XVII शताब्दी यह विकास के लिए आश्चर्यजनक रूप से अनुकूल होने के लिए निकला कलात्मक संस्कृति. यह न केवल विज्ञान की एक शताब्दी, बल्कि कला की एक शताब्दी भी बन गया है। सच है, उस परिस्थिति को ध्यान में रखते हुए कि विज्ञान निबंध का खिलना केवल शुरू हुआ, जबकि कला पहले से ही अपने अपॉजी तक पहुंच गई है। फिर भी, आकाश अभी भी स्पष्ट और बादल रहित है। समाज में उनकी प्रतिष्ठा बेहद अधिक है। XVII शताब्दी के महान कलाकारों की संख्या के अनुसार, जाहिर है, पुनरुद्धार सहित सभी अन्य लोगों को पार करता है। इसके अलावा, यदि पुनर्जागरण के युग में, कला के क्षेत्र में इटली को बराबर नहीं पता है, फिर XVII शताब्दी में। कला में वृद्धि का अनुभव हो रहा है यूरोपीय देशआह, और फ्रांस अब बेहतर दिखता है।

संस्कृति के अन्य क्षेत्रों की तरह, कला ने भेदभाव के प्रभावों का अनुभव किया है। उसका पृथक अधिक राहत और विशिष्ट हो रहा है। यहां तक \u200b\u200bकि धर्म के साथ संबंध भी कमजोर हो गया है। नतीजतन, धार्मिक और पौराणिक भूखंड अत्यधिक दयालुता से छुटकारा पा रहे हैं, गहरी जीवन शक्ति और प्राकृतिकता से भरे हुए हैं।

भिन्नता का एक और परिणाम यह है कि युग की सार्वभौमिक व्यक्तित्व कलाकारों के बीच गायब हो जाती है। न केवल एक शानदार कलाकार, बल्कि एक महान वैज्ञानिक, एक विचारक, आविष्कारक भी था। इसे कम से कम होने दें, लेकिन एल। अल्बर्टी, एफ ब्रंडललैंड के बारे में भी कहा जा सकता है। पियरो डेला फ्रांसेस्का, एफ। रब्बल इत्यादि। अब इस तरह के बड़े पैमाने पर आंकड़े दुर्लभ हो जाते हैं। साथ ही, कला में व्यक्तिपरक सिद्धांत में वृद्धि हुई है। यह खुद को उज्ज्वल व्यक्तित्वों की बढ़ती संख्या में प्रकट करता है, अधिक रचनात्मक स्वतंत्रता और साहस, चीजों को देखने का अक्षांश।

अंदर कला भी एक भेदभाव प्रक्रिया है, मौजूदा शैलियों परिवर्तन और नए। में चित्र पूरी तरह से स्वतंत्र शैलियों एक परिदृश्य और एक चित्र बन गया जिसमें मनोवैज्ञानिक बढ़ाया गया। अभी भी जीवन उत्पन्न होता है और जानवरों की छवि। मूल का मूल्य बढ़ रहा है समग्र समाधान, रंग, पेंटिंग्स, रंग।

में संगीत ओपेरा का जन्म होता है। इस शैली का निर्माता है इतालवी संगीतकार के। मोंटेवरडी (1567-1643), ओपेरा "ऑर्फीस" लिखना, जिसे रखा गया था 1607 जी। और एक असली कृति बन गई ओपेरा कला। पहली बार उसके लिए संगीत सिर्फ कविताओं का पूरक नहीं करता है, लेकिन मुख्य है अभिनय करने वाला व्यक्तिमंच पर होने वाली हर चीज का अर्थ व्यक्त करना। संगीत में ओपेरा के अलावा, कैंटटा और ऑरेटर्स भी उत्पन्न होते हैं।

XVII शताब्दी की कला में मुख्य शैलियों। Baroque और क्लासिकवाद प्रदर्शन किया जाता है। कुछ कला इतिहासकारों का मानना \u200b\u200bहै कि साथ ही साथ यथार्थवाद कला में एक विशेष शैली के रूप में उत्पन्न होता है, लेकिन इस दृष्टिकोण को विवादित किया गया है, हालांकि यथार्थवादी प्रवृत्ति का अस्तित्व मान्यता प्राप्त है।

बरोक

बरोक XVI शताब्दी के अंत में उठता है। इटली में। शब्द "Baroque" का अर्थ है "अजीब", "विचित्र"। बैरोक शैली के लिए, छवियों, तनाव, चमक, लालित्य, विपरीत, कला के संश्लेषण के लिए महानता, परेड और पोम्पी की गतिशीलता, वास्तविकता और भ्रम का संयोजन, भावनात्मकता और कामुकता में वृद्धि हुई। बरोक आउटगोइंग सामंती समाज, कैथोलिक संस्कृति की शैली के अभिजात वर्गीय अभिजात वर्ग की शैली थी।

इतालवी बरोक के उज्ज्वल प्रतिनिधि रोमन वास्तुकार, मूर्तिकार और चित्रकार हैं एल बर्नीनी (15 9 8-1680)। अपने काम में, शैली की सबसे विशेषता विशेषताओं को अवशोषित किया गया - और मजबूत और कमजोर थे। उनके कई काम कैथोलिक रोम - सेंट्रल के कैथेड्रल के मुख्य स्मारक पर केंद्रित थे। पीटर। ग्रेट मिशेलेंगलो द्वारा निर्मित अपने गुंबद के तहत, एक भव्य स्मारक-सजावटी संरचना टावर्स है - तीस मीटर मीटर, और वेदी में - पीटर के एक समान रूप से शानदार संगमरमर विभाग, सोने के साथ सजाए गए सोने और अमुरोव, चर्च के पिता और चर्च के पिता और आंकड़ों से सजाए गए साधू संत।

बर्निनी का एक और भी राजसी निर्माण एक भव्य उपनिवेश था, जिसमें चार पंक्तियों में 284 कॉलम सेट होते थे और सेंट के कैथेड्रल के सामने एक विशाल क्षेत्र तैयार करते थे। पीटर। बर्निनी के सबसे महत्वपूर्ण मूर्तिकलों के कार्यों को "अपोलो और डेफने" और "सेंट का परमानंद माना जाता है टेरेसा। "

यूरोपीय बारोक का सबसे प्रसिद्ध व्यक्ति फ्लेमिश कलाकार है पी। रूबेंस (1577-1640)। इसे पूर्ण अधिकार के साथ एक बहुमुखी व्यक्ति कहा जा सकता है, जो पुनर्जागरण के टाइटन्स से कम नहीं है। वह मानवतावादी के करीब थे, प्राचीनता के क्लासिक्स के शौकीन - प्लूटार्क। सेनेकोय, होरासी, लैटिन सहित छह भाषाओं को जानता था। रूबेन्स एक वैज्ञानिक और आविष्कारक नहीं थे, लेकिन खगोल विज्ञान और पुरातत्व की समस्याओं से निपटने के लिए, एक शाश्वत आंदोलन के विचार के लिए घड़ी में रुचि दिखाई, एक शाश्वत आंदोलन के विचार के लिए, दर्शनशास्त्र में नए उत्पादों का पालन किया, राजनीति और सक्रिय रूप से समझ में आया इसमें भाग लिया। सबसे ज्यादा वह मानव जीवन को खुद से प्यार करता था।

रूबेंस ने अपने काम में मानवता की प्रतिबद्धता को जन्म दिया। वह खुशी, खुशी और गीतवाद से भरे जीवन का एक बड़ा कवि बन गया। वह मानव शरीर की एक अनगिनत गायक है - पुरुष और विशेष रूप से मादा मांस, मानव शरीर की कामुक सुंदरता। केवल रूबेन्स इस तरह के साहस और मांस के आकर्षण को प्रेषित करने के लिए प्यार कर सकते हैं, इसकी नाजुक गर्मी, मुलायम ईंधन। वह यह दिखाने में कामयाब रहा कि मांस सुंदर हो सकता है, एक उत्कृष्ट रूप नहीं है।

उनकी रचनात्मकता के केंद्रीय विषयों में से एक एक महिला, प्रेम और बच्चे को प्यार के प्राकृतिक और अद्भुत फल के रूप में है। उनकी रचनात्मकता के इस पक्ष को "वीनस और एडोनिस" जैसी चित्रों में देखा और महसूस किया जा सकता है। "जूनो और आर्गस", "पर्सियस और एंड्रोमेडा", "वीरसविया"।

इटली में होने के नाते, रूबेन्स ने एक अच्छा पारित किया कला स्कूल। हालांकि, उनके फ्लेमिश स्वभाव को महान इटालियंस से प्राप्त नहीं किया गया था। यह ज्ञात है कि इतालवी स्वामी संतुलन, शांत और सद्भावना पसंद करते थे, जिसने उन्हें अनंत सौंदर्य बनाने की अनुमति दी। रूबेंस आंदोलन के पक्ष में यह सब तोड़ता है। उनके द्वारा चित्रित मानव आंकड़ों को अक्सर संपीड़ित वसंत द्वारा याद दिलाया जाता है, जो तुरंत खोलने के लिए तैयार होता है। इस संबंध में, वह सभी मिशेलेंजेलो के करीब है, जिनकी मूर्तियां आंतरिक तनाव और आंदोलन से भरी हैं। इसके काम भी तेजी से गतिशीलता से भरे हुए हैं। जैसे, विशेष रूप से, "अमेज़ॅन की लड़ाई", "लेवकिपा की बेटियों का अपहरण", "ल्वीव हंट", "एक सूअर के लिए शिकार" है।

रूबेन्स के कामों में, रंग और पेंटिंग ड्राइंग पर प्रबल होती है। यहां टाइटियन एक उदाहरण के रूप में कार्य करता है। रूबेंस को बहुत स्पष्ट रूप से पसंद नहीं है। ऐसा लगता है कि फॉर्म से अलग बात है, इसे मुक्त, जिंदा और शारीरिक बना दिया। रंग के लिए, कलाकार स्वस्थ महत्वपूर्ण शक्ति से भरे उज्ज्वल, साफ और समृद्ध स्वर पसंद करता है। वह रंग सिम्फनी के निर्माण के लिए, अपने सद्भाव, कितनी ऑर्केस्ट्रेशन के लिए बहुत कुछ नहीं चाहता है। रूबेंस को सही रंग संगीतकार कहा जाता है।

क्लासिसिज़म

मातृभूमि क्लासिसिज़म फ्रांस बन गया। यदि बारोक भावनाओं को प्राथमिकता देता है, तो क्लासिकवाद दिमाग पर रहता है। प्राचीन कला उच्चतम आदर्श और इसके लिए एक आदर्श मॉडल है। इसके मुख्य सिद्धांत स्पष्टता, व्यवस्थित, तार्किक अनुक्रम, सद्भाव और सद्भाव हैं।

क्लासिकवाद के अनुसार, कला का विषय उदात्त और सुंदर, वीर और महान होना चाहिए। कला को उच्च नैतिक आदर्शों को व्यक्त करने के लिए छोड़ दिया जाता है, एक व्यक्ति की सुंदरता और आध्यात्मिक संपत्ति का जप करना, भावनाओं के तत्वों पर एक सचेत ऋण के उत्सव की महिमा करना। कला का न्यायाधीश न केवल स्वाद है, बल्कि मन भी है।

क्लासिकवाद तर्कवाद के मुख्य प्रावधानों को साझा करता है और दुनिया के एक उचित उपकरण के सभी विचारों के ऊपर। हालांकि, मनुष्य और प्रकृति के बीच संबंधों को समझने में, वह अपने साथ फैल गया, पुनर्जागरण मानवतावाद की लाइन जारी रखता है और इस संबंध में इन संबंधों को सहमति और सद्भाव के सिद्धांतों पर आधारित होना चाहिए, न कि वर्चस्व और अधीनता। विशेष रूप से, यह कला पर लागू होता है, जिनके कार्यों में से एक उत्कृष्ट प्रकृति वाले व्यक्ति की सद्भाव का जप करना है।

क्लासिकवाद का संस्थापक और मुख्य आंकड़ा चित्रएक फ्रेंच कलाकार है एन। पोसिन (15 9 4-1665)। अपने काम में, वह तर्कसंगतता आर descarte पर पूरी तरह से निर्भर करता है, इस पर विचार करते हुए कि भावना हमेशा आंशिक और एकतरफा होती है, और केवल दिमाग विषय को व्यापक रूप से और इसकी सभी जटिलता में कवर कर सकता है। इसलिए, सबकुछ सबकुछ के बारे में फैसला किया जाना चाहिए।

