La sinfonia è la forma più monumentale musica strumentale... Inoltre, questa affermazione è vera per qualsiasi epoca - per il lavoro dei classici viennesi, per i romantici e per i compositori di tendenze successive ...

Alessandro Maykapar

Generi musicali: Sinfonia

La parola sinfonia deriva dal greco "sinfonia" e ha diversi significati. I teologi lo chiamano un libro di riferimento sull'uso delle parole trovate nella Bibbia. Il termine è tradotto da loro come consenso e accordo. I musicisti traducono questa parola come consonanza.

Il tema di questo saggio è la sinfonia come genere musicale. Si scopre che in contesto musicale il termine sinfonia ha diversi significati. Così Bach chiamò i suoi meravigliosi brani per le sinfonie al clavicembalo, \ nel senso che rappresentano una combinazione armoniosa, una combinazione - consonanza - di più (in questo caso, tre) voci. Ma questo uso del termine era un'eccezione già ai tempi di Bach, nella prima metà del XVIII secolo. Inoltre, nell'opera dello stesso Bach, ha denotato la musica di uno stile completamente diverso.

E ora ci avviciniamo al tema principale del nostro saggio: la sinfonia come grande opera orchestrale a più parti. In questo senso, la sinfonia apparve intorno al 1730, quando l'introduzione orchestrale all'opera si separò dall'opera stessa e si trasformò in un'opera orchestrale indipendente, prendendo come base un'ouverture all'italiana in tre parti.

L'affinità della sinfonia con l'ouverture si manifesta non solo nel fatto che ciascuna delle tre sezioni dell'ouverture: fast-slow-fast (e talvolta anche una lenta introduzione ad essa) si è trasformata in sinfonie in un movimento separato indipendente, ma anche nel fatto che l'ouverture ha dato alla sinfonia un'idea di contrasto dei temi principali (di solito maschile e femminile) e quindi ha dotato la sinfonia della tensione drammatica (e drammatica) e dell'intrigo necessario per la musica di grandi forme.

Principi costruttivi della sinfonia

Montagne di libri e articoli musicologici sono dedicati all'analisi della forma della sinfonia, alla sua evoluzione. Il materiale artistico rappresentato dal genere della sinfonia è enorme sia nella quantità che nella varietà delle forme. Qui possiamo delineare i principi più generali.

1. La sinfonia è la forma più monumentale di musica strumentale. Inoltre, questa affermazione è vera per qualsiasi epoca - e per il lavoro dei classici viennesi, per i romantici e per i compositori di tendenze successive. L'Ottava sinfonia (1906) di Gustav Mahler, ad esempio, grandiosa nel disegno artistico, fu scritta per un enorme - anche secondo le idee dell'inizio del XX secolo - cast di interpreti: la grande orchestra sinfonica fu ampliata da 22 legni e 17 ottoni, la partitura comprende anche due cori misti e coro di ragazzi; a questo si aggiungono otto solisti (tre soprani, due contralti, tenore, baritono e basso) e un'orchestra di backstage. Viene spesso chiamata la "Sinfonia dei mille membri". Per eseguirlo è necessario ricostruire il palcoscenico di sale da concerto anche molto grandi.

2. Poiché la sinfonia è un'opera a più parti (a tre, più spesso a quattro e talvolta anche a cinque parti, ad esempio "Pastorale" di Beethoven o "Fantastico" di Berlioz), è chiaro che tale forma deve essere estremamente elaborare per escludere monotonia e monotonia. (Una sinfonia a una parte è molto rara, ad esempio - Sinfonia n. 21 di N. Myaskovsky.)

Una sinfonia contiene sempre molto immagini musicali, idee e temi. Sono in qualche modo distribuiti tra le parti, che, a loro volta, da un lato - contrastano tra loro, dall'altro - formano una sorta di integrità superiore, senza la quale la sinfonia non sarà percepita come un'opera singola.

