Encyklopedia Malarstwa - Szkoła Włoska - Antonello da Messina. Włoski artysta Antonello da Messina: biografia, kreatywność i ciekawe fakty Obrazy Antonello da Messina

Zwiastowanie Dziewicy (Antonello da Messina, Galleria Regionale della Sicilia, Palermo)

„Maria Annuziata (olej na drewnie, wymiary: 45 x 34,5 cm) to jeden z najbardziej znanych obrazów włoskiego artysty Antonello da Messina. Obecnie znajduje się w Muzeum Narodowym w Palermo.
Antonello da Messina urodził się w mieście Messina na Sycylii. Urodzony około 1430 roku. Był przedstawicielem południowej szkoły malarstwa wczesnego renesansu. Edukacja podstawowa odbywała się w szkole prowincjonalnej, z dala od artystycznych ośrodków Włoch, gdzie głównymi punktami odniesienia byli mistrzowie południowej Francji, Katalonii i Holandii. W twórczości Antonello da Messina szczególne miejsce zajmują portrety. „Maria Annuziata” ma charakterystyczne cechy malarstwa da Messina.
Istnieją różne hipotezy dotyczące daty powstania obrazu. Uważa się, że napisał go w 1475 r., gdy wyjechał do Wenecji.
Obraz ujawnia podstawowe wartości włoskiego renesansu. Perspektywa, pragnienie równowagi i symetrii, chęć wydobycia ze zmieniających się form przyrody odwiecznych zasad geometrii, stawiająca człowieka w samym centrum wszechświata.
Obraz ten świadczy o głębokiej znajomości przez Antonello techniki malarstwa flamandzkiego, które zawsze skrupulatnie, z analityczną uwagą odtwarzało realność i fizyczną esencję materiałów: lekka mównica, ruchome strony książki, starannie narysowane oczy i brwi.
Kompozycja piersi Maryi przedstawiona jest na czarnym tle. Antonello używa go do podkreślenia jasnego wizerunku Maryi i tym samym ukazania Jej znaczenia w zbawieniu ludzkości z mocy ciemności.
Większość artystów przedstawiała Zwiastowanie jako scenę dialogu Maryi z Archaniołem. Antonello stara się jednak umieścić inne akcenty. Jego zadaniem jest przekazanie wewnętrznego świata Maryi.
Najświętsza Maryja Panna, siedząca przy stoliku, lewą ręką trzyma narzucony na nią niebieski welon, a drugą podnosi. Jej gest trudno zrozumieć. Być może jest zaadresowany do Archanioła. A może to gest zgody, a może zaskoczenie. Maria jest zamyślona. Jej wyraz twarzy, postawa rąk i głowy, a także spojrzenie mówią widzowi, że Mary jest teraz daleko od świata śmiertelników.

Stół lub mównica ukazany jest po przekątnej, na nim stoi pulpit nutowy z książką, który spycha postać w głąb, potęgując poczucie przestrzenności. Widz jest na miejscu Archanioła Gabriela i jest wspólnikiem wydarzeń.
Innowacją w przedstawieniu Maryi jest przedstawienie popiersia na ciemnym tle, technika odziedziczona po flamandzkich portretach. Maria jest w izolacji, dominuje wokół siebie.

Historia tego obrazu rozpoczęła się w 1906 roku, kiedy prałat Di Giovanni, który odziedziczył go po rodzinie Collucio, przekazał go ówczesnemu Muzeum Narodowemu w Palermo.
„Najpiękniejsza ręka, jaką kiedykolwiek widziałem w sztuce”, powiedział Roberto Longhi, odnosząc się do ruchu do przodu prawej ręki. Ręka może reprezentować przestrzeń wokół niej. Centralna fałda płaszcza na głowie Dziewicy wyznacza skupienie pola widzenia widza.
W ten sposób Leonardo Schiaschia opisał wpływ obrazu na widza: „Widz powinien zauważyć głęboką bruzdę na środku czoła”.
Choć dla artysty był to tylko malarski detal, opowiada o ubraniach, które zostały starannie zachowane w skrzyni wraz z innymi cennymi rzeczami. Ten płaszcz zdejmowano na specjalne uroczyste okazje.
Zwróć uwagę na wspaniały kontrast między gestem prawej ręki a gestem lewej ręki wieśniaczki: zagina brzegi szaty.
Spójrz na tajemniczy mimikę ust, bliższe spojrzenie na wieczność. Być może jest to realizacja ich przyszłego macierzyństwa.
Dzięki bezpośredniemu wpływowi malarstwa flamandzkiego, które ukształtowało się w Neapolu, dzięki Colantino, jego nauczycielowi, dzięki studiowaniu malarstwa wielu artystów tam pracujących, Antonello wniósł wielki wkład w szerzenie wartości włoskiego renesansu wśród różnych klas społecznych profesjonalistów i kupców w miastach takich jak Mesyna, Neapol, Wenecja.

Artyści wczesnego renesansu odnaleźli nowe formy, wymyślili nowe techniki i rozwiązania stylistyczne, zasłynęli eksperymentami z malarstwem. Twórczość artystów renesansowych bezpośrednio wpłynęła na sztukę całego późniejszego kultu artystów i nadal jest przykładem dla początkujących malarzy.

Giorgio Vasari (1511-1574)
„Biografie najsłynniejszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów” (w tłumaczeniu A.I. Venediktov)

„Biografia Antonello da Messina Malarza”

„Kiedy sam mówię o dobrodziejstwach i zaletach sztuki malarskiej od licznych mistrzów, którzy przyjęli ten drugi sposób, nie mogę nazwać ich z ich dzieł inaczej niż naprawdę pracowitymi i doskonałymi, ponieważ starali się z całych sił wychować malowanie na wyższy poziom.krok, bez względu na wygodę, koszt, czy jakiekolwiek osobiste zainteresowania.Tymczasem pracując na deskach i na płótnie nigdy nie używali innych kolorów niż tempera, początek tej metody zapoczątkował Cimabue w 1250 roku, kiedy współpracował ze wspomnianymi Grekami, a kontynuował Giotto i inni, o których do tej pory wspominano, po nich stosowano tę samą metodę, choć artyści przyznawali, że malarstwu temperowemu brakowało pewnej miękkości i żywotności, co byleby im się udało znaleźć, nadałoby więcej wdzięku rysunkowi i piękniejszemu kolorowi oraz ułatwiłoby osiągnięcie większej jedności w zestawieniu kolorów, a około ani w swoim piśmie zawsze używali tylko końcówki pędzla. Jednak chociaż wielu próbowało znaleźć coś podobnego, nadal nikt nie znalazł dobrego sposobu, nawet przy użyciu płynnego werniksu lub innego rodzaju farb zmieszanych z temperą. A wśród wielu, którzy podejmowali takie lub podobne próby, ale na próżno, byli Alesso Baldovinetti, Pesello i wielu innych, ale żadnemu z nich nie udało się stworzyć dzieł o pięknie i jakości, jakie sobie wyobrażali. A nawet gdy znaleźli to, czego szukali, nie byli w stanie zmusić figurek na deskach do utrzymania tak jak na ścianie, a także sposobu na ich umycie, aby farba nie odpadła i żeby nie nie bały się żadnych wstrząsów, gdy miały z nimi do czynienia. O tych wszystkich rzeczach wielu artystów, zebranych razem, wielokrotnie angażowało się w bezowocne spory. Ponadto aspirowało do tego wiele wzniosłych talentów, które zajmowały się malarstwem poza Włochami, a mianowicie malarze Francji, Hiszpanii, Niemiec i innych krajów. I w tym stanie rzeczy zdarzyło się, że niejaki Jan z Brugii, który pracował we Flandrii, malarz w tych okolicach, bardzo ceniony za wielkie doświadczenie, jakie nabył w tym zawodzie, zaczął testować różne rodzaje kolorów, a od studiował też alchemię, potem mieszał różne oleje na werniksy i inne rzeczy, według wynalazków mądrych ludzi, do których należał. Pewnego dnia, po dokładnym wykonaniu deski i poświęceniu na nią największego trudu, pomalował ją i, jak to było w zwyczaju, wystawił do wyschnięcia na słońcu. Jednak albo z powodu zbyt silnego upału, albo z powodu źle spasowanego lub słabo wysezonowanego drewna, wspomniana deska niestety rozpadła się w szwach. I dlatego, widząc szkodę wyrządzoną mu przez ciepło słoneczne, Jan postanowił nigdy więcej nie pozwolić, by słońce wyrządziło tak wielkie szkody jego pracy. I tak, ponieważ werniks drażnił go nie mniej niż praca temperowa, zaczął myśleć o wysuszeniu jej w cieniu, aby nie wystawiać swojego obrazu na słońce. Dlatego po wypróbowaniu wielu rzeczy, zarówno czystych, jak i mieszanych, w końcu stwierdził, że oleje lniane i orzechowe suszą najlepiej ze wszystkich, które testował. Gotując je z innymi jego miksturami, otrzymał lakier, o którym on i być może wszyscy malarze świata od dawna marzyli. Po eksperymentach z wieloma innymi kompozycjami zauważył, że mieszanina farb z tego typu olejami daje bardzo trwałą kompozycję, która po wyschnięciu nie tylko nie bała się w ogóle wody, ale także zapalała farby tak jasno, że lśniły same bez żadnego lakieru, a jeszcze cudowniej wydało mu się, że mieszały się nieskończenie lepiej niż tempera. Taki wynalazek bardzo ucieszył Jana; a ponieważ był bardzo inteligentnym człowiekiem, przystąpił do licznych dzieł, którymi wypełnił wszystkie te regiony, ku wielkiemu zadowoleniu ich mieszkańców i największej jego korzyści. A zdobywając z każdym dniem coraz większe doświadczenie, zaczął wykonywać coraz większą pracę.
Wieść o wynalazku Johna szybko rozprzestrzeniła się nie tylko we Flandrii, ale we Włoszech i wielu innych częściach świata, budząc w artystach największe pragnienie dowiedzenia się, w jaki sposób nadał on swojej pracy taką doskonałość. Artyści ci, widząc jego prace, ale nie wiedząc, czego do nich używał, zmuszeni byli go wychwalać - oddawać mu nieśmiertelne pochwały, ale jednocześnie zazdrościli mu w każdy możliwy sposób, zwłaszcza że przez długi czas tego nie robił chcesz, aby ktokolwiek zobaczył, jak pracuje lub poznał jego sekret. Jednak gdy osiągnął starość, okazał taką łaskę swojemu uczniowi Ruggeri z Brugii, a Ruggeri Ausse (2), który studiował z nim i innymi, o których wspominano, gdy chodziło o pisanie olejami w malowniczych dziełach. Ale pomimo tego wszystkiego, chociaż kupcy kupowali te obrazy i wysyłali je po całym świecie do władców i dygnitarzy, ku ich wielkiej korzyści wynalazek ten nie wyszedł poza granice Flandrii. Obrazy tego rodzaju miały ostry zapach, który nadawały im zmieszane ze sobą oleje i farby, zwłaszcza gdy były nowe, i dlatego wydawało się, że można je rozpoznać, co jednak nie zdarzało się przez wiele lat. Jednak kilku Florentczyków handlujących we Flandrii wysłało do króla neapolitańskiego Alfonsa I tablicę (3) z wieloma postaciami, namalowaną olejem przez Jana, której piękno postaci i nowo wynaleziony kolor bardzo ucieszył króla; i wszyscy malarze, którzy byli w tym królestwie, zebrali się, aby na nią spojrzeć, i wszyscy jako jeden oddali jej najwyższą pochwałę.
I tak pewien Antonello z Mesyny, który posiadał doskonały i rozbrykany talent, był człowiekiem bardzo bystrym i doświadczonym w swojej dziedzinie, a po wielu latach studiowania rysunku w Rzymie (4), najpierw osiadł w Palermo i tam pracował przez wiele lat. wreszcie w Mesynie, w swojej ojczyźnie, gdzie swoimi dziełami potwierdził dobrą opinię, jaką cieszył się we własnym kraju jako doskonały malarz. Jadąc pewnego dnia na własne potrzeby z Sycylii do Neapolu usłyszał, że wspomniana deska Jana z Brugii została wysłana z Flandrii do imienia króla Alfonsa, pomalowana w oleju tak, by można ją było prać, żeby się nie bała wszelkich wstrząsów i posiadał wszelką doskonałość. Gdy uzyskał pozwolenie na jego obejrzenie, żywiołowość kolorów, a także piękno i integralność obrazu wywarły na nim tak silne wrażenie, że odkładając na bok wszelkie inne sprawy i myśli, udał się do Flandrii i przybywszy w Brugii, zaprzyjaźnił się ze wspomnianym Janem i dał mu wiele rysunków po włosku i wiele innych rzeczy. Dlatego, a także dlatego, że Antonello był bardzo uważny, a John był już stary, ten ostatni w końcu zgodził się pokazać Antonello, jak maluje olejami. Antonello nie opuścił tych części, dopóki dokładnie nie przestudiował metody malowania, o której tak marzył. Niedługo później John zmarł, Antonello opuścił Flandrię, aby zobaczyć swoją ojczyznę i wprowadzić Włochy w tak pożyteczną, piękną i wygodną tajemnicę. Po kilkumiesięcznym pobycie w Mesynie udał się do Wenecji, gdzie będąc człowiekiem bardzo skłonnym do przyjemności i bardzo oddanym Wenus, postanowił osiąść na stałe i tam zakończyć swoje życie, gdzie znalazł sposób na życie całkiem odpowiadający jego gusta. Kiedy zabierał się do pracy, malował olejem, w sposób, którego nauczył się we Flandrii, wiele obrazów, które były rozrzucone po domach szlachty tego miasta, gdzie dzięki nowości ich wykonania stały się bardzo bardzo cenione. Napisał wiele innych, które były wysyłane w różne miejsca. W końcu, gdy zdobył tam sławę i wielką sławę, zlecono mu wykonanie obrazu na drewnie dla San Cassano, kościoła parafialnego tego miasta, 5 który Antonello namalował ten obraz ze wszystkimi swoimi zwykłymi umiejętnościami i nie szczędząc czasu. Kiedy skończył, za nowość koloru i piękno postaci, które zresztą były przez niego dobrze narysowane, był bardzo aprobowany i bardzo ceniony. A po ujawnieniu nowej tajemnicy przywiezionej z Flandrii do Wenecji, Antonello cieszył się miłością i przywiązaniem wspaniałej szlachty tego miasta do końca swojego życia.
Wśród malarzy, którzy w tamtym czasie cieszyli się dużym uznaniem w Wenecji, za wybitnego uchodził pewien mistrz Domenico (6). Kiedy Antonello przybył do Wenecji, zasypywał go wszelkiego rodzaju pieszczotami i uprzejmościami, które można okazywać tylko najdroższemu i najczulszemu przyjacielowi. I dlatego Antonello, nie chcąc pozostawać w długach, dzięki uprzejmości Mistrza Domenico, po wielu miesiącach wyjawił mu tajemnicę i sposób malowania farbami olejnymi. Przy całej tej wyjątkowej pieszczocie i uprzejmości okazywanej mu nic nie mogłoby być droższe Domenico, i nie jest to zaskakujące, bo mając ten sekret, jak zakładał Antonello, odtąd zawsze cieszył się największym zaszczytem w swojej ojczyźnie. I bez wątpienia ci, którzy wierzą, że jeśli skąpią na tym, że nic ich to nie kosztuje, to każdy powinien im służyć, jak to mówią, cieszą się z ich pięknych oczu, są w okrutnym błędzie. Uprzejmość mistrza Domenico Wenecjanina wydobyła mu z rąk Antonella to, co osiągnął z takim trudem iw pocie czoła, a czego nikomu innemu nie odda, nawet za ogromne pieniądze. Ale ponieważ mistrz Domenico w odpowiednim czasie zostanie opowiedziany o tym, jak pracował we Florencji i komu przekazał to, co otrzymał od innych dzięki swojej uprzejmości, powiem tylko, że Antonello po obrazie w San Cassano namalował wiele obrazów i portrety dla szlachty weneckiej, a Messer Bernardo Viecchietti, florentyńczyk, posiada najpiękniejszego św. Franciszka i św. Dominika namalowanego jego ręką na tym samym obrazie (7). Kiedy więc Signoria Antonello zamówiła kilka opowiadań z Palazzo Ducale, których nie chciał przekazać Francescodi Monsignor, Veronese, mimo że był bardzo patronowany przez księcia Mantui, zachorował na zapalenie płuc i zmarł 49 lat stary, nawet nie rozpoczynając tej pracy.(osiem). Artyści urządzili mu bardzo uroczysty pogrzeb za to, że obdarzył sztukę nowym sposobem malowania farbami, o czym świadczy następujące epitafium:

„Panie Wszech-Dobry, Wspaniały,
Malarz Antoniusz, najlepsza ozdoba jego Mesyny i całej Sycylii, tutaj jest oddany ziemi. Nie tylko jego obrazy, wyróżniające się szczególnym pięknem i sztuką,
ale też za błyskotliwość i trwałość, której jest pierwszym
Malarstwu włoskiemu podarował mieszankę farb z olejem, jest na zawsze wychwalany najwyższym wysiłkiem artystów.

Śmierć Antonia zasmuciła wielu jego przyjaciół, a zwłaszcza Andreę Riccio, rzeźbiarza, który w Wenecji wyrzeźbił w pałacu Signoria dwie nagie figury Adama i Ewy, które nadal można tam oglądać i uważane są za piękne (9).
Tak skończył się Antonello, któremu bez wątpienia nasi malarze zawdzięczają sprowadzenie metody malarstwa olejnego do Włoch, nie mniej niż Janowi z Brugii za wynalezienie jej we Flandrii, bo obaj skorzystali i wzbogacili tę sztukę. Rzeczywiście, dzięki temu wynalazkowi artyści w końcu osiągnęli taką perfekcję, że byli w stanie przedstawiać swoje postacie niemal tak, jakby były żywe. A jest to tym cenniejsze, że tylko nieliczni pisarze przypisują taki sposób malowania starożytnym. A gdyby można było być przekonanym, że starożytni naprawdę tego nie mieli, to w tym osiągnięciu nasz czas przewyższyłby doskonałość starożytnych. Ale tak jak nie mówi się nic, co jeszcze nie zostało powiedziane, tak być może nie robi się nic, co jeszcze nie zostało zrobione. Przecież bez dalszej dyskusji pójdę dalej i chwaląc w każdy możliwy sposób tych, którzy oprócz rysunku wzbogacili sztukę o coś, przejdę do reszty.

(1) Jan z Brugii – Jan van Eyck (zm. 1441). Najwyraźniej Van Eyck nie wymyślił, ale poprawił technikę malowania olejem, a opowieść Vasariego o nim nie jest wiarygodna.
(2) Ruggeri z Brugii - Rogier van der Weyden (ok. 1400-1464), Ausse - Hans Memling (ok. 1433-1494).
(3) Nie wiadomo, o jakim obrazie mowa.
(4) Nie zachowały się żadne informacje o pobycie Antonello w Rzymie i Brugii. Najprawdopodobniej z malarstwem niderlandzkim zapoznał się w Neapolu, nie opuszczając Włoch. Malarstwo olejne znane było we Włoszech jeszcze przed nim, dlatego przypisywana mu przez Vasariego zasługa wprowadzenia Włochów w nową technikę malarską nie należy do niego.
(5) Dzieło przetrwało i znajduje się obecnie w Muzeum Sztuki w Wiedniu.
(6) Dalsza opowieść Vasariego o pobycie Antonello w Wenecji nie jest zbyt wiarygodna.
(7) Dzieło nie zachowało się.
(8) Antonello zmarł nie w Wenecji, ale w Mesynie; jego wiek jest również niedokładny.
(9) Andrea Riccio - rzeźbiarz wenecki. Posągi Adama i Ewy w Pałacu Dożów nie należą do niego, ale do Antonio Riccio (Rizzo).

Antonello da Messina jest przedstawicielem południowo-włoskiej szkoły malarstwa wczesnego renesansu. Urodzony w Mesynie na Sycylii.

Jako jeden z pierwszych we Włoszech pracował w technice czystego malarstwa olejnego.

Uderzają mnie jego portrety, obrazy z głębokim światem wewnętrznym, ale niezamkniętymi w sobie, przedstawiające nie tyle osobę, co status czy ideę, czyli realne jednostki, realnie żyjący ludzie.

Antonello da Messina oparł się na tradycji malarstwa holenderskiego, w szczególności na najbardziej zaawansowanym kierunku tego okresu – na technice Van Eycka, ale w relacji do włoskiego rozumienia obrazu ludzkiego. Ciekawostką jest to, że jako pierwszy artysta XV wieku odkrył wyrazistość uśmiechu, który ma jako element portretowej strzałki i pod wieloma względami jest związany z archaicznym uśmiechem greckiej rzeźby. Kolejny charakterystyczny szczegół jego portretów: wszystkie te obrazy są wyraźnie demokratyczne. Pomimo tego, że najczęściej są to osoby dość bogate i wysoko postawione, ich ubrania są proste, pozbawione luksusu, pozwalające zgadywać ich pozycję w społeczeństwie. Messina przedstawiała ludzką, osobistą wyjątkowość, a nie ekskluzywność klasową.

Portret mężczyzny. Według niektórych założeń - autoportret.

Więcej męskich portretów

Trivulzio de Milano (?)

Motywy religijne.

Tutaj widzimy przeciwieństwo uśmiechu - smutek i cierpienie, tak wyraziste, że serce zatrzymuje się.

Obrazy Zbawiciela różnią się od wyrafinowanych i szlachetnych po nieco rustykalne rysy twarzy, ale tak wypełnione wewnętrzną duchową treścią, że nie ma wątpliwości: przed nami jest Zbawiciel.

Zachwycający i wyrafinowany jest jego Salvator Mundi - Zbawiciel Świata (jeden z ich pseudonimów)

Smutek i cierpienie w tym obrazie ICH

Głęboki smutek na tym jasnym obrazie ICH

I na tej twarzy, pozornie rustykalnej w rysach, pytanie wydaje się zamrożone: „Ojcze, dlaczego mnie opuściłeś!?”

Pieta z Trzema Aniołami

Złote światło utrudnia wyraźne dostrzeżenie twarzy, niejasność tworzy efekt rozświetlenia wewnętrznym blaskiem.

I wreszcie jego oszałamiający obraz Virgin Annunciate

Wszystko się tutaj łączy - zarówno uśmiech, jak i smutek. Smutek serca i uśmiech świadomości. A może pod srebrno-niebieskawą okładką - sen.

Nie mogłem się oprzeć, przeciągnąłem to prywatne zdjęcie obrazu z internetu.

Madonna z Dzieciątkiem

W czarnym welonie tajemnicy, z czarnym dżetem u stóp - jest piękna.

Nie podaję źródła, zbierałem je przez długi czas i nie mogę powiedzieć, z czego w końcu wyszło. Nie wszystkie słynne obrazy Antonello da Messiny znajdują się w tym poście.

Antonello da Messina urodził się około 1430 roku i zmarł jako stosunkowo młody mężczyzna w 1479 roku. Vasari w swoim zbiorze biografii oświetla także jego życie. Vasariego przypomniałem sobie nie przez przypadek, pisał o prawie wszystkich i opowiedział romantyczną, prawie pełną przygód, ale zupełnie niewiarygodną historię o Antonello. Według Vasariego Antonello da Messina wyjechał do Holandii jako nastolatek i został uczniem Jana van Eycka, który uważał, że wynalazł malarstwo olejne. Van Eyck, a raczej bracia van Eyck: Jan i Hubert nie wymyślili, ale udoskonalili malarstwo olejne. I tak Jan van Eyck rzekomo trzymał przepis w ścisłej tajemnicy nawet przed najbliższymi braćmi, ale młody Włoch był tak czarujący, tak zaufany, że Jan van Eyck wyjawił Antonello da Messina tajniki malarstwa olejnego. Dowiedziawszy się wszystkiego od mistrza, Antonello wyjechał i przywiózł holenderski przepis do Włoch.

Zacznijmy od tego, że nie mógł studiować u Jana van Eycka, bo van Eyck zmarł, gdy Antonello miał zaledwie jedenaście lat. Ale technikę malarstwa olejnego znał bardzo dobrze, pracował w nim i oczywiście nauczył się go ze swojej ojczyzny, na południu Włoch, od tych Holendrów, którzy mogli być jakoś, przynajmniej pośrednio, związani z kręgiem Jana van Eycka i inni artyści, którzy pracowali w pierwszej połowie XV wieku. we Flandrii.

„Salvator Mundi (Zbawiciel Świata)”. 1465. Olej na drewnie, National Gallery, Londyn.

Szerokie powiązania włoskiego miasta Mesyna z Holandią sięgają średniowiecza. To przede wszystkim stosunki handlowe, ale także kulturalne. Nie można powiedzieć, że w Mesynie powstała cała kolonia artystów niderlandzkich, ale od czasów zmarłego w 1250 roku jednego z najwybitniejszych cesarzy Świętego Cesarstwa Rzymskiego Fryderyka II, mieszkańcy północy – Francuzi, Flamandowie, Holendrzy – mają nie zostało przetłumaczone tutaj. A Antonello da Messina, zgodnie z jego treningiem, jest z nimi wyraźnie związany.
A Toskania, przypomnę, w tej chwili działa w całości w temperze. Obraz olejny z połowy i 3 ćw. XV wieku. dla Włochów to wciąż doskonała nowość. Przeprowadzano oddzielne eksperymenty, ale sporadycznie i miały, że tak powiem, charakter eksperymentalny. A Antonello da Messina przeżywa swoją najwspanialszą godzinę - to półtora roku: 1475 i część 1476, kiedy prawdopodobnie mieszka w Wenecji na zaproszenie. W tej chwili tworzy wiele prac i pisze swoje najlepsze rzeczy. Bardzo możliwe, że w Wenecji był doceniany, w każdym razie wyżej niż w domu. Niewykluczone, że w 1476 Antonello trafił na stosunkowo krótki czas do Mediolanu, do księcia Sforza. Wiemy, że otrzymał takie zaproszenie, po czym wrócił do swojej ojczyzny, do Mesyny, gdzie, jak już wspomniałem, zmarł w 1479 r.
Już sam fakt, że Antonello da Messina rozprzestrzenił się i wprowadził nie tylko do sztuki włoskiej, ale i niemieckiej nową, znacznie bogatszą, elastyczną, mobilną technikę artystyczną wystarczył, aby jego nazwisko pozostało w historii sztuki. Ale oprócz tego jest również niezwykły jako mistrz pierwszej klasy, jeden z największych artystów Quattrocento, mistrz, który wyróżnił się w różnych dziedzinach malarstwa sztalugowego. I w obrazie nagiego ciała (jego słynny drezdeński „św. Sebastian”) oraz w tworzeniu czysto weneckiego typu ołtarza „Santa Conversazione” („Święta rozmowa”) w jego „Ołtarzu św. Kasjana”, który niestety dotarł do nas w formie fragmentarycznej.

„Chrystus w kolumnie”. Około 1476 r. Drewno, olej. Luwr, Paryż.

I wreszcie, być może najważniejszy, jest ogromny wkład Antonello da Messina w rozwój włoskiego portretu. Rozmawialiśmy o Botticellym, który w pewnym sensie był innowatorem portretu, ale etapami twórczość Antonello da Messina wyprzedza Botticellego i pod wieloma względami, mimo zewnętrznej skromności, przewyższa go.
Zachowała się większość jego dzieł z okresu weneckiego. Ale nie tylko. Znane są również rzeczy, które określa się jako wczesne dzieła mistrza. Wśród nich jest jego słynny „Święty Hieronim w celi”. Niewielka tablica datowana na ok. 1460 r. wykonana na długo przed pojawieniem się artysty w mieście nad Adriatykiem. W tej pracy szczególnie widoczny jest jego najbliższy związek z malarstwem niderlandzkim. Byliśmy niejednokrotnie przekonani i rozmawiałem, a sami można było odczuć, że wnętrze jako specyficzny problem, wnętrze jako temat ucieleśniony w swojej, by tak rzec, portretowej konkretności, nie przyciągało włoskich artystów. Wnętrza mistrzów toskańskich z połowy XV wieku. a wnętrza Ghirlandaio, jeśli mówimy o artystach końca wieku, są zawsze nieco fantastyczne, misterne, dekoracyjne, monumentalne, nielogiczne i jakoś mało skorelowane z człowiekiem. Zupełnie inny stosunek do wnętrza objawił się w Antonello da Messina w tym małym, ale bardzo ważnym, przełomowym obrazie dla włoskiego malarstwa.

Św. Hieronim w celi. Około 1475 r. Drewno, olej. Galeria Narodowa w Londynie.

Potężne, potężne kamienne portale otwierają się na nieco ponury, ale wcale nie ponury pokój, który również zawiera element pewnej fantazji architektonicznej. Coś jak hala, jeśli spróbujesz całą otwartą przestrzeń architektoniczną postrzegać jako integralność pewnej hali, której funkcje nie są wskazane. We wnętrzu pojawia się kolejne mikrownętrze - miejsce pracy lub półzamknięty gabinet, w którym pracuje św. Hieronim, patron humanistów, mistrz skryby. Jeśli spojrzysz na gałęzie przestrzeni, które rozwidlają się w głąb, to ta przestrzeń niejako okrąża szkielet szafy, pozostawiając w obrazie dwa prądy. Po lewej - coś w rodzaju mieszkalnego spokoju, światło padające z okna na podłogę, stołki stojące przy oknie, prostokątne okno w głębi, a po prawej - nagle pojawiają się gotyckie kolumny, sklepienie, prawie nawa kościoła . U góry pojawiają się również gotyckie łuki ostrołukowe, wysokość nie jest określona, ​​wykracza poza granice obrazu, gdzie gęstnieje nieprzenikniona ciemność. Jest tu jakaś niemal romantyczna niepewność, zwłaszcza że wnętrze się kończy, podłoga zbliża się do ściany, bliżej widza, nie są na tym samym poziomie, więc trudno wyobrazić sobie ścianę jako jedną i monolityczną. Ta obfitość wewnętrznych detali, wśród których żyje i pracuje św. Hieronim, wywodzi się wyraźnie z holenderskiego zamiłowania do obiektywizmu. Znajdują się tu różne naczynia - ceramiczne, szklane, metalowe, a także książki i rękopisy, a także jakieś drewniane skrzynie, trzeszczący lakier i wiszące ręczniki. Wszystko to jest bardzo czule i subtelnie napisane, w sposób, w jaki pisali Holendrzy, i tylko od holenderskich mistrzów można było nauczyć się tak bacznej uwagi do rzeczy i zorientować się w jej uroku.

Antonello da Messina (1429/1431 - 1479) - włoski artysta, wybitny przedstawiciel południowowłoskiej szkoły malarskiej wczesnego renesansu.

Biografia Antonello da Messina

Antonello urodził się w mieście Mesyna na Sycylii w latach 1429-1431.

Edukacja podstawowa odbywała się w szkole prowincjonalnej, z dala od artystycznych centrów Włoch, gdzie głównymi punktami odniesienia byli mistrzowie południowej Francji, Katalonii i Holandii.

Około 1450 przeniósł się do Neapolu. Na początku lat pięćdziesiątych uczył się u Colantonio, malarza związanego z tradycją holenderską.

Zmarł w Mesynie w 1479 roku.

Dzieło Antonello da Messina

W latach 1475-1476. yes Messina odwiedził Wenecję, gdzie otrzymywał i realizował zamówienia, zaprzyjaźnił się z artystami, zwłaszcza z Giovannim Bellinim, który do pewnego stopnia przejął jego technikę malarską.

Dojrzała twórczość Antonello da Messina to fuzja elementów włoskich i holenderskich. Był jednym z pierwszych we Włoszech, który pracował w technice czystego malarstwa olejnego, w dużej mierze zapożyczając go od Van Eycka.

Styl artysty charakteryzuje się wysokim poziomem wirtuozerii technicznej, drobiazgową dbałością o szczegóły oraz charakterystycznym dla szkoły włoskiej zainteresowaniem monumentalnymi formami i głębią tła.

Na obrazie „Martwy Chrystus pod opieką aniołów” postacie wyraźnie wyłaniają się na oświetlonym jasnym tle, gdzie niejasno wyróżnia się Mesyna, rodzinne miasto artysty. Z twórczością Giovanniego Belliniego związana jest ikonografia i emocjonalna interpretacja tematu.

Obrazy, które namalował w Wenecji, należą do najlepszych. „Ukrzyżowanie” (1475, Antwerpia) mówi o holenderskim treningu artysty.

W latach 70. XIX wieku znaczące miejsce w dziele zaczęły zajmować portrety („Młody człowiek”, ok. 1470; „Autoportret”, ok. 1473; „Portret mężczyzny”, 1475 itd.), nacechowane rysami sztuki holenderskiej: ciemne, neutralne tło, wiernie odwzorowana transmisyjna mimika twarzy.

Jego sztuka portretowa odcisnęła głębokie piętno na malarstwie weneckim pod koniec XV wieku. - początek XVI wieku

Twórczość Antonello da Messina jest przykładem tego, jak w malarstwie włoskim od około 1470 r. nowe formy portretowania rozprzestrzeniły się w różnych ośrodkach niemal jednocześnie, czasem niezależnie od siebie, a często dzięki nawiązaniu kontaktów między szkołami artystycznymi a decydująca rola kilku czołowych mistrzów.

Tak więc równocześnie z Mantegną w latach 70. XIV wieku, na odległych przedmieściach - na Sycylii, na pierwszy plan wysunął się inny wielki mistrz portretu, Antonello da Messina, który stworzył szereg prac będących przykładem portretu w trzech czwartych klatki piersiowej, który przez dziesięciolecia wyznaczał główną drogę rozwoju portretu weneckiego (dodatkowo podbił Wenecjan ucząc ich malowania farbami olejnymi).

Jest w ścisłym tego słowa znaczeniu pierwszym włoskim mistrzem portretu sztalugowego. Nigdy nie malował fresków z ukrytymi portretami i darczyńcami w ołtarzach.

Zachowało się około 10 jego autentycznych portretów, ale zajmuje bardzo ważne miejsce w rozwoju portretu sztalugowego wczesnego renesansu.

Praca artysty

• ukrzyżowanie. 1475. Galeria Narodowa. Londyn
• Maria Annunziata. Około 1476 Muzeum Narodowe. Palermo
• Ukrzyżowanie z Maryją i Janem. 1475. Muzeum Sztuk Pięknych. Antwerpia
• Maria Annunziata. 1473. Stara Pinakoteka. Monachium
• św. Sebastiana. 1476. Galeria dawnych mistrzów. Drezno
• Antonello da Messina. „Portret starca (Trivulzio de Milano)”, Turyn
• Antonello da Messina. T. rz. Condottiere, Luwr
• Zwiastowanie. 1473