मूसिन ने इटली में लगभग अपने पूरे जीवन में बिताया, लेकिन इसने उन्हें वास्तव में फ्रेंच कलाकार बनने से नहीं रोका जिन्होंने कला में आंखों की दिशाओं में से एक बनाया, वर्तमान दिन में मौजूदा। का इतालवी स्वामी राफेल के पास उस पर सबसे बड़ा प्रभाव था। जिनके कार्य पूर्ण पूर्णता के आदर्श नमूने हैं, साथ ही टाइटियन, जिनके बाद के सभी कलाकार शुद्ध पेंटिंग के सबक लेते हैं।

यद्यपि मूसिन मन को वरीयता देता है, उसकी कला को सूखा, ठंडा और तर्कसंगत नहीं कहा जा सकता है। उन्होंने स्वयं नोट किया कि कला का उद्देश्य यह खुशी है कि कलाकार के सभी प्रयासों का उद्देश्य दर्शक सौंदर्य आनंद को प्रसन्न करना है। उनके कार्यों में पहले से ही कला के दो मुख्य तत्व होते हैं जब यह काफी स्वतंत्र और आत्मनिर्भर घटना बन जाता है।

उनमें से एक शुद्ध कलात्मक, सुरम्य साधनों, रेखाओं और रंगों का संयोजन द्वारा बनाई गई प्लास्टिक से जुड़ा हुआ है, जो विशेष, सौंदर्य आनंद का स्रोत बनता है। दूसरा अभिव्यक्ति, अभिव्यक्ति से जुड़ा हुआ है, जिसकी मदद से कलाकार दर्शकों को प्रभावित करता है और आत्मा की स्थिति का कारण बनता है जो खुद का अनुभव कर रहा था।

इन दोनों की उपस्थिति ने पसीस को बुद्धि और भावना को गठबंधन करने की अनुमति दी। दिमाग की प्राथमिकता को मांस और कामुकता के लिए प्यार से प्यार के साथ जोड़ा जाता है। यह उनके चित्रों "वीनस और एडोनिस", "स्लीपिंग वीनस", "वखनलिया", और अन्य लोगों द्वारा प्रमाणित है, जहां हम शरीर और आत्मा द्वारा परिपूर्ण व्यक्ति को देखते हैं।

रचनात्मकता की प्रारंभिक अवधि में, मूसिन ने ऐतिहासिक और धार्मिक और पौराणिक विषयों के लिए कैनवास को प्रबल किया। वे इस तरह के कार्यों को "सबिनोकनोक का अपहरण" के रूप में समर्पित हैं, "लेना

यरूशलेम "," अरकाडियन शेफर्ड "। तब से अग्रभूमि मनुष्य और प्रकृति की सद्भाव का विषय आ रहा है। इसका प्रतिनिधित्व "ट्राइम्फ फ्लोरा", "एक पॉलीफैम के साथ परिदृश्य", "ऑर्फेप्स और यूरिडिक के साथ परिदृश्य" और अन्य लोगों का प्रतिनिधित्व किया जाता है। प्रकृति एक व्यक्ति के निवास की जगह नहीं है। उनके बीच एक गहरी कामुक सहमति स्थापित की जाती है, आत्माओं का एक निश्चित समुदाय, वे एक पूरी तरह से बनाते हैं। Poussin ने आदमी और प्रकृति के असली सिम्फनी बनाया।

में पिछले साल का जीवन कलाकार प्रकृति का जप करने के लिए उसका पूरा ध्यान देता है। वह एक काव्य श्रृंखला "मौसम" बनाता है।

वास्तुकला में क्लासिकवाद उन्होंने फ्रांसीसी किंग लुईस XIV की इच्छा से बनाई गई Versailles Palace में अपना आदर्श अवतार मिला। इस भव्य कलाकार में तीन राजसी महल और पूल, फव्वारे और मूर्तियों के साथ एक विशाल पार्क शामिल है। कलाकार सख्त लेआउट, पार्क गली ज्यामिति, मूर्तियों के आवर्धक, छिद्रित पेड़ों और झाड़ियों द्वारा प्रतिष्ठित है।

यथार्थवाद

यथार्थवादी प्रवृत्ति XVII शताब्दी की कला में। मुख्य रूप से एक डच कलाकार का प्रतिनिधित्व करता है Rembrandt। (1606-1669)। इस प्रवृत्ति की उत्पत्ति इतालवी पेंटर कैरावागियो (1573-1610) के काम में है, जिसका कई कलाकारों पर बहुत अधिक प्रभाव पड़ा।

रीमब्रांट की कला किसी भी तरह से बारोक और क्लासिकवाद के बीच मध्य स्थिति पर है। अपने कार्यों में, इन दो शैलियों की विशेषताओं का पता लगाना संभव है, लेकिन उनमें से प्रत्येक में अंतर्निहित किसी भी चरम सीमा के बिना। विशेष रूप से, उनका प्रसिद्ध "दाना" बहुत कामुक और शारीरिक दिखता है, लेकिन इस तरह की हद तक नहीं, क्योंकि रूबेन्स निष्पादित होंगे। क्लासिकवाद के साथ ही। उनकी कुछ विशेषताएं रिम्ब्रांट के कार्यों में मौजूद हैं, लेकिन उनके पास कोई साफ, आदर्श सौंदर्य नहीं है, वहां कुछ भी राजसी और वीर नहीं है। कोई शिक्षक नहीं हैं, आदि उनमें, सबकुछ है जैसे पृथ्वी के करीब, सबकुछ बहुत आसान, स्वाभाविक रूप से, सच्चा, जीवन है।

हालांकि, मुख्य रूप से रेमब्रांट की कला की मौलिकता अभी भी दूसरे में है। यह वह है जो उसके लिए धन्यवाद यूरोपीय पेंटिंग एक नई दिशा थी - मनोवैज्ञानिक। Rembrandt ने पहले गंभीरता से सुकरात की एक प्रसिद्ध अपील का जवाब दिया: "खुद को जानें।" उसने अपनी आँखें खुद के अंदर खींची, और उसने एक विशाल और अज्ञात खोला आंतरिक संसार, एक अंतहीन ब्रह्मांड के साथ अनुरूप। उनकी कला का विषय मानव आध्यात्मिक जीवन की एक अविश्वसनीय संपत्ति बन रहा है।

Rembrandt peering और अंतहीन अतिप्रवाहों की बात सुन रहा है मनोवैज्ञानिक अवस्थाएक व्यक्तिगत मानव चरित्र के अविश्वसनीय अभिव्यक्तियों। इसलिए न केवल चित्रों की एक बहुतायत, बल्कि स्वयं पोर्ट्रेट भी, जिसमें वह विभिन्न देशों में, युवाओं और बुढ़ापे में, अलग-अलग राज्यों में और बीमारी के बाद भरने के बाद खुद को चित्रित करता है। अपने कार्यों में, पोर्ट्रेट न केवल एक स्वतंत्र शैली बन जाता है, बल्कि अभूतपूर्व ऊंचाइयों तक पहुंचता है। उसकी सारी रचनात्मकता को कला कहा जा सकता है। पोर्ट्रेट।

इस तरह की बारी काफी हद तक इस तथ्य के कारण है कि रेमब्रांट - रूबेन्स और पॉसिन के कैथोलिक के विपरीत - एक प्रोटेस्टेंट था। प्रोटेस्टेंटवाद की उपस्थिति से पहले, एक व्यक्ति को दूसरों से जानबूझकर अलग नहीं किया गया था। इसके विपरीत, उन्होंने खुद को सामूहिक समुदाय के बाहर नहीं सोचा था। प्राचीन काल में, इस तरह के समुदाय को राजनीतिक और नैतिक मानदंडों द्वारा समर्थित किया गया था। मध्य युग में, ईसाई धर्म ने विश्वास के समुदाय की पूर्व मूल बातें को मजबूत किया।

प्रोटेस्टेंटवाद ने इस परंपरा का उल्लंघन किया, एक व्यक्ति के भाग्य के लिए मुख्य जिम्मेदारी डाली। अब मोक्ष की स्थिति मुख्य रूप से प्रत्येक व्यक्ति का व्यक्तिगत मामला बन गई। पश्चिमी व्यक्ति की चेतना में एक गहरी शिफ्ट थी, और रेमब्रांड ने पहले किए गए परिवर्तनों को महसूस किया, उन्हें अपनी कला में व्यक्त किया।

अपने रहस्यों पर ध्यान दें आंतरिक जीवनअपनी खुद की खोज, व्यक्तिगत सत्य यादें रेमब्रांट की रचनात्मकता की प्रारंभिक अवधि के कई कार्यों, और उसके सभी स्वयं के चित्रों के ऊपर। यह ऐसी तस्वीरों से भी "डॉकट्निका में प्रेषित पॉल", "एम्मुस में मसीह" आदि के रूप में भी प्रमाणित है, जहां मनोवैज्ञानिक अनुभव सामने जा रहे हैं, जीवन के अर्थ के बारे में सोच रहे हैं। में परिपक्व अवधि और विशेष रूप से प्रसिद्ध के बाद "रात का चोरपहरा"इन रुझानों को और बढ़ाया गया है। विशेष रूप से उज्ज्वल रूप से, वे खुद को "लाल रंग में एक बूढ़े आदमी के चित्र" में प्रकट करते हैं, "एक बूढ़ी औरत का चित्र"। तस्वीर "सिंडिक्स" एक समूह पोर्ट्रेट की कला का शीर्ष बन जाती है।

में पिछली अवधि रेमब्रांट की रचनात्मकता मानव चेतना की गहराई में तेजी से विसर्जित हो रही है। यह यूरोपीय कला, मनुष्य की अकेलापन की समस्या के लिए एक पूरी तरह से नई समस्या पर हमला करता है। इसका एक उदाहरण अपने पेंटिंग "दार्शनिक" "," प्रोडिगल बेटे की वापसी "के रूप में कार्य कर सकता है।

क्लासिकवाद से मतभेद बैरोक।

क्लासिकवाद के युग में, जो बारोक युग के बाद, पॉलीफोनिक पॉलीफोनी की भूमिका में कमी आई और पहली बार बाहर आई होमोफोन पॉलीफोनी
(ग्रीक से। "होमोस" - "वन", और "बैकग्राउंड" - "साउंड", "वॉयस")

भिन्न polyphony जहां सभी आवाजें बराबर होती हैं, में होमोफोन पॉलीफोनीअलग दिखना एक, प्रदर्शन किया मुख्य विषय, और बाकी एक भूमिका निभाते हैं संगत(रखरखाव)। संगतता, एक नियम के रूप में, तार प्रणाली (सामंजस्य) है। इसलिए संगीत लिखने के नए तरीके का नाम - होमोफो हार्मोनिक।

संगीत, गहने में कम आभूषण था। काम अधिक पतला हो गया है, संरचना में, विशेष रूप से उन लोगों में लिखा गया है सोनेट फॉर्म.