Per dare un'idea della composizione delle parti della sinfonia, presentiamo informazioni su diversi capolavori ...

mozartiano. Sinfonia n. 41 "Giove" in do maggiore
I. Allegro vivace
II. Andante cantabile
III. Menuetto. Allegretto - Trio
IV. Molto allegro

Beethoven. Sinfonia n. 3 in mi bemolle maggiore, op. 55 ("Eroico")
I. Allegro con brio
II. Marcia funebre: Adagio assai
III. Scherzo: Allegro vivace
IV. Finale: Allegro molto, Poco Andante

Schubert. Sinfonia n. 8 in si minore (la cosiddetta "Incompiuta")
I. Allegro moderato
II. Andante con moto

Berlioz. Sinfonia fantastica
I. Sogni. Passion: Largo - Allegro agitato e appassionato assai - Tempo I - Religiosamente
II. Palla: Valse. Allegro non troppo
III. Scena nei campi: Adagio
IV. Esecuzione Processione: Allegretto non troppo
V. Un sogno nella notte di sabato: Larghetto - Allegro - Allegro
assai - Allegro - Lontana - Ronde du Sabbat - Dies irae

Borodino. Sinfonia n. 2 "Eroica"
I. Allegro
II. Scherzo. Prestissimo
III. Andante
IV. Finale. Allegro

3. La prima parte è la più complessa nel design. In una sinfonia classica, di solito è scritta nella forma della cosiddetta sonata Allegro... La particolarità di questa forma è che in essa si scontrano e si sviluppano almeno due temi principali, di cui nel più schema generale si può parlare di espressione maschile (questo argomento è solitamente chiamato festa principale, poiché per la prima volta passa nella chiave principale dell'opera) e il principio femminile (questo lotto laterale- suona in uno dei relativi tasti principali). Questi due temi principali sono in qualche modo collegati e il passaggio dal principale al secondario si chiama lotto di collegamento. La presentazione di tutto questo materiale musicale di solito ha un certo finale completato, questo episodio si chiama il lotto finale.

Se ascoltiamo con attenzione una sinfonia classica, che ci permette fin dalla prima conoscenza di un dato lavoro di distinguere immediatamente tra questi elementi strutturali, troveremo nel corso della prima parte la modifica di questi temi di base. Con lo sviluppo della forma sonata, alcuni compositori - e Beethoven fu il primo di essi - seppero identificare elementi femminili nel tema di un personaggio maschile e viceversa, e nel corso dello sviluppo di questi temi li "illuminarono" in diverse modi. Questa è forse l'incarnazione più brillante - sia artistica che logica - del principio della dialettica.

L'intera prima parte della sinfonia è costruita come una forma in tre parti, in cui prima i temi principali vengono presentati all'ascoltatore, come se fossero esposti (quindi questa sezione è chiamata esposizione), quindi subiscono uno sviluppo e una trasformazione (la seconda sezione è lo sviluppo) e infine ritornano - o nella loro forma originale , o in qualche nuova qualità (ripresa). Questo è lo schema più generale in cui ciascuno dei grandi compositori ha contribuito con qualcosa di proprio. Pertanto, non troveremo due disegni identici, non solo di compositori diversi, ma anche di uno. (Certamente se viene sui grandi creatori.)

4. Dopo il primo movimento solitamente burrascoso della sinfonia, deve esserci certamente un posto per la musica lirica, calma, sublime, in una parola, che scorre al rallentatore. All'inizio, questo era il secondo movimento della sinfonia ed era considerato una regola piuttosto rigida. Nelle sinfonie di Haydn e Mozart, il movimento lento è proprio il secondo. Se la sinfonia ha solo tre parti (come nel 1770 di Mozart), allora la parte lenta risulta davvero essere quella centrale. Se la sinfonia è in quattro parti, nelle prime sinfonie veniva posto un minuetto tra la parte lenta e il finale veloce. Più tardi, a partire da Beethoven, il minuetto fu sostituito da un rapido scherzo. Tuttavia, a un certo punto i compositori decisero di deviare da questa regola, e quindi il movimento lento divenne la terza parte della sinfonia e lo scherzo divenne la seconda parte, come vediamo (più precisamente, sentiamo) in A. Borodin " Sinfonia eroica”.

