Nikola Poussin (1594-1665) Pomimo faktu, że we Włoszech Poussin był bardzo popularny i regularnie otrzymywali rozkazy, w swojej ojczyźnie, we Francji, artystów sądowych wyrazili negatywną pracę negatywnie. I sam poidsin, zmuszony do życia na francuskim sądzie, wędrował na słonecznym

Willem Clas Hedda (1593/1594-1680 / 1682) Martwa natura z rakiem 1650-1659. Galeria National, Londonv Holenderski malarstwo XVII wieku. Dużo dystrybucji otrzymała martwa natura. Gatunek ten charakteryzował się różnorodnością "Podzhanrowi". Każdy mistrz zwykle przykleił się do jej tematu.

Widoki: 6 674

Nikola Pussen. (1594, Les-Anqueli, Normandia - 19 listopada, 1665, Rzym) - Francuski artysta, który stoi przy pochodzeniem malowania klasycyzmu. Przez długi czas żył i pracował w Rzymie. Prawie wszystkie jego obrazy - na działkach historycznych i mitologicznych. Mistrz ściganej, rytmicznej kompozycji. Jeden z

pierwszy szacuje monumentalność lokalnego koloru.

Artysta, filozof, naukowiec i myśliciel, w tej dziedzinie, którego główną rolą odgrywa racjonalny początek, poidsin i jego osobowość, a jego kreatywność uosabia francuski klasycyzm. Jego obraz jest tematycznie wieloaspektowy - wybiera działki religijnych, historycznych, mitologicznych, inspirowanych antykami oodami lub nowoczesną literaturą.

Poussin rozpoczyna studia we Francji. Od 1622 r. Otrzymuje zamówienia w Paryżu na prace religijne. Wraz z F. De Champhen uczestniczy w scenerii Pałacu Luksemburskiego (nie zachowany). Pierwszy pobyt Pussen w Rzymie trwa od 1624 do 1640 r. Jego uzależnienie artystyczne powstaje tutaj, kopiuje starożytne zabytki, Vakhanlia Titian, studiuje dzieła Rafaela. Ale pozostałe na zawsze zobowiązało się do "przyzwoitej i szlachetnej natury", idealny, Pussen nie akceptuje sztuki Caravaggio, naturalizmu szkoły flamlandzkiej i holenderskiej, sprzeciwia się wpływowi Rubensa, jego zrozumienie malarstwa. Dodanie jego artystycznego światopoglądu przyczynia się do pobytu z 1624 w warsztacie Domenicino. Pussen staje się bezpośrednią kolejką tradycją idealnego krajobrazu ułożonego włoskim mistrzem.

Wkrótce w Rzymie artysta zapoznał się z kardynałem Barberini, bratanckim papierze Urban VIII, dla którego pisze "śmierć Niemiec". Między 1627 a 1633 r. Serwuje wiele obrazów maszynowych dla kolektorów rzymskich. Potem pojawiają się jego arcydzieła " Inspiracja poety "," Królestwo Flory "," Triumph Flora "," Tancred i Herminia "," żałoba Chrystusa " .

Kreatywność Poussa do historii malarstwa jest trudna do przeceniania: jest założycielem takiego stylu malarstwa jako klasycyzmu. Artyści francuski tradycyjnie znali sztukę włoskiego renesansu. Ale byli inspirowani pracami mistrzów włoskiego manieryzmu, barokowego, karawgizmu. Pussen był pierwszym francuskim malarzem, który wziął tradycję klasycznego stylu Leonardo da Vinci i Raphael. Włączanie do tematów starożytnej mitologii, historii starożytnej, Biblii, Poussin ujawniła tematy współczesnej epoki. Niegrzeczny

przyniósł prace doskonałej osoby, pokazując i mając przykładowe przykłady o wysokiej moralności, wartości cywilnych. Jasność, stałość i porządek drobnych technik Pussen, ideologicznych i moralnych ostrości jego art. Później dokonały jego kreatywności w odniesieniu do Akademii Malarstwa i Rzeźby Francji, która podjęła rozwój norm estetycznych, formalnych kanonów i ogólnie wiążących Zasady kreatywności artystycznej (tzw. "Akademizm")

*****************************************************************

W jednym z esejów stanowiących "Historia obrazu wszystkich czasów i narodów", A. N. Benua wyłącznie dokładnie ustalono podstawę artystycznych poszukiwania badacza europejskiego klasycyzmu - Nikola

Pususen: "Jego sztuka rejestruje bardzo duży krąg doświadczeń, uczuć i wiedzy. Jednak główną cechą jego pracy była ograniczenie tylko jednej harmonijnej całości. W nim eklektyzm świętuje apoofyozę, ale nie jako doktrynę akademicką, szkolną, ale jako osiągnięcie pragnienia alokacji i wszystkich związków i wszystkich związków. Właściwie jest to wytyczne ideę klasycyzmu, które znajdowały się w POUSSINI Jego największego Expressora właśnie dlatego, że "poczucie miary i jego najbardziej eklektyzm jest wyborem i uczenie się pięknych - były cechy nieadadowate i arbitralne zamówienie , ale główna nieruchomość jego duszy. "

Liczne produkty Pussen i źródeł biograficznych wraz z rozległym obudową badań cipki pozwalają dość wyraźnie przedstawić proces stania się artystycznym systemem sztuki Wizard.

Poussin urodził się w 1594 roku w Normandii (według legendy, we wsi Wieszak w pobliżu miasta Andelki). Wcześnie

zerwałem miłość do sztuki, pomnożona przez silną wolę, zachęca młodych prowincji opuścić miejsca natywne, stale znosić codzienną przeciwności losu, osiedlić się w Paryżu, więc stamtąd stamtąd, po kilku nieudanych próbach dostać się do "Ojczyznę Sztuka ", do stolicy artystycznej świata - Rzym. Pragnienie wiedzy i umiejętności, wyjątkową zdolność roboczą, stale przeszkolona, \u200b\u200ba ze względu na to, niezwykle opracowana pamięć pozwala młodym artystom opanować Departament Kultury, wchłonąć różnorodność doświadczeń artystycznych i estetycznych - od starożytności Greco-rzymskiej do nowoczesności sztuka. Inteligencja Mistrza skoncentrowana w medium odżywczym służy jako środek do parowania wartości duchowych nagromadzonych przez wieki i generuje system orientacji filozoficznych i estetycznych, które określają wzniosłe znaczenie kreatywności PusseNovsky.

Ta schematyczna charakterystyka osoby kreatywnej powinna dodać oczywistą obojętność wobec wyróżnienia i tendencję do samotności. Dosłownie, wszystko w biografii POUSSIN świadczy o tym, że dekierty wyraziły tak dobrze w swoim słynnym uznaniu: "Zawsze będę uważać się za dużo do użycia grawitacji, z których mogę cieszyć się wolnym, a nie ci, którzy zasugerowali mi najbardziej honorowe posty na ziemi.

Oceniając swój kreatywny sposób, Poussin powiedział, że "nic nie zaniedbane" w latach Quest. Rzeczywiście, z dominującą orientacją na starożytności, sztuka poidsin rozjaśnia elementy szerokiej gamy wpływu.

Na początku drogi - jest to wpływ pierwszej i drugiej szkół fontinblo, o czym świadczy obie i grafika młodych cipek. Markantonio Raimondi Ryciny służą jako źródło znajomego dziedzictwa Rafaela, sztukę, której poidsin następnie porówna się z mlekiem matki.

Według J. P. Bellory, jeden z pierwszych biografów z Poussiny, ważną rolę w tworzeniu artysty grał przez pewną rundę, "królewska matematyka".

Około 1614-1615, po podróży do Puatu, spotyka się w Paryżu z Alexander Curutą (Alexandre Courtois), Vedemonary Queen Mary Matki, opiekun Królewskich Kolekcji Sztuki i Biblioteki, Poussin Dostosowałem okazję odwiedzić Luwr i kopiowanie zdjęć włoskich Artyści tam. Alexander Kuutua posiadał zbiór rycin z obrazów Włosi Rafaela i Julio Romano, który zachwycony Pussen. Raz chory, Poussin spędził trochę czasu od swoich rodziców, zanim wróci do Paryża.

"Ta osoba, - raportuje Bellory, - namiętnie pasjonuje się na zdjęciu, który był opiekunem bogatej kolekcji wspaniałych rycin z Julio Romano i Rafael, urzeczył im duszę Nikola, który skopiował ich z taką gorliwością i tak dobrze Udało mu się zrozumieć umiejętności rysunku, transmisji ruchów, planu umiejętności i innych wspaniałych cech tych mistrzów ". Te same blaszki oświeca młody malarz w dziedzinie matematyki, zaangażowanych w perspektywę go. Lekcje Curo, uderzając w płodną ziemię, da hojne pędy.

W tych samych latach Paris artysta zbliżeniu ze słynnym poeta Marino Jambattist,

namoor barokowej poezji we Włoszech, który przybył do Paryża na zaproszeniem Margarita de Valua i był łaskawie przywiązany na dziedzińcu Maryi Medici. Spędziliśmy osiem lat w Paryżu, Marino stał się, według I. N. Golenishcheva-Kutuzova ", jak gdyby łącze łączące włoską kulturę z francuskim"; Jego wpływ nie uciekł nawet filarem klasycyzmu Mahlera. I na próżno, niektórzy badacze tractują poeta jako rzekomo wychowany i płytcy w swojej pracy: zupełnie uciekłym znajomym z mariną poezją do oceny blasku jego talentu. W rzeczywistym wpływie poety na młodych Pussen, przynajmniej bez wątpienia. Mirino wyróżniała się szerszym erudycją, Marino odwrócił się przed pięknymi stronami starożytnej i nowej literatury malarza, wzmocnił jego namiętną atrakcję do sztuki starożytności i pomogło sobie zrealizować marzenie o Włoszech. Barokowa orientacja poety, jego pomysły sztuki połączonej (głównie malowanie, poezji i muzyki), jego zmysłowość i panteizm nie mogły, ale wpływają na utworzenie estetycznego widoku poidsin, który może i pociągnął za zainteresowanie sztuką baroku, który towarzyszy rozwojowi cipki

wczesny okres kreatywności. (Ta okoliczność jest zwykle nieco brana pod uwagę przez Pusseniana.) Wreszcie, w ramach bezpośredniego przywództwa Marino Młody Poussin zajmuje się "tłumaczeniem" poetyckich obrazów do języka sztuki wizualnej, ilustrującej metamorfozę jajowców.