युग में बरोक संगीत उत्पाद में, अभिव्यक्ति और प्रकटीकरण पर केंद्रित प्रत्येक भाग एक, उज्ज्वल रूप से निषिद्ध भावना,प्रस्तुति द्वारा क्या हल किया गया था एक विषय जो बदल गया (विविध)आज्ञा के दौरान, और युग में क्लासिसिज़मकाम के एक हिस्से में खोला गया कई भावनाएंजो प्रस्तुति और विकास द्वारा व्यक्त किए गए थे दो या अधिक उदाहरण के लिए विभिन्न।

प्रारंभिक बारोक का संगीत (1600-1654)

पुनर्जागरण और बारोक के युगों के बीच संक्रमण का सशर्त बिंदु इतालवी ओपेरा इतालवी संगीतकार के विकास पर विचार किया जा सकता है क्लाउडियो मोंटेवरडी (1567-1643)।

संगीतकार का जन्म डॉक्टर के परिवार में इतालवी शहर के क्रेमोना में हुआ था। एक संगीतकार मोंटेवरडी के रूप में अपने युवाओं में विकसित हुआ है। उन्होंने मैड्रिगल्स लिखा और प्रदर्शन किया; उन्होंने अंग, व्हायोला और अन्य उपकरणों पर खेला। संगीत की रचना मोंटेवरडी ने उस समय उस समय संगीतकारों का अध्ययन किया। 15 9 0 में, उन्हें मंटुआ को गायक और संगीतकार के रूप में ड्यूक विन्सेन्ज़ो गोंज़गी के रूप में आमंत्रित किया गया था; बाद में उनका नेतृत्व किया गया कोर्ट चैपल। 1612 में, मोंटेवेदी ने मंटुआ में सेवा छोड़ दी और 1613 के बाद से वेनिस में बस गए। कई मायनों में, 1637 में मोंटेवरडी के लिए धन्यवाद, दुनिया का पहला सार्वजनिक ओपेरा हाउस वेनिस में खोला गया। वहां संगीतकार ने SANMARK के कैथेड्रल के चैपल की अध्यक्षता की। क्लाउडियो मोंटेवरडी की मौत से पहले आध्यात्मिक सान स्वीकार कर लिया।

अध्ययन किया ओपेरा रचनात्मकता पुनर्जागरण कोपोस्ज़न प्रति और कच्छिनी, मोंटेवरडी ने अपना ओपेरा काम किया। पहले ओपेरा में पहले से ही - "ऑर्फीस" (1607) और एरियाडन (1608) - संगीतकार संगीत साधनों के साथ गहरी और भावुक भावनाओं को व्यक्त करने में कामयाब रहे, तनाव नाटकीय प्रभाव पैदा करें। Monteverdi कई ओपेरा के लेखक हैं, लेकिन केवल तीन संरक्षित हैं - "ऑर्फीस", "मातृभूमि को यूलीसिस की वापसी" (1640; प्राचीन यूनानी महाकाव्य कविता "ओडिसी" ओडिसी "की साजिश पर) और" अफीम का कोरोनेशन "( 1642)।

संगीत और पाठ monteverdi संचालन में सामंजस्यपूर्ण रूप से संयुक्त हैं। ओपेरा के दिल में - मोनोलॉग - रिकिटिव (इससे। Recitare - "पुनर्मिलन"), जिसमें घोषितप्रत्येक शब्द, और संगीत लचीले ढंग से और बारीक मूड के रंगों को फैलाता है। मोनोलॉजिस्ट, संवाद और कोरल एपिसोड एक दूसरे में आसानी से बहते हैं, कार्रवाई धीरे-धीरे विकसित हो रही है (मोंटेवरडी ऑपरेशंस में तीन या चार कृत्यों में), लेकिन गतिशील रूप से। महत्वपूर्ण भूमिका संगीतकार ने ऑर्केस्ट्रा लिया। "ऑर्फी" में, उदाहरण के लिए, उन्होंने उस समय लगभग सभी उपकरणों का उपयोग किया। ऑर्केस्ट्रा संगीत सिर्फ गायन के साथ नहीं है, लेकिन खुद को मंच पर होने वाली घटनाओं और पात्रों के अनुभवों के बारे में बताता है। "ऑर्फी" में पहली बार दिखाई दिया प्रस्ताव(Fr. Ouverture, या Lat। Apertura - "उद्घाटन", "शुरुआत") - एक प्रमुख संगीत कार्य के लिए वाद्य प्रवेश। क्लाउडियो मोंटेवरडी ओपेरा के पास वेनिसियन संगीतकारों पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा, उन्होंने वेनिस ओपेरा स्कूल की नींव रखी .

Monteverdi ने न केवल लिखा ओपेरा, लेकिन आध्यात्मिक संगीत भी, धार्मिक तथा टुकड़ा मैड्रिगार। यह पहला संगीतकार बन गया जो पॉलीफोनिक और होमोफोन विधियों का विरोध नहीं करता - इसके ओपेरा के गाना बजानेवाले एपिसोड में पॉलीफोनी रिसेप्शन शामिल हैं।
Monteverdi के काम में, एक नया एक पुनर्जागरण की पुरानी परंपराओं से जुड़ा हुआ है।

सेवा मेरे xviii की शुरुआत में। जंगल नेपल्स में ओपेरा स्कूल। इस स्कूल की विशेषताएं - गायन पर उच्च ध्यान, संगीत की प्रमुख भूमिका। यह नेपल्स में था जो बनाया गया था वोकल स्टाइल बेलकैंटो (यह। बेल कैंटो "उत्कृष्ट गायन" है)। बेलकैंटो ध्वनि, सुन्दरता और तकनीकी पूर्णता की असाधारण सुंदरता के लिए प्रसिद्ध है। बेलकैंटेंट स्टाइल कलाकार को एकत्रित आवाज के कई रंगों को चलाने में सक्षम होना चाहिए, साथ ही साथ वर्चुओसो कई लोगों को संचारित करता है, ध्वनि के मुख्य मेलोडी त्वरित अनुक्रमों पर अतिरंजित - Colorautura (यह। Coloratura - "सजावट")।

XVIII शताब्दी में ओपेरा इटली में मुख्य प्रकार की संगीत कला बन गई, जो सहायक थी पेशेवर स्तर गायक जिन्होंने अध्ययन किया गरम (यह। संरक्षक, एरेट लैट। संरक्षण - "संरक्षण") - शैक्षणिक संस्थान जो संगीतकारों की तैयारी कर रहे थे। उस समय तक, इतालवी ओपेरा कला के केंद्रों में वेनिस और नेपल्स - चार कंज़र्वेटरी बनाए गए थे। शैली की लोकप्रियता समाज के सभी क्षेत्रों के लिए उपलब्ध ओपेरा सिनेमाघरों द्वारा सेवा और खोला गया। इतालवी ओपेरा सबसे बड़े यूरोपीय राजधानियों के सिनेमाघरों में डाल दिया गया, और ऑस्ट्रिया, जर्मनी और अन्य देशों के संगीतकारों ने इतालवी ग्रंथों में ओपेरा लिखा।

प्रारंभिक बारोक अवधि का महत्वपूर्ण व्यक्ति, जिसकी स्थिति कैथोलिक धर्म के पक्ष में थी, बढ़ते वैचारिक, सांस्कृतिक और प्रोटेस्टेंटवाद के सार्वजनिक प्रभाव का विरोध कर रही थी, थी Giovanni Gabrieli (1555-1612)। उसका काम शैली से संबंधित है " उच्च पुनर्जन्म"(पुनर्जागरण का दिन)। हालांकि, टूल्स के क्षेत्र में इसके कुछ नवाचार (अपने स्वयं के, विशिष्ट कार्यों के लिए एक निश्चित उपकरण की नियुक्ति) स्पष्ट रूप से इंगित करते हैं कि यह उन संगीतकारों में से एक था जिन्होंने एक नई शैली की उपस्थिति को प्रभावित किया।

आध्यात्मिक संगीत के काम के लिए चर्च द्वारा लगाए गए आवश्यकताओं में से एक था ग्रंथों वोकल्स के साथ काम करता था मूल। इसने पॉलीफोनी से संगीत तकनीकों तक कार्गो की मांग की, जहां शब्द सामने गए। संगत की तुलना में Vocals अधिक जटिल, विटिवेट बन गया।

नई तकनीकों का वितरण एक बड़ा योगदान है जर्मन संगीतकार हेनरिक Shzyuz (1585-1672), वेनिस में छात्र। यह जोहाना सेबेस्टियन बाच के लिए सबसे प्रसिद्ध जर्मन संगीतकार है और प्रारंभिक बारोक अवधि के सबसे महत्वपूर्ण संगीतकारों में से एक, डी। गेब्रियल और केमोंटेवर्डी के साथ। उन्होंने अपने कार्यों में नई तकनीकों का उपयोग किया जब उन्होंने ड्रेस्डेन में खामिस्टर के रूप में कार्य किया।

संगीत संगीत बैरोक (1654-1707)

यूरोप में सर्वोच्च शक्ति के केंद्रीकरण की अवधि को अक्सर बुलाया जाता है निरंकुश राज्य का सिद्धान्त। निरपेक्षता फ्रांसीसी किंग लुईस XIV के साथ अपने अपॉजी तक पहुंची। पूरे यूरोप के लिए, लुई लुइस एक आदर्श मॉडल था। अदालत में किए गए संगीत सहित। संगीत वाद्ययंत्रों की बढ़ी हुई उपलब्धता (यह विशेष रूप से कीबोर्ड से संबंधित थी) ने विकास को बढ़ावा दिया कक्ष संगीत (इससे। कैमरा - "कक्ष")छोटे कमरे में या घर पर प्रदर्शन किया।

परिपक्व बरोक फरक है एक नई पॉलीफोनिक शैली के शुरुआती व्यापक प्रसार से ( नि: शुल्क पत्र) और तीव्र प्रभाग संगीत प्रपत्र, खासकर ओपेरा में। साहित्य में, एक बहु-पंक्ति की संभावना छाप संगीत कार्य दर्शकों के विस्तार के लिए नेतृत्व किया; संगीत संस्कृति के केंद्रों के बीच विनिमय को बरकरार रखा।

संगीत के सिद्धांत में परिपक्व बरोक को सद्भावना और संगीत प्रशिक्षण के पतले सिस्टम बनाने के प्रयासों पर केंद्रकों को ध्यान केंद्रित करके निर्धारित किया जाता है।
बाद के वर्षों में, इसने एक सेट की उपस्थिति का नेतृत्व किया सैद्धांतिक श्रम। इस तरह की गतिविधियों का एक अद्भुत मॉडल देर से बारोक की अवधि का काम हो सकता है - "ग्रैडस विज्ञापन पार्नेसम" (रूसी। पारनास के लिए कदम), जोहान जोसेफ द्वारा 1725 में प्रकाशित फ्यूचॉम (यह। जोहान जोसेफ फक्स) (1660-1741), ऑस्ट्रियाई सिद्धांतवादी और संगीतकार। इस निबंध ने काउंटरपॉइंट के सिद्धांत को व्यवस्थित किया, लगभग XIX शताब्दी के अंत तक, काउंटरपॉइंट का अध्ययन करने के लिए एक आवश्यक लाभ था।

यार्ड लुई XIV के अदालत के संगीतकारों का एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि था Giovanni Battista Lulley (1632-1687)। (जीन -बैटिस्ट)। पहले से ही 21, उन्हें "कोर्ट संगीतकार" का खिताब मिला उपकरण संगीत». रचनात्मक कार्य बहुत शुरुआत से लूली को थियेटर से कसकर जोड़ा गया था। संगठन कोर्ट के बाद चैम्बर संगीत और "एयर डी कोर्ट" (कोर्ट एरिया) का निबंध उन्होंने बैले संगीत लिखना शुरू कर दिया। लुई XIV ने खुद बैलेट्स में नृत्य किया, जो फिर से अदालत की कुलीनता के पसंदीदा मनोरंजन थे। लॉलली एक उत्कृष्ट नर्तक था। वह राजा के साथ नृत्य, उत्पादन में भाग लेने में सक्षम था। वह अपने लिए जाना जाता है संयुक्त मोलिएर के साथ काम करते हैं, जिनके नाटकों पर उन्होंने संगीत लिखा था। लेकिन लूली के काम में मुख्य बात अभी भी लिख रही थी ओपेरा। आश्चर्य की बात है, लूली ने एक पूर्ण प्रकार का फ्रेंच ओपेरा बनाया; फ्रांस में तथाकथित बेरहारी त्रासदी (फ्रा। त्रासदी लिरिक), और ओपेरा हाउस में अपने काम के पहले वर्षों में निस्संदेह रचनात्मक परिपक्वता तक पहुंचा। रली को अक्सर ऑर्केस्ट्रल अनुभाग की राजसी ध्वनि, और सरल प्राप्तकर्ताओं और एरियास के बीच के अंतर का उपयोग किया जाता है। संगीत भाषा रली बहुत जटिल नहीं है, लेकिन निश्चित रूप से नवीन व: सद्भाव की स्पष्टता, लयबद्ध ऊर्जा, आकार की सदस्यता की स्पष्टता, बनावट की शुद्धता होमोफोन सोच के सिद्धांतों की जीत की बात करती है। काफी हद तक, उनकी सफलता को ऑर्केस्ट्रा में संगीतकारों का चयन करने की उनकी क्षमता और उनके साथ उनके काम की सुविधा प्रदान की गई (उन्होंने स्वयं को रिहर्सल का आयोजन किया)। उनके काम का एक अभिन्न तत्व सद्भाव और एक संकलन उपकरण पर ध्यान दिया गया था।

संगीतकार और वायलिस्ट Arkandgelo Corelli (1653-1713) Confanto Grosso की शैली के विकास पर अपने काम के लिए जाना जाता है (कॉन्सर्टो ग्रोसो - " बिग कॉन्सर्ट") । कोरेली पहले संगीतकारों में से एक था जिनके काम पूरे यूरोप में प्रकाशित और प्रदर्शन किए गए थे। रेलवे की ओपेरा रचनाओं की तरह, कॉन्सर्टो ग्रोसो की शैली ऑर्केस्ट्रा के छोटे सोलोरेटिंग समूहों और पूर्ण ऑर्केस्ट्रा की आवाज़ की ध्वनि की एक विपरीत तुलना पर बनाई गई है। संगीत जोर से ध्वनि भागों से शांत संक्रमणों पर शांत संक्रमणों पर बनाया गया है, तेजी से यात्रियों को धीमा करने का विरोध किया जाता है। Arkandell Corelli के अनुयायियों में एंटोनियो Vivaldi था, जो बाद में Corelli के पसंदीदा रूपों में लिखे गए सैकड़ों काम लिखते थे: तीनों-sonats और संगीत कार्यक्रम।

में इंगलैंड परिपक्व बारोक ने उज्ज्वल प्रतिभा को चिह्नित किया हेनरी पेरेसेला (1659-1695)। वह युवाओं की मृत्यु हो गई, 36 साल की उम्र में, लेखन एक बड़ी संख्या की काम करता है और जीवन के दौरान व्यापक रूप से जाना जाता है। Pörslell Korelli और Baroque युग के अन्य इतालवी संगीतकारों के काम से परिचित था। छोटा जीवन पर्ससेल ने बहुत सारे मुखर, वाद्ययंत्र, संगीत और रंगमंच काम लिखे, जिनमें से सबसे महत्वपूर्ण - ओपेरा "दीदोना और एनी" (1689)। यह पहली अंग्रेजी है राष्ट्रीय ओपेरा। उन्हें नोबल मैडेंस के लिए एक गेस्ट हाउस से एक नृत्य शिक्षक द्वारा आदेश दिया गया था। आदेश की निजी प्रकृति ने काम की उपस्थिति को प्रभावित किया: मोंटेवरडी या लुल्ले के विशाल ओपेरा के विपरीत, पेरेसेला के लेखन लगभग आकार में, कार्रवाई तेजी से विकास कर रही है। लिब्रेटो ओपेरा (लेखक निकोलस टेट) रोमन कवि वर्जिल के वीर महाकाव्य "एनयदा" के उद्देश्यों पर लिखा गया था।

वायरगिया ट्रॉय के रक्षकों में से एक है - एनी शहर के पतन के बाद पश्चिमी हो जाता है। तूफान अपने जहाज को अफ्रीका के तट पर नाखून देता है; यहां वह डीडन, रानी कार्थेज के साथ मिलते हैं। डीडोना ने एनी से प्यार किया और जब देवताओं के विनाश पर नायक ने उसे छोड़ दिया, खुद को जीवन से वंचित कर दिया। ओपेरे पोर्सेला में, दूत, नायकों द्वारा अलग, देवता नहीं हैं, लेकिन वन चुड़ैल (अंग्रेजी लोकगीत के लोकप्रिय पात्र)। एनी ने देवताओं को पवित्र कर्तव्य के लिए एक धोखा दिया और सबसे मूल्यवान - प्यार को नष्ट कर दिया।

पेरेसेला की रचनात्मकता की विशिष्ट विशेषता - हानिकारकता। संगीतकार के पास सही मेलोडी बनाने के लिए एक अद्भुत उपहार है - शांत, राजसी और आकार में निर्दोष। XX शताब्दी तक अंग्रेजी संगीत में हेनरी पोर्सेला के बाद। यह असंभव है कि आप उज्ज्वल कारीगरों के रूप में कॉल कर सकते हैं।

उपरोक्त संगीतकारों के विपरीत DIETRICH BUXTHEHUDE (1637-1707) यह एक अदालत संगीतकार नहीं था। बुचवुड ने काम किया अरगनिस्टसबसे पहले, हेलसिंगबॉर्ग (1657-1658) में, फिर एल्सिनर (1660-1668) में, और फिर, सेंट के चर्च में 1668 से शुरू Lübeck में मैरी। उन्होंने अपने कार्यों के प्रकाशन को कमाया नहीं, लेकिन उनके निष्पादन, और कुलीनता के संरक्षण ने चर्च ग्रंथों पर संगीत की संरचना और अपने स्वयं के अंग रचनाओं के निष्पादन को प्राथमिकता दी। शरीर के लिए संरचना को कल्पना की संपत्ति से प्रतिष्ठित किया गया था , अप्रत्याशित और रंगीन तुलना की बहुतायत, दुर्भाग्य से गहरी नाटक, सभी कार्यों को इस संगीतकार के संरक्षित नहीं किया गया था। ब्रश स्टेशन का संगीत बड़े पैमाने पर विचारों, धन और कल्पना की स्वतंत्रता, दयनीय, \u200b\u200bनाटकीयता, कई ऑरेटरी इंटोनेशन की प्रवृत्ति के पैमाने पर बनाया गया है। उनकी रचनात्मकता के रूप में ऐसे संगीतकारों पर एक मजबूत प्रभाव था जैसा I. Sach और G.f.tel।

संगीत देर से बैरोक (1707-1760)

परिपक्व और देर से बैरोक के बीच सटीक रेखा चर्चा का विषय है; वह झूठ बोलती है वहीँ कहीं बीच में 1680 और 1720. कठिनाई की काफी हद तक, इसकी परिभाषा यह तथ्य है कि विभिन्न देश शैलियों ने Incumbroonar बदल दिया; एक ही स्थान पर पहले से ही एक नियम के रूप में लिया गया नवाचार दूसरे में ताजा पाता है। इटलीArkandgelo के लिए धन्यवाद कोरेली और उसके शिष्यों फ्रांसेस्को जेमिनियानी और पिट्रो लोकेटेलि पहला देश बन गया बारोक देर से अवधि में परिपक्व से चलता है। महत्वपूर्ण मील का पत्थर लगभग पूर्ण माना जा सकता है अधिकांश tonalityसंगीत लिखने के एक संरचनात्मक सिद्धांत के रूप में। यह विशेष रूप से ध्यान देने योग्य है सैद्धांतिक कार्य जीन फिलिप रामो, जिन्होंने मुख्य रूप से लूली की जगह ली फ्रेंच संगीतकार। साथ ही, जोहान जोसेफ फूचा "डिग्री नरक पर्नावसम" (1725) के पूंजी श्रम का उद्भव, सख्त शैली पॉलीफोनी को समर्पित, संगीत में उपस्थिति के लिए प्रमाणित दो जीतने वाली शैलियों - होमफोन-हार्मोनिक और पॉलीफोनिक।

फार्मपिछली अवधि की खोज की परिपक्वता तक पहुंचा और बड़ी परिवर्तनशीलता; कॉन्सर्ट, सुइट, सोनाटा, कॉन्फ़्रेटो ग्रोसो, ऑरोरेटिया, ओपेरा और बैले अब तेज स्पष्ट नहीं था राष्ट्रीय विशेषताएं। सार्वभौमिक रूप से स्थापित आमतौर पर कार्यों की स्वीकार्य योजनाएं: एक दोहराए गए दो-चार्ट (एएबीबी), एक साधारण तीन-भाग (एबीसी) और रोन्डो।

एंटोनियो विवाल्डी (1678-1741) - वेनिस में पैदा हुए इतालवी संगीतकार।
1703 में उन्होंने SAN स्वीकार किया कैथोलिक पादरी। उसी वर्ष 1 दिसंबर को, वह लड़कियों के लिए वेनिस अनाथ आश्रय "पीआईओ ओस्पेडेल डेला पिटा" में मेस्ट्रो डी वायलिनो बन जाते हैं। विवाल्डी की प्रसिद्धि ने आंगन में कॉन्सर्ट भाषण या संचार नहीं लाया, लेकिन उनके काम का प्रकाशन, जिसमें उनके तीनों-sonates, treates sonats और संगीत कार्यक्रम शामिल थे। वे एम्स्टर्डम में प्रकाशित हुए और यूरोप में व्यापक रूप से व्यापक थे। यह इन में है वाद्य शैलियांउस समय, अभी भी विकास, (बैरोक सोनाटा और बारोक संगीत कार्यक्रम), विवाल्डी और अपने सबसे महत्वपूर्ण योगदान दिया। WivalDi संगीत विशेषता है कुछ तकनीकें: Concho Grosso के लिए तीन पेज चक्रीय रूप और तेजी से भागों में Rhurneli के उपयोग। Vivaldi 500 से अधिक संगीत कार्यक्रमों की रचना। उन्होंने अपने कुछ काम, जैसे प्रसिद्ध "मौसम" के लिए कार्यक्रम के नाम भी दिए। करियर विवाल्डी संगीतकार के लिए स्वतंत्र रूप से मौजूद होने का अवसर दिखाता है: संगीत कार्यक्रम गतिविधियों और उनके लेखन के प्रकाशन से आय पर।

डोमेनिको स्कार्लाट्टी (1685-1757) अपने समय के अग्रणी कीबोर्ड संगीतकारों और कलाकारों में से एक था। उन्होंने अदालत के संगीतकार के रूप में अपना करियर शुरू किया; प्रारंभ में पुर्तगाल में, और 1733 से मैड्रिड में, जहां उन्होंने अपना शेष जीवन बिताया। उनके पिता एलेसेंड्रो स्कार्लाट्टी को नीपोलिटन ओपेरा स्कूल के संस्थापक माना जाता है। डोमेनिको ने भी ओपेरा बनाया और चर्च संगीत, लेकिन प्रसिद्धि (उनकी मृत्यु के बाद पहले से ही) उन्हें प्रदान किया गया था कीबोर्ड के लिए काम करता है। इन कार्यों का एक हिस्सा उन्होंने अपने महान ग्राहकों के लिए अपनी खुशी, भाग के लिए लिखा था।

बारोक युग का सबसे प्रसिद्ध अदालत संगीतकार बन गया जॉर्ज फ्रेडरिक हैंडल (1685-1759)। उनका जन्म जर्मनी में हुआ था, उन्होंने इटली में तीन साल तक अध्ययन किया, लेकिन 1711 लंदन में छोड़ दिया, जहां उन्होंने अपना शानदार और वाणिज्यिक शुरू किया सफल पेशा कुलीनता के लिए एक स्वतंत्र ओपेरा संगीतकार निष्पादन आदेश। अथक ऊर्जा होने के बाद, हैंडल ने अन्य संगीतकारों की सामग्री को पुनर्नवीनीकरण किया, और लगातार पर फिर से काम अपने अपने निबंध। उदाहरण के लिए, वह प्रसिद्ध ऑरोरेटिया "मसीहा" को कई बार फिर से तैयार करने के लिए प्रसिद्ध है जो अब कोई संस्करण नहीं है जिसे प्रारंभिक कहा जा सकता है। इस तथ्य के बावजूद कि उनकी वित्तीय स्थिति में सुधार हुआ था, यह गिरावट आई थी, कीबोर्ड, औपचारिक संगीत, संचालन, कोंसो और ऑरेटर्स के लिए प्रकाशित कार्यों के आधार पर इसकी प्रसिद्धि में वृद्धि हुई थी। मृत्यु के बाद, उन्हें अग्रणी यूरोपीय संगीतकार के रूप में पहचाना गया, और क्लासिकवाद के युग के संगीतकारों द्वारा अध्ययन किया गया। अपने जीवन के लिए, हैंडल के बारे में लिखा 50 ओपेरा (Almira "Agrippina," Rinaldo "," जूलियस सीज़र "और अन्य), 23 ऑरोरेटिया ("मेसिया", "सैमसन", "जुडास माकोव", "हरक्यूलिस"), अनगिनत चर्च कोरून, अंग संगीत कार्यक्रम, और कई मनोरंजन कार्य ("पानी पर संगीत", "रॉयल आतिशबाजी के लिए संगीत")।