5. Le finali delle sinfonie classiche sono caratterizzate da un movimento vivace con tratti di danza e canto, spesso in spirito popolare... A volte il finale di una sinfonia si trasforma in una vera e propria apoteosi, come nella Nona Sinfonia di Beethoven (op. 125), in cui il coro ei solisti cantanti sono stati introdotti alla sinfonia. Sebbene questa fosse un'innovazione per il genere della sinfonia, non era per Beethoven stesso: già prima aveva composto Fantasia per pianoforte, coro e orchestra (Op. 80). La sinfonia contiene un'ode alla gioia di F. Schiller. Il finale è così dominante in questa sinfonia che i tre movimenti che lo precedono sono percepiti come un'enorme introduzione ad essa. Una versione di questo finale con il suo "Hug, Millions!" all'apertura della Sessione Generale delle Nazioni Unite - la migliore espressione delle aspirazioni etiche dell'umanità!

Grandi creatori di sinfonia

Joseph Haydn

Joseph Haydn visse a lungo (1732-1809). Mezzo secolo della sua attività creativa delineato da due circostanze principali: la morte di JS Bach (1750), che pose fine all'era della polifonia, e la prima della terza sinfonia ("eroica") di Beethoven, che segnò l'inizio dell'era del romanticismo. Durante questi cinquant'anni di forme musicali - messa, oratorio e concerto grosso- sono stati sostituiti da nuovi: sinfonia, sonata e quartetto d'archi. Il luogo principale in cui ora venivano suonate le opere scritte in questi generi non erano le chiese e le cattedrali, come prima, ma i palazzi di nobili e aristocratici, che, a loro volta, portarono a un cambiamento nei valori musicali: la poesia e l'espressività soggettiva entrarono in moda.

In tutto questo Haydn è stato un pioniere. Spesso - anche se non del tutto correttamente - è chiamato il "padre della sinfonia". Alcuni compositori, ad esempio Jan Stamitz e altri rappresentanti della cosiddetta Scuola di Mannheim (Mannheim in metà XVIII v. - la cittadella delle prime sinfonie), molto prima di Haydn, iniziarono a comporre sinfonie in tre parti. Tuttavia, Haydn ha portato questa forma a un livello molto più alto e ha mostrato la strada per il futuro. Il suo primi lavori portano il marchio dell'influenza di C.F.E.Bach, e quelli successivi anticipano uno stile completamente diverso - Beethoven.

Allo stesso tempo, è degno di nota il fatto che abbia iniziato a creare composizioni che avevano acquisito un grande significato musicale quando aveva superato il traguardo dei quarant'anni. Fertilità, diversità, imprevedibilità, umorismo, ingegnosità: questo è ciò che rende Haydn più alto di una testa (o anche, come diceva uno spiritoso, fino alle spalle) al di sopra del livello dei suoi contemporanei.

Molte delle sinfonie di Haydn sono state nominate. Ecco alcuni esempi.

A. Abakumov. Interpretato da Haydn (1997)

La famosa sinfonia n. 45 si chiamava Farewell (o Symphony by Candlelight): nelle ultime pagine del finale della sinfonia, i musicisti smettono di suonare uno ad uno e lasciano il palco, lasciando solo due violini che chiudono la sinfonia con un accordo interrogativo la - Fa diesis... Lo stesso Haydn raccontò una versione semi-umoristica dell'origine della sinfonia: il principe Nikolai Esterhazy una volta non lasciò che i musicisti dell'orchestra andassero da Esterhaz a Eisenstadt, dove vivevano le loro famiglie, per molto tempo. Volendo aiutare i suoi subordinati, Haydn compose la conclusione della sinfonia "Addio" sotto forma di un sottile accenno al principe - una richiesta di congedo espressa in immagini musicali. Il suggerimento fu compreso e il principe emanò gli ordini appropriati.

Nell'era del romanticismo, il carattere umoristico della sinfonia fu dimenticato e iniziò a essere dotato di un significato tragico. Schumann scrisse nel 1838 sui musicisti che spegnevano le candele e lasciavano il palco durante il finale della sinfonia: "E nessuno rise di questo, perché non c'era da ridere".

