierw chwyta najjaśniejsze plamy i tylko wtedy porusza się do ciemności. Istnieje wiele zdjęć wizualnych na tym efekcie: jeśli spojrzeć na arkusz w gładkiej czarno-białej taśmie, z pewnością wydaje się, że białe paski są szersze. Zawsze należy wziąć pod uwagę tę zasadę podczas sformułowania kompozycji, a także wziąć pod uwagę, że jasny biały temat będzie w czołówce lub w tle, z pewnością wydaje się w tej kompozycji głównie, a wygląd spadnie przede wszystkim na nim.
Kontrasty
Jak już wspomniano, kontrasty odgrywają specjalną rolę. Istnieją w tej samej kompozycji na obrazie, mogą podświetlić obiekty i, przeciwnie, ukryj je. Praca zbudowana na ledwie zauważalnych wahań w świetle i cieniu bez podkreślania uwagi plam widzów wydaje się być monotonny, monotonny, niewyrażający. Ostre kontrasty tworzą napięcie, dynamikę.
Zasada tratta.
Oczywiście, w rozmowie o kompozycji, niemożliwe jest nie wspominać o zasadę trzeciej. Mając w umyśle przez ramę cztery linie - dwa, dzieląc je na trzy równe części poziomo, a dwa pionowe pionowe - można obliczyć najskuteczniejsze strefy ramowe: są w punktach skrzyżowania czterech linii ze sobą. W tych strefach najlepiej umieścić główny obiekt kompozycji.
W rzeczywistości zasada trzeciej jest uproszczona zasada złotej sekcji, która będzie nieco bardziej skomplikowana. W tym celu rama musi być podzielona na osiem części poziomo i pionowo. A następnie wydać po prawej i po lewej stronie, a także od dołu i na górze, linia wynosi 3/8. Na skrzyżowaniu tych linii i pojawi się punkty złotej sekcji. Ale podział na trzy części jest znacznie wygodniejsze niż osiem części, więc częściej stosuje się w kompozycji: różnica widza nie jest tak zauważalna, a harmonia w ramce z zastrzeżeniem któregokolwiek z tych zasad jest oczywista.
Rytm
 |
 |
Rytm, czyli powtórzenie tych samych lub podobnych linii jest bardzo potężnym narzędziem kompozytowym, który umożliwia manipulowanie widoku przeglądarki. Według "ścieżki" przemiennych obiektów możesz bardzo daleko zranić. Ale nie jest konieczne, aby odtworzyć - rytm może i zabić całą kompozycję, pozbawiając jej dynamikę i monotonną.
Połączenia wewnętrzne
Podczas tworzenia konfiguracji dla fotografii konieczne jest zapewnienie połączenia między obiektami w ramce. Przedmioty mogą być powiązane z formą (jajko i żarówki), w kolorze (pomidorowym i czerwonym papryce), w znaczeniu (jabłko i cynamon). Przedmioty muszą być zgłaszane, aby przekazać widz, który tłumaczy spojrzenie z jednego przedmiotu w martwym życiu do drugiego. Takie podejście daje integralność kompozycji, czyni go interesującym, zrozumiałym i jednocześnie tajemniczym - nie jest wcale niezbędne do ujawnienia wszystkich połączeń wewnętrznych jednocześnie, najciekawsza może być ukryta wewnątrz kompozycji lub na chwilę Od widza, na przykład światło.
W kompozycji możesz mówić nieskończenie przez długi czas, ale co najważniejsze, co wciąż zbudowane jest na (jak jednak i zdjęcie w dowolnym innym gatunku) jest pomysłem, działką i prysznicem obrazu. A skład jest tym samym narzędziem w rękach fotografa, jak sama kamera. Pamiętaj, że chcesz przekazać widzowi! I użyj wszystkich dostępnych technik kompozytowych dla własnych celów.
Słowo "martwa natura" pochodzi z francuskiego frazy "Nature Morte" i oznacza sortowanie lub martwy charakter. Ale wydaje mi się, że istota tego typu sztuki daje angielskiemu wyrażeniu "martwa natura" - "stałe, mrożone życie". W końcu, w swojej istocie, martwa natura - nic innego jak wybór kawałka życia.
Zbieranie materiału do tego artykułu, napotkałem pewne trudności. Na pierwszy rzut oka zdejmij życie, łatwiej niż prosta. Umieść kubek na stole, dodał do niego szczegóły, ustaw światło i kliknij migawkę. Modele modele są zawsze pod ręką, nieograniczony czas na fotografowanie. Wygodne i koszty są minimalne. Dlatego kochają tego gatunkowego nowicjusza fotografów. A niektóre osiągają bardzo interesujące wyniki. Przejdź do dowolnego miejsca fotograficznego, wybierz odpowiedni sekcję i podziwiaj naprawdę eleganckie zdjęcia. Ale przechodzi czas, a wiele pytań powstaje: "Dlaczego musisz go strzelać? Kto go potrzebuje? Co zrobię z tego?" Bez znalezienia odpowiedzi na te pytania, wiele przełączy się na ślub, fotografie dla dzieci lub zwierząt, które dają pewne dochody. Martwa natura nie lubi tego specjalnego szacunku i zdjęć mistrzów. Nie opłacalny tej firmy. Jeśli coś może przynieść, jest to tylko estetyczna satysfakcja. Od czasu do czasu strzelają do czasu, więc mówiąc, aby dogonić swoją umiejętnością.
Ale są jednostki, które widzą w martwym życiu, coś więcej niż tylko piękne zdjęcie. Więc poświęcam mój artykuł do tego mistrzów.
Przyznaję, na początku chciałem dokonać wyboru fotografów, którzy mnie lubią, a które słusznie zajmują pierwsze miejsca w ratingach na różnych zdjęciach. A potem pojawiło się pytanie: "dlaczego?" Wszyscy wiedzą, jak korzystać z Internetu, większość NED raz pokazała zdjęcia, zaznajomieni z najlepszymi pracami, a informacje o zainteresowanej fotografie można zawsze znaleźć w wyszukiwarce. Postanowiłem opowiedzieć o specjalnych fotografów - tych, których kreatywność zamienia rozpoznawane kanony z nóg na głowie, która naprawdę zrobiła coś nowego, który udało się zobaczyć coś niezwykłego w codziennych sprawach. Na różne sposoby można traktować za ich pracę: podziwiać lub, przeciwnie, nie bierz. Ale jednoznacznie ich praca nie może pozostawić nikogo obojętnego.
1. Kara barer.
Kara Berr (1956), fotograf z Stanów Zjednoczonych, wybrał jeden obiekt na filmowanie - książka. Przekonując go, tworzy niesamowite rzeźby książkowe, które fotografie. Rozważmy, że zdjęcia mogą być nieskończone. W końcu każda rzeźba książki niesie pewne znaczenie i niejednoznaczne.
2. Gwido Mocafico (Guido Mocafico)
Szwajcarski fotograf Guido Mokafiko (1962) w swojej pracy nie jest ograniczony do jednego tematu. Interesuje się różnymi obiektami.
Ale nawet biorąc pojedynczy kawałek, dostaje niesamowitą pracę. Jego słynna seria "ruch" ("ruch"). Wydaje się po prostu podejmowane przez mechanizmy godzin, a przecież wszyscy, jeśli spojrzysz, własną postać.
Wciąż, jak wiesz, "Natura śmiertelna" jest usunięta. W swojej serii "Węże", Guido, MOCAFIKO naruszył tę zasadę, a dla przedmiotu martwego życia wzięła żywą istotę. Węże, walcowane przez jedzenie, tworzą niesamowity, jasny i wyjątkowy obraz.
Ale fotograf tworzy tradycyjne martwiałe natężenia, usuwając je w stylu holenderskim i wykorzystując takie niemieszkalne przedmioty jako szczegóły.
3. Carl Kleiner (Carl Kleiner)
Szwedzki fotograf Karl Kleyper (1983) dla jego nieruchomych natężeniach używa najczęstszych przedmiotów, dzięki czemu w dziwacznych zdjęciach. Zdjęcia Karl Kleiner kolorowe, graficzne i eksperymentalne. Fantazja jest nieograniczona, wykorzystuje zupełnie inne materiały z papieru do jaj. Wszyscy, którzy mówią, idą w biznesie.
4. Charles Grogg (Charles Grogg)
Wciąż życie American Charles Grogg jest wykonane w czerni i bieli. Fotograf do filmowania wykorzystuje również zwykłe przedmioty domowe dostępne w każdym domu. Ale eksperymentować z ich lokalizacją i łączeniem w niezwykłych kombinacjach, fotograf tworzy prawdziwie fantastyczne obrazy.
5. Co madoz (chema madoz)
Jestem pewien, że prace Madoz (1958), fotografa z Hiszpanii znanych wielu. Jego czarno-białe martwe życie, wykonane w surrealistycznym stylu, nie pozostawiają nikogo obojętnego. Unikalny wygląd fotografa na zwykłych rzeczach podziwia. Prace Madosa są pełne nie tylko humoru, ale także w głębokim znaczeniu filozoficznym.
Sam fotograf mówi, że jego zdjęcia są wykonane bez żadnej cyfrowej przetwarzania.
6. Martin Klimas (Martin Klimas)
W dziełach Martin Klimas (1971), fotografa z Niemiec, również nie Photoshopa. Tylko krótki, a raczej supercore, fragment. Jego specjalnie opracowana technika pozwala uchwycić wyjątkową chwilę, że ludzki wygląd nie może nawet zobaczyć. Usuwa Martin Klimas jego wciąż życie w całkowitej ciemności. Korzystanie z specjalnego urządzenia w momencie złamania elementu na podziale sekundy, wybuch jest włączony. A kamera rejestruje cud. Tutaj po prostu masz wazony z kwiatami!
7. John Chervinsky (John Chervinsky)
Amerykański John Cervinsky (1961) jest naukowcem pracującym w dziedzinie fizyki stosowanej. A jego nieruchomy wątroba jest mieszanką nauki i sztuki. Tutaj i nie zrozumiesz: lub wciąż życia lub instrukcji nauczania w fizyce. Podczas tworzenia ich martwego życia John Cervinski korzysta z praw fizyki, otrzymując niezwykle interesujący wynik.
8. Daniel Gordon (Daniel Gordon)
Daniel Gordon (1980), fotograf z Ameryki, nie dotyczy problemów naukowych. Po fotografowaniu wciąż trwania wybrał kolejną ścieżkę. Wydruki na drukarce Kolorowe zdjęcia pobrane z Internetu, te kawałki papieru, a następnie zawija w nich różne elementy. Okazuje się coś w rodzaju rzeźb papierowych. Jasny, piękny, oryginalny.
9. Andrew Myers (Andrew B. Myers)
Andrew Myers (1987), fotograf z Kanady, nie mylisz z żadnym innym - są zawsze rozpoznawalne. Proste delikatne, spokojne tło, dużo pustej przestrzeni, która tworzy uczucie obrazu wypełniacza ze światłem i powietrzem. Najczęściej tworzyć nieruchomych natężenia, przedmioty z lat 70. i 80. XX wieku. Jego prace są graficzne, stylowe i powodują pewną nostalgię.
10. Regina Decomis (Regina Deluise)
Aby stworzyć swoje prace, Regina Curisis (1959), fotograf z Stanów Zjednoczonych nie używa lustrzanej inżynierii fotograficznej. Wybrała inny sposób - wydrukowane negatywy z filmu na specjalnym papierze. Jego poetyckie obrazy zawierają dużą gamę odcieni i różnych tekstur. Wciąż życie są bardzo delikatne i poetyckie. Niesamowita gra światła i cieni.
11. Bochcong Koo (Bohnchang Koo)
Bochchang Ku (1953), fotograf z Korei Południowej, woli biały kolor. Stworzył martwa natura - biały na białym - po prostu niesamowity. Są nie tylko piękne, ale także mają pewne znaczenie - zachowanie antycznej koreańskiej kultury. W końcu fotograf jest specjalnie podróżujący po całym świecie, szukając obiektów dziedzictwa kulturowego w muzeach.
12. Chen Wei (Chen Wei)
Chen Wei (1980), fotograf z Chin, wręcz przeciwnie, znajduje inspirację do swojej pracy w pobliżu domu. Wyświetlono dziwne przestrzenie, sceny i obiekty, wykorzystuje rekwizyty, rzucane przez innych na wysypiska.
13. Alekandra Laviada (Alejandra Laviada)
Aleukandra Laviada, fotograf z Meksyku, wykorzystuje zniszczone i opuszczone budynki za jego filmowanie, tworzenie nieruchomych trwałości z znalezionych tam obiektów. Jej martwa natura mówi prawdziwym opowieściom o ludziach, które mieszkały w tych budynkach i cieszyli się rzeczy pozostawionymi za niepotrzebnymi rzeczami.
Na naszych klasach malarstwo szczególna uwaga jest wypłacana dla martwego życia, wykonana dekoracyjna malownicza technika.
Dekoracyjny obraz to zróżnicowany i obszerny temat. W naszych nauczycieli opracowanych przez naszych nauczycieli istnieje seria lekcji do studiowania technik dekoracyjnych pracy z farbami. W przypadku przykładów przygotowuje się specjalne trwania, na których można wizualnie pokazać różne techniki i funkcje stylu dekoracyjnego.
Celem zadania jest dekoracyjna martwa natura.
- Naucz się przedstawić przedmioty za pomocą ozdobnych produktów do malowania.
- Opanuj umiejętności transformacji, podziału i układów kolorów w kształcie.
- Wypróbuj różne techniki malowania dekoracyjnego.
Istnieje powszechne przekonanie, że dekoracyjne malownicze style nie pasują do programu akademickiego i zaprzestań głównych malowniczych zasad. W rzeczywistości jest to głębokie złudzenie. Wszystkie metody i zasady stylu dekoracyjnego postępują bezpośrednio z programu akademickiego i są jego dalszym rozwojem i nieustanną ewolucją wszystkich akademickich sztuki.
Na pierwszy rzut oka uproszczone modelowanie i brak realistycznego obrazu mogą przedstawić nieprawidłowy obraz. Dekoracyjna wydajność pracy stawia wiele innych, bardziej złożonych zadań.
Malarstwo dekoracyjne wiąże się z głębokim badaniem lokalnego koloru, skład kolorowych miejsc, poszukiwaniem ekspresyjnych akcentów i spektakularnych rozwiązań przestrzennych.
Artysta wymaga najbardziej wyraźnie, wykorzystując minimum funduszy, przekazać obraz, wrażenie prawdziwego modelu. Konieczne jest pokazanie objętości obiektu, materiał, fakturę bez uciekania się do klasycznego modelowania. Wartość analizy obiektu wzrasta, należy wybrać i symulować stylizowany obraz, który przenosi obiekt do płaszczyzny koloru z realistycznego obrazu.
W malarstwie dekoracyjnym linia staje się ważniejsza, która staje się pełnym uczestnikiem obrazu, a na równi z kolorem i tonem jest zaangażowany w tworzenie ogólnej kompozycji. Zmiana grubości i ekspresywności linii bardziej jasno podkreśla głośność i tworzywo sztuczne elementu.
Również szeroka gama może przynieść zmianę kształtu i częstotliwość rozmazu, który natychmiast zamienia powierzchnię płótna w ozdobny panel lub mozaikę.
W pierwszym etapie znajomego z możliwościami malarstwa dekoracyjnego zalecamy pisanie serii nieruchomości, jak w martwym powietrzu istnieje okazja do wyboru kombinacji obiektów i tkanek do jasnego wykazują techniki stylu dekoracyjne.
Rodzaje dekoracyjne martwa natura.
Istnieje kilka wspólnych technik, które okazały się w praktyce i w procesie uczenia się. Nazwy są wybrane warunkowo, ponieważ w nowoczesnym obrazie nie ma jasnej, międzynarodowej klasyfikacji stylów i mundurowych nazw.
Malowanie z klap. Wszystkie kombinacje kolorów w tej technologii przedstawiono w postaci oddzielnych segmentów, podkreślają strukturę obiektów i najbardziej ekspresyjne właściwości manifestować. Często używane czyste kolory i wyświetlacz płaski przestrzeń.
Malowanie wyraźnie dedykowanym obwodem. Aby zwiększyć stosunki kształtu i koloru, tak zwana "metoda witrażowa" jest używana, gdy wszystkie obiekty i refrakcyjne miejsca formularza są zasilane przez czarne lub ciemne linie, tworząc wyraźne otarcia i granice między kolorami. Prace wykonywane w takiej technice są uzyskiwane bardzo spektakularne i jasne.
Inne techniki dekoracyjne opierają się na kombinacjach czystych kolorów, różnego rodzaju zmian w rozmazach, stosowanie mastyki, szerokich szczotek i innych narzędzi. Format artykułu nie pozwala na opisanie każdej techniki i sposobu stosowania farby. Więcej informacji można dowiedzieć, odwiedzając nasze klasy.
Fotografie wciąż życia, jak wiesz, są dość powszechne. Często wielu fotografów uwielbia przedstawić swoje życie w czerni i bieli. Aby to zrobić, musisz znaleźć obiekty, porównać obiekty codzienne w środowisku, a także wzmacniać różnicę w teksturach i tonach. Transformacja w wersji czarno-białej daje wiele funkcji podczas przeglądania samego zdjęcia.
Czarno-białe martwa natura pozwala skupić się na liniach fotografii, tekstur i formularzy. W takim przypadku elementy te są znacznie łatwiejsze, ponieważ nie jest konieczne rozproszenie kolorami. Dobry wykorzystanie tej recepcji nie tylko uzyskać bardziej obiektywny obraz z punktu widzenia jego integralności, ale także wzmocnić napięcie między różnymi obiektami i materiałami. Takie kombinacje można znaleźć wszędzie, na przykład w parku, na brzegu itp. Możesz robić zdjęcia dowolnych obiektów. Ponadto możesz fotografować obiekty parami lub więcej. Należy zauważyć, że nie zaleca się używania tych samych metod, aby konwertować zdjęcia do opcji czarno-białej.