Ogólna charakterystyka sztuki renesansu. Periodyzacja sztuki

sztuka renesansu

Renesans to okres rozkwitu wszystkich sztuk, w tym teatru, literatury i muzyki, ale niewątpliwie najważniejszą z nich, która najpełniej wyrażała ducha swoich czasów, były sztuki piękne.

Nieprzypadkowo istnieje teoria, że ​​renesans rozpoczął się od tego, że artyści nie zadowalali się już ramami dominującego stylu „bizantyjskiego” i w poszukiwaniu wzorów dla swojej twórczości jako pierwsi zwrócili się ku starożytności. Jeden z pierwszych, którzy porzucili „manierę bizantyjską” i zaczął wykorzystywać we freskach model światłocieniowy postaci Pietro Cavalliniego. Ale zamiast ikon, obrazy najpierw stworzył największy mistrz protorenesansu, Giotto.

Jako pierwszy starał się przekazać chrześcijańskie idee etyczne poprzez przedstawienie prawdziwych ludzkich uczuć i doświadczeń, zastępując symbolizm przedstawieniem rzeczywistej przestrzeni i konkretnych obiektów. Na słynnych freskach Giotta w kaplicy Arena w Padwie obok świętych można zobaczyć bardzo nietypowe postacie: pasterzy czy prządkę. Każda indywidualna osoba w Giotto wyraża całkiem określone doświadczenia, określony charakter.

W epoce Ducento (XIII w.) we Włoszech zamiast język literackiŚredniowiecze - łac. - stopniowo ukształtowane język miejscowy- Włoski. Wielki wkład w jego powstanie wniósł największy pisarz tamtych czasów Dante Alighieri (1256-1321). W swojej wczesnej pracy Nowe życie" napisane w Włoski Dante opowiada historię miłości do Beatrice, od ich pierwszego spotkania, gdy byli jeszcze dziećmi, aż do śmierci jej ukochanego, gdy miała 18 lat.

Wizerunek prostej mieszczki, wywyższonej miłością poety, niesie przez całe życie. I całkiem w duchu renesansu scena z jego „ Boska komedia”, w którym przedstawia swoją Beatrycze siedzącą na wozie, symbolizującą Kościół u bram czyśćca.

W dobie wczesnego renesansu w sztuce następuje rozwój starożytnego dziedzictwa artystycznego, kształtują się nowe ideały etyczne, artyści zwracają się ku zdobyczom nauki (matematyka, geometria, optyka, anatomia). Florencja odgrywa wiodącą rolę w kształtowaniu ideologicznych i stylistycznych zasad sztuki wczesnego renesansu. W obrazach tworzonych przez takich mistrzów jak Donatello i Verrocchio dominują heroiczne i patriotyczne zasady („Św. Jerzy” i „Dawid” Donatella i „Dawid” Verrocchio).

Założycielem malarstwa renesansowego jest Masaccio (freski kaplicy Brancaccich, „Trójca”), Masaccio był w stanie przekazać głębię przestrzeni, połączył postać i krajobraz jednym pomysłem kompozycyjnym i nadał jednostkom ekspresję portretową. Ale formacja i ewolucja malowniczy portret, odzwierciedlające zainteresowanie kultury renesansowej człowiekiem, związane są z nazwiskami artystów szkoły umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Twórczość artysty Sandro Botticellego wyróżnia się we wczesnym renesansie. Obrazy, które stworzył, są uduchowione i poetyckie. Badacze zwracają uwagę na abstrakcję i wyrafinowany intelektualizm w twórczości artysty, jego chęć tworzenia kompozycji mitologicznych o skomplikowanej i zaszyfrowanej treści ("Wiosna", "Narodziny Wenus").

Jeden z biografów Botticellego powiedział, że jego Madonny i Wenus sprawiają wrażenie zagubienia, wywołując w nas uczucie nieusuwalnego smutku… Jedni stracili niebo, inni – ziemię.

Kulminacją rozwoju ideologicznych i artystycznych zasad włoskiego renesansu jest renesans wysoki. Twórcą sztuki wysokiego renesansu jest Leonardo da Vinci, wielki artysta i naukowiec.

Stworzył szereg arcydzieł: „Mona Lisa” („Gioconda”), „Madonna Benois” i „Madonna Litta”, „Dama z gronostajem”. W swojej pracy Leonardo starał się wyrazić ducha człowieka renesansu. Szukał źródeł doskonałych form sztuki w przyrodzie, ale N. Bierdiajew uważa go za odpowiedzialnego za nadchodzący proces mechanizacji i mechanizacji życie człowieka które oddzieliły człowieka od natury.

Malarstwo osiąga klasyczną harmonię w twórczości Rafaela. Jego sztuka ewoluuje od wczesnych, chłodnych umbryjskich obrazów Madonn (Madonna Conestabile) do świata „szczęśliwego chrześcijaństwa” dzieł florenckich i rzymskich. „Madonna z Szczygiełem” i „Madonna w fotelu” są miękkie, humanitarne, a nawet zwyczajne w swoim człowieczeństwie.

Ale obraz „Madonny Sykstyńskiej” jest majestatyczny, symbolicznie łączący świat niebiański i ziemski. Przede wszystkim Raphael znany jest jako twórca łagodnych wizerunków Madonn. Ale w malarstwie ucieleśniał także ideał renesansu uniwersalny człowiek(portret Castiglione) oraz dramaturgii wydarzeń historycznych.

Michał Anioł to mistrz, który w swojej sztuce połączył piękną fizyczność z głęboką duchowością obrazów odziedziczonych po średniowiecznej kulturze chrześcijańskiej. Już w środku wczesna praca Michał Anioł pokazał swój tragiczny światopogląd („Ukrzyżowanie”), najsubtelniejszą psychologię obrazów i techniczną wirtuozerię („Lamentacja Chrystusa” z Katedry św. Piotra). Tworzy Michała Anioła i jego koncepcję historii ludzkości (malarski sufit Kaplicy Sykstyńskiej).

Szczególne miejsce w epoce wysokiego renesansu zajmuje szkoła wenecka, w której radość życia i miłość do natury połączono z humanistycznym ideałem (twórczość Giorgione, Tycjana). Późny renesans i manieryzm odzwierciedlają kryzys renesansowych ideałów humanistycznych.

W tym okresie twórczość Michała Anioła odzwierciedla narastającą tragedię jego światopoglądu (obrazy kaplicy Medyceuszy, zwłaszcza „Noc”, „Sąd Ostateczny” i freski kaplicy Paolina). Wśród artystów, którzy kontynuują tradycje wysokiego renesansu, rośnie pragnienie dekoracyjności i przepychu (Veronese), rośnie subiektywizm i spirytualizm.

Dla manierystów obraz budowany jest nie na podstawie studium natury, jak to miało miejsce w przypadku artystów renesansowych, ale na ich wewnętrznym odczuciu. Manieryzm kapryśnie splata mistycyzm i ideały kultury dworskiej, jest pełen alegorii i artystycznej plastyczności. W manieryzmie zaprzecza się tradycji renesansowej (Correggio, Amanti itp.).

Równolegle z kryzysem sztuki renesansowej we Włoszech rozkwitła w Holandii i Niemczech.

Jan van Eyck – centralna postać początkowego poru Renesans północny. W jego twórczości znalazła odzwierciedlenie jedna z podstawowych cech tej sztuki: ścisły związek ze sztuką późnego gotyku. Ołtarz z Gandawy, wykonany przez braci van Eyck, w swojej figuratywnej konstrukcji łączy w sobie surowe uczucie religijne z radosnym i poetyckim postrzeganiem ziemskiego piękna, idealne obrazy z portretami prawdziwi ludzie, złożona symbolika z prostymi ludzkimi emocjami. W portretach Jana van Eycka nacisk kładzie się na duchową pełnię i pobożność w psychologicznie wiarygodnych i naturalistycznie dokładnych obrazach.

W twórczości Hieronima Boscha pojawia się skomplikowana symbolika, fantazja i groteska. Jego styl wydaje się tak niezwykły jak na tamte czasy, że wielu historyków sztuki współczesnej uważa Boscha za prekursora surrealizmu.

Rozwój sztuki północnego renesansu wiąże się z nazwiskiem Albrechta Dürera, który położył podwaliny pod świeckie gatunki w Niemczech - portret, pejzaż, gatunki codzienne. W jego twórczości przejawia się kolejna uderzająca cecha północnego renesansu: chęć przedstawienia osoby jako niedoskonałej i idealnej, ale niezawodnej.

Mówiąc o sztuce renesansu północnego, należy oczywiście zwrócić uwagę na portrety Holbeina i twórczość Bruegla.

Podsumowując, należy zauważyć, że renesans we Włoszech i reformację w Europie Północnej można, podobnie jak N. Bierdiajew, uznać za etapy okres przejściowy, co oznaczało koniec w skali historycznej jednego typu cywilizacji (kosmogenicznej, tradycyjnej) i początek nowej cywilizacji technogenicznej.

Renesans włoski był źródłem renesansu północnego i reformacji. Reformacja w szczególny sposób uzupełniła i rozwinęła idee renesansowe. Jeśli włoski renesans był początkiem nowej miejskiej kultury burżuazyjnej, to reformacja, tworząc protestantyzm, zapewniła dynamiczny rozwój kapitalizmu w Europie.

1. Wysoki renesans.
2. Twórczość Leonarda da Vinci, Tycjana, Rafaela, Michała Anioła.
3. Renesans północny: Sztuka Holandii i Niemiec.