La sinfonia n. 94 "With a Timpani Strike, or Surprise" ha preso il nome dall'effetto umoristico del movimento lento: il suo umore sereno è disturbato da un forte battito di timpani. No. 96 "Miracolo" divenne così chiamato a causa di circostanze casuali. Al concerto in cui Haydn avrebbe dovuto dirigere questa sinfonia, il pubblico con il suo aspetto si precipitò dal centro della sala alle prime file libere, e il centro era vuoto. In questo momento, proprio al centro della sala, un lampadario è crollato, solo due ascoltatori sono rimasti leggermente feriti. Nella sala si udirono esclamazioni: “Miracolo! Miracolo!" Lo stesso Haydn fu profondamente colpito dalla sua involontaria salvezza di molte persone.

Il nome della Sinfonia n. 100 "Military", al contrario, non è affatto casuale: le sue parti estreme con i loro segnali e ritmi militari disegnano chiaramente immagine musicale campi; anche il Minuetto qui (la terza parte) di un magazzino "esercito" piuttosto focoso; l'inclusione di strumenti a percussione turchi nella partitura della sinfonia ha deliziato gli amanti della musica londinese (cfr. Marcia turca di Mozart).

N. 104 “Salomon”: non è un tributo all'impresario - John Peter Salomon, che tanto ha fatto per Haydn? È vero che lo stesso Salomon, grazie ad Haydn, divenne così famoso che fu sepolto nell'Abbazia di Westminster "per aver portato Haydn a Londra", come indicato sulla sua lapide. Pertanto, la sinfonia dovrebbe essere chiamata esattamente "C un Lomon", e non "Solomon", come a volte si trova nei programmi dei concerti, che orienta erroneamente il pubblico al re biblico.

Wolfgang Amadeus Mozart

Mozart scrisse le sue prime sinfonie all'età di otto anni e l'ultima a trentadue. Il loro numero totale è più di cinquanta, ma molti giovani non sono sopravvissuti o non sono ancora stati scoperti.

Se seguiamo il consiglio di Alfred Einstein, il più grande conoscitore di Mozart, e confrontiamo questo numero con solo nove sinfonie di Beethoven o quattro di Brahms, diventerà subito chiaro che il concetto di genere di una sinfonia è diverso per questi compositori. Ma se si individuano quelle delle sinfonie mozartiane che in realtà, come quelle di Beethoven, si rivolgono a un certo pubblico ideale, cioè a tutta l'umanità ( umanità), si scopre che Mozart scrisse anche non più di dieci sinfonie di questo tipo (lo stesso Einstein parla di "quattro o cinque"!). La Praga e la Triade delle Sinfonie del 1788 (n. 39, 40, 41) sono un contributo straordinario al tesoro della sinfonia mondiale.

Di queste ultime tre sinfonie, quella centrale, la n. 40, è la più famosa. Solo piccolo serenata notturna"E Overture all'opera" Le nozze di Figaro ". Sebbene le ragioni della popolarità siano sempre difficili da determinare, una di queste in questo caso potrebbe essere la scelta della chiave. Questa sinfonia è scritta in sol minore - una rarità per Mozart, che preferiva le chiavi maggiori allegre e gioiose. Delle quarantuno sinfonie, solo due sono scritte in chiave minore (questo non significa che Mozart non abbia scritto musica minore nelle sinfonie maggiori).

Ci sono statistiche simili per i suoi concerti per pianoforte: su ventisette, solo due hanno la chiave di base in minore. Considerando i giorni bui in cui è stata creata questa sinfonia, potrebbe sembrare che la scelta della chiave fosse predeterminata. Tuttavia, c'è di più in questa creazione oltre alla tristezza quotidiana di una persona. Va ricordato che in quell'epoca, tedesco e Compositori austriaci sempre più si trovarono alla mercé di idee e immagini della tendenza estetica in letteratura, che ricevette il nome di "Storm and Onslaught".

