Sanat dünyasının ana fikri. LS Bychkova

TARİHSEL BİLGİ "World of Art", Rus sanat derneği. 1890'ların sonlarında kuruldu. A. N. Benois ve S. P. Diaghilev başkanlığındaki genç sanatçılar ve sanatseverlerden oluşan bir çember temelinde Petersburg. 1904 yılına kadar World of Art dergisinin himayesinde orijinal haliyle bir sergi birliği olarak varlığını sürdürdü; genişletilmiş bir kompozisyonda, ideolojik ve yaratıcı birliğini kaybetmiş, ustaların çoğunda “M. Ve." Rus Sanatçılar Birliği üyesiydi. Ana çekirdeğe ek olarak (L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lancers, A. P. Ostroumova-Lebedeva, K. A. Somov), “M. Ve." Petersburg ve Moskova ressamları ve grafik sanatçıları (I. Ya. Bilibin, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar, K. A. Korovin, B. M. Kustodiev, N. K. Roerich, V. A. Serov ve diğerleri) dahil. Sergilerde "M. Ve." M. A. Vrubel, I. I. Levitan, M. V. Nesterov ve bazı yabancı sanatçılar katıldı.

SANAT DÜNYASI DERGİSİ Mir Iskusstva sanat derneği, 19. ve 20. yüzyılın başında aynı adlı bir dergi çıkararak kendisini duyurdu. "World of Art" dergisinin ilk sayısının 1898'in sonunda St. Petersburg'da yayınlanması, Alexander Nikolaevich Benois () başkanlığındaki bir grup ressam ve grafik sanatçısı arasındaki on yıllık iletişimin sonucuydu.

FİKİR TEMELİ ana fikir dernek, seçkin patron ve sanat uzmanı Sergei Pavlovich Diaghilev'in () makalesinde ifade edildi () " zor sorular. Hayali düşüşümüz. Ana hedef artistik yaratıcılık güzellik ilan edildi ve güzellik her ustanın öznel anlayışında. Sanatın görevlerine yönelik bu tutum, sanatçıya temaları, görüntüleri ve nesneleri seçmede mutlak özgürlük verdi. ifade aracı Rusya için oldukça yeni ve alışılmadık bir durumdu.

Benois ve Diaghilev etrafında birleşen ustalar için büyük önem taşıyan Sembolist yazarlarla işbirliğiydi. Derginin 1902'deki on ikinci sayısında şair Andrei Bely, "Sanat Biçimleri" adlı bir makale yayınladı ve o zamandan beri sayfalarında en büyük sembolist şairler düzenli olarak yayınlandı.

ALEXANDER BENOIS Benois'nın en iyi grafik çalışmaları; bunların arasında A. S. Puşkin'in "Bronz Süvari" (gg.) Şiirinin illüstrasyonları özellikle ilgi çekicidir. Petersburg, tüm döngünün ana "kahramanı" haline geldi: sokakları, kanalları, mimari şaheserleri ya ince çizgilerin soğuk ciddiyetinde ya da parlak ve karanlık noktaların dramatik kontrastında ortaya çıkıyor. İÇİNDE doruk trajedi, Eugene zorlu devden, Peter'ın bir anıtından koşarak peşinden koştuğunda, usta şehri koyu, kasvetli renklerle boyar.

LEON BAKST Tiyatro performanslarının tasarımı, Lev Samuilovich Bakst'ın çalışmalarındaki en parlak sayfadır ( gerçek ad Rosenberg ;) En ilginç eserleri, Paris'teki Rus Mevsimlerinin opera ve bale yapımlarıyla ilişkilidir. Diaghilev tarafından düzenlenen bir tür Rus sanatı festivali.

LEON BAKST Bağımsız grafik çalışmaları haline gelen kostüm eskizleri özellikle dikkat çekicidir. Sanatçı, dansçının hareket sistemine odaklanarak kostümü çizgiler ve renklerle modelledi, dansın kalıbını ve müziğin doğasını ortaya çıkarmaya çalıştı. Eskizlerinde görüntünün keskinliği, bale hareketlerinin doğasına dair derin bir anlayış ve inanılmaz zarafet dikkat çekicidir.

DÜNYA SANATÇILARI VE ROKOKO "Sanat Dünyası"nın pek çok ustası için ana temalardan biri, kayıp ideal dünyaya özlem duyarak geçmişe seslenmekti. Favori dönem, 18. yüzyıl ve her şeyden önce Rokoko dönemiydi. Sanatçılar, eserlerinde sadece bu zamanı yeniden canlandırmaya çalışmakla kalmadılar, Fransız ressamlar Antoine Watteau ve Honore Fragonard ile yurttaşları Fyodor Rokotov ve Dmitry Levitsky'nin çalışmalarını yeniden keşfederek, halkın dikkatini 18. yüzyılın gerçek sanatına çektiler.

KONSTANTIN SOMOV Konstantin Andreevich Somov'un () eserlerinde rokoko motifleri özel bir ifadeyle ortaya çıktı. Sanat tarihine erken katıldı (sanatçının babası Hermitage koleksiyonlarının küratörüydü). Sanat Akademisi'nden mezun olduktan sonra genç usta, eski resim konusunda büyük bir uzman oldu.

KONSTANTIN SOMOV Somov, resimlerinde onun tekniğini zekice taklit etti. Çalışmalarının ana türü, "cesur sahne" temasının varyasyonları olarak adlandırılabilir. Nitekim sanatçının tuvallerinde Watteau karakterleri, muhteşem elbiseler ve peruklar içindeki hanımlar, maskeler komedisinin oyuncuları yeniden hayat buluyor gibi. Gün batımı ışığının okşayıcı parıltısıyla çevrili parkın sokaklarında flört ediyor, flört ediyor, serenatlar söylüyorlar.

KONSTANTIN SOMOV Somov, geçmişe olan nostaljik hayranlığını özellikle kadın imgeleriyle incelikle ifade etmeyi başardı. Ünlü eser "Lady in Blue" (gg.) Çağdaş usta sanatçı E. M. Martynova'nın portresi. Eski moda giyinmiş ve şiirsel bir manzara parkının zemininde tasvir edilmiştir. Resim tarzı, Biedermeier stilini zekice taklit ediyor. Ancak kadın kahramanın görünüşünün bariz maraziliği (Martynova kısa süre sonra tüberkülozdan öldü) şiddetli bir özlem duygusu uyandırır ve manzaranın pastoral yumuşaklığı gerçek dışı görünür, yalnızca sanatçının hayal gücünde var olur.

NICHOLAS RERICH Rus ressam, filozof, mistik, bilim adamı, yazar, gezgin, arkeolog, halk figürü, mason, şair, öğretmen. Yaklaşık 7.000 tablonun yaratıcısı (çoğu ünlü galeriler dünya) ve yaklaşık 30 Edebi çalışmalar Roerich Paktı fikrinin yazarı ve başlatıcısı, "Kültür Yoluyla Barış" ve "Barış Bayrağı" uluslararası kültürel hareketlerinin kurucusu.

NICHOLAS RERICH Sanat insanlığı birleştirecek. Sanat birdir ve bölünmezdir. Sanatın dalı çoktur ama kökü birdir... Güzelliğin hakikatini herkes hisseder. Ayazmanın kapıları herkese açılmalıdır. Sanatın ışığı sayısız kalbi aydınlatacak yeni aşk. İlk başta bu duygu bilinçsizce gelecek ama sonrasında tüm insan bilincini arındıracaktır. Kaç tane genç kalp güzel ve doğru bir şey arıyor. Onlara ver. Sanatı ait olduğu yerde insanlara verin.

KONTROL SORULARI (DEVAMI) 7 - ZINAIDA GIPPIUS'UN PORTRESİNİ KİM YAZDI? 8-OPERA VE BALE İSTASYONLARIYLA İLGİLİ ÇALIŞMALARIYLA KİMLER ÜNLÜYDÜ? 9 - "Gökkuşağı Şarkıcısı" Kime Denirdi? 10 - KAHİNİN, GURU'NUN İTİBARINI KİM KAZANDI? 11 - İSİM ROSENBERG'İN ADI.

"Sanat Dünyası" "Sanat Dünyası"

(1898–1904; 1910–1924), St.Petersburg sanatçıları ve kültürel figürlerinden oluşan bir dernek (A.N. Benoit, K.A. Somov, L.S. Bakst, M.V. Dobuzhinsky, O. Lansere, VE BEN. Golovin, VE BEN. Bilibin, Z. E. Serebryakova, B. M. Kustodiev, N.K. Roerich, SP Diaghilev, D. V. Philosophers, V. F. Nouvel, vb.), aynı isimli dergiyi yayınladı. Yazarlar ve filozoflar D. S. Merezhkovsky, N. M. Minsky, L. I. Shestov, V. V. Rozanov dergiyle işbirliği yaptı. Programatik edebi ve görsel malzemesi, dönemin sanat hareketine öncülük etme arzusuyla World of Art, Rusya için yeni bir süreli yayın türüydü. İlk sayısı Kasım 1898'de yayınlandı. Kapağından yazı karakterine kadar her dergi ayrılmaz bir sanat eseriydi. Yayını sübvanse etti ünlü patronlar Sİ. mamutlar ve Prenses M. K. Tenisheva, ideolojik yönelimi Diaghilev ve Benois'in makaleleriyle belirlendi. Dergi 1904 yılına kadar yayınlandı. World of Art uzmanlarının faaliyetleri sayesinde kitap tasarlama sanatı da benzeri görülmemiş bir gelişme yaşıyor.

Daha sonra derneğin çekirdeğini oluşturan sanatçılar topluluğu, 1880'ler ve 1890'ların başında şekillenmeye başladı. Resmi olarak, "Sanat Dünyası" derneği ancak tüzüğünün hazırlandığı ve bir idari komite seçildiği 1900 kışında şekillendi (A. N. Benois, S. P. Diaghilev, V. A. serov) ve 1904 yılına kadar varlığını sürdürdü. Sanatsal yaşam reformcuları misyonunu bilinçli olarak üstlenen World of Arts, aktif olarak karşı çıktı. akademisyenlik ve sonra gezginler. Bununla birlikte, Benois'ya göre, 19. yüzyılın "gerçek idealizm birikimleri" ve "insani ütopyası" her zaman yakın kaldılar. Önceki sanatta, Sanat Dünyası geleneğe her şeyden çok değer veriyordu. romantizm, mantıklı bir sonuç olarak sembolizm Rusya'da oluşumunda doğrudan yer aldıkları.

Yabancı sanata olan ilgilerinin artmasıyla birlikte birçok World of Arts edebiyat ve sanat ortamında Batılı olarak itibar kazanmıştır. "World of Art" dergisi düzenli olarak Rus halkını şövale ve uygulamalı tipler hem eski hem de modern yabancı ustaların eserleri (İngiliz Ön-Rafaelciler, P. Puvis de Chavannes, grubun sanatçıları " Nebiler" ve benzeri.). World of Art çalışanları çalışmalarında ağırlıklı olarak Alman sanat kültürüne odaklandılar. Ulusal tarihte, 18. yüzyıl dönemi, gelenek ve göreneklerinden etkilendiler. 18. yüzyılın kültüründe - 19. yüzyılın ilk üçte biri. Sanat Dünyası, sonraki tüm Rus tarihinin gizemlerini çözmek için şiirsel bir anahtar arıyordu. Kısa süre sonra "geriye dönük hayalperestler" olarak adlandırıldılar. Sanatçılar, geçmiş dönemlerin şiirsel aromasını hissetme ve Rus kültürünün "altın çağı" rüyasını yaratma konusunda özel bir yeteneğe sahipti. Çalışmaları izleyiciye şenlikli, teatral bir hayatın (mahkeme törenleri, havai fişekler) heyecan verici cazibesini aktarıyor, tuvaletlerin, perukların, sineklerin ayrıntılarını doğru bir şekilde yeniden yaratıyor. Miriskusniki, sofistike bayanlar ve bayların karakterlerle bir arada yaşadığı parklarda sahneler yazıyor. italyan komedisi dell'arte - Harlequins, Columbines, vb. (K. A. Somov. "Harlequin ve Ölüm", 1907). Geçmişten büyülenerek, geçmişe dönmenin imkansızlığını fark ederek, onun hayalini hüzünlü melankoli ve ironi ile birleştirirler (K. A. Somov. "Akşam", 1902). Resimlerindeki karakterler yaşayan insanlara değil, tarihi bir performansı canlandıran kuklalara benziyor (A.N. Benois. The King's Walk, 1906).

Sergilerinde eski ustaların eserlerini sergileyen World of Arts, aynı zamanda sanatta çığır açan ressam, heykeltıraş ve grafik sanatçılarını da kendilerine çekmeye çalıştı. "World of Art" dergisinin beş sergisi 1899-1903'te St. Petersburg'da düzenlendi. Sergiler, World of Art sanatçılarının resim ve çizimlerine ek olarak, 19. ve 20. yüzyılın başındaki önemli Rus ustalarının eserlerini de içeriyordu. (M. A. Vrubel, V. A. Serova, K. A. Korovin, F.A. Malyavin ve benzeri.). Fuarlarda ürünlere özel yer verildi Sanat ve El işi dernek üyelerinin eserlerinde "saf" güzelliğin tezahürünü gördüğü. Sanat hayatında önemli bir olay, Diaghilev tarafından St. Petersburg'daki Tauride Sarayı'nın salonlarında düzenlenen görkemli “Rus Portrelerinin Tarih ve Sanat Sergisi” idi (1905).
1910'da "World of Art" adı altında sergiler yeniden ortaya çıktı (1924'e kadar Rusya'da devam etti; bu tabela altındaki son sergi, devrimden sonra birçok World of Art sanatçısının göç ettiği Paris'te 1927'de gerçekleşti). Ancak, yalnızca ad onları önceki sergilerle birleştirdi. Derneğin kurucuları, yeni nesil ressamların sanat yaşamında başrollerini üstlenmelerine yol açmıştır. Birçok World of Art üyesi yeni bir organizasyona katıldı - Rus Sanatçılar Birliği, Muskovitlerin inisiyatifiyle yaratıldı.

(Kaynak: "Art. Modern Illustrated Encyclopedia." Prof. A.P. Gorkin'in editörlüğünde; M.: Rosmen; 2007.)

Diğer sözlüklerde "Sanat Dünyası" nın ne olduğunu görün:

"Sanat Dünyası"- "Sanat Dünyası", sanat derneği. 1890'ların sonlarında kuruldu. (tüzük 1900'de onaylandı), A. N. Benois başkanlığındaki genç sanatçılar, sanat tarihçileri ve sanatseverlerden oluşan bir çevre ("kendi kendine eğitim topluluğu") temelinde ve ... ...

Rus Sanat Derneği. 1890'ların sonlarında kuruldu. (resmi olarak 1900'de), A. N. Benois ve S. P. Diaghilev başkanlığındaki genç sanatçılar ve sanatseverlerden oluşan bir çevre temelinde. Mir dergisi himayesinde sergi birliği olarak ... ... Sanat Ansiklopedisi

- "Sanat Dünyası", Rus sanat derneği. 1890'ların sonlarında kuruldu. (resmi olarak 1900'de), A. N. Benois ve S. P. Diaghilev başkanlığındaki genç sanatçılar ve sanatseverlerden oluşan bir çevre temelinde St. Petersburg'da. altında bir sergi birliği olarak ... ...

1) sanatsal dernek. 1890'ların sonlarında kuruldu. (tüzük 1900'de onaylandı), A. N. Benois ve S. P. Diaghilev başkanlığındaki genç sanatçılar, sanat tarihçileri ve sanatseverler çemberi (“kendi kendine eğitim topluluğu”) temelinde. Nasıl … Petersburg (ansiklopedi)

"Sanat Dünyası"- "Sanat Dünyası", "Sanat Dünyası" ve (1903'e kadar) sembolist yazarların resimli edebiyat ve sanat dergisi. 1899-1904'te yayınlandı (1901'e kadar 2 haftada bir, 1901'den ayda bir). Yayıncı M. K. Tenisheva ve S. I. Mamontov (... Ansiklopedik referans kitabı "St. Petersburg"

Sanat Dünyası: Sanat dünyası (sosyoloji), sanatsal yaratım veya sanat eserlerinin yaratılması, tüketilmesi, depolanması, dağıtılması, eleştirisi ile ilgilenen bir dizi insandır. Sanat dünyası (organizasyon) sanatsal ... ... Wikipedia

- "World of Art", resimli edebiyat ve sanat dergisi, "World of Art" derneğinin bir organı ve sembolist yazarlar. 1898/99 1904'te St.Petersburg'da yayınlandı (1901'e kadar 2 haftada bir, 1901'den aylık). Yayıncılar 1899 Şehzadeler M.K. ... ... Büyük Sovyet Ansiklopedisi

Resimli edebiyat ve sanat dergisi, World of Art ve (1903'e kadar) sembolist yazarlar derneğinin bir organı. 1898/99 1904'te St. Petersburg'da yayınlandı. Yayıncılar M. K. Tenisheva ve S. I. Mamontov (1899'da), ardından S. P. Diaghilev (şef ... ... Sanat Ansiklopedisi

- "WORLD OF ART", Rus sanat derneği (1898 1924), A. N. Benois (bkz. BENOIS Alexander Nikolaevich) ve S. P. Diaghilev (bkz. DIAGILEV Sergei Pavlovich) tarafından St. Petersburg'da kuruldu. "Saf" sanat ve "dönüşüm" sloganlarını ortaya atan ... ... ansiklopedik Sözlük

A. N. Benois ve S. P. Diaghilev tarafından St. Petersburg'da kurulan Rus Sanat Derneği (1898 1924). Sloganlar ileri sürmek Saf sanat ve hayatın sanatla dönüşümü, World of Art temsilcileri hem akademiyi hem de ... ... Büyük Ansiklopedik Sözlük

- "WORLD OF ART", 1899'dan 1904'e kadar St. Petersburg'da yayınlanan resimli bir sanat dergisi. 1899'da derginin yayıncıları Prince idi. M. K. Tenisheva ve S. I. Mamontov, editör S. P. Diaghilev. İkincisi, 1900'den başlayarak tek olur ... ... edebiyat ansiklopedisi

Kitabın

• Sanat Dünyası. 1898-1927, G. B. Romanov, Bu yayın, "Sanat Dünyası" derneğinin tarihindeki 30 yıllık döneme adanmıştır. Yayın portreler, biyografiler ve sanatçıların eserlerini içerir. Bu ansiklopediyi hazırlarken… Kategori: Rus sanatının tarihi Yayımcı:

Sembolizm ve modernitenin sanatsal ideallerini bünyesinde barındıran World of Art derneği, kendi özlemlerinin aksine avangardın oluşumunda önemli bir rol oynadı. Sanat Dünyası ile avangart sanatçılar arasında var olan çatışmaya rağmen (en çarpıcı örnek A.N. Benois ve D.D. Burliuk arasındaki gazete tartışmasıdır), iki fenomen arasındaki tarihsel ve sanatsal düzeydeki ilişki açıktır.

Rusya'nın modern Batı sanatı ile tanışması, World of Art'ın faaliyetleri sayesinde gerçekleştirildi. Süreç, S.P. Diaghilev'in İngiliz, Alman, İskandinav ve Fin sanatçılarının sergilerini düzenlediği 1897-1898 gibi erken bir tarihte başladı.

"Sanat Dünyası"nın bir sonraki adımı daha cüretkardı. 1899 yılında ilk uluslararası sergi Avrupa'nın ünlü sanatçılarının eserlerinin yer aldığı derginin sayısı. Sergiyi düzenleyenler çağdaş dünya sanatına karşı gönülsüz bir tavır almaya devam etseler de, davet edilen yabancı sanatçıların genel kompozisyonu oldukça çeşitliydi. İtibaren fransız izlenimciler seçim Claude Monet, Auguste Renoir ve Edgar Degas'a düştü; Art Nouveau'ya, akademiye ve gerçekçiliğe şu ya da bu şekilde yakın başka ustalar da vardı. Sergide Paul Cezanne, Vincent van Gogh ve Paul Gauguin'e ait eser yoktu. İngiliz grubu Frank Brangwyn ve Amerikalı James Whistler tarafından temsil edildi. Alman (Franz von Lenbach ve Max Liebermann), İsviçreli (Arnold Böcklin) ve İtalyan (Giovanni Boldini) sanatçıların eserleri vardı. Seçimin iyi bilinen tek taraflılığına rağmen, üyeleri - kendi kabullerine göre - İzlenimcileri, Cezanne'ı, Gauguin'i ve sonun diğer en önemli ustalarını "görmezden gelen" "Sanat Dünyası" nın belirli bir yönelimi tarafından dikte edildi. 19. yüzyıl, bu sergi yeni Avrupa sanatının topraklarında belirleyici bir atılım oldu.

World of Art'ın ustalarına gelince, aynı zamanda Avrupa sergi sitelerinde belirli pozisyonlar kazanmaya başladılar. 1890'ların ortalarında Benois, Münih Secession'un liderlerinden birinden sergilerden birinde özel bir Rus bölümü düzenleme teklifi aldı. 1900'lü yıllarda Rus sanatçıların yabancı sergilere girme süreci yaşandı. Almanya'da en popüler Rus sanatçılardan biri, 1901–1902'de Viyana ve Berlin Secessions'da sergilenen K.A. Somov'du, kişisel sergisi 1903'te Hamburg'da açıldı ve onunla ilgili ilk monografi 1907'de Berlin'de yayınlandı. "Sanat Dünyası" nın bir diğer lideri L. S. Bakst, 1890'ların sonlarından itibaren Münih Secession'a katıldı, 1904'te Paris'te sergiledi ve çalışmalarını Grand Palais'de sergiledi; başarı, 1910'larda Paris ve Londra'daki Diaghilev girişimine ve kişisel sergilerine katıldıktan sonra geldi.

Aynı zamanda World of Art ile birlikte sergilerinde son trend sanatçıların eserleri yer almaya başladı. Şubat-Mart 1906'da, 1910'da World of Art topluluğunun resmi olarak kurulmasından önce, Diaghilev aynı adla bir sergi düzenledi. Larionov, kardeşler V.D. ve N.D. Milioti, N.N. Sapunov, A.G. Yavlensky.

1910'ların başında World of Art, yeni sanata belirli bir açıklık gösteriyor. Böylece, Jack of Diamonds'ın 1910'daki başarısından sonra, temsilcilerinden bazılarının World of Art sergilerinin katılımcıları olduğu ortaya çıktı (P.P. Konchalovsky, A.V. Lentulov, I.I. Mashkov, A.A. Morgunov, V.V. Rozhdestvensky , R.R. Falk, Burliuk kardeşler) . 1910-1911'de N.S. Goncharova, Larionov, P.V. Kuznetsov, M.S. Saryan, G.B. Yakulov World of Art sergilerine katıldı. Basın buna kızdı. "Kendilerini solcu ilan eden ve Diaghilev'in "Sanat Dünyası" bayrağını yükselten haber sergisinin katılımcıları ... "anarşistleri" davet ettiler" ( Sabahın erken saatleri. 1911. Sayı 47. 27 Şubat C.5). "Sanat Dünyası" yok ve onun yerine - "Sanat Dünyası" nın küçük soluk bir dalı olan "Karo Jack". Misafirler<...>evdeki gibi, o kadar havalı bir şekilde yerleşti ki, sahiplere neredeyse hiç yer kalmadı ”(S. Glagol. World of Art // Stolichnaya söylentisi. 1911. No. 217. Aralık 5. S.3).

World of Art'ın Moskova sergisine (Kasım-Aralık 1912) yalnızca Goncharova, Larionov ve Yakulov katıldı (onlar da Ocak-Şubat 1913'te St. Petersburg sergisinde sergilendiler). Diamonds üyeleri Mashkov ve Lentulov, Jack of Diamonds genel kurulunun kararıyla katılmayı reddettiler. "Sanat Dünyası" Moskova sergisi (Aralık 1913 - Ocak 1914) toplandı büyük miktar Sol sanatçılar: N.I. Altman ve A.V. Shevchenko, Goncharova, Larionov ve Yakulov'a eklendi. VE Tatlin, organizatörlerle anlaşma yapmadan "Picturesque Relief" sergiledi.

1915-1916'daki World of Art sergilerinde fütüristlerin (sol sanatçıların eleştirmenlerinin dediği gibi) kompozisyonu biraz değişti: 1915'te solcular L.A. Bruni, P.V. Miturich ve N.A. 1916 - K.L. Boguslavskaya, Konchalovsky, Mashkov, V.M. Khodasevich ve Yakulov.

Mart 1916'da Konchalovsky ve Mashkov, Jack of Diamonds'tan ayrıldı ve World of Art topluluğunun üyeleri oldu. Aynı yıl Goncharova topluluğa katıldı. Bu gerçekler, bir zamanlar muhalif olanların asimilasyonuna tanıklık etti. sanatsal yönler. Süreç sonraki iki sergi sezonunda (1917–1918) devam etti: Konchalovsky ve Mashkov'a ek olarak S.I. Dymshits-Tolstoy, L.M. Lissitzky, S.A. Nagubnikov, A.F. Sofronova.

Mayıs 1917'de "Sanat Dünyası", Moskova Ressamlar Sendikası merkez federasyonuna girdi. 1918'de dernek saflarını eski tefler A.V. Kuprin, Lentulov, A.I. Milman, Rozhdestvensky, Falk ile doldurdu ve fiilen Moskova Cezanizminin merkezi oldu. P. Kuznetsov, 1918'de World of Art'ın başkanlığına seçildi ve derneğin liderliğine Mashkov, Milman ve Lentulov dahil edildi.

1921 yazında, Elmas halkı yeniden "Sanat Dünyası" bayrağı altında birleşti - derneğin sergisi Kasım ayına kadar açıktı ve çeşitli akımlardan sanatçıları bir araya getirdi. Geleneksel Bubnovalet çekirdeğine ek olarak, Inhukovites A.A. Vesnin, A.D. Drevin ve N.A. Udaltsova ile V.V. Kandinsky ve Shevchenko sergilendi.

Falk bu vesileyle Kuprin'e şunları yazdı: “Toplumumuzda [World of Art] çok şey değişti. Ilya Ivanovich [Mashkov] ve [P.V.] Kuznetsov'un çabaları sayesinde amaçlanan görünümünü kaybetti. Kuznetsov, Bebutov vb.'nin çeşitli öğrencileri gibi fuchs liderliğindeki bir dizi yeni üye girdi. Mashkov, karısını üye olarak görmek istiyor vb. Genel olarak atmosfer kötü bir şekilde bozulmaya başlar” (RGALI, F. 3018, Op. 1, madde 147, sayfa 6).

Bir sonraki Moskova sergisi (Ocak 1922), "Sanat Dünyası" nın kriz durumuna tanıklık etti. Falk, aynı muhatabına şunları bildirdi: “Sergi bende hüzün uyandırdı. Bana öyle geliyor ki sanatta acıma gerekli, ama durum bu değil. Tüm<...>biz bir çeşit tatlı ve ekşiyiz, sıcak veya soğuk değiliz. Devrim bize çok sert karşılık verdi, bizi yerle bir etti ve bizi her gün yaptı” (RGALI. F.3018. Op.1. Madde 147. L. 10-11).

Topluluğun Haziran 1927'de Paris'te açılan son sergisine avangart sanatçılardan hiçbiri katılmadı.

LS Bychkova

Sanat dünyasında sanat dünyası*

Sanat derneği ve "World of Art" dergisi, Gümüş Çağı Rus kültüründe, zamanlarının temel estetik eğilimlerinden birini açıkça ifade eden önemli olgulardır. Commonwealth of the World of Arts, 1990'larda St. Petersburg'da şekillenmeye başladı. 19. yüzyıl Rusya'nın kültürel ve sanatsal yaşamını yenilemeye çalışan bir grup genç sanatçı, yazar, sanatçı etrafında. Ana başlatıcılar A.N. Benois, S.P. Diaghilev, D.V. Filosofov, K.A. Somov, L.S. Bakst ve daha sonra M.V. genel tat”, 1899'da derginin beş sergisinden ilki yapıldı, 1900'de derneğin kendisi resmileşti. Dergi 1904'ün sonuna kadar varlığını sürdürdü ve 1905 devriminden sonra derneğin resmi faaliyetleri durdu. Sergilerde dernek üyelerinin yanı sıra "Sanat Dünyası"nın ana ruh ve estetik çizgisini paylaşan, yüzyıl dönümünün birçok seçkin sanatçısı yer aldı. Bunlar arasında öncelikle K. Korovin, M. Vrubel, V. Serov, N. Roerich, M. Nesterov, I. Grabar, F. Malyavin isimlerini sayabiliriz. Bazı yabancı ustalar da davet edildi. Derginin sayfalarında birçok Rus din düşünürü ve yazarı da kendi yöntemleriyle Rusya'da maneviyatın “canlanmasını” savunan yazılar yayınladı. Bu V. Rozanov,

* Makalede kullanılan malzemeler Araştırma projesi 05-03-03137a, Rusya İnsani Yardım Vakfı tarafından desteklenmektedir.

D. Merezhkovsky, L. Shestov, N. Minsky ve diğerleri Orijinal haliyle dergi ve dernek uzun sürmedi, ancak World of Art'ın ruhu, yayıncılık, organizasyon, sergi ve eğitim faaliyetleri gözle görülür bir iz bıraktı. Rus kültürü ve estetiği üzerine ve derneğin ana üyeleri - Sanat Dünyası - bu ruhu ve estetik tercihleri ​​\u200b\u200bneredeyse yaşamları boyunca korudu. 1910-1924'te. "Sanat Dünyası" faaliyetine yeniden başladı, ancak zaten çok genişletilmiş bir kompozisyonda ve yeterince net bir şekilde yönlendirilmiş bir ilk estetik (esasen estetik) çizgi olmadan. 1920'lerde dernek temsilcilerinin çoğu. Paris'e taşındı, ama orada bile gençliklerinin sanatsal zevklerinin taraftarları olarak kaldılar.

İki ana fikir, World of Art'ın katılımcılarını entegre bir toplulukta birleştirdi: 1. Rus sanatına sanatın ana niteliğini geri getirme arzusu sanat, sanatı herhangi bir taraflılıktan (toplumsal, dini, politik vb.) kurtarın ve onu tamamen estetik bir yöne yönlendirin. Bu nedenle, kültür açısından eski olmasına rağmen aralarında popüler olan l'art pour l'art sloganı, akademizm ve gezginciliğin ideolojisinin ve sanatsal pratiğinin reddi, sanattaki romantik ve sembolist eğilimlere özel bir ilgi, İngiliz Ön- Puvis de Chavana tablosunda Raphaelitler, Fransız nabidleri, Böcklin'in mitolojizmi, Jugendstil estetizmi, Art Nouveau ama aynı zamanda E.T.A. Rus kültürünü ve sanatını geniş bir Avrupa sanatsal bağlamına dahil etme eğilimi. 2. Bu temelde - Rusça'nın romantikleştirilmesi, şiirselleştirilmesi, estetize edilmesi Ulusal miras, özellikle geç XVIII - XIX yüzyılın başları, genel olarak Batı kültürüne odaklandı, genel olarak Petrine sonrası kültüre ve geç halk sanatına ilgi duydular; bunun için derneğin ana katılımcıları sanat çevrelerinde "geriye dönük hayalperestler" takma adını aldı.

"Sanat Dünyası"nın ana eğilimi, son derece gelişmiş bir estetik zevke dayalı sanatta yenilik ilkesiydi. Sanatsal ve estetik tercihler ve Sanat Dünyasının yaratıcı tutumları buradan kaynaklanır. Aslında, neo-romantizm veya sembolizmin poetikasına, çizginin dekoratifliğine ve estetik melodikliğine yönelen, yüzyılın dönüşünün o estetik açıdan keskinleştirilmiş hareketinin sağlam bir Rus versiyonunu yarattılar. Farklı ülkeler Farklı isimleri vardı (Art Nouveau, Secession, Jugendstil) ve Rusya'da buna Art Nouveau tarzı deniyordu.

Harekete katılanların kendileri (Benois, Somov, Dobuzhinsky, Bakst, Lansere, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin) büyük sanatçılar değildi, yaratmadılar. sanatsal şaheserler veya seçkin eserler, ancak Rus sanat tarihinde çok güzel, neredeyse estetik sayfalar yazdılar, aslında dünyaya ulusal odaklı estetizm ruhunun Rus sanatına yabancı olmadığını gösterdiler. en iyi anlam haksız yere hafife alınan bu terim. Sanat Dünyasının çoğunluğunun tarzı için tipik olan rafine doğrusallık (grafik - Rus grafiklerini bağımsız bir sanat formu düzeyine getirdiler), ince dekoratiflik, geçmiş dönemlerin güzelliği ve lüksü için nostalji, bazen neoklasik eğilimler ve samimiyetti. şövale işlerinde. Aynı zamanda, birçoğu sanatın teatral sentezine yöneldi - dolayısıyla tiyatro prodüksiyonlarına, Diaghilev'in projelerine ve "Rus Mevsimleri" ne aktif katılım, müziğe, dansa artan ilgi, modern tiyatro genel olarak. Sanat Dünyasının çoğunluğunun temkinli olduğu ve bir kural olarak, zamanlarının avangart hareketleri hakkında keskin bir şekilde olumsuz olduğu açıktır. "Sanat Dünyası", avangard sanatçıların yoluna alternatif olarak, geçmişin sanatının en iyi gelenekleriyle sıkı sıkıya bağlı, sanatta kendi yenilikçi yolunu bulmaya çalıştı. Bugün bunu yirminci yüzyılda görüyoruz. World of Art uzmanlarının çabaları pratikte herhangi bir gelişme görmedi, ancak yüzyılın ilk üçte birinde Rus ve Avrupa kültürlerinde yüksek bir estetik düzeyin korunmasına katkıda bulundular ve sanat tarihinde ve manevi kültürde iyi bir hatıra bıraktılar.

Burada, "Sanat Dünyası"nın bazı ana temsilcilerinin ve harekete aktif olarak katılan sanatçıların sanatsal tutumları ve estetik zevkleri üzerinde durmak istiyorum. sanatsal yaratıcılığın analizine dayanan sanat tarihçileri tarafından iyi bir şekilde gösterilmiştir, sanat dünyasının kendisi.

Konstantin Somov (1869-1939) "Sanat Dünyasında" en rafine ve sofistike estetiklerden biriydi, güzellik konusunda nostaljikti klasik sanat geçmiş, kadar Son günlerÇağdaş sanatta güzelliği ya da izlerini arayan ve elinden geldiği kadar bu güzelliği yaratmaya çalışan hayatının en önemli isimlerinden biri. Mektuplardan birinde A. Benois'ya neden hiçbir şekilde katılamayacağını açıklıyor. devrimci hareket 1905, tüm Rusya'yı sardı: “... her şeyden önce, güzelliğe delicesine aşığım ve ona hizmet etmek istiyorum; az ve içindekilerle yalnızlık

insan ruhu sonsuzdur ve soyuttur, her şeyden çok değer veririm. Ben bir bireyciyim, tüm dünya benim "Ben" in etrafında dönüyor ve özünde bu "Ben" in ötesinde ne olduğu ve darlığı umurumda değil" (89) . Ve muhabirinin yaklaşan "kabalık" hakkındaki şikayetlerine, her zaman yeterince olduğu gerçeğiyle onu teselli ediyor, ancak güzellik her zaman yanında kalıyor - herhangi bir sistemde "şairlere ve sanatçılara ilham vermek için yeterli" ” (91).

Somov güzelliği gördü ana nokta hayatı ve dolayısıyla onun tüm tezahürlerini, ama özellikle sanat alanını, estetik gözlüklerle değerlendirdi, ancak kendi oldukça öznel üretimi. Aynı zamanda sürekli olarak sadece estetik nesnelerin tadını çıkarmaya değil, aynı zamanda kendi estetik zevkini geliştirmeye de çalıştı. Zaten kırk yaşında tanınmış bir sanatçı, I. Grabar'ın estetik dersine gitmeyi utanç verici bulmuyor, ancak hayatı boyunca ana estetik deneyimi sanatın kendisiyle iletişim kurarken ediniyor. Bunda, aniden kısalan ömrünün son günlerine kadar yorulmak bilmedi. Mektuplarından ve günlüklerinden tüm yaşamının sanatla geçtiğini görüyoruz. Yaratıcı çalışmaya ek olarak, sürekli, neredeyse her gün sergilere, galerilere, müzelere, sanatçı stüdyolarına, tiyatrolara ve konser salonları. Hangi şehirde olursa olsun önce müzelere ve tiyatrolara koştu. Ve günlüklerinde veya mektuplarında bu tür ziyaretlerin hemen hepsine kısa bir tepki buluyoruz. Burada, Ocak 1910'da Moskova'daydı. "Gün içinde yoruluyorum ama yine de her akşam tiyatroya gidiyorum" (106). Ve Paris'teki hayatının son yıllarına kadar aynı kayıtlar. Hemen hemen her gün tiyatrolar, konserler, sergiler. Aynı zamanda sadece estetik zevk alacağından emin olduğu şeyleri değil, estetik ihtiyacını gideremeyecek birçok şeyi de ziyaret eder. Sanat hayatındaki olayları profesyonelce takip eder ve güzelliklerin en azından izlerini arar.

Ve onları neredeyse her yerde bulur. Fransa'da, Amerika'da, Londra'da ve Moskova'da keşfettiği manzaranın güzelliğinden bahsetmeyi de unutmuyor. Sovyet dönemi; Chartres Katedrali'nin güzelliği veya dünyanın farklı ülkelerinde ziyaret etmek zorunda kaldığı evlerin ve sarayların iç mekanları hakkında. Ancak özel ve sürekli bir aşkla sanatın güzelliğinden zevk alır. Aynı zamanda aynı tutkuyla müzik, opera dinlemekte, bale izlemekte ve tiyatro gösterileri, kurgu, şiir okur ve elbette resim görme fırsatını kaçırmaz: hem eski ustalar hem de çağdaşları. Ve sanatla her temasta söyleyecek bir şeyi var. Aynı zamanda, yargıları, oldukça öznel olmakla birlikte, genellikle

iyi niyetli ve kesin, bu da özlülükleriyle daha da vurgulanıyor. Genel izlenim, birkaç özel açıklama, ancak onlardan bile hem Somov'un estetik bilinç düzeyini hem de bu bilincin geliştiği Gümüş Çağı atmosferinin ruhunu iyi hissediyoruz.

“Akşam Koussevitzky'nin konserindeydim. Bir Bach Ayini vardı. Olağanüstü güzelliğe ve ilhama sahip bir eser. Performans mükemmeldi, çok uyumlu” (1914) (138). Toscanini'nin yönettiği New York Filarmoni Orkestrası'nın performansından tam bir zevkle: "Hayatımda hiç böyle bir şey duymadım" (Paris, 1930) (366). Papalık korosunun Notre Dame'daki ayin performansı hakkında: “Bu koronun izlenimi doğaüstü. Seslerin bu kadar uyumlu, saf, İtalyan tınılarını, bu kadar hoş tiz seslerini hiç duymadım” (1931) (183). Mozart'ın Idomeneo operasının Basel korosu tarafından icrası üzerine: "Kesinlikle parlak, eşsiz bir güzellik olduğu ortaya çıktı" (Paris, 1933) (409), vb. ve benzeri. Zaten yaşlılıkta, Bayreuth topluluğu tarafından Wagner tetralojisinin sergilendiği tiyatro galerisinde dört akşam geçirdi. Başka bilet almak mümkün olmadı ve her performans 5-6 saat sürdü. Haziran sonu, Paris'te sıcak, "ama yine de büyük zevk" (355).

Somov baleye hayatı boyunca daha da büyük bir şevkle katıldı. özellikle Rus en iyi kuvvetler 1917 devriminden sonra kendini Batı'da bulan. Burada, World of Art'tan arkadaşları ve meslektaşları tarafından sıklıkla (özellikle erken Diaghilev performanslarında) icra edilen dekorasyona hem estetik zevk hem de profesyonel ilgi. Balede, müzikte, tiyatroda ve elbette resimde Somov, klasiklerden veya incelikli estetizmden en büyük zevki alıyor. Bununla birlikte, yirminci yüzyılın ilk üçte biri, özellikle Paris'te başka bir şeyle tüm hızıyla devam ediyordu. Avangard eğilimler giderek daha fazla güç kazandı, tüm avangart eğilimler gelişti ve Somov tüm bunları izliyor, dinliyor, okuyor, her şeyde her zaman bulunmayan güzellik izlerini bulmaya çalışıyor, bu yüzden çoğu zaman keskin bir şekilde vermek zorunda kalıyor. gördüklerine, duyduklarına, okuduklarına dair olumsuz değerlendirmeler.

Yüzyılın başındaki estetizme yönelen her şey özellikle Rus sanatçının ilgisini çeker ve avangart yenilikleri özümsemekle birlikte, kendi estetik anahtarını bulmaya çalıştığı hissedilir. Çok nadiren çıkıyor. Paris'te Diaghilev'in tüm performanslarına katılıyor, genellikle dansçılara, koreografiye hayran kalıyor, 1920'lerde olan sahne ve kostümlerden daha az memnun.

genellikle kübistler tarafından yapılmıştır. 1925 tarihli bir mektubunda "Eski balemizi seviyorum" diye itiraf ediyor, "ama bu yeni baleden de zevk almamı engellemiyor. Çoğunlukla koreografi ve harika dansçılar. Picasso'nun, Matisse'in, Derain'in manzarasını sindiremiyorum, ya yanıltıcı doğayı ya da bereketli güzelliği seviyorum” (280). New York'a gidiyor son sıralar galeriler" ve Amerikalı aktörlerin oyunundan hoşlanıyor. Pek çok oyuna baktı ve şu sonuca vardı: “Uzun zamandır bu kadar mükemmel bir oyun ve bu kadar yetenek görmemiştim. Rus aktörlerimiz çok daha düşük" (270). Ve burada Amerikan Edebiyatı Amerikalıların kendilerinin bundan memnun olmalarını engellemeyen ikinci sınıf olduğunu düşünüyor. A. France ve M. Proust'un bireysel parçalarından memnun.

Modern güzel sanatlarda Somov, en çok arkadaşı A. Benois'in birçok şeyini seviyor: hem grafikler hem de tiyatro sahnesi. Vrubel'in resimlerinden ve suluboyalarından çok memnun - "renklerin parlaklığı ve uyumu açısından inanılmaz bir şey" (78). Shchukin koleksiyonunda Gauguin'den etkilenmişti; bir zamanlar N. Goncharova'nın tiyatro eserlerinden birindeki renkli (popüler) renk yelpazesini övdü, ancak daha sonra onun natürmortlarına dayanarak, "onun bu aptalca şeylerine bakılırsa" ondan aptal ve hatta aptal olarak bahsediyor ( 360); Filonov'u geçerken kaydetti " harika sanat nahoş olsa da” (192). Genel olarak ressam arkadaşlarına övgülerde cimridir, bazen kendini övmese de birçoğunun çalışmalarına ilişkin incelemelerde alaycı, saf ve hatta kabadır. Sık sık işinden memnuniyetsizliğini dile getirir. Sık sık arkadaşlarına ve akrabalarına, beğenmediği eskizleri ve eskizleri yırtıp yok ettiğini bildirir. Evet ve pek çok bitmiş eserden, özellikle halihazırda sergilenenlerden hoşlanmıyor.

İşte Somov'un eserleri hakkında neredeyse rastgele seçilmiş yargıları: “18. yüzyılda bir İngiliz karakterli bir parkta bir bankta morlar içinde bir bayan yazmaya başladı. Son derece basmakalıp ve kaba. Açık İyi iş yetenekli değil" (192). “Başka bir kaba çizime başladı: markiz (lanet olsun!) Çimlerin üzerinde yatıyor, iki mesafede eskrim yapıyor. Akşam 9'a kadar resim yaptım. Saçma çıktı. Yarın renklendirmeye çalışacağım. Kalbim hastalandı" (193). Tretyakov Galerisi'ndeki çalışmaları hakkında (ve ünlü “Lady in Blue” da dahil olmak üzere en iyileri oraya götürüldü): “Korktuğum şeyi yaşadım: “Lady in Blue” yu sevmedim, her şey gibi yoksa benim..." (112). Ve bu tür ifadeler onda alışılmadık bir durum değildir ve ustanın özel estetik titizliğini kendisine gösterir. Aynı zamanda resimden mutluluk anlarını da biliyor ve "resmin sonuçta hayattan zevk aldığına ve bazen mutlu anlar yaşattığına" inanıyor (80). Özellikle dükkandaki meslektaşlarına karşı katıdır ve her şeyden önce,

her şey, sanatta avangardlığın herhangi bir unsuru. Sanat dünyasının çoğu gibi o da anlamıyor ve kabullenmiyor. Bu, sanatçının estetik inancını ifade eden içsel konumudur.

Somov'un katı estetik gözü, tüm çağdaşlarında kusurlar görüyor. Alır ve Ruslar ve Fransızlar aynı ölçüde. Bu, elbette, her zaman belirli bir ustanın işiyle ilgili değil, belirli bir sergide veya atölyede görülen belirli işlerle ilgilidir. Örneğin, Petrov-Vodkin'e "Saldırı" adlı tablosuyla ilgili "acımasız gerçeği" ifade eder ve ardından "kendini vurmak veya kendini asmak" ister (155-156). 1916'daki sergilerden birinde: "Korovin'in ispiyonlaması"; Mashkov'un tablosu "renkler açısından güzel ama bir şekilde aptalca aptalca"; Sudeikin, Kustodiev, Dobuzhinsky, Grabar'ın eserleri ilginç değil (155). 1918 sergisinde: “Grigoriev, harika yetenekli, ama piç, aptal, ucuz bir pornografi yazarı. Sevdiğim bir şey ... Petrov-Vodkin hala aynı sıkıcı, aptal, kendini beğenmiş aptal. Hoş olmayan saf mavi, yeşil, kırmızı ve kiremit tonlarının aynı dayanılmaz kombinasyonu. Dobuzhinsky korkunç bir aile portresi ve gerisi önemsiz” (185). Hayatı boyunca Grigoriev'e karşı tek bir tavrı vardı - "yetenekli ama anlamsız, aptal ve narsist" (264). Meyerhold ve Golovin'in The Stone Guest yapımının ilk performansı üzerine: "Kaçak fikirli, çok gösterişçi, çok cahil, yığma, aptal" (171). Yakovlev'in pek çok harika şeyi var, ama “onda hala asıl şey yok - akıl ve ruh. Yine de, dışsal bir sanatçı olarak kaldı" (352), "onda her zaman bir tür yüzeysellik ve acele vardır" (376).

Her şeye yaklaşımı tamamen öznel olsa da (kendi sanat alanındaki hemen hemen her sanatçı gibi) Batılı sanatçılar Somov'dan daha fazlasını alıyor. Moskova'da, Shchukin koleksiyonundaki bazı şaheserlerle ilk karşılaşmada: “Gauguin'i çok sevdim ama Matisse'i hiç sevmedim. Onun sanatı hiç de sanat değil!” (111). Cezanne'ın resmi hiçbir zaman sanat olarak kabul edilmedi. İÇİNDE Geçen sene Cezanne sergisindeki hayatı (1939): “Bir (veya belki üç) güzel natürmort dışında, neredeyse her şey kötü, donuk, boyasız, bayat renklerle. Figürler ve çıplak "yıkanması" düpedüz pis, vasat, beceriksiz. Çirkin portreler" (436). Van Gogh, bazı şeyler dışında: "sadece parlak değil, aynı zamanda iyi de değil" (227). Dolayısıyla bu çağrışımın altında yatan rafine Sanat Dünyası estetiğinin ötesine geçen neredeyse her şey Somov tarafından kabul edilmiyor, ona estetik zevk vermiyor.

Moskova'da tanıştığı ve ardından Paris'te düzenli olarak gördüğü avangart sanatçılar hakkında daha da sert konuşuyor, ancak onlara karşı tavrı sabitti ve neredeyse her zaman olumsuzdu. Bildiğiniz gibi Malevich'in Süprematist eserlerini ilk kez sergilediği “0.10” sergisi hakkında: “Kesinlikle önemsiz, umutsuz. Sanat değil. Gürültü yapmak için korkunç numaralar" (152). 1923 Sanat Akademisi'ndeki Vasilyevski sergisinde: "Pek çok solcu var - ve tabii ki korkunç iğrençlik, kibir ve aptallık" (216). Bugün bu tür sergilerde çok fazla "kibir ve aptallık" olduğu açıktır, ancak artık dünya avangardının klasikleri arasında yer alan birçok eser de vardı. Somov, World of Arts'ın çoğu gibi maalesef bunu görmedi. Bu anlamda, gelenekselin tipik bir savunucusu olarak kaldı, ancak resmi kendi tarzında anladı. Gezginlere ve akademisyenlere de saygı duymuyordu. Bunda, tüm Sanat Dünyası birleşti. Dobuzhinsky, Wanderers ile genel olarak pek ilgilenmediklerini, "kuşaklarına saygısızca davrandıklarını" ve konuşmalarında onlardan hiç bahsetmediklerini hatırladı.

Bununla birlikte, avangarttaki her şeyden çok uzak olan Somov, en azından bazı güzellik izleri gördüğü yerde, düşmanlarına küçümseyici davranır. Bu yüzden, Picasso'nun Pulcinella için kübist dekorunu ve kostümlerini bile beğendi, ancak Picasso'nun "kolları bacak gibi ve fil gibi bacakları olan, şişkin üçgen göğüsleri olan, beyaz chlamys içinde iki kocaman kadının bir tür vahşi dans ettiği" perdesi. , kısa ve öz bir şekilde şöyle tanımladı: "İğrenç!" (250). Filonov'un yeteneğini gördü ama resmine çok soğuk davrandı. Veya S. Dali'yi mükemmel bir ressam olarak çok takdir etti, ancak her şeyi izlemesine rağmen genel olarak sanatına kızmıştı. Küçük bir galeride Lautreamont'un yazdığı "Maldoror'un Şarkıları" için gerçeküstücülük ölçüsünün illüstrasyonları hakkında: "Hepsi aynı, aynısı bir avludan aşağı sarkıyor..., yarı çürümüş bacaklar. Vahşi figürlerinin insan baldırlarında kemik biftekler<...>Ama ne kadar parlak bir Dali yeteneği, ne kadar güzel çiziyor. Her ne pahasına olursa olsun tek, özel veya gerçek erotomani ve manyaklık gibi mi davranıyor? (419). Paradoksal olarak, çalışmalarından iyi bilindiği gibi, estetik, şirin, kabarık etek olmasına rağmen kendisi erotizme yabancı değildi. Evet ve genellikle patolojik bir şey onu cezbederdi. Paris'te Musée patologique'e gittim ve orada balmumu bebekleri seyrettim: hastalıklar, yaralar, doğum, fetüsler, canavarlar, düşükler, vs. Bu tür müzeleri seviyorum - Musée Grèvin'e gitmek istiyorum" (320)

Aynı şey edebiyat, tiyatro, müzik için de geçerli. Avant-garde olan her şey onu bir şekilde itti, estetik zevkini rahatsız etti. Nedense Stravinsky'den özellikle hoşlanmıyordu. Sık sık ve her fırsatta müziğini azarlar. Edebiyatta Bely onu kızdırdı. “Andrei Bely'nin “Petersburg” u okudum - iğrenç! Tatsız, aptal! Hanımefendi gibi cahil ve en önemlisi sıkıcı ve ilgi çekici değil” (415). Bu arada, "sıkıcı" ve "ilginç olmayan" en önemli olumsuz estetik değerlendirmeleridir. Dali veya Picasso hakkında asla böyle bir şey söylemedi. Genel olarak, tüm avangardcılığı zamanın bir tür kötü eğilimi olarak görüyordu. 1934'te "Bence bugünün modernistleri 40 yıl içinde tamamen ortadan kalkacak ve kimse onları toplamayacak" diye yazmıştı (416). Ah, sanat ve kültürde tahminlerde bulunmak ne kadar tehlikeli. Bugün bu "modernistlere" inanılmaz paralar ödeniyor ve en yeteneklileri dünya sanatının klasikleri haline geldi.

20. yüzyıl sanatındaki görkemli tarihsel alt üst oluşların ışığında. Somov'un avangart sanatçıların çalışmalarına ilişkin keskin olumsuz, bazen kaba, son derece öznel değerlendirmelerinin çoğu bize haksız görünüyor ve hatta bir şekilde imajı küçümsüyor gibi görünüyor. yetenekli sanatçı Kendisi tarafından idealize edilen kabarık etek-cesur 18. yüzyılın şiirlerinin zarif bir şarkıcısı olan The Silver Age, kendi icat ettiği zarif estetiğin nostaljisini yaşıyor. Ancak bu yapay, rafine ve şaşırtıcı derecede çekici estetizmde, avangart arayışlara ve form deneylerine karşı olumsuz tutumunun nedenleri yatmaktadır. Somov, ustalar yirminci yüzyılın başlarında onun tarafından eleştirilmesine rağmen, sanatın ana ilkesine - sanatına - yönelik bir sürecin başlangıcını özellikle avangardda keskin bir şekilde yakaladı. kendini hâlâ yeterince zayıf hissediyordu ve bunu acı bir şekilde deneyimliyordu. Estetiğin rafine zevki, sanattaki güzellikten herhangi bir sapmaya, hatta kendisininkine bile, gergin ve sert tepki verdi. Sanat tarihinde ve estetik deneyimde, klasik estetik kavramının gerçek anlamıyla "güzel sanatlar"ın son ve tutarlı taraftarlarından biriydi.

Ve Somov hakkındaki konuşmanın sonunda, 1 Şubat 1914 tarihli günlüğündeki son derece ilginç, neredeyse Freudcu ve çok kişisel itiraflarından biri, eserinin ana yönlerini, cesur-iddialı, kabarık etekli, üslupçu XVIII. ve bir dereceye kadar, genel olarak estetizmin derin bilinçdışı, libidinal anlamı üzerindeki perdeyi açar. Sanatçının kendisine göre, resimlerinde en içteki samimi-erotik niyetlerinin ifade edildiği, duyusal olarak keskinleştiği ortaya çıktı.

Benlik. “Resimlerimdeki kadınlar bitkin, yüzlerindeki aşk ifadesi, hüzün ya da şehvet kendimin, ruhumun yansımasıdır.<...>Ve kırık duruşları, kasıtlı çirkinlikleri - kendimle ve aynı zamanda doğama aykırı olarak sonsuz kadınlıkla alay ediyorum. Doğamı bilmeden beni tahmin etmek elbette zor. Bu bir protesto, benim de birçok yönden onlar gibi olduğum için can sıkıcı. Paçavralar, tüyler - tüm bunlar beni cezbediyor ve beni sadece bir ressam olarak değil (ama kendine acıma da buradan geliyor). Sanat, eserleri, benim için en sevdiğim tablolar ve heykeller çoğunlukla cinsiyet ve duygusallığımla yakından ilişkilidir. Sanatın olay örgüsü doğrudan ondan bahsetmese de, bana aşkı ve onun zevklerini hatırlatan şeyleri seviyorum” (125-126).

Son derece ilginç, cesur, samimi itiraf, bu hem Somov'un kendi çalışmasında hem de sanatsal ve estetik tercihlerinde ve bir bütün olarak "Sanat Dünyası" nın rafine estetiğinde çok şey açıklıyor. Özellikle Rodin'e karşı kayıtsızlığı (duygusallığı yoktur) veya baleye olan tutkusu, seçkin dansçılara duyduğu sonsuz coşku, hatta yaşlanan Isadora Duncan ve keskin eleştiri Ida Rubinstein. Bununla birlikte, tüm bunlar tek bir makalede ele alınamaz ve Sanat Dünyasının daha az ilginç ve yetenekli temsilcilerine, zamanlarının sanatsal durumuna ilişkin görüşlerine geçmenin zamanı geldi.

Mstislav Dobuzhinsky (1875-1957). Dobuzhinsky'nin Sanat Dünyası çevresine katılmadan önce kendini göstermeye başlayan estetik tercihleri, bu derneğin genel ruhani ve sanatsal atmosferini çok iyi yansıtıyor, sanatta benzer düşünen insanların ortaklığı "canlandırmaya" çalıştı. Onlar inandılar, sanat hayatı Akademisyenlerin ve gezgincilerin hakimiyetinden sonra Rusya'da güzel sanatların gerçek sanatına yakın ilgi temelinde. Aynı zamanda, Sanat Dünyasının tüm üyeleri, St. Petersburg vatanseverleriydi ve sanatlarında ve tutkularında, Moskova'dan önemli ölçüde farklı olan özel bir St.

Dobuzhinsky bu konuda özellikle çarpıcı bir figürdü. St.Petersburg'u çocukluğundan beri sevdi ve aslında bu eşsiz Rus şehrinin belirgin bir Batı yönelimi ile rafine, rafine bir şarkıcısı oldu. büyük aşk Anılarının birçok sayfası ona nefes veriyor. A. Azhbe ve S. Hollosha'nın (1899-1901) atölyelerinde çalıştığı ve World of Art dergisinin ilk sayılarında müstakbel dostlarının ve meslektaşlarının sanatıyla yakından tanıştığı Münih'ten dönüşünde. , özellikle dokunaklı Dobuzhinsky

St.Petersburg'un kendine özgü estetik cazibesini, mütevazı güzelliğini, harika grafiklerini, özel renkli atmosferini, geniş çatılarını ve çizgilerini, ona nüfuz eden Dostoyevski'nin ruhunu, taş labirentlerinin sembolizmini ve mistisizmini hissetti. İçimde, “tekdüze hükümet binaları için çocukluğumdan beri yaşayan bir tür yerel duygu, şaşırtıcı Petersburg umutları yeni bir şekilde sağlam bir şekilde kuruldu, ancak şehrin alt tarafı şimdi beni daha da keskin bir şekilde deldi.<...>Evlerin o arka duvarları, beyaz baca şeritleriyle tuğla duvarlardır. düzçatılar, sanki kale siperleriyle - sonsuz borular - uyku kanalları, siyah yüksek yakacak odun yığınları, karanlık avlu kuyuları, kör çitler, çorak araziler ”(187). Bu özel güzellik, Münih Art Nouveau'nun (Stuck, Böcklin) etkisi altındaki Dobuzhinsky'yi büyüledi ve kısa süre sonra I. Grabar tarafından tanıtıldığı World of Art'taki sanatsal yüzünü büyük ölçüde belirledi. "St. Petersburg'un grafik özelliklerine dikkatle baktım, çıplak, sıvasız duvarların tuğlalarına ve sıvanın pürüzlerinde ve lekelerinde kendisi oluşan "halı" desenine baktım" (188). St.Petersburg'un sayısız kafeslerinin birbirine bağlanmasından, İmparatorluk binalarının antika maskelerinden, taş evlerin ve rustik ahşap evlerle rahat köşelerin kontrastından büyüleniyor, Fontanka'daki saf tabelalar, göbekli çizgili mavnalardan çok memnun. ve Nevsky'deki rengarenk insanlar.

"Petersburg'un tüm görünümüyle, trajik, meraklı, görkemli ve rahatın tüm zıtlıklarıyla gerçekten dünyadaki tek ve en fantastik şehir olduğunu" açıkça anlamaya başlar (188). Ve ondan önce, zaten Avrupa'yı dolaşma, Paris'i ve İtalya ve Almanya'daki bazı şehirleri görme fırsatı buldu. Ve Sanat Dünyası çevresine katıldığı yılda (1902), "yeni elde edilen" şehrin "durgun ve acı şiiriyle" henüz kimsenin sanatta ifade etmediği bu güzelliğin tam da bu olduğunu hissetti ve yaratıcı çabalarını bu enkarnasyona yöneltti. "Tabii ki," diye itiraf ediyor, "tüm kuşağım gibi sembolizm eğilimleri tarafından kucaklandım ve bana yakın bir gizem duygusunun olması doğaldı, görünüşe göre Petersburg'la doluydu. şimdi gördüm” (188). "Petersburg günlük yaşamının bayağılığı ve karanlığı" aracılığıyla, "kendi" Petersburg'unun "en iç karartıcı alt tarafında" ve "yapışkan sonbahar sulu sulu karı ve onun için hücum eden donuk Petersburg yağmurunda" sürekli olarak "korkunç derecede ciddi ve önemli bir şeyin pusuda olduğunu" hissetti. günler" ona "Petersburg kabusları ve" her çatlaktan "küçük şeytanlar" sürünerek çıkıyormuş gibi geldi (189). Ve Peter'ın bu şiiri, onu aynı zamanda korkutsa da Dobuzhinsky'yi cezbetti.

Apartmanının pencerelerinin önünde beliren “korkunç duvarı” şiirsel bir şekilde anlatıyor: “Donuk, vahşi renkli, aynı zamanda siyah, hayal edebileceğiniz en hüzünlü ve en trajik duvar, nemli yamaları, soyulması ve sadece bir sıyrıkla. küçük, kör görüşlü pencere. Karşı konulmaz bir şekilde onu kendisine çekti ve Dostoyevski'nin kasvetli dünyalarının anılarını uyandırarak ona baskı yaptı. Ve korkunç duvardan bu iç karartıcı izlenimlerin üstesinden geldi, kendisinin de anlattığı gibi, onu "tüm çatlakları ve yoksunluğuyla, ... zaten ona hayranlıkla" - "sanatçı bende kazandı" (190) ile tasvir etti. Bu pastel Dobuzhinsky, ilk "gerçek" olarak kabul edildi. yaratıcı iş”ve eserlerinin çoğuna hem grafik hem de tiyatro ve dekoratif sanatta ruhu nüfuz ediyor. Daha sonra, büyük işine neden St.Petersburg'un bu "yanlış tarafından" başladığını kendisi merak etti, ancak çocukluğundan beri başkent Peter'ın törensel güzelliğinden de etkilenmişti.

Bununla birlikte, Dobuzhinsky'nin çalışmalarını hatırlarsak, eski şehirlerin (özellikle spor salonu yıllarında ona yakın olan St. Petersburg ve Vilna) romantik (veya neo-romantik) ruhu olduğunu göreceğiz. sembolik sırları. Ergenlik yıllarından itibaren aşık olduğu ve St.Petersburg'la birlikte ikinci memleketi olarak gördüğü Vilna'da, bir sanatçı olarak en çok dar ve eğri sokakları, kemerlerle kesişen ve çok katlı duvarları olan eski "getto" dan etkilenmiştir. -renkli evler" (195), burada birçok eskiz ve bunlara dayalı güzel, çok hassas ve son derece sanatsal gravürler yaptı. Evet, genç Dobuzhinsky'nin estetik tercihlerine bakarsak bu anlaşılabilir. Bu, Raphael'in "Sistine Madonna" sının (onu Dresden'de etkilemedi) net ve doğrudan ışığı ve uyumlu güzelliği değil, Leonard'ın "Madonna in the Rocks" ve "Vaftizci Yahya" nın (169) gizemli alacakaranlığıdır. Ve sonra erken İtalyanlar, Siena tablosu, Bizans mozaikleri Venedik'te San Marco ve Tintoretto, Segantini ve Zorn, Böcklin ve Stuck, Pre-Raphaelciler, Paris'teki İzlenimciler, özellikle (onun için sonsuza kadar "tanrılardan" biri olan) Degas, Japon baskıları ve nihayet Dünya İlk sergisini 1898'de kişisel olarak tanışmadan önce gördüğü ve dikkatle incelediği Art of Art, sanatlarından çok memnun kaldı. En önemlisi, kendisinin de kabul ettiği gibi, inceliğiyle onu etkileyen ve birkaç yıl sonra idollerinin çevresine girdikten sonra arkadaş olduğu Somov'un sanatına "büyülemişti". Genç Dobuzhinsky'nin estetik ilgi alanı, ruhunun sanatsal yönelimine açıkça tanıklık ediyor. Anılarında açıkça gördüğümüz gibi,

onu hemen kendilerinden biri olarak tanıyan ana Sanat Dünyasının sembolist-romantik ve rafine-estetik yönelimiyle tamamen örtüşüyordu.

Dobuzhinsky, "Sanat Dünyası" hakkında temel bilgileri, Münih'te Alman öğretmenlerin yanında çıraklığı sırasında yakın arkadaş olduğu ve kendisinde gerçek bir sanatçı gören ilk kişilerden biri olan ve doğru bir şekilde sanatsal gelişimine yardımcı olan Igor Grabar'dan aldı. alanda net yönergeler verdi Sanat eğitimi. Örneğin, yaptı ayrıntılı program Dobuzhinsky'nin oradaki ilk kısa seyahatinden önce Paris'te ne görmeli ve daha sonra onu Sanat Dünyası çevresiyle tanıştırdı. Dobuzhinsky, hayatı boyunca Grabar'a minnettarlık taşıdı. Genel olarak minnettar bir öğrenci ve ruhen kendisine yakın birçok sanatçının sempatik, yardımsever bir meslektaşı ve arkadaşıydı. Meslektaşlarıyla ilgili olarak Somov'a özgü şüphecilik veya züppelik ruhuna tamamen yabancıdır.

Dobuzhinsky, dernekteki hemen hemen tüm katılımcıların kısa, yardımsever ve iyi niyetli açıklamalarını verdi ve bunlar, Gümüş kültüründeki bu ilginç yönün sanatsal ve estetik atmosferinin doğası hakkında bir dereceye kadar fikir edinmemizi sağlıyor. Do-buzhinsky'nin kendisinin yaşı ve estetik bilinci, çünkü . arkadaşlarıyla ilgili notların çoğunu çalışmalarının prizmasından yaptı.

A. Benois, öğrencilik yıllarında, biri Dobuzhinsky'nin en sevdiği motifler olan Vilna barokuna büyük benzerlik gösteren World of Art'ın ilk sergisinde "romantik" çizimleri gösterildiğinde onu "dişetti". Sonra Benois, genç Dobuzhinsky'nin grafik stilinin oluşumunu büyük ölçüde etkiledi, onu kentsel peyzajın seçilen görüş açısının doğruluğu konusunda güçlendirdi. Daha sonra koleksiyonerlik sevgisi bir araya getirildi ve özellikle eski gravürler, atalarının kültü ve tiyatro özlemi ve Benois'in genç sanatçıya hemen sağladığı destek.

Dobuzhinsky, çağdaşları tarafından hemen takdir edilmeyen, grafiklerin inanılmaz inceliği, "hüzünlü ve keskin şiir" ile kendisiyle uyum içinde olduğu ortaya çıkan Somov'a özellikle yakınlaştı. Dobuzhinsky, ilk görüşmeden itibaren sanatına aşık olduğunu, ona değerli göründüğünü ve kendi eserinin gelişimini büyük ölçüde etkilediğini kabul ediyor. "Bu garip gelebilir, çünkü onun temaları hiçbir zaman benim temalarım olmadı, ama gözünün inanılmaz gözlemi ve aynı zamanda "minyatürlük" ve diğer durumlarda hiçbir şeyin olmadığı resminin özgürlüğü ve becerisi.

duygu ile yapılmayan bir parça - beni büyüledi. Ve en önemlisi, çalışmalarının olağanüstü samimiyeti, imgelerinin gizemi, hüzünlü mizah anlayışı ve o zamanki “Hoffmannvari” romantizmi beni derinden rahatsız etti ve belirsiz ruh halime yakın tuhaf bir dünyanın kapılarını açtı” (210). Dobuzhinsky ve Somov çok yakınlaştılar ve birbirlerinin tavsiyelerini ve yorumlarını dinlemek için çalışmalarını çok erken bir aşamada sık sık birbirlerine gösterdiler. Bununla birlikte, Dobuzhinsky, Somov'un "durgun şiirleri" ve bazı tarif edilemez "kokuları" ile eskizlerinden sık sık o kadar etkilendiğini ve onlar hakkında hiçbir şey söyleyecek kelime bulamadığını kabul ediyor.

Leon Bakst'la da yakındı, hatta bir zamanlar onunla okulda ders bile verdi. Sanat Okulu E.N. Zvantseva, öğrencileri arasında Marc Chagall da vardı. Bakst'ı bir insan olarak sevdi ve ona kitap grafikleri için değer verdi, ama özellikle tiyatro sanatı tüm hayatını adadığı. Dobuzhinsky, grafik çalışmalarını "şaşırtıcı derecede dekoratif", "özel esrarengiz şiir" (296) ile dolu olarak nitelendirdi. Hem Diaghilev'in "Rus Mevsimleri" zaferinde hem de genel olarak Batı'da tiyatro ve dekoratif sanatın gelişmesinde Bakst'a büyük değer atfetti. "Onun Şehrazat'ı Paris'i çılgına çevirdi ve bundan itibaren Bakst'ın Avrupa ve ardından dünya ünü başlıyor." Dobuzhinsky'ye göre, Paris'teki hareketli sanat yaşamına rağmen, uzun süre "'zevk'in değişmez trend belirleyicilerinden biri olarak kalan" Bakst'tı. Yapımları tiyatrolarda sonsuz taklitlere neden oldu, fikirleri sonsuza kadar çeşitlendi, saçmalık noktasına getirildi, Paris'teki adı "Parisli isimlerin en Parislisi gibi gelmeye başladı" (295). Kozmopolitizmleriyle World of Arts için bu değerlendirme özel bir övgü gibi geldi.

Roerich ile birlikte önde gelen dünya sanatçılarının St. halk sanatı için zarif kaligrafik teknik ve ince stilizasyonlar. Sanat Dünyası çevresinde öne çıkan ve sosyal bir figürdü. N. Roerich ise tam tersine Dobuzhinsky'nin anılarına göre World of Art sergilerine düzenli olarak katılmasına rağmen katılımcılarına yaklaşamadı. Belki de bu yüzden "büyük becerisi ve çok güzel renkleri fazla "ihtiyatlı", kesinlikle muhteşem ama çok dekoratif görünüyordu.<...>Roerich herkes için bir "gizemdi", hatta birçoğu işinin samimi mi yoksa sadece zorlama mı olduğundan şüphe duyuyordu ve kişisel hayatı herkesten gizlenmişti” (205).

Valentin Serov, "Sanat Dünyası" nda Moskova temsilcisiydi ve olağanüstü yeteneği, olağanüstü çalışkanlığı, resimdeki yenilikçiliği ve sürekli sanatsal arayışı nedeniyle tüm katılımcıları tarafından saygı görüyordu. Sanat Dünyasının Gezginleri ve Akademisyenleri, tarihçiliğin taraftarları arasında yer alıyorlarsa, kendilerini "üslup" taraftarları olarak görüyorlardı. Bu bağlamda Dobuzhinsky, Serov'da her iki eğilimi de gördü. Merhum Serov "Peter", "Ida Rubinstein", "Avrupa" ruhen özellikle "Sanat Dünyasına" yakındı ve Dobuzhinsky bunda ne yazık ki "beklemek zorunda kalmayan" yeni bir aşamanın başlangıcını gördü. " (203).

Dobuzhinsky, neredeyse tüm Sanat Dünyası ve onlara yakın duran sanatçılar ve yazarlar hakkında kısa, tamamen kişisel, ancak genellikle çok doğru notlar verdi. İyi duygularla Vrubel, Ostroumova, Borisov-Musatov (güzel, yenilikçi, şiirsel resim), Kustodiev, Chyurlionis'i hatırlıyor. İkincisi, Sanat Dünyası, "uzayın sonsuzluğuna, yüzyılların derinliklerine bakma", "ender samimiyetinden, gerçek bir rüyadan, derin manevi içeriğinden memnun" yeteneğinden etkilendi. "Zarafeti ve hafifliği, şaşırtıcı renkleri ve kompozisyonuyla kendi kendine görünen eserleri, bize bir tür alışılmadık mücevherler gibi geldi" (303).

Yazarlardan Dobuzhinsky özellikle D. Merezhkovsky, V. Rozanov, Vyach.Ivanov (ünlü Kulesini sık sık ziyaret ediyordu), F. Sologub, A. Blok, A. Remizov, yani. "Sanat Dünyası" ile işbirliği yapan veya ruhen ona yakın olan yazarlar, özellikle sembolistler. Rozanov'da alışılmadık bir zihin ve "en cüretkar ve korkunç paradokslarla" (204) dolu orijinal yazılardan etkilendi. Sologub'un şiirinde Dobuzhinsky "kurtarıcı ironiye" hayran kaldı ve Remizov ona bazı şeylerde "sürrealizmden önce bile gerçek bir sürrealist" göründü (277). Ivanov, "yargıları değerli ve önemli olan, kendisine ait bir sırrın sahibi olarak sanatçıya özellikle dikkatli bir saygı gösterdiği" gerçeğiyle gurur duyuyordu (272).

Dobuzhinsky, özel, neredeyse samimi bir aşk duygusuyla, Sanat Dünyası derneğinde hüküm süren atmosferi anlatıyor. Her şeyin ruhu Benoit'ti ve gayri resmi merkez, herkesin sık sık ve düzenli olarak toplandığı rahat eviydi. Derginin sayıları da burada hazırlandı. Ayrıca Lansere, Ostroumova, Dobuzhinsky'de kalabalık akşam çay partilerinde sık sık buluşurlardı. Dobuzhinsky, World of Art'taki atmosferin bohem değil, ailevi olduğunu vurguluyor. Bu "samimi yaşamın olağanüstü atmosferinde" ve sanatta "dostça ortak bir amaç" vardı. çok şey yapıldı

birbirinin sürekli yardımı ve desteği ile birlikte. Dobuzhinsky, çalışmalarının son derece tarafsız, bağımsız, herhangi bir eğilim veya fikirden arınmış olduğunu gururla yazıyor. Benzer düşünen insanların görüşü tek değerli olandı; topluluk üyelerinin kendileri. En önemli teşvik yaratıcı etkinlik sanatta yeni alanların ve alanların “öncüleri”, kaşifleri olma duygusuydu. Yetişkinlikte, "Şimdi geriye dönüp baktığımızda ve o zamanlar benzeri görülmemiş yaratıcı üretkenliği ve etrafta yaratılmaya başlayan her şeyi hatırlayarak," diye yazmıştı, "bu sefer gerçekten bizim "Rönesans" deme hakkımız var" (216); "Bizim için bir güncellemeydi sanatsal kültür, denebilir - canlanması" (221).

Kültür ve sanatın yenilenmesi ve "canlandırılması", sanattaki vurgunun, görünür gerçekliğin tasvirinden vazgeçmeden, ikincil olan her şeyden sanatsal yönüne kaydırılması anlamında anlaşıldı. Dobuzhinsky, "Biz de dünyayı ve şeylerin güzelliğini sevdik," diye yazdı, "ve o zaman gerçeği kasıtlı olarak çarpıtmaya gerek yoktu. O zamanlar Cezanne, Matisse ve Van Gogh'tan (bize) gelen herhangi bir "izm"den çok uzaktı. Saf ve saftık ve belki de sanatımızın erdemi buydu" (317). Bugün, bu en ilginç olaylardan bir asır sonra, biraz hüzün ve nostaljiyle, bu son derece sanatsal saflığı ve saflığı nazikçe kıskanabilir ve tüm bunların geçmişte kaldığı için pişmanlık duyabiliriz.

Ve sanatın estetik özelliklerine yakın ilgi süreci, World of Art'ın öncüleri arasında bile başladı, bazıları daha sonra World of Art ile aktif olarak işbirliği yaptı ve başladıkları işi sürdürdüğünü hissetti. Bu tür öncüler-katılımcılar arasında, her şeyden önce en büyük Rus sanatçıların isimlerini belirtmek gerekir. Mihail Vrubel (1856-1910) ve Konstantin Korovin (1861-1939).

World of Art'ın doğrudan kurucuları kadar onlar da, tamamen sanatsal araçların zararına, biçim ve güzelliğin zararına olan sanatın her türlü taraflılığından tiksindiler. Wanderers sergilerinden biri hakkında Vrubel sanatçıların büyük çoğunluğunun yalnızca günün konusunu, halkın ilgisini çeken konuları önemsediğinden ve "biçim, ana içerik plastikler, bir otlakta" (59). Zamanının birçok profesyonel estetiğinin ve sanatta biçim ve içerik hakkında sonu gelmeyen tartışmalara yol açan modern estetik anlayışının aksine, sanatı yaşayan gerçek bir sanatçı, biçimin gerekli olduğunu iyi hisseder.

sanatın gerçek içeriği budur ve geri kalan her şey doğrudan doğruya sanatla ilgili değildir. Bu arada, sanatın bu en önemli estetik ilkesi, genel olarak, farklı sanatçılar, World of Art'a uygun Vrubel, Korovin, Serov gibi.

Vrubel'e göre gerçek sanat formu, sanatçı "doğa ile aşk sohbetleri" yaptığında, tasvir edilen nesneye aşık olduğunda elde edilir. Ancak o zaman, bir sanat eseri algısının özelliği olan ve onu resimdeki ile aynı olayları anlatan basılı bir kağıttan ayıran, ruha "özel bir zevk" veren bir eser ortaya çıkar. Sanat formunun ana öğretmeni, doğanın yarattığı formdur. "Güzelliğin başında duruyor" ve herhangi bir "uluslararası estetik kodu" olmadan bizim için değerli çünkü "size tek başına açılacak ve sizinkini söyleyecek bir ruhun taşıyıcısı" (99-100). Ruhunu formun güzelliğinde gösteren doğa, böylece ruhumuzu bize gösterir. Bu yüzden gerçek yaratıcılık Vrubel, yalnızca sanatçının teknik zanaatında ustalaşmayı değil, her şeyden önce, görüntünün konusuna ilişkin derin ve doğrudan bir duyguda görüyor: derinden hissetmek, "bir sanatçı olduğunuzu unutmak ve önce olduğunuz için mutlu olmak" anlamına gelir. hepsinden önemlisi, bir kişi ”(99).

Bununla birlikte, genç sanatçılarda "derinlemesine hissetme" yeteneği, genellikle "okul" tarafından yenilir, onları teknik ayrıntılar üzerinde çalışırken alçılara ve oturaklara deler ve onlara dünyanın doğrudan estetik algısının her türlü hatırasını kazır. Vrubel ise ustalaşma tekniğinin yanı sıra sanatçının "saf, bireysel bir görünümü" koruması gerektiğine inanıyor çünkü "sanatçının zevklerinin tüm gücünü ve kaynağını" içeriyor (64). Vrubel buna kendi tecrübesiyle geldi. Örneğin, iş yerinde aynı yeri onlarca kez nasıl yeniden yaptığını anlatıyor: “Şimdi, yaklaşık bir hafta önce, ilk canlı parça çıktı, bu beni çok sevindirdi; Odak noktasına bakıyorum ve ortaya çıkıyor - doğanın en ayrıntılı canlı izlenimlerinin saf bir aktarımı ”(65). Hemen hemen aynı şeyi tekrarlıyor ve ilk izlenimcilerin bir düzine yıl önce Paris'te yaptıklarını aynı sözlerle açıklıyor, aynı zamanda sanatı Vrubel'in henüz aşina olmadığı tuval üzerine aktarılan doğanın doğrudan izlenimine hayran kalıyor. O zamanlar daha çok Venedik ve eski Venedikliler Bellini, Tintoretto, Veronese ile ilgileniyordu. Bizans sanatı da ona yerli görünüyordu: "Torcello'daydım, kalbim neşeyle kıpırdandı - canım, olduğu gibi, Bizans" (96).

Zaten "yerli" Bizans sanatının bu samimi tanınması çok değerlidir ve gerçek sanatın özünün derin bir şekilde anlaşılmasına tanıklık eder. Tüm hayatı boyunca "sanatta saf ve şık güzellik" (80) arayışının acı verici arayışıyla Vrubel, bu güzelliğin derin bir şeyin sanatsal bir ifadesi olduğunu, yalnızca bu yollarla ifade edildiğini çok iyi anladı. Uzun vadeli form arayışı, hem ünlü leylak çalısını boyarken (109) hem de Kiev kiliseleri için Hristiyan konuları üzerinde çalışırken - yazarın Bizans ve Eski Rus tarzı tapınak sanatını sanatsal olarak yeniden düşünmesi ve ne zaman onun için ebedi olan İblis teması üzerinde çalışmak ve gerçekten de herhangi bir resim çizerken. Ve onları tamamen Rus sanatsal düşünce özellikleriyle ilişkilendirdi. “Şimdi Abramtsevo'ya geri döndüm ve yine beni etkiliyor, hayır, beni etkilemiyor, ama tuvalde ve süslemede yakalamayı çok istediğim o samimi ulusal notayı duyuyorum. Bu, düzenli, farklılaşmış ve solgun Batı'nın oyalamalarıyla parçalara ayrılmamış, bütün bir insanın müziğidir” (79).

Ve bu "bütün adamın" müziği ancak tamamen resimsel yollarla aktarılabilir, bu nedenle her eserinde sürekli ve acı verici bir şekilde "pitoresklik" arar, bunu doğada fark eder. Evet, aslında sadece böyle bir doğa onun dikkatini çekiyor. 1883'te Peterhof'tan ailesine yazdığı bir mektupta, üzerinde çalışılan ve planlanan tabloları ayrıntılı olarak anlattı ve tüm dikkati yalnızca onların pitoresk yönüne, saf resme çekildi. Akşamları "müzik yerine" yerel balıkçıların "çok güzel hayatına" yakından bakmaya gidiyor. “Aralarında yaşlı bir adamdan hoşlandım: bakır bir kuruş kadar kara bir yüz, solmuş kirli gri saçlar ve keçeden dağınık bir sakal; kahverengi çizgili beyaz, dumanlı, katranlı bir sweatshirt, çıkıntılı kürek kemikleri, ayaklarında korkunç çizmeler ile eski belini garip bir şekilde sarıyor; teknesi, içi ve üstü kuru, gölgelerde yıpranmış kemiğe benziyor; omurgadan, ıslak, koyu, kadifemsi yeşil, beceriksizce kemerli - tam olarak bazı deniz balıklarının sırtı. Güzel bir tekne - taze tahta yamaları, güneşte ipeksi bir parlaklık, Kuchkur kamışlarının yüzeyini anımsatan. Buna, yansımanın mavi, kırmızımsı yeşil siluetinin tuhaf kıvrımlarıyla kesilen akşam kabarmasının leylak, mavimsi mavi tonlarını ekleyin ve çizmeyi düşündüğüm resim bu ”(92-93).

"Resim" o kadar sulu ve resmedilmeye değer bir şekilde anlatılmış ki, onu neredeyse kendi gözlerimizle görebiliyoruz. Buna yakın, diğer bazı çalışmalarını ve yeni fikirlerini anlatıyor. Aynı zamanda, onları vurgulamayı unutmayın.

pitoresk karakter, türün pitoresk nüansları: “Bu, ince nüanslar için bir çalışmadır: gümüş, alçı, kireç, mobilya boyama ve döşeme, bir elbise (mavi) - narin ve ince bir yelpaze; sonra sıcak ve derin bir akora sahip vücut, çiçeklerin alacalılığına dönüşür ve her şey şapkanın mavi kadifesinin keskin gücüyle kaplanır ”(92). Buradan, amaç ve anlam sorularının tartışıldığı modern gençliğin gürültülü toplantılarında açıkça görülüyor. plastik Sanatlar Proudhon ve Lessing'in estetik incelemeleri okunduğunda, "sanat sanat içindir" tezinin tek ve tutarlı savunucusu Vrubel'dir ve "sanatın kullanılmasının savunucularından oluşan bir kitle" ona karşı çıkar (90). Aynı estetik konum onu, hemen bir otorite olarak kabul edildiği ve kendisini sanatta sanatın savunucularının bu hareketine tam bir katılımcı hissettiği "Sanat Dünyasına" götürdü. Vrubel gurur duymadan "Biz Sanat Dünyası olarak toplum için gerçek ekmek bulmak istiyoruz" diyor (102). Ve bu ekmek, tamamen resimsel araçların yardımıyla, görünür gerçekliğin resmi belgelerinin değil, ruhun en derin hallerini ("ruhun yanılsaması") ifade eden şiirsel eserlerin yaratıldığı, onu "dan" uyandıran iyi gerçekçi sanattır. görkemli görüntülerle günlük hayatın küçük şeyleri” (113) izleyiciye manevi zevk veriyor.

K.Korovin World of Arts programını kabul eden ve sergilerine aktif olarak katılan , mükemmel manzara ressamı A.K. Savrasov'dan doğaya ve sanata estetik-romantik bakış açısını inceledi. Öğretmenin estetik ifadelerinin birçoğunu ezberledi ve bunları hayatında ve işinde takip etti. Korovin, Savrasov'un sözlerini, kendisinin ve Levitan'ın ön planda olduğu öğrencilerine "Asıl mesele" diye yazdı, "tefekkür - doğanın güdüsü duygusu. Duygu yoksa sanata ve manzaraya gerek yoktur.” “Doğa sevgisi yoksa sanatçı olmaya da gerek yok, gerek de yok.<...>Romantizme ihtiyacımız var. sebep. Romantizm ölümsüzdür. Ruh hali gereklidir. Doğa her zaman nefes alıyor. Her zaman şarkı söyler ve şarkısı ciddidir. Doğayı tefekkür etmekten daha büyük bir zevk yoktur. Dünya cennettir ve yaşam bir gizemdir, güzel bir gizemdir. Evet, bir sır. Ünlü hayatı. Sanatçı aynı şairdir”(144, 146).

Öğretmenin bu ve benzeri sözleri, Savrasov'un romantik ve estetik acılarını koruyan Korovin'in ruhuna çok yakındı, ancak doğanın güzelliğini ifade etmede öğretmeninden çok daha ileri gitti. sanatsal teknikler ve özellikle empresyonist olanlar olmak üzere modern resimsel buluntuların kullanımı. Teorik olarak, herhangi bir keşif yapmaz, basit ve hatta bazen oldukça ilkel bir şekilde.

Sanat Dünyasının konumuna benzer ve zamanına hakim olan "yaşam estetiği", Gezginler ve demokratik yönelimli estetik ve sanat eleştirmenleriyle (Pisarev, Stasov vb.) keskin bir şekilde çelişen estetik konumunu ifade eder. ve Vrubel ve 1898'deki ilk sergilerden sonraki tüm Sanat Dünyası toplu olarak dekadan olarak kaydedildi.

Korovin, çocukluğundan beri doğada fantastik, gizemli ve güzel bir şey hissettiğini ve hayatı boyunca doğanın bu gizemli güzelliğinin tadını çıkarmaktan yorulmadığını yazıyor. Savrasov'un derslerini neredeyse kelimesi kelimesine "Akşamlar, gün batımları ne kadar güzel, doğada kaç tane ruh hali, izlenimleri var" diye tekrarlıyor. - Bu neşe müzik gibidir, ruhun algısıdır. Ne şiirsel hüzün" (147). Ve sanatında, doğanın doğrudan algılanan güzelliğini, yaşanan ruh halinin izlenimini ifade etmeye, somutlaştırmaya çalıştı. Aynı zamanda, "resim sanatının tek bir amacı olduğuna - güzelliğe hayran olmak" (163) olduğuna derinden inanıyordu. Bu özdeyişi Polenov'dan büyük tuvali Mesih ve Günahkar hakkında konuşmasını istediğinde kendisi verdi. Korovin nezaketen resmi övdü, ancak konuya soğuk kaldı, çünkü ustanın resimsel araçlarının kendisinde soğuk hissetti. Aynı zamanda, Korovin'in bir zamanlar yazdığı gibi, öğrencilerine “saf resim hakkında” ilk söyleyen Polenov'un konseptini de takip etti. Nasıl... renk çeşitliliği hakkında yazılmıştır ”(167). Bu Nasıl ve tüm çalışmalarında Korovin için ana şey oldu.

“Boyanın, ışığın güzelliğini hissetmek - sanatın biraz ifade ettiği şey budur, ancak tonların ilişkisini almak, özgürce tadını çıkarmak gerçekten doğrudur. Tonlar, tonlar daha doğru ve ölçülüdür - içerik onlardır" (221). İşinizde İzlenimcilerin ilkelerini takip edin. Ton için, tonlarda, renk ilişkilerinde - resmin içeriği için bir arsa aramak. Bu tür açıklamaların ve arayışların hem Rus resim akademisyenleri hem de 90'ların Gezginleri için son derece devrimci olduğu açıktır. 19. yüzyıl Korovin ve Empresyonistlerin cesaretine henüz ulaşmamış olsalar da, onları yalnızca Sanat Dünyasından gençler anlayabilirdi, ancak onlara saygıyla davrandılar. Bölgedeki aramalar için tüm bu coşkuyla, tamamen sanatsal ifade Korovin, tarihsel retrospektifinde sanatın genel estetik anlamının gayet iyi farkındaydı. Alman klasik estetiğinin doruklarına, en büyük romantiklerin estetiğine yükselen bir Rus sanatçısının sezgisel içgörüsü, "Yalnızca sanat insanı erkeğe dönüştürür" şeklindedir. Ve burada da pozitivistler ve materyalistlerle Korovin için beklenmedik bir polemik: “Bu doğru değil, Hristiyanlık

insanı estetik duygusundan mahrum bırakmadı. Mesih yaşamayı ve yeteneği gömmemeyi emretti. Pagan dünyası, Hıristiyanlık döneminde, belki iki kat daha fazla yaratıcılıkla doluydu” (221).

Aslında Korovin, kendi tarzında, sanatta tüm sanat dünyasıyla aynı şeyi arıyor - sanat, sanatın estetik niteliği. Varsa, herhangi bir sanatı kabul eder: hem pagan hem de Hıristiyan, hem eski hem de yeni, en modern (izlenimcilik, neo-izlenimcilik, kübizm). Keşke "estetik algıyı" etkileseydi, "manevi haz" sunsaydı (458). Bu nedenle, tamamen estetik bir özellik olarak resmin dekoratifliğine olan özel ilgisi. Sürekli üzerinde çalıştığı tiyatro sahnesinin dekoratif nitelikleri hakkında çok şey yazıyor. Ve sahnenin asıl amacını, organik olarak tek bir topluluğa katılmalarında gördü: dramatik aksiyon - müzik - manzara. Bu bağlamda, Rimsky-Korsakov'un Puşkin ve bestecinin dehalarının Korovin'in (393) sahnesine dayalı olarak tek bir eylemde başarılı bir şekilde birleştirildiği Tsar Saltan'ın başarılı prodüksiyonu hakkında özel bir hayranlıkla yazdı.

Genel olarak Korovin, yazdığı gibi, dekorunda kulağa müzikle aynı zevki seyircinin gözüne verecek şekilde aradı. “İzleyicinin gözü estetik olarak, ruhun kulağı da müzikten zevk alsın istedim” (461). Bu nedenle çalışmalarında hep ön plandadır. Nasıl hangisinden geliyor bir şey sanatçı değil Ne, bunun bir sonucu olmalı Nasıl. Taslak notlarında ve mektuplarında bunu defalarca yazıyor. nerede Nasıl sanatçı tarafından yapay olarak eziyet edilen, abartılı bir şey değildir. Hayır, Korovin'e göre bu, organik "güzellik dili" arayışının bir sonucudur, dahası, sınırsız, organik bir arayış - "sanat biçimleri yalnızca sevgiden, özgürlükten, rahatlıktan geldiklerinde iyidir. kendi içlerinde” (290). Ve gerçek, böylesine istemsiz, ancak samimi bir arayışla birleştiğinde, güzelliğin orijinal bir biçimde ifadesi olan herhangi bir sanattır.

Korovin'in tüm bu ve benzeri yargıları altında, Sanat Dünyası'nın hemen her üyesi abone olabildi. Sanatın estetik niteliğini, onu yeterli bir biçimde ifade edebilme arayışı, ana görev Bu topluluğun üyeleri ve neredeyse tüm üyeleri, parlak olmasa da (Vrubel'in bazı seçkin tabloları hariç), ancak orijinal sanatsal açıdan değerli sanat eserleri yaratmak için çalışmalarında kendi yöntemleriyle çözmeyi başardılar. sanat tarihinde hak ettikleri yeri

notlar

En azından monografilere bakın: Benois A.N. "Sanat Dünyası" nın ortaya çıkışı. L., 1928; Etkind M. Alexander Nikolaevich Benois. L.-M., 1965; Gusarova A.P. "Sanat Dünyası". L., 1972; Lapşina N.P. "Sanat Dünyası". Tarih ve yaratıcı uygulama üzerine denemeler. M., 1977; Pruzhan I. Konstantin Somov. M., 1972; Zhuravleva E.V. K.A.Somov. M., 1980; Golynets S.V. LS Bakst. L., 1981; Pozharskaya M.N. Rus tiyatro ve dekoratif sanatı geç XIX- XX yüzyılın başı. M., 1970, vb.

Sanat Dünyasının Sanatçıları.

"Sanat Dünyası" - 1898'de St. Petersburg'da ortaya çıkan ve en yüksek sanat kültürünün ustalarını, o yılların Rusya'sının sanatsal seçkinlerini birleştiren bir organizasyon. "Sanat Dünyası" nın başlangıcı, A. Benois'nın sanata, edebiyata ve müziğe adanmış evinde akşamları atıldı. Orada toplanan insanlar, güzelliğe olan aşkları ve gerçeğin çirkin olduğu için güzelliğin ancak sanatta bulunabileceği inancıyla birleştiler. Geç Gezginlerin bayağılığına, eğitici ve açıklayıcı doğasına bir tepki olarak da ortaya çıkan Sanat Dünyası, kısa sürede Rus sanat kültürünün en önemli fenomenlerinden biri haline geldi. Bu derneğe neredeyse tüm ünlü sanatçılar katıldı - Benois, Somov, Bakst, E.E. Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, ayrıca Larionov ve Goncharova. Bu derneğin oluşumu için büyük önem taşıyan kişilik, Diaghilev, sergilerin hamisi ve organizatörü ve daha sonra - yurtdışındaki Rus bale ve opera turlarının impresario'su ("Rus Mevsimleri", Avrupa'yı Chaliapin, Pavlova, Karsavina, Fokine, Nijinsky ve diğerlerinin çalışmalarıyla tanıştırdı ve dünyaya bir örnek gösterdi. çeşitli sanat biçimlerinin en yüksek kültürü: müzik , dans, resim, senografi). Diaghilev, "Sanat Dünyası" oluşumunun ilk aşamasında, 1897'de St. Petersburg'da İngiliz ve Alman suluboyalarından oluşan bir sergi, ardından 1898'de Rus ve Fin sanatçılarının bir sergisini düzenledi. 1899'dan 1904'e kadar onun editörlüğü altında, sanat ve edebiyat olmak üzere iki bölümden oluşan aynı adla bir dergi yayınlandı. Derginin ilk sayılarının başyazıları açıkça "Sanat Dünyası" nın ana hükümlerini formüle etti» sanatın özerkliği üzerine modern kültürün sorunlarının yalnızca sanatsal biçim sorunları olduğu ve sanatın asıl görevinin, öncelikle dünya sanat eserlerini tanıyarak Rus toplumunun estetik zevklerini eğitmek olduğunu. Onlara hakkını vermeliyiz: World of Art sayesinde İngiliz ve Alman sanatı gerçekten yeni bir şekilde takdir edildi ve en önemlisi, resim birçokları için bir keşif haline geldi. Rus XVIII yüzyıl ve St. Petersburg klasisizminin mimarisi. "Sanat Dünyası", "bir sanat olarak eleştiri" için savaştı ve yüksek bir profesyonel kültüre ve bilgi birikimine sahip bir eleştirmen-sanatçı idealini ilan etti. Böyle bir eleştirmenin türü, The World of Art'ın yaratıcılarından biri olan A.N. Benoit.

"Miriskusniki" sergiler düzenledi. İlki aynı zamanda Rusların yanı sıra Fransa, İngiltere, Almanya, İtalya, Belçika, Norveç, Finlandiya vb. Ancak bu iki okul - St. Petersburg ve Moskova - arasındaki çatlak neredeyse ilk günden itibaren belirlendi. Mart 1903'te World of Art'ın son, beşinci sergisi kapandı, Aralık 1904'te World of Art dergisinin son sayısı çıktı. Sanatçıların çoğu, Moskova "36" sergisi temelinde düzenlenen "Rus Sanatçılar Birliği" ne taşındı. Diaghilev tamamen bale ve tiyatroya girdi. 1906, ardından Berlin ve Venedik'te sergilendi (1906-1907). modern resmin bölümü, ana yer "Sanat Dünyası" tarafından işgal edildi. Bu, "Sanat Dünyası" nın tüm Avrupa'da tanınmasının ilk eylemi ve ayrıca 18. - 20. yüzyılın başlarındaki Rus resminin keşfiydi. Batı eleştirisi ve Rus sanatının gerçek bir zaferi için genel olarak yüzyıllar

"Sanat Dünyası"nın önde gelen sanatçısı Konstantin Andreyeviç Somov(1869–1939). Sanat Akademisi'nden mezun olan ve Avrupa'yı dolaşan Hermitage baş küratörünün oğlu Somov, mükemmel bir eğitim aldı. Yaratıcı olgunluk ona erken geldi, ancak araştırmacının (V.N. Petrov) haklı olarak belirttiği gibi, her zaman bir ikiliği vardı - güçlü bir gerçekçi içgüdü ile acı verici derecede duygusal bir dünya görüşü arasındaki mücadele.

Somov, bildiğimiz kadarıyla, sanatçı Martynova'nın (“Mavili Kadın”, 1897–1900, Devlet Tretyakov Galerisi) portresinde “Geçmiş Zamanın Yankıları” (1903, d. haritada) portre resminde yer aldı. , aqua., guaj, Devlet Tretyakov Galerisi ), modernitenin gerçek günlük belirtilerini aktarmayı reddederek, çökmekte olan modelin kırılgan, anemik kadın güzelliğinin şiirsel bir karakterizasyonunu yarattığı yer. Modellere eski kostümler giydirir, görünüşlerine gizli ıstırap, hüzün ve hayal kurma, acı veren kırılma özellikleri verir.

The World of Art'ta herkesten önce Somov geçmişin temalarına, 18. yüzyıl yorumuna yöneldi. ("Mektup", 1896; "Gizlilik", 1897), Benois'nın Versailles manzaralarının öncüsü. Asalet, mülk ve saray kültürünün motiflerinden ve ironi ile dolu tamamen öznel sanatsal duyumlarından örülmüş gerçeküstü bir dünya yaratan ilk kişidir. "Sanat Dünyası"nın tarihselciliği, gerçeklikten bir kaçıştı. Geçmiş değil, sahnelenmesi, geri getirilemezliğine duyulan özlem - bu onların ana nedenidir. Gerçek eğlence değil, sokaklarda öpücüklerle eğlenceli bir oyun - Somov böyle.

Somov'un diğer çalışmaları, yakıcı ironi, manevi boşluk ve hatta umutsuzlukla dolu pastoral ve cesur şenliklerdir (“Gülünç Öpücük”, 1908, Rus Müzesi; “Markiz Yürüyüşü”, 1909, Rus Müzesi). 18. - 19. yüzyılın başlarından aşk sahneleri. Her zaman bir parça erotik dokunuşa sahip olan Somov, bir grafik sanatçısı olarak çok çalıştı, S. Diaghilev'in D. Levitsky üzerine bir monografisi ve A. Benois'nın Tsarskoye Selo üzerine bir makalesi tasarladı. Ritmik ve üslup bütünlüğüyle tek bir organizma olarak kitap, onun tarafından olağanüstü bir yüksekliğe yükseltildi. Somov bir illüstratör değil, A.A. Sidorov ve bu çok doğru.

Somov"Lady in Blue" "Paten Pistinde" Benois. A. "Kralın Yürüyüşü"

"Sanat Dünyası"nın ideolojik lideri, Alexander Nikolaevich Benois(1870-1960) - alışılmadık derecede çok yönlü bir yetenek. Ressam, şövale grafik sanatçısı ve illüstratör, tiyatro sanatçısı, yönetmen, bale librettolarının yazarı, sanat teorisyeni ve tarihçisi, müzikal figür, A. Bely'nin sözleriyle "Sanat Dünyası" nın ana politikacısı ve diplomatıydı. St.Petersburg sanat aydınlarının en yüksek tabakasından (besteciler ve şefler, mimarlar ve ressamlar) gelen, önce St. Petersburg Üniversitesi hukuk fakültesinde okudu.

Bir sanatçı olarak, üslup eğilimleri ve geçmişe olan bağımlılığı ile Somov ile ilişkilidir ("Versay ile sarhoşum, bu bir tür hastalık, aşk, suç tutkusu ... Tamamen geçmişe taşındım ...") . Benois, Versay manzaralarında 17. yüzyılın tarihi yeniden inşasını birleştirdi. ve sanatçının çağdaş izlenimleri, Fransız klasisizm anlayışı, Fransız gravürü. Net kompozisyon, net uzamsallık, ritimlerin ihtişamı ve soğuk sertliği, sanat anıtlarının ihtişamı ile insan figürlerinin küçüklüğü arasındaki karşıtlık buradan kaynaklanır; bunlar arasında yalnızca personel vardır (1896-1898 tarihli 1. Son Yürüyüşler Louis XIV"). İkinci Versailles serisinde (1905-1906), ilk sayfaların da özelliği olan ironi, neredeyse trajik notalarla ("Kralın Yürüyüşü") renklendirilir. Benois'nın düşüncesi, tiyatroyu çok iyi bilen ve hisseden mükemmel bir tiyatro sanatçısının düşüncesidir.

Doğa, Benois tarafından tarihle ilişkisel bir bağlantı içinde algılanır (kendisi tarafından suluboya tekniğiyle yürütülen Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoye Selo'nun görüşleri).

Moskova yayınevi Knebel tarafından yaptırılan Rus geçmişinden bir dizi resimde ("Kraliyet Avları" için çizimler), 18. yüzyılın asil, toprak sahibi yaşamının sahnelerinde. Benois, Paul I yönetimindeki biraz teatral bir Geçit Töreni olsa da, bu dönemin samimi bir görüntüsünü yarattı. Çizer Benois (Puşkin, Hoffman) kitabın tarihinde koca bir sayfadır. Somov'dan farklı olarak Benois, anlatısal bir örnek oluşturur. Sayfa düzlemi onun için başlı başına bir son değildir. Maça Kızı için çizimler, A.A. Sidorov, "kitapta ne kadar sanat var". The Bronze Horseman'ın (1903,1905,1916,1921–1922, renkli gravürleri taklit eden mürekkep ve sulu boya) grafik tasarımı kitap illüstrasyonunun bir başyapıtıydı. Büyük şiir için bir dizi resimde, ana karakter St.Petersburg'un şimdi ciddi bir şekilde acıklı, şimdi barışçıl, şimdi uğursuz olan ve Eugene figürünün daha da önemsiz göründüğü mimari manzarasıdır. Benois, Rus devletinin kaderi ile küçük bir adamın kişisel kaderi arasındaki trajik çatışmayı böyle ifade ediyor ("Ve bütün gece zavallı deli, / Ayaklarını nereye çevirirse çevirsin, / Bronz Süvari her yerde onunlaydı / Bir ağır tepinme dörtnala").

"Bronz Süvari"

"Paul I altında geçit töreni"

tiyatro gibi sanatçı Benois Stravinsky'nin müziği için en ünlüsü "Petrushka" balesi olan "Rus Mevsimleri" performanslarını tasarladı, Moskova Sanat Tiyatrosu'nda ve daha sonra neredeyse tüm büyük Avrupa sahnelerinde çok çalıştı.

Benois faaliyetleri - Sanat eleştirisi ve Grabar ile birlikte Rus sanat tarihinin yöntemlerini, tekniklerini ve temalarını güncelleyen bir sanat tarihçisi - bu, sanat eleştirisi tarihinde koca bir aşamadır (bkz. "The History of Picture of the 19th Century", R. Muther - "Rus Resmi" cildi, 1901-1902; "Rus Okulu resmi", 1904 baskısı; "İmparatoriçe Elizabeth Petrovna döneminde Tsarskoe Selo", 1910; "Sanat Dünyası" ve "Eski Yıllar" dergilerindeki makaleler, "Rusya'nın Sanatsal Hazineleri" vb.).

"Sanat Dünyası"nın çekirdeğindeki üçüncüsü, Lev Samuilovich Bakst(1866-1924), tiyatro sanatçısı olarak ünlenen ve "Sanat Dünyası" arasında Avrupa'da ün kazanan ilk kişi oldu. Sanat Akademisi'nden "Sanat Dünyasına" geldi, ardından Art Nouveau tarzını savundu, Avrupa resmindeki sol akımlara katıldı. "Sanat Dünyası" nın ilk sergilerinde, canlı haller akışıyla gelen doğanın bir türe dönüştüğü bir dizi resimli ve grafik portre (Benoit, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diaghilev) sergiledi. çağdaş bir kişinin ideal temsili. Bakst, Paris'te Diaghilev'in "Rus Mevsimleri"nin amblemi haline gelen "World of Art" dergisinin markasını yarattı. Bakst'ın grafikleri 18. yüzyıl motiflerinden yoksundur. ve mülk temaları. Antik çağa, ayrıca sembolik olarak yorumlanan Yunan arkaikine yöneliyor. Sembolistler arasında özellikle başarılı olan "Antik Korku" - "Terör antiquus" (tempera, 1908, Rus Müzesi) tablosuydu. Korkunç fırtınalı gökyüzü, denizin derinliklerini aydınlatan şimşekler ve Antik şehir, - ve tüm bu evrensel felaket, gizemli donmuş bir gülümsemeyle arkaik havlamaya hakimdir. Kısa süre sonra Bakst kendini tamamen tiyatro ve sahne çalışmalarına adadı ve Diaghilev girişiminin baleleri için olağanüstü bir parlaklıkla, sanatsal bir virtüözle icra edilen dekoru ve kostümleri ona dünya çapında ün kazandırdı. Tasarımında Fokine'nin baleleri olan Anna Pavlova ile performanslar vardı. Sanatçı, Rimsky-Korsakov'un Scheherazade, Stravinsky'nin The Firebird (her ikisi de 1910), Ravel'in Daphnis ve Chloe ve Debussy'nin müziği için The Afternoon of a Faun (her ikisi de 1912) için setler ve kostümler yaptı.

Bir Faun'un "Antik Korku" Öğleden Sonrası "Gippius'un Portresi"

"World of Art"ın ilk kuşağının en küçüğü Evgeny Evgenievich Lansere (1875–1946),çalışmasında tüm ana sorunlara değindi kitap grafikleri 20. yüzyılın başları ("Brittany antik kalelerinin efsaneleri" kitabı için çizimlerine bakın, Lermontov için, Bozheryanov'un "Nevsky Prospekt" kapağı, vb.). Lansere, St. Petersburg'un bir dizi suluboya ve litografisini yarattı (Kalinkin Köprüsü, Nikolsky Pazarı, vb.). Mimari, tarihi kompozisyonlarında büyük bir yer kaplar (“Tsarskoye Selo'da İmparatoriçe Elizaveta Petrovna”, 1905, Devlet Tretyakov Galerisi). Serov, Benois, Lansere'nin çalışmasında yeni bir tarihi resim türü yaratıldığını söyleyebiliriz - olay örgüsünden yoksundur, ancak aynı zamanda birçok tarihi, edebi ve estetik çağrışım uyandıran dönemin görünümünü mükemmel bir şekilde yeniden yaratır. . Lansere'nin en iyi kreasyonlarından biri - L.N. için 70 çizim ve suluboya. Benois'nın "Tolstoy'un güçlü müziğine mükemmel şekilde uyan bağımsız bir şarkı" olarak gördüğü Tolstoy'un "Hacı Murad" (1912-1915) adlı eseri.

Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky'nin programında(1875–1957), Puşkin döneminin Petersburg'unu veya 18. yüzyılı, neredeyse trajik bir ifadeyle ("Eski Ev", 1905, suluboya, Devlet Tretyakov Galerisi) aktarabildiği modern bir şehir kadar temsil etmiyor. yanı sıra bu tür şehirlerde yaşayan bir insan (" Gözlüklü Bir Adam ", 1905-1906, pastel, Devlet Tretyakov Galerisi: yalnız, kasvetli evlerin fonunda, kafası kafatasına benzeyen üzgün bir adam). Geleceğin şehirciliği, Dobuzhinsky'ye panik korkusu verdi. Ayrıca, Dostoyevski'nin Beyaz Geceler (1922) için yaptığı mürekkep çizimleri serisinin en dikkate değer olarak kabul edilebileceği illüstrasyon alanında da yoğun bir şekilde çalıştı. Dobuzhinsky ayrıca Nemirovich-Danchenko "Nikolai Stavrogin" (Dostoyevski'nin "Şeytanlar" adlı oyunu) için tasarlanan tiyatroda, Turgenev'in "Köyde Bir Ay" ve "Serbest Yükleyici" oyunlarında çalıştı.

"Sanat Dünyası" nda özel bir yer kaplar Nicholas Roerich(1874–1947). Doğu felsefesi ve etnografyası uzmanı, bir arkeolog-bilim insanı olan Roerich, önce evde, ardından St.Petersburg Üniversitesi hukuk ve tarih-filoloji fakültelerinde, ardından Sanat Akademisi'nde atölyede mükemmel bir eğitim aldı. Kuindzhi ve Paris'te F. Cormon'un stüdyosunda. Erken bir bilim adamının otoritesini kazandı. "Sanat Dünyası" ile, yalnızca 17-18. stilistik eğilimler, teatral dekoratiflik (“Messenger”, 1897, Devlet Tretyakov Galerisi; “The Elders Converge”, 1898, Rus Müzesi; “Uğursuz”, 1901, Rus Müzesi). Roerich, Rus sembolizminin felsefesi ve estetiği ile en yakından ilişkiliydi, ancak sanatı mevcut eğilimlerin çerçevesine uymuyordu, çünkü sanatçının dünya görüşüne uygun olarak, olduğu gibi tüm insanlığa döndü. tüm halkların dostane birliği için çağrıda bulunun. Resimlerinin özel destansı doğası buradan gelir.

"Gök Dövüşü"

"Yurtdışı misafirler"

1905'ten sonra, Roerich'in çalışmalarında panteist mistisizm havası arttı. Tarihsel temalar yerini dini efsanelere bırakıyor (Göksel Savaş, 1912, Rus Müzesi). Rus ikonunun Roerich üzerinde büyük bir etkisi oldu: dekoratif paneli The Battle of Kerzhents (1911), Rimsky-Korsakov'un The Tale of operasından aynı adlı bir parçanın performansı sırasında sergilendi. görünmez şehir Kitezh ve Maiden Fevronia" Paris "Rus Mevsimleri" nde.

"Sanat Dünyası"nın ikinci kuşağında en yetenekli sanatçılardan biri Boris Mihayloviç Kustodiev'di(1878–1927), Danıştay'daki çalışmalarında kendisine yardım eden Repin'in bir öğrencisi. Kustodiev aynı zamanda stilizasyonla da karakterize edilir, ancak bu popüler popüler baskının bir stilizasyonudur. Bu nedenle, parlak şenlikli "Fuarlar", "Shrovetide", "Balagany", dolayısıyla küçük-burjuva ve tüccar hayatından resimleri, hafif bir ironiyle aktarıldı, ancak bir semaverin arkasındaki bu kırmızı yanaklı, yarı uykulu güzelliklere hayran kalmadan değil ve dolgun parmaklı tabaklarla ("Tüccar", 1915, Rus Müzesi; "Çay Tüccarı", 1918, Rus Müzesi).

A.Ya. Golovin, 20. yüzyılın ilk çeyreğinin en büyük tiyatro sanatçılarından biridir; I. ​​Ya. Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedeva ve diğerleri.

"Sanat Dünyası", yüzyılın başında, tüm modern sanat kültürünü abartan, yeni zevkleri ve sorunları onaylayan, sanata - en yüksek profesyonel düzeyde - kitap grafiklerinin ve teatral sanatın kayıp biçimlerini geri getiren büyük bir estetik hareketti. ve çabalarıyla tüm Avrupa'da tanınan dekoratif resim, Rus sanatını yurt dışında tanıtan yeni sanat eleştirisi yarattı, hatta Rusya 18. yüzyılı gibi bazı aşamalarını bile açtı. "Miriskusniki", kendi üslup özelliklerine (belirgin üslup eğilimleri, grafik tekniklerin baskınlığı) sahip yeni bir tarihi resim, portre, manzara türü yarattı.