Courtois i Marino są nie tylko wpływowymi i szeroko wykształconymi ludźmi, w czasie ze wsparciem młodego malarza. Zasadniczo, po pierwsze, że był to matematyk i poeta, a po drugie, przedstawiciele dwóch kultur i dwóch światopoglądów. Racjonalizm pierwszej (charakterystyki Ducha francuskiego jako całości) i braku fantazji drugiego (Marino to nie tylko poeta, ale także zjawisko stilenkowego modernograficznego w swojej najjaśniejszej - wersji włoskiej) istotą dwóch biegunów świat, w którym geniusz poidsiny musiał ujawnić siebie. Warto zauważyć, że najbardziej ekscytujące wydarzenia sztuki często występują dokładnie na granicach kultur i języków.

We wrześniu 1618 r. Poussin mieszkał na ulicy Saint-Germain-L'Serua na Mistrzów Złotego Ifairs Jean Guillana (Jean Guillemen), który również przyszedł. Pochodzi z adresu 9 czerwca 1619 roku. W około 1619-1620 Poussin tworzy płótno " St. Denis Areopag » Dla kościoła Paryskiego Saint-Germain-L'Rua.

W 1622 r. Poussin ponownie rozpoczyna się na drodze w kierunku Rzymu, ale zatrzymuje się w Lyonie, aby spełnić

zamówienie: Paryjski Jezuit College polecił Pousinu i innych artystów, aby napisać sześć dużych obrazów na działkach z życia św. Ignacji Loiol i St. Francis Xavaryia. Zdjęcia wykonane w technice La Détrempe nie są zachowane. Kreatywność Poussina przyciągnęła uwagę na życie we Francji, na zaproszenie Mary Medici, włoskiego poety i Cavaller Marino; 1569-1625).

W 1623 r. Prawdopodobnie na zamówienie Paryża Arcybiskup de Gondi, działa poidsin "Śmierć Matki Boskiej" (La Mort de la Vierge) dla ołtarza katedry w Paryżu Notre Dame. Ten płótno, rozważany w XIX-XX wieku został znaleziony w kościele belgijskiego miasta Serwis. Cavalier Marino, z którym Poussin związał bliską przyjaźń, w kwietniu 1623 r. Wrócił do Włoch.

Po kilku nieudanych próbach Poussin udało się w końcu dostać się do Włoch. Przez chwilę został opóźniony w Wenecji. Następnie wzbogacony artystycznymi ideami weneczków przybył do Rzymu.

Rzym tego czasu był jedynym z tego rodzaju centrum sztuki europejskiej, zdolnego do zaspokojenia wszystkich wniosków odwołania malarza. Młody artysta pozostał wybór. Tutaj Poussin jest zanurzony w badaniu antycznej sztuki, literatury i filozofii, Biblii, Renaissance Traktaty o sztuce itp Szkice antyków, posągów, fragmentów architektonicznych, kopii obrazów i fresków, kopii rzeźb w glinie i wosku - wszystko Z tego pokazuje, jak głęboko opanowałem poidsin swojego materiału. Biografowie jednym głosem mówią o ekskluzywnym pracowicie artysty. Poussin nadal zajmuje geometrię, perspektywę, anatomię, studiując optykę, starając się zrozumieć "rozsądną podstawę pięknej".

Ale jeśli teoretycznie trend w kierunku racjonalnej syntezy osiągnięć europejskiej kultury artystycznej zostało już w pełni zdefiniowane, a linia "Rafael - starożytność" została ustalona jako generała, wówczas twórczej praktyki Pussen we wczesnych latach rzymskich wykrywa szereg zewnętrznie sprzeczne orientacje. Z bliższą uwagą na akademism Bologna, aby surowi

sztuka Domenigo w sąsiedztwie głębokiej pasji dla Wenecjan, zwłaszcza Titysta i zauważalne zainteresowanie rzymskim barokiem.

Przydział tych linii orientacji artystycznej poidsiny we wczesnym okresie rzymskim, który od dawna został zatwierdzony w literaturze historycznej sztuki, trudno być poważnie kwestionowanym. Jednak w sercu takiej różnorodnej referencji do Mistrza Mistrza leży wzór ogólnego porządku, który ma zasadnicze znaczenie dla zrozumienia sztuki Pussen w ogóle.

W 1626 r. Poussin otrzymał pierwsze zamówienie z kardynała Barberini: Napisz zdjęcie "Zniszczenie Jerozolimy" (nie przetrwał). Później napisał drugą wersję tego obrazu (1636-1638; Wiedeń, Muzeum Historii Sztuki).

W 1627 r. Poussin napisał zdjęcie "Śmierć Niemiec" Według historii starożytnego rzymskiego historycznego zapalenia TAC, który jest uważany za programistycznego produktu klasycyzmu; Pokazuje pożegnanie Legionnaires z Dying Dowódcą. Śmierć bohatera jest postrzegana jako tragedia o znaczeniu społecznym. Temat interpretowany jest w duchu spokojnych i surowych bohaterów starożytnej narracji. Ideą obrazu jest ministerstwo zadłużenia. Artysta umieścił figury i obiekty w płytkiej przestrzeni, rozczarowanie go do wielu planów. W tej pracy ujawniono główne cechy klasycyzmu: jasność działania, architektoniczności, uprzęży kompozycji, opozycję grup. Ideał piękna w oczach poidsin składał się w proporcjonalności części całości, w porządku zewnętrznym, harmonii, przejrzystości kompozycji, która stanie się charakterystycznymi cechami stylu kreatora dojrzałego. Jedną z osobliwości kreatywnej metody Pussena był racjonalizm, który nie tylko dotkniętych scenami, ale także w wellness kompozycji. W tym czasie Poussin tworzy obrazy maszynowe głównie średniej wielkości, ale wysoki dźwięk stulecia,

układane podstawy klasycyzmu w europejskim obrazie, kompozycje poetyckie na temat tematów literackich i mitologicznych oznaczonych podwyższoną strukturą obrazów, emocjonalność intensywnej, delikatnie separmonizowanej inspiracji ", (Paryż, Louvre), Parnas, 1630-1635 (Pradas, Madryt). Muzyka w dziełach pushsen 1630s, wyraźny rytm kompozycyjny jest postrzegany jako odzwierciedlenie rozsądnej zasady, dając wielkość szlachetnych czynów osoby - "Zbawienie Mojżesza" (Louvre, Paryż), "Mojżesz, oczyszczanie wody Merra" Madonna, która jest św. Jacob Senior " ("Madonna na słupie") (1629, Paryż, Luwr).

W 1628-1629 r. Malarz pracuje dla głównej świątyni Kościoła katolickiego - katedry św. Piotra; Został zamówiony obraz "Dementy św. Erasma » Dla ołtarza Kaplicy Katedry z Saint Riquaries.

W 1629-1630 Poussin tworzy wspaniałe wyrażenie i najbardziej istotne prawdomówne " Usuwanie z krzyża "(Petersburg, Hermitage).

W dniu 1 września 1630 r. Poussin żonaty Anne-Marie DUGHET, siostra francuskiego szefa kuchni, który mieszkał w Rzymie i dbający o poidsin podczas jego choroby.

W okresie 1629-1633 przedmiotem obrazów Pusssen zmienia się: rzadziej pisze obrazy na temat tematów religijnych, odnosząc się do mitologicznych i literackich działek: "Narcyz i Echo" (Ok 1629, Paryż, Luwr), "Selena i Edimion" (Detroit, Instytut Sztuki); i cykl obrazów opartych na wierszu Torcvatto Tasso "wyzwolony przez Jerozolimy": Rinaldo i Armid. , 1625-1627, (GMIA, Moskwa); "Tancred and Hermine", 1630s, (stan Ermitażu, Petersburg).

Poussin lubił nauki starożytnych filozofów

gotować i zachowanie godności w obliczu śmierci. Refleksje o śmierci zajmują ważne miejsce w swojej pracy. Myśl o ludzkich przypadkach i problemy życia i śmierci stanowiły podstawę wczesnego obrazu "Pasterze Arkadian" , około 1629-1630, (montaż księcia Devonshire, Chatsuit), do którego wrócił do lat 50. (1650, Paryż, Luwr). Według wykresu obrazów mieszkańców Arcadii, gdzie króluje radość i pokój, odkrywają nagrobki z napisem: "I jestem w Arkady". Ta śmierć sama przemawia do bohaterów i niszczy swój spokojny nastrój, powodując myśl o nieuniknionym przyszłym cierpieniu. Jedna z kobiet kładzie rękę na ramieniu sąsiada, wydaje się, że próbuje pomóc mu pogodzić się z myślą o

nieunikniony koniec. Jednak pomimo tragicznych treści artysta opowiada o kolizji życia i śmierci spokojnie. Skład obrazu jest prosty i logiczny: znaki są pogrupowane w pobliżu nagrobka i są związane z ruchami rąk. Figury są zapisywane za pomocą miękkich i ekspresyjnych świateł, przypominają coś antyczne rzeźby z czymś. W obrazie rentowskich motywów Pussin. Reprezentował starożytną Grecję jako idealny świat zaludniony przez mądry i doskonały

ludzie. Nawet w dramatycznych epizodach starożytnej historii próbował zobaczyć obchody miłości i wyższej sprawiedliwości. Na płótnie. "Spanie Wenus" (Ok. 1630, Drezno, galeria zdjęć) Bogini miłości jest reprezentowana przez ziemską kobietę, pozostając niedostępnym ideałem. Jedna z najlepszych prac na starożytnym temacie "Królestwo Flory" (1631, Drezno, Galeria zdjęć), napisana na podstawie wierszy Ovid, jest uderzający piękno malowniczej ucieczki starożytnych obrazów. Jest to poetycka alegoria pochodzenia kwiatów, w której przedstawiono bohaterowie starożytnych mitów w kwiatach. Na zdjęciu artysta zebrał znaki epickiej jajnicy "metamorfozy", która po śmierci zamieniła się w kwiaty (narcyz, hiacynt i inne). Flora tancerza znajduje się w centrum, a pozostałe figury znajdują się w okręgu, ich pozycje i gesty są podporządkowane pojedynczym rytmem - z tego powodu, cała kompozycja jest przeniknięta z ruchem kołowym. Miękki do koloru i delikatny w nastroju krajobrazu jest napisany dość warunkowo i bardziej jak krajobrazy teatralne. Malarstwo z sztuką teatralną była

Ładny artysta XVII wieku - wiek Cypleday Teatru. Zdjęcie ujawnia ważną myśl dla mistrza: bohaterów cierpiących na szalejącą i szalejącą na ziemi, znaleźli pokój i radość w magicznym ogrodzie flory, to znaczy nowe życie jest ożywione ze śmierci, cyklu natury. Wkrótce napisano inna wersja tego obrazu - "Triumph Flora" (1631, Paryż, Louvre).

W 1632 r. Poussin został wybrany członkiem Akademii St. Luke.

Od kilku lat (1636-1642), poidsin pracował nad kolejnością rzymskiego naukowca i członek Akademii Dei Linchee Cassiano Dal Pozzo, amator starożytności i archeologii chrześcijańskiej; Dla niego malarz narysował serię obrazów około siedmiu sakramentów ( SETRESS.). Pozzo więcej niż inni poparli francuski artysta jako patron. Część obrazów weszła do kolekcji malowania książęce raty.

Do 1634-36. Staje się popularny we Francji, a kardynał Richelieu nakazuje mu kilka obrazów do mitologicznych tematów - "Triumph Pan", "Vakha Triumph", "Triumph Neptune". Są to tak zwane "Vakhanalia" poidsin, w kreatywnym rozwiązaniu, którego odczuwa wpływ Titian i Raphaela. Wraz z tym obrazy pojawiają się na działkach historycznych i mitologicznych i historycznych i religijnych, których dramaturgia została zbudowana zgodnie z prawami gatunku teatralnego: "Czurzyć Golden Taurus", "uprowadzenie Sabineanok", "Pasterze Arcade".

W 1640 r. W propozycji Richelieu, Poussin nazywa się "pierwszym malarzem króla". Artysta wraca do Paryża, gdzie otrzymuje szereg prestiżowych zamówień, w tym - do wykonania wystroju dużej galerii Luwru (pozostawione niedokończone). W Paryżu Poussin stoi w obliczu wrogiego stosunku do siebie wielu jego kolegów, wśród których Simon Veu.

Życie w Paryżu jest silnie malowane przez artystę, szuka Rzymu, aw 1643 r. Ponownie jeździ tam, aby nigdy nie wrócić do ojczyzny. Wybór i interpretacja działek w pracach, które tworzy w tym czasie, wyraża wpływ filozofii stoiicyzmu, a zwłaszcza Seniki.

Uroczystość etycznego początku i rozumu nad sensem i emocjami, liniami, rysunkami i porządkiem powyżej malarstwa i dynamiki jest z góry określona przez ścisłą regulację metody kreatywnej, do której jest ściśle następuje. Pod wieloma względami ta metoda ma osobisty charakter.

W początkach obrazu zawsze istnieje pomysł, na którym autor odzwierciedla przez długi czas w poszukiwaniu najgłębego przykładu wykonania znaczenia. Ten pomysł jest następnie podłączony do dokładnego roztworu z tworzywa sztucznego, który określa liczbę znaków, kompozycji, kątów, rytmu i koloru. Konieczne jest wykonanie szkiców do dystrybucji oświetlenia i umieszczenie znaków, w postaci małych postaci wykonanych z wosku lub gliny, w przestrzeni trójwymiarowej, jak w polu sceny teatralnej. Dzięki temu artysta określa proporcje przestrzenne i plany kompozycji. Pisze zdjęcie na płótnie z czerwonawym, czasem jasnym podłożem, w czterech etapach: Najpierw wykonuje tło architektoniczne i sceny, a następnie umieszczać znaki, starannie obsługuje każdy przedmiot oddzielnie, a na końcu stawia farbę z cienkich szczotek, lokalnych ton.

Przez całe życie Poussin pozostał samotny. Nie miał uczniów w dosłownym znaczeniu tego słowa, ale to było dzięki swojej pracy, a jego wpływ na współczesności w malarstwie rozwija się i ma zastosowanie klasycyzm. Jego sztuka staje się szczególnie istotna na przełomie XVIII - XIX stuleci, ze względu na wygląd Neoklasycyzm.. W XIX i XX wieku nie tylko rusza i innych akademiści, ale także delakroix, shazerio, siarka, cezanne, Picasso są stosowane do jego sztuki.

Artysta przedstawił się w rogu warsztatu, na tle obrazu obracanego przez tylną stronę do widza. Jest w ścisłym czarnym płaszczu, z którego widać róg białego kołnierza. W rękach trzyma folder do szkiców, bandaged z różową wstążką. Portret jest napisany bezkompromisowy realizm, podkreślając wszystkie charakterystyczne cechy dużej, brzydkiej, ale ekspresyjnej i znaczącej osoby. Oczy wyglądają prosto na widza, ale artysta bardzo dokładnie przekazał stan osoby zanurzonej w jego myślach. Po lewej stronie na jednym z płótna jest widoczny antykwarski profil żeński, do którego rozciągają się dwie ręce. Ten alegoryczny obraz jest interpretowany jako wizerunek muza, który stwórca stara się zachować.

Nowy superintendent królewskich budynków Francji Francois Syugble De Nopie (1589-1645; na stanowiskach 1638-1645) otacza się z takimi ekspertami jak Paul Falearz de Shanna (1609-1694) i Roland FLear de

Chambre (1606-1676), który powierza w każdy sposób, aby promować powrót Nicola Poussin z Włoch do Paryża. Dla FLear de Shannlu, artysta wykonuje zdjęcie " Manna niebiański "Następnie (1661) nabywa króla za swoją kolekcję.

Po kilku miesiącach Poussin nadal zaakceptował propozycję królewską - "Nolens Volens" i przyszedł do Paryża w grudniu 1640 roku. Pussen otrzymał status pierwszego królewskiego artysty, a właściwie, ogólne przywództwo budowy budynków królewskich jest silne niezadowolenie z malarza sądu Simona VEU.

Natychmiast po powrocie poidsin do Paryża w grudniu 1640 r. Louis XIII Zamówienia Pussena na dużą skalę "Eucharysta" dla ołtarza Królewskiej Kaplicy Pałacu Saint-Germame . Jednocześnie, latem 1641, Pussen rysuje frontispis do publikacji "Biblia Sacra" gdzie Bóg przedstawia dwie figury: lewica kobiecego anioła pisania w ogromnym foliant, z bochenem kogoś niewidzialnym, a po prawej - w pełni zasłona postać (z wyjątkiem palców) z małym egipskim sfinksem w dłoniach .

Z Francois Suble de Noe, zamówienie jest odbierane malowniczym obrazem. "Miracle St. Francis Xaveria. Na terenie Noviciat of the jezuit College. Chrystus na tym obrazie został oczyszczony przez Simona Veu, który wyraził wyrażony, że Jezus "był bardziej jak Jupiter podobny do grzmotu niż na Miłosiernym Bogu".

Zimny \u200b\u200bracjonalny normatywizm poidsiny spowodował zatwierdzenie stoczni Wersalów i kontynuował artystów sądowych, takich jak Charles Lebedna, którzy widzieli w klasycznym malowaniu idealnego języka artystycznego do chwalącego absolutistowego stanu Louis XIV. W tym czasie poidsin pisze jego słynny obraz "Prawdziwy Scipion" (1640, Moskwa, GMIA. A. S. Pushkin). Obraz należy do dojrzałego okresu kreatywności magisterskiej, gdzie są zasadniczo wyrażone zasady klasycyzmu. Są odpowiedzialne za surową wyraźną kompozycję i samą zawartość, gloryfikując zwycięstwo zadłużenia na osobiste uczucie. Fabuła jest wypożyczona od Roman Historian z Tiry Libii. Commander starszy komunię, starszy, znany podczas wojen rzymskich z kraudem, wraca do dowódcy wroga wszystkie ramiona jego panny młodej Lucrecja, zdobytych Scipio podczas zabiorów miasta wraz z ofiarą wojskową.

W Paryżu Poussin miał wiele zamówień, ale miał przyjęcie przeciwników, w obliczu artystów Wu, Breczącej i Philip Mercier, który wcześniej pracował nad dekoracją Luwru. Szczególnie silnie zaintrygowany przeciwko niemu szkołę VURE School of Queen.

We wrześniu 1642 r. Liście Poussa z Paryża, usuwając z intrygi Sądu Królewskiego, z obietnicą powrotu. Ale śmierć kardynała Richelo (4 grudnia 1642) i koncentrant Louis XIII (14 maja 1643 r.) Pozwolił malarzowi pozostać w Rzymie na zawsze.

W 1642 r. Poussin wrócił do Rzymu, do swoich klientów: Cardina Francesco Barberini i Academic Cassiano Dal-Pozzo i mieszkał tam aż do śmierci. Od teraz artysta pracuje ze średnim formatami, zamówiony przez dużych fanów malarstwa - Dal-Pozzo, Shannlu, przez Pare lub Serizier.

Wracając do Rzymu, Poussin kończy pracę nad zamówieniem Cassiano Dal-Pozzo nad serią obrazów "siedem

sakramenty ", w których ujawniły głębokie filozoficzne znaczenie chrześcijańskich dogmas:" Krajobraz z Apostołem Matfey "," Krajobraz z Apostołem Johnem na wyspie Patmos "(Chicago, Institute of Arts). W 1643 r. Rysuje Shanna " Extas. Paweł "(1643, Le Ravissement de Saint Paul), zdecydowanie przypominając obraz Rafaela "Vision of Proroka Ezechiela".

Koniec 1640-tych - początek lat 1650 jest jednym z owocnych okresów w pracy POUDSIN: napisał obrazy "Eliasar i Rebekka", "Krajobraz z diogen" , « Krajobraz z dużą drogą » , Sąd Salomona, "pasterze arcade", drugi autoportret. Tematy jego obrazów tego okresu były cnoty i ważność władców, biblijnych lub antycznych bohaterów. W swoich płótnach pokazał doskonałych bohaterów, lojalnego długu cywilnego, bezinteresowne, hojne, jednocześnie wykazując absolutny uniwersalny ideał obywatelstwa, patriotyzmu, szczerej wielkości. Tworzenie idealnych obrazów opartych na rzeczywistości, celowo skorygował naturę, wyjmując piękne i odrzucając brzydką.

W ostatnim okresie kreatywności (1650-1665), Pussen stał się coraz bardziej zwrócony do krajobrazu, bohaterowie byli

z literackimi, mitologicznymi działkami: "Krajobraz z polifem" (Moskwa, GMI. A. S. Pushkin). Ale ich postacie mityczni bohaterów są małe i niemal niewidzialne wśród ogromnych gór, chmur i drzew. Znaki zabytkowej mitologii działają tutaj jako symbol duchowości świata. Ten sam pomysł wyraża również skład krajobrazu - proste, logiczne, zamówione. Plany przestrzenne są wyraźnie oddzielone w obrazach: Pierwszy plan jest prosty, drugi jest gigantycznymi drzewami, trzecim - górami, niebem lub powierzchnią morską. Podkreślono podział na plany. Było więc system o nazwie później "Krajobraz trzykolorowy": w malowaniu pierwszego planu, żółte i brązowe kolory przeważają, na drugim - ciepłe i zielone, na trzecim - zimno, a przede wszystkim niebieskie. Ale artysta był przekonany, że kolor jest tylko środkiem do tworzenia objętości i głębokości

przestrzenie, nie powinien rozpraszać oka widza z biżuterii dokładnego rysunku i harmonijnie zorganizowanej kompozycji. W rezultacie urodził się wizerunek idealnego świata, zorganizowany zgodnie z najwyższymi prawami umysłu. Od 1650 roku, etyczny i filozoficzny Pafos zintensyfikowany w pracy POUDSIN. Obracając się na działek starożytnej historii, zalecając biblijne i ewangelii znaków w bohaterach klasycznej starożytności, artysta poszukiwał kompletności dźwięku figuratywnego, jasnej harmonii całości ( "Wakacje w Egipcie" , 1658, Ermitaż, Petersburg).

Zasadniczo jest zasadniczo ważne: prace na działkach, miały nadzieję na mitologię i literaturę, są związane głównie z orientacją renesansu w wersji weneckiej (jest szczególnie efekt Titarian), działki religijne są najczęściej nauczane w formy specyficznie nieodłączne Barokowy (czasami młody poidsin nie jest obcy, a przyjęcia karawagizizmu), podczas gdy motywy historyczne otrzymują wyrażenie w klasycznie ścisłych kompozycjach, z których analogia może być kompozycje Domenigo. Wraz z tym wszędzie efekt korekcyjny linii głównej jest zauważalny (Rafael - starożytność); Ten ostatni jest spójny z wpływem Domenicino, który czasami nazywany "Rafael Seicto".

********************************************************************************************

Idea porządku jest nasycony wszystkimi pracami francuskiego mistrza. Przepisy teoretyczne przedstawione przez dojrzałego mistrza obiektywnie odpowiadają swojej artystycznej praktyce wczesnych lat i są w dużej mierze uogólnienie.

"Rzeczy, które charakteryzują się doskonałością" napisał Pussen, "nie jest pośpiech, ale powoli, sądowo i ostrożnie". Musisz użyć tych samych metod, aby je poprawnie ocenić, i aby dobrze to zrobić. "

O jakich metodach mówimy? Szczegółowa odpowiedź zawiera znany list Poussa z 24 listopada 1647 r., Ustawianie "teorii trybów". Powodem niezwykle długiej wiadomości (poidsin był bardzo skompresowany do wyrażania swoich myśli) służył jako kapryśny list do odtrudnica, otrzymany przez artystę krótko wcześniej. Chatel, którego zazdrość była podekscytowana obrazem napisanym przez Poussa dla innego klienta (Lyon Bankier Padel, bliskiego przyjaciela artysty i kolekcjoner jego obrazów), w jego liście wyrzucił poidsin, że honoruje i kocha go mniej niż inni. Dowód Chatel zobaczył, że sposób obrazy wykonane przez Poussa dla niego, Chatel, zupełnie inny niż artysta wybrany podczas wykonywania innych zamówień (w szczególności wskaźnik). Poussin pospieszył, aby uspokoić kapryśną kasetę i chociaż jego podrażnienie było wspaniałe, odnosiło się do sprawy z jego poważną powagą. Oto najważniejsze fragmenty jego listu:

"Jeśli obraz lokalizacji Mojżesza w wodach Nilu, który należy do pana Ponanel, kochałem cię,

czy to wskazuje, że stworzyłem ją bardziej miłością niż twoje? Nie widzisz jasno, że powodem tego wrażenia jest bardzo charakter fabuły, a Twoja lokalizacja, a jakie działki, które piszę, powinny być prezentowane w inny sposób? To wszystko umiejętność malowania. Wybacz moją odwagę, jeśli powiem, że pokazałeś się zbyt pospiesznie w swoich osądzaniu o moich pracach. Bardzo trudno jest oceniać poprawnie, jeśli nie masz wielkiej wiedzy o teorii i praktyce tej sztuki w ich kombinacji. Nie tylko nasz smak powinien być sędzią, ale także umysł.

Dlatego chcę ostrzec cię o jednej ważnej rzeczy, aby pozwolisz zrozumieć, co musisz wziąć pod uwagę na obraz różnych działek w malowaniu.

Nasi wspaniale starożytni Grecy, wynalazcy wszystkich pięknych, znaleźli kilka trybów, przez które szukali wspaniałych efektów.

To słowo "modus" oznacza w swoim własnym sensie, rozsądną podstawę lub miarę, a kształt, którego używamy, tworząc coś, a które nie dają nam wychodzenia na znane granice, zmuszając nas do przestrzegania słynnego środka i umiar. Ten środek i moderacja jest niczym oprócz pewnej i solidnej metody i porządek w procesie, dzięki czemu rzecz zachowuje swoją istotę.

Ponieważ tryby starożytnych były zestaw różnych elementów połączonych ze sobą, ich różnorodność spowodowała różnicę w trybach, dzięki czemu możliwe było, że każdy z nich zawsze zawiera coś specjalnego, a głównie gdy składniki zawarte w łącznej połączonej proporcjonalnie, co dało możliwość spowodowania różnych pasji w duszach. Dzięki temu mędrcy starożytni przypisywali każdej z jego charakterystycznych osobliwości swoich wrażeń. "

Dalej jest przeniesieniem trybów stosowanych przez starożytne i stosunek każdego mododu o określonej grupie (typu) wykresów oraz akcję nieodłączną w modelu. W ten sposób Modeus Doric odpowiada działkowi "ważne, ścisłe i kompletne mądrość", jonińczykiem - radosny, Lidian-Przykro, Ipolida charakteryzuje się "słodką miękkością" itp. (Należy zauważyć, że wyraźne nieporozumienie stało się z FRIGIAS MODUS: Dano mu wzajemnie ekskluzywne szacunki, co zostanie powiedziane poniżej.) Wsparcie Pussena jest największymi władzami starożytności - Platona i Arystoteles.

"Dobry poeci", kontynuuje poidsin, "duże wysiłki i niesamowite umiejętności, aby dostosować słowa do wersetów i zorganizować stopy zgodnie z wymogiem języka. Vergili stała go wszędzie w swoim wierszu, ponieważ dla każdego z trzech rodzajów jego mowy, cieszy się właściwym dźwiękiem wersetem z taką umiejętnością, które w rzeczywistości wydaje się, że dźwięk słów, które stawia obiekty, których mówi ; Więc gdzie mówi o miłości, jasne jest, że mistrzostwo odebrał słowa przetargowe, eleganckie i bardzo przyjemne do słuchania; W tym samym miejscu, gdzie chstabów feat walki, opisuje bitwę morską lub przygodę morską, wybrał słowa okrutne, ostre i nieprzyjemne, więc kiedy słuchają ich lub wymawiają, powodują horror. Gdybym napisał dla ciebie zdjęcie w taki sposób, wyobrażasz sobie, że cię nie lubię.

Ostatnia uwaga, nasycona ironią, jest bardzo dokładną reakcją umysłu na kłopotliwą zazdrość. W końcu w istocie Chatel pozdrowienia malowniczy sposób jako wyraz osobistej postawy artysty do klienta. W przypadku POUDSIN, taka ocena jest nie do pomyślenia subiektywne i granicowe z ignorancją. Kontrastowuje niezależną przylądek, obiektywne prawa sztuki, rozsądne dla umyśle i polegające na autorytet starożytnych. Jednocześnie ważne jest, aby wziąć pod uwagę tożsamość metod postulowanych przez Pussena, dzięki którym powstaje wyrok estetyczny, a działania artystyczne podlegają.

Nieocenione znaczenie tego listu jest dobrze świadome historyków sztuki, których jednak nie można powiedzieć o estetyce. Prawie trzydzieści lat przed słynnym traktatem, Nicola Bouoye "Sztuka Poetycka" (1674), która zawsze była w centrum uwagi badaczami estetyki klasycyzmu, Pussen wyraźnie stwierdza główne kontury klasycznej teorii.

Jako przewoźnik uniwersalnego środka estetycznego regulującego proces twórczy, umysł mówi tutaj. Określa metodę korelacji, aw konsekwencji charakter korespondencji idei i formy w dziele sztuki. Zgodność ta jest określona w koncepcji modusu, co oznacza pewną kolejność lub, jeśli możesz go wyrazić, pewna kombinacja drobnych środków. Zastosowanie jednego lub innego modusu skierowane jest do wzbudzenia pewnego wpływu w postrzeganiu, czyli wiąże się z świadomym wpływem na psychikę widza do doprowadzenia go do linii z duchem ucieleśnionego pomysłu. W ten sposób, w teorii Pussen widzimy nieodłączną funkcjonalną jedność trzech składników, pomysłów, które ucieleśniają strukturę obrazu i "Program" percepcji.

Kreatywne metody poidsin zamieniły się w twardy system zasad, a proces pracy na obrazie jest naśladowany. Nic dziwnego, że umiejętność malarzy klasycyzmu zaczęli spadać, aw drugiej połowie XVII wieku nie było znaczącego artysty we Francji.

Trochę

Kompozycje orientacji literackiej i mitologicznej ("Echo i Narcyz", Paryż, Luwr; "Mars i Wenus", Boston, Muzeum Sztuk Pięknych; "Rinaldo i Armida", Moskwa, GMI. A. S. Pushkin; "Tancred i Hergine", St Petersburg, Ermitaż; "Sleeping Venus", Drezno, Galeria zdjęć; Aurora i Kefal, Londyn, Galeria Narodowa; i inne) są wpisane w poziome formaty spokoju, z reguły proporcje są zbudowane na jasnej alteracji planów przestrzennych; Ich Organizacja Rytmiczna przyczynia się do zjednoczenia "odległego" i "zamykania" w pojedynczy wzór na płótnie płótna; Światło i kolor, który przeznaczył głównych bohaterów akcji, są organicznie splecione w rytmie wzoru liniowego. Płótno tej grupy ma specjalne kolorowe bogactwo.

Zupełnie inaczej niż Pussena do przedstawienia Erasm Mukh (Rzym, Watykan Pinakotek). Prostokąt płótna silnie wydłużony pionowo, ostro akcentowany z rytmem przekątnych, ruch energetyczny figur reprezentowanych w silnych kątach - jest to, co głównie charakteryzuje tę kompozycję, względny barok.

Intelekt figur, naturalizm części (jelita męczennika, ranny przez kata na bramie) wraz z realistycznym typowaniem osób i pielęgnacji anatomicznej sprawy wskazują na zastosowanie technik karaważizmu przez Pussena. Podobne funkcje znajdują się w "bicie niemowląt" z Chartiego (Conde Museum), choć jest to bardziej klasyczna rzecz w duchu. Jest wyraźnie bardziej barokowy wpływ "Vision of St. Jacob "(Paryż, Louvre).

Odwołanie Pussa do poezji Torquato Tasso jest nieco nieoczekiwane, ale wciąż dość wyjaśnione. W pewnym stopniu wpływa tutaj wpływ poprzedników (na przykład druga szkoła Fontainebleau, a raczej Ambruza Dubua). Najwyraźniej rozegrano pewną rolę, a mediacja kultowa Marino.

Pytanie nie jest jednak wyczerpane przez te okoliczności. Jeśli poezja samej Tasso odpowiada duchowi kreatywności poussenovsky, a potem w programie estetycznym Poeta, który zatwierdził fundamentalną rolę Allegorii w dziedzinie tego słowa, został podjęty przez Pussena i bez znaczących zastrzeżeń obraz. Blant, dość w pełni oświetlony tym pytaniem, wskazuje w szczególności w przypadkach bezpośredniego pożyczki przez artystę osądów Tasso 13. Zatem, obracając się do programu Produkt Tasso, słynny wiersz "wyzwolony przez Jerozolimy", Poussin wszedł do względnej estetycznej gleby.

Rinaldo i armida.

W istocie artysta poszedł po imprezie, która była religijnym patosem wiersza i wybrana na dwóch historiach miłosnych, których bohaterowie byli rycerski rinaldo i tankred, maga armidy i księżniczki hermine. Oczywistą tendencją tego wyboru jest związana z tradycją, pod wieloma względami określającym postrzeganie POHAM TASSO w medium, do którego poidsina odwołała się ze swoją sztuką i która z kolei miała wpływ na jego pracę. Jako R. Li, działki, miał nadzieję artystę z "wyzwolonego Jerozolimy", szybko zyskał popularność, nie tylko ze względu na ich samozozłowemu dobroczynności, ale także dlatego, że mieli długą tradycję duszpasterstwa, rosnąco do antycznej mitologii i literatury oraz Renaissance sztuki kultywowanej (możesz zadzwonić do takich ulubionych działek jako "Wenus i Adonis", "Aurora i Kefal", "Diana and Envimion", itd.). Istnieje dobry powód, by wierzyć, że Tasso był postrzegany przez Pussen przez pryzmat tej tradycji.

Dramat Miłości Rinaldo i Armidi są objęte Pussenem w całym swoim rozwojem, większość prac (obrazów i rysunków) cyklu Tassowskiego poświęca się tej działce.

Pachnąc nienawidzę Crusader Rinaldo, magarza świata decyduje się zniszczyć. Młody rycerz przychodzi na wybrzeże oonto, gdzie rzeka, podzielona na dwa rękawy, jest usprawniona, i widzi bieguna piękna z napisem, który wywołuje podróżnika na wspaniałą wyspę. Nieostrożny młody człowiek, pozostawiając swoich sługi, siedzi w korzeniu i jest odtworzony. Tutaj, pod dźwiękami magicznego śpiewu zasypiasz i okazuje się być władzę Armid. Ale czarodziejka, uchwycona przez piękno rycerza, nie jest w stanie przeprowadzić gniewnego zamiaru - miejsce nienawiści w jej sercu zajęło miłość. Spowolnienie lekkich łańcuchów z kwiatów, Armidom podnieca śpiącego Rinaldo, toleruje go do swojego rydwanu i leci nad oceanem, na odległej wyspie szczęścia. Tam, w zaczarowanych ogrodach na ramce, gdzie wiosna zawsze króluje, kochankowie cieszą się życiem, podczas gdy posłańcy Goffredo, przywódcy krzyżowców, przezwyciężenia wielu przeszkód, nie zwolniają Rinaldo od niewoli miłości. Wezwany przez poczucie obowiązku rycerz opuszcza ukochany.

Rozważ obraz z montażu GMIA. A. S. Pushkin. Oto epizod, gdy Armido, ubija piękno Rinaldo, próbuje starannie podnieść rycerza do przeniesienia do rydwanu.

Scena jest wpisana w formacie poziomym, zgodnie z jego proporcjami, budowa statyczna jest najprawdopodobniej, a nie dynamiczna. Jednak naruszenie "spokoju" formatu Pussen podkreśla ukośne członkostwo w samolocie, a tym samym ustawia schemat dynamicznej kompozycji. Charakterystyczne jest, że "aktywna" przekątna zostanie wybrana jako kierunek dominujący - z lewego dolnego rogu na prawy górny. N. M. Tarabukin tak ustalił właściwości tej przekątnej, zwanej "przekątną walki": "Nie ma zbyt szybkiego tempa. Ruch jest rozmieszczony powoli, ponieważ spełnia przeszkody na jego ścieżce, która wymaga pokonania. Całkowity ton kompozycji brzmi głównie. "

Na zdjęciu można łatwo przymocować dwie grupy liniowych powtórzeń: grupa dominantów ukośnych (figura boga rzeki, przepływ wody, rydwanu, koni, chmury itp.) I kontrastowej grupy "przeszkody" (pnia drzewa W lewym górnym rogu figury kobiece fig, które kontrolują rydwan itp.). Ich interakcje strumienie kapryśne konfiguracje formularzy przedmiotów, wiąże elementy różnych planów przestrzennych na płótnie płótna. Mniej wyrażone członkostwo pionowe i poziome. Charakterystyczne jest, że postać Rinaldo tylko szczegółowo jego konstrukcji jest włączony do energetycznej interakcji przekątnych, posłuszając ogólny rytm członkostwa horyzontalnego i będąc najbardziej "pasywnym" figur.

Biorąc pod uwagę strukturę obrazu "głęboko w", możliwe jest podkreślenie trzech głównych planów z pewną konwencją: pierwsze, do którego alegoria rzeki i strumienia odpowiada alegorii; Drugi - Rinaldo, Armid i Amur; Po trzecie - grupa z rydwanem. Pierwszy plan jest rytmicznie porównywany przez trzeci; Jednocześnie określono różne kierunki przekątnych: w pierwszym planie - po prawej / górnej lewej / w dół (przepływ wody), na trzecim - po lewej stronie / dołu do prawej / w górę (Ruch rydmiczny). Ponadto pierwsza postać Boga rzeki jest odwrócona do widza, podczas gdy kobiece postacie trzeciego planu są podane w kolei widza. Efekt występuje, jakby lustrzany obraz w pobliżu planów w pobliżu. Przestrzeń obrazu jest zamknięta, a średni plan dostaje silny akcent. Znaczenie kompozycji drugiego planu jest podkreślone przez pozycję profilu danych Rinaldo i Armid reprezentowanych przez VIS-A-VIS.

Akcenty kolorów i lekkich są umieszczane w wierzchołkach trójkąta, który łączy dane różnych planów przestrzennych i wyrażają zgodę na schemat rytmiczny. Odsłaniając pozycje "szoku" tego schematu, lekkiego i kolorowego działania jako regulatory intonacji obrazu: kontrasty czerwonego, niebieskiego i złotego żółtego w grupach drugiego i trzeciego planu brzmi jak wykrzyknik wykrzykników. Charakterystyczne jest, że w pozycjach wstrząsów kolor jest wyczyszczony z zanieczyszczeń, zbliżając się do lokalnego. Jeśli chodzi o światło, ważne jest, aby w szczególności zauważyć, że jego "wpis" na obraz jest podporządkowany kierunku, kontrastująca dominująca przekątna, jest po lewej / górnej po prawej stronie / w dół. W cytowanej pracy Tarabukiny kierunek ten jest interpretowany dokładnie jako "Diagonal wejściowy": "Według tej przekątnej, uczestnicy działań są zwykle uwzględniane w celu pozostania w przestrzeni obrazu".

Tak więc, na wszystkich poziomach organizacji obrazu, "efekt walki" można śledzić wyrażając rzeczywistą walkę, w której przeprowadza się magiczna metamorfoza bohaterów. Rycerz, ucieleśnienie bojowiny i mocy, - bezbronne, jego potężna broń stała się zabawką małej amuru. Ale czarodziejka, która biła i pozbawiła rycerz ochrony okazuje się nieuzbrojony w obliczu młodego piękna. Konfrontacja między dwoma siłami, ich walką i wrogością, zamienia się w jego przeciwieństwo w czasie trzeciego: kolor uroczyście brzmi, światło wypełnia przestrzeń obrazu, lśniące figury skrzydlatych dzieci pojawiają się z ciemności lasu ( Ich wejście do przestrzeni obrazu jako całą zbiega się z kierunkiem strumienia światła), a z nimi przychodzi, główna osoba działająca została zaprojektowana na scenie - miłość. Jej zjawisko jest podobne do interwencji Boskiej w finale starożytnej tragedii (Deus Ex Machina).

Korzystając ze słowa "sceny" w tym kontekście, mamy na myśli coś bardziej konkretnego niż oznacza ogólnie przyjęte wyrażenie figuratywne. Alternatywna i cechy planów przestrzennych w obrazie POUDSIN znajdują bezpośrednią analogię w organizacji sceny teatralnej: Fore - zaliczka, druga - sama scena, trzecim jest sceneria tła (tylna). Konstruktywnie ze sobą powiązane pierwsze i trzecie plany są porównywane iw postawie semantycznej. Oba plany należą do przestrzeni "ramki" głównej akcji; W tym sensie, a tylko w tym - możesz mówić o swojej funkcji dekoracyjnej (por. Devoid of "Framing" wersji kompozycji "Rinaldo i Armid" z Londynu Dalvich College). Jednocześnie mitologiczna reprezentacja rzeki i strumienia znajduje echa w trzeciej grupie planu, która jest łatwa do odnoszenia się z wizerunkiem Siłownia Helios, stabilnego składnika obrazów i rysunków pussen do mitologicznych działek. Scena z Tasso, tym samym nabywa mitologiczne halo.

Nie powinno to jednak po prostu pójść na scenę prezentowaną w mitologicznej "scenerii", ale o przemieszczeniu całego planu semantycznego, aby zreocjonarować działek literacki na prototyp mitologiczny.

Ponieważ wspomniane badanie Lee pokazało, że Moskwa obraz wielu elementów datuje się do zabytkowej ulgi poświęconej mitem Seleny i Edimiona 19. Według jednej z wersji tego mit, bogini Selena przesuwa wspaniałą endizanie, aby pocałować śpiącego młodego człowieka. W tej sytuacji nie jest trudno zobaczyć analogowy fabuły pożyczonego przez Pussena z wiersza Tasso.

Do tematu. Grając w Chrystusa Poussin odwołuje się również na początku swojej twórczej ścieżki (Monachium) i w drugiej połowie lat 50. (Dublin), będąc dojrzałym mistrzem. Oba obrazy reprezentują tego samego momentu z historii pasji Chrystusa, wyruszali w Ewangelii Mateusza. Sekretny zwolennik Josepha Josepha Arimafiego, otrzymując rozdzielczość Poncjusza Piła, aby usunąć ciało ukrzyżowane z krzyża i pochowało go, w pośpiechu, aby rytuał pogrzebu przed wystąpieniem w sobotę, kiedy był to ściśle zabronione do pracy i pogrzebać.

Porównanie obu ściereczek charakteryzuje ewolucję stylu kreatora z wysokich komputerów i podkreślił dramatyczne skutki malarstwa w Monachium do szlachetnej prostoty, dotkliwości i ograniczenia w późnej wersji.

W wczesnym płótnie, ciało Chrystusa w zakrzywionej pozycji, z przewróconą głową leży na kolanach Matki Bożej i Mary Magdalene. Artysta stosuje ostry kąty i ruchy, aby przekazać swój żal. Piramidalna konstrukcja centralnej części kompozycji jest zakończone przez postać Józefa Arimafiego, wpajął się do trumny, gdzie przygotowuje się do umieszczenia ciała Zbawiciela. Obracając głowę, przygląda się uważnie widz, jakby zachęcając go do dołączenia do tej sceny. Obok go na kamiennej sarkofażu siedzi John Evangelist, z żałosnym wyrazem żalu, który atrakcyjny do nieba. Dwóch aniołów na nogach Chrystusa są sobbing, zamrożone w niestabilnych pozach. Szef Zbawiciela przechylacze naczynia, w których kobiety przyniosły kadzidło, aby zmniejszyć martwe ciało. Wszystko jest wypełnione ruchem wewnętrznym, wzmocnioną dynamiką konstrukcji linii ukośnych.

Jest to dynamiczna, która jest wyłączona z decyzji o późnym obrazie, którego kompozycja jest zbudowana na czystym opozycji poziomych linii i pionowych akcentów. Jasna, zrównoważona struktura, ogólnie nieodłączna w dojrzałym stylu Pussen, inspiruje inny stosunek do widza. Wszystko jest tutaj zamawiane - i rozciągnięto równolegle do przedniej krawędzi płótna korpusu zmarłego, i fałdy na bochenku, w którym jest zawinięty, a postawy wszystkich obecnych (w przeciwieństwie do pierwszego zdjęcia, Aniołowie znikają tutaj, ale inna Maria wymieniona w Ewangelii pojawia się w Ewangelii), a naczynie do kadzidła, mocno stojąc na piedestale.

Królestwo Flory

Na zdjęciu Heroes "Metamorfosis" ovid, który, po ich śmierci, zostały przekształcone w kwiaty, były allugorycznie połączone. Trzy bóstwa związane z wiosną - Flora, Priap i Apollo, rządzącą Sun Quadriga.

Zebrane razem, te znaki są wprowadzane do zawartości motywu obrazu Vanitas. - daremność i bezsensowność, która jest wypełniona ludzką dumą i pasją, wysiłki osoby do wzrośnięcia ponad ich zachęcalności i słabości. Młody i wspaniały, który uratował miłość bogów, wszystkie te bohaterowie rozbijają się, ich piękno zamieniło się w tragiczne konsekwencje i wszyscy umarli. Bogowie kochani przez nich, zostały przekształcone w kwiaty, aby wzrosnąć z nieistniejącego, ale z całą ich doskonałością kwiaty pozostają najbardziej delikatnymi i krótkotrwałych kreacji.

Et in Arcadia ego

Fabuła nie ma określonego źródła literackiego. Motyw sarkofagu w Arkadii znajduje się w piątym ekologicznym Vergil, gdzie poeta mówi o przyjaciołach Daphnis, pięknej pasterza, syna Hermesa i Nimfa, który zmarł z niefortunnej miłości. Opłakują jego śmierć i piszą epitapy na jego sarkofagu.

Motyw pojawia się ponownie w renesance, w wierszu "Arkady" Jacopo Sannadzaro (1502). Jednocześnie sama Arkady zaczyna być postrzegana jako symbol ziemskiego raju, gdzie króluje wieczne szczęście. Temat pasterzy arcade staje się popularny wśród renesansowych mistrzów. Obraz jest łaskawie, pierwszym odnoszącym się do nas.

Młodzi pasterze przypadkowo odkryto wśród pięknej, idyllicznej przyrody kamienia sarkofagu, na którym kłamie czaszka. Znajduje się to do zatrzymania i myśleć głęboko głęboko. Artysta naturalnie zdecydowanie demonstruje wszystkie oznaki napięcia na zniszczonym czasie czaszki, bez wytłoczonego i ich nie zmiękczania. Tak więc temat śmierci jest jeszcze silniejszy i zdecydowanie brzmi na zdjęciu. Wizerunek czaszki wiąże ją z symbolicznymi martwymi troskami vanitas. i pamiętaj o śmierci., których znaczenia alegoryczne są niewątpliwie zawarte w tej pracy.

Znaczenie tej moralnej alegorii ujawnia się w opozycji do piękna otaczającego świata, młodzieży, z jednej strony, a śmierć i napięcie - z drugiej. Widząc symbole śmierci, młode pasterze wydają się słyszeć jej słowa "i jestem w Arkady", który przypominają im, że śmierć jest niewidocznie obecna wszędzie.

Louvra Obraz Pussena w gatunku jest moralną alegorią, ale jest znacząco zmniejszony przez Pathos Edge, w porównaniu z pierwszą opcją i obrazem żalu. Jest wypełniona melancholijną intonacją i medytacją filozoficzną nad sensem życia.

W pierwszym przykładzie wykonania obrazy Pusseni są bliżej, a następnie ramową decyzję oprawinie.

Artysta przedstawia grupę pasterzy, które pojawiły się do Sarcopagu, który pokazuje napis "et in Arcadia ego", a na górze znajduje się czaszka. Pasterze zatrzymały się przed nieoczekiwanym znalezieniem i podekscytowany czytaj tekst. Jak w Grobrikino, jest to czaszka, która odgrywa kluczową rolę do interpretacji znaczenia, ponieważ te słowa są powiązane bezpośrednio z nim. Jakby sama śmierć mówi, że jest obecna wszędzie, nawet tutaj, w pięknej Arcadii, królestwie młodzieży, miłości i szczęścia. Dlatego ogólnie obraz jest blisko znaczenia wciąż życia pamiętaj o śmierci., z ich moralną ocenie.

Po prawej stronie grupy pasterza jest półmak z amforem, który płynie wody. Jest to personifikacja rzeki Podziemna rzeka Altya Crossing Arkady. Tutaj pojawia się jako alegoryczna wskazówka ukryta z zewnętrznej wiedzy oczu, incydentysta jak strumień.

Wersja Louvro interpretuje temat inaczej, a główną różnicą jest brak czaszki. Odmowa obrazu czaszki wiąże się, że prorocze słowa nie jest już ze śmiercią, ale z tymi, których popiół jest w sarkofac. I już wzywa z nieistnienia, przypominając, jak częsta młodzież, piękno, miłość jest ulotna. Elegy postawa brzmi w pozach mierzonych bez ruchu bohaterów, w ich stanie głębokiej troskliwości, w lakonicznym i doskonałym składzie, oczyścić smak.

Jednak znaczenie obrazu jest dla nas zrozumiałe tylko ogólnie. Na przykład powyższa interpretacja nie wyjaśnia zmiany obrazu kobiecej postaci w porównaniu z pierwszą opcją. Jeśli na wcześniejszym obrazie POUDSIN naprawdę przedstawia półmagony skórek, pojawienie się, z których wskazuje na miłość radość wśród pięknej natury zręcznościowej, wtedy ten wizerunek wyraźnie ma inny charakterystykę.

Próby podjęto, aby dać obraz ezoterycznej interpretacji: Poussane z pomocą klasycznej alegorii wyraża chrześcijańskie symboliczne znaczenia, które jednak są dostępne tylko do dedykowania. W tym przypadku pasterze są porównane do apostołów i kobiecej postaci - Mary Magdaline, stojąc na pustym grzbiecie Jezusa Chrystusa. Ponadto istnieje założenie, że napis, który z punktu widzenia zasad języka łacińskiego zawiera niewytłumaczalny niedokładność gramatyczna - brak czasownika - w rzeczywistości jest analogiem. Istnieje kilka opcji jego deszyfrowania: ET w Arcadia Ego \u003d I Tego Arcana Dei (Idź, trzymam tajemnicę Boga); Jeśli dodasz niezbędną sumę czasownika gramatycznie, powstaje następny anagram - et in Arcadia ego sum \u003d tango arcam Die IESU (dotknąłem grobu Pana Jezusa).

Poidsin dwa razy w jego pracy odwołał się do tego tematu. Druga opcja, która znajduje się w Luwrze, jest prawdopodobnie najbardziej znanym obrazem Mistrza. Jej randki nadal pozostaje kontrowersyjne. Istnieje wersja, którą jest napisana po 1655 r. Specjalne badania na płótnie wykazały, że technika egzekucji jest bliższa późnych dzieł pussen. Ale większość naukowców uważa obraz do końca 1630 roku.

Czość Golden Tales

"Czucie złota Talander", wraz z parą do niego, obrazem "Przejście przez Morze Czerwone", który jest teraz w Melbourne, napisano około 1634 roku. Obie prace ilustrują różne epizody z Księgi Exodusa Starego Testamentu . Jest to druga książka Pentateuch Mojżesza, opowiadając o wynikach Żydów z Egiptu, fantastycznego wędrówki na pustyni, a wreszcie nabycie ziemi obiecał. Odcinek ze złotym Taurus odnosi się do 32 części wyniku.

Zgodnie z tekstem Starego Testamentu (Exodus, 32), ludzie Izrael, zaniepokojony długim brakiem Mojżesza, którzy wstali na dowództwie Jahwe, aby zamontować Synaj, zapytał Aarona, żeby zrobić Boga, który doprowadziłby ich zamiast przeszłe Mojżesz. Aaron zebrał całe złoto i złożył od niego łydki, który "przyniósł wszystkie obrażliwości i poprowadził ofiary pokojowe".

"A Pan powiedział Pan Mojżeszowi: Pospiesz się, żeby uciec stąd, ponieważ ludzie twoich przyniósł się, co przywieźliście z ziemi egipskiej; Wkrótce tańczyli ze ścieżki, którą je nakazałem ... ".

Historia Złotego Taurusa staje się symbolem wierności, wyrzeczenia się od prawdziwego Boga i uwielbienia idola. To znaczy podkreśla POUDSIN, pozostawiając Mojżesza w tle, który się rozpadł i koncentrując uwagę widza na niepohamowanym tańcu, na triumfalnym geście Aarona i dzięki temu ludowi.

Parnas

Jedną z najtrudniejszych kwestii do zrozumienia tej pracy pozostaje problem identyfikacji poety, który dołączył do parnasów i rąk Apollon. Erwin Panofsky zasugerował, że jest to włoski poeta Janbattist Marino, przyjaciela i patrona artysty. Marino zmarł w 1625 r., Ale współczesne uznali go za równych wspaniałych zabytkowych autorów. W obrazie poidsina wyrażona jest najwyższa ocena jego talentu, nie jest przypadkiem, że jedynym, że jedynym, który jest jedynym, który z umysłów wprowadzonych do kręgu Apolla i Muza. Dwie dzieła marinego - "Adonis" i "bijące dzieci", z którymi prawdopodobnie jest pod wrażeniem tutaj.

Ogólnie rzecz biorąc, obraz poidsin jest nie tylko ilustracją mitem o Parnassa, Apollo i Muzerzy, jak to często dzieje się w dziełach innych artystów na ten temat. Mit ten jest skorelowany przez pana z rzeczywistością historii kultury i staje się środkiem do zbudowania pewnej hierarchii wartości w nim.

Wizerunek Boga Apollo, jako symbol boskiej, czystej poetyckiej inspiracji, kreatywność o boskim źródle, zajmuje ważne miejsce na obrazie Pussena. Jest to związane z najwyższą rolą, jaką artysta daje twórczy początek, sztuki, w kulturze i życiu człowieka.

Jednym z jego wczesnych odwołań do tego obrazu jest malowniczą ucieczkę mit o Apollo i Daphne. Literackie źródło tego obrazu, który pisze poidsin w 1625 roku, jest również "metamorfozą" ovid (I, 438-550). Ovid opowiada o zemści z amorek Apollon, który, dumny ze zwycięstwa nad Pifhonem, zaczął żartować nad młodym Bogiem, widząc jego zbrojną cebulę i strzały. Apollo powiedział, że chłopcy bronie nie byli nosić, a amorek powinien być zadowolony tylko do pochodnicy, płonącej miłości, uczucia, obcego Wszechmogącego Apollon.

Wtedy amorek wysłał strzałkę na Apollo, podżegającą do miłości i chwalił pasję do Nymph Daphne, córki Boga rzeki Penią i gejem. Daphne Bóg miłości ranną strzałę, miłość do zabijania i dała jakąkolwiek ślubującą celibat, jak Diana. W próżnym Apollo po raz pierwszy doświadczał takich uczuć, szukał miłości do Daphne. Wędkowanie z jego prześladowań, Daphne odwróciła się z modlitwą do ojca i została przekształcona w laurę.

Epizod, gdy Apollo prawie wyprzedził Daphne, ale zamienia się w drzewo laurowe w jego oczach, stał się ulubionym dla europejskich artystów, rzeźbiarzy, poetów, muzyków. To on przedstawia i pussen na jego obrazie. Obok Apolla i Daphne, z Urn, z której wylewa wodę, przedstawia boga rzeki Peniers. Drzewo laurowe od tego czasu staje się emblematem Apolla, zawsze prowadzi wieńce laurowe na głowie. Uważa się, że laurowy ma siłę oczyszczającą i prorocką, jest symbolem zwycięstwa i spokoju. Wieniec laurowy został ukoronowany głową zwycięzcy w konkursie poetyckim.

Wzór poidsin jest ściśle związany z freskami Rafaela w stacji della Senagaturę i pozwala ocenić, jak styl francuskiego mistrza powstał pod wpływem wielkiego włoskiego.

Randki obrazu nadal pozostaje kontrowersyjne. Większość badaczy odnosi się do początku XX wieku, uzasadniając go przez podobieństwo między postacią Apollona a obrazem Krokusa w Królestwie Flory.

Śmierć Niemiec

"Śmierć Niemiec" (Minneapolis, Institute of Arts) jest zbudowany jak antyczna płaskorzeźba. Ruch grupy wojowników jest bardzo jasno zorganizowany, od lewej do prawej do umierającego dowódcy Dying Dowódca, ich powściągliwe gestykulacja jest podporządkowana wobec fałszywego rytmu. Występuje obraz profilu większości kształtów. Tak jak w przypadku narysowanych pionów o wysokim wnętrzu. Antique Rzym wskrzesi w składzie Pussen.

Obraz został zamówiony przez kardynał Francesco Barberini w 1626 r. I wykończony w 1628. Bellori świadczy, że artysta miał prawo wybrać działkę na własną rękę. English Artist Henry Fusley w 1798 r. Zauważył, że żadna inna praca poidsiny nie powodowała takiego powszechnego podziwu, a nawet jeśli autor nie stworzy żadnego innego obrazu, zyskałby nieśmiertelność dzięki temu.

Jest to najlepsza praca stworzona przez Pussena w jego wczesnych latach rzymskich i jednym z najbardziej oryginalnych w całej swojej pracy. Epic na temat i klasyczny na rysunku, wprowadza nową działkę do sztuki Europy Zachodniej - wizerunek bohatera na śmiertelnym widocznym. Obraz miał ogromny wpływ na neoklasycyzm późnego XVIII - pierwszej połowy XIX wieku. Kładzie początek neoklasycznego zaangażowania w kulisy heroicznej śmierci. Brytyjczycy Mistrzowie B. West i G. Hamilton są tworzone o historii Niemiec i G. Hamilton, został zainspirowany przez J. Reynoldsa. Wiele egzemplarzy zostało stworzone przez wybitnych artystów francuskich, Dawida, Zerbera, Delakroixa, Moro.

Liczba rzeźbiarzy zapożyczyła także skład tej pracy, oczywiście czując jej antyczne korzenie.

Przed poidsinem żaden z artystów nie dodał do tego obrazu. Źródłem było "Annala" Tacitus (II, 71-2), gdzie opisano rzymski generał Niemiec (15 rc - 19 AD). Był siostrzeńcem i adoptowanym Synem Cesarza Tiberiusza, żonaty z wnuczką Augustus Agrypine. Ich syn jest przyszłym cesarzem Caligula, a wnuk ma Nero.

Niemcy zdobyły wielką sławę i autorytet w armii, dzięki jego zwycięstwom nad niemieckimi plemionami, odwagą, odwagą i skromnością, dzieląc się z ich żołnierzami wszystkimi wigorodami wojny. Tiberius, zazdrościąc swoją chwałę, uporządkował potajemnie, by go zatruć.

Pomimo smaku, wykazując znajomość poidsiny z dziełami Titarian, skład obrazu wraca do klasycznych wzorów starożytnych. Odczuwa się zarówno w bezowocnej konstrukcji liczb na pierwszym planie, jak i w organizacji roli architektury. Być może rozwiązanie jest inspirowane zabytkowymi sarkofagami, przedstawiającą śmierć bohatera - temat, który często pojawia się w plastiku sarkofagu. Niektórzy badacze zauważyli, że bliższy przykład rubensa z "śmierci Emperor Konstantin" z serii może być bardziej bliskim przykładem do takiego rozwiązania kompozytowego, gublane przez kardynał Francesco Barberini King Louis XIII we wrześniu 1625

Działka obrazy jako przykład wirtutis, dodatkowo staje się modelem do naśladowania w dziedzinie neoklasycyzmu, może być związany z innymi, później pracami samej poidsin. Istnieją jednak niewyjaśnione rozważania, dla których w 1627 r. Upadł na niego wybór poidsiny. Jednym z założeń jest to, że Tacitus opisuje swojego bohatera jako osobę pozbawioną zazdrości i okrucieństwa, w których zachowaniu jest ogromna samokontrola, jest wierna swoim długiem, jego przyjaciołom, jego rodzinie i niezwykle skromnym w życiu. To był ideał samego ukousiny, a ten opis znajduje się blisko własnej natury w okresie zapadalności.

W kontakcie z

Największy francuski artysta XVII wieku Nikola Poussin powiedział, że postrzeganie grafiki wymaga skoncentrowanego myślenia i napiętej pracy myśli. "Moja natura", zauważył ", wiąże się, żebym wyglądał i kochać rzeczy doskonale zorganizowane, unikając bałaganu, który również walczę jako ciemność światła". W tych słowach, estetyczne zasady klasycyzmu, które pussen nie tylko nastąpiły, ale także malowanie ich twórcy. Klasycyzm jest artystycznym kierunkiem i stylem w literaturze i sztuce plastikowej Francji XVII wieku - polegał na starożytnym i renesansowym dziedzictwie i odzwierciedlało idee długu publicznego, powód, wzniosłego heroizmu i nieskazitelnej moralności. Praktyka twórcza okazała się znacznie szersza przez regulamin doktryny. Prace Pussen są bogate w głęboką myśl, przede wszystkim podbijają istotną kompletność obrazów. Przyciągał piękno ludzkich uczuć, odbicia na losie człowieka, tematu twórczości poetyckiej. Szczególnego znaczenia dla koncepcji filozoficznej i artystycznej pousyny miało motyw natury jako najwyższy wcielenie rozsądnej i naturalnej harmonii.

Nikola Poussin urodził się w pobliżu normalnego miasta Ansel, jeśli. Młody człowiek, po kilku latach wędrówek i krótkiej pracy w Paryżu, osiedlił się w Rzymie, gdzie mieszkał całe swoje życie. Kiedyś musiał wrócić do Louis XIII na naleganie Louis XIII do Francji, ale jego poglądy i prace nie spełniają żadnego wsparcia ani zrozumienia, a atmosfera samego życia sądu wywołała squeamish obrzydzenie.

Wyszukiwanie poidsin przeszło trudną ścieżkę. Już w jednym z wczesnych obrazów "Śmierć Niemiec" (1626-1628, Minneapolis, Instytut Sztuki), odwołuje się do przyjęć klasycyzmu i przewidywać wielu ich późniejszej pracy w dziedzinie obrazu historycznego. Germanik - odważny i dzielny dowódca, Nadezhda Romans - był zatruty przez kolejność podejrzanego i zazdrosnego cesarza Tyberiusza. Obraz przedstawia Niemcy na śmiertelnej wizycie jego rodziny i wiernych wojowników. Ale nie osobisty żal, ale cywilne patos - Ministerstwo Ojczyzny i Dolga - stanowi figuratywne znaczenie tej płótnia. Wychodzący rzymski od życia odbywa przysięgę lojalności i zemsty od rzymskich legionów, surowych, silnych i pełnych zalet osób. Wszyscy aktorzy znajdują się jak ulga.

Po wejściu do ścieżki klasycyzmu, poidsin czasami przekroczyła swoje granice. Jego obrazy 1620s "Beating Babies" (Shannty, Museum of Conde) i "Męczeństwo św. Erassu" (1628-1629, Watykan, Pinakotek) znajdują się w pobliżu karawagizistu i barokowej przesadnej dramatycznej interpretacji sytuacji i obrazów pozbawionych idealności . Napięcie MIMIC Raporowanie Raporowanie wyróżnia ekspresyjne "usuwanie z krzyża" w pustelni (ok. 1630) i "żałoba" w Monachium Pinakotek (ok. 1627). Jednocześnie konstrukcja obu obrazów, w których plastycznie materialne dane są zawarte w ogólnym rytmie kompozycji, bezbłędnie. Schemat kolorów jest podporządkowany przemyślany stosunek kolorowych plam. W płótnie Monachium, różne odcienie szarości, z których niebiesko-niebieskie i jasne czerwone odcienie są wyrafinowane.

Poussin rzadko przedstawiono cierpienia Chrystusa. Główną tablicą swoich prac jest związany z biblijnymi, mitologicznymi i literackami. Antyczny temat jego wczesnych dzieł, które wpłynęły na pasję kolorów Titysty, zatwierdzają jasną radość życia. Figury Dark Satiri, uroczej nimfy, wesołych amurystów pełnych tego miękkiego i gładkiego ruchu, który mistrz zwany "językiem ciała". Obraz "Królestwo Flory" (1631, Drezno, Galeria zdjęć), inspirowana metamorfozą jajowców, przedstawia bohaterów starożytnych mitów, którzy po ich śmierci, dawały życie w różnych kolorach, którzy decydują o Bullish of the Bogini Flory . Śmierć Ajax, pędzi na mieczu, skazanie śmiertelnej Adonisa i Hiacyntu, cierpieniem kochanków uśmiechów i Crocon nie przyciemniają panującego nastroju zbieżnego. Krew płynąca z głowy hiacyntu zamienia się w spadły płatki wspaniałych niebieskich kwiatów, czerwony goździk rośnie z krwi Ajax, Narcyz podziwia do zastanowienia się w wazonie z wodą, która trzyma echo nymfy. Jak kolorowy żywy wieniec. Malowanie znaków otaczają tańczącej boginię. Płótno poidsna uosabia myśl o nieśmiertelności natury, która daje życie wieczną aktualizację. To życie jest prowadzone przez bohaterów śmiejąc się bogini Flora, posypiąc się nimi z białymi kwiatami, a promieniującym światłem Boga Helios, co sprawia, że \u200b\u200bjego ognisty bieg w złotych chmurach.

Dramatyczna zasada, która jest zawarta w dziełach Poussa, nadaje im obrazów wysublimowanych. Hermitażowa Pancourse (1630) jest poświęcona miłości do antyochejskiej księżniczki, Amazon Herminia do Knighta-Crusader Tancred. Działka jest pobierana z wiersza Tassu wyzwolonego przez Jerozolimy. Bancremda ranna w pojedynku wspiera jego wierny przyjaciel Vafrine. Hermine, który właśnie poruszał się z konia, pędzi w kierunku ukochanego i musującego miecza z rozpiętościami jego blond włosy, by związać jego rany. Miłość Ermini jest porównana przez bohaterski wyczyn. Obraz jest zbudowany na ulubionym artysty kontrastu niebieskiego, czerwonego i pomarańczowego żółtego. Krajobraz powodzi z płonącym połyskiem wieczoru świtu. Tutaj wszystko jest proporcjonalnie, łatwo jest czytać na pierwszy rzut oka i wszystko jest wiele. Dominuje język ścisłych, czystych zrównoważonych form, a rytm liniowy i kolorowy jest doskonały.

Przez całą kreatywność poidsiny przechodzi tematu życia i śmierci. W Królestwie Flory nabyła charakter poetyckiej alegorii, w "śmierci Niemiec" była związana z etycznymi, heroiami. Na zdjęciach 1640, a później temat ten był nasycony z głębokością filozoficzną. Mit Arcadia, kraj spokojnego szczęścia, często ucieleśnił w sztuce. Ale poidsin wyrażony w tym idyllicznym wykresie pomysł częstotliwości życia i nieuchronność śmierci. Artysta przedstawił pasterzy, niespodziewanie odkrył grobowiec z napisem "i byłem w Arcadii ..." - Przypomnienie krótkiego życia życia, o nadchodzącym końcu. W wczesnej wersji (1628-1629, Chatsworth, spotkanie Dukes Devonshire), bardziej emocjonalne, kompletny ruch i dramat, jest zdecydowanie wyrażony przez zamieszanie młodych pasterzy, którzy wydawały się być w obliczu śmierci, która najechała ich jasny świat.

Działka malarstwa Louisa "Poety Triumph" (Paryż, Luwr) wydaje się graniczyć z Alegorią - przykucając wieńce Lavir z młodego poety w obecności Boga Apollo i Callopa, muzyki epickiej poezji. Ideą obrazu jest narodziny piękna w sztuce, jego uroczystość jest postrzegana jasno i przenośnie, bez najmniejszej formacji. Obrazy są zjednoczone wspólnym systemem uczuć. Muse, stojąc obok Apollo - żywy personifikację pięknej. Kompozytowa konstrukcja obrazu, z jego zewnętrzną prostotą, w swoim rodzaju, przykładowym dla klasycyzmu. Zastępczo znaleziono przesunięcia, obraca się, ruchy figur, przemieszczane w kierunku drzewa, latające amur - wszystkie te techniki, nie pozbawiając składu jasności i równowagi, zrównoważyć życie. Obraz jest nasycony farbami o żółto-złote, niebieskie i czerwone, co nadaje mu specjalnej powagi.

Wizerunek natury jako personifikacja najwyższej harmonii przechodzi przez całą kreatywność POUDSIN. Spacerując w pobliżu Rzymu, studiował krajobrazy kampanii rzymskich związanych z niewidzialnością. Jego żywe wrażenia zostały przeniesione w cudownych rysunkach krajobrazowych z przyrody, pełnej świeżości percepcji i drobnych tekstów. Malownicze krajobrazy pousyny są pozbawione tego poczucia bezpośredniego, idealny początek jest w nich silniejszy. Krajobrazy pussenian są nasyceni uczuciem wielkości i wielkości świata. Masywne skały, bujne drzewa, jeziora kryształowo-czyste, chłodne sprężyny, prąd wśród kamieni i cienistych krzewów, są połączone w plastyczności całości, holistycznej kompozycji opartej na alteracji planów przestrzennych, z których każdy znajduje się równolegle do płótna. Color Color Coloramic Gamma jest zwykle budowany na kombinacji zimnych niebieskich i niebieskawskich odcieni nieba, wody i ciepłych brązowawymi odcieniami gleby i skał.

"Krajobraz z polifem" (1649, St. Petersburg, State Ermitage) jest postrzegany jako uroczysta hymnowa natura. Cyclops Polyfem, jak gdyby wyrastają ze szarej skał, grając piosenkę miłości Nimifer Galatee. Dźwięki melodii są dotknięte ciepłym południowym morzem, potężnymi górami, cienistymi gajami i ich bóstw, nimfami i satypami, plowate dla pługu i pasterza wśród stada. Wrażenie nieskończoności przestrzeni jest amplifikowane przez fakt, że polifem przedstawiono z powrotem do widza spogląda na odległość. Wszyscy spada na wspaniałe ciemne błękitne niebo z jasnymi białymi chmurami.

Potężna wielkość przyrody podboju w "krajobrazie z Hercules i Cukus" (1649, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych. A.S. Pushkin), gdzie wychwytuje zwycięstwo Herkulesa powyżej olbrzymiego ciasta. Chociaż bohater został wykonany, nic nie narusza malowanego i ścisłego pokoju.

Przedstawiający Jan Bogoslov na wyspie Patmos, Pussen odmawia tradycyjnej interpretacji tego obrazu. Tworzy rzadkie piękno i krajobraz nastroju - żywy personifikację pięknej Eldli. W interpretacji poidsiny obraz Jana przypomina nie pustelnikiem chrześcijańskim, ale prawdziwym myślicielem.

Słynny cykl krajobrazu cztery lata roku jest wykonany przez artystę w ostatnich latach życia (1660-1664, Paryż, Luwr). Każdy krajobraz ma symboliczne znaczenie. "Wiosna" (w tym krajobrazie, Adam i Ewa są przedstawione w raju) jest kwiat świata, dzieciństwo ludzkości. "Lato", gdzie prezentowana jest scena zbiorów, czas gorącej pracy, udaje się myśl o dojrzałości i kompletności bycia. Zima przedstawia powódź, śmierć życia. Woda, która trzepotna do ziemi nieubłaganie pochłania wszystkie żywe istoty. Nigdzie nie ma zbawienia. Oświetlenie piorunowe przecięte przez noc ciemność, a natura objęta rozpaczeniem wydaje się być uznawane i naprawione. Tragiczna "zima" to ostatnie dzieło artysty.

Obcy karieryzm i sukces zewnętrzny, poidsin żyła godne, szlachetne życie. W pamięci pokoleń sztuka artysty pozostała i nierozerwalnie połączyła się z nim obraz w późnym "autoportret" stworzony przez niego (1650, Paryż, Luwr). Czas był wykwalifikowany ciemne włosy starzejącego mistrza, ale nie pozbawił twardości postawy, ściana i odważny rygor dał dużą cechę twarzy, wnikliwy wygląd, wzmocnił uczucie mądrego wyżywienia i spokojnej godności . Przeniesienie poszczególnych podobieństwa nie zapobiega tworzeniu głęboko ogólnego obrazu. Artysta po poidsin jest przede wszystkim myślicielem, widzi wartość osoby w sile jego intelektu, w twórczej mocy. Wartość własności Pussena na swój czas i następujące epoki są ogromne. Jego prawdziwi spadkobiercy nie byli francuscy academists z drugiej połowy XVII wieku, zniekształconych tradycji Wielkiego Mistrza i przedstawiciele rewolucyjnego neoklasycyzmu XVIII wieku, którzy zarządzali w formy tej sztuki, aby wyrazić nowe pomysły ich ery.

Tatyana Capeeva.