Il nome del nuovo movimento è stato dato dal dramma di F. M. Klinger "Storm and Onslaught" (1776). Sono emersi un gran numero di drammi con personaggi incredibilmente appassionati e spesso incoerenti. I compositori erano anche affascinati dall'idea di esprimere con i suoni l'intensità drammatica delle passioni, la lotta eroica, il desiderio spesso di ideali irrealizzabili. Non a caso, in questa atmosfera, Mozart si è rivolto anche alle tonalità minori.

A differenza di Haydn, che era sempre sicuro che le sue sinfonie sarebbero state eseguite - o davanti al principe Esterhazy o, come quelle londinesi, davanti a un pubblico londinese - Mozart non ha mai avuto una tale garanzia e, nonostante ciò, è stato straordinariamente prolifico. Se le sue prime sinfonie sono spesso divertenti o, come diremmo ora, musica "leggera", allora le sinfonie successive sono il "momento clou del programma" di qualsiasi concerto sinfonico.

Ludwig van Beethoven

Beethoven ha creato nove sinfonie. Probabilmente ci sono più libri scritti da loro che appunti in questo patrimonio. Le più grandi delle sue sinfonie sono la Terza (mi bemolle maggiore, "Eroica"), la Quinta (Do minore), la Sesta (Fa maggiore, "Pastorale"), la Nona (re minore).

... Vienna, 7 maggio 1824. Prima della Nona Sinfonia. I documenti superstiti testimoniano quanto accaduto allora. L'annuncio stesso della prima imminente è stato notevole: “La Great Music Academy, che è stata organizzata da Mr. Ludwig van Beethoven, avrà luogo domani, 7 maggio.<...>I solisti saranno M. Sontag e M. Unger, nonché i sigg. Heizinger e Seipelt. Il primo violino dell'orchestra è Herr Schuppanzig, il direttore è Herr Umlauf.<...>Il signor Ludwig van Beethoven prenderà personalmente parte alla direzione del concerto”.

Questa leadership alla fine portò Beethoven a dirigere lui stesso la sinfonia. Ma come è potuto succedere? Dopotutto, a quel tempo Beethoven era già sordo. Passiamo ai resoconti dei testimoni oculari.

“Beethoven si dirigeva, o meglio, stava davanti alla tribuna del direttore d'orchestra e gesticolava come un pazzo”, scriveva Josef Boehm, il violinista dell'orchestra che prese parte alla concerto storico... - Si stiracchiò, poi quasi si accovacciò, agitando le braccia e battendo i piedi, come se volesse suonare lui stesso tutti gli strumenti contemporaneamente e cantare per tutto il coro. In effetti, Umlauf era responsabile di tutto e noi, i musicisti, guardavamo solo la sua bacchetta. Beethoven era così agitato che non si accorse completamente di ciò che stava accadendo intorno a lui e non prestò attenzione all'applauso tempestoso, che a malapena raggiunse la sua coscienza a causa della sua disabilità uditiva. Alla fine di ogni numero doveva dirgli esattamente quando girarsi e ringraziare il pubblico per gli applausi, cosa che ha fatto molto goffamente".

Alla fine della sinfonia, quando l'applauso era già scrosciante, Carolina Unger si avvicinò a Beethoven, gli fermò dolcemente la mano: stava ancora dirigendo, senza rendersi conto che l'esibizione era finita! - e si voltò verso il pubblico. Poi divenne evidente a tutti che Beethoven era completamente sordo...

Il successo è stato enorme. C'è voluto l'intervento della polizia per porre fine alla standing ovation.

Peter Ilyich Tchaikovsky

Nel genere di una sinfonia di P.I. Tchaikovsky ha creato sei opere. Ultima sinfonia - Sesta in si minore, op. 74 - chiamato da lui "Patetico".

Nel febbraio 1893, Tchaikovsky aveva un piano per una nuova sinfonia, che divenne la Sesta. In una delle sue lettere, dice: "Durante il viaggio, ho avuto l'idea di un'altra sinfonia ... con un programma del genere che rimarrà un mistero per tutti ... ho pianto. "

La sesta sinfonