1.1 La storia dell'emergere della varietà art

La parola "palcoscenico" (dal latino strati) significa - pavimento, piattaforma, collina, piattaforma.

La definizione più accurata dell'arte della varietà come arte che combina vari generi è data nel dizionario di DN Ushakov: "La varietà è l'arte delle piccole forme, il campo delle esibizioni spettacolari e musicali su un palcoscenico aperto. La sua specificità risiede nel facile adattamento alle diverse condizioni di manifestazione pubblica e di azioni di breve durata, nei mezzi artistici ed espressivi, arte che contribuisce alla vivida identificazione dell'individualità creativa dell'esecutore, nell'attualità, nell'acuta rilevanza socio-politica dei temi trattati, nella predominanza di elementi di umorismo, satira, giornalismo.

L'Enciclopedia sovietica definisce la musica pop come originaria dell'estrade francese - una forma d'arte che include piccole forme di arte drammatica e vocale, musica, coreografia, circo, pantomima, ecc. Nei concerti, ci sono numeri finiti separati, uniti da un intrattenitore, una trama. Come arte indipendente, si è formata alla fine del XIX secolo.

C'è anche una tale definizione di stadio:

Un'area scenica, permanente o temporanea, per le esibizioni di concerti di un artista.

L'arte della varietà ha le sue radici in un lontano passato, essendo rintracciata nell'arte dell'antico Egitto e dell'antica Grecia. Sebbene il palcoscenico interagisca strettamente con altre arti, come musica, teatro drammatico, coreografia, letteratura, cinema, circo, pantomima, è una forma d'arte indipendente e specifica. La base della pop art è "Sua Maestà il numero" - come diceva N. Smirnov-Sokolsky 1 .

Numero - una piccola performance, uno o più artisti, con la sua trama, il climax e l'epilogo. La specificità della performance è la comunicazione diretta dell'artista con il pubblico, per conto proprio o per conto del personaggio.

Nell'arte medievale degli artisti erranti, nei teatri di farsa in Germania, nei buffoni in Russia, nel teatro delle maschere in Italia, ecc. già c'era un appello diretto dell'artista al pubblico, che ha permesso al successivo di diventare un partecipante diretto all'azione. La breve durata della performance (non più di 15-20 minuti) richiede la massima concentrazione di mezzi espressivi, concisione e dinamica. Le performance di varietà sono classificate in base alle loro caratteristiche in quattro gruppi. Il primo gruppo di specie dovrebbe includere numeri colloquiali (o vocali). Poi vengono i numeri musicali, plastico-coreografici, misti, "originali".

L'arte della commedia è stata costruita sul contatto aperto con il pubblico. del- arte (maschera) XVI-PPXVII sec.

Le esibizioni venivano solitamente improvvisate sulla base di scene tipiche della storia. Il suono musicale come intermezzi (inserti): canzoni, balli, numeri strumentali o vocali - era la fonte diretta del numero pop.

Nel 18 ° secolo ci sono opera comica e vaudeville. Vaudeville è stata una performance affascinante con musica e battute. I loro principali eroi - la gente comune - hanno sempre sconfitto gli aristocratici stupidi e malvagi.

E a metà del 19° secolo nacque il genere operetta(letteralmente piccola opera): un tipo di arte teatrale che combinava musica vocale e strumentale, danza, balletto, elementi di pop art, dialoghi. Come genere indipendente, l'operetta apparve in Francia nel 1850. Il "padre" dell'operetta francese, e dell'operetta in generale, fu Jacques Offenbach (1819-1880). Successivamente, il genere si sviluppa nella "commedia delle maschere" italiana.

La varietà è strettamente connessa con la vita quotidiana, con il folklore, con le tradizioni. Inoltre, vengono ripensati, modernizzati, “estradiati”. Varie forme di creatività pop sono utilizzate come passatempo divertente.

Questa non è una coincidenza. In Inghilterra, i pub (istituzioni pubbliche pubbliche) sorsero nel XVIII secolo, divennero i prototipi delle sale da musica (music hall). I pub sono diventati un luogo di intrattenimento per ampie fasce democratiche della popolazione. In contrasto con i salotti aristocratici, dove si suonava prevalentemente la musica classica, nei pub venivano eseguite canzoni, balli, comici, mimi, acrobati, nei pub venivano proiettate scene di spettacoli popolari costituite da imitazioni e parodie, accompagnate da un pianoforte. Poco dopo, nella prima metà dell'Ottocento, si diffusero i caffè-concerto, in origine rappresentativi di caffè letterari e artistici, dove poeti, musicisti e attori si esibivano con le loro improvvisazioni. Con varie modifiche si diffusero in tutta Europa e divennero noti come cabaret (zucchine). L'intrattenimento non esclude il fattore spiritualità, una posizione civica è particolarmente importante per un artista di varietà.

La facile adattabilità dell'arte di varietà al pubblico nasconde il pericolo di flirtare con il pubblico, concessioni al cattivo gusto. Per non cadere nell'abisso della volgarità e della volgarità, l'artista ha bisogno di vero talento, gusto ed estro. Da singoli numeri pop, il regista ha formato un programma, che era anche un forte mezzo espressivo. Collegamento libero di montaggio di piccole forme, separato da vari tipi di creatività artistica e guarito in modo indipendente, che ha portato alla nascita dell'arte colorata spettacolo di varietà. L'arte del varietà è strettamente connessa con il teatro, il circo, ma a differenza del teatro non ha bisogno di un'azione drammatica organizzata. La convenzionalità della trama, la mancanza di sviluppo dell'azione (il dramma principale) sono anche caratteristiche di una grande rappresentazione. rivista(da fr. - recensione). Parti separate della rassegna sono collegate da un'idea sociale e performativa comune. Come genere drammatico musicale, la rivista combina elementi di cabaret, balletto e spettacolo di varietà. La performance della rivista è dominata da musica, canti e balli. Lo spettacolo di varietà ha le sue modifiche:

- spettacolo di varietà dai singoli numeri

- spettacolo di varietà

- cabaret da ballo

- rivista

Nel 20° secolo, la rivista si è trasformata in un magnifico spettacolo di intrattenimento. C'erano varietà di rivista negli Stati Uniti, chiamato mostrare.

Il palcoscenico musicale comprendeva diversi generi di musica leggera: canzoni, brani di operette, musical, spettacoli di varietà in arrangiamenti di varietà di opere strumentali. Nel 20° secolo il palcoscenico si è arricchito di jazz e musica popolare.

Pertanto, la pop art ha fatto molta strada e oggi possiamo osservare questo genere in una forma e in una performance diversa, il che suggerisce che il suo sviluppo non si è fermato.

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Se c'è un uomo irragionevolmente alto sulla sedia di fronte a me, comincia a sembrarmi che ho problemi di udito. In ogni caso, per me questa musica cessa di essere musica pop. Capita però anche che ciò che sta accadendo sul palco sia perfettamente visibile, tuttavia, nonostante ciò, non diventa un dato di fatto della pop art; dopotutto, altri artisti e registi concentrano tutti i loro sforzi nel compiacere le nostre orecchie, preoccupandosi poco dei nostri occhi. Soprattutto spesso si incontra una sottovalutazione del lato spettacolare della pop art nei generi musicali, ma i sintomi della stessa malattia si possono osservare nella lettura artistica e nell'intrattenimento.

- Bene, - dici, - stiamo ancora parlando di cose note da tempo, che molti artisti pop mancano di cultura scenica, che i loro numeri a volte sono privi di espressività plastica e sono visivamente monotoni.

In effetti, tutte queste gravi carenze, che non sono state ancora superate dalla pop art, compaiono spesso in recensioni, articoli problematici e discussioni creative. In una certa misura, saranno interessati in questo articolo. Vorrei però porre una domanda più ampia. Il punto qui, ovviamente, non è solo la mancanza di abilità in quanto tale. Questa mancanza ha colpito anche quei generi pop che si rivolgono solo alla visione. Acrobati, giocolieri, illusionisti (anche i migliori, grandi maestri del loro mestiere) peccano il più delle volte proprio con la stessa monotonia visiva, mancanza di cultura plastica. Tutte le varietà del genere si riducono, di regola, all'alternanza entro il numero di circa un cerchio di trucchi e tecniche eseguite. I timbri che si sviluppano di anno in anno (ad esempio una coppia acrobatica maschile, alta e piccola, che lavora a passo lento, eseguendo movimenti di potenza, o un giocoliere malinconico vestito in smoking con sigaro e cappello, ecc.) rafforzano solo , legittimare generi pop spettacolari della povertà. Le tradizioni, una volta vive, diventano catene per lo sviluppo dell'arte.

Citerò come esempio due giocolieri, vincitori del recente 3° concorso All-Russian di artisti di varietà. I. Kozhevnikov, che si è aggiudicato il secondo premio, è il tipo di giocoliere appena descritto: una bombetta, un sigaro, un bastone compongono la tavolozza della performance, eseguita in modo impeccabile nella maestria. E. Shatov, vincitore del primo premio, sta lavorando con un proiettile da circo - trespolo Alla fine c'è uno stretto tubo trasparente con un diametro di una pallina da tennis. Mantenendo l'equilibrio sulla testa, Shatov lancia le palle nel tubo. Ogni volta, il pesce persico cresce, raggiungendo gradualmente quasi i dieci metri di altezza. Con ogni nuova sezione del primo, l'esecuzione del numero diventa visivamente più nitida, più espressiva. Infine, la lunghezza del trespolo diventa tale da non adattarsi all'altezza del palcoscenico (anche alto come nel Variety Theatre). Il giocoliere viene alla ribalta, in equilibrio sopra le teste degli spettatori in prima fila. La palla vola in alto, quasi scompare sullo sfondo del soffitto e finisce in un tubo. Questo numero, oltre alla straordinaria purezza con cui viene eseguito, è notevole in quanto le scale visive, che cambiano di volta in volta, sono percepite da chi siede nell'auditorium in un'unità olistica. Da questo, l'effetto spettacolare diventa straordinario. Inoltre, questo è un intrattenimento specificamente pop. Immagina il numero di Shatov su uno schermo TV o in un film! Per non parlare del fatto che in una trama televisiva o cinematografica pre-filmata viene escluso l'elemento dell'imprevisto (per questo il palcoscenico e il circo non diventeranno mai organici allo schermo!), La costanza di scala, dettata dalla costanza delle dimensioni dello schermo e della nostra distanza di osservazione da esso, priverà il numero di Shatov del suo fascino.

L'arte di Shatov (in misura molto maggiore, diciamo, del numero di Kozhevnikov) perde se viene trasferita nella sfera di un'altra arte. Questa è la prima prova della sua vera varietà. Se un tale trasferimento può essere effettuato facilmente senza perdite evidenti, possiamo tranquillamente affermare che l'opera e il suo autore peccano contro le leggi della pop art. È particolarmente rivelatore per i generi musicali e vocali della radio pop. Molti dei nostri cantanti pop ascoltano meglio alla radio, dove vengono liberati dalla necessità di cercare un equivalente plastico della melodia suonata. Davanti al microfono della radio, il cantante, per il quale il palco è un vero tormento, si sente benissimo. Un cantante pop per natura, al contrario, sperimenta un certo disagio alla radio: è vincolato non solo dal mancato contatto con il pubblico, ma anche dal fatto che molte delle sfumature della performance che sono presenti nella il lato visivo dell'immagine sarà assente nel lato sonoro. Ciò comporta, ovviamente, un esaurimento dell'effetto. Ricordo le prime registrazioni delle canzoni di Yves Montand portate da Sergei Obraztsov da Parigi. Quanto più profondo, più significativo è stato l'artista stesso quando lo abbiamo visto cantare sul palco: al fascino della musica e delle parole si è aggiunto il fascino di un attore che crea la plasticità più espressiva dell'immagine umana. A Stanislavsky piaceva ripetere: lo spettatore va a teatro per motivi di sottotesto, può leggere il testo a casa. Qualcosa di simile si può dire del palco: lo spettatore vuole vedere lo spettacolo dal palco, può imparare il testo (e anche la musica) stando a casa. Almeno ascoltando alla radio. Vale la pena, ad esempio, andare a un concerto per ascoltare Yuri Fedorishchev, che sta cercando con tutte le sue forze di ripristinare l'esecuzione di Paul Robeson della canzone "Mississippi"? Penso che nel raggiungere il suo obiettivo, Fedorishchev sarebbe riuscito molto di più alla radio. Ascoltando "Mississippi" alla radio, potremmo meravigliarci di come vengono catturate accuratamente le intonazioni musicali del cantante negro, e allo stesso tempo non potremmo notare la completa inerzia plastica di Fedorishchev, che contraddice l'originale.

I direttori del programma, in cui mi è capitato di ascoltare Fedorishchev, hanno cercato di illuminare la monotonia visiva del suo canto. Durante l'esecuzione della canzone francese "At Night Alone", prima della strofa, in cui inizia il tema civico - il tema della lotta per la pace, le luci si spengono improvvisamente nella sala, rimane solo l'illuminazione rossa del fondale. Nella parte più patetica della canzone, che richiede mezzi di recitazione vividi, lo spettatore si trova costretto a diventare solo un ascoltatore, poiché tutto ciò che vede è una silhouette nera immobile su uno sfondo rosso tenue. Quindi la regia, cercando di diversificare la performance per il pubblico, rende l'interprete, e l'opera nel suo insieme, davvero un disservizio. La sorprendente scarsità delle tecniche di illuminazione, che nel caso sopra descritto ha portato a uno spostamento dell'enfasi, è una delle malattie della nostra varietà artistica. Il sistema degli effetti luminosi è costruito o su un principio semplice e illustrativo (il tema della lotta per la pace è associato a colpo sicuro al rosso, non altrimenti!), O sul principio della bellezza da salone (il desiderio di "sottomettere" l'esecutore , indipendentemente dal contenuto artistico della performance, dal suo stile). Di conseguenza, le possibilità di illuminazione più interessanti non vengono ancora utilizzate. Lo stesso si può dire del costume: raramente serve a valorizzare l'immagine visiva. Se ci sono buone tradizioni nell'uso di un costume come mezzo per enfatizzare le origini del ruolo (ad esempio, una giacca di velluto con fiocco di N. Smirnov-Sokolsky o un costume da mimo di L. Engibarov), allora un semplice e allo stesso tempo è estremamente raro aiutare a rivelare l'immagine dell'immagine. Di recente, mi è capitato di essere testimone di come un costume scelto senza successo abbia notevolmente indebolito l'impressione fatta dal numero. Stiamo parlando di Kapigolin Lazarenko: un vestito rosso brillante con ampi trambusti ha incatenato il cantante e chiaramente non corrispondeva alla canzone gentile e lirica "Come Back".

Illuminazione, costume e messa in scena sono i tre pilastri su cui poggia il lato spettacolare dell'atto di varietà. Ciascuno di questi argomenti è degno di una discussione speciale, che, ovviamente, il mio articolo non può rivendicare. Qui toccherò solo quel lato della specifica messa in scena scenica che non può essere adeguatamente ricreato sugli schermi televisivi e cinematografici. Il palcoscenico ha le sue leggi dello spazio e del tempo: primo piano, scorcio, montaggio nel cinema (e in televisione), che violano l'unità di queste categorie, o meglio la loro integrità, creano un nuovo spazio e un nuovo tempo, non del tutto adeguati per la fase scenica. Il palcoscenico ha un piano costante, poiché la distanza tra l'esecutore e ciascuno degli spettatori varia leggermente, solo per quanto l'attore può spostarsi nelle profondità del palcoscenico. Lo stesso si deve dire del montaggio: si svolge sulla scena (se non altro) all'interno del tutto, che è costantemente presente sulla scena. Questo montaggio può essere prodotto con l'illuminazione (una tecnica utilizzata con successo nelle esibizioni dello studio di varietà dell'Università statale di Mosca), oppure si svolge nella mente dello spettatore. In poche parole, individua alcune parti nella sua percezione dell'immagine visiva, pur continuando a mantenere il tutto nel suo campo visivo.

Per non sembrare infondato, faccio un esempio. La performance "Our Home is Your Home" del Variety Studio dell'Università statale di Mosca. In questa squadra sono in corso ricerche molto interessanti per l'espressività dello spettacolo. Allo stesso tempo, spesso la poesia lirica o l'allegoria, basata sull'associatività delle connessioni, risulta essere l'elemento principale della storia. Ma è importante notare che sia la poesia che l'allegoria nelle rappresentazioni dello studio si trasformano in una forma di narrativa figurativa e visiva (ad esempio, le figure geometriche dipinte in uno dei numeri aiutano a rivelare il significato satirico di molti concetti importanti). In una scena che racconta l'organizzazione del tempo libero giovanile ("Youth Club"), quattro demagoghi-urlatori, saliti, come su un podio, su quattro massicci piedistalli, pronunciano a loro volta frammenti di frasi che insieme compongono un sorprendente abracadabra di chiacchiere e burocrazia. L'attenzione dello spettatore viene istantaneamente trasferita da un grido all'altro: l'oratore accompagna le sue parole con un gesto (a volte in complesso contrappunto con la parola), il resto in questo momento rimane immobile, immagino questa scena girata nel film. Il suo testo e la sua messa in scena, sembrerebbe, anticipano immutabilmente il montaggio futuro. Ogni replica è un primo piano. Una raffica di mitragliatrice di primi piani, repliche, gesti. Ma ci sono due perdite significative qui. In primo luogo, la mancanza di accompagnamento ad ogni replica: le pose congelate degli altri personaggi. E il secondo è la trasformazione di tutti i versi in un alternarsi di frasi senza trasferire la nostra attenzione da un personaggio all'altro. Il contrappunto, che diventa l'arma più forte dell'autore in questa scena, scompare inevitabilmente nel film.

Sarebbe sbagliato dire che la discrepanza, il contrappunto tra la parola e l'immagine, è di proprietà solo della pop art. Sia il palcoscenico che lo schermo lo conoscono. Ma ci sono diversi modi per ottenere questo effetto. E sono molto importanti sul palco. Qui il contrappunto è nudo, si mostra come un deliberato scontro di opposti, con l'obiettivo di suscitare una scintilla di risata. Citerò come esempio artisti che costantemente, di anno in anno, migliorano la loro padronanza di quest'arma scenica. Intendo il quartetto vocale "Yur" (Yu. Osintsev, Y. Makoveenko, Y. Bronstein, Y. Diktovich; regista Boris Sichkin). Nella canzone “Travelers”, il quartetto canta, mentre le mani degli artisti si trasformano in certificati di viaggio (palmo aperto) e francobolli istituzionali (pugno chiuso), si appongono francobolli, si regalano soldi, ecc. Tutto questo non accade nel forma di illustrazione -strazioni del testo, ma parallele ad esso, a volte solo coincidenti, ma per lo più nella riga contrappuntistica. Di conseguenza, da una collisione inaspettata di parole e gesti, nasce un significato nuovo, inaspettato. Ad esempio, i viaggiatori d'affari che viaggiano in direzioni diverse non hanno affari, tranne che per giocare a domino sul treno. Le mani che agitano le nocche sono "imposte" al testo, in cui si dice che i soldi delle persone vengono spesi incautamente in reciproci viaggi di lavoro. Da ciò, il gesto delle mani, che mescolano ossa immaginarie nell'aria, diventa molto eloquente.

L'ultimo lavoro del quartetto - "Television" - è sicuramente il suo più grande successo creativo nell'utilizzo dei mezzi di espressività visiva del palcoscenico. Qui, i membri del quartetto agiscono allo stesso modo come parodie, come lettori, mimi e come attori drammatici. Inoltre, dimostrano una straordinaria abilità coreografica: in una parola, stiamo assistendo a un genere sintetico in cui la parola, la musica sono strettamente intrecciate con la pantomima, la danza, ecc. Inoltre, la libertà di combinazione e le transizioni istantanee da una relazione media a un altro è tanto grande quanto può esserlo solo nell'arte della varietà. Nel corso del numero, quasi tutti i generi che esistono sul
televisione. Il loro cambiamento, così come il cambio dei mezzi utilizzati dagli artisti, crea uno spettacolo molto pittoresco. La varietà appartiene indubbiamente alle arti spettacolari. Ma le arti performative sono tante: teatro, cinema, circo e ora la televisione, che rivela notevoli potenzialità estetiche. Quali sono le relazioni all'interno di questo gruppo di arti? Sembra che il teatro di varietà rimanga ancora nell'ambito dell'arte teatrale, sebbene abbia molte somiglianze con alcune altre forme. Naturalmente il teatro (inteso nel senso ampio del termine) cambia continuamente i suoi confini, che per certi versi stanno già diventando angusti per il palcoscenico. Tuttavia, alcune qualità della pop art, nonostante una significativa evoluzione, rimangono invariate. Prima di tutto, dovrebbero includere il principio dell'organizzazione visiva della forma di uno spettacolo di varietà. E se parliamo di forma, l'immagine rimane la cosa principale nella fase moderna (fino ad alcuni generi musicali).

In questo articolo non è stato possibile considerare tutti gli aspetti dell'argomento. Il mio compito era più modesto: attirare l'attenzione su alcuni problemi teorici dell'arte della varietà, che determinano in gran parte la sua posizione tra le altre arti e spiegare la natura delle ricerche creative dei nostri maestri dell'arte della varietà. Le regole teoriche, come sapete, restano regole obbligatorie per tutti solo fino al giorno in cui arriva un brillante artista innovativo e rompe i confini che solo ieri sembravano insormontabili. Oggi assistiamo ai generi sintetici della pop art: i canoni del passato non reggono alla pressione delle nuove scoperte. È importante notare che i cambiamenti in corso hanno sulla loro bandiera il principio in continua evoluzione, ma fondamentalmente incrollabile, del palcoscenico come spettacolo.

A. VARTANOV, candidato di storia dell'arte

Rivista circo sovietico. marzo 1964

Le radici del palcoscenico risalgono a un lontano passato, rintracciato nell'arte dell'Egitto, della Grecia, di Roma; i suoi elementi sono presenti nelle esibizioni di comici-buffoni itineranti (Russia), shpilmans (Germania), giocolieri (Francia), dandy (Polonia), mascaraboz (Asia centrale), ecc.

Satira sulla vita e sui costumi urbani, battute taglienti su temi politici, un atteggiamento critico nei confronti del potere, distici, scenette comiche, battute, giochi, pantomime da clown, giocoleria, eccentricità musicale furono gli inizi dei futuri generi pop nati nel rumore del carnevale e pubblico spettacolo.

Barkers, che con l'aiuto di battute, battute, buffi distici, vendeva qualsiasi prodotto nelle piazze e nei mercati, divennero in seguito i precursori dell'intrattenitore. Tutto ciò era di natura massiccia e intelligibile, condizione indispensabile per l'esistenza di tutti i generi pop. Tutti gli artisti del carnevale medievale non hanno eseguito spettacoli.

In Russia, le origini dei generi pop si sono manifestate nei buffoni, nel divertimento e nella creatività di massa dei festival popolari. I loro rappresentanti sono raus nonni-jolly con una barba indispensabile, che hanno intrattenuto e invitato il pubblico dalla piattaforma superiore dello stand-raus, prezzemolo, raeshnik, leader di orsi "dotti", attori-buffoni, giocando a "schizzo" e "ripresa "tra la folla, suonando il flauto, l'arpa, il moccio e divertendo la gente.

L'arte della varietà è caratterizzata da qualità come apertura, concisione, improvvisazione, festa, originalità, intrattenimento.

Sviluppandosi come arte del tempo libero festivo, la musica pop ha sempre cercato l'insolito e la diversità. La stessa sensazione di festa è stata creata a causa dell'intrattenimento esterno, dei giochi di luce, del cambiamento dello scenario pittoresco, del cambiamento nella forma del palcoscenico, ecc. Nonostante la varietà di forme e generi sia caratteristica del palcoscenico, può essere suddiviso in tre gruppi:

• - palco da concerto (precedentemente chiamato "divertissement") combina tutti i tipi di spettacoli in concerti di varietà;
• - palcoscenico teatrale (spettacoli da camera del teatro delle miniature, dei cabaret, dei caffè-teatri o di una grande rassegna concertistica, music hall, con un numeroso personale esecutivo e attrezzatura scenica di prim'ordine);
• - palcoscenico festivo (feste popolari, feste negli stadi, ricco di numeri sportivi e di concerti, ma anche balli, carnevali, feste in maschera, feste, ecc.).

Ci sono anche questi:

• 1. Teatri di varietà
• 2. Sale da musica

Se la base di uno spettacolo di varietà è un numero finito, allora la recensione, come ogni azione drammatica, richiedeva la subordinazione di tutto ciò che accade sul palco alla trama. Questo, di regola, non si combinava organicamente e portava all'indebolimento di uno dei componenti della presentazione: la performance, i personaggi o la trama. Ciò è accaduto durante la produzione di "Miracoli del 20° secolo" - lo spettacolo si è suddiviso in una serie di episodi indipendenti e vagamente collegati. Solo l'ensemble di balletto e diversi spettacoli di varietà e circensi di prima classe hanno avuto successo con il pubblico. L'ensemble di balletto messo in scena da Goleizovsky ha eseguito tre numeri: "Ehi, andiamo!", "Mosca sotto la pioggia" e "30 ragazze inglesi". Particolarmente spettacolare è stata la performance di "The Snake". Tra i numeri del circo i migliori sono stati: Tea Alba e "Australian Lumberjacks" Jackson e Laurer. Alba ha scritto contemporaneamente diverse parole con il gesso su due tavole con la mano destra e la sinistra. I boscaioli alla fine della corsa stavano tagliando due grossi tronchi. Un ottimo numero di equilibrio sul filo lo ha mostrato il tedesco Strodi. Ha eseguito capriole su un filo. Tra gli artisti sovietici, come sempre, Smirnov-Sokolsky e le canzoni V. Glebova e M. Darskaya hanno avuto un grande successo. Tra i numeri del circo spiccava su due fili paralleli il numero di Zoya e Martha Koch.

Nel settembre 1928 ebbe luogo l'apertura della Sala della musica di Leningrado.

• 3. Teatro delle miniature - un gruppo teatrale che lavora principalmente su piccole forme: piccole opere teatrali, schizzi, schizzi, opere, operette insieme a numeri di varietà (monologhi, distici, parodie, danze, canzoni). Il repertorio è dominato dall'umorismo, dalla satira, dall'ironia e dai testi non sono esclusi. La troupe è piccola, il teatro di un attore, due attori è possibile. Le performance, dal design laconico, sono pensate per un pubblico relativamente ristretto, rappresentano una sorta di tela a mosaico.
• 4. Generi di conversazione sul palco - un simbolo di generi associati principalmente alla parola: intrattenitore, interludio, scenetta, schizzo, storia, monologo, feuilleton, microminiatura (aneddoto in scena), burime.

Intrattenitore - l'intrattenitore può essere accoppiato, singolo, di massa. Un genere colloquiale costruito secondo le leggi dell'"unità e lotta degli opposti", cioè il passaggio dalla quantità alla qualità secondo il principio satirico.

Un monologo pop può essere satirico, lirico, umoristico.

Un interludio è una scena comica o un gioco di contenuti umoristici, che viene eseguito come un numero indipendente.

Uno sketch è una piccola scena in cui l'intrigo si sviluppa rapidamente, dove la trama più semplice è costruita su situazioni divertenti e nitide inaspettate, si trasforma, lasciando che tutta una serie di assurdità sorgano nel corso dell'azione, ma dove tutto, di regola, finisce con un lieto epilogo. 1-2 attori (ma non più di tre).

La miniatura è il genere colloquiale più popolare nella musica pop. In scena oggi, un aneddoto popolare (non pubblicato, non stampato - dal greco) è un breve racconto orale di attualità con un finale spiritoso inaspettato.

Un gioco di parole è uno scherzo basato sull'uso comico di parole dal suono simile ma dal suono diverso per giocare sulla somiglianza sonora di parole o combinazioni equivalenti.

Reprise è il genere colloquiale breve più comune.

I distici sono una delle varietà più intelligibili e popolari del genere colloquiale. Il distico cerca di ridicolizzare questo o quel fenomeno ed esprimere il proprio atteggiamento nei suoi confronti. Deve avere un senso dell'umorismo

I generi musicali e colloquiali includono un distico, una canzoncina, una chansonette, un feuilleton musicale.

Una parodia comune sul palco può essere "colloquiale", vocale, musicale, danza. Un tempo recitazioni, melodeclamazioni, montaggi letterari, "lettura artistica" erano generi discorsi adiacenti.

È impossibile fornire un elenco preciso di generi linguistici: sintesi inaspettate della parola con la musica, la danza, i generi originali (trasformazione, ventrologia, ecc.) danno origine a nuove formazioni di genere. La pratica dal vivo fornisce continuamente ogni sorta di varietà, non è un caso che sui vecchi manifesti fosse consuetudine aggiungere "nel suo genere" al nome di un attore.

Ciascuno dei suddetti generi linguistici ha le sue caratteristiche, la sua storia, la sua struttura. Lo sviluppo della società, le condizioni sociali hanno dettato l'emergere dell'uno o dell'altro genere in primo piano. In realtà, solo l'intrattenitore nato nel cabaret può essere considerato un genere "varietà". Il resto veniva dallo stand, dal teatro, dalle pagine di riviste umoristiche e satiriche. Generi vocali, a differenza di altri, inclini a padroneggiare innovazioni straniere, sviluppate in linea con la tradizione nazionale, in stretto collegamento con il teatro, con la letteratura umoristica.

Lo sviluppo dei generi linguistici è associato al livello della letteratura. Dietro l'attore c'è l'autore, che "muore" nell'interprete. Eppure, il valore intrinseco della recitazione non toglie nulla all'importanza dell'autore, che determina in gran parte il successo della performance. Gli autori sono spesso diventati gli artisti stessi. Le tradizioni di I. Gorbunov sono state riprese da cantastorie pop: Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov e altri hanno creato il proprio repertorio Gli attori che non avevano talento letterario si sono rivolti agli autori per chiedere aiuto, che hanno scritto sulla base della performance orale, tenendo conto la maschera dell'esecutore. Questi autori, di regola, sono rimasti "senza nome". Per molti anni la stampa ha discusso la questione se un'opera scritta per la performance sul palcoscenico possa essere considerata letteratura. All'inizio degli anni '80 furono create la All-Union e poi l'Associazione tutta russa degli autori di varietà, che aiutarono a legittimare questo tipo di attività letteraria. L'"anonimato" dell'autore appartiene al passato, inoltre sono saliti sul palco gli autori stessi. Alla fine degli anni '70 esce il programma "Dietro le quinte della risata", compilato secondo la tipologia di un concerto, ma esclusivamente dalle esibizioni di autori pop. Se negli anni precedenti solo singoli scrittori (Averchenko, Ardov, Laskin) presentavano i propri programmi, ora questo fenomeno si è diffuso. Il fenomeno di M. Zhvanetsky ha contribuito molto al successo. Avendo iniziato negli anni '60 come autore del Teatro delle miniature di Leningrado, aggirando la censura, iniziò a leggere i suoi brevi monologhi e dialoghi in serate chiuse nelle Case dell'Intelligenza Creativa, che, come le canzoni di Vysotsky, erano distribuite in tutto il paese .

5. Jazz sul palco

Il termine "jazz" è comunemente inteso come: 1) un tipo di arte musicale basata sull'improvvisazione e su una speciale intensità ritmica, 2) orchestre ed ensemble che eseguono questa musica. I termini "gruppo jazz", "ensemble jazz" sono usati anche per designare gruppi (a volte indicando il numero di artisti - trio jazz, quartetto jazz, orchestra jazz, big band).

6. Canzone sul palco

Miniatura vocale (vocale-strumentale), ampiamente utilizzata nella pratica concertistica. Sul palcoscenico, viene spesso risolto come un "gioco" scenico in miniatura con l'ausilio di plasticità, costume, luce, messa in scena ("teatro della canzone"); Di grande importanza è la personalità, le caratteristiche del talento e della bravura dell'esecutore, che in alcuni casi diventa "coautore" del compositore.

I generi e le forme della canzone sono vari: romanticismo, ballata, canzone popolare, distico, ditty, chansonette, ecc.; anche le modalità di esecuzione sono varie: solista, ensemble (duetti, cori, ensemble wok-instr.).

C'è anche un gruppo di compositori tra i musicisti pop. Questi sono Antonov, Pugacheva, Gazmanov, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk e altri.

Molti stili, maniere e tendenze coesistono: dal kitsch sentimentale e dal romanticismo urbano al punk rock e al rap. Pertanto, la canzone di oggi è un pannello multicolore e multi-stile, che include dozzine di direzioni, dalle imitazioni del folclore domestico alle vaccinazioni di culture afroamericane, europee e asiatiche.

7. Balla sul palco

Questo è un breve numero di ballo, solista o di gruppo, presentato in concerti di varietà di gruppo, spettacoli di varietà, sale da musica, teatri di miniature; accompagna e completa il programma di cantanti, numeri di generi vocali originali e persino. Si è formato sulla base della danza popolare, quotidiana (da sala da ballo), del balletto classico, della danza moderna, della ginnastica, dell'acrobazia, sull'incrocio di varie influenze straniere e tradizioni nazionali. La natura della plasticità della danza è dettata dai ritmi moderni, formati sotto l'influenza delle arti correlate: musica, teatro, pittura, circo, pantomima.

I balli popolari erano originariamente inclusi negli spettacoli delle compagnie della capitale. Il repertorio comprendeva spettacoli teatrali di divertissement di vita rurale, urbana e militare, suite vocali e di danza di canti e danze popolari russe.

Negli anni '90, la danza sul palco si è fortemente polarizzata, come se si tornasse alla situazione degli anni '20. I gruppi di danza impegnati nel mondo dello spettacolo, come Erotic Dance e altri, si affidano all'erotismo: le esibizioni nei locali notturni dettano le proprie leggi.

8. Burattini sul palco

Sin dai tempi antichi, le persone in Russia hanno apprezzato l'artigianato, amato i giocattoli e rispettato un gioco divertente con una bambola. Petrushka si occupò di un soldato, di un poliziotto, di un prete, e perfino della morte stessa, brandì coraggiosamente una mazza, depose sul posto coloro che non piacevano alla gente, rovesciò il male, affermò la moralità della gente.

I Petrushechnik vagavano da soli, a volte insieme: un burattinaio e un musicista, loro stessi componevano opere teatrali, erano essi stessi attori, registi stessi - cercavano di preservare i movimenti dei burattini, le messe in scena, i trucchi dei burattini. I burattinai furono perseguitati.

C'erano altri spettacoli in cui recitavano i burattini. Sulle strade della Russia si potevano incontrare furgoni carichi di pupazzi appesi ai fili - pupazzi. E a volte scatole con fessure all'interno, lungo le quali le bambole venivano spostate dal basso. Tali scatole erano chiamate presepi. I burattinai padroneggiavano l'arte dell'imitazione. A loro piaceva ritrarre cantanti, acrobati copiati, ginnasti, clown.

9. Parodia sul palco

Questo è un numero o una performance basata sull'ironica imitazione (imitazione) sia del modo individuale, dello stile, dei tratti caratteristici e degli stereotipi dell'originale, sia di intere tendenze e generi nell'arte. L'ampiezza del fumetto: da acutamente satirico (degradante) a umoristico (caricatura amichevole) - è determinata dall'atteggiamento del parodista nei confronti dell'originale. La parodia affonda le sue radici nell'arte antica, in Russia è da tempo presente nei giochi di buffoni, nelle esibizioni di farse.

10. Teatri di piccole forme

Creazione in Russia di teatri di cabaret "The Bat", "Crooked Mirror", ecc.

Sia "Crooked Mirror" che "The Bat" erano gruppi di recitazione professionalmente forti, il cui livello di cultura teatrale era senza dubbio superiore a quello di numerosi teatri in miniatura (Petrovsky si distingueva più di altri da Mosca, diretto da D.G. Gutman, Mamonovsky, coltivando decadente arte, dove ha debuttato Alexander Vertinsky durante la prima guerra mondiale, Nikolsky - artista e regista AP Petrovsky.Tra San Pietroburgo - Troitsky AM Fokina - regista VR Rappoport, dove con canzoncine e come VO Toporkov, poi artista del teatro d'arte , si è esibito con successo come intrattenitore.

La varietà ha preso un posto importante nella cultura di massa della Russia e gli eventi degli ultimi decenni mostrano che la varietà, in quanto forma d'arte più popolare, gioca un ruolo importante nella vita pubblica, diventando un mezzo popolare per esprimere bisogni culturali e orientamenti di valore di vari strati della società. In considerazione del fatto che l'arte della varietà è una delle forme d'arte socialmente più reattive e mobili, lo studio di questo fenomeno aiuterà a comprendere meglio i processi spirituali in atto nella società.

All'inizio del secolo scorso, l'attività di grammofono in Russia stava guadagnando forza: il numero di fabbriche e impianti che producevano dischi stava crescendo, la loro qualità stava migliorando e il repertorio si stava espandendo. In effetti, stava emergendo una nuova industria, a differenza di tutte le industrie conosciute. Essa intrecciava strettamente problemi di natura tecnica e creativa, commerciale e giuridica. Compositori, poeti, cantanti, orchestre e cori, distici e cantastorie hanno preso parte alla registrazione dei dischi, organizzata dai grammofonisti. Gli studi con la loro atmosfera assomigliavano al backstage di un teatro con tutti gli attributi teatrali. Cantanti famosi - orgogliosi e inespugnabili, conoscendo il proprio valore - i contratti sono stati offerti con la cortesia insita in qualsiasi imprenditore-imprenditore, che anticipa il successo di pubblico e una buona collezione. Stelle di seconda grandezza e artisti ospiti mezzo affamati sono stati accolti in modo diverso. Le passioni ribollivano vicino al bocchino e gli intrighi erano intessuti: questo era il lato sbagliato del business dei grammofoni.
Il collezionismo iniziò a diventare di moda: nelle case dei cittadini facoltosi c'erano biblioteche con un centinaio e più di numeri.

Il termine più comune, apparso molto prima dell'emergere del concetto di varietà artistica, è "varietà", ma non come nome di un'istituzione concertistica, ma come designazione di un'intera varietà di arte. Se passiamo alla storia dell'aspetto del concetto di "spettacolo di varietà", le sue origini possono essere trovate nei programmi di numeri di intrattenimento mostrati nei caffè e nei ristoranti delle regioni industriali dell'Inghilterra alla fine del XVIII secolo. La stessa parola "varietà" in francese significa varietà, diversità. Questo termine iniziò a unire tutte le forme di intrattenimento artistico. Infatti, le performance degli artisti alle fiere, nelle sale da musica, nei caffè concerto, nei teatri di cabaret sono caratterizzate dalla diversità, anche se, come sarà possibile stabilire a seguito di ulteriori analisi, questa non è affatto la principale e distintiva caratteristica in questo settore dell'art.

All'inizio del 20 ° secolo, in Russia furono aperti tutti i tipi di teatri di piccole forme e in questo contesto iniziò ad essere utilizzato un altro concetto: il palcoscenico, che denotava spettacoli di concerti divertenti in spazi aperti. Oggi, come concetto generale che unisce tutte le varietà di arte di generi facilmente percepibili, si dovrebbe accettare il concetto di "arte della varietà" (o arte della varietà abbreviata), che è stato utilizzato nella storia dell'arte nazionale per cento anni.
Già nel primo decennio del XX secolo. il termine "varietà" inizia a balenare sulla stampa, non solo nel senso allora generalmente accettato - "piattaforma, elevazione, ad esempio, per la musica", ma anche in senso lato, compresi tutti, attori, scrittori, poeti, arrivando a questo " piattaforma". Sulle pagine dell'autorevole rivista "Golden Fleece" per il 1908 fu pubblicato un articolo "Variety". Il suo autore ha percepito l'antinomia che si pone davanti a tutti coloro che entrano in scena:

a) il palcoscenico è necessario per lo sviluppo e il mantenimento delle capacità e per la formazione della personalità dell'artista;

b) l'arte della varietà è dannosa per entrambi.

L'autore ha visto la “dannosità” nel desiderio degli attori di successo ad ogni costo, l'allineamento con i gusti del pubblico di massa, la trasformazione dell'arte in mezzo di arricchimento, fonte di benedizioni per la vita. In effetti, tali fenomeni sono inerenti anche alla musica pop moderna, quindi nel nostro lavoro introduciamo un concetto come "variety", ovvero suonare "per il pubblico", il desiderio di catturare l'attenzione dello spettatore ad ogni costo, che , in assenza di vero talento, gusto e senso delle proporzioni tra gli interpreti, porta spesso alla perniciosità di cui ha parlato l'autore dell'articolo di cui sopra. C'erano altri articoli che consideravano il palcoscenico come un fenomeno di una nuova cultura urbana. Dopotutto, è stato durante questo periodo che la dipendenza di una persona dalle condizioni naturali (principalmente dal cambio delle stagioni) si è gradualmente indebolita in città, il che ha portato all'oblio del calendario e del folclore rituale, a uno spostamento dei tempi delle vacanze, del loro desmantizzazione e derivatizzazione, al loro passaggio nella forma di “cerimoniale”, secondo P.G. Bogatyrev, ad un deciso predominio delle forme verbali su quelle non verbali. Negli stessi anni (1980-1890) in Russia avviene l'emergere della cultura di massa, che, a sua volta, riproduce molte delle proprietà generiche del folclore tradizionale, che si caratterizzano per il significato sociale e adattivo delle opere, la loro predominanza l'anonimato, il predominio dello stereotipo nella loro poetica; motivazioni della trama secondaria nei testi narrativi, ecc. Tuttavia, la cultura di massa si differenzia nettamente dal folklore tradizionale per la sua “policentricità” ideologica, per la maggiore capacità di internazionalizzazione tematica ed estetica dei suoi prodotti e per la sua riproduzione “streaming” sotto forma di copie identiche impensabili per la creatività orale.
In generale, in Russia, la scena urbana di fine Ottocento - inizio Novecento è caratterizzata dalla dipendenza dal pubblico a cui è orientata. Di conseguenza, la gamma delle forme di varietà - dal "salone" a quella più "democratica" - è estremamente ampia e differenziata sia per la natura del "palcoscenico" che per il tipo di interpreti, per non parlare del repertorio. Eppure, possiamo concludere che il termine "varietà" all'inizio del XX secolo era ancora usato in modo puramente funzionale: come "repertorio varietale", o "canto di varietà", ecc., cioè non solo come definizione di un piattaforma in cui si svolge l'azione, ma anche come elemento di uno spettacolo di intrattenimento musicale.

In conseguenza dell'esigenza, sorta dopo ottobre, di nazionalizzare “ogni tipo di palcoscenico” e di piccole imprese private, molti singoli attori, oltre a piccoli gruppi, spesso familiari, ecc., il concetto di palcoscenico si è affermato come la designazione di un separato art. Per decenni nella Russia sovietica, e poi nell'URSS, verranno sviluppati e modificati sistemi per la gestione di quest'arte, verranno create varie associazioni, complesse forme a più stadi di subordinazione indipendente. Nell'estetica sovietica, la questione dell'indipendenza della pop art rimaneva discutibile. Vari tipi di risoluzioni, le società hanno regolamentato la pratica della varietà. La "lotta" contro la satira, il romanticismo russo e gitano, il jazz, il rock, il tip tap, ecc. raddrizzò artificialmente la linea di sviluppo della varietà, influenzò l'evoluzione dei generi e il destino dei singoli artisti.

Nella Great Soviet Encyclopedia del 1934 fu pubblicato un articolo dedicato al fatto che il palcoscenico è un campo di piccole forme d'arte, ma allo stesso tempo la questione della composizione del genere del palcoscenico non viene affrontata in alcun modo. Pertanto, l'attenzione è stata rivolta non tanto all'estetica quanto al contenuto morfologico di questo termine. Queste formulazioni non sono casuali, rispecchiano il quadro delle ricerche degli anni '30 e '40, quando la portata della scena si ampliava quasi illimitatamente. In questi anni, come scrive E. Gershuni, "la pop art ha fatto un tentativo di uguaglianza con la "grande" arte...". Innanzitutto, ciò è dovuto all'emergere nella Russia sovietica del precursore dell'arte moderna, PR - la tecnologia sociale del controllo di massa. In sostanza, l'intrattenitore (di solito un attivista sindacale locale) prendeva sotto controllo ideologico non solo le vacanze, ma anche la vita di tutti i giorni. Naturalmente, non è passata una sola vacanza senza un concerto pop. Va notato che lo stesso intrattenitore di massa, nella vita di tutti i giorni, di regola, aveva una sensazione di varietà. Dopotutto, ha sempre bisogno di essere sotto i riflettori, intrattenere e divertire il pubblico.

Nel processo di sviluppo dell'arte sovietica, il contenuto del termine "varietà" ha continuato a cambiare. Apparve il concetto di arte della varietà, definita come “una forma d'arte che unisce i cosiddetti. piccole forme di drammaturgia, arte drammatica e vocale, musica, coreografia, circo.

L'industria discografica russa iniziò a svilupparsi nel 1901. In realtà non era tutta russa, ma piuttosto un'industria francese in Russia: l'azienda Pate Marconi aprì la sua filiale in Russia e iniziò a timbrare dischi. Proprio come in Europa il primo cantante registrato è stato Enrique Caruso, in Russia anche il cantante d'opera di fama mondiale Fedor Chaliapin è diventato il primo. E i primi dischi russi, oltre che in Europa, erano di musica classica.

Il quadro musicale della Russia prerivoluzionaria era completo. La musica accademica e la musica pop coesistevano organicamente nello stesso spazio culturale, dove la musica pop si sviluppò nel mainstream generale dei testi romantici (riflettendo la sua diversità ed evoluzione) e la cultura della danza del suo tempo. Un posto speciale è stato occupato dalla parte folcloristica del palco: il coro Pyatnitsky, gli artisti di canzoni popolari - L. Dolina, i poemi epici - Krivopolenova e Prozorovskaya. Dopo la sconfitta della prima rivoluzione (1905), divennero popolari i canti della prigione, della servitù penale e dell'esilio. Nel genere di un distico d'attualità e di una parodia musicale, gli artisti si sono esibiti in ruoli diversi: "frac" - per un pubblico alla moda, "scarpe rafia" - per contadini, "artisti di un genere strappato" - per il fondo della città. I ritmi di danza popolari sono penetrati nelle menti delle persone con l'archiviazione di fanfare da salone e città, specializzate nell'esecuzione di musica da ballo. Nei saloni e negli studi si imparavano tango, foxtrot, shimmy, due passi. Le prime esibizioni di A. Vertinsky nel genere dei racconti musicali e poetici risalgono al 1915.

Il periodo di massimo splendore della scena russa si è svolto sullo sfondo di una crescita senza precedenti di un nuovo mezzo di "informazione di massa", come i dischi di grammofono. Tra il 1900 e il 1907 furono venduti 500.000 grammofoni e la circolazione annuale di dischi raggiunse i 20 milioni. Insieme alla musica leggera, avevano anche molti classici (Chaliapin, Caruso).
I cori popolari di D.Agrenev-Slavyansky, I.Yukhov e altri, che hanno eseguito canzoni in "stile russo" ("The Sun Rises and Sets", "Ukhar the Merchant", ecc.) competono con i solisti. gareggiato con cori russi suonatori di balalaika, suonatori di corno, suonatori di arpa.

Negli anni '10, i primi artisti veramente folcloristici, come l'ensemble di M. Pyatnitsky, guadagnarono fama. Artisti con lo stile "intimo" dei chansonnier francesi appaiono nei teatri e nei cabaret di San Pietroburgo e Mosca (A. Vertinsky). Entro la fine del 19 ° secolo, c'era una chiara divisione della canzone in "Philharmonic" (romanticismo classico) e in realtà "Variety" (romanticismo gitano, vecchio romance, canzoni d'atmosfera). All'inizio del 20° secolo si diffondono i canti di massa che vengono cantati in occasione di raduni e manifestazioni politiche. Questa canzone è destinata per diversi decenni a diventare la principale varietà della canzone pop sovietica.

Dopo il 1917 la situazione iniziò a cambiare. Lo stato ideologico è un fenomeno non ancora del tutto compreso e non del tutto studiato. La rivoluzione si basava spiritualmente su un'idea che era stata impiantata con la forza nella società, privando le persone del diritto di scegliere, facendo questa scelta per loro. Ma una persona è così costituita che la sua coscienza, nonostante tutto, resiste a ciò che gli viene imposto, anche dalle migliori intenzioni. Lo stato ha deciso che "aveva bisogno" dei classici, "aveva bisogno" di una canzone sovietica, "aveva bisogno" del folklore. E inconsciamente, anche i capolavori della musica classica cominciarono a essere percepiti come parte della macchina ideologica statale volta a neutralizzare l'individuo, dissolvendo un “io” separato in un “noi” monolitico.

La musica pop nel nostro paese è la parte meno ideologica del processo musicale. Involontariamente, divenne l'unico sbocco per il popolo sovietico, qualcosa come un sorso di libertà. Questa musica nella mente di una persona semplice non portava nulla di istruttivo, facendo appello ai sentimenti naturali, non sopprimendo, non moralizzando, ma semplicemente comunicando con una persona nella sua lingua.

Tra l'insieme delle caratteristiche specifiche della pop art, le più significative per lo spettatore sono la semplicità e l'accessibilità, la chiarezza artistica. Un assiduo frequentatore di programmi di varietà è sempre disposto al fatto che l'esecutore sin dai primi minuti stabilirà un contatto forte e naturale con lui.

Un pianista, violinista o cantante può contare sul fatto che man mano, di passaggio in passaggio, man mano che eseguono le opere, riusciranno a conquistare il pubblico. “Un artista di varietà stabilisce un contatto immediato, sincero, aperto. L'educata osservazione da parte dello spettatore di ciò che sta accadendo sul palco equivale a un fallimento.

Nella storia dello sviluppo della pop art, ci sono molti esempi della perdita della semplicità della percezione, che porta alla violazione del contatto aperto e sincero con il pubblico, che è costato caro a interi generi. Questo vale principalmente per questo tipo di pop art, che è la musica jazz. Nei decenni prebellici, il jazz nel nostro paese (e non solo qui - processi simili si possono osservare all'estero, nella sua patria negli Stati Uniti) era strettamente connesso alla musica leggera, al canto di massa. I nostri cantanti famosi, tra cui Leonid Utyosov, hanno eseguito le loro famose canzoni accompagnati da ensemble jazz. Anche la musica strumentale jazz (A. Tsfasman, V. Knushevitsky) era costruita su melodie e ritmi accessibili all'orecchio di un normale ascoltatore.

A poco a poco, la musica jazz è diventata più complessa, prendendo in prestito le conquiste della sinfonia moderna in armonia e costruzioni melodico-ritmiche. A partire dallo stile “be-bop” degli anni del dopoguerra e fino al moderno “fusion”, il jazz si sviluppa infatti in linea con la musica “seria”, puntando su un ascoltatore preparato, avvalendosi della comprensione e dell'amore di non tutti , come era prima. Oggi, una caratteristica specifica dell'arte jazz è che lo stretto legame del jazz con il canto e la musica "leggera" si è indebolito, se non rotto.

Le specificità della pop art - accessibilità e semplicità - sono strettamente legate ad un'altra specificità - il suo carattere di massa 35 . Oggi non si può più ignorare il fatto che la stragrande maggioranza degli spettatori conosce l'opera dei suoi migliori maestri solo attraverso incontri di "corrispondenza". “Anche senza dati sociologici accurati, possiamo affermare con sicurezza che almeno il 90 percento del pubblico che ama e conosce il repertorio di Alla Pugacheva o Valery Leontiev non è mai stato alle loro esibizioni in sala da concerto. Per loro l'auditorium dalle dimensioni illimitate è lo schermo televisivo” 36 .

Varietà televisiva arte- un oggetto di ricerca speciale, degno di particolare attenzione. Il processo di regolazione sociale dell'audience moderna non può essere compreso appieno senza tener conto dei processi in atto nella diffusione dell'intrattenimento televisivo 37 .

Molti autori che scrivono sui problemi dei programmi di intrattenimento televisivo si lamentano della mancanza di tali programmi. Literaturnaya Gazeta, che ha condotto un questionario tra i giovani sugli atteggiamenti nei confronti della televisione, ha osservato che "le proposte dei telespettatori ("Quali programmi per i giovani, secondo lei, potrebbero apparire in TV?") sono chiaramente subordinate a due spiriti: lo spirito dello spettacolo e dello spirito di conoscenza”. Allo stesso tempo, il 91 percento (!!) del pubblico chiede il palco! E anche quelli a cui piacciono i programmi pop attuali: semplicemente non ne hanno abbastanza, ne hanno bisogno di più” 38 .

Devo dire che le stime della varietà televisiva in termini quantitativi non sono del tutto corrette. I ricercatori prendono in considerazione solo programmi appositamente pop, mentre in molti altri programmi tutti gli "inserti" artistici (e ce ne sono molti) sono in realtà numeri pop musicali. Oggi si possono notare due tendenze nella pop art: l'emergere di programmi di intrattenimento speciali - come "The Last Hero", in cui, insieme a una ristretta cerchia di "star" pop, partecipano anche artisti sconosciuti della "Star Factory" i programmi. Tra le caratteristiche specifiche dell'arte della varietà, dovrebbe essere individuata la moda. La moda può essere per un genere particolare, per un artista, anche per metodi esterni di presentazione di un numero, per l'apparizione di un artista in un programma di varietà. È molto difficile stabilire i modelli di sviluppo della moda, tanto più difficile preparare un lavoro "su misura" che guadagnerà popolarità generale e inizierà a "dare il tono".

Un danno considerevole all'educazione estetica della popolazione (soprattutto dei giovani) è causato dallo sfruttamento sconsiderato della popolarità di alcuni programmi di varietà da parte degli amministratori di organizzazioni concertistiche. Numerosi fatti sono stati citati dalla stampa su come i singoli capi delle società filarmoniche “promuovano” programmi di spettacoli a scapito dei concerti sinfonici o da camera. Di conseguenza, in molte città un tempo famose per le loro tradizioni concertistiche, ora tutte le sedi sono state completamente cedute al potere dello spettacolo 39 .

Anche se è facile vedere che questo cerchio è stato ampliato da giovani musicisti e cantanti di talento che soddisfano i gusti più diversi di un vasto pubblico.

A titolo di esempio, possiamo ricordare il lavoro dell'eccellente ensemble jazz "Arsenal" sotto la direzione di A. Kozlov: alla ricerca di un contatto più forte con il pubblico, questi artisti hanno optato per una teatralizzazione audace e inaspettata delle loro esibizioni, creando un nuova struttura di genere nella varietà artistica che eccita l'immaginazione dello spettatore-ascoltatore. Iniziando l'esperimento, i musicisti, ovviamente, hanno rischiato che i fan dell'improvvisazione jazz rifiutassero la loro esibizione. Tutto era determinato dalla categoria estetica della misura e del gusto artistico: concetti apparentemente effimeri, difficili da misurare.

Tutto ciò fa pensare che la pop art, nonostante la sua ampia diffusione, abbia le sue specificità. La comprensione teorica di quest'arte mostra che in ogni creatività c'è un inevitabile divario tra l'ideale e la realtà, il desiderio e il fatto, l'intenzione e l'attuazione, e l'analisi di questa circostanza è di fondamentale importanza per comprendere le prospettive dell'esplorazione artistica della realtà . Come notato da I.G. Sharoev, "l'interazione di vari tipi di arte nel nostro tempo sta diventando ambigua e la dinamica delle violazioni dei loro confini sta aumentando. Oggi la classificazione delle specie e dei generi sta diventando estremamente complessa, perché specie e generi sono così connessi tra loro, intricatamente intrecciati, che la designazione dei loro confini è spesso piuttosto arbitraria” 40 .

Un tale processo porta all'emergere e all'affermazione di nuovi generi in vari tipi di arte, è particolarmente evidente sul palcoscenico, che ha sempre reagito in modo molto sensibile alle nuove tendenze. Così, furono stabiliti nuovi generi e forme, insolitamente diversi e mobili: opera rock, opera zong, massa rock, suite rock e altri, dove ci sono elementi di opera e balletto, arte drammatica e varietà.

Una delle caratteristiche specifiche del tipo di arte che stiamo analizzando è la combinazione di vari generi, la loro diversità.

“L'arte della varietà per sua natura combina diverse caratteristiche di genere di altri tipi di arte, la cui comunanza sta nella facile adattabilità alle varie condizioni di manifestazione pubblica, nella breve durata dell'azione, nella concentrazione dei suoi mezzi espressivi artistici, che contribuisce alla vivida identificazione dell'individualità creativa dell'interprete, e nel campo dei generi legati a una parola viva - nell'attualità, nell'acuta rilevanza socio-politica degli argomenti trattati, nella predominanza di elementi di umorismo, satira e giornalismo" 41 .

La successiva caratteristica specifica della pop art è che la varietà di generi e lo sfondo determinano l'incarnazione sia temporale che spaziale dell'idea, il significato in un numero separato, che costituisce la base della performance di varietà.

Include performance individuali completate da uno o più artisti e dura solo 3-5 minuti.

Durante la creazione di una performance, gli artisti possono o meno ricorrere all'aiuto di un regista, drammaturgo, artista, compositore, coreografo, mentre loro stessi ne decidono il lato contenuto. I mezzi espressivi del numero obbediscono alla sua idea, e sotto questo aspetto tutto dovrebbe essere in perfetta armonia: costume, trucco, scenografia, contegno sul palco.

La combinazione di vari numeri costituisce un programma variegato, dove si concentrano tutti i tipi di arti performative: cantanti, giocolieri, feuilletonisti, interpreti di sketch, addestratori di animali, maghi, distici, acrobati, ballerini, musicisti, dimostranti di esperimenti psicologici, trapezisti e si esibiscono i cavalieri. Questa ampiezza di possibilità rende la pop art varia, luminosa, originale, con le sue specificità.

Di solito, i numeri in un concerto di varietà sono uniti da un intrattenitore o da una trama. Poi sul palco - una rassegna di varietà, che è varia sia per argomenti che per struttura.

Un'altra specificità della pop art è che i suoi artisti comunicano quasi sempre direttamente con il pubblico. K.S. Stanislavsky ha formulato la legge del palcoscenico, secondo la quale l'attore agisce in condizioni di "solitudine pubblica". “Recitando in una performance, rendendosi conto che centinaia di spettatori lo stanno guardando, l'attore allo stesso tempo deve potersi dimenticare di loro. L'attore non deve imitare colui che interpreta, ma diventare lui, vivere la vita quasi reale di un personaggio teatrale nelle circostanze offerte dallo spettacolo e dalla rappresentazione.

È così che l'intrattenitore, il distico o il cantante si rivolge direttamente all'auditorium. Il pubblico risulta essere un partner degli artisti e reagisce in modo vivido a ciò che sta accadendo sul palco, dà spunti e passa note agli artisti. Anche durante il dialogo, gli artisti si rivolgono non solo l'uno all'altro, ma anche al pubblico.

Come notato da A.V. Lunacharsky: "...nella sua vivacità, per quanto è possibile rispondere immediatamente a eventi di attualità, nella sua acutezza politica, il palcoscenico ha grandi vantaggi rispetto al teatro, al cinema, alla letteratura seria", perché "...quest'ultima richiede un molto tempo per preparare i suoi prodotti, nella sua forma principale è significativamente più pesante di un alato leggero e pungente, come una vespa, una canzone pop o una cronaca di distico” 43 .

Le caratteristiche qualitative di cui sopra dell'arte della varietà sono servite da criterio nella selezione dei vari fenomeni che caratterizzano la sua esperienza creativa.

Nel corso del suo sviluppo, gli stili pop sono cambiati molte volte. Capire lo stile significa penetrare i meccanismi nascosti della tecnologia. Dopotutto, non solo qualsiasi genere pop, ma anche un'intonazione separata, un gesto casuale qui è importante. Sono metafore che legano i fili della vita che si intrecciano nel quotidiano in un nodo complesso dell'arte. Solo, a differenza di altre arti, le metafore pop sono calchi di periodi di tempo non lunghi, non estesi; qui il conto non va per anni, ma per mesi, giorni e anche minuti. La varietà è una cronaca corsiva degli eventi del nostro tempo.

Naturalmente, un periodo storico di un quarto di secolo è un periodo enorme per qualsiasi arte. Ma né nella letteratura, né nel teatro e nel cinema, il tempo ha prodotto cambiamenti così sorprendenti come nell'arte del varietà. E non è nemmeno che i nuovi idoli abbiano estromesso i primi sia dal palco che dalla memoria del pubblico, ma in un'altra cosa, più importante. I cambiamenti hanno influenzato l'essenza stessa di questa specie, la struttura interna delle sue forme e generi.

Anche negli anni '60, la pop art non conosceva, ad esempio, spettacoli di gala di una sorta di "teatro della canzone" schierato attorno a una "stella" con un corpo di ballo e un magnifico entourage spettacolare, che ora è creato da A. Pugacheva, V. Leontiev, S. Rotaru, L. Vaikule, né complessi vocali e strumentali degli anni '70 o gruppi rock degli anni '80.

I programmi delle orchestre jazz sono scomparsi dal palcoscenico del palcoscenico moderno non perché i fondatori e gli idoli - L. Utyosov, B. Rensky, E. Rozner - siano morti. I loro successori non sono riusciti a prolungare la vita del jazz. Il genere stesso è morto: il divertissement teatrale, che è stato ricreato con l'accompagnamento e la partecipazione di musicisti jazz.

Numerose varietà di teatri in miniatura - dal "teatro di due attori" - M. Mironova e A. Menaker, L. Mirov e M. Novitsky o il teatro di A. Raikin a un numero enorme di gruppi pop studenteschi della fine degli anni '50 - primi anni '60 - uno dopo l'altro, per vari motivi, scomparvero o si trasformarono irriconoscibili, come il Teatro dell'Ermitage - da un'idea di Vl. Poliakov. L'ultimo teatro delle miniature svanì con la morte di A. Raikin. Il loro posto è stato preso da R. Kartsev e V. Ilchenko, M. Zhvanetsky, così come "Teatri di un attore" - G. Khazanov, E. Petrosyan, E. Shifrin, V. Vinokur ...

I programmi di varietà teatrale in qualche modo sono sopravvissuti fino ad oggi, ma sono diventati molto diversi dai precedenti.

Il numero come unità di misura in alcuni programmi è cresciuto fino alle dimensioni di un episodio, il che è abbastanza naturale, dal momento che la pop art ha dominato nuovi luoghi: arene di Palazzi dello Sport, stadi. I grandi spazi hanno richiesto l'ampliamento di tutti gli elementi dell'arte varietale e della tecnologia per creare e riprodurre nuove forme di programmi di varietà.

Negli ultimi anni, i programmi di varietà su larga scala stanno spiazzando sempre più le esibizioni da camera. Il concerto di varietà, che fino a poco tempo fa era la forma principale dell'arte del varietà, come uno spettacolo in teatro, un film al cinema, si è rivelato essere spinto alla periferia della pratica spettacolare. E lo stesso concerto pop è cambiato irriconoscibile.

In una retrospettiva storica, la base del concerto era determinata dal principio della diversità, secondo il quale il numero di un genere veniva sostituito da un altro: un lettore - un giocoliere, un illusionista - un fisarmonicista, un chitarrista, ecc.

Nell'ultimo quarto di secolo, interpreti di feuilleton musicali, distici, schizzi, intermezzi, miniature, lettori, narratori, strumentisti, ecc. hanno in qualche modo abbandonato il concerto di varietà assemblato.

La performance individuale sul palco richiede un elevato autocontrollo. Per garantire un alto livello di attività di sceneggiatore, regista, interprete, è importante un sistema dettagliato di controllo creativo quotidiano, perché puoi dedicarti all'intrattenimento solo quando possiedi la categoria filosofica "misura".

Stanislavsky ha scritto: “Non diciamo che il teatro sia una scuola. No, il teatro è intrattenimento. Non è redditizio per noi lasciare questo importante elemento dalle nostre mani. Lascia che le persone vadano sempre a teatro per divertirsi. Ma poi sono venuti, abbiamo chiuso le porte dietro di loro (...) e possiamo riversare nelle loro anime quello che vogliamo” 44 . Ciò vale interamente per il funzionamento della varietà art. In un concerto pop, quando c'è uno splendido scenario, artisti straordinari, luci brillanti e scintillanti, tutto si attiva, stordisce lo spettatore.

Va notato qui che una caratteristica specifica dell'arte della varietà è l'apertura della performance. Un artista pop non è separato dal pubblico né da una tenda né da una rampa, è, per così dire, un "proveniente dal popolo" ed è strettamente connesso con il pubblico. Fa tutto apertamente davanti al pubblico, tutto è vicino al pubblico, dove gli artisti possono sia vedere che ascoltare il pubblico, entrare in contatto diretto con esso.

Il risultato delle specificità della varietà artistica sopra discussa è solo il suo intrinseco processo percettivo-comunicativo, in cui lo stretto riavvicinamento dell'esecutore al pubblico dà origine a un sistema di comunicazione del tutto speciale, più precisamente di comunicazione. Un artista pop durante una performance trasforma spettatori-ascoltatori attenti in partner attivi, consentendo loro molto in termini di risposte. Uno stesso artista pop può fare molto di più di quanto non sia previsto da un concerto di musica classica o da uno spettacolo teatrale. Questo interprete occupa una posizione di massima fiducia e apertura nei confronti del pubblico.

In una parola, la principale differenza tra pop art sta nella specificità del processo percettivo e comunicativo, che è facilmente percepibile dal pubblico, contribuendo a creare opere uniche.

Il processo percettivo-comunicativo nella pop art, nonostante l'ampiezza della sua tavolozza di generi e l'influenza di molti fattori sociali e culturali, si distingue per le dinamiche interne della creatività.

I generi d'arte comprendono molte opere musicali e poetiche dei cosiddetti testi d'amore, che portano una toccante penetrazione sul palcoscenico: sono caratterizzate da intrattenimento e umorismo.

La risposta va ricercata nello stesso luogo, cioè nel sistema di relazioni tra le due parti, spettacolo e spettatore, così come nella propria posizione di vita del performer, nel processo percettivo-comunicativo. I testi d'amore incarnati nel programma pop implicano un grado molto alto di fiducia dell'esecutore nel pubblico, il che consente a una specie di confessione di sorgere quando una persona ha bisogno di parlare a qualcuno di qualcosa di abbastanza intimo - della sua felicità o dei suoi dolori.

Una caratteristica specifica della pop art è l'efficienza, la capacità di rispondere ai temi "caldi" della giornata, di formare e rafforzare il tono emotivo positivo dello spettatore secondo il principio: al mattino - su un giornale, la sera - in un distico.

Non è un caso che tutte le situazioni socialmente acute abbiano stimolato la comparsa, prima di tutto, di nuove opere di piccole forme, che, a loro volta, sono servite come fonte di forza e ispirazione per il pubblico.

Pertanto, la caratteristica più importante dell'arte della varietà è un orientamento sociale. Insieme a questo, il palcoscenico si è sviluppato come l'arte del tempo libero festivo, che ha portato a una varietà di generi, all'insolito della loro percezione e ha risposto ai desideri di una persona di riempire il proprio tempo libero festivo, il proprio riposo con nuove impressioni, scoperte artistiche ed emozioni positive. Sono queste qualità che distinguono la vacanza dalla vita di tutti i giorni. Luminosità e originalità servivano e servono ad attirare l'attenzione del pubblico su ogni numero, poiché un programma di varietà, anche di breve durata, contiene necessariamente un momento di competizione tra i numeri, perché ognuno di essi deve difendere il proprio diritto a un atteggiamento benevolo da parte del pubblico.

Il pubblico di un concerto di varietà o di una performance si aspetta da ogni performance, da ogni episodio, qualche novità, una svolta inaspettata nella trama, nelle tecniche esecutive. "Gli spettatori che sono venuti allo spettacolo di varietà di solito pensano di sapere tutto in anticipo - ora verrà riprodotto il prologo, quindi l'intrattenitore entrerà sul palco, ma dobbiamo sforzarci di "deluderli" in senso buono, accontentarli ( e più di una volta) una allegra sorpresa, "far esplodere" il misurato corso del programma" 45 .

Entrando in scena davanti a un pubblico sintonizzato su uno spettacolo festivo, l'artista ha bisogno di soddisfare i suoi desideri per rivelare tutte le sue capacità individuali, per dimostrarsi un "tuttofare". Per fare ciò, dovresti aggiornare costantemente il tuo repertorio, trovare una nuova svolta nella risoluzione della performance, tenendo conto delle specificità del processo percettivo e comunicativo dell'arte di varietà, inventando un inizio spiritoso, un culmine e un finale della performance. Pertanto, il rinnovamento di generi noti avviene a causa della creazione di un'immagine artistica inaspettata, la natura della sua performance.

I tentativi più produttivi e artisticamente convincenti sono sempre stati i tentativi di complicare il genere pop, in cui l'esecutore di solito si esibisce. Un tempo sul palco apparve un'orchestra jazz teatrale guidata da Leonid Utyosov. Le esibizioni dei lettori iniziarono a trasformarsi in "teatri individuali", i cantanti solisti iniziarono a ballare e fu osservato il processo di nascita di generi completamente nuovi e precedentemente sconosciuti.

Una caratteristica specifica della pop art è un'atmosfera festosa, che corrisponde alla natura del processo creativo stesso. Il canto e l'arte drammatica hanno dato vita al canto teatrale, che ha aggiunto a sé l'arte del back-dancing (danza con piccole ampiezze di movimento), e il canto pop moderno è diventato un'arte ancora più complessa nella struttura.

Oggi, i numeri pop sono molto comuni, in cui un artista canta, balla e pronuncia un monologo, funge da parodista. Varietà musicisti-strumentisti sono in grado di suonare diversi strumenti diversi, causando così un ulteriore interesse per la loro performance.

Di conseguenza, un artista pop, a differenza di un artista accademico, può padroneggiare perfettamente molte abilità professionali che sono "all'incrocio" di diversi tipi di arte, ma non dimenticare questo stato. In questo caso, l'esecutore intrattiene e affascina il pubblico, evocando emozioni positive non solo con il contenuto dell'opera, ma anche con la sua "festa", tiene conto delle specificità del processo percettivo e comunicativo della varietà artistica.

Un senso di festa può essere creato anche attraverso un intrattenimento puramente esterno. I giochi di luce, il cambio di fondali pittoreschi, il cambiamento nella forma del palcoscenico davanti agli occhi del pubblico, che si riscontrano più spesso negli spettacoli di rassegna del music hall, fanno sentire il pubblico sollevato e in una buona umore.

Sì, molti generi di varietà artistica si attraggono con facilità e brevità di percezione per la nota semplificazione della struttura dell'opera, facilitandone il contenuto e la forma. Ma questo non può essere considerato un problema insignificante. L'argomento scelto (toccato) può essere molto ampio e significativo. Ma dal fatto che apparirà nell'opera liberata dal complesso intreccio di altri temi, l'opera sarà percepita più facilmente. Un altro modo per padroneggiare il contenuto è selezionare argomenti che non pretendono di essere su larga scala e profondi, ma sono personali, aziendali e possono interessare una certa cerchia di persone.

Il concetto di “varietà” viene quindi interpretato come un linguaggio specifico di mezzi espressivi, che appartiene solo a questo tipo di art.

La varietà è una caratteristica della tecnica e dell'abilità artistica dell'esecutore che si esibisce sul palco del varietà.

Un artista pop è prima di tutto un maestro in uno dei generi e solo allora può dimostrare il suo talento in vari generi di pop art.

Di conseguenza, una caratteristica specifica della pop art è il suo multigenere, che combina musica, danza, canto, conversazione, circo, ecc. Nonostante la natura multigenere, ogni interprete ha le sue caratteristiche artistiche e i suoi mezzi espressivi, il palcoscenico aperto (palcoscenico) su cui l'attore entra detta le sue condizioni: contatto diretto con il pubblico, "apertura" di abilità, capacità di trasformare, ecc. Il principale programma di varietà "mattone", o concerto, è un numero: una breve esibizione (di uno o più artisti), costruita secondo le leggi della drammaturgia. Il cortometraggio implica la massima concentrazione dei mezzi espressivi, l'"attrazione", l'uso del grottesco, della buffoneria, dell'eccentrico. Di particolare importanza sono la presenza di una brillante individualità, l'immagine trovata con successo dall'attore (a volte una maschera), l'energia interna.

Queste, a nostro avviso, sono le principali specificità della moderna varietà artistica.