Wysoki renesans

Sztuka wysokiego renesansu przypada na koniec XV i pierwsze trzy dekady XVI wieku. „Złoty wiek” sztuki włoskiej był chronologicznie bardzo krótki i tylko w Wenecji trwał dłużej, aż do połowy stulecia. Ale to właśnie w tym czasie powstały wspaniałe dzieła tytanów renesansu.

Najwyższy wzrost kultury miał miejsce w najtrudniejszym okres historycznyżycia Włoch, w obliczu gwałtownego osłabienia gospodarczego i politycznego państw włoskich. Tureckie podboje na Wschodzie, odkrycie Ameryki i nowy szlak morski do Indii pozbawiają miasta włoskie ich najważniejszej roli. centra handlowe; brak jedności i ciągłe wewnętrzne konflikty czynią je łatwym łupem dla rozrastających się scentralizowanych stanów północno-zachodnich. Przemieszczanie się wewnątrz kraju kapitału od handlu i przemysłu do rolnictwa oraz stopniowe przekształcanie się burżuazji w klasę obszarników przyczyniły się do rozprzestrzenienia się reakcji feudalnej. Inwazja wojsk francuskich w 1494 roku, wyniszczające wojny pierwszych dekad XVI wieku, klęska Rzymu niezwykle osłabiły Włochy. Właśnie w tym czasie, gdy nad krajem zawisła groźba całkowitego zniewolenia przez obcych najeźdźców, ujawniły się siły ludu, wkraczające do walki o niepodległość narodową, o republikańską formę rządów i ich narodową samoświadomość. rósł. Świadczą o tym popularne ruchy z początku XVI wieku w wielu Włoskie miasta, a w szczególności we Florencji, gdzie rządy republikańskie ustanowiono dwukrotnie: od 1494 do 1512 i od 1527 do 1530. Ogromny wzrost społeczny stał się podstawą rozkwitu potężnej kultury wysokiego renesansu. W trudnych warunkach pierwszych dziesięcioleci XVI wieku ukształtowały się zasady kultury i sztuki nowego stylu.
Charakterystyczną cechą kultury wysokiego renesansu było niezwykłe poszerzenie horyzontów społecznych jej twórców, skala ich wyobrażeń o świecie i przestrzeni. Zmienia się pogląd człowieka i jego stosunek do świata. Sam typ artysty, jego światopogląd, jego pozycja w społeczeństwie są zdecydowanie odmienne od tego, które zajmowały mistrzowie XV wieku, nadal w dużej mierze związani z klasą rzemieślników. Artyści wysokiego renesansu to nie tylko ludzie wielkiej kultury, ale osobowości twórcze, wolne od ram cechowych fundacji, zmuszające przedstawicieli klas rządzących do liczenia się ze swoimi planami.
W centrum ich sztuki, uogólnionej w języku artystycznym, obraz jest idealnie piękna osoba, doskonały fizycznie i duchowo, nie oderwany od rzeczywistości, ale pełen życia, wewnętrzna siła i znaczenie, tytaniczna moc autoafirmacji. Na początku XVI wieku, obok Florencji, najważniejszymi ośrodkami nowej sztuki stał się Rzym papieski i patrycjuszowska Wenecja. Od lat trzydziestych XVI wieku w środkowych Włoszech narastała reakcja feudalnych katolików, a wraz z nią szerzył się dekadencki nurt w sztuce zwany manieryzmem. A już w drugiej połowie XVI wieku pojawiły się tendencje sztuki antymanierystycznej.
W tym późnym okresie, kiedy tylko poszczególne ośrodki kultury renesansowej zachowują swoją rolę, to one tworzą dzieła najbardziej znaczące pod względem wartości artystycznej. Takie są późne dzieła Michała Anioła, Palladia i wielkich Wenecjan.

Dzieło Leonarda da Vinci

Pewne nurty w sztuce wysokiego renesansu były antycypowane w twórczości wybitnych artystów XV wieku i wyrażały się w pragnieniu majestatu, monumentalizacji i uogólniania obrazu. Jednak prawdziwym założycielem stylu wysokiego renesansu był Leonardo da Vinci, geniusz, którego twórczość oznaczała imponującą jakościową zmianę w sztuce. Znaczenie jego wszechstronnej działalności naukowej i artystycznej stało się jasne dopiero po zbadaniu rozproszonych rękopisów Leonarda. Jego notatki i rysunki zawierają błyskotliwe wglądy w różne dziedziny nauki i technologii. Był on, mówiąc słowami Engelsa, „nie tylko wielkim malarzem, ale także świetnym matematykiem, mechanikiem i inżynierem, któremu ważne odkrycia różne gałęzie fizyki.

Sztuka dla Leonarda była sposobem na zrozumienie świata. Wiele jego szkiców służy jako ilustracje Praca naukowa a jednocześnie jest dziełem sztuki wysokiej. Leonardo ucieleśniał nowy typ artysty - naukowca, myśliciela, uderzającego w szerokość poglądów, wszechstronność talentu.
Leonardo urodził się we wsi Anchiano, niedaleko miasta Vinci. Był nieślubnym synem notariusza i prostej wieśniaczki. Studiował we Florencji, w pracowni rzeźbiarza i malarza Andrei Verrocchio. Jedno z wczesnych dzieł Leonarda - postać anioła z Chrztu Verrocchia (Florencja, Uffizi) - wyróżnia się wśród zamrożonych postaci subtelną duchowością i świadczy o dojrzałości swego twórcy.
Wśród wczesnych dzieł Leonarda znajduje się Madonna z kwiatem przechowywana w Ermitażu (tzw. Madonna Benois, około 1478), która zdecydowanie różni się od licznych Madonn z XV wieku. Odrzucając gatunek i drobiazgowe detale tkwiące w dziełach mistrzów wczesnego renesansu, Leonardo pogłębia cechy i uogólnia formy. Postacie młodej mamy i dziecka, misternie modelowane bocznym światłem, wypełniają niemal całą przestrzeń obrazu. Naturalne i plastyczne są ruchy postaci, organicznie ze sobą połączone. Wyraźnie wyróżniają się na ciemnym tle ściany. Czyste błękitne niebo otwierające się przez okno łączy postacie z naturą, z ogromnym światem zdominowanym przez człowieka. W zrównoważonej konstrukcji kompozycji wyczuwalny jest wewnętrzny wzór. Ale to nie wyklucza ciepła, naiwnego uroku, obserwowanego w życiu.
W 1480 Leonardo miał już własny warsztat i otrzymywał zamówienia. Jednak jego pasja do nauki często odciągała go od sztuki. Niedokończona pozostała kompozycja wielkiego ołtarza „Adoracja Trzech Króli” (Florencja, Uffizi) i „Święty Hieronim” (Rzym, Watykan Pinakoteka). W pierwszym artysta dążył do przekształcenia złożonej, monumentalnej kompozycji obrazu ołtarzowego w łatwo widoczną grupę w kształcie piramidy, oddającą głębię ludzkich uczuć. W drugim - do prawdziwego obrazu złożonych kątów Ludzkie ciało, kosmiczny krajobraz.
Nie znajdując właściwej oceny swojego talentu na dworze Lorenza Medici z jego kultem wyrafinowanego wyrafinowania, Leonardo wstąpił na służbę księcia Mediolanu Lodovico Moro. Najbardziej owocny okazał się mediolański okres twórczości Leonarda (1482-1499). Tutaj z pełną mocą ujawniła się wszechstronność jego talentu jako naukowca, wynalazcy i artysty.
Karierę rozpoczął od wykonania pomnika rzeźbiarskiego – pomnika konnego ojca księcia Lodovico Moro Francesco Sforzy. Wielki model pomnika, który był jednogłośnie chwalony przez współczesnych, zginął podczas zdobycia Mediolanu przez Francuzów w 1499 roku. Zachowały się jedynie rysunki - szkice różnych wersji pomnika, obrazy przedstawiające stadninę, pełną dynamiki konia, potem uroczyście sterczącego konia, przypominające rozwiązania kompozycyjne Donatella i Verrocchia. Najwyraźniej ta ostatnia opcja została przełożona na model posągu. Przekroczył on znacznie rozmiary pomników Gattamelaty i Colleoniego, co dało współczesnym i samemu Leonardowi powód do nazywania pomnika „wielkim kolosem”. Ta praca pozwala nam uznać Leonarda za jednego z największych rzeźbiarzy tamtych czasów.
Nie zdarzył się nam ani jeden zrealizowany projekt architektoniczny Leonarda. A jednak jego rysunki i projekty budynków, pomysły na stworzenie idealnego miasta mówią o jego darze jako wybitnego architekta.
Okres mediolański obejmuje obrazy styl dojrzały – „Madonna w grocie” i „Ostatnia wieczerza”. „Madonna in the Grotto” (1483-1494, Paryż, Luwr) – pierwszy monumentalny ołtarz renesansu. Jej bohaterowie Maryja, Jan, Chrystus i anioł nabyli cech wielkości, poetyckiej duchowości i pełni wyrazistości życia. Zjednoczeni nastrojem zadumy i działania – Dzieciątko Chrystus błogosławi Jana – w harmonijną piramidalną grupę, jakby światłocień wachlował lekką mgiełką, bohaterowie ewangelicznej legendy wydają się być ucieleśnieniem idealne obrazy spokojne szczęście.

Najważniejszy z monumentalnych obrazów Leonarda, Ostatnia Wieczerza, wykonany w latach 1495-1497 dla klasztoru Santa Maria della Grazie w Mediolanie, przenosi w świat prawdziwych namiętności i dramatycznych uczuć. Odchodząc od tradycyjnej interpretacji epizodu ewangelicznego, Leonardo proponuje nowatorskie rozwiązanie tematu, kompozycję, która głęboko ujawnia ludzkie uczucia i doświadczenia. Minimalizując obraz ustawienia refektarza, świadomie zmniejszając wielkość stołu i wysuwając go na pierwszy plan, skupia się na dramatycznej kulminacji wydarzenia, na kontrastowych cechach ludzi o różnych temperamentach, manifestacji złożonej gamy uczuć , wyrażony zarówno w mimice, jak i w gestach, którymi apostołowie odpowiadają na słowa Chrystusa: „Jeden z was mnie zdradzi”. Zdecydowany kontrast z apostołami stanowią wizerunki z pozoru spokojnego, ale smutno zamyślonego Chrystusa, który znajduje się w centrum kompozycji, oraz zdrajcy Judasza opartego o krawędź stołu, którego szorstki, drapieżny profil pogrążony jest w cieniu. Zmieszanie, podkreślone gestem ręki ściskającej konwulsyjnie portfel i ponury wygląd odróżniają go od innych apostołów, na których oświetlonych twarzach można odczytać wyraz zdziwienia, współczucia, oburzenia. Leonardo nie oddziela postaci Judasza od pozostałych apostołów, jak to czynili mistrzowie wczesnego renesansu. Jednak odrażające pojawienie się Judasza ujawnia ideę zdrady ostrzej i głębiej. Wszystkich dwunastu uczniów Chrystusa znajduje się w grupach po trzy osoby po obu stronach nauczyciela. Niektórzy z nich podrywają się z podekscytowania ze swoich miejsc, zwracając się do Chrystusa. Artysta podporządkowuje różne wewnętrzne ruchy apostołów ścisłemu porządkowi. Kompozycja fresku zachwyca jednością, integralnością, jest ściśle wyważona, centryczna w konstrukcji. Monumentalizacja obrazów, skala obrazu przyczyniają się do wrażenia głębokiego znaczenia obrazu, podporządkowując całą dużą przestrzeń refektarza. Leonardo w pomysłowy sposób rozwiązuje problem syntezy malarstwa i architektury. Ustawiając stół równolegle do ściany ozdobionej freskiem, potwierdza jego płaszczyznę. Przedstawione na fresku zmniejszenie perspektywiczne ścian bocznych niejako kontynuuje rzeczywistą przestrzeń refektarza.
Fresk jest poważnie uszkodzony. Eksperymenty Leonarda z nowymi materiałami nie wytrzymały próby czasu, późniejsze nagrania i renowacje prawie ukryły oryginał, który został oczyszczony dopiero w 1954 roku. Ale zachowane ryciny i rysunki przygotowawcze pozwalają uzupełnić wszystkie szczegóły kompozycji.
Po zdobyciu Mediolanu przez wojska francuskie Leonardo opuścił miasto. Rozpoczęły się lata tułaczki. Na zlecenie Republiki Florenckiej wykonał karton do fresku „Bitwa pod Anghiari”, który miał ozdobić jedną ze ścian Sali Rady w Palazzo Vecchio (budynek rządu miasta). Tworząc tę ​​tekturę, Leonardo zmierzył się z młodym Michałem Aniołem, który zrealizował zamówienie na fresk „Bitwa pod Kashin” na kolejną ścianę w tym samym pomieszczeniu. Jednak te kartony, powszechnie rozpoznawane przez współczesnych, nie zachowały się do dziś. Tylko stare kopie i ryciny pozwalają nam ocenić innowacyjność geniuszy wysokiego renesansu w dziedzinie malarstwa bitewnego.
W pełnym dramaturgii i dynamiki kompozycji Leonarda oddany zostaje epizod bitwy o sztandar, moment największego napięcia sił bojowników, ujawnia się okrutna prawda wojny. Do tego samego czasu należy stworzenie portretu Mony Lisy (La Gioconda, ok. 1504, Paryż, Luwr), jednego z najsłynniejszych dzieł malarstwa światowego. Głębia i wymowa kreowanego wizerunku jest niezwykła, w której cechy jednostki łączą się z dużym uogólnieniem. Innowacja Leonarda przejawiała się również w rozwoju portretu renesansowego.
Opracowana plastycznie, zamknięta w sylwetce, majestatyczna postać młodej kobiety dominuje w odległym krajobrazie spowitym niebieskawą mgiełką z wijącymi się między nimi skałami i kanałami wodnymi. Złożony na wpół fantastyczny krajobraz subtelnie współgra z charakterem i intelektem portretowanej osoby. Wydaje się, że niepewną zmienność samego życia odczuwa się w wyrazie jej twarzy, ożywionej ledwie wyczuwalnym uśmiechem, w jej spokojnym, pewnym siebie, przenikliwym spojrzeniu. Twarz i zadbane dłonie patrycjusza pomalowane są z niezwykłą starannością i miękkością. Najcieńsza, jakby topniejąca, mgiełka światłocienia (tzw. sfumato), otulająca sylwetkę, łagodzi kontury i cienie; na zdjęciu nie ma ani jednego ostrego pociągnięcia ani kanciastego konturu.
W ostatnich latach życia Leonardo większość czasu poświęcał badaniom naukowym. Zmarł we Francji, dokąd przybył na zaproszenie króla Francji Franciszka I i gdzie mieszkał zaledwie dwa lata.
Jego sztuka, nauka i studia teoretyczne, jego osobowość miała ogromny wpływ na rozwój światowej kultury. Jego rękopisy zawierają niezliczone notatki i rysunki świadczące o uniwersalności geniuszu Leonarda. Oto starannie wyrysowane kwiaty i drzewa, szkice nieznanej broni, maszyn i urządzeń. Wraz z analitycznie dokładnymi obrazami istnieją rysunki, które wyróżniają się niezwykłym rozmachem, epickim lub subtelnym liryzmem. Namiętny wielbiciel wiedzy eksperymentalnej, Leonardo dążył do jej krytycznej refleksji, do poszukiwania praw uogólniających. „Doświadczenie to jedyne źródło wiedzy” – powiedział artysta. „Księga malarstwa” ujawnia jego poglądy jako teoretyka sztuki realistycznej, dla którego malarstwo jest zarówno „nauką, jak i prawowitą córką natury”. Traktat zawiera wypowiedzi Leonarda na temat anatomii, perspektywy, szuka wzorców w budowie harmonijnej postaci ludzkiej, pisze o interakcji kolorów, o odruchach. Wśród zwolenników i uczniów Leonarda nie było jednak ani jednego, który podszedłby do nauczyciela pod względem talentu; pozbawieni samodzielnego spojrzenia na sztukę, tylko zewnętrznie przyswoili sobie jego artystyczną manierę.

Obrazy i biografia Tiziano Vecellio

tycjanowski Wenus z Urbino, 1538 Galeria Uffizi, Florencja Wenus i Adonis, 1550s Muzeum Getty'ego w Los Angeles.

świecka miłość (Marność ziemskich) 1515	Młodzież z podartą rękawiczką, 1515-1520	Flora 1515	Francesco della Rovere 1538	Portret młodej kobiety, 1536

Miłość ziemska i niebiańska, 1515

Portret Pietro Aretino 1545	Portret Karola V 1548	Danae 1554	Syzyf 1549	Wenus z lustrem 1555

Wniebowzięcie Marii, (Assunta), 1518	Tarkwiniusz i Lukrecja 1568-1571	Pozycja w trumnie 1524-1526	Św. Sebastian 1570	Opłakiwanie Chrystusa 1576

Madonna z rodu Pesaro, 1519-1526	Bachus i Ariadna 1522	Wprowadzenie do świątyni 1534-1538	, 1546	Alegoria czasu 1565

Tycjan (właściwie Tiziano Vecellio, Tiziano Veccellio) (około 1488/1490 - 1576), włoski malarz wysokiego i późnego renesansu. Studiował w Wenecji u Giovanniego Belliniego, w którego warsztacie zbliżył się do Giorgione; pracował w Wenecji, a także w Padwie, Ferrarze, Mantui, Urbino, Rzymie i Augsburgu. Ściśle związany ze środowiskiem artystycznym Wenecji (Giorgione, architekt Jacopo Sansovino, pisarz Pietro Aretino), wybitny mistrz weneckiej szkoły malarskiej, Tycjan ucieleśniał w swojej twórczości humanistyczne ideały renesansu. Jego sztuka afirmująca życie wyróżnia się wszechstronnością, szerokim zasięgiem rzeczywistości i ujawnieniem głębokich konfliktów dramatycznych epoki. Zainteresowanie pejzażem, poezją, liryczną kontemplacją, subtelną kolorystyką sprawiają, że wczesne prace Tycjana są spokrewnione (tzw. „Madonna cygańska”, Kunsthistorisches Museum, Wiedeń; „Chrystus i grzesznik”, Galeria Sztuki, Glasgow) z dziełem Giorgione; artysta zaczął rozwijać niezależny styl w połowie XV wieku, po zapoznaniu się z twórczością Rafaela i Michała Anioła. Spokojne i radosne obrazy jego obrazów cechuje w tym okresie witalność, jasność uczuć, wewnętrzne oświecenie, główny kolor zbudowany jest na współbrzmieniu głębokich, czystych barw („Miłość na ziemi i niebie”, ok. 1514-1516 , Galeria Borghese, Rzym; „Flora”, ok. 1515, Uffizi; „Denariusz Cezara”, 1518, Galeria Sztuki, Drezno). Następnie Tycjan namalował kilka portretów, surowych i spokojnych w kompozycji, a także subtelnie psychologicznych („Młody człowiek w rękawiczce”, Luwr, Paryż; „Portret mężczyzny”, Galeria Narodowa, Londyn). Nowy okres twórczości Tycjana (koniec 1510 - 1530) wiąże się z rozkwitem społecznym i kulturowym Wenecji, która w tej epoce stała się jednym z głównych bastionów humanizmu i wolności miejskich we Włoszech. W tym czasie Tycjan stworzył monumentalne ołtarze przepełnione majestatycznym patosem („Wniebowzięcie Marii”, ok. 1516-1518, kościół Santa Maria Gloriosa dei Frari w Wenecji), których kompozycję przesiąknięto ruchem, obrazy ewangeliczne i Wenus z Urbino, 1538 Galeria Uffizi, Florencja Wenus i Adonis, 1550s Muzeum Getty'ego w Los Angeles.

świecka miłość (Marność ziemskich) 1515	Młodzież z podartą rękawiczką, 1515-1520	Flora 1515	Francesco della Rovere 1538	Portret młodej kobiety, 1536

W późnym okresie swojej twórczości Tycjan osiągnął wyżyny zarówno w umiejętności malarskiej, jak i w emocjonalnej i psychologicznej interpretacji motywów religijnych i mitologicznych. Afirmujące życie piękno ludzkiego ciała, pełnia otaczającego świata stały się motywem przewodnim prac artysty ze scenami zaczerpniętymi z antycznej mitologii („Danae”, ok. 1554, Prado, Madryt i Ermitaż, Petersburg; „ Wenus przed lustrem”, 1550, National Gallery of Art, Waszyngton; „Diana and Actaeon”, 1556 oraz „Diana and Callisto”, 1556-1559, oba obrazy w National Gallery of Scotland w Edynburgu).

Miłość ziemska i niebiańska, 1515

Portret Pietro Aretino 1545	Portret Karola V 1548	Danae 1554	Syzyf 1549	Wenus z lustrem 1555

Wniebowzięcie Marii, (Assunta), 1518	Tarkwiniusz i Lukrecja 1568-1571	Pozycja w trumnie 1524-1526	Św. Sebastian 1570	Opłakiwanie Chrystusa 1576

Madonna z rodu Pesaro, 1519-1526	Bachus i Ariadna 1522	Wprowadzenie do świątyni 1534-1538	Papież Paweł III z wnukami Farnese, 1546	Alegoria czasu 1565

Praca Rafaela Santi

Raphael Santi (1483-1520) najpełniej ucieleśniał w swojej twórczości ideę najjaśniejszych i najwznioślejszych ideałów renesansowego humanizmu. Młodszy współczesny Leonardo, który wiódł krótkie, niezwykle bogate życie, Raphael zsyntetyzował dokonania swoich poprzedników i stworzył swój ideał pięknej, harmonijnie rozwiniętej osoby otoczonej majestatyczną architekturą lub pejzażem. Raphael urodził się w Urbino, jako syn malarza, który był jego pierwszym nauczycielem. Później studiował u Timoteo della Viti i Perugino, doskonaląc styl tego ostatniego do perfekcji. Rafael zaczerpnął z Perugino płynność linii, swobodę pozycjonowania postaci w przestrzeni, która stała się charakterystyczna dla jego dojrzałych kompozycji. Jako siedemnastoletni młodzieniec odkrywa prawdziwą dojrzałość twórczą, tworząc serię obrazów pełnych harmonii i duchowej klarowności.

Delikatny liryzm i subtelna duchowość wyróżniają jedno z jego wczesnych dzieł - „Madonna Conestabile” (1502, Petersburg, Ermitaż), oświecony wizerunek młodej matki przedstawiony na tle przezroczystego umbryjskiego krajobrazu. Umiejętność swobodnego układania postaci w przestrzeni, łączenia ich ze sobą i z otoczeniem przejawia się także w kompozycji „Zaręczyny Maryi” (1504, Mediolan, Galeria Brera). Przestronność w konstrukcji krajobrazu, harmonia form architektonicznych, równowaga i integralność wszystkich części kompozycji świadczą o ukształtowaniu Rafaela jako mistrza Wysokiego Renesansu.
Wraz z przybyciem do Florencji Rafael z łatwością wchłania najważniejsze osiągnięcia artystów szkoły florenckiej z jej wyraźnym plastycznym początkiem i szerokim zasięgiem rzeczywistości. Treścią jego sztuki pozostaje liryczny temat światła Miłość matki do którego przywiązuje szczególną wagę. Dojrzalszy wyraz uzyskuje w takich dziełach jak Madonna in the Green (1505, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum), Madonna z Szczygiełem (Florencja, Uffizi), Piękny ogrodnik (1507, Paryż, Luwr). W zasadzie wszystkie różnią się tym samym typem kompozycji, złożonym z postaci Maryi, Dzieciątka Chrystusa i Chrzciciela, tworzących piramidalne grupy na tle pięknego wiejskiego krajobrazu w duchu technik kompozytorskich znalezionych wcześniej przez Leonarda. Naturalność ruchów, miękka plastyczność form, gładkość linii melodycznych, piękno idealnego typu Madonny, wyrazistość i czystość pejzażowych teł przyczyniają się do ujawnienia wysublimowanej poezji figuratywnej struktury tych kompozycje.
W 1508 r. Rafael został zaproszony do pracy w Rzymie na dworze papieża Juliusza II, władczego, ambitnego i energicznego człowieka, który dążył do pomnażania artystycznych skarbów swojej stolicy i przyciągnięcia do swojej służby najzdolniejszych ówczesnych postaci kultury. Na początku XVI wieku Rzym budził nadzieje na narodowe zjednoczenie kraju. Ideały porządku narodowego stworzyły grunt pod twórczy wzrost, ucieleśnienie zaawansowanych dążeń w sztuce. Tu, w bliskim sąsiedztwie dziedzictwa starożytności, talent Rafaela rozkwita i dojrzewa, nabierając nowego wymiaru i cech spokojnej wielkości.
Rafał otrzymuje zlecenie namalowania frontowych pomieszczeń (tzw. zwrotek) Pałacu Watykańskiego. Dzieło to, kontynuowane z przerwami od 1509 do 1517 roku, stawiało Rafaela w gronie największych mistrzów włoskiej sztuki monumentalnej, śmiało rozwiązując problem syntezy architektury i malarstwa renesansowego. Dar Rafaela - muralisty i dekoratora - objawił się w całej okazałości podczas malowania Stanzi della Senyatura (drukarnia). Na długich ścianach tego pomieszczenia, przykrytych sklepieniami żeglarskimi, umieszczono kompozycje „Spór” i „Szkoła Ateńska”, na wąskich – „Parnas” i „Mądrość, umiar i siła”, uosabiające cztery obszary aktywność duchowa człowieka: teologia, filozofia, poezja i prawoznawstwo. Sklepienie, podzielone na cztery części, zdobią alegoryczne figury, tworzące jeden układ dekoracyjny z malowidłami ściennymi. Tym samym cała przestrzeń pokoju okazała się wypełniona malarstwem.

Adam i Ewa 1510	Szkoła ateńska 1509	Triumf Galatei 1511	Spór 1510	prorok Izajasz 1512

Łączenie obrazów w murale Religia chrześcijańska a mitologia pogańska świadczyła o szerzeniu się wśród ówczesnych humanistów idei pojednania religii chrześcijańskiej z kulturą antyczną i bezwarunkowym zwycięstwie zasady świeckiej nad Kościołem. Nawet w „Sporze” (sporu ojców kościoła o sakrament), poświęconym wizerunkowi przywódców kościelnych, wśród uczestników sporu można rozpoznać poetów i artystów Włoch - Dantego, Fra Beato Angelico i innych malarzy i pisarzy. O uroczystości humanistyczne idee w sztuce renesansowej kompozycja „Szkoła Ateńska” mówi o jej związku z antykiem, gloryfikując umysł pięknego i silnego człowieka, starożytną naukę i filozofię. Obraz postrzegany jest jako ucieleśnienie marzenia o jaśniejszej przyszłości. Z głębi amfilady majestatycznych łukowych przęseł wyłania się grupa starożytnych myślicieli, w centrum których znajduje się majestatyczny siwobrody Platon i pewny siebie, natchniony Arystoteles, wskazujący gestem dłoni na ziemię, założyciele filozofii idealistycznej i materialistycznej. Poniżej, po lewej stronie przy schodach, Pitagoras pochylił się nad książką w otoczeniu swoich uczniów, po prawej Euklides, a tu, na samym skraju, Rafael przedstawił się obok malarza Sodomy. To młody mężczyzna o delikatnej, atrakcyjnej twarzy. Wszystkie postacie fresku łączy nastrój wysokiego duchowego wzniesienia, głęboka myśl. Tworzą grupy nierozłączne w swej integralności i harmonii, w których każda postać dokładnie zajmuje swoje miejsce, a sama architektura, w swej ścisłej regularności i majestacie, pomaga odtworzyć atmosferę wzlotu myśli twórczej.
Fresk „Wypędzenie Eliodora” w Stanza d'Eliodoro wyróżnia się intensywnym dramatyzmem. Nagłość wydarzającego się cudu - wypędzenia rozbójnika ze świątyni przez niebiańskiego jeźdźca - oddaje szybka przekątna głównego ruchu, wykorzystująca efekt świetlny. Papież Juliusz II jest przedstawiony wśród widzów obserwujących wygnanie Eliodora. Jest to aluzja do wydarzeń współczesnych Rafaelowi – wypędzenia wojsk francuskich z Państwa Kościelnego.
Okres rzymski twórczości Rafaela charakteryzuje się wysokimi osiągnięciami w dziedzinie portretu. Postaci Mszy w Bolsenie (freski w Stanza d'Eliodoro) nabierają wyrazistych rysów portretowych pełnych życia. W celu gatunek portretowy Rafael zwrócił się także do malarstwa sztalugowego, ukazując tu swoją oryginalność, odsłaniając w modelu to, co najbardziej charakterystyczne i znaczące. Malował portrety papieża Juliusza II (1511, Florencja, Uffizi), papieża Leona X z kardynałem Ludovico dei Rossi i Giulio dei Medici (ok. 1518, tamże) oraz inne obrazy portretowe. Ważne miejsce w jego sztuce nadal zajmuje wizerunek Madonny, nabierając cech wielkości, monumentalności, pewności siebie, siły. Taka jest „Madonna della sedia” („Madonna na krześle”, 1516, Florencja, Galeria Pitti) o harmonijnej kompozycji zamkniętej w kole.
W tym samym czasie Rafael stworzył swoje największe dzieło, Madonnę Sykstyńską (1515-1519, Drezno, Galeria Sztuki), przeznaczoną dla kościoła św. Sykstus w Piacenzie. W przeciwieństwie do wcześniejszych, lżejszych nastrojowo, lirycznych Madonn, jest to obraz majestatyczny, pełen głębokiego znaczenia. Zasłony rozsunięte z góry po bokach ukazują Maryję, swobodnie przemierzającą chmury, z dzieckiem w ramionach. Jej spojrzenie pozwala zajrzeć w świat jej przeżyć. Poważnie i smutno, z niepokojem spogląda gdzieś w dal, jakby przewidując tragiczny los syn. Po lewej stronie Madonny przedstawiony jest papież Sykstus, entuzjastycznie kontemplujący cud, po prawej - św. Barbara, ze czcią spuszczająca oczy. Poniżej dwa anioły patrzące w górę i niejako powracające do głównego obrazu - Madonny i jej dziecinnie zamyślonego dziecka. Nienaganna harmonia i dynamiczna równowaga kompozycji, subtelny rytm płynnych liniowych konturów, naturalność i swoboda ruchu składają się na nieodpartą siłę tej całości, piękny obraz. żywotna prawda a cechy ideału łączą się z duchową czystością kompleksu tragiczny Madonna Sykstyńska. Niektórzy badacze znaleźli jego pierwowzór w rysach „Pani w zasłonie” (ok. 1513, Florencja, Galeria Pitti), ale sam Rafael napisał w liście do swojego przyjaciela Castiglione, że podstawą jego metody twórczej jest zasada selekcji i uogólnienie obserwacji życiowych: „Aby napisać piękno, muszę zobaczyć wiele piękności, ale ze względu na brak… u pięknych kobiet posługuję się jakimś pomysłem, który przychodzi mi do głowy. Tak więc w rzeczywistości artysta odnajduje cechy odpowiadające jego ideałowi, który wznosi się ponad to, co przypadkowe i ulotne.
Rafael zmarł w wieku trzydziestu siedmiu lat, pozostawiając niedokończone obrazy Willi Farnesina, loggii watykańskich i szereg innych prac wykonanych na tekturze i rysunkach przez jego uczniów. Swobodne, pełne wdzięku, nieskrępowane rysunki Rafaela stawiają ich twórcę wśród największych rysowników na świecie. Jego praca w architekturze i sztuka użytkowaświadczą o nim jako wszechstronnie uzdolniona postać wysokiego renesansu, która zdobyła wielką sławę wśród współczesnych. Samo imię Raphael zamieniło się później w rzeczownik pospolity dla idealnego artysty.
Wielu włoskich uczniów i naśladowców Rafaela uczyniło z metody twórczej nauczyciela niepodważalny dogmat, który przyczynił się do rozpowszechnienia naśladownictwa w sztuce włoskiej i zapowiadał zbliżający się kryzys humanizmu.

Dzieło Michała Anioła Buonarrotiego

Zwieńczeniem wysokiego renesansu i jednocześnie odbiciem głębokich sprzeczności kultury epoki było dzieło trzeciego z tytanów sztuki włoskiej – Michała Anioła Buonarrotiego (1475-1564). Nawet w porównaniu z Leonardem i Rafałem, uderzając wszechstronnym talentem, Michał Anioł różni się tym w każdym z obszarów kreatywność artystyczna pozostawił dzieła o imponującej skali i mocy, ucieleśniające najbardziej postępowe idee epoki. Michał Anioł był genialnym rzeźbiarzem, malarzem, architektem, rysownikiem, inżynierem wojskowym, poetą, a jednocześnie bojownikiem o wysokie humanistyczne ideały, obywatelem broniącym wolności i niepodległości ojczyzny.
Wielki artysta i wojownik są nierozłączni w idei Michała Anioła. Całe jego życie to nieustanna heroiczna walka o urzeczywistnienie prawa człowieka do wolności, do twórczości. Przez cały długi czas kreatywny sposób w centrum uwagi artysty znajdował się człowiek aktywny, aktywny, gotowy do wyczynu, uchwycony z wielką pasją. Jego prace z późnego okresu odzwierciedlają tragiczny upadek ideałów renesansowych.
Michał Anioł urodził się w Caprese (koło Florencji), w rodzinie gubernatora miasta. W wieku trzynastu lat wszedł do warsztatu Ghirlandaio, a rok później – w Szkoła Artystyczna na dworze Wawrzyńca Medyceusza Wspaniałego. Tu, w tzw. ogrodach Medici przy klasztorze San Marco, kontynuował naukę pod kierunkiem Bertoldo di Giovanniego, zagorzałego wielbiciela starożytności. Zapoznawszy się z bogatą i wyrafinowaną kulturą dworu Medyceuszy, ze wspaniałymi dziełami sztuki antycznej i współczesnej, ze słynnymi poetami i humanistami, Michał Anioł nie zamknął się w wykwintnej oprawie dworskiej. Już wczesne niezależne prace potwierdzają jego pociąg do wielkich, monumentalnych obrazów, pełnych heroizmu i siły. Relief „Bitwa centaurów” (pocz. 1490, Florencja, Casa Buonarroti) ujawnia dramat i burzliwą dynamikę walki, nieustraszoność i energię walczących, potężną plastyczność połączonych silnych postaci, przenikniętych jednym szybkim rytmem.
ostateczna formacja świadomość publiczna Michał Anioł przypada na czas wypędzenia Medyceuszy z Florencji i ustanowienia tam systemu republikańskiego. Do ukończenia przyczyniają się wycieczki do Bolonii i Rzymu Edukacja plastyczna. Starożytność otwiera przed nim gigantyczne możliwości ukryte w rzeźbie. W Rzymie powstała marmurowa grupa Pieta (1498-1501, Rzym, Katedra św. Piotra) - pierwsze duże oryginalne dzieło mistrza, przepojone wiarą w triumf humanistycznych ideałów renesansu. dramatyczny motyw O żałobie Chrystusa przez Matkę Bożą decyduje rzeźbiarz w sposób głęboko psychologiczny, wyrażając ogromny żal przechylając głowę, dokładnie odnalezioną gestem lewej ręki Madonny. Czystość moralna wizerunek Maryi, szlachetna powściągliwość jej uczuć ujawnia siłę charakteru i jest oddany w klasycznie czystych formach, z zadziwiającą perfekcją. Obie postacie układają się w nierozerwalną grupę, w której żaden szczegół nie narusza zamkniętej sylwetki, jej plastycznej wyrazistości.

Dawid	Pieta	Madonna z Dzieciątkiem	Mojżesz

Głębokie przekonanie, podekscytowanie człowieka dążącego do wyczynu uchwycone jest w posągu Dawida (Akademia Sztuk Pięknych we Florencji), wykonanym w latach 1501-1504 po powrocie rzeźbiarza do Florencji. Wizerunek legendarnego bohatera ucieleśniał ideę obywatelskiego wyczynu, odważnego męstwa i nieprzejednania. Michał Anioł porzucił narrację swoich poprzedników. W przeciwieństwie do Donatella i Verrocchia, którzy przedstawili Dawida po pokonaniu wroga, Michał Anioł przedstawił go przed bitwą. Skupił się na opanowaniu silnej woli i intensywności wszystkich sił bohatera, przekazywanych za pomocą plastikowych środków. W tym kolosalnym posągu wyraźnie wyraża się osobliwość plastycznego języka Michała Anioła: z pozornie spokojną pozą bohatera, cała jego postać z potężnym torsem i znakomicie wymodelowanymi ramionami i nogami, jego piękna natchniona twarz wyraża najwyższą koncentrację fizyczną i duchową. siły. Wszystkie mięśnie wydają się być przesiąknięte ruchem. Sztuka Michała Anioła przywróciła nagości etyczne znaczenie, jakie miała w starożytnym plastiku. Obraz Dawida nabiera szerszego znaczenia jako wyraz twórczych sił wolnego człowieka. Już w tamtych czasach Florentczycy zrozumieli obywatelski patos posągu i jego znaczenie, umieszczając go w centrum miasta przed budynkiem Palazzo Vecchio jako wezwanie do obrony ojczyzny i sprawiedliwego rządu.
Znalazłszy przekonującą formę rozwiązania posągu (w oparciu o jedną nogę), mistrzowsko go modelując, Michał Anioł sprawił, że zapomniał o trudnościach, jakie musiał przezwyciężyć w pracy z materiałem. Posąg został wyrzeźbiony z bloku marmuru, który, jak wszyscy wierzyli, został zniszczony przez jednego nieszczęsnego rzeźbiarza. Michał Anioł zdołał dopasować figurę do gotowego bloku marmuru tak, aby zmieściła się w nim z największą zwartością.
Równolegle z posągiem Dawida wykonano karton do pomalowania Sali Rady Pałacu Vecchio „Bitwa pod Cascine” (znanej z rycin i kopii malarskiej). Wchodząc w konkurencję z Leonardo, młody Michał Anioł otrzymał wyższe publiczne uznanie dla swojej pracy; z tematem demaskowania wojny i jej okrucieństw przeciwstawił gloryfikację”. wzniosłe uczucia waleczność i patriotyzm żołnierzy florenckich, którzy rzucili się na pole bitwy na dźwięk trąby, gotowi do wyczynu.
Po otrzymaniu rozkazu od papieża Juliusza II na budowę jego nagrobka, Michał Anioł, nie kończąc bitwy pod Kaszyn, w 1505 r. przeniósł się do Rzymu. Tworzy projekt majestatycznego mauzoleum, ozdobionego licznymi rzeźbami i płaskorzeźbami. Aby przygotować materiał - marmurowe bloki - rzeźbiarz udał się do Carrary. Podczas jego nieobecności papież stracił zainteresowanie ideą budowy grobowca. Obrażony Michał Anioł opuścił Rzym i dopiero po uporczywych apelach papieża powrócił. Tym razem otrzymał nowe wielkie zamówienie - pomalowanie stropu Kaplicy Sykstyńskiej, które przyjął z wielką niechęcią, gdyż uważał się przede wszystkim za rzeźbiarza, a nie malarza. Obraz ten stał się jednym z największych dzieł sztuki włoskiej.

W najtrudniejszych warunkach Michał Anioł pracował przez cztery lata (1508-1512), wykonując własnoręcznie całe malowanie ogromnego sufitu (600 mkw.). Zgodnie z architekturą kaplicy podzielił pokrywające ją sklepienie na kilka pól, umieszczając w szerokim polu centralnym dziewięć kompozycji na temat biblijnych scen o stworzeniu świata i życiu pierwszych ludzi na ziemi: „Oddzielenie światła od ciemności”, „Stworzenie Adama”, „Upadek”, „Odurzenie Noego” itp. Po ich bokach, na zboczach sklepienia, znajdują się postacie proroków i sybilli (wróżbitów ), w rogach pól - siedzą nadzy młodzi mężczyźni; w żaglach łuku, striptiz i lunetach nad oknami - epizody z Biblii i tzw. przodków Chrystusa. Wspaniały zespół, który składa się z ponad trzystu postaci, wydaje się być natchnionym hymnem ku pięknu, sile i umysłowi człowieka, gloryfikacji jego twórczego geniuszu i bohaterskich czynów. Nawet w obrazie Boga - majestatycznego, potężnego starca, podkreślany jest przede wszystkim impuls twórczy, wyrażony w ruchach jego rąk, jakby rzeczywiście zdolny do tworzenia światów i dawania życia człowiekowi. Tytaniczna siła, intelekt, jasnowidząca mądrość i wzniosłe piękno charakteryzują wizerunki proroków: głęboko żałobnego Jeremiasza, poetycko natchnionego Izajasza, potężna Cuma Sybilla, piękna młoda Sybilla delficka. Postacie stworzone przez Michała Anioła mają ogromną moc uogólniania; dla każdej postaci znajduje specjalną pozę, zwrot, ruch, gest.
Jeśli tragiczne myśli zostały ucieleśnione w pojedynczych obrazach proroków, to w obrazach nagich młodzieńców, tzw. niewolników, przenosi się uczucie radości istnienia, niepohamowanej siły i energii. Ich figury, przedstawione w skomplikowanych skrótach perspektywicznych, w ruchach, otrzymują najbogatsze plastyczne opracowanie. Wszystkie one, nie niszcząc płaszczyzny sklepień, wzbogacają je, ujawniają tektonikę, wzmacniają ogólne wrażenie Harmonia. Połączenie okazałych łusek, surowej siły działania, piękna i opanowania koloru rodzi poczucie wolności i pewności triumfu człowieka.

Renesans północny

Odrodzenie było zjawiskiem międzynarodowym, które poza Włochami, w których z największą siłą wyraziło się, także Holandią, Niemcami, Francją i Hiszpanią. pojawił się dzisiaj termin specjalny„Renesans północny”, który opisuje cechy renesansu w innych krajach Europy. Oznacza to „nie tylko cechę czysto geograficzną, ale także pewne cechy renesansu w Anglii, Niemczech, Hiszpanii, Holandii, Szwajcarii i Francji. Bardzo ważna cecha Renesans północny polegał na tym, że miał miejsce w okresie reformacji, a także, że w kulturze narodów tych krajów, ze względów historycznych, nie było takiej obfitości zabytków antycznych jak we Włoszech.

Reformacja(z łac. reformatio – transformacja) był tym samym potężnym ruchem religijnym, jakim jest obecnie np. fundamentalizm w krajach islamskich. Obaj opowiadali się za powrotem do pierwotnych wartości wiary (do jej podstaw) i domagali się poważnych zmian (reformacji) dotychczasowych praktyk religijnych.

Początek reformacji zaznaczył przemówienie w 1517 r. w Niemczech Marcina Lutra (1483-1546), który wysunął 95 tez odrzucających podstawowe zasady katolicyzmu. Ideolodzy reformacji negowali konieczność Kościoła katolickiego z jego hierarchią i duchowieństwem w ogóle, prawa Kościoła do bogactwa ziemi, odrzucając w całości katolicką Tradycję Świętą. Pod ideologicznym sztandarem reformacji toczyły się wojny chłopskie z lat 1524-1526. w Niemczech, Holandii i rewolucji angielskiej. Reformacja zapoczątkowała protestantyzm (w wąskim znaczeniu reformacja jest dokonywaniem przemian religijnych w swoim duchu).

niemiecki renesans był kresem trwającego pół wieku kryzysu duchowego (reforma luterańska) i społecznego (powrót chłopstwa), który bardzo zmienił średniowieczne Niemcy. Z twórczością trzech artystów - Grunewalda (między 1470 a 1475-1528), Dürera (1471-1528) i Holbeina Młodszego (1497 lub 1498-1543) - wiąże się „złoty wiek” malarstwa niemieckiego. Pozbawiony integralności renesansu włoskiego, renesans niemiecki rozwijał się w krótkim chronologicznie okresie i nie miał swojej logicznej kontynuacji.

Wybitnym przedstawicielem renesansu w Niemczech, którego twórczość na długo determinowała sztukę niemiecką, był malarz i rytownik Dürer. Uważa się, że Dürer był równie utalentowany jako malarz, rytownik i rysownik; rysowanie i grawerowanie zajmują w nim duże, czasem wręcz wiodące miejsce. Dziedzictwo Dürera jako rysownika, liczące ponad 900 arkuszy, można porównać tylko z dziedzictwem Leonarda da Vinci w jego ogromie i różnorodności. Wspaniale opanował wszystkie znane wówczas techniki graficzne- od srebrnej szpilki i pióra trzcinowego po włoski ołówek, węgiel, akwarela. Dla mistrzów Włoch rysunek stał się dla niego najważniejszym etapem pracy nad kompozycją, w tym szkiców, studiów głów, ramion, nóg, draperie. To narzędzie do nauki charakterystyczne typy- chłopi, eleganccy panowie, mody norymberskie. Dürer miał ogromny wpływ na rozwój niemieckiej sztuki pierwszej połowa XVI stulecie. Największy rytownik w Europie, Dürer zasłynął cyklem prac na tematy Apokalipsy (1498).

Jego wszechstronna działalność stała się jednym z ucieleśnień „tytanizmu” renesansu. Jest jedynym mistrzem renesansu północnego, który w kierunku i wszechstronności swoich zainteresowań, pragnienia opanowania praw sztuki, wypracowania idealnych proporcji postaci ludzkiej i zasad konstrukcji perspektywicznej, można porównać z najwięksi mistrzowie Renesans włoski. Rozkwit sztuki niemieckiego renesansu jest często nazywany „erą Dürera”.

Współcześni Dürerowi byli wielkimi mistrzami malarstwa Hansa Holbeina Młodszego, Grunewalda i Lucasa Cranacha Starszego (1472-1553).

Dokładne, wyraźne w charakterystyce portrety (malarskie i rysunkowe) Holbeina Młodszego, jego obrazy o tematyce religijnej, ryciny odznaczają się realizmem, wyrazistością i wielkością sztuki renesansowej, monumentalną integralnością kompozycji („Martwy Chrystus”, 1521). Grunewald, którego życie wciąż jest mało zbadane, reprezentuje inny kierunek niemieckiego renesansu: uczucia do niego dominują nad rozumem, a podmiotowość nad obiektywną analizą. Geniusz artysty został ucieleśniony w głównym dziele - „Ołtarzu Isenheim” (1512-1515), gdzie mistyczne obrazy współistnieją z humanistycznymi, oświeconymi. Jego twórczość, związana z ideologią klas niższych i herezjami, jest pełna dramatycznej siły, napięcia i dynamizmu.

Wśród utalentowanych twórców niemieckiego renesansu zaszczytne miejsce zajmuje portrecista Lucas Cranach Starszy, nadworny malarz Fryderyka Mądrego i przyjaciel M. Lutra, dzięki któremu pejzaż otrzymał szczególny rozwój. Położył podwaliny pod szkołę krajobrazu, znaną jako Szkoła Dunaju.

Renesans w Anglii. Renesans ANGIELSKI zasłynął nie tyle z malarstwa i architektury, ile z teatru. Jego rozkwit przypada na koniec XVI - początek XVII wieku, osiągając apogeum w twórczości Williama Szekspira (1564-1616). Koniec XVI wieku to okres bezprecedensowego odrodzenia życia teatralnego w Anglii, czas ożywienia gospodarczego i przekształcenia kraju w światową potęgę. Jest również nazywany „erą elżbietańską”. Wzrósł prestiż teatru; aktorzy, wcześniej pogardzani wędrowni komicy, otoczeni byli powszechną uwagą, cieszyli się patronatem mecenasów szlachty. W 1576 r. otwarto w Londynie pierwszy teatr publiczny, w połowie lat 80. było już kilka takich teatrów. Trupa Szekspira, która uzyskała status królewski w 1589 r., zmieniała więcej niż jeden etap, aż w końcu w latach 1598-1599. nie wybudowano dla niego stałego budynku, zwanego teatrem Globe. Współwłaścicielem teatru został dramaturg Szekspir. Sztuki Szekspira (jest ich w sumie 37) odzwierciedlały życie polityczne i duchowe Anglii tamtej epoki.

Pierwsze komedie Szekspira, zwłaszcza Wiele hałasu o nic (1598), są przesiąknięte optymizmem. Jednak na przełomie XVI i XVII wieku. jego sposób myślenia się zmienił. Ostatnie lata Panowanie Elżbiety naznaczone było niepokojami społecznymi i upadkiem gospodarczym. Upadł autorytet państwa i Kościoła. Tragedie „Romeo i Julia” (1595), „Hamlet” (1601), „Otello” (1604), „Król Lear” (1605) pokazują kryzys uniwersalnych wartości i moralności. Bohaterami Szekspira są myślące, czujące i cierpiące osoby, które doświadczają utraty orientacji życiowych, oraz świat nie mogąc pomóc im się odnaleźć.

1. WSTĘP

„Renesans” (Renesans) to termin wprowadzony przez architekta, malarza i historyka Giorgio Vasariego dla określenia epoki, w której ruch kulturalny został wezwany do odrodzenia starożytności i otwarcia perspektyw rozwoju kultury zachodniej. Epoka średniowiecza była postrzegana jako przerwa w rozwoju kultur, była okresem barbarzyństwa i ignorancji. Odrodzenie miało swój początek we Włoszech i wiązało się przede wszystkim z pojawieniem się stosunków burżuazyjnych w społeczeństwie feudalnym, a co za tym idzie, z pojawieniem się nowego światopoglądu. Rozpoczął się powrót do zapomnianych zdobyczy kultury antycznej. Wszystkie zmiany były najbardziej widoczne w twórczości ludzi sztuki.

Rozrost miast i rozwój rzemiosła, rozwój handlu światowego, wielkie odkrycia geograficzne końca XV i początku XVI wieku zmieniły życie średniowiecznej Europy. Kultura miejska stworzyła nowych ludzi i ukształtowała nowy stosunek do życia. Pojawił się druk, który otworzył możliwości rozpowszechniania dzieł literackich i naukowych.

W tym czasie społeczeństwo włoskie zaczyna aktywnie interesować się kulturą. Starożytna Grecja i Rzymie poszukuje się rękopisów starożytnych pisarzy. Różne sfery życia społecznego – sztuka, filozofia, literatura, edukacja, nauka – stają się coraz bardziej niezależne i niezależne od Kościoła. W renesansie centrum uwagi znajdował się człowiek, więc światopogląd nosicieli tej kultury określany jest terminem „humanistyczny” (z łac. humanitas - człowieczeństwo). Dla włoskich humanistów najważniejsze było skupienie się człowieka na sobie. Jego los w dużej mierze leży w jego własne ręce Jest obdarzony przez Boga wolną wolą.

Humaniści renesansu wierzyli, że w człowieku nie liczy się jego pochodzenie ani… status społeczny, a cechy osobiste. Jak " idealna osoba„Uznano silną, utalentowaną i wszechstronnie rozwiniętą osobowość. Cnoty obywatelskie zaczęto uważać za główną godność jednostki. „Musisz osądzać człowieka po jego cechach, a nie po jego ubiorze”, jak dowcipnie mówi pewien starożytny autor, „czy wiesz, dlaczego wydaje ci się taki wysoki? Daje się zwieść wysokości jego obcasów: cokół nie jest jeszcze posągiem. Zmierz osobę bez szczudeł. Niech odłoży swoje bogactwa i rangę i stanie przed tobą w jednej koszuli”.

Humaniści inspirowali się starożytnością, która była dla nich źródłem wiedzy i wzorem twórczości artystycznej. Sztuka renesansu położyła podwaliny pod europejską kulturę czasów nowożytnych. Wszystkie główne rodzaje sztuki - malarstwo, grafika, rzeźba, architektura - bardzo się zmieniły.

W epoce włoski renesans Zwyczajowo wyróżnia się kilka okresów: protorenesans (druga połowa XIII-XIV w.), wczesny renesans (XV w.), wysoki renesans (koniec XV – pierwsze dziesięciolecia XVI w.), późny renesans (ostatnie dwie trzecie XVI wieku).

2. WARTOŚCIOWE PODSTAWY SZTUKI RENESANSU

Renesans cechuje kult piękna, zwłaszcza piękna człowieka. Malarstwo włoskie przedstawia pięknych, doskonałych ludzi.

Artyści i rzeźbiarze dążyli w swojej twórczości do naturalności, do realistycznego odtworzenia świata i człowieka. Obraz planarny nie był już używany, malarstwo wzbogacono o perspektywę liniową i powietrzną, rozwiązano znajomość anatomii i proporcji ludzkiego ciała, rozwiązano problemy dokładnego rysunku, naturalnego ruchu.

Przedmiotami sztuki są ciała ludzkie, przedmioty współczesne i religijne. Uwaga, zainteresowanie artystów coraz bardziej skupiało się na osobie i wszystkim, co ją otacza. Jednak sztuka Wczesny renesans była złożona, sprzeczna, a ta sprzeczność poprowadziła go do przodu. W sztuce wczesnego renesansu, obok drobnych detali, pojawia się świadomość uogólnionego, monumentalnego i heroicznego wizerunku osoby doskonałej.

Człowiek w okresie Renesansu ponownie staje się głównym tematem sztuki, a ciało ludzkie uważane jest za najdoskonalszą formę w przyrodzie. Humanistyczna kultura renesansu przesiąknięta jest marzeniem o nowym człowieku i jego nowym rozwój duchowy. Cnoty obywatelskie zaczęto uważać za główną godność jednostki. Świadomość teocentryczna zaczęła być wypierana przez antropocentryczną. Idee humanizmu najjaśniej i najpełniej wcielono w sztukę, której głównym tematem była piękna, harmonijnie rozwinięta osoba o nieograniczonej duchowości i kreatywne możliwości. Sztuka renesansu przesiąknięta jest humanizmem, wiarą w twórcze moce człowieka, w nieskończoność jego możliwości, w triumf postępu. Postacie w malarstwie nabierają objętości i wyraźnego pragnienia, co prawda, oddania anatomii ludzkiego ciała.

Oznaki kultury burżuazyjnej i pojawienie się nowego światopoglądu były szczególnie widoczne w XV wieku. Ale właśnie dlatego, że formacja nowa kultura, a nowy światopogląd nie został ukończony, XV wiek jest pełen twórczej wolności, śmiałej śmiałości, podziwu dla ludzkiej indywidualności. To wiek humanizmu, wiary w bezgraniczną moc umysłu, era intelektualizmu. Postrzeganie rzeczywistości jest testowane przez doświadczenie kontrolowane przez umysł. Dlatego duch porządku jest tak charakterystyczny dla sztuki renesansu. Anatomia, doktryna proporcji ludzkiego ciała, ma dla artystów ogromne znaczenie.

Starożytność nabiera wartości niezależnej wartości i bawi się duża rola w kształtowaniu kultury świeckiej. Dla sztuki w architekturze nabierają cech antycznej prostoty i harmonii. Biblioteki zawierają bogaty zbiór starożytnych rękopisów. Są muzea wypełnione posągami, fragmentami starożytnej architektury. Starożytny Rzym jest odnawiany. Ale wpływ starożytności nakłada się na tradycje średniowiecza i sztuki chrześcijańskiej, co nadaje złożony charakter kulturze odrodzenia.

W sztuce problematyka obywatelskiego obowiązku, wysokich walorów moralnych, heroizmu, wizerunku harmonijnie rozwiniętego, silny duchem oraz ciało ludzkiego bohatera, któremu udało się wznieść ponad poziom codzienności. Sztuka renesansu wyrzeka się drobnych szczegółów w imię ogólny obraz dążąc do harmonii pięknych aspektów życia. Malarstwo portretowe rozwija się i staje się jednym z ważniejszych osiągnięć renesansu. Rzeźba była najbardziej prestiżową formą sztuki i rozkwitła wraz z nastaniem baroku. W późnym renesansie mniej było złudzeń, a więcej realizmu w rozumieniu rzeczywistości. Ideały piękna i harmonii zostały wszechstronnie pojmowane, a nawet stały się normą, która wpłynęła na różne rodzaje działalności twórczej.

3. WŁOSKI RENESANS

Obfitością utalentowanych rzemieślników, zakresem twórczości artystycznej, Włochy wyprzedziły wszystkie inne kraje europejskie w XV wieku. Przemiany w sztuce dotyczyły przede wszystkim rzeźby. W pracach mistrza Niccolo Pisano można prześledzić wyraźny wpływ starożytności. Ale początek nowej ery wiąże się z imieniem malarza Giotto di Bondone (1266?-1337). Z jego dzieł najlepiej zachowały się freski z Chapel del Arena w Padwie na scenach ewangelicznych, gdzie można już prześledzić pragnienie wiernego oddania anatomii ludzkiego ciała. Człowiek Giotta opiera się ciosom losu. Jest gotów znosić przeciwności, nie tracąc serca, nie stając się zatwardziałym wobec ludzi. Takie rozumienie nie było sprzeczne z moralnością średniowiecznego kościoła, ale podniosło człowieka, twierdził, dodał mu wigoru.

W sztukach wizualnych powstało kilka szkół z własnymi unikalnymi cechami stylistycznymi.

3.1. SZKOŁA FLORENTYŃSKA XV stulecie

Dopiero w XV wieku w architekturze Włoch zaczęły pojawiać się cechy nowego stylu. Filippo Brunelleschi (1377-1446) ukończył w 1434 roku katedrę we Florencji z gigantyczną kopułą, gotycką budowlę rozpoczętą w 1295 roku. Świecka architektura palazzo charakteryzuje się połączeniem nie do zdobycia zewnętrznej fortecy z wewnętrzną atmosferą komfortu.

W architekturze kościelnej pojawia się licowanie elewacji kościołów wielobarwnym marmurem, dlatego elewacja staje się „pasiasta” – cecha charakterystyczna włoskiego renesansu.

Nowa rzeźba narodziła się w 1401 roku, kiedy zorganizowano konkurs na dekorację drzwi chrzcielnych katedry we Florencji. Rzeźbiarzem, który musiał rozwiązać problemy europejskiej plastyczności - rzeźby okrągłej, pomnika - był Donato di Niccolò di Betto Bardi (1386?-1466). W jego sztuce widoczne są także reminiscencje gotyckie. Donatello rozwiązuje problem wychowania postaci ludzkiej zgodnie z prawami plastyczności, wypracowanymi w starożytności, ale zapomnianymi w średniowieczu. Posąg św. Jerzego, wykonany przez Donatella, uosabia ideał wczesnego renesansu: poczucie samoświadomości i pewności tego obrazu podkreśla swobodna, spokojna poza postaci przypominającej kolumnę. To nie jest humanizowany bóg starożytności, ale deifikowany człowiek nowej ery” (N. Punin).

Donatello ma również zaszczyt stworzyć pierwszy renesansowy pomnik konny. To jest konny pomnik kondotiera Erasmo di Narni w Padwie.

Korzystając z najlepszych tradycji sztuki średniowiecza, po przestudiowaniu starożytnej sztuki plastycznej, Donatello przyszedł do jego własne decyzje, do obrazów głębokiego człowieczeństwa i prawdziwego realizmu, co tłumaczy jego wielki wpływ na całą późniejszą rzeźbę europejską.

Wiodąca rola w malarstwie wczesnego renesansu florenckiego przypadła Tommaso di Giovanni di Simone Cassan Guidi, znanemu jako Masaccio (1401-1428). Rozwiązał te problemy sztuki malarskiej, które wcześniej stawiał Giotto. Masaccio pokazał się jako artysta, dla którego było jasne, jak umieszczać postacie w przestrzeni, jak łączyć je ze sobą iz krajobrazem, jakie są prawa anatomii ludzkiego ciała. Rozwiązał główne problemy Renesansu - perspektywę liniową i powietrzną.

Renesans czy renesans dał nam wiele wspaniałych dzieł sztuki. Był to okres sprzyjający rozwojowi kreatywności. Z renesansem kojarzą się nazwiska wielu wielkich artystów. Botticelli, Michelangelo, Raphael, Leonardo Da Vinci, Giotto, Tycjan, Correggio - to tylko niewielka część nazwisk ówczesnych twórców.

Okres ten wiąże się z pojawieniem się nowych stylów i malarstwa. Podejście do przedstawiania ludzkiego ciała stało się niemal naukowe. Artyści dążą do rzeczywistości - dopracowują każdy szczegół. Ludzie i wydarzenia na obrazach z tamtych czasów wyglądają niezwykle realistycznie.

Historycy identyfikują kilka okresów w rozwoju malarstwa w okresie renesansu.

Gotyk - 1200s. Popularny styl na dworze. Wyróżniał go pompatyczność, pretensjonalność, przesadna kolorowość. Używany jako farby. Obrazy były tematem wątków ołtarzowych. Najbardziej znanymi przedstawicielami tego nurtu są włoscy artyści Vittore Carpaccio, Sandro Botticelli.

Sandro Botticellego

Protorenesans - 1300s. W tym czasie w malarstwie następuje restrukturyzacja obyczajów. Tematyka religijna schodzi na dalszy plan, a coraz większą popularność zyskuje świecka. Obraz zajmuje miejsce ikony. Ludzie są przedstawiani bardziej realistycznie, mimika twarzy i gesty stają się ważne dla artystów. Pojawia się nowy gatunek sztuki. Przedstawicielami tego czasu są Giotto, Pietro Lorenzetti, Pietro Cavallini.

Wczesny renesans - 1400. Powstanie malarstwa niereligijnego. Nawet twarze na ikonach stają się bardziej żywe – nabywają cechy ludzkie twarze. Artyści z wcześniejszych okresów próbowali malować pejzaże, ale służyły one jedynie jako dodatek, jako tło do głównego obrazu. W okresie wczesnego renesansu staje się niezależnym gatunkiem. Portret nadal się rozwija. Naukowcy odkrywają prawo perspektywy linearnej i na tej podstawie artyści budują swoje obrazy. Na ich płótnach widać poprawną trójwymiarową przestrzeń. Wybitnymi przedstawicielami tego okresu są Masaccio, Piero Della Francesco, Giovanni Bellini, Andrea Mantegna.

Wysoki Renesans - Złoty Wiek. Horyzonty artystów poszerzają się – ich zainteresowania rozciągają się w przestrzeń Kosmosu, uważają człowieka za centrum wszechświata.

W tym czasie pojawiają się "tytani" renesansu - Leonardo Da Vinci, Michał Anioł, Tycjan, Raphael Santi i inni. To ludzie, których zainteresowania nie ograniczały się do malarstwa. Ich wiedza sięgała znacznie dalej. Najwybitniejszym przedstawicielem był Leonardo Da Vinci, który był nie tylko znakomitym malarzem, ale także naukowcem, rzeźbiarzem, dramatopisarzem. Stworzył fantastyczne techniki malarskie, takie jak "smuffato" - iluzję zamglenia, z którego powstała słynna "La Gioconda".

Leonardo da Vinci

Późny renesans- przemijanie renesansu (połowa XVI wieku - koniec XVII wieku). Ten czas wiąże się ze zmianami, kryzysem religijnym. Kończy się rozkwit, linie na płótnach stają się nerwowe, odchodzi indywidualizm. Obraz obrazów staje się coraz bardziej tłumem. Utalentowane dzieła tamtych czasów należą do pióra Paolo Veronese, Jacopo Tinoretta.

Paolo Veronese

Włochy dały światu najwięcej utalentowani artyści renesansu, najczęściej wspomina się o nich w historii malarstwa. Tymczasem w innych krajach w tym okresie rozwijało się również malarstwo, które wpłynęło na rozwój tej sztuki. Malarstwo innych krajów w tym okresie nazywa się renesansem północnym.

Renesans lub renesans (włoski Rinascimento, francuski renesans) - renowacja, starożytna edukacja, odrodzenie literatura klasyczna, sztuka, filozofia, ideały świat starożytny, zniekształcony lub zapomniany na „ciemny” i „opóźniony” dla Zachodnia Europa okres średniowiecza. Taką formę przybrał od połowy XIV do początków XVI wieku ruch kulturowy znany pod nazwą humanizm (patrz skrót i artykuły na jego temat). Trzeba odróżnić humanizm od renesansu, który jest tylko najbardziej charakterystyczną cechą humanizmu, który w starożytności szukał oparcia dla swojego światopoglądu. Ojczyzną renesansu są Włochy, gdzie starożytna tradycja klasyczna (grecko-rzymska), która miała dla Włochów charakter narodowy, nigdy nie zanikła. We Włoszech ucisk średniowiecza nigdy nie był szczególnie silnie odczuwany. Włosi nazywali siebie „Latynami” i uważali się za potomków starożytnych Rzymian. Mimo że początkowy impet renesansu pochodził po części z Bizancjum, udział w nim Greków bizantyjskich był znikomy.

Renesans. film wideo

We Francji i Niemczech styl antyczny mieszał się z elementami narodowymi, które w pierwszym okresie renesansu, wczesnym renesansie, były wyraźniejsze niż w kolejnych epokach. Późny renesans rozwinął antyczne projekty w bardziej luksusowe i mocniejsze formy, z których stopniowo rozwinął się barok. Podczas gdy we Włoszech duch Renesansu przenikał niemal jednolicie do wszystkich sztuk, w innych krajach tylko architektura i rzeźba pozostawały pod wpływem wzorców antycznych. Renesans przeszedł również krajową rewizję w Holandii, Anglii i Hiszpanii. Po renesansie zdegenerowany w rokoko, nadeszła reakcja, wyrażona w najściślejszym przestrzeganiu starożytna sztuka, wzory greckie i rzymskie w całej ich prymitywnej czystości. Ale ta imitacja (zwłaszcza w Niemczech) ostatecznie doprowadziła do nadmiernej suchości, która na początku lat 60. XIX wieku. próbował przezwyciężyć powrót do renesansu. Jednak to nowe panowanie renesansu w architekturze i sztuce trwało tylko do 1880 roku. Od tego czasu obok niego zaczął ponownie rozkwitać barok i rokoko.