में से एक सबसे महान संगीतकार बारोक युग - जोहान सेबेस्टियन बाच उत्पन्न होने वाली
21 मार्च, 1685 जर्मनी, ऐसेनख शहर में। अपने जीवन के लिए, उन्होंने 1000 से अधिक कामों की रचना की विभिन्न शैलियों, ओपेरा के अलावा। लेकिन अपने जीवनकाल के दौरान, उन्होंने कोई सार्थक सफलता हासिल नहीं की। कई बार चलते हुए, बाच ने दूसरे के लिए बहुत अधिक स्थिति नहीं की: वीमर में, वे वाइमर ड्यूक जोहाना अर्न्स्ट में एक अदालत संगीतकार थे, फिर सेंट के चर्च में एक देखभालकर्ता बन गए। Arnstadt में Bonifacea, कुछ सालों बाद उसने सेंट के चर्च में एक संगठन की स्थिति ली मुलौसेन में मुसा, जहां उन्होंने लगभग एक साल तक काम किया, जिसके बाद वह वीमर लौट आए, जहां उन्होंने अदालत के संगठन और संगीत कार्यक्रमों के आयोजक की जगह ली। इस स्थिति में उन्हें नौ साल तक देरी हुई थी। 1717 में, लियोपोल्ड, ड्यूक अनहाल्ट-कोटेन्स्की, बाबा को कपेलमिस्टर की स्थिति में रखा गया, और बाच ने कोटेन में जीना और काम करना शुरू कर दिया। 1723 में, बाच लीपजिग चले गए, जहां वह 1750 में उनकी मृत्यु तक बने रहे।

I.S. बैच जर्मनी में जर्मनी में एक संगीतकार, कलाकार, शिक्षक और पिता बखोव जूनियर, मुख्य रूप से कार्ल फिलिप इमानुअल के रूप में जानते थे। लेकिन हाल के वर्षों में, बाच की मौत के बाद, एक संगीतकार के रूप में उनकी प्रसिद्धि कम हो गई: उसकी शैली को समृद्ध क्लासिकवाद की तुलना में पुरानी शैलीबद्ध माना गया था।

1802 में, जोहान निकोले पूर्वक ने जोहाना सेबेस्टियन बाच की पहली सबसे पूरी जीवनी प्रकाशित की। 1829 में, आई एस बहा की मृत्यु के 79 साल बाद, फेलिक्स मेंडेलसन ने बर्लिन बखोवस्की "मैथ्यू में जुनून" प्रदर्शन किया। इस संगीत कार्यक्रम की सफलता रचनात्मकता I. S. Baha में रुचि रखते हैं और जर्मनी में बहा के संगीत में और फिर पूरे यूरोप में भारी रुचि की उपस्थिति का कारण बनता है।

अब I. S. Bach सबसे अधिक है लोकप्रिय संगीतकार सभी समय: उदाहरण के लिए, मतदान में " सबसे अच्छा संगीतकार मिलेनियम, "CultureCioSque.com बाच ने पहली जगह ली।

क्लासिकवाद (लेट से। क्लासिकस - अनुकरणीय) - कला शैली और कला में दिशा यूरोप XVII। - xix शताब्दियों। यह तर्कवाद के विचारों पर आधारित है, जिसका मुख्य लक्ष्य एक निश्चित आदर्श, नमूना, के समान और समान के आधार पर जनता को प्रबुद्ध करने के लिए है। इस तरह के एक उदाहरण के रूप में, प्राचीन दुनिया की संस्कृति परोसा गया। नियम, क्लासिकवाद के कैन्स सर्वोपरि महत्व के थे; उन्हें इस दिशा और शैली के हिस्से के रूप में बनाने वाले सभी कलाकारों का पालन करना था।

उत्पत्ति का इतिहास

एक दिशा के रूप में, क्लासिकिज्म ने सभी प्रकार की कला को कवर किया: चित्रकारी, संगीत, साहित्य, वास्तुकला।

क्लासिकवाद, एक निश्चित आदर्श और अनुपालन के आधार पर जनता को प्रबुद्ध करने का मुख्य उद्देश्य पूरी तरह से स्वीकार्य कैनन के साथ अनुपालन पूरी तरह से विपरीत है, जिसने सभी नियमों से इनकार किया और किसी भी दिशा में किसी भी कलात्मक परंपरा के खिलाफ उछाल था।

इसके विकास में, क्लासिकिज्म ने 3 चरणों को पारित किया:

1. प्रारंभिक क्लासिक (1760 के दशक - 1780 के दशक की शुरुआत);
2. सख्त क्लासिक (1780 के दशक - 17 9 0 वां);
3. देर से क्लासिकवाद, नाम कहा जाता है (XIX शताब्दी के पहले 30 वर्षों)।

तस्वीर पेरिस में एक विजयी आर्क प्रस्तुत करती है - क्लासिकवाद का एक ज्वलंत उदाहरण।

शैलियों

क्लासिकवाद को स्पष्ट विशेषता है ज्यामितीय रूप, उच्च गुणवत्ता वाली सामग्री, महान खत्म और संयम। महिमा और सद्भाव, अनुग्रह और विलासिता क्लासिकवाद की मुख्य विशिष्ट विशेषताएं हैं। बाद में minimalism की शैली में अंदरूनी में प्रदर्शित किया गया था।

शैली की सामान्य विशेषताएं:

• मुलायम पुष्प रूपों के साथ चिकनी दीवारें;
• पुरातनता के तत्व: महल और कॉलम;
• स्टुको;
• गोरमेट लकड़ी की छत;
• दीवारों पर कपड़े वॉलपेपर;
• सुरुचिपूर्ण, सुंदर फर्नीचर।

रूसी क्लासिक शैली की एक विशेषता शांत आयताकार रूप बन गई है, संयम और एक ही समय में विविध सजावटी डिजाइन, सत्यापित अनुपात, एक योग्य दृश्य, सद्भाव और स्वाद।

बाहरी

क्लासिक आर्किटेक्चर के बाहरी लक्षणों का उच्चारण किया जाता है, वे इमारत पर पहली नजर में प्रकट किए जा सकते हैं।

• निर्माण: सतत, भारी, आयताकार और कमाना आकार। रचनाएं स्पष्ट रूप से योजनाबद्ध हैं, सख्त समरूपता मनाई जाती है।
• फॉर्म: स्पष्ट ज्यामिति, मात्रा और महानता; मूर्तियां, कॉलम, निकस, रोटुंडा, गोलार्द्ध, फ्रंटोन, फ्रिज।
• रेखाएँ:सख्त; नियमित योजना प्रणाली; बेस राहत, पदक, चिकनी ड्राइंग।
• सामग्री: पत्थर, ईंट, लकड़ी, स्टुको।
• छत:जटिल, जटिल रूप।
• प्रचलित रंग: संतृप्त सफेद, हरा, गुलाबी, बैंगनी, स्वर्गीय नीला, सुनहरा।
• विशिष्ट तत्व: बुद्धिमान सजावट, कॉलम, पायल्टर्स, प्राचीन आभूषण, संगमरमर सीढ़ी, बालकनी।
• खिड़की: अर्धचालक, आयताकार, बढ़ाया, मामूली सजाया।
• दरवाजे: आयताकार, वाइपर, अक्सर मूर्तियों (शेर, स्फिंक्स) के साथ सजाया जाता है।
• सजावट: नक्काशी, गिल्डिंग, कांस्य, मोती, जड़ें।

आंतरिक

क्लासिकवाद के युग के परिसर के इंटीरियर में एकता, संयम और सद्भाव नहीं है। फिर भी, सभी आंतरिक आइटम संग्रहालय प्रदर्शन की तरह नहीं दिखते हैं, लेकिन केवल सूक्ष्म कलात्मक स्वाद और सम्मानजनक मालिक पर जोर देते हैं।

कमरे में सही आकार है, कुलीनता, coziness, गर्मी, उत्तम लक्जरी के वातावरण से भरा; विवरण के साथ अधिभारित नहीं।

इंटीरियर की सजावट में केंद्रीय स्थान प्राकृतिक सामग्री, मुख्य रूप से मूल्यवान लकड़ी, संगमरमर, पत्थर, रेशम द्वारा कब्जा कर लिया गया है।

• छत: हल्के उच्च, अक्सर बहु-स्तर, स्टुको, आभूषण के साथ।
• दीवारें: ऊतकों, उज्ज्वल, लेकिन उज्ज्वल, पायलट और स्तंभ, स्टुको या पेंटिंग के साथ सजाए गए संभव हैं।
• फर्श: मूल्यवान लकड़ी की प्रजातियों (मेरबाऊ, कामशी, टिक, याटाका) या संगमरमर से लकड़ी की छत।
• प्रकाश:क्रिस्टल, पत्थर या महंगे ग्लास से चांदेलियर; एक मोमबत्ती के रूप में प्लाफून के साथ सोना चढ़ाया चांदेलियर।
• अनिवार्य आंतरिक विशेषताएँ: मिरर, फायरप्लेस, आरामदायक कम कुर्सियां, कम चाय टेबल, हल्की हस्तनिर्मित कालीन, प्राचीन भूखंडों, किताबों, भारी, शैलीबद्ध प्राचीन काल के फूलों के साथ चित्र, जबरदस्त फूल खड़े होते हैं।

प्राचीन रूपों को अक्सर कमरे की सजावट में उपयोग किया जाता है: Meanders, Festos, Lavrova Garlands, मोती धागे। सजावट के लिए, टेपेस्ट्री, तफ्ताता और मखमल सहित महंगे वस्त्रों का उपयोग किया जाता है।

फर्नीचर

क्लासिकवाद की फर्नीचर अच्छी गुणवत्ता और सम्मान से प्रतिष्ठित है, महंगी सामग्री, ज्यादातर मूल्यवान लकड़ी से। यह उल्लेखनीय है कि पेड़ का बनावट न केवल सामग्री के रूप में, बल्कि सजावटी तत्व के रूप में भी दिखाई देता है। फर्नीचर वस्तुओं को मैन्युअल रूप से बनाया जाता है, धागे, गिल्डिंग, जड़ता से सजाया जाता है, कीमती पत्थर और धातुओं। लेकिन फॉर्म सरल है: सख्त लाइनें, स्पष्ट अनुपात। डाइनिंग रूम की टेबल और कुर्सियां \u200b\u200bसुरुचिपूर्ण नक्काशीदार पैरों के साथ बनाई गई हैं। व्यंजन एक पैटर्न, गिल्डिंग के साथ चीनी मिट्टी के बरतन, पतले, लगभग पारदर्शी हैं। फर्नीचर के सबसे महत्वपूर्ण विशेषताओं में से एक को एक घन शरीर के साथ एक गुप्त मीटर माना जाता था।

आर्किटेक्चर

क्लासिकिज्म न केवल तत्वों और रूपों, बल्कि डिजाइन में पैटर्न का उपयोग करके प्राचीन वास्तुकला की मूल बातें पर लागू होता है। वास्तुशिल्प भाषा का आधार इसकी सख्त समरूपता, संरचना की आनुपातिकता, योजना की नियमितता और वॉल्यूम फॉर्म की स्पष्टता के साथ एक आदेश है।

क्लासिकवाद अपने कॉर्डन और सजावटी अतिरिक्त के साथ पूर्ण विपरीत है।

अनपेक्षित महल, बगीचे-पार्क ensembles, जो एक फ्रांसीसी बगीचे का आधार बन गया, जो अपने सीधा गलियों के साथ शंकु और गेंदों के रूप में लॉन के साथ छंटनी की। क्लासिकवाद का विशिष्ट विवरण - एक्सेंटेड सीढ़ियों, क्लासिक प्राचीन सजावट, सार्वजनिक भवनों में गुंबद।

देर से क्लासिकिज्म (एएमपीआईआर) सैन्य प्रतीकों ("विजयी आर्क" फ्रांस में) प्राप्त करता है। रूस में, कैनन वास्तुशिल्पीय शैली क्लासिकवाद को सेंट पीटर्सबर्ग कहा जा सकता है, यूरोप में हेलसिंकी, वारसॉ, डबलिन, एडिनबर्ग है।

मूर्ति

क्लासिकवाद के युग में, सार्वजनिक स्मारक व्यापक थे, जो राज्य के पति के सैन्य बहादुरी और ज्ञान को व्यक्त करते थे। और मूर्तिकारों के लिए मुख्य समाधान प्राचीन देवताओं की छवि में प्रसिद्ध आंकड़ों की छवि की छवि थी (उदाहरण के लिए, सुवोरोव - मंगल के रूप में)। व्यक्तियों में से उनके नामों को कायम रखने के लिए मूर्तिकारों के गुरुत्वाकर्षण स्मारकों को आदेश देने के लिए लोकप्रिय हो गया। आम तौर पर, युग की मूर्तियां अंतर्निहित शांत होती हैं, इशारे की संयम, अभिव्यक्तियों की असंगतता, रेखाओं की शुद्धता होती है।

फैशन

कपड़ों में पुरातनता में रुचि XVIII शताब्दी के 80 के दशक में खुद को प्रकट करना शुरू कर दिया। यह विशेष रूप से प्रकट हुआ था महिला सूट। यूरोप में, एक नई सुंदरता आदर्श उत्पन्न, प्राकृतिक रूपों और सुंदर महिलाओं की रेखाओं की महिमा। हल्के टन के बेहतरीन चिकनी कपड़े फैशन, विशेष रूप से सफेद में स्विच किए जाते हैं।

महिलाओं के कपड़े फ्रेम, पैड और निचले स्कर्ट खो गए और लंबे, ढके हुए ट्यूनिक का आकार मिला, पक्षों पर कटौती और स्तन के नीचे अवरोधित बेल्ट। उन्होंने शारीरिक रंग के ट्राइकॉन को रखा। रिबन के साथ सैंडल जूते के रूप में कार्य किया। केश विन्यास पुरातनता के साथ की गई। फैशन अभी भी फैशन में रहता है, जो चेहरे, हाथों, नेकलाइन को कवर करता है।

सहायक उपकरण के बीच, उनका उपयोग कुसी से, पंखों से सजाए गए, फिर तुर्की स्कार्फ या कश्मीर शॉल से सजाए गए थे।

से प्रारंभिक XIX। सेंचुरी परेड कपड़े लूप और गहरे neckline के साथ सीना शुरू कर दिया। और दैनिक कपड़े में, neckline एक फीता golk के साथ कवर किया गया था। धीरे-धीरे केश विन्यास बदलते हैं, और पाउडर उपयोग से बाहर हो जाता है। एक स्वर्ण रिबन द्वारा बंधे कर्ल में फैशनेबल बाल चतुर या फूलों के मुकुट से सजाए गए।

पुरुषों का फैशन अंग्रेजों के प्रभाव में था।अंग्रेजी सुकुनी फ्रैक, रीडोट (बाहरी वस्त्र, सरिरुक को याद दिलाते हुए), जैब और कफ। यह क्लासिकवाद के युग में है कि पुरुषों के संबंध शामिल हैं।

कला

पेंटिंग में, क्लासिकवाद को संयम और कठोरता से भी विशेषता है। फॉर्म के मुख्य तत्व - रेखा और हल्कापन। स्थानीय रंग प्लास्टिक वस्तुओं और आंकड़ों पर जोर देता है, स्थानिक चित्र योजना को अलग करता है। सबसे बड़ा मास्टर xvii शताब्दी। - लोरेन क्लाउड, अपने "सही परिदृश्य" के लिए प्रसिद्ध। "सजावटी परिदृश्य" में नागरिक पथ और गीतकारी एकजुट फ्रांसीसी चित्रकार जैक्स लुई डेविड (XVIII शताब्दी)। रूसी कलाकारों में, कार्ला ब्रियुलोव, जिन्होंने क्लासिकवाद को (XIX शताब्दी) के साथ संयुक्त किया जा सकता है, उन्हें प्रतिष्ठित किया जा सकता है।

संगीत में क्लासिकवाद मोजार्ट, बीथोवेन और हेडन के रूप में इस तरह के महान नामों से जुड़ा हुआ है, जिन्होंने संगीत कला के आगे के विकास को निर्धारित किया है।

साहित्य

क्लासिकवाद के युग की साहित्य ने मन को बढ़ावा दिया, भावनाओं को जीतना। ऋण और जुनून के बीच संघर्ष साहित्यिक कार्य की साजिश का आधार है। कई देशों में भाषा सुधार किए गए हैं और काव्य कला की नींव रखी गई है। दिशा के प्रमुख प्रतिनिधियों - फ्रैंकोइस मैलेर, कॉर्नेल, रसिन। काम का मुख्य रचनात्मक सिद्धांत समय, स्थान और कार्रवाई की एकता है।

रूस में, क्लासिकिज्म ज्ञान के युग के अनुदान के तहत विकसित होता है, जिनमें से मुख्य विचार समानता और न्याय थे। अधिकांश उज्ज्वल प्रतिनिधि रूसी क्लासिकवाद के युग का साहित्य - एम। लोमोनोसोव, जिन्होंने कविताओं की नींव रखी। मुख्य शैली कॉमेडी और व्यंग्य थी। Fonvizin, Kantemir इस लाइन में काम किया।

"स्वर्ण युग" के लिए क्लासिकवाद के युग पर विचार करें नाटकीय कलाजो बहुत गतिशील और सुधार हुआ। रंगमंच काफी पेशेवर था, और मंच पर अभिनेता सिर्फ नहीं खेला गया था, लेकिन वह एक ही समय में खुद को चिंतित, चिंतित रहता था। नाटकीय शैली को घोषणा की कला द्वारा घोषित किया गया था।

व्यक्तित्व

सबसे चमकीले क्लासिकिस्टों में, ऐसे नामों को भी अलग किया जा सकता है:

• जैक्स-एंज गेब्रियल, पाइरेस, जैक्स-जर्मैन सफ़्रो, बाज़ेनोव, कार्ल रॉसी, आंद्रेई वोरोनिखीन, (वास्तुकला);
• एंटोनियो कनोव, टोरवाल्डसन, फेडोट शुबिन, बोरिस ऑर्लोव्स्की, मिखाइल कोज़लोव्स्की (मूर्तिकला);
• निकोला पॉसिसिन, लेब्रिन, एनजीआर (पेंटिंग);
• वोल्टायर, सैमुअल जॉनसन, Derzhanin, Sumarokov, Chemnitzer (साहित्य)।

क्लासिकवाद की वीडियो समीक्षा

निष्कर्ष

क्लासिकिज्म युग के विचारों को आधुनिक डिजाइन में सफलतापूर्वक उपयोग किया जाता है। यह कुलीनता और लालित्य, सौंदर्य और महानता को बरकरार रखता है। मुख्य विशेषताएं एक दीवार चित्रकला, ढेर, स्टुको, प्राकृतिक लकड़ी के फर्नीचर हैं। सजावट थोड़ा सा हैं, लेकिन वे सभी शानदार हैं: मिरर, पेंटिंग्स, बड़े पैमाने पर झूमर। आम तौर पर, शैली और अब मालिक को एक गरीब व्यक्ति से सम्मान के रूप में दर्शाती है।

बाद में भी प्रकट होता है, जिसने एक नए युग के आगमन को चिह्नित किया है। यह कई आधुनिक शैलियों का संयोजन था, जिसमें न केवल क्लासिक, बल्कि बारोक (पेंटिंग में) भी शामिल है, प्राचीन संस्कृति, और पुनर्जागरण का युग।

रूसी अकादमी ऑफ एजुकेशन विश्वविद्यालय

Baroque और क्लासिकवाद की विशेषताएं।

17 वीं शताब्दी की कला में मुख्य शैलियों।

प्रदर्शन: 2 कोर्स का छात्र

पूर्णकालिक डिब्बे

विशेष सांस्कृतिक अध्ययन

याकुबोवा के.एन.

व्याख्याता: मारेवा एन.एस.

मॉस्को 2010

परिचय ................................................. ................................ ... ... 3

1. XVII शताब्दी की संस्कृति की विशेषताएं ......... ... ............................ ..... ... 4

2. xvii शताब्दी के कलात्मक पाठ्यक्रम के रूप में Baroque .............................. ..5

2.1। पूर्वापेक्षाएँ और बारोक विशेषताएं .............................................. ....... 5

2.2। वास्तुकला में बारोक ............................................... .......... ... 6

2.3। साहित्य में बारोक .............................................. ........ .......... 8

2.4। पेंटिंग और मूर्तिकला में बारोक ............................................. .... 9

3. XVII शताब्दी के एक कलात्मक पाठ्यक्रम के रूप में क्लासिकवाद ............... ... ...... ..10

3.1। पूर्वापेक्षाएँ और क्लासिकता की विशेषताएं ............................................ 10

3.2। साहित्य में क्लासिकवाद .............................................. .. .. ... ..... 1 1

3.3। वास्तुकला और पेंटिंग में क्लासिकवाद ....................................... 12

3.4। मूर्तिकला में क्लासिकवाद ............................................... ......... 13

निष्कर्ष ................................................. ............................................... 14

संदर्भ की सूची ............................................... ..................................... 15

परिचय

मेरा थीम परीक्षण कार्य "यूरोपीय में क्लासिकवाद और बारोक संस्कृति xvii। सी।: विचार और अवतार। " इस विषय की पसंद कई कारणों से है:

सबसे पहले, बारोक और क्लासिकिज्म युग के बाद युग के दो सबसे व्यापक और प्रभावशाली कलात्मक प्रवाह हैं।

दूसरा, ये निर्देश प्रकृति में जटिल और दोहरी हैं, जो इस सवाल को सांस्कृतिक ज्ञान में सबसे प्रासंगिक बनाता है।

तीसरा, बैरोक और क्लासिकवाद कला के दुनिया के खजाने में एक उत्कृष्ट योगदान का प्रतिनिधित्व करते हैं, जो उनके ज्ञान में और भी रुचि पैदा करता है।

मेरे काम का उद्देश्य XVII शताब्दी की कला में क्लासिकवाद और बारोक के रूप में इस तरह के निर्देशों का अध्ययन करना है।

लक्ष्य प्राप्त करने के लिए, मुझे कई कार्यों को हल करने की आवश्यकता है:

· XVII शताब्दी की यूरोपीय संस्कृति के विकास के सामान्य पैटर्न पर विचार करें;

निर्दिष्ट अवधि के मुख्य कलात्मक प्रवाह के रूप में बारोक और क्लासिकवाद की विशेषताओं का अन्वेषण करें।

1. XVII शताब्दी की संस्कृति की विशेषताएं

XVII शताब्दी - एक शताब्दी और पोर-पियानो शताब्दी, पास्कल और स्पिनोज़ा, रेम्ब्रांड्ट और मिल्टन, बहादुर नेविगेटर की उम्र, विदेशी देशों के लिए स्थानांतरण, बोल्ड व्यापार, प्राकृतिक परीक्षण का दिन, नैतिकता का नैतिकता - और ... एक शताब्दी विग, 60 के दशक में सबसे बड़ी धूमधाम तक पहुंच गया, एक विग जो प्रत्येक को पहना था - राजा से, व्यापारी से पहले।

XVII शताब्दी गलती से नए समय की अवधि नहीं खोलता है: यह वास्तव में एक नए व्यक्ति, न्यू साइंस, नई कला की एक शताब्दी थी।

यूरोप में, नया समय पूंजीवादी प्रवृत्तियों के गठन और मजबूती में खुद को खोजता है, और इंग्लैंड में पूंजीवाद वास्तविकता में स्पष्ट रूप से अनुमोदित है। एक ही समय पहली बुर्जुआ क्रांति की अवधि, त्रासदी की खोज की और समाज में हिंसक परिवर्तन की अमानवीय, और अपने आयोजकों की क्रूरता की।

वास्तविकता के लिए तर्कसंगत दृष्टिकोण को कहा गया और मजबूत किया गया, दिमाग ने दुनिया में मुख्य भूमिका निभाई। यह मुख्य रूप से प्रयोगात्मक और सैद्धांतिक दोनों के नए विज्ञान के गठन में व्यक्त किया गया था। XVII शताब्दी की वैज्ञानिक उपलब्धियां आधुनिक समय तक मौलिक विज्ञान के आगे के विकास के लिए पूर्वापेक्षाएँ पैदा करती हैं और दुनिया पर एक नए दार्शनिक दृश्य की नींव बनाते हैं।

XVII शताब्दी उत्पादन की बुर्जुआ विधि के गठन में प्रारंभिक अवधि है। यह बेहद जटिल है और यूरोपीय राज्यों के जीवन में युग के विपरीत है। शुरुआती बुर्जुआ क्रांति और निरपेक्ष राजशाही के उदय का युग; वैज्ञानिक क्रांति का समय और काउंटर-प्रोसेसिंग का अंतिम चरण; भव्य, अभिव्यक्तिपूर्ण बरोक और शुष्क, तर्कसंगत क्लासिकवाद का युग।

2. xvii शताब्दी के कलात्मक पाठ्यक्रम के रूप में Baroque

2.1। Baroque पूर्वापेक्षाएँ और विशेषताएं

Baroque (यह barososo अजीब है, फैंसी) - XVI - मध्य-XVIII सदियों के अंत के यूरोप की कला में मुख्य शैली दिशाओं में से एक। यह इटली में उभरा और अधिकांश यूरोपीय देशों में फैल गया। कला के विलय (शहरी और महल-पार्क ensembles, ओपेरा, पंथ संगीत, Oratorio) के लिए दुनिया की शाश्वत अस्थिरता, मजबूत विरोधाभास, भ्रमपूर्ण और वास्तविक संयोजन के लिए, दुनिया की अनन्त अस्थिरता के बारे में नए विचारों में सुधार; साथ ही, व्यक्तिगत शैलियों की स्वायत्तता की प्रवृत्ति (कॉन्सर्टो ग्रोसो, सोनाटा, उपकरण संगीत में सूट)।

बारोक शैली को विपरीतता प्रक्रियाओं से प्रभावित कैथोलिक देशों में अधिमानी वितरण प्राप्त हुआ। सुधार में उत्पन्न प्रोटेस्टेंट चर्च पंथ के बाहरी शानदार पक्ष के लिए बहुत अवांछित था। मनोरंजन और कैथोलिक धर्म की मुख्य चारा में बदल गया, उसकी धार्मिक पवित्रता का त्याग किया गया। कैथोलिक चर्च के लोहन में झुंड की पुनर्भुगतान के लक्ष्य बेहतर होना असंभव है, इसकी कृपा के साथ बारोक शैली, कभी-कभी विस्तारित अभिव्यक्ति, दयनीय, \u200b\u200bकामुक, शारीरिक शुरुआत, छवि के साथ भी काफी स्पष्ट रूप से अपील करना असंभव है चमत्कार, दृश्य, धार्मिक उत्साह।

लेकिन बैरोक का सार कैथोलिक चर्च और सामंती अभिजात वर्ग के स्वाद से व्यापक है, जिसने भव्य और अंधेरे के प्रभावों का उपयोग करने की मांग की, बारोक की विशेषता, शक्ति, धूमधाम और राज्यों की चमक और लोगों के निवास स्थान सिंहासन के करीब।

एक विशेष तीखेपन के साथ बैरोक शैली मानवतावाद के संकट को व्यक्त करती है, अपमानजनक जीवन की भावना, अज्ञात के लिए लक्ष्यहीन आवेग। संक्षेप में, वह बनने की स्थिति में दुनिया को खोलता है, और बुर्जुआ की दुनिया तब दुनिया बन रही थी। और इस दुनिया में खोला हुआ बुर्जुआ दुनिया स्थिरता और व्यवस्था की तलाश में है। दुनिया में दुनिया की स्थिरता का पर्याय उसके लिए विलासिता है, धन। यह पता चला है कि बैरोक शैली एक नाघक्काम को जोड़ती है: महानता - गतिशीलता के साथ, नाटकीय प्रतिभा - दृढ़ता, रहस्यवाद, कल्पना, तर्कहीनता के साथ - सोबिलिटी और तर्कसंगतता के साथ, वास्तव में बर्गर व्यवसायिकता।

XVI-XVII शताब्दियों की बारी पर Baroque कला विकास केंद्र। रोम था। पार्क और पैलेस ensembles, पंथ वास्तुकला, सजावटी पेंटिंग और मूर्तिकला, परेड पोर्ट्रेट, और बाद में, अभी भी जीवन और परिदृश्य, - बारोक कला के मुख्य प्रकार और शैलियों बनें।

2.2। वास्तुकला में बरोक

बारोक आर्किटेक्चर (एल बर्निनी, इटली में एफ। बोरोम्बिनी, रूस में बीएफ। रस्टेलि) के लिए स्थानिक दायरे, श्लेष्म, परिसर की तरलता, आमतौर पर curvilinear रूपों द्वारा विशेषता है। अक्सर बड़े पैमाने पर उपनिवेशों को तैनात किया जाता है, facades पर मूर्तियों की बहुतायत और अंदरूनी, वॉलिशन, बड़ी संख्या में कम-पर्ची, मध्य में एक पलटन के साथ पर्याप्त facades, rustered कॉलम और पायलस्टर्स। गुंबद का अधिग्रहण जटिल रूप, अक्सर वे बहु-स्तरीय होते हैं, जैसे रोम में सेंट पीटर के कैथेड्रल की तरह। बैरोक टीमन (अटलांट), कैरीटिडा, मास्करॉन का विशिष्ट विवरण।

इतालवी वास्तुकला में, बारोक कला का सबसे प्रमुख प्रतिनिधि कार्लो मैडर्न (1556-1629) था, जो व्यवहारवाद के साथ टूट गया और अपनी शैली बनाई। उनकी मुख्य रचना सांता सुसान (1603) के रोमन चर्च का मुखौटा है। बारोक मूर्तिकला के विकास में मुख्य व्यक्ति लोर्नेज़ो बर्नीनी था, जिनकी पहली कृतियों की नई शैली में लगभग 1620 थी। बर्नीनी भी एक वास्तुकार है। यह रोम और अंदरूनी, साथ ही अन्य इमारतों में सेंट पीटर कैथेड्रल स्क्वायर के डिजाइन से संबंधित है। डी फोंटाना, आर आर रोडाल्डी, ग्वरीनी, बी लोंगेन, एल वाविटेलली, पी। हां कॉर्टन द्वारा एक महत्वपूर्ण योगदान छोड़ा गया था। 16 9 3 के एक बड़े भूकंप के बाद सिसिली में, देर से बारोक सिसिलियन बारोक की एक नई शैली दिखाई दी।

सिंटियंसेनिया बैरोक, पेंटिंग, मूर्तियों और वास्तुकला का एक प्रभावशाली विलय सांता मारिया डेला-विटोरिया (1645-1652) के चर्च में कॉर्वोनो कैपेला माना जाता है।

बारोक शैली स्पेन, जर्मनी, बेल्जियम (फिर फ़्लैंडर्स), नीदरलैंड, रूस, फ्रांस में फैल गई। स्पेनिश Baroque, या स्थानीय churriecezko (वास्तुकार Churgeriera के सम्मान में), लैटिन अमेरिका में भी फैल गया। सैंटियागो डी कंपोस्टेला में अपने कैथेड्रल के लिए सबसे लोकप्रिय स्मारक स्पेन के मंदिरों के विश्वासियों द्वारा सबसे अधिक सम्मानित है। लैटिन अमेरिका में, बारोक को स्थानीय वास्तुकला परंपराओं के साथ मिश्रित किया गया था, यह सबसे परिष्कृत संस्करण है, और इसे Ultrabarakko कहा जाता है।

फ्रांस में, बारोक शैली अन्य देशों की तुलना में अधिक मामूली है। पहले यह माना जाता था कि यहां मुझे शैली नहीं मिली, और बारोक स्मारकों को क्लासिकिज्म स्मारक माना जाता था। कभी-कभी वे बैरोक के फ्रेंच और अंग्रेजी वेरिएंट के संबंध में "बारोक क्लासिकिज्म" शब्द का उपयोग करते हैं। अब Versailles पैलेस एक नियमित पार्क के साथ, लक्समबर्ग पैलेस, पेरिस में फ्रांसीसी अकादमी की इमारत, और अन्य, फ्रेंच Baroque के लिए गिना जाता है। उनके पास वास्तव में क्लासिकवाद की कुछ विशेषताएं हैं। Baroque शैली की विशेषता विशेषता बगीचे-पार्क कला में एक नियमित शैली है, जिसका उदाहरण Versailles पार्क है।

2.3। साहित्य में बरोक

बैरोक युग में लेखकों और कवियों ने वास्तविक दुनिया को भ्रम और नींद के रूप में माना। यथार्थवादी विवरण अक्सर उनकी स्पष्ट छवि के साथ संयुक्त होते थे। प्रतीकों, रूपकों, नाटकीय तकनीकों, ग्राफिक छवियों का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है (कविताओं की रेखाएं एक ड्राइंग बनाती हैं), उदारवादी आंकड़ों, एंटीथेसिस, समांतरता, स्नातक, ऑक्सियमन की संतृप्ति। वास्तविकता के लिए एक आशीर्वाद-व्यंग्यात्मक दृष्टिकोण है।

साहित्य के लिए, बारोक को दुनिया की इच्छा के अनुसार, दुनिया, समझ, विश्वकोशवाद के बारे में ज्ञान के योग के लिए एक किस्म की विशेषता है, जो कभी-कभी अराजकता के साथ घूमता है और जिज्ञासा इकट्ठा करता है, जो इसके विपरीत (आत्मा और मांस) में अस्तित्व के अध्ययन के लिए प्रयास करता है, अंधेरा और प्रकाश, समय और अनंत काल)। नैतिकता Barochko रात के प्रतीकों, नाजुकता और अस्थिरता का विषय, एक सपने का सपना (एफ डी Kesvedo, पी। Calderon) के लिए एक टैग द्वारा चिह्नित किया गया है। ज्ञात प्ले कैल्डरन "जीवन एक सपना है।" इस तरह के शैलियों एक हलान-वीर नोवेल (जे। डी Schuderi, एम डी Schuderi) के रूप में विकसित हो रहे हैं, एक असली दोहरी घर और व्यंग्यात्मक उपन्यास (Fyweier, Sh। Soriet, पी। स्केरोन)। बारोक शैली के हिस्से के रूप में, इसकी किस्में पैदा होती हैं, दिशानिर्देश: समुद्रीता, गोंगरिज्म (संस्कृति), रूढ़िवाद (इटली, स्पेन), आध्यात्मिक स्कूल और यूफिज्म (इंग्लैंड)।

उपन्यासों के कार्यों को अक्सर प्राचीन काल की काल्पनिक दुनिया में स्थानांतरित किया जाता है, ग्रीस में, कोर्ट कैवलियर और महिलाओं को चरवाहों और चरवाहों के रूप में चित्रित किया जाता है, जिसमें पादरी (ओनोर डी आईर्फ, एस्ट्री) का नाम मिला। कविता में जटिल रूपकों का उपयोग बढ़ता है। सॉन्नेट, रोन्डो, एक गरीबी (एक छोटी कविता को किसी भी विनोदी विचार व्यक्त करने), मैड्रिगलों जैसे सामान्य रूप हैं।

रोमन क्षेत्र में पश्चिम में, ड्रैम-पी के क्षेत्र में ग्रिमल्सगाइड्स (उपन्यास "simplisisisimus") का एक उत्कृष्ट प्रतिनिधि। काल्डरन (स्पेन)। वी। वुइतूर (फ्रांस), डी। मैरिनो (इटली), डॉन लुइस डी गोंगोरा और अर्जुरम (स्पेन) कविता में प्रसिद्ध हो गए। रूस में, बारोक साहित्य में एस पोलॉथस्की, एफ प्रोकोपोविच, प्रारंभिक एम। लोमोनोसोव शामिल हैं। फ्रांस में, इस अवधि के दौरान "निवारक साहित्य" बढ़ गया। फिर, मुख्य रूप से सैलून मैडम डी रामबौय में खेती की, पेरिस के अभिजात वर्ग सैलून, सबसे फैशनेबल और प्रसिद्ध में से एक।

2.4। पेंटिंग और मूर्तिकला में बारोक

(पीपी रूबेन्स "चेन प्रोमेथियस") (एल बर्नीनी "एनी और अंखिस")

तो, बारोक XVII शताब्दी के यूरोप की कला में मुख्य शैली दिशाओं में से एक है। दुनिया में दुनिया की स्थिरता का पर्याय उसके लिए विलासिता है, धन। अपनी उत्कृष्ट कृतियों के साथ बारोक शैली कला के दुनिया के खजाने में एक उत्कृष्ट योगदान का प्रतिनिधित्व करती है।

3. XVII शताब्दी के एक कलात्मक पाठ्यक्रम के रूप में क्लासिकवाद

3.1। पूर्वापेक्षाएँ और क्लासिकवाद की विशेषताएं

क्लासिकवाद (लैट से। क्लासिकस - अनुकरणीय) - रचनात्मक दिशा जो गठित हुई है कलात्मक विश्वव्यापीयूरोपीय राजतंत्रों के गठन और मजबूती का युग और प्राचीन कला के मानदंडों और नमूने पर निर्भर करता है। क्लासिकवाद यूरोपीय कलात्मक संस्कृति के इतिहास में अवधि और रुझानों को भी संदर्भित करता है, जब प्राचीन कला के रूप सौंदर्य मानक होते हैं।

निरपेक्ष राज्य एक आवर्धक आदेश, सख्त कोडस, प्रभावशाली एकता के विचार को प्रभावित नहीं कर सका। राज्य ने "खुफिया" होने का नाटक किया, संतुलन, एकजुट, वीरतापूर्वक ऊंचा सिद्धांत देखने के लिए मांगा। इसके विपरीत, क्लासिकिज्म ने जीवन की एक उचित सामंजस्यपूर्ण प्रणाली की इच्छा व्यक्त की, और ये इच्छाएं न केवल सम्राटम, बल्कि लोकप्रिय चेतना के लिए निहित थीं, दुनिया के शांति, देश के अपने आदर्शों के साथ। क्लासिकवाद के आकर्षक पक्ष के अलावा, उनके नैतिक पथों ने किया, नागरिक अभिविन्यास।

क्लासिकवाद के सौंदर्यशास्त्र नकली पर केंद्रित है क्लासिक नमूने: उनके लिए निर्णायक कला प्रकृति की नकल पर अरिस्टोटेलियन थीसिस है, यह तीन इकाइयों के बारे में एक प्राचीन रंगमंच का एक महत्वपूर्ण सिद्धांत साझा करता है - स्थान, समय और क्रिया। लेकिन वास्तव में, यह आर डेकारा के तर्कसंगत दर्शन पर आधारित है। क्लासिकवाद निरपेक्ष फ्रांस में व्यापक रूप से व्यापक था, साथ ही कई अन्य देशों (इटली, जर्मनी, इंग्लैंड) में भी व्यापक था।

क्लासिकिज्म XVII शताब्दी। यह फ्रांसीसी निरपेक्ष राज्य की महान संस्कृति से निकटता से जुड़ा हुआ था। इस अवधि के दौरान, कुछ नियमों और नियमों के अनुपालन की कला से मांग, एक नियामक सौंदर्यशास्त्र का गठन किया गया था। कलात्मक छवियां क्लासिकवाद अभिव्यक्ति की तार्किकता और सामंजस्य से प्रतिष्ठित था; वे उचित रूप से व्यवस्थित थे, तार्किक रूप से निर्मित और एक नियम के रूप में, व्यक्तिगत लक्षणों से वंचित हैं। रचनात्मकता के सख्त नियमों की स्थापना एक है विशेषणिक विशेषताएं क्लासिकवाद के सौंदर्यशास्त्र। कलाकृति को स्वाभाविक रूप से उभरा जीव के रूप में नहीं माना गया था, बल्कि एक निश्चित कार्य और उद्देश्य के साथ योजना के अनुसार एक व्यक्ति के हाथों से बनाई गई कृत्रिम, निर्मित एक काम के रूप में।

सबसे समग्र सांस्कृतिक और सौंदर्य कार्यक्रम ने फ्रांसीसी क्लासिकवाद का गठन किया है। इसकी विचारधारात्मक नींव तर्कवाद रेने डेस्कार्टेस (15 9 6-1650) थी।

3.2। साहित्य में क्लासिकवाद

क्लासिकवाद के कवि के संस्थापक फ्रांसीसी मालेहेरब फ्रांसीसी (1555-1628) हैं, जो सुधार कर रहे हैं फ्रांसीसी और कविता और विकसित काव्य कैनन। ट्रैगिका कॉर्नेल और रसिन (1639-169 9) नाटक (1639-169 9) में क्लासिकिज्म के प्रमुख प्रतिनिधि थे, रचनात्मकता का मुख्य उद्देश्य सार्वजनिक ऋण और व्यक्तिगत जुनून के बीच संघर्ष था। पियरे कॉर्नेल ने कविता कॉमेडीज "मेलिता, या गरीबी पत्र" (1629, एड। 1633), "विधवा, या दंडित गद्दार" (1631-1632) और अन्य, छंदों में "एलईडी" (1637), होरेस त्रासदियों (1641) में tragicomedy , "क्विन्ना, या अगस्त की दया" (1643) और अन्य। जीन रैसिना "एंड्रोमहा" की त्रासदी निराशाजनक मध्यस्थता के विरोध के वीरता व्यक्त करती है। फेड्रा की त्रासदी अलग है ऊंची स्तरों नायिका के व्यक्तित्व के विवरण में मनोवैज्ञानिक।

उच्च विकास ने "लो" जेनर-बास (जे लाफोंडटेंना), व्यंग्य (बुओस्टोन), कॉमेडी (मोलिएयर 1622-1673) भी हासिल किया। फ्रांसीसी लेखक जीन डी लाफॉन्टन को फेयरी टेल्स, कॉमेडीज़, फैबल्स, व्यंग्यपूर्ण फ्रांस में व्यंग्यात्मक रूप से प्रतिबिंबित जीवन के लेखक के रूप में जाना जाता है।

फ्रेंच नाटककार जीन-बैटिस्ट मोलियर ने अपनी नाटकों शैली में विकसित किया लोगों की कॉमेडी, कुलीनता की आलस्य और पूर्वाग्रह का आकलन करना। उनके नायक सामान्य भाषा बोलते हैं। सैद्धांतिक रूप में कॉमेडी "नोबिलिटी में मोटोमन" में तीसरी संपत्ति के प्रतिनिधि को दर्शाता है, जो महानतम रूप से जैसा दिखना चाहता था। मोलिएरे ने महान आलस्य, अहंकार (डॉन जुआन), करुणा ("स्टिंगी"), चर्च का जप (टार्टफ) का उपहास किया। नकारात्मक अक्षर मोलिएयर के अन्य पात्रों का विरोध किया जाता है - लोगों के संसाधनपूर्ण, मजाकिया लोग। नास्तिकता और उदारता के लिए आधिकारिक मंडलियों द्वारा उनके डॉन जुआन का उत्पादन निंदा की गई थी।

बुओया पूरे यूरोप के लिए प्रसिद्ध हो गए क्योंकि "पारनास के विधायक" के रूप में, सबसे बड़ा सैद्धांतिक क्लासिकिज्म ने काव्यात्मक ग्रंथ "काव्य कला" में अपने विचार व्यक्त किए। यूके में उनके प्रभाव में, कवियों जॉन ड्रायडेन और अलेक्जेंडर पाइपोप थे, जिन्होंने अलेक्जेंड्रिना की ब्रिटिश कविता का मुख्य रूप बनाया था। के लिये अंग्रेजी गद्य क्लासिकिज्म (एडिसन, स्विफ्ट) का युग भी एक लैटिज़्ड सिंटैक्स द्वारा विशेषता है।

3.3। वास्तुकला और चित्रकारी में क्लासिकवाद।

(पोट्सडैम शहर के आसपास के वास्तुशिल्प परिसर) (लेटन फ्रेडरिक "लड़की")

3.4। मूर्तिकला में क्लासिकिज्म

(जे। हाडॉन "वोल्टायर मूर्तिकला")

निष्कर्ष।

अपने काम के समापन में, मैं महत्वपूर्ण निष्कर्ष निकाल सकता हूं।

XVII शताब्दी यूरोपीय राज्यों के जीवन में युग के विपरीत एक बेहद जटिल और विपरीत है। इस अवधि के दौरान नामांकित - प्रारंभिक बुर्जुआ क्रांति की अवधि, निरपेक्ष राजशाही के उदय, वैज्ञानिक क्रांति, कला में ऐसी शैलियों को बरोक और क्लासिकिज्म के रूप में हैं।

बारोक को केवल एक कलात्मक शैली के रूप में नहीं माना जा सकता है, यह शांति और दुनिया के साथ दृष्टिकोण का एक विशेष तरीका है। यह XVII शताब्दी की मानवतावाद, सामाजिक और राजनीतिक उथल-पुथल के आदर्शों के संकट से जुड़ा हुआ है।

Baroque की तरह क्लासिकवाद, XVII शताब्दी की पूरी संस्कृति में immanently अंतर्निहित था। यदि अपने धन और संवेदनाओं की विविधता के साथ बरोक, दुनिया के कामुक ज्ञान, तो क्लासिकिज्म को तर्कवादी स्पष्टता की आवश्यकता होती है, जो पूरे हिस्से पर विघटन के लिए एक आदेशित विधि और उनमें से प्रत्येक पर लगातार विचार करता है।

मेरे परीक्षण कार्य का उद्देश्य XVII शताब्दी की मुख्य शैलियों के रूप में क्लासिकवाद और बारोक का अध्ययन था। पहले अध्याय में लक्ष्य प्राप्त करने के लिए प्रस्तुत किया गया था सामान्य विशेषताएँ निर्दिष्ट अवधि की संस्कृति। दूसरे और तीसरे अध्याय में, मैंने कला के विभिन्न दिशाओं में बारोक और क्लासिकवाद की शैली की दिशाओं की विशेषताओं को प्रकट करने के लिए पूरी तरह से प्रयास किया: चित्रकारी, वास्तुकला, साहित्य, मूर्तिकला। संक्षेप में, मैं कह सकता हूं कि काम का लक्ष्य हासिल किया जाता है।

तो, बारोक और क्लासिकिज्म XVII शताब्दी के यूरोप की कला में मुख्य शैली दिशाओं में से एक हैं। वे विश्व कला ट्रेजरी में एक उत्कृष्ट योगदान पैदा करते हैं

ग्रन्थसूची

1. DRAC G.V. "सांस्कृतिक विज्ञान: ट्यूटोरियल उच्च शैक्षिक संस्थानों के छात्रों के लिए »रोस्तोव ऑन डॉन 1999

2. Kravchenko ए I. "सांस्कृतिक विज्ञान (विश्वविद्यालयों के लिए ट्यूटोरियल)" एम 2003

3. n.v.shishova, t.v.akulich, m.i.buko (ed। N.v.shishova।) "इतिहास और संस्कृति विज्ञान" एम। 2000

चार। " यूरोपीय इतिहास 17 वीं शताब्दी "एम 2005

कला में I. वास्तुकला XVIII। सदियों ने दो मौलिक शैलियों - बारोक और क्लासिकवाद पर प्रबल किया। उन्होंने एक युग में लंबे समय तक गलती से सह-अस्तित्व में नहीं किया। असंभव है कि उनके घनिष्ठ संबंधों को ध्यान न दें, हालांकि विशेषताओं की एक विशिष्ट दिशा में अंतर्निहित विशेषताओं की विशेषता भी की जांच की जाएगी। बारोक और क्लासिकवाद और चित्र या भवन को देखने के लिए क्या अंतर है, वे किस शैली से संबंधित हैं?

परिभाषा

बरोक- कलात्मक शैली, इटली में पैदा हुई और यूरोपीय कला में XVIII शताब्दी के बीच तक आम है।

बरोक

क्लासिसिज़म- कलात्मक शैली, यूरोप की कला की विशेषता और विशेष रूप से XVIII शताब्दी के दूसरे छमाही में उज्ज्वल रूप से प्रकट हुई।

तुलना

बारोक और क्लासिकवाद - प्रतिद्वंद्वी निर्देश, हालांकि उनके पास बहुत कुछ है सामान्य लानतआखिरकार, वे एक युग में गठित किए गए थे।

निष्कर्ष साइट

1. Baroque विहित और रूपों की गतिशीलता से प्रतिष्ठित है। क्लासिकवाद, सभी भागों के सद्भाव और संतुलन के लिए विशेषता है।
2. Baroque लक्जरी, विलासिता, चमक, छिड़काव, नाजुकता, समृद्ध खत्म रखता है। क्लासिकिज्म लाइनों की संयम और सादगी की सराहना करता है, सजावट का उपयोग बहुत साफ किया जाता है।
3. बारोक स्थानिक भ्रम, अनुपात विकृत करने और पैमाने देने का उपयोग करता है। क्लासिकिज्म प्राचीन परंपरा में उत्पन्न अनुपात की सद्भाव पर आधारित है।