Mentre il grande regista sovietico Meyerhold è stato ucciso. Master Master Game.

14.04.2019

IO. Studio del teatro

Nel 1905, il cosiddetto "studio teatrale" dovrebbe essere aperto a Mosca. Per quasi sei mesi - in primavera - nel "workshop mock-up" del teatro artistico, in estate - nel parco Dupei su Mammontovka nella strada Yaroslavl, in autunno - nel teatro dell'Arianbat Gate - Attori , Direttori, artisti e musicisti, raccolti da KS Stanislavsky, con un'energia straordinaria è stata preparata per l'apertura di un nuovo giovane teatro; Ma il teatro non era Suszhґdenovo per mostrare il suo lavoro non solo per il pubblico in generale, ma anche un cerchio vicino interessato a questa nuova compagnia teatrale. Nonostante, tuttavia, che il Teatro Studio non ha aperto le sue porte al pubblico, ha svolto un ruolo molto significativo nella storia del teatro russo. Tutto il fatto che poi gli avanzati i nostri teatri nell'eccitazione nervosa e con straordinaria fretta cominciarono a visitare nelle loro scene, con fiducia che si può dire, li ha graffiati da una fonte. E tutti i motivi che depongono la base delle nuove interpretazioni del palcoscenico erano nativi, significativi per coloro che vivevano nel lavoro creativo dello studio. Ma lo storico è privato dell'opportunità di celebrare questo fenomeno, perché il Ralotea del teatro è passato con porte chiuse, e solo un po 'sessò sessuata per conoscere il volto del teatro di arresto. Albero. I brucitori hanno scritto sulla prove generale della "morte del tentuile" come segue: "Ero tra i pochi, che è stato fortunato a vedere in studio la prove generale della" morte del meterlinka tentupile ". In generale, c'era Una delle performance più interessanti, che ho visto nella vita. " Mentre all'interno dello studio teatrale, il lavoro è stato bollente, dai giornali e dai riviste è stato possibile imparare: 1) "Questa primavera (1905), un'esistenza triennale di una nuova partnership drammatica è stata soddisfatta (1902-1905), e questo terzo L'anno è diventato l'ultimo. La nuova partnership del dramma non esiste più. Enereprenener Meyerhold ritorna a Mosca, al teatro artistico, a Stanislavsky. Stanislavsky organizza una nuova compagnia, al capo dei quali ospiterà il repertorio "Moderno". 10 -15 pezzi. Posta da giostre provinciali. Inoltre, l'organizzazione nel pubblico del museo storico con la partecipazione della compagnia di questo nuovo teatro. La serata sarà caduta da poeti stranieri e rustici (Baudelaire, E. da, Verjnun, V. Bryusov, Balmont, Vyach. Ivanov, A. Chi, ecc.). " 2) "La filiale del teatro artistico (Studio teatrale), organizzato sotto il capo della Stanislavsky e il controllo diretto di Meyerholhold, sarà nel teatro GIRSH, presso la Porta Arbat. Lo scopo di questa impresa è quello di inserire La provincia di trope e teatri seriamente diretti e ben impostati. " 3) "Apparirà la comunicazione con il teatro artistico, il modo principale, in linea di principio, nel senso delle stesse fondamenta della produzione" sottile "di opere, ma con qualche distinzione nel repertorio." 4) "Mi chiedo se questo teatro sarà il corriere e continuerà le convinzioni del teatro artistico o le nuove aspirazioni e la ricerca di drammatiche e arte teatrale? "L'ultima domanda è rimasta la stessa all'aperto. Rimane poco chiaro e il volto del teatro, che accettava nel suo repertorio metristhlink accanto a Gorky, Psibushevsky vicino a Ibsen, Verjars vicino al campo (" Heroedness russo "). Nessuno sapeva se il teatro Davvero non sapevo -Studiya - l'espulsione del ramo del teatro artistico, cioè, sia che questi due teatri si trovino - l'artistico e lo studio - in termini ideologici nella stessa connessione, come ad esempio, a Mosca piccoli e nuovi teatri. Il Teatro Studio è stato fondato da KS Stanislavsky. Vero e il fatto che sono entrato in questo direttore commerciale con il nucleo miglior potenza Dalla comunità di un nuovo dramma, ma il Teatro Studio non era in realtà il Fianto Branch of the Art Theatre, anche se K. S. Staniґslavsky e voleva che diventi tale. Questo riferimento è necessario per sapere che il teatro-studio ha bruciato la sua vita liberamente, e, come mi sembra, è per questo che è presto liberato dal teatro d'arte, così presto e facilmente rifiutato di fare pronto forme e si sforzano e coraggiosamente nuovo mondoPer iniziare la tua costruzione dal basso. Il primo incontro dello staff degli Studios ha avuto luogo il 5 maggio, e già a questo riunione tali note sono state suonate: forme moderne arte drammatica avere a lungo sperimentato da soli. Il Viewer moderno richiede altre tecniche. Il teatro d'arte ha raggiunto il virtuosismo nel senso della naturalezza vitale e semplicità naturale esecuzione. Ma c'erano drammi che richiedono nuove tecniche in ambientazione ed esecuzione. Il teatro dello studio dovrebbe sforzarsi di aggiornare l'arte drammatica con nuove forme e ricevimenti della performance del palcoscenico. A giudicare dal fatto che gli attori leggino il passaggio da Antoine, era apparentemente del movimento del giovane teatro in avanti nel senso di evoluzioneforme trovate dal teatro d'arte. E trovando nuove visioni nella drammatica letteratura Le corrispondenti nuove forme di incarnazione sul palcoscenico ancora non intendevano strappare con il passato così audacemente, come ha fatto più tardi nel suo lavoro teatrale-studio. "Teatro leggermente con la sua naturalezza del gioco non è, naturalmente, l'ultima parola e non pensa di fermarsi al punto di congelamento;" Giovane teatro "insieme al suo sonore (teatro artistico) deve continuare ad andare oltre." Quindi, il teatro studio, come sembrava, doveva avere evolvere E, forse, non è altrimenti evolvere come il percorso del meraviglioso teatro. Ma a giugno, all'apertura del fienile di prova, a Mammontovka, uno degli ospiti desiderava che lo studio non imitare il teatro d'arte. Per trovare le forme letterarie di un nuovo dramma, la corrispondente tecnica della messa in scena e l'aggiornamento delle opere di palcoscenico di nuove tecniche tecniche, artisti e amministratori (troupe a sinistra fino a giugno) approfonsero per un mese intero nel workshop della Make, che il teatro artistico gentilmente fornito. Il mese di maggio del teatro dello studio è stato significativo. Nel destino di ulteriori esperienze dei leader della primavera Studio-Studio ha svolto un ruolo fatale. I piani delle pianure del gioco nel workshop di Maquette "Pishing," Snow "Psybyshevsky," Soldier Sun "Rashild," Colleaga Campton "e" Riconciliazione delle vacanze "Hauptman," Sfhinx "Tetmayer," Sette principesse "Meterlinka e" donna Nella finestra "Hoffmanstal. Gli artisti hanno lavorato insieme ai direttori: Denisov, Ulyanov, Kn. Gugunava e Golst. Ma lavorando al layout, come un modo di cercare linee, angoli e umore di paesaggi, - artigianato, inaccettabile per l'artista. Se il regista e l'artista è un senso di una pittoresca scuola, il regista dà un disegno (piano), l'artista per questa figura dà l'armonia delle vernici, la posizione di macchie colorate. Tale lavoro congiunto del direttore e dell'artista ha dato un numero di schizzi. Lo schizzo di regia del carbone o della matita del modello del movimento schematico delle linee - o (se quest'ultimo non possiede la vernice) lo schizzo dello schizzo dello scenario nella vernice, realizzato dall'artista, è abbastanza per andare alla scena oltre disposizione. Pertanto, quando c'erano molti layout raffiguranti interieur "BI e Exterieur" BI, come sono nella vita, il layout del laboratorio improvvisamente attenuato, era già arrabbiato e nervoso e attese la possibilità quando qualcuno sposta per la prima volta che è tempo per Tutti i pulsanti MA per bruciare e sciogliere. Tuttavia, nel percorso superato non ha dovuto pentirsi. Era questo mestiere che ha servito il servizio teatro. Tutti hanno capito: una volta che la colla dei layout è così complicata, significa che l'intera macchina teatrale è complessa. Credere nelle mani del layout, siamo girato nelle mani. Teatro moderno Volevamo bruciare e calpestare i layout; Stavamo già avvicinandoci a calpestare e bruciare tecniche obsolete del teatro naturalistico. Il primo impulso alla rottura finale con il layout è stato dato dagli artisti di Sapunov e Sudiykin. È stato il primo impulso per la ricerca di nuovi droghe espressive semplici sulla scena. Sono stati affidati a "risolvere" la "morte del Tentaxile" Meterlinka. Per il lavoro di questo, hanno preso il trepidazione, poiché entrambi attratti pittura decorativa E entrambi amati Melligan, ma anche l'altro ha promesso di inviare schizzi, e alcuni dei lucconi sono stati rifiutati piatti. Solo allora, quando gli schizzi erano pronti, hanno accettato di saldare e tagliare i layout, e solo solo gli attori si sarebbero spostati per muoversi, altrimenti, per muoversi, in altre parole, per essere visibile, dove lo farà la scena essere situato sul palco la tela dove il pavimento della scena, dove le piattaforme, ecc., sono state imparate le opere di Sapunov e Sudaiykin, sul fatto che erano "permessi il piano" a morte del piano "sui piani, Secondo il metodo condizionale, il lavoro di altri artisti mi sono completamente caduto dalle mani. E questo è il periodo di atteggiamento negativo nei confronti dei layout e è stato originato il ricevimento di piani impressionistici, è stato progettato che gli artisti concordati sul compromesso e il mestiere rimosso - adesivo nel layout dei dettagli architettonici (il compito del Teatro Natuґralistico) , - Certo, non voleva sacrificare le loro lettere. E non importa come si stava avvicinando l'Interieur "Bi ed Exterieur" nell'interieur "Bi ed Exterieur", ma ognuno degli artisti ha cercato di ammorbidire questa tecnica naturalistica grossolana (costruendo un appartamento, giardini, strade sul palco). La finezza del colore del colore ideale delle vernici e). Ex layout abbandonati. Ho bollito un nuovo lavoro. Denisov nel primo atto di "crampton" (laboratorio di artista) invece di Comianzata nella sua interezza, con tutti i dettagli dà solo il saphny brillante, grandi macchie caratteristiche del laboratorio. La configurazione del workshop Quando si apre la tenda, è espressa solo da un enorme web, che occupa metà della scena, espandendo l'attenzione dello spettatore da tutti i tipi di dettagli; Ma in modo che un quadro così grande non disperde lo spettatore con la sua storia, è registrato da solo da solo, eppure il resto dell'immagine è leggermente realizzato dai contorni di carbone. Il bordo della grande finestra superiore, attraverso le visite più fredde del cielo. La scala per le Scritture di una grande tela, un grande tavolo, un pouf, richiesto dal gioco, e un casino da abbozzato sul tavolo di Etudes. Il principio di stilizzazione è stato presentato. Lavoro da casa In questa direzione appartiene all'artista Ulyanov: il gioco di Hauptman "Slobe e Yahu" (SomeceSer Vl. E. Remonim). La produzione di questo gioco era destinata a sopportare nello stile della polvere del secolo ". Nella prima edizione tutte queste sono state strutture molto complesse. Joke da dire, costruire stanze e sale dei Louis e dei loro giardini in immagini fotografica della natura o su Rґsunks sculture dagli oggetti di valore di questa magnifica epoca. Ma quando il principio di stilizzazione è stato finalmente rafforzato, c'era un permesso e facilmente e rapidamente. Invece di un gran numero di parti - una o due grandi striscio. Il primo atto: l'obiettivo del castello, i cui cacciatori trovano uno slobo ubriaco e Yau. Sul palco mostra solo il cancello con una porta a maglia rotonda, decorata nella parte superiore della statua di bronzo dell'Amur. Cancello al vantaggio stesso. Stanno colpendo la loro grandezza, quindi sono enormi e così rigogliosi. Attraverso il cancello non è visibile il castello, ma lo spettatore percepisce immediatamente lo stile dell'era, e la ricchezza di coloro che vivono dietro questi cancelli. E le figure della slut e yau accanto al cancello lussureggiante creano immediatamente un contrasto per il gioco e introducono lo spettatore nel piano tragicommedia, Satira. L'atmosfera della camera da letto reale è sintetizzata con un ridicolo un mix di dimensioni esagerate, con incredibili ballate. Tutte le scale sono esagerate sull'impronta di Royal Pomp e Comic-Prim Ricchezza. La satira suona immediatamente, come nei disegni. Heine. Nella terza immagine, la convenzionalità della reception è portata al limite più alto. L'atmosfera dell'ozio e della intricatezza è espressa da un certo numero di omologhi di poking come cesti che si estendono attraverso gli Avantsen. Tenda posteriore (sfondo) - cielo blu nei racchi. Linee di orizzonte - Punch rose per l'intera lunghezza della scena. Crynolines, parrucche bianche, costumi di recitazione sono combinati nei colori dello scenario e, insieme ad esso, esprimono un compito pittoresco: perla sinfonia, fascino dei dipinti di K. A. Somov. Prima di alzare la tenda - un duetto nello stile del XVIII secolo. Sollevare la tenda. In ogni cestino gazebo si siedono: in mezzo a Zipselil, sui lati delle signore della Corte. Tutti ricamerano gli stessi ampi aghi a nastro dall'avorio. E tutto nel ritmo, da solo, ma un duetto dell'accompagnamento di Clausius e dell'arpa. Musica e ritmica: movimenti, linee, gesti, parole, vernici di scenario, vernici di costumi. Tutto ciò doveva essere nascosto al pubblico, tutte queste cosiddette campate erano nascoste da tela condizionale, senza preoccuparsi del fatto che il pubblico ha dimenticato di essere nel teatro. Alla domanda dell'allora stampa periodica: "Interessante, sarà questo teatro (lo studio del teatro) perline dal corriere e dal successore della convinzione del teatro artistico, o sarà il nuovo sforzo e la ricerca di un'arte drammatica e teatrale? "Potrebbe solo dare una risposta. È successo che il teatro dello studio non voleva essere un corriere e il successore delle convinzioni del teatro d'arte, ma si precipitò nella costruzione di un nuovo edificio da terra. Alla teatro dello studio , viene creato un ufficio letterario e per partecipare al suo lavoro sono attirati i nostri eccezionali poeti di nuovi gruppi di letteratura: "pesa" e "domande della vita". Questa autorità è l'ufficio di Leuture - dovrebbe offrire lavori interessanti del più recente letteratura drammatica tutti i paesi. Il culmine dell'Ufficio letterario è accusato dell'albero. Bryusov, che poi prende la maggior parte della partecipazione agli affari del teatro. Dai ulteriori capitoli del mio lavoro sarà chiaro perché Bruces è stato portato alla partecipazione più vicina al teatro. Il Teatro Studio è diventato un teatro di ricerca. Ma non era così facile sbarazzarsi del percorso natuґralistico della scuola di Mainingen. Quando è successo qualcosa di fatale, e il teatro "arato, non ha avuto il tempo di prosperare," nell'albero "scale". Bryusus ha scritto: "Nel teatro dello studio, in molti modi c'erano tentativi di rompere con il realismo della scena moderna e adottare audacemente la certezza come il principio dell'arte teatrale. C'erano più plastiche nei movimenti, che imita la realtà, altri gruppi sembrava affreschi Pompsee giocati in un quadro vivente. Le decorazioni non sono state affatto considerate con i termini della realtà, le camere erano senza soffitto, le colonne del castello sono consegnate da alcuni lianani, ecc. Il dialogo suonava tutto il tempo sullo sfondo di la musica che coinvolge l'anima degli studenti al mondo del dramma Metrylinkovsky. Ma, d'altra parte, il potere si è dato per conoscere l'abitudine delle tradizioni della scena, l'apprendimento a lungo termine del teatro artistico. Artisti che hanno studiato I gesti condizionali dei quali stavano sognando il prefalito, - in intonazione, cercarono ancora di affrontare il vero diritto alla conversazione, hanno cercato di passare la passione e l'eccitazione alla voce, mentre esprimono nella vita. La situazione decorativa era condizionale, ma in dettaglio è bruscamente realistico. Dove è finito il graffio del regista Ordinario abitato attore giocaE immediatamente era chiaro che giocano attori cattivi, senza un vero Shko e senza alcun temperamento. Il Teatro Studio ha mostrato per tutti con lui familiarizzato con lui che il teatro era impossibile re-creare il teatro. Oppure è necessario continuare la costruzione del teatro di Antoine Stanislavsky, o iniziare da terra. "L'implementazione delle intenzioni in tutta la pienezza ha impedito la cosa principale del fatto che la troupe dello studio-studio è stata acquisita prima di maggio ( Il mese di Sharp gira verso il divario con il maingenismo) e la sua parte principale consisteva da studenti di centri scenici del teatro artistico. Per le nuove richieste dello studio teatrale dopo il periodo di maggio, cioè solo quando il regista ha iniziato le prove, è è diventato chiaro che era necessario da una questione diversa, più flessibile e meno sofisticata nelle delizie del Define Theatre. A teatro - non c'erano troupe. Due o tre attori della Scuola del Teatro Art, Due o tre attori da Il compagno del nuovo dramma è stato percepito nuovo metodo. Ma la maggior parte era dei corsi panoramici del teatro d'arte, e il direttore degli studios apparve il compito - non lavorare con gli attori sopra la forma di realizzazione del repertorio, e solo per prepararli per questo Razhnote, una serie di esperienze, prepararsi loro solo per la percezione della fragranza del nuovo metodo. E poi ho avuto un pensiero che la scuola nel teatro era veleno per gli attori, in essa studiando che la scuola dovrebbe sopportare indipendentemente, non dovrebbe imparare come giocare ora. La scuola dovrebbe essere consegnata in modo che il teatro nacque, e quindi, i discepoli di questa scuola - o ad un nuovo teatro, solo da loro creato, o ovunque. E la scuola a teatro, se non serve solo unoobiettivi - Riempire il telaio di assottigliamento il suoteatro, - una tale scuola durante la sovrapproduzione reintegra di altri teatri, dannosi solo da quest'ultimo: tali attori ovunque estranei, non importa quanto siano buoni in termini di il suo Scuole. Teatro Studio era il teatro della ricerca di nuove forme di palcoscenico. Questa circostanza farebbe critiche teatrali con cura particolarmente attenta per il suo lavoro: celebrebbe il sentiero che passa il teatro e ha quindi aiutato il giusto movimento in avanti. Ma tutto il lavoro del teatro procedeva invisibile. E tutto il fatto che questo teatro ha rotto, e tutto ciò che ha estratto e rimase non sospeso. Il teatro non ha aperto le loro porte al pubblico, e la storia è privata dell'opportunità di valutare il valore dell'esperienza acquisita. Per quanto, tuttavia, c'è stato un grande effetto dello studio teatrale per l'ulteriore destino del teatro russo, si può giudicare dal fatto che dopo la sua morte, ogni volta che la performance eccezionale è stata messa a Mosca o San Pietroburgo, lo stesso Lo studio del teatro è stato ricordato. Quando si è svolto nel teatro dell'arte "Drama of Life", in uno dei giornali di Mosca è stato stampato che il gioco è stato consegnato secondo le idee del Teatro Studio. Nel "teatro e arte" è stato notato che tutta questa idea (il tentativo "stilization") ha una fonte del teatro artistico, così come tutto condotto da me nel teatro drammatico Commissario VF, secondo le critiche teatrali Di Cugel, io io nei laboratori nel teatro artistico. E qui si segnala che la fonte di tutte le nuove missioni e indicazioni è lo stesso studio teatrale. Aiuta il futuro storico del teatro è corretto per valutare il significato dello studio, per aiutare quei figure scene che vogliono dolorosamente a trovare nuovi fondi espressivi, per aiutare lo spettatore ad articolare se stessi, che è spirituale al teatro di un nuovo dramma che Vive, qual è la sua ricerca - ecco il mio obiettivo. A tal fine, sto cercando di dirti di più sul lavoro che il teatro-studio commesso è possibile, è possibile rivelare pienamente gli esperimenti, sono estratti. È possibile rivelare pienamente il processo dell'incontinanza dei principi di una nuova fase, che costituiva la base del teatro condizionale e traccia lo sviluppo di tale flusso, che è stato lavato via i principi del teatro naturalistico, sostituito da i loro principi del teatro condizionale. Sarebbe possibile notare qui prima di tutti quei servizi che hanno avuto la partnership provinciale dello studio del teatro del nuovo dramma, la prima critica delle tecniche naturalistiche, il beneficio della partecipazione al caso di Am Remizov, che, ha diretto al Bureau letterario della partnership , il più energico ha spinto il lavoro dei giovani lottatori in nuove aree; Ma sarebbe troppo aumentato il mio lavoro. È sufficiente dire su ciò che ho fatto nella rivoluzione della scena moderna (non evoluzione, come previsto) dello studio del teatro, e come lui, alla ricerca di nuovi sentieri, ha influenzato il lavoro dei teatri e quelli che sono sorti dopo la sua morte. Lavorare su un gioco ("commedia dell'amore") ha portato al critico del teatro di tipo e ha aperto l'intuizione nell'area del teatro sintetico, e il lavoro su un altro gioco ("morte di TentUp") ha dato il metodo di La posizione sul palco delle forme su bassorilievi e affreschi, ha dato un modo per identificare il dialogo interno con l'aiuto della musica del movimento plastico, ha permesso all'esperienza per testare il potere dello stress artistico anziché il primo "logico "E molto altro, cosa dirò su; Lavorare sul terzo gioco ("tacchetta e yau") insegnavano solo la cosa principale, la "quintessenza della vita", come disse Chekhov, scoprì la differenza tra riproduzione sulla scena del palco e posizioni dello stile dello styling.E in tutti i lavori che più allegri hanno bollito, sempre di più erano gli errori che il nostro fratello maggiore si è manifestato - un teatro artistico. Descrivi - a me, il capo della partnership del nuovo dramma e del teatro studio, ha superato il sentiero nella ricerca di nuove forme di palcoscenico - significa dare critiche di quelle forme che mi sembravano non solo obsolete, ma anche dannose. I principali nemici erano i principi di Meiningen, e dal momento che il teatro d'arte in una parte delle loro attività è stato seguito dal metodo Mainingen, poi nella lotta della mia per le nuove forme di stadio, il teatro d'arte ha dovuto dichiarare il suo nemico. Per presentare i principi del Teatro Condizionale, non posso dirmi come nella ricerca di nuovi modi, sono scappato gradualmente con i miei svantaggi della reception di Mainingen, e che negli esperimenti del leader principale del teatro artistico mi è sembrato necessario per superare. Molto apprezzato gli enormi meriti del teatro artistico prima della storia di non solo il russo, ma anche il teatro moderno europeo, eppure avrei sacred davanti a me stesso e davanti a coloro che danno questo lavoro se non avessi toccato gli errori che io doveva venire a un nuovo metodo di stadiazione. Un certo numero di pensieri riguardanti il \u200b\u200bteatro artistico che do, la forma, come sorgono allora, al momento del lavoro nell'associazione del nuovo dramma e nel teatro dello studio.

II. . Teatro naturale e Mood Theatre

Il teatro Art Moscow ha due facce: un - teatro naturalistico, altro - teatro dell'umore. Il nazionalismo del teatro d'arte è il naturalismo, preso in prestito da Meiningen. Il principio di base - precisione che riproduce la natura. Sul palco, se possibile, tutto dovrebbe essere con la presente:punti, cornici da stucco, caminetti, sfondi, porte da forno, taglienti, ecc. Sullo stadio fuggì dalla cascata e piovuto dalla vera acqua. Ricorda la cappella, abbattuta dal vero albero, una casa, fondata da un sottile compensato di legno. Doppie cornici, lana tra loro e vetro, contorto dal gelo. Chiaro e dettagliato tutti gli angoli sulla scena. Caminetti, tavoli, scaffali sono forzati da una grande coincidenza di piccole cose visibili solo in binocolo e un curioso curioso spettatore persistente avrà il tempo di vedere per nessuna atto. Il tuono pubblico spettrale, sulla proissela cavalca la luna rotonda sul cielo. Può essere visto nella finestra, come un fioard è una vera nave. Costruire sul palco non solo di camere non rigide, ma anche a pochi piani con reali scale e porte di rovere. Scena di rottura e rombo. Ribalta. Molti ditificati. La tela su cui viene mostrato il paradiso per semicerchio. Nel gioco, dove dovrebbe essere presentato il cortile del villaggio, il pavimento sarà ripagato dalla sporcizia dal Papier Masha. Lo strato sta cercando ciò che lo svincolo Yang si sforza nel loro panorama: in modo che il tratto sia stato versato con il presente. Come Yana Juni, nel teatro naturalistico l'artista sta creando in strettacooperazione con un falegname, carpentiere, buforo e uno strato. Nella produzione di giochi storici, il teatro naturalistico detiene le regole - trasforma la scena fino alla mostra di voci di oggetti museali dell'era o almeno copiati secondo i disegni dell'era o da fotograficoistantanee, depositate nei musei. Inoltre, il direttore e l'artista si sforzano di allestire, nel modo più accurato possibile, anno, mese, giorno, quando lo sta accadendo l'atto. Non sono abbastanza per loro, per esempio, che l'azione abbraccia dal "secolo di polvere". Boss fantasia, fontane favolose, piste opache ricci, vicoli di rose, castagne e mirtle, crinolines, capricci di acconciature - tutto ciò non ententa il direttore dei naturalisti. Devono essere installati accuratamente, quali manicotti sono indossati sotto louis xv e ciò che differiscono acconciature Louis XVI. da acconciature ladies louis xv. Non prenderanno la reception di K. A. Somov per un campione - per stilizzare questa epoca, e cercherà di raggiungere la rivista dell'anno, mese, il giorno, quando, come indicato dal regista, si svolge un'azione. Così è stato creato nel teatro di ammissione naturalistico - copia di stile storico.Con questo ricevimento, è abbastanza naturale che l'architettura ritmica sia tale, ad esempio, i giochi, come "Julius Caesar", nella sua lotta di plastica di due forze eterogenee - non è affatto evidente e, significa non riprodotto. E nessuno dei leader era consapevole del fatto che la sintesi del "cesarismo" non poteva mai essere creata da scene di "vita" del caleidoscopio e riproducendo luminosi tipidalla folla di quel tempo. I produttori di arte sono sempre espressi brillantemente caratteristico.Questi sono tutti volti viventi, come li vediamo nella vita. Copia accurata. Ovviamente, il teatro naturalistico considera il volto della principale espressione dei piani dell'attore, di conseguenza, si affaccia su tutti gli altri mezzi di espressione. Il teatro naturalistico non conosce il fascino della plastica, non causa gli attori di addestrare il loro corpo e, creando una scuola con il teatro, non lo capisce sport fisicodeve essere il soggetto principale, se sogni la produzione di "antagon" e "Julia Caesar" - gioca, sulla musica della tua appartenenza inomateatro. Ci sono sempre molti detergenti virtuosi in mente, ma pose e movimenti ritmici - mai. Quando "Antagona", il re-slesser in qualche modo inconsciamente ha espresso inconsciamente il desiderio di raggruppare gli attori su affreschi e disegni sui vasi, ma il fatto che ha visto il regista sugli scavi non era in grado di farlo sintetizzare, stilizzato,ma fotografato solo. Sul palco, abbiamo un certo numero di gruppi sono tutte copie riprodotte, come le cime in un certo numero di colline rampari, e tra loro, come burroni, gesti "vita" e televisione, drammaticamente distaccati con il ritmo interno delle copie riprodotte. Il teatro naturalistico ha creato gli attori estremamente flessibili alla reincarnazione, ma i mezzi per un tale servizio non al compito. plasticae trucco e la possibilità di presentare una lingua a diversi accenti, dialetti e voce vocale. Per gli attori, viene creata un'attività - lecca la vergognainvece di sviluppare l'estetismo, sarebbe una cattiva riproduzione di fenomeni grossobici esternamente. L'attore crea un fotografo intrinseco-amore l'abilità guarda le piccole cose della vita di tutti i giorni. A Khleshtakov, secondo Gogol, "Nulla è misurata con un forte", e allo stesso tempo l'immagine dell'Horstykova è molto chiara. Nelle interpretazioni di immagini, la nitidezza dei contorni non è affatto necessaria per la chiarezza dell'immagine. "Schizzi di grandi maestri sono spesso più più forti dei dipinti legislativi". "Figure di cera, nonostante il fatto che l'imitazione della natura raggiunga il più alto grado qui, ancora non produce azione estetica. Non possono essere considerati prodotti artistici, perché non fanno nulla. fantasy Viewer " . Il teatro naturalistico insegna all'attore per esprimere certamente un luminoso definito;non permettere mai il gioco con suggerimenti, inammaking cosciente. Ecco perché così frequenti replay Nel teatro naturalistico. Questo teatro non conosce affatto i giochi. Ma in alcuni degli attori anche durante il periodo degli hobby con il naturalismo già ha dato i momenti di un tale gioco sul palco: Tarantella Dance V. F. Commissarzhevskaya in "Nore" - Espressioni di postura e solo. Il movimento delle gambe è solo ritmico nervoso. Se guardi solo i tuoi piedi, piuttosto fuggire rispetto alla danza. L'artista del teatro naturalistico, avendo imparato dal ballerino, in coscienziosamente tutti i passaggi, finalmente finiscono l'intero gioco, mette tutto il temperamento nel processo di danza. Qual è l'impressione di un simile gioco sullo spettatore? Lo spettatore che viene a teatro ha la capacità di aggiungere un'immaginazione sottovalutata. Molti attrae questo segreto per il teatro e il desiderio di risolverlo. "Le opere di poesia, sculture e altre arti contengono i tesori della saggezza più profonda, poiché l'intera natura delle cose sono in loro, e l'artista chiarisce e lo traduce solo in un linguaggio semplice e comprensibile. Ma è ovvio che legge e considerando cosa "lungo il lavoro dell'arte, deve, con i propri mezzi, contribuiscono al rilevamento di questa saggezza, quindi, tutti capiranno solo come abilità e sviluppo, è come un marinaio può immergersi solo su tale profondità che corrisponde alla sua lunghezza. " E lo spettatore che viene a teatro avverrà indubbiamente, anche se inconsciamente, questo lavoro di fantasia, che a volte si trasforma nella sua creatività. Senza questo, potreste esposizioni sull'immagine essenziali, per esempio? Il teatro naturalistico nega ovviamente la visibilità nel revisore di disegnare e sognare, come quando si ascolta la musica. Nel frattempo, questa capacità di avere uno spettatore. Nel gioco di Yartseva "al monastero", nel primo atto, raffigurante l'interno del monastero dell'hotel, è ascoltato un anello bospiefficistico della serata. Non ci sono finestre sul palco, ma dal suono dal campanile del monastero, lo spettatore dipinge il cortile nella sua immaginazione, disseminato di massi di neve bluastro, mangiato, come nella foto Nesterov, i percorsi trottati dalle cellule ai Celians , le cupole dorate della Chiesa, - uno spettatore disegna un quadro del genere, l'altro - altro, il terzo terzo. Mystery possiede il pubblico e li implica nel mondo dei sogni. Nel secondo atto, il regista dà già alla finestra e mostra lo spettatore il cortile del monastero. Non quelli mangiati, non quei blocchi di sonno, non il colore delle cupole. E lo spettatore non è solo deluso, ma anche arrabbiato: il mistero e i sogni sono scomparsi. E che il teatro era coerente e persistente in questo esilio dalla scena del potere dei segreti, dimostra il fatto che durante la prima formulazione del "gabbiano" nel primo atto non visibile, dove sono stati lasciati gli attori della scena. Attraversando il ponte, sono scomparsi nella macchia nera dei boschetti, da qualche parte(allora un altro artista del teatro ha lavorato senza licenziamenti); E quando si rinnova il "gabbiano", tutti gli angoli della scena erano nudi: un gazebo è stato costruito con una vera cupola e con colonne vere, ed era sulla scena del burrone, ed era chiaramente visibile mentre le persone vanno a questo burrone. Sotto la prima formulazione di "gabbiani" nel terzo atto, la finestra era sul lato, e il paesaggio non era visibile, e quando gli attori fossero inclusi nella parte anteriore a Kaloshi, a tremare cappelli, coperte, scialli - Dickped Autunno, Drizzling , sul cortile delle pozzanghere e le squama su di loro. Con la ripresa del gioco su una scena della finestra tecnicamente avanzata, le finestre vengono tagliate contro lo spettatore. Il paesaggio è visibile. La tua immaginazione è silenziosa, e così che gli attori parlino del paesaggio, non credi, non può mai essere come si dice: è disegnato, lo vedi. E in partenza a cavallo con i buboins (nella finale del terzo atto) in termini della prima produzione si sentiva solo dietro la scena e verniciata brillantemente nell'immaginazione dello spettatore, nel piano del secondo stadio, lo spettatore richiede che questi I cavalli sono visibili con il Bubarens, è visibile essere visibile, dove partenga le persone. "L'opera d'arte può influenzare solo la fantasia. Pertanto, deve costantemente svegliarlo", ma è svegliarsi, ma "non andarsene in fazione", cercando di mostrare tutto. Wake Fantasy. prerequisito Azione estetica, nonché la legge fondamentale delle belle arti. Ne consegue che l'opera d'arte dovrebbe non tuttodai i nostri sentimenti, ma così tanto da inviare una fantasia al sentiero della verità, dandogli l'ultima parola. "" Non puoi prendere molto, annuncia lo spettatore stesso, ea volte sarà ancora un'illusione in essa, ma a Dì troppo - non è così, spingendo, sparpagliare una statua composta da pezzi o rimuovere una lampada da lampada magica. "Da qualche parte a Voltaire : "Le Secret D" Etre Ennuyeux, C "Est de Tut Dire". E quando la fantasia dello spettatore non dorme, sarà, girando, sofisticato, e poi l'arte sarà sofisticata. Perché il dramma medievale potrebbe essere fatto senza alcun dispositivo di fase? Grazie alla vivace immaginazione dello spettatore. Il teatro naturalistico nega non solo la capacità di sognare, ma anche la capacità di comprendere le conversazioni intelligenti sul palco. Da qui questa scrupolosa analisitutti i dialoghi dei giochi Ibsenian, che trasformano le opere del drammaturgo norvegese in qualcosa di noioso, stretto, dottrina. È qui, quando si imposta sulla fase di pezzi di Ibsen, è chiaramente influenzato da metododiretto dal naturalista nella sua creazione. Il lavoro drammatico è diviso in una serie di scene. E ciascuna una parte particolare del lavoro dettagliato analizzato.Questa analisi dettagliata è approfondita dal direttore nella fase più piccola del dramma. Quindi, da queste parti dettagliate di intelligenza brilla il tutto. Queste parti incollate in un intero si riferiscono all'arte del regista, ma quando lo riguardiamo analiticoil lavoro del direttore-naturalista, quindi non su di incollare il lavoro del poeta, dell'attore, del music club, dell'artista, del regista stesso in un intero intero, non su questa arte c'è una domanda. Il famoso critico del XVIII secolo pop nella sua didattica "esperienza inerente alla critica" (1711), elencando le ragioni che impediscono la critica di pronunciare sentenze veri, tra le altre ragioni, tra le altre cose, e di prestare attenzione all'abitudine in particolarequindi, come primo compito, il critico dovrebbe essere il desiderio di diventare il punto di vista dell'autore stesso, per guardare il suo lavoro in genere. Lo stesso si può dire del direttore. Ma il direttore-naturalista, approfondendo la sua analisi in alcune parti del lavoro, non vede i dipinti totalea, Fondando il lavoro filipia - finendo alcune scene, che rappresentano il materiale grato della fantasia creativa, come "caratteria" di perle ", fluisce in una violazione di equilibrio, l'armonia del tutto. Sul palco è molto costoso tempo.Se qualche scena, che, secondo l'autore, dovrebbe essere fugace, va più lungoQuello che dovrebbe essere, si trova con il carico sulla scena successiva, che è molto importante secondo il piano dell'autore. E lo spettatore, che sembrava più a lungo ciò che dovrebbe dimenticare presto, stanco per una scena importante. Il suo direttore è detenuto, quindi, nella cornice urlante. Tale osservazione dell'armonia dell'intero memoriale nell'interpretazione del direttore del Teatro Art del Terzo Atto di "Giardino Cherry Garden". Nell'Avâteter così: il Leitmotiv dell'atto - la premonizione del temporale della sfida Ranevskaya (vendita del Giardino della ciliegia). Tutti vivono in qualche modo stupidamente stupidamente: qui sono soddisfatti - stanno ballando sotto la monotona spogliatura dell'orchestra ebraica e, come in un turbinamento da incubo, stanno girando in noioso danza modernaIn cui non ci sono hobby, né Azarka, né grazia, né nemmeno ... Lust - non sanno che la terra, su cui ballano, foglie da sotto i loro piedi. Una Ranevskaya prevede i guai e sta aspettandola, e osa, e per un minuto, fermando la ruota, questa danza da incubo di burattini nel loro Boobanchik. E con un gemito dettano le persone dei crimini, solo non erano "Purelty", perché attraverso il crimine puoi venire a santità, ma attraverso il medio - da nessuna parte e mai. La seguente armonia dell'ACT è stata creata: i gemiti di Ranevskaya con il suo preconcetto della disgrazia in on-spostata (l'inizio fatale nel nuovo dramma mistico Chekhov), da un lato, e le pupate femminili, d'altra parte (non c'è da meravigliarsi chekhov Rende Charlotte Dance tra il "uomo nelle strade" in un abito, preferito nei teatri di Burats - Black Brak e Pantalon a scacchi). Se si traduce in lingua musicale, è una delle parti della sinfonia. Contiene in te stesso: di basegrazie melodiacon gli umori cambianti in Pianissimo e focolai in Forte (Estressing Ranevskaya) e sfondo- Accompagnamento dissidito - un bifement monocromatico di un'orchestra bianca e una danza di cadaveri viventi (abitanti). Qui armonia della musica Atto. Quindi, la scena con il focus è solo una delle visioni di questa dissonanza che strappa la melodia ballo sciocco. Significa che dovrebbe essere una fusione con la scena della danza - solo per un minuto per sfondare e scomparire di nuovo, fondersi con ballare, che, come lo sfondo, tuttavia, può suonare tutto il tempo nell'accompagnamento sordo, ma solo come lo sfondo. Il direttore del teatro artistico ha mostrato come l'atto di armonia può essere rotto. È da focus fa un'intera scenacon tutti i dettagli e le cose. Va lungo e difficile. Lo spettatore si concentra sulla sua attenzione per molto tempo e perde il Leitmotiv dell'atto. E quando l'atto è finito, le melodie del contesto rimangono in memoria, e il leitmotiv del potere è scomparso. In Drama Chekhov " Il frutteto della ciliegia", Come nei drammi di Meterlink, c'è un eroe invisibile sul palco, ma si sentiva ogni volta che la tenda scende. Quando la tenda del teatro di Mosca Art è stata abbassata al gioco del" Giardino Cherry ", la presenza di tale A L'eroe non è stato sentito. In ricordo c'erano tipi. Per il "Giardino della ciliegia" del popolo di Chekhov, non essenzialmente. Ma nel teatro d'arte, la gente divenne essenza, e il lato mistico-lirico del "Giardino ciliegio" è rimasto insopportabile. Se Nelle commedie di Chekhov privatodistrae il regista dalla foto totalea causa del fatto che l'impressionismo abbandonato sulle immagini su tela di Chekhov costituisse un materiale redditizio per disegnarli in brillanti, alcune figure (tipi), poi Ibsen, secondo il direttore-naturalista, è necessario spiegarepubblico, come non è abbastanza chiaro a lei. Prima di tutto, la produzione di Ibsenian Plays crea una tale esperienza: rivivere i dialoghi "noiosi" con qualcosa - cibo, pulizia della stanza, l'introduzione di scene di stile, imballando panini, ecc. Nel "Edde Gableler" nella scena di Tesman E zia Julia, hanno servito un paradiso. Ho ricordato bene quanto ha mangiato decretamente l'esecutore del ruolo di Tesmaґna, ma involontariamente non ho sentito l'esposizione del gioco. Nei pezzi di Ibsen, oltre a un certo disegno dei "tipi" del Nord, il regista è sofisticato nel sottolineatura sofisticatoa suo parere, dialoghi. E ricorda l'essenza del dramma dei "pilastri della società" di Ibsen da un lavoro analitico dettagliato completamente stordito nella sofisticazione dell'analisi occupatoscene. E lo spettatore che conosceva il gioco bene nella lettura, sulla performance vede un nuovo gioco, che non capisce perché ha letto un altro. Il regista ha evidenziato molte scene introduttive secondarie alla ribalta e aprì la loro essenza in loro. Ma dopo tutto, la somma delle entità delle scene introduttive non costituisce l'essenza del gioco.C'era una convessa di un atto di un atto di infiammare il suo destino nel senso di comprendere il pubblico, nonostante il fatto che il resto scivolò davanti a lui come nella nebbia. Il desiderio di qualsiasi cosa mostraretutto, paura dei segreti, gira a breve il teatro illustranteparole dell'autore. "Ascolto di nuovo il cane del cane", dice uno degli attori. E certamente riprodotto.howl cani. Dai un'occhiata allo spettatore imparerà non solo rimuovendo Bugerts, ma anche sugli zoccoli che bussano lungo il ponte di legno attraverso il fiume. Pioggia che bussa su un tetto di ferro. Uccelli, rane, grilli. In questa occasione, porto la conversazione A. P. Chekhov con attori. AP Chekhov, che è arrivato solo la seconda volta sulla prova dei "gabbiani" (11 settembre 1898) Nel Teatro Art di Mosca, uno degli attori dice che nel "gabbiano" ci saranno rane di squalloni, la fessura delle libellule delle libellule , cani di corteccia. - Perché è? - Anton Pavlovich chiede la voce insoddisfatta. "Davvero," risponde all'attore. "Davvero," A. A. P. ripete, sogghignando, e dopo una piccola pausa dice: - Scene - Art. Kramsky ha uno pezzo di conversazionesu cui i volti sono raffigurati superbamente. Cosa succede se su uno dei volti per tagliare un naso disegnato e inserire vivi? Il naso è "reale" e l'immagine è rovinata. Qualcuno dagli attori racconta con orgoglio che alla fine del terzo atto dei "gabbiani" il regista vuole presentare tutto il cortile sul palcoscenico, una specie di donna con un bambino che piange. Anton Pavlovich dice: - Non farlo. È equivalente a ciò che giochi sul Pianissimo Pianissimo, e in quel momento il coperchio del pianoforte è caduto. - Nella vita, è spesso che Forte si rompe a Pianissimo in modo imprevisto, "qualcuno del gruppo di attori sta cercando di opporsi. "Sì, ma una scena", afferma A. p. "Richiede una certa convention. Non hai il quarto muro. Inoltre, la scena è arte, la scena riflette la quintessenza della vita, non ha bisogno di nulla di superfluo sul palco. È necessario spiegare quale frase viene spinta dal teatro naturale stesso da A. P. Chekhov in questo dialogo. Naturalmente, il teatro era instancabilmente alla ricerca del quarto muro, e lo ha portato a una fila intera assurds. Il teatro era al potere della fabbrica. Voleva essere sul palcoscenico tutto "come nella vita", e trasformato in una specie di oggetti del museo della lava. Credere a Stanislavsky che il cielo del teatro sarà mai in grado di sembrare il pubblico con il presente, doloroso cura di tutti gli amministratori teatrali diventa: alza il tetto sulla scena come sopra. E nessuno nota che invece di modifiche delle scene (che è così costoso), dovrebbe essere infranto dal principio che si basa sul teatro naturalistico. Solo lui, questo principio, ha guidato il teatro a un certo numero di assurdi. Non puoi mai credere che questo vento scuote la ghirlanda nella prima immagine "Julia Caesar", e non la mano del lavoratore, perché i piatti sugli attori non oscillano. Le persone attive del secondo atto di "Giardino di ciliegie" camminano su "veri" burroni, ponti, vicino alla "vera" cappella, e dal cielo, due grandi pezzi dipinti nel colore blu della tela con Tlevels, non come come né sul cielo, né sulle nuvole. Lascia che le colline sul campo di battaglia (a Julia Tseґzara) siano costruite in modo che sembrino essere gradualmente ridotti all'orizzonte, ma perché le persone che agiscono non diminuiscono, che vengono rimosse da noi nella stessa direzione delle colline? "Il piano di scena generalmente accettato consente di distribuire grandi profondità di paesaggi di fronte allo spettatore, tuttavia, in accordo con lo sfondo di questi paesaggi, mostrano figure umane sono in modo espanso più piccolo. E nel frattempo, una tale scena rivendica la fedeltà della riproduzione della natura! Attore che è andato dalla rampa di dieci o anche venti metri, sembra lo stesso più grande e con gli stessi dettagli, come quando era alla più rampa. E nel frattempo, secondo le leggi, le prospettive per la vita decorativa del L'attore dovrebbe essere rimosso il più lontano possibile e, se è necessario mostrarlo in una vera relazione con le deamblienze circostanti, le case, le montagne, dovrebbe mostrarlo fortemente ridotto, a volte silhouette, a volte solo una macchia. " L'albero attuale accanto a disegnato sembra ruvido e innaturale, perché contribuisce a disarmonia con i suoi tre cambiamenti accanto al dipinto con solo due dimensioni. Sarebbe possibile portare l'oscurità di esempi di tali assurdi a cui il teatro naturalistico è arrivato a quale si basa il principio della riproduzione approssimativamente. Nel tema della razionalista, fotografare, per illustrare il testo della pittura decorativa di lavori drammatici, copiare lo stile storico - è diventato il compito principale del teatro naturalistico. E se il naturalismo ha portato il teatro russo ad un tecnico complicato, il teatro chekhov - la seconda faccia del teatro artistico, mostrando il potere umoresul palco, - creato poisenza ciò che il teatro di Meininen sarebbe morto a lungo. E allo stesso tempo, il teatro naturalistico non ha beneficiato di questo nuovo tonola musica di Chekhov ha fatto in lui. L'umore teatro è suggerito dal lavoro di A. P. Chekhov. Teatro Alexandrian, che ha giocato dal suo "gabbiano", non ha catturato questo suggerimento autore dell'umore. E il segreto non era affatto nei grilli, non nei cani Laa, non nelle porte reali. Quando il "gabbiano" ha camminato nell'edilizia dell'eremo del teatro d'arte, un'automobilenon era ancora ben migliorato, e tecnicanon ancora diffondere i suoi tentacoli a tutti gli angoli del teatro. Il segreto del sentimento di Chekhov era nascosto ritmola sua lingua. E questo ritmo è stato ascoltato dagli attori del teatro d'arte nei giorni delle prove della prima produzione di Chekhov. Ed è stato ascoltato attraverso il suo amante nell'autore "gabbiani". Il teatro artistico del ritmo dei lavori di Chekhov, non devo ricreare questo ritmo sul palco, non avrebbe mai acquisito questa seconda persona che lo ha creato una reputazione del Mood Theatre; Era nullavolto, non una maschera, presi in prestito da Meiningen. Il fatto che il teatro artistico sia gestito sotto un tetto con un rifugio naturale del teatro e il teatro dell'umore era profondamente convinto, AP Chekhov stesso ha aiutato e precisamente il fatto che lui stesso abbia partecipato alle prove dei suoi giochi e del campione della sua personalità, come frequenti conversazioni con attori, hanno influenzato il loro gusto, sul loro atteggiamento verso i compiti dell'art. Questa nuova faccia del teatro è stata creata da un certo gruppo di attori che ricevette il nome "Attori di Chekhov" nel teatro. La chiave per l'esecuzione dei giochi di Chekhov è stata nelle mani di questo gruppo, quasi invariabilmente soddisfatte tutte le commedie di Chekhov. E questo gruppo di persone dovrebbe essere considerato il creatore del ritmo di Chekhov sul palco. Sempre quando ricordo questa partecipazione attiva degli attori di un teatro sottilmente nella creazione delle immagini e degli umori dei "gabbiani", comincio a comprendere come una forte fede nell'attore è nata in me come il fattore principale della scena. Né le misure, né i grilli, né il bussare degli zoccoli di Horsepone sul ponte - non lo ha creato umore,ma solo l'esclusiva musicalità degli artisti che ha catturato il ritmo della poesia di Chekhov e riuscì a sollevare le loro creazioni dalla foschia della lunomità. L'armonia non è stata violata nelle prime due produzioni ("tè", "zio Vanya"), mentre la creatività degli attori era completamente gratuita. Successivamente, il direttore-naturalista, in primo luogo, rende un'essenza di un ensemble, e in secondo luogo, perde la chiave per l'esecuzione di pezzi chekhov. La creatività di ciascuno degli attori diventa passiva, una volta che l'Anґsamble è stato fatto per l'essenza; Direttore, mantenendo il ruolo del conduttore, colpisce fortemente il destino del catturato nuovo tonoe, invece di approfondire, invece di penetrare nell'essenza dei testi, il direttore del teatro naturalistico crea uno stato d'animo della raffinatezza delle tecniche esterne, come oscurità, suoni, accessori, personaggi. Il regista, catturando il ritmo del discorso, perderà presto la chiave della conduzione (il terzo atto del "Giardino della ciliegina"), perché non nota come i cechi dal sofisticato realismo si spostò al lirismo, mystigsicoso in profondità. Troviamo la chiave per l'esecuzione dei giochi A. P. Chekhov, il teatro vide un modello in esso, che cominciò a indossare altri autori. Cominciò a eseguire "a Chekhovsky" Ibsen e Meterlinka. Abbiamo scritto su Ebsen in questo teatro. Arrivò a Meterlinka non attraverso la musica di Chekhov, ma nello stesso modo di razionalizzazione. Gli attori dei "ciechi" erano divisi in personaggi, e la morte nel "disabitata" era sotto forma di una nuvola di tulle. Tutto era molto difficile, come in generale nel teatro naturalistico e non proprio condizionalmentecome, al contrario, tutto è condizionatamente nei giochi di Metaillinka. Il teatro artistico ha avuto l'opportunità di uscire da un vicolo cieco: venire al nuovo teatro attraverso il talento lirico della musica chekhov, ma riuscì a subordinare alla musica nel lavoro futuro e nelle cose diverse e alla fine delle sue attività perso la chiave dell'esecuzione dell'autore - completamente proprio come i tedeschi hanno perso la chiave per l'esecuzione di Hauptman, che ha lanciato un gioco domestico, ha iniziato a creare giochi ("slobe e yau" e "e pippa"), richiedendo altro approccio a loro.

III. . Prosegui letterario sul nuovo teatro

Ho letto da qualche parte la scena crea la letteratura.Questo non è vero. Se c'è un impatto sulla letteratura sulla scena, quindi solo una cosa: non ha affatto ritardato il suo sviluppo, creando la Pleiad degli scrittori "sotto la direzione dominante" (Chekhov e quelli che "sotto il Chekhov"). Nuovo teatro.cresce dalla letteratura.Nella ripartizione delle forme drammatiche, la letteratura ha sempre preso l'iniziativa. Anche Chekhov aveva un "gabbiano" prima che il teatro d'arte apparve, che l'aveva caduto. Van Lerberg e Melluk - prima dei loro teatri. Ibsen, "Zori" Verkoren, "Terra" Broysov, "Tantant" Vyach. Ivaґnova - e dove sono i teatri che potrebbero metterli? La letteratura suggerisce il teatro. Non solo i drammaturghi, che danno campioni nuova formarichiedendo altre tecniche, ma anche critiche, che respinge le forme vecchie. Se ritiri tutte le recensioni sui nostri teatri, scritti dal giorno dell'apertura del Teatro Art Moscow prima della stagione dei 1905, quando i primi tentativi furono fatti per creare teatri condizionali e leggere tutta questa letteratura con un volley, poi uno di I leitmotif saranno saldamente in memoria di leggerlo in memoria - procedura proiettiva del naturalismo. Il combattente più instancabile contro il naturalismo sulla scena ha stabilito un recensore teatrale Kugel (Homo Novus). I suoi articoli hanno sempre scoperto in esso un ampio conoscitore del palcoscenico tecnico, la conoscenza dei turni storici delle tradizioni teatrali, escluso l'amore per il teatro - e in questo senso erano di grande valore, e, se in un piano storico, per giudicare il loro ruolo, Sono state le recensioni di Kugel che i futuri legami hanno aiutato il nuovo teatro e il nuovo spettatore sono consapevoli di tutte le collega conseguenze di appassionate dalla manoing russa. Ma negli articoli del Kougel, molto prezioso dove ha provato con tutto il fervore con tutto il temporaneo e superfluo dal teatro, tutto ciò che è stato inventato per il teatro del Kronek (direttore di Meiningen), era impossibile, tuttavia, indovina cosa Lo stesso teatro sogna la Cugel. O vorrebbe opporsi alla complicata tecnica del teatro naturalistico? Avendo creduto nell'attore la base del teatro, il Cugel sogna del caldo "NUTRA", ma sembrava sempre capire "Nutro" come qualcosa di autosufficiente. E in questo senso, il suo teatro sembra essere qualcosa di caotico, vicino all'incubo delle scene provinciali e estremamente insapore. La persecuzione dei revisori teatrali contro il naturalismo preparerà un terreno confortevole per la fermentazione nell'ambiente teatrale, ma le loro sezioni dei nuovi modi sono obbligate dai teatri comprovati, da un lato, quella promozione delle idee di un nuovo dramma, che novità Poeti sulle pagine di riviste singole artistiche, sull'altro - Giochi di Maurice Meterlinka. Durante il decennio, Maurice Miselink offre una serie di giochi che causano solo smarrimento, specialmente quando appaiono sulla scena. Il METRILLINK stesso esprime spesso che i giochi di questo sono troppo complicati. Estrema semplicità del suo dramma, lingua ingenua, scene corte, spesso cambianti, davvero tre per il loro disegno di qualche altra tecnica. Van Bever, che descriveva la performance della tragedia "Peleas and Melisanda", consegnata sotto la guida diretta dell'autore stesso, afferma: "Gli accessori sono stati semplificati all'estremo, e la Torre di Melisanda, ad esempio, ha ritratto una cornice di legno, imbottito con carta grigia. " Mistillink vuole che il dramma venga realizzato con estrema semplicità, in modo da non interferire con l'immaginazione del pubblico per disegnare inaccurati. Inoltre, Mistilleink ha paura che gli attori che abitissero a giocare nella pesante situazione delle nostre scene vincenti eccessivamente vincenti tutto internamente, a causa del quale insopportabile più co-solitario, sottile, la parte interiore di tutte le sue tragedie può rimanere. Tutto ciò lo persegue all'idea che la tragedia richiede estrema a disagio, quasi burattino (Tredie pour teatrale Marionnette). Per molti anni, Metherlinka Tragedy non ha successo. E per coloro che erano costosi al lavoro del drammaturgo belga, un nuovo teatro era rotto con altre tecniche, un cosiddetto teatro condizionale è rotto. Per creare un piano di un tale teatro condizionale per padroneggiare nuovo tecnico Tale teatro, era necessario procedere dai suggerimenti fatti in questa occasione da Se stesso Metherlink. La tragedia, a suo avviso, non è rilevata non al più grande sviluppo del Drama-Point Act, non nell'anima delle grida di strappo, ma, al contrario, nel Naiba, una forma calma, fissa e nella parola, disse tranquillamente. Hai bisogno di un teatro fisso. E non è qualcosa di nuovo, mai sperimentato. Tale teatro era già. La migliore delle vecchie tragedie: "Evmenda", "Antigona", "Electra", "Edipal a Koloґne", "Prometheus", "Hoefor" - Tragedia fissata. Non hanno nemmeno un'azione psicologica, non solo il materiale, ciò che viene chiamato "trama". Qui ci sono campioni del dramma del teatro stazionario. E in loro rock e la posizione di una persona nell'universo è l'asse della tragedia. Se non c'è movimento nello sviluppo della trama, se l'intera tragedia è sulla relazione tra roccia e uomo, hai bisogno di un teatro fisso e nel senso della sua attrezzatura fissa, quella che solleva il movimento, come la musica plastica, Come un disegno esterno dell'esperienza interna (movimento - illustratore), e quindi lei, questa tecnica del teatro stazionario, preferisce il gesto di rigidità e il risparmio di movimenti gesto del gesto. La tecnica di questo teatro che ha paura dei movimenti inutili, che non distraggono l'attenzione del viste dal complesso nidificazione interna, che può essere accresciuta solo nel fruscio, in una pausa, in una voce tremante, in una lacrima che ha guidato l'attore occhi. E poi: in ogni drammatico lavoro due dialoga - uno "esternamente necessario" - queste sono parole che accompagnano e spiegando l'azione, un altro "interno" è il dialogo che lo spettatore deve essere trascorso in parole, ma in pause, non nelle grida, e In silenzio, non in monologhi, ma nella musica dei movimenti di plastica. Il dialogo "esternamente necessario" è costruito dal meterlink in modo che le persone intensive ricevessero il numero minimo di parole con l'estrema tensione dell'azione. E per rivelare il dialogo "Inner" al pubblico, il dialogo di Meterlinka per aiutarlo a prendere questo dialogo ", l'artista della scena deve trovare nuove aree espressive. Sembra che non mi sbagliassi se dico che in Russia Valery Bruces in Russia ha parlato della parte inutile di quella "verità", hanno cercato di riprodursi sulle nostre scene di tutto nel corso degli anni; Inoltre ha sottolineato altri percorsi di incarnazione drammaticamente. Chiede una verità inutile delle scene moderne a convenzioni coscienti. Nello stesso articolo dell'articolo. Bryusov propone in avanti attocome l'elemento più importante sul palco, ma anche in questo si tratta della domanda non come ha fatto Kougel, che propone "Nutґro", come qualcosa di autosufficiente e ipocrisia, non legata da fili di sangue con un'idea comune di La creazione del regista e estendendo eccessivamente dalla disciplina necessaria. Anche se la questione sollevata da Bryusov, circa convenzione coscientein generale, più vicino al soggetto principale del mio articolo, tuttavia, al fine di avvicinarsi alla questione del teatro condizionale e della sua nuova tecnica, ho bisogno di rimanere in quel ruolo attorenel teatro, alcuni vedono il suo albero. Bruce. Secondo Bryusov: Fabul, l'idea del lavoro è la sua il modulo.Materiale lavori artistici - Immagini, vernici, suoni. Per l'arte, è prezioso solo il lavoro, dove l'artista alzò lo sguardo anima. Soddisfareopera d'arte - l'anima dell'artista.Prosa, poesie, vernici, argilla, Fabul - Tutto questo per lo strumento artista per esprimere la tua anima. Bruceov non condivide artisti agli artisti-creatori (forze, scultori, pittori, compositori) e su artisti artisti (giocando su strumenti, attori, cantanti, decorazioni). Vero, uno, a suo parere, lasciare l'arte del soggiorno (permanente), altri dovrebbero ricreare i loro lavori ancora e ancora ogni volta che vogliono renderli accessibili agli altri. Ma in questo e in un altro caso, l'artista è creatore. "L'artista sul palcoscenico è lo stesso dello scultore prima di bloccare l'argilla: deve incarnare in contatto con lo stesso contenuto dello scultore, - rafforzare la tua anima, i suoi sentimenti.Il pianista del materiale serve i suoni dello strumento, su cui è Igurates, cantante - la sua voce, l'attore - il suo stesso corpo, il suo discorso, mimico, gesti. Quindi il lavoro che esegue l'artista serve la forma per la propria creazione. " "La libertà della creatività dell'artista non impedisce che la forma della sua creazionedanimarca si prepara dal gioco dell'autore ...Gli artisti stanno creando gratuitamente, raffiguranti i grandi momenti della storia del Vangelo, anche se qui la forma è data dall'esterno. "" Il compito del teatro è quello di consegnare tutti i dati in modo che il lavoro dell'AKґґter si sia manifestato più liberamente ed è stato il più completamente rinunciato dal pubblico. Aiuta l'attore rivelare la sua anima davanti al pubblico- ecco l'unico scopo del teatro. " Lanciare parole - "Ecco l'unico appuntamento del teatro" - ed espanderò il suo pensiero, dirò questo: per tutti significa che devi aiutare l'attore rivelare la tua anima, intrufolando con l'anima del drammaturgo, attraverso l'anima del regista.E come la libertà della creatività dell'artista non impedisce che la forma della sua creazione, si prepara dal gioco dell'autore, può anche prevenire la libertà della sua creatività ciò che il regista gli dà. Tutte le strutture teatrali dovrebbero essere un attore. Dunk è stato pienamente di proprietà del pubblico, da allora arte panoramica Un isteride occupa uno dei primi posti. L'intero teatro europeo, secondo Bruce, per eccezioni insignificanti, si erge percorso falso. Non preoccuperò tutti gli assurdi di teatri naturalistici nel loro desiderio della riproduzione più veritiera della vita, che sottolinea l'albero. Brancery, poiché in un punto di vista diverso, sono coperti qui, nella prima parte, abbastanza completamente. Bruces sta per risparmiare sul palco convenzionalità- Non una scena, desiderando parlare, come nella vita, attori, senza sapere come fare questo, enfatizzare artificialmente le parole, agitando in modo ridicolmente le mani, in qualche modo sospiro, ecc. o Decorator, che vuole mostrare la stanza sul palco come in La vita, il padiglione tre volte mette - Bryusov non è per la conservazione di un tale schermo, senza senso, anti-morte convenzionale e per creare sul palco convenzionale convenzionecome metodo artistico, un fascino particolare della reception. "È condizionato che le statue di marmo e di bronzo sono indolori. Condizionale dell'incisione, su cui le foglie sono nere e il cielo in strisce, ma puoi provare piacere pulito, estetico e di incidere. Ovunque, dove l'artistico, c'è un convenzione." No, ovviamente, non è necessario distruggere affatto l'occupazione e ritornare nel momento in cui i nomi dei paesaggi sono stati scritti sui pilastri, ma "i tipi di ambienti dovrebbero essere sviluppati, comprensibili a tutti come quelli adottati La lingua è intesa come statue bianche, immagini piatte, incisione nera. " Quindi, albero. Bryusov suggerisce il ruolo attivo dello spettatore nel teatro. "Il teatro è il momento di fermare il falso valido. La nuvola dipinta nella foto è piatta, non si muove, non cambia la sua forma e leggerezza, ma ha qualcosa che ci dà una sensazione come una vera nuvola nel cielo. La scena deve consentire tutto di aiutare lo spettatore a ripristinare la situazione nell'immaginazione richiesta dal gioco Fabuli. " A proposito di Vyach. Ivanovo parlerà in relazione al repertorio del teatro condizionale.

IV. . I primi tentativi di creare un teatro condizionale

I primi tentativi di creare un teatro condizionale secondo il piano, richiesto da M. Meterlink e dall'albero. Bryusov, ha assunto il teatro-studio. E dalla produzione della tragedia Meterlinka "morte del tentup" questo primo teatro di ricerca, a mio parere, si avvicinò a un teatro condizionale ideale da vicino, sembra non essere superfluo, il lavoro del lavoro sul giocatore, gli attori, artisti, indicare le esperienze estratte. Il teatro scopre sempre la disarmonia dei creatori, sporgendo collettivamente prima del pubblico. Autore, direttore, attore, decoratore, musicista, butfoot non si fondono perfettamente in un lavoro collettivo. E non mi sembra quindi possibile la sintesi di Vag-Nervsky delle Arti. E il pittore e il musicista dovrebbero essere dissociati, il primo - in un teatro decorativo speciale, ovunque possa mostrare la tela, richiedendo la scena, non la mostra dell'immagine, sera, non illuminazione diurna, diversi piani, ecc.; Il musicista dovrebbe amare solo la sinfonia, il cui modello è la Sinfonia IX di Beethoven, e non c'è nulla da fare in un teatro drammatico, dove viene data la musica solo un ruolo di servizio. Questi pensieri sono venuti da me più tardi, quando i primi tentativi ("morte di tentup") passarono al secondo stadio ("Peleas e Melisanda"). Ma anche allora, quando lavorare sulla "morte del Tentup", appena iniziarono, ero tormentato dalla questione della disarmonia delle creature; E se fosse impossibile unire né con il decoratore, né con un musicista, - ognuno di loro, naturalmente tirato nella sua direzione, tutti cercarono istintivamente dissolversi ", volevo almeno unire l'autore, il direttore e l'attore. E qui si è scoperto che questi tre, che costituiscono la base del teatro, può unirema con una condizione indispensabile, se iniziano a lavorare, come era nel teatro dello studio, alle prove della "morte di Tentazile". Passando il solito percorso "conversazioni" sul gioco (hanno preceduto, ovviamente, lavorano sulla conoscenza del regista con tutto ciò che è stato scritto sul lavoro), il direttore e l'attore nell'officina delle prove che tentano di leggere il misuratore di poesia, estratti da quelle azionamenti che hanno scene, vicino all'umore verso le scene della tragedia "morte di Tentup" (quest'ultimo non lasciano entrare in un etudio, nell'esercizio, il lavoro a cui puoi

Arkadina. - DI. L.. Libreria, Treplev. - NEL. E.. Meyerhold..

"Gabbiano" MA. P.. Chekhov.. Mosca

Arte Teatro. 1898..

Sirin. - NEL. NEL. Luzhsky., Treplev. - NEL. E.. Meyerhold., Nina. - M.. L.. Roxanova.

Cleone - NEL. NEL. Luzhsky., Pneumatici - NEL. E.. Meyerhold., ragazzo - E. E. Gudkov..

"Antigone" Sofokla.. Mosca Teatro d'arte.. 1899 G..

"Morte John Grozny " MA. PER. Tolstoy.. Mosca Arte Teatro. 1899 G..

Troupe Collaborazione Nuovo Dramma. Tiflis.. 1906.. Sinistra giusto: M.. A PARTIRE DAL. Dosaggio, A PARTIRE DAL. DI. Brailovsky., MA. P.. Zones., Yu.. L.. Rakitin., NEL. E.. Meyerhold.. Gontskevich., R.. MA. UNGERN., E.. NEL. Safonova., M.. MA. Beetsky. (Cobetsky.), MA. P.. Nelidov., B.. PER. Pronin., N.. MA. Budkevich., DI. P.. Narbekova., K.. PER. Kostin., NEL. MA. Podoriano, DI. E. Preobrazhenskaya., E.. M.. Sgranocchiare, NEL. P.. Verigiga., B.. M.. Snegrev., MA. N.. Chengev.

NEL. E.. Meyerhold. nel ruolo Landovsky.. "Acrobats" F.. sfondo Shenthan.. Troupe governato da MA. A PARTIRE DAL. Kosheverov. e NEL. E.. Majerhhold.. Kherson.. 1903..

NEL. E.. Meyerhold. nel ruolo Benndario.

"Le meritevoli "Speranza" G.. Heiermans.. Troupe sotto Ufficio

MA. A PARTIRE DAL. Ko.- Scheverova. e NEL. E.. Meyerhold.. Kherson.. 1902..

NEL. E.. Meyerhold. nel ruolo Landovsky.. "Acrobats" F.. sfondo Shenthan.. Troupe governato da MA. A PARTIRE DAL. Kosheverov. e NEL. E.. Meyerhold.. Kherson.. 1903..

"Barca e Yau " G.. Hauptman.. Schizzo Scenario. Artista - N.. P.. Ulyanov.. Teatro-Studio. Mosca. 1905..

"Balant" MA. MA. Blok.. Schizzo Scenario. Artista - N.. N.. Salunov.. Teatro del dramma NEL. F.. Commissario. Peterburg.. 1906..

Andando solo quando sai già come prenderlo). Poesie e passaggi sono letti da ciascun attore a sua volta. Questo lavoro per loro è lo stesso dell'etudio per l'artista, Execisis per il musicista. La tecnica è Grouhed presso l'Etude, e, solo sofisticata della tecnica, l'artista inizia la foto. Lettura di poesie, passaggi, l'attore è alla ricerca di nuovi fondi espressivi. Il pubblico (tutto, non solo solo il direttore) non fa commenti e dirige il lavoro sull'etume a un nuovo percorso. E tutto il lavoro è diretto a trovare tali vernici, in qualsiasi autore "suonava". Quando l'autore è visitato in questo lavoro congiunto, quando almeno uno dei suoi passaggi o versi nel lavoro di qualcuno "suona", quindi il pubblico viene all'analisi dei mezzi espressivi, che lo stile dell'autore è trasmesso. Prima di procedere a trasferire l'intuizione delle nuove tecniche tecniche estranee, mentre ancora fresca in memoria, l'immagine del lavoro congiunto dell'attore e del direttore sugli Etudes, sottolineo due metodi di creatività alla regiadistinguendo variamente il rapporto tra attore e direttore: un metodo sta mentendo la libertà creativa non solo l'attore, ma anche lo spettatore, l'altro libera non solo l'attore, ma anche lo spettatore, costringendo il secondo non contemplare, ma per creare (a Primo, attivamente solo nella sfera della fantasia del pubblico). Due metodi riveleranno se quattro basiTeatro (Autore, Direttore, Attore e Viewer) Presentati a una figura grafica come segue: 1) Un triangolo, dove il punto più alto è il regista, i due punti più bassi: l'autore e l'attore. Lo spettatore percepisce la creatività di due attraverso il lavoro del direttore(Nella figura grafica, per esercitare il "visualizzatore" sopra il punto superiore del triangolo). Questo è un teatro ("Triangolo teatrale").

2) Direct (orizzontale), dove quattro basi del teatro sono annotate da quattro punti da sinistra a destra: Autore, Direttore, Attore, Viewer - Altro Teatro ("Teatro diretto"). L'attore ha rivelato la sua anima allo spettatore liberamente, prendendo il lavoro del direttore, poiché quest'ultimo ha accettato il lavoro dell'arte.

1) Nel regista "Triangle Theatre", interrompendo l'intero piano in tutti i dettagli, specificando le immagini ciò che li vede, cantando tutte le pause, le prove fino a quando tutta la sua intenzione è accuratamente riprodotta in tutti i dettagli, fino a quando non sente e Guarda il gioco mentre ha sentito e la vide quando ha lavorato da solo. Un tale "triangolo teatrale" piace un'orchestra sinfonica, dove il regista è un conduttore. Tuttavia, il teatro stesso, nell'architettura del suo che non dà il direttore della console del conduttore, indica già la differenza tra i ricevimenti del conduttore e il direttore. Sì, ma ci sono casi, mi rispetterà quando la Symphony Orґkestra gioca senza un conduttore. Immagina che Nikisha abbia la sua costante orchestra sinfonica con cui suona dozzine di anni, quasi senza cambiare la sua composizione. c'è composizione musicaleche l'orchestra viene eseguita da quest'anno un anno più volte entro dieci anni. Nikish potrebbe diventare una volta per la console del conduttore, in modo che l'orchestra faccia questo lavoro musicale senza di lui, nella sua interpretazione? Sì, potrei, e questa occasione musicale dell'ascoltatore perceprà nell'interpretazione di Nikishev. Domanda farmacologica - Se questo lavoro sarà soddisfatto interamente come se nikish condotto. Naturalmente, sarà peggio, ma sente ancora l'interpretazione di Nikishev. Dirò che direrò: l'orchestra sinfonica senza un conduttore, giusto, è possibile, ma per tenere un parallelo tra un'orchestra così sinfonica senza un conduttore e il teatro, dove gli attori si affacciano sulla scena senza un regista, lo è ancora impossibile. L'orchestra sinfonica senza un conduttore è possibile, ma lui, non importa quanto perfettamente fissato, il pubblico non sarà acceso, sarà comunque a conoscere l'ascoltatore con l'interpretazione di un conduttore, e può solo unire insieme, perché ricrea qualcuno l'intento di altro. Il lavoro dello stesso attore è che ha un compito più significativo che conoscere lo spettatore con l'idea del regista. L'attore poi infetta solo lo spettatore, se finanze in se stesso e all'autore e al regista, e si racconterà dalla scena. E poi: il vantaggio principale dell'artista dell'orchestra sinfonica è di possedere l'attrezzatura virtuoso e eseguire accuratamente le istruzioni del conduttore, isolando se stesso. Modificarsi all'orchestra sinfonica, il "Triano-Triangolo" deve prendere un attore con la tecnologia virtuoso, ma certamente in larga misura, che sarebbe in grado di soddisfare con precisione il direttore designato. 2) Nel regista "teatro dritto", fingendo l'autore in se stesso, non ha la propria creatività in se stesso (l'autore e il direttore si sono uniti qui). Akґter, accettato dalla creatività dell'autore attraverso il regista, diventa un contratto di locazione per affrontare di fronte allo spettatore (e all'autore e regista dietro l'atto della legge), rivela la sua anima a lui gratuitoe quindi aggrava l'interazione delle due principali fondamenta del teatro - una guida e il pubblico. In modo che la diretta non abbia trasformato in un'onda, il regista deve essere unonel fare un tono e un lavoro di stile, eppure il lavoro dell'attore nel "teatro dritto" rimane libero. Proprio pianoil regista si apre in conversazionesulla commedia. Tutto il direttore della produzione raccoglie proprioguarda il gioco. Avendo affascinante gli attori con il suo amore nel lavoro, il regista versa l'anima dell'autore in loro e la sua interpretazione. Ma dopo aver parlatotutti gli artisti sono dotati di completa indipendenza. Quindi il regista raccoglie nuovamente tutti per creare armonia delle singole parti; ma come? Balancando solo tutte le parti, creato liberamente dagli altri artisti di questa creatività collettiva. E installando quell'armonia, senza la quale la prestazione è impensabile, non raggiunge una riproduzione accurata del suo piano,uno solo per l'armonica della performance in modo che la creatività collettiva non sia senza tempo, - e attende il momento in cui poteva nascondersi dietro le quinte, fornendo attori o "bruciare la nave" se gli attori nella disintegrazione e il regista e con il regista e con il regista Autore (questo è quando non sono "New School") o rivelano le tue aggiunte quasi improvvisabili, ovviamente, non testo, ma ciò che il direttore ha solo accennato, costringendo lo spettatore attraverso il prisma della creatività di recitazione per accettare l'autore e il direttore . Teatro- questo è un ipocrita.Passando a tutte le opere di Meterlinka - ai suoi versi e ai suoi drammi, rivolgendosi alla sua prefazione all'ultima edizione, riferendosi al suo libro "Le Tresor des umibles", dove guardò per il teatro stazionario, intriso di un sapore comune, l'umore comune delle sue opere - siamo chiari vediamo che l'autore stesso non vuole produrre orrore sul palcoscenico, non vuole preoccuparsi e causare un grido isterico dallo spettatore, non vuole costringere l'ombretto a correre nella paura del terribile , E proprio il contrario: versare lo spettatore allo spettatore, ma la saggia contemplazione è inevitabile rendi lo spettatore a piangere, soffre, ma allo stesso tempo morendo e venire a calmarsi e scatenarsi. La sfida che l'autore si mette, il compito principale è quello di "distinguere la nostra tristezza, in mezzo a loro, allora gonfiore, quindi lampeggia di nuovo l'affidabile". La vita umana flumerà di nuovo con tutte le sue passioni quando lo spettatore lascerà il teatro, ma passionenon sembra più invano,la vita scorrerà con le sue gioie e la sua tristezza, con il suo obbligo, ma tutto ciò otterrà significato, perché abbiamo acquisito l'opportunità di uscire dall'oscurità o portalo senza amarezza.Art Metrolynka è grande e vivace. Incoraggia le persone a saggiamente il co-membro della grandezza della roccia, e il suo teatro ottiene il valore del tempio. Il Pastora nazuar elogia il suo misticismo come l'ultimo rifugio rifugiati religiosi, che non vogliono essere inclini prima temporaneoil potere della Chiesa, ma non pensando di rifiutare la fede libera nel mondo del non ritardo. La risoluzione dei problemi religiosi può essere effettuata in un tale teatro. E qualunque sia un sapore cupo, il lavoro è dipinto, una volta mistero,si nasconde di per sé una chiamata instancabile per la vita. Ci sembra che il dramma di Metherlink dei nostri predecessori, che stava cercando di spaventare lo spettatore, e non conciliare con l'inevitabilità fatale "nella fondazione del mio dramma", scrive Millek. - L'idea del Dio cristiano, insieme con l'idea dell'antico fatum ". L'autore di ascolta le parole e le lacrime delle persone, come rumore sordo, perché sono queste parole e lacrime - cadono in profondità abisso. Vede le persone dall'altezza delle più alte signore, e le sembrano debolmente tremolarsi scintille. E lui vuole solo notare, per augurare alcune parole di mitezza, speranza, compassione, paura nelle loro anime e mostrarci quanto potente che roccia, che gestisce il nostro destino. Stiamo cercando di garantire che la nostra esibizione del piloti-link rende gli spettatori sull'anima degli spettatori come un'impressione di riconciliazione, che lo stesso autore voleva. Parlare Meterlinka - mistero:o armonia a malapena udibile dei voti, il coro di lacrime silenziose, si arrese singhiozzi e il brivido di speranze (come nella "morte della tentaper"), o - estasi che chiamano agli affari religiosi nazionali, alla danza sotto i suoni dei tubi e l'organo, per la Vakhanlia della Grande Celebrazione del Miracle Second Act "<Сестры> Beatrix "). Drama Meterlinka -" La maggior parte di tutte le manifestazioni e la pulizia della doccia "." Il suo dramma è un'anima che canta in bassa vocesulla sofferenza, l'amore, la bellezza e la morte. " Semplicità,portando via da terra nel mondo dei sogni. Garґmonium, sentire la pace. O gioia estatica. Con quale percezione dell'anima del teatro meterlinka, siamo venuti alla prove studio per lavorare su Etudes. Come una madre di Perugino, uno dei più affascinanti artisti di QuatroChetto, vorremmo dire su MetryLinka: "Natura contemplativa, lirica delle sue trame, conoscenza tranquilla e solennità arcaica dei suoi dipinti" può "solo una tale composizione, l'armonia Di cui non è disturbato da un unico movimento compromesso, senza opposti acuti. " Affidarsi a queste considerazioni generali sul lavoro di Materlin, lavorando agli Etudi nel laboratorio di prove, gli attori e gli amministratori hanno trasmesso in modo intuitivo quanto segue: I. Nella zona di Dickening: 1) parole di inseguimento a freddocompletamente liberato dalla vibrazione (Tremolo) e dal pianto dei voti di recitazione. Completa assenza di tensione e tono cupo. 2) il suono dovrebbe sempre avere supporto,e le parole dovrebbero cadere come gocce in un pozzo profondo: una distinta goccia di gocce senza suono tremante nello spazio. Non ci sono vaghi nel suono, non c'è nella parola delle prossime estremità, come le poesie di lettura "decadente". 3) Il brivido mistico è più forte del temperamento del vecchio teatro. Quest'ultimo è sempre diverso, esternamente scortese (queste mani oscillanti, soffia nel petto e fianchi). Il tremante interno del tremolio mistico si riflette negli occhi, sulle labbra, in sano, nella maniera del discorso, questa è la pace esterna a vulcanica. E tutto senza tensione, facile. 4) L'esperienza delle emozioni mentali, tutta la loro tragedia è inseparabilmente connessa con l'esperienza della forma, che è inerente alla considerazione, in quanto è inerente a Metrylinka, che ha dato tale, e non altre forme così semplici e lunghe dal noto. 5) mai twister della lingua,che si pensa solo ai drammi del tono nevrastenico, in quelli in cui i punti sono così amorevolmente. La calma epica non esclude il picco tragico. Le esperienze tragiche sono sempre magnifica. 6) Tragedia con un sorriso sul suo viso. Ciò richiede un requisito di intuizione che ho capito e accettato l'intera anima solo allora quando ho dovuto leggere le parole di Sauvonarols: "Non pensare che Maria alla morte di suo figlio cripied, cammando per le strade, arrotolato i capelli e se stessa un pazzo. Ha camminato dietro suo figlio con mansualità e grande umiltà. Probabilmente versò le lacrime, ma da aspetto Non era triste, ma allo stesso tempo triste e gioioso.E ai piedi della croce in piedi triste e gioiosoimmerso nel segreto della grande bontà di Dio. "Attore della vecchia scuola per produrre una forte impressione sul pubblico, gridò, gridò, murata, si batteva con i pugni al petto. Lascia che il nuovo attore espresso punto più alto La tragedia come un tragismo suonava in Maria triste e gioiosa: Spoy esternamente, quasi freddo,senza urlare e piangere, senza note tremorie, ma profondamente. II. Nel campo della plastica: 1) Richard Wagner rivela un dialogo interno con l'aiuto di OrґKestra. La frase musicale, Sveta Singer, sembra non abbastanza forte da esprimere l'esperienza interiore degli eroi. Wagner chiama l'orchestra per aiutare, credendo che solo l'orchestra sia in grado di dire imprecisa, rivela il pubblico un mistero. Come nel dramma musicale, la frase del cantante di Sveta, quindi nel dramma parola- Non uno strumento abbastanza forte per identificare il dialogo interno. E non è vero se parolaera l'unico strumento che l'essenza della tragedia, potrebbe giocare tutto sulla scena. Per fare parole, anche bene per pronunciarli, non significa - dire. C'era bisogno di cercare nuovi mezzi per esprimere inevitabili, rivelare il nascosto. Come Wagner sulle esperienze spirituali dà all'orchestra, quindi lascio parlare di loro movimenti di plastica. Ma dopotutto era necessario nell'ex teatro della plastica strumento espressivo. Salvini in Othello o Gamlet ci ha sempre colpito con la sua plasticità. La plastica era davvero, ma non su questo tipo di plastica che dico. Quella plastica è rigorosamente concordata con le parole, pronunciate. Sto parlando di "plastica, non parole appropriate". Cosa significa "la plastica non corrispondente alle parole"? Due persone stanno parlando del tempo, sull'arte, sulle fosse. Il terzo, guardandoli dal lato, se è finito, più o meno sensibile, vestito - sulla conversazione di quei due circa gli articoli che non si riferiscono alla loro relazione possono determinare con precisione chi sono due persone: amici, nemici, amanti . E può determinarlo dal fatto che due persone di consenso sono debite con le loro mani tali movimenti, diventano tali pose, così omettono gli occhi che permette di determinare le loro relazioni reciproche. Questo perché, parlando di tempo, arte, ecc., Queste due persone fanno movimenti che non si applicano. E in questi movimenti, non parole appropriate, osservando e determina chi parlano: amici, nemici, amanti ... il regista lancia il ponte dallo spettatore all'attore. Ritirarsi, con la volontà dell'autore, sul palco di amici, nemici, amanti, i movimenti delle spalle del direttore e pose per dare un tale disegno per aiutare lo spettatore non solo ad ascoltare le loro parole, ma anche penetrare nell'interno, nascosto dialogo. E se il regista, approfondimento nell'autore, ha ascoltato la musica del dialogo interno, suggerisce l'attore quei movimenti di plastica, che, a suo avviso, sono in grado di costringere lo spettatore a percepire questo dialogo interiore mentre viene ascoltato dal regista e attori. Gesti, posture, viste, silenzio determinano veritàpersone reciproche Le parole non stanno ancora parlando. Quindi - bisogno figura motion.sul palco per superare lo spettatore nella posizione di un osservatore vestito per dargli lo stesso materiale dato che ha dato due a parlare con il terzo osservatore - il materiale con cui lo spettatore potrebbe risolvere l'impressione delle esperienze degli attori. Parole per udito, plastica per gli occhi. Quindi, la fantasia dello spettatore funziona sotto la pressione di due impressioni: visivo e uditiva. E la differenza tra il vecchio e il nuovo teatro è il fatto che nell'ultima plastica e le parole sono subordinate - ciascuno del suo ritmo, a volte essere in incongruenze. Tuttavia, non dovrebbe essere pensato che sia sempre necessario solo non corrispondente alle parole di plastica. È possibile una frase da dare parole plastiche, molto rilevanti, ma è tanto naturale come una coincidenza di stress logico con il verso poetico. 2) Dipinti di materialilinagati. Questi nomi sono come icone. Arquel, come nella foto di Ambrogo Borgongon. Archi gotici. Statue in legno, depositate e lucenti, come un albero di paia. E voglio una distribuzione simmetrica degli attori, come volevo essere perugal, perché per lo più la divinizza dell'universo. "Le donne, i giovani femminili e gli anziani stanchi di mansuazione possono essere l'espressione dei sentimenti sognanti, morbidi", il cui trasferimento di Perugino ha cercato. I'S MELLK? Da qui il compito della pittura dell'icona. Viaggio non sufficiente nelle quinte dei teatri naturalistici è stato sostituito nel nuovo teatro con il requisito di fare piani di riferimento, rigorosamente subordinato al movimento ritmico delle linee e al consonanza musicale dei punti colorati. Il compito iconografico doveva essere fatto anche nell'area della decorazione, dal momento che non siamo arrivati \u200b\u200ba completare l'abolizione di loro. E poiché il movimento plastico è concesso il valore di un grande agente espressivo, aspirando a identificare un importante dialogo interno importante, quindi tali decorazioni sono state disegnate, che non avrebbero dato l'opportunità di sfondare con questi movimenti. Era necessario concentrare tutta l'attenzione dello spettatore sui movimenti. Da qui solo uno sfondo decorativo nella "morte della tentaxile". Questa tragedia si rivela contro lo sfondo di una semplice tela e ha prodotto un'impressione molto forte, perché i gesti di RґSunok sono chiaramente delineati. Quando gli attori sono stati trasferiti allo scenario, dove c'era spazio e aria, il gioco ha giocato. Da qui - pannello decorativo. Ma quando un certo numero di esperimenti è stato realizzato con un pannello decorativo ("Beatrice", "Edda Gabler", "Eternal Fairy Tale"), sembrava che se ci fossero decorazioni di Noger, dove i movimenti di plastica sono rotti, dove non si eccitano, non sono fissi, anche pannelli decorativi. Jotto non viola le linee di levigatezza nelle sue foto di levigatezza, perché tutta la sua creatività non dipende da naturalistica, ma da un punto di vista decorativo. Ma se non c'è ritorno al naturalismo, allora non c'è anche nessun punto di vista "decorativo" (se non è preso, come lo capivano nel teatro giapponese). Il pannello decorativo, come la musica sinfonica, ha il proprio compito speciale, e se lui, come una foto, è necessario con le filugure, poi scritto solo su di esso, o, se è il teatro, quindi i burattini di cartone, e non la cera, non Un albero, non il corpo. Questo perché un pannello decorativo con due dimensioni richiede le figure di due dimensioni. Il corpo è umano e quegli accessori che intorno ad esso - tavoli, sedie, letti, armadietti - tutte e tre le dimensioni, così a teatro, dove la base principale è l'attore, è necessario fare affidamento sul trovato in arte plastica, e non nella pittura. Perché l'attore dovrebbe essere la base statuarietà in plastica. Ecco il risultato del primo ciclo di ricerca nel campo del nuovo teatro. Il cerchio storicamente necessario è stato completato, che ha dato una serie di esperimenti della fase condizionale, che ha portato ai pensieri di alcune nuove campagne di pittura decorativa in un teatro drammatico. Attore della vecchia scuola, avendo appreso che il teatro vuole rompere con un punto di vista decorativo, sarà deliziato da questa circostanza, dice che non è altro che un rimborso al vecchio teatro. Dopotutto, nel vecchio teatro, dirà, ed era lo spazio di tre misurazioni. Quindi, un teatro contingente! Dal momento di separare la pittura decorativa sulla scena del teatro decorativo, e il musicista nella Symphony Hall, il Teatro Condizionale, risponderò, non solo morirà, ma, al contrario, andrà ancora di più Passi coraggiosi. Rifiutando i pannelli decorativi, il nuovo teatro non rifiuta le tecniche condizionali di performance, non rifiuta la ticchettizzazione di MetterLink nei ricevimenti del dipinto dell'icona. Ma l'accettazione dell'espressione dovrebbe essere l'arco in contrasto con lo stesso scenico. Tutti i piani condizionali e la "morte di Tentazili" e "Beatrix Sisters", e " Eternali fiabe", e" Eddda Gabler "sono preservati in completa immunità, ma con il trasferimento di loro al teatro condizionale liberato, e il pittore si mette in quell'aereo, dove né attore né oggetti, come i requisiti dell'attore e non del pittore teatrale sono diversi.

V. Teatro condizionale.

"Dalla verità inutile delle scene moderne che chiamò alle convenzioni coscienti del teatro antico", l'albero ha scritto così. Bruce. Il revival del teatro antico è in attesa e asciugato. Ivanov. Albero. Bruti, enfatizzando nell'antico teatro un campione interessante di convenzionalità, menziona solo casual. Vyach. Ivanov apre un piano sottile dell'azione Dionisov. Accettato solo per assomigliare al teatro secondo il desiderio. Ivanova prende il suo repertorio solo un'antica tragedia - l'originale o anche scritto, ma intensamente nello stile dell'antico greco, come "tenatal", per esempio. Per assicurarsi che il progetto Drah. Ivanova è tutt'altro che Unilaterale e ospita un repertorio molto ampio, ovviamente, non dobbiamo avere una singola linea, hanno scritto, ma, sfortunatamente, Vyach. Ivanova non esploraci. Voglio rimanere sui piani di Vyach. Ivanova allora, così che, penetrando nella sua intuizione, è anche determinato a rivelare i vantaggi delle tecniche condizionali e mostrare che solo la tecnica condizionale darà al teatro di prendere nel suo solitario un vario repertorio proposto da Vyach. Ivanov e il bouquet multicolore del dramma, che lancia la moderna drammaturgia sul teatro dell'aquila. Il dramma del polo delle dinamiche è andato al polo della statica. Il dramma è nato "dallo Spirito della musica, dal Choral Diffiram, dove c'era un'energia dinamica". "Dal ministero estatico sacrificale è sorto un'arte drogata del dramma corale." Quindi inizia la "separazione degli elementi iniziali". Diffirb si distingue come un genere indipendente di testi. L'attenzione che consuma tutto attrae l'eroe-protagonista, il cui tragico destino inizia ad essere il centro del dramma. Lo spettatore dall'antico complice della Santa azione diventa uno spettatore dello "spettacolo" festivo. Coro, separazione e dalla comunità, quello che era sull'orchestra, e dall'eroe, diventa un elemento che illustra la peripetica del destino eroico. Così creato teatro,come spettacolo. Only Viewer passivamentesto attraversando ciò che percepisce dalla scena. "La linea incantata si tiene tra gli attori e lo spettatore, che oggi divide il teatro sotto forma di una linea di rampa per due alieni ad un altro mondo: solo recitare e solo percepire, - e non ci sono vene che avrebbero collegato questi due Corpi separati con la circolazione del sangue generale delle energie creative. " Orhestra portò più vicino allo spettatore con la scena. La rampa del teatro è cresciuta sul posto dove era Orheztra, e ha rimosso la scena dallo spettatore. Le stime di tale spettacolo teatro di spettacolo - "Iconostasi, distante, dura, non unire tutto insieme nel letto generale festivo," Isoґnostas invece del "ex altare basso", a cui era così facile nell'ecstasy per correre la porzione. Drama, che ha avuto origine nei ministeri dephirable di Dionisis, si stava gradualmente allontanando dalle sue fonti religiose, e la maschera del tragico eroe, nel destino di cui il pubblico vide la sua roccia, la maschera di un fattore tragico separato, in cui tutto era umano incorporato I, - maschera Questo nel corso dei secoli si è gradualmente schiacciato. Shakespeare rivela personaggi. Cornel e Razin hanno messo i loro eroi dipendenti dalla moralità di questa epoca, rendendoli formule materialistiche. La scena viene rimossa dall'inizio della comunità religiosa. La scena è alienata dal visualizzatore da questa sua obiettività. Scena non infettascena non eccede. Il nuovo teatro è di nuovo verso l'inizio della dinamica. Tali sono teatri - Ibsen, Meterlinka, Verkown, Wagner. Le nuove ricerche si trovano con le Alleanze dell'antichità. Poiché l'azione sacerdotale della tragedia era il tipo di "purificazione" donisbica, e ora chiediamo dall'artista di guarigione e purificazione. Azione esterna nel nuovo dramma, identificare i personaggi - diventa inutile. "Vogliamo penetrare permaschera I. perazione nel carattere inaccessibile del viso e si affaccia sulla sua "maschera interna". Lo sterminio dall'esterno per il bene dell'interno nel nuovo dramma non è in ordine per le profondità in questa apertura anima umana Dare una persona ad abbandonare dalla terra e portarla nell'oblaka (teatro esoterique) e per strappare lo spettatore alla vittima eterna dionisica hop. "Se il nuovo teatro è di nuovo dinamico, lascia che sia così fino alla fine." Il teatro dovrebbe finalmente rivelare la sua essenza dinamica; Quindi, deve smettere di essere "teatro" nel senso di solo lo spettacolo ". Vogliamo riunirsi per creare - "Vota" - cattedrale, e non contemplare solo. Vyach. Ivanov chiede: "Quale dovrebbe essere il soggetto del dramma del prossimo?" - E risposte: "Dovrebbe esserci uno spazio in esso: tragedie e commedie, misteri e una fiaba del lober, mito e società". Dramma simbolico,che cessa di essere isolati e trova "consonanza armoniosa con l'autodeterminazione dell'anima dell'anima"; tragedia divina ed eroica,la tragedia simile antica (probabilità non nella costruzione architettonica dei giochi, ovviamente; noi stiamo parlando oh rock e satira, come fondazioni della tragedia e del co-movimento); mistero,più o meno simile a medievale; commedianello stile di Aristofan - ecco il repertorio offerto da Vyach. Ivanov. È un teatro naturalistico può prendere un repertorio così diverso? Non. Teatro esemplare della tecnologia naturalistica - Moscow Art Theatre - ha cercato di prendere i teatri nel suo Lono: Antique ("Antigona"), Shakespeare ("Julius Caesar", "Sheck"), Ibsen ("Edda Gabler", "Ghosts, ecc. ), Meterlinka ("cieco", ecc.) ... e, nonostante il fatto che aveva a capo del direttore di talento in Russia (Staniґslavsky) e un certo numero di attori eccellenti (Kindper, Kachalov, Moskvin, Savitskaya), si è rivelato impotente a tradurre un repertorio così vasto. Approvo: lo impedirò sempre in questo - la passione per la maniera del Mauningen del palcoscenico, ha interferito con "Meto naturalistico". Il Teatro Art Moscow, che è riuscito a realizzare solo Il teatro di Chekhov è rimasto alla fine, "Teatro intimo". Teatri in permania - E tutti quelli che, affidandosi al metodo del Mauningen, poi lo "stato d'animo" del Teatro di Chekhov, si è rivelato impotente ad espandere il loro repertorio e quindi espandere i loro pubblico. Teatro antico. Con ogni secolo, sempre più diffamato, e i teatri intimi sono la frammentazione più estrema, l'ultima ramificazione del teatro antico. Il nostro teatro ha rotto sulla tragedia e la commedia, e nel frattempo il teatro antico era uno. E mi sembra che sia questa frammentazione del teatro dello stesso per i teatri intimi e previene la rinascita del teatro nazionale, del teatro, del teatro e del festival del teatro. La lotta contro i metodi naturalistici, che i teatri delle direzioni e alcuni amministratori hanno assunto da soli - è suggerito dall'evoluzione storica. La ricerca di nuove forme di palcoscenico non è un modello di moda, l'introduzione di un nuovo metodo di disegno (condizionale) non è un'idea nel piacere della folla, cercando avidamente impressioni sempre più acute. Il teatro della correzione e dei suoi direttori lavorano per creare un teatro condizionale quindi per fermare il ramo del teatro all'intimo, resuscitare il teatro è uno. Il Teatro Condizionale offre una tecnica così semplificata, che darà l'opportunità di mettere il mediodrino accanto a Kuencind, Andreeva accanto al Sologub, il blocco accanto a Psibushevsky, Ibsen accanto a Remiz. Il teatro condizionale scopre l'attore dallo scenario, creando lo spazio di tre dimensioni e gli dà una duttilità naturale statuazionale. Grazie alle tecniche condizionali, una macchina del teatro complessa crolla, le impostazioni sono portate a tale semplicità che l'attore può entrare nel quadrato e lì per giocare le sue occasioni, senza renderti dipendenti da decorazioni e accessori appositamente adattati alla rampa teatrale, e da tutti esternamente casuale. In Grecia a Sofoklo-Euripid, la competizione di attori di rintracciazione davano indipendente attività creativa attore.Quindi, con lo sviluppo di attrezzature sceniche, le città creative dell'attore caddero. Dalla complicazione della tecnologia, ovviamente, il nostro incredibile dell'attore è caduto. Pertanto, i diritti di Chekhov - "Le brillanti daruaranze sono ora piccole, è vero, ma l'attore centrale è diventato molto più alto". Liberare gli attori da accessori extra tritati a caso, semplificando le attrezzature in un possibile minimo, il congiunto teatro, mette in tal modo il lavoro dell'attore creativo dilettante. Inviando tutto il mio lavoro sulla rinascita della tragedia e della commedia (nel primo rilevamento rock, nella wtoґra satira), il teatro condizionale evita il "sentimento" del Teatro di Chekhov, l'identificazione dei quali coinvolge l'attore in transizioni passive , impara ad essere creativamente meno intenso. Dopo aver rotto la rampa, il teatro condizionale abbasserà la scena al livello del partner, e costruendo la dizione e il movimento degli attori sul ritmo, porta la possibilità di rinascita danzae la parola in tale teatro sarà facile da spostare nel crimino di ricottura, nel cantare il silenzio. Il direttore del teatro condizionale mette il suo compito solo per dirigere l'attore, e non per gestirlo (al contrario del direttore principale). Serve solo il ponte con l'anima dell'autore con l'anima dell'attore. Premendo il lavoro del relyster, l'attore - unofaccia a faccia con il pubblico, e dall'attrito di due inizi gratuiti - il lavoro dell'attore e la fantasia creativa dello spettatore - la vera fiamma è accesa. Come l'attore è libero dal regista e il regista è gratuito dall'autore. REMARIKA dura il direttore solo il bisogno causato dalla tecnica di quel tempo in cui è stato scritto il gioco. Sottolinea il dialogo interiore, il regista lo rivela liberamente nel ritmo di dettatura e del ritmo dell'attore plastiglio, credendo solo con quelle osservazioni dell'autore che sono al di fuori della necessità tecnica. Il metodo condizionale finalmente crede nel quarto teatro creativodopo l'autore, il direttore e l'attore; questo è - spettatore.Il teatro condizionale crea una tale stadiazione, in cui lo spettatore raggiungerà la sua immaginazione disegno in modo creativodati del cancro suggerimenti. Il teatro condizionale è tale che lo spettatore "non un minuto non ha di fronte a lui giocandoe l'attore è che la sala visiva frontale, sotto le gambe della scena, e sui lati - decorazioni. Come nella foto: la guardando, per un minuto non dimentichi che queste sono dipinge, una tela, un pennello, e allo stesso tempo ottieni un senso di vita più alto e illuminato. E anche spesso così: più immagine,la sensazione più forte vita ". La tecnica condizionale combatte il ricevimento illusorio. Non ha bisogno di un'illusione come Apollinic Gosza. Il teatro condizionale, fissando la plasticità della statua, sterline individuali gruppi nella memoria dello spettatore, in modo che le parole della tragedia stiano sparando le parole. Il teatro condizionale non cerca una varietà nella scena di Mise en, come sempre nel teatro naturalistico, dove i ricchi pianificazioni pianificazione crea un caleidoscopio di pose in rapida evoluzione dei cambiamenti. Il teatro condizionale cerca di essere intelligente dalla linea, la costruzione di gruppi e i colori dei costumi, e nella sua immobilità dà mille volte più movimento rispetto al teatro naturalistico. Il movimento sulla scena non si muove il senso letterale della Parola e la distribuzione di linee e vernici, così come in modo semplice e abilmente queste linee e vernici attraversa e vibrano. Se il teatro condizionale vuole la distruzione dello scenario, consegnato in un unico piano con l'attore e gli accessori, non vuole la rampa, il gioco dell'attore sta subordinando il ritmo della dizione e il ritmo dei movimenti di plastica, se sta aspettando il revival della danza - E lo spettatore implica partecipare attivamente all'azione - non si comporta in modo personale condizionale dal revival dell'antico? Sì. L'antico teatro della sua architettura è esattamente lo stesso teatro, in cui c'è tutto il necessario per il nostro teatro di oggi: non ci sono scenari, spazio - tre dimensioni, qui hai bisogno della plasticità della statua. Oltre all'architettura di tale teatro, ci saranno emendamenti insignificanti in conformità con le esigenze dei nostri giorni, ma è il teatro antico con la sua semplicità, con i suoi luoghi a ferro di cavallo per il pubblico, con la sua orhestra - quella teatro singoloIl che è in grado di prendere nel suo Lono la deviazione desiderata del repertorio: blocco "Balaganchchik", "vita umana" AnґDev, Tragedia Meterlinka, gioca di Cuzmin, Mysteria al. Reґmizov, "Api saggi regalo" F. Sologuba e molti più belli, gioca di nuovo dramma, che non hanno ancora trovato il loro teatro.

I martiri in ogni momento c'erano molto. La storia mostra che Vsevolod Meyerhold è uno di loro ...

Il 20 giugno 1939, Meyerhold è stato arrestato a Leningrado; Allo stesso tempo nel suo appartamento a Mosca, è stata fatta una ricerca. Nel protocollo di ricerca, il reclamo dei ripadistri 3INAIDA di sua moglie ha protestato contro i metodi di uno degli agenti NKVD è stato registrato. Presto (15 luglio) è stata uccisa da persone non identificate.

Dopo tre settimane Gli interrogazioni, accompagnati dalla tortura, Meyerhold ha firmato l'indagine necessaria della testimonianza: è stato accusato dell'articolo 58 del codice penale del RSFSR. Nel gennaio 1940, Meyerhold ha scritto V. M. Molotov:

... Sono stato escluso qui - il paziente del vecchio di sessanta anni di un anziano, messo sul pavimento a faccia in giù, la cablaggio di gomma fu picchiato lungo i talloni e sulla schiena, quando era seduto su una sedia, il Lo stesso battito in gomma sulle gambe [...] il dolore era tale da sembrare avere luoghi malati sensibili ai luoghi in giglio ripido acqua bollente ...

L'incontro del collegio militare della Corte Suprema dell'URSS si è tenuta il 1 ° febbraio 1940. Il consiglio ha condannato il regista alla ripresa. Il 2 febbraio 1940, la sentenza è stata effettuata. Informazioni su The Burial Place Meyerhold scrive il "teatro" della rivista: "La nipote del sole. E. Meyerhold Maria Alekseevna Valentine nel 1956, avendo raggiunto la sua riabilitazione politica, ma non sapendo come e quando suo nonno morì, ho installato Zinaida Rayhki nella tomba Cimitero vagankovsky., Monumento generale - lei, attrice e amata moglie, e lui. Il ritratto di Meyerhold è stato inciso sul monumento e sull'iscrizione: "Vsevolod Emilevich Meyerhold e Zinaide, Nikolaevna Reich."<…>

Nel 1987, è diventata consapevole del vero sepolcro di Meyerhold - "il numero totale di grave numero 1. La sepoltura di non reclamata Prakhov dal 1930 al 1942 incluso." Nel cimitero della Kremattuntion di Mosca al Monastero di Don. (Con decisione del Politburo del 17 gennaio 1940 n. II 11/208, firmato da Personalmente Stalin, 346 persone sono state girate. I loro corpi erano cremati, e la polvere, che viene arrotolata nella tomba complessiva, è mescolata con la polvere di altri uccisi.) "

Nel 1955, la Corte Suprema dell'URSSS ha riabilitato postumamente Meyerhold.

Nei primi anni '30, Meyerhold in tour a Berlino si è incontrato con un grande attore Mikhail Chekhov.(nipote A.P. Chekhov.) Vivere in emigrazione. Si consiglia di non tornare a Mosca, giustamente dicendo: "Sarai distrutto".

Ma il regista considerava il suo ritorno d'onore - non solo è stato dedotto freneticamente alla rivoluzione, ma non poteva separarsi con adorabile Zinaida Reich..

Riferimento:Per la prima volta Meyerhold ha sposato uno studente nel 1896 in un amico d'infanzia Olga Mint. I coniugi sono nati tre figlie, il più giovane di cui - Irina - successivamente sposata con il famoso attore del teatro e del cinema Vasily Mercuryeva, e il loro figlio Peter Mercuriov divenne un attore e un giornalista musicale.

Il secondo matrimonio con attrice Zinaida Rayich è stato lanciato dal 1922 al 1939. Il regista ha adottato i suoi figli dal primo matrimonio con il poeta Sergey Yeenin Tatiana e Konstantin.

Tre referenze di morte

Bambini di Vsevolod Meyerhold e Zinaida Reich. Gli orfani sono diventati tre volte - quando nel 1925 li impiccarono padre reale Sergey Yeenin.Quando nel 1939, pochi giorni dopo l'arresto del patrigno, la madre era crudele, e quando Meyerhold è stato ucciso. Sono stati dati due certificati di morte nel NKVD: Nel primo è stato scritto che è stato morto il 2 febbraio 1940 a causa di insufficienza cardiaca, nel secondo c'era la data della morte il 17 marzo 1942 e il molo invece di la causa.

La famiglia dell'ex direttore ha ricevuto l'avviso che gli è stato dato "10 anni senza il diritto di corrispondenza". Per diversi anni, la moglie e le figlie erano annoiate da prodotti con prodotti, fino a quando non hanno imparato da familiari, che Vsevolod Emilevich è stato girato nel seminterrato della prigione Butyrsk nel febbraio del 40 ° anno.

Anche dopo la morte di Meyerhold nel paese, c'erano leggende, secondo il quale ha affermato durante la grande guerra patriottica è stata guidata dal campo del campo a Gulag.

"Genio pazzo"

Karl Casimir Theodore Meyerdergold Nato a Penza nella famiglia di tedeschi russificati, proprietari di una pianta di vino-vodka. La natura ribelle del giovane si è manifestata nello studente - ha rifiutato di partecipare all'attività familiare, adottata ortodossia, sposata contrariamente alla volontà dei genitori, ha preso un nuovo nome e ha cambiato il nome in conformità con le norme della lingua russa.

Così apparve il VSEVOLOD Meyerhold - il futuro avvocato che ha gettato l'Università di Mosca lo stesso giorno in cui ha visto il gioco "Otello" nella formulazione Konstantin Stanislavsky.. Entrò nel teatro e sulla scuola di musica presso la Mosca Philharmonic, dove il suo mentore è diventato direttore teatrale, drammaturgo e critico Vladimir Nemirovich-Danchenko. Nel 1898, Meyerhold era tra il 14 ° eletto e divenne l'attore dei Tarioni del Teatro Art Moscow, creato dai suoi insegnanti.

Meyerhold è diventata una stella MHT, ma a seguito di disaccordi creativi, relazioni strappate con i mentori, ha segnato la sua troupe "Associazione del nuovo dramma" e ha visitato con lei in provincia.

Due anni dopo, ha suggerito Stanislavsky ad organizzare un teatro radicalmente nuovo, ma Nemirovich-Danchenko con uno scandalo ha chiesto di non ascoltare il "Genio pazzo che offre alcune uova strapazzate - un mix selvaggio Nietzsche, Meterlinka. e radicalismo. "

Meyerhold è stato distinto da fantastiche prestazioni - in una stagione ha messo 13 spettacoli nel teatro della famosa attrice russa Vera Comissarzhevskaya.e per dieci anni di lavoro nel teatro Alexandrinsky e Mariinsky - 21 Drama e 10 performance musicali, tra cui la leggendaria Masquerade Lermontovsky.

Fatto:Ha trascorso 300 mila rubli per l'oro e sei anni di prove al suo capo "Alexandrinsky". Masquerade era nel repertorio attuale anche dopo l'opale e la morte del creatore fino al 1947. Performance "Masquerade. I ricordi del futuro "sono stati restaurati nel 2014 dalle partizioni di Meyerhold DvoRukov Alexandrinka V. Fokin.

"Camaleonte teatrale"

Meyerhold Power Soviet ha incontrato entusiasticamente e si è rivelato il capo della nuova arte rivoluzionaria. Nel 1918, si unì alla festa e ha ricevuto il posto del presidente della divisione teatrale del Commissariato popolare (analogo del Ministero della Pubblica Istruzione). Il giovane riformatore ha spiegato la battaglia ideologica con teatri accademici. La maggior parte ha ex insegnanti - Nemirovich-Danchenko e Stanislavsky.

Riferimento:Al contrario del famoso sistema Stanislavsky, che si basa sull'arte dell'esperienza, Meyerholhold ha sviluppato il suo sistema di recitazione - biomeccanico. Questo è un metodo che consente all'attore di passare dall'esterno al gioco interno, dal movimento, al reflex e allo scarico di "energia in eccesso di recitazione" all'immagine.

Fuori da idee comuniste, ha avviato nuovi generi teatrali: un raduno di gioco, dove il pubblico è stato permesso di camminare, fumare e parlare durante l'azione e la formazione politica-politica. Con la sua mano leggera e con il supporto del poeta V. Mayakovsky. Secondo la Russia sovietica, un'ondata del Teatro Campaigning è andata.

All'alba della "nuova vita" nel Museo del Politecnico e nel teatro "Hermitage" ha regolarmente camminato con dispute pubbliche feroci di giganti del teatro inconciliabile - Vsevolod Meyerhold e Alexandra Tairova.

La cannone verbale dei leader di due teatri è sempre stata acuta, così invariabilmente attraeva il pubblico. Tairov ha chiamato il camaleonte teatrale dell'avversario, e Meyerhold ha definitivamente riferito al suo lavoro dell'opponente ideologico "diploma teatrale per la piccola scala".

Cerca una donna ...

Dopo l'arresto di Meyerhold nel giugno del 1939, le voci hanno proseguito la capitale su Tom, i Chekists sollevò il regista dall'aeromobile dell'ambasciatore inglese. Dubbi del poeta della Boemia di Mosca Anna Akhmatova. Dissipato una frase: "Chiunque crede che abbia deciso di fuggire dal paese senza Reich?".

Nel teatro aperto denominato Behalf di se stessi - il teatro di stato. Meyerhold (ospiti) - attrice principaleLa musa e la seconda moglie sono diventate bellissime Zinaida Reich. Meyerholhold è stato ossessionato dall'amore prese il nome di sua moglie, che era sorseggiante di esso per 21 anni e divenne Meyerhold Raih. Un muncio insultato ha maledetto ex marito davanti alle icone, implorando i santi di urlare in amore. A giudicare dal fatto che il mostruoso era la loro morte, le sue preghiere furono ascoltate.

I contemporanei consideravano l'attrice di Reich Mediocre. Dopo aver reso Meyerhold per dare a sua moglie il ruolo di Hamlet stesso attore famoso Nikolai okhlopkov. Nelle rabbia, ha scritto una domanda per il ruolo di Ofelia ed è stato licenziato. Dopo una lite con Reich dal teatro, il grande Erast Garin.. Il direttore ha licenziato la moglie sparata Maria Babanova. Per il fatto che ha più applaudito il pubblico.

Fatto:La stampa era entusiasta con passioni inumane e grida di eroina Reich. Nella vita, si è comportata allo stesso modo del teatro. Una volta sul mercato rotolò una tale isteria dopo la scomparsa del portafoglio, che il ladro tornò e restituì i soldi.

Periodo arcobaleno la vita familiare Continua per 16 anni. Reich è diventato l'ospite desiderato dei ricevimenti del governo. Ma Meyerhold era infastidendo lo stato della salute di un giovane coniuge che soffre di interruzioni nervose. Poteva rotolare una scena pubblica, non credendo con il luogo e lo status di quelli presenti. Una volta a un grande evento del governo nel Cremlino attaccato all-Union Starost. MI. Kalinina., famoso per le sue avventure con giovani ballerine, con le parole: "Tutti sanno che sei un donnaizzatore!".

Nel 1937. Joseph Stalin. Guardai il gioco con Reich e ho detto che era una produzione troppo borghese, dopo di che il teatro era chiuso, e lesioni organizzate sono iniziate nella stampa.

Fatale per questa famiglia era una lettera di attrice Stalin - un messaggio disperato e audace, in cui ha sopportato il marito, condannato "georgiano, che non capisce nulla in arte russa" e lo ha prescritto un appuntamento. Durante l'arresto di Reich, ha urlato che le autorità avevano portato via il suo primo marito e ora prese il secondo, e ha persino scritto un reclamo sul comportamento di uno dei dipendenti NKVD.

Tre settimane dopo l'arresto di Meyerhold, il suo coniuge di 45 anni era crudelmente ucciso nel suo letto - sconosciuto ha colpito 17 ferite del coltello e tagliano gli occhi. Al suo funerale, i bambini sono stati ordinati di lasciare l'appartamento madre per due giorni. Il grande spazio vitale è stato immediatamente diviso tra la famiglia driver personale Lavrentia Beria. E il segretario di un amorevole dignitario.

Riabilitato postumo

Dopo tre settimane di tortura Meyerhold ha firmato tutte le accuse contro se stesso e famose figure culturali, e prima della morte, li hanno rifiutati.

Ad oggi, ci sono due versioni documentate della morte del regista. Secondo uno, il 1 ° febbraio 1940, un'immissione in spionaggio è stata letta in uno dei cabinet della prigione Butyrsk e la sentenza è stata dichiarata - la pena di morte.

Durante la notte all'esecuzione di Meyerholhold ha scritto il suo l'ultima lettera indirizzato al presidente del governo V. Molotova,in cui ha raccontato delle umiliazioni, dei battiti sistematici e delle torture: nei documenti d'archivio della prigione di Butyry, è stato conservato un record: "Il verdetto viene effettuato il 2 febbraio 1940."

Ma c'è sia la seconda versione basata su testimonianze di testimoni oculari. Dopo molti anni, hanno detto che prima della morte di 66 anni di Meyerhold, brutalmente picchiata, ha rotto tutte le loro dita e annegate in un barile con impurità.

Il corpo del regista fu bruciato nel Don Crematorio, e la Ash è stata gettata in una fossa comune alla periferia del cimitero Don insieme all'aspiratore dello scrittore Babele Maresciallo Egorova, tukhachevsky. e altre vittime. Per più di 70 anni, c'era una discarica del cimitero in questo posto e solo una stufa commemorativa è stata installata relativamente recentemente.

Nel novembre 1955, Meyerhold è stato riabilitato postumamente. Nel 1991, il centro teatrale del suo nome è stato creato a Mosca.

75 anni fa, il 2 febbraio 1940, Meyerhold è stato sparato come una "spiona di inglese e intelligenza giapponese", tenendo alcuni mesi in prigioni e segnare irriconoscibile.

VSEVOLOD EmiLevich Meyerhold (nome reale - Karl Kazimir Theodore Meyergold) è nato (28 gennaio) il 9 febbraio 1874 a Penza, nella famiglia tedesca russificata, dove otto bambini sono stati portati con cinque fratelli e due sorelle. La madre ha introdotto i bambini al teatro. Karl ei suoi fratelli hanno giocato in performance amatoriali.
Il corso di ginnasio è finito in ritardo, rimanendo tre volte nel secondo anno. A 21, ha accettato ortodossia e cambiato nome di battesimo a vsevolod; Rifiutava la cittadinanza prussiana e ha ricevuto un passaporto russo con il nome "Meyerhold", come raccomandato la grammatica russa. Nel 1896 sposò il suo amico d'infanzia Olga Mint.
Ha studiato a scuola teatrale e musica della Mosca Società Philharmonic nella classe Nemirovich-Danchenko. Dopo la laurea, è entrato nella troupe della Mosca creata teatro d'arte.. Meyerhold ha giocato un sacco di grandi ruoli nei giochi di Shakespeare, Tolstoy, Chekhov.
Dal 1902 iniziò il lavoro del suo direttore indipendente. Setò grande quantità Performance, collaborato con Stanislavsky e Commissario.
Dopo la rivoluzione di ottobre, Meyerhold è diventato uno dei costruttori più attivi del nuovo teatro sovietico. Il primo dei leader prominenti del teatro si è unito ai membri del WCP (B). Guidato da istruire corsi per l'apprendimento abilità spettacoli in scena e una scuola di recitazione. Si avvicinò a Vladimir Mayakovsky, mettendo il suo mistero-appassionato di Petrograd.
Nell'autunno del 1921, Zinaida Reich arrivò al laboratorio di Maiverhold. Il regista si è innamorato di lei a prima vista, anche se aveva più di vent'anni più vecchio. Reich divenne la moglie di Meyerhold, e adottava i suoi figli dal matrimonio con Sergey Yesenin.
Meyerhold viaggiò regolarmente all'estero, dove è stato trattato con il teatro o è stato trattato. Ha visitato Germania, Francia, Inghilterra, Italia, Cecoslovacchia. Nell'autunno del 1928, chiede di risolvere il teatro un tour anno in Germania e in Francia. Lunacharsky aveva un sospetto che Meyerhold avrebbe lasciato l'Unione Sovietica. Ha iniziato Meyerhold Trample. Per qualche tempo, Stanislavsky lo sosteneva, ma dopo la sua morte Meyerhold ha perso questo sostegno.
Il 20 giugno 1939 è stato arrestato a Leningrado; Allo stesso tempo nel suo appartamento nella Lane Bryusov di Mosca, è stata fatta una ricerca. Nel protocollo di ricerca, il reclamo dei ripadistri 3INAIDA di sua moglie ha protestato contro i metodi di uno degli agenti NKVD è stato registrato. Ventiquattro giorni dopo, la notte del 14-15 luglio, fu brutalmente uccisa da Sconosciuto, penetrante nella notte nel suo appartamento di Mosca. Gli aggressori hanno colpito le sue diciassette ferite del coltello e sono scomparse. L'attrice è morta sulla strada verso l'ospedale. Il mistero della sua morte per questo giorno rimane Undecid.
Meyerhold ha detto che crede nella sua stella, e ora non capisco nulla "(dalla lettera della figlia Zinaida Reich, Tatiana, a M. Shaginyan dal 27/07/1939).
Dopo tre settimane di interrogatori, accompagnati dalla tortura, ha firmato l'indagine necessaria della testimonianza: accusato dell'articolo 58 del codice penale del RSFSR.
Nel gennaio 1940, Meyerhold ha scritto V. M. Molotov
"... Sono stato escluso qui - un vecchio sessantesimo vecchio vecchio vecchio, messo sul pavimento a faccia in giù, la cablaggio di gomma fu picchiato lungo i tacchi e sulla schiena, quando era seduto su una sedia, la stessa gomma ha battuto il loro Piedi [...] dolore è stato tale da sembrare avere luoghi malati sensibili alle gambe giglio cool bollente acqua bollente ... "
L'archivio di Meyerholhold è stato in grado di risparmiare solo grazie al coraggio della figlia ammissibile TATYANA YESENINA (la figlia del famoso poeta russo Sergey Yeenin) e lo studente di Workshop teatrali Meyerhold e al momento del già famoso regista Sergei Eisenstein.
L'incontro del collegio militare della Corte Suprema dell'URSS si è tenuta il 1 ° febbraio 1940; La frase è l'esecuzione. Il 2 febbraio 1940, la sentenza è stata effettuata. Meyerhold è stato sepolto al Don Cemetery a Mosca in una delle tre tombe comuni delle vittime della repressione.
Nel 1955, la Corte Suprema dell'URSSS ha riabilitato postumamente Meyerhold.

P.S.
Ci sono testimonianze dei testimoni presenti durante l'interrogatorio di Meyerhold. Il grande regista era sdraiato sul pavimento con una coscia rotta, con un volto sanguinante rotto, e l'investigatore lo ha urinato ... è stato attribuito alla partecipazione all'organizzazione Trotskist e nello spionaggio a favore di quattro paesi in una volta: Giappone, Inghilterra, Francia e Lituania. Nelle trascrizioni degli interrogati, Meyerhold appaiono i nomi di Pasternak, Shostakovich, Oleshi e Ehrenburg - recitazione delle prestazioni di sbilanciata.
Sì, il proprietario non ha pensato di fermarti e dopo se stessa. Dopo aver terminato la sconfitta del partito, l'esercito e il cima sovietico, ha concepito logicamente per mettere l'ultimo colpo - per cultura. Ma gli sterminazioni di massa erano più impossibili - il paese era esausto, e il leader, regolando il fuoco sacro, ha sostituito la quantità di qualità. Il processo era di toccare i nomi che l'intero paese sapeva - a una volta e per sempre capiva che si lascia un sussurro per fron intelligentia creativaPer solidificare lei, nelle palpebre, la lezione eterna, già imparato e la festa, e l'esercito ...
Ma a quanto pare, osservando l'indagine, dubitava della possibilità della partecipazione di Babel, Meyerhold e altri nel processo concepito. Non poteva fare affidamento su queste persone strane. Ad esempio, tutto è già stato riconosciuto Babele il 10 ottobre 1939 rifiuta la sua testimonianza ... e il proprietario ha capito: questi grandi artisti nervosi sono pericolosi, per le eccitazioni e imprevedibili, non possono fare affidamento su di loro!
Era deluso dagli attori, e la performance non ha avuto luogo. Sia Babel, e Meyerhold, e Koltsov ha semplicemente sparato, dopo aver ricevuto la testimonianza necessaria da loro, e ha continuato a cercare nuovi artisti decenti nelle finali triller ... ma ha impedito la guerra.
Nei giorni delle indagini, Meyerhold, l'attrice Zinaida Reich, scritta a Stalin, camminata a Mosca, parlando dell'ingiustizia. Era una rivolta - e la reazione seguiva ... Gli assassini penetrarono il suo appartamento attraverso una porta del balcone. Ho ucciso il sadico, i pali per un lungo periodo di tempo - 17 ferite del coltello. Gridò follemente, ma nessuno lo ha aiutato, la gente aveva paura in quegli anni di grida notturna ...
Nell'appartamento liberato di Meyerhold ha sistemato l'autista Beria e la gioventù amata Lavrentia Pavlovich. Finali satanici - nello spirito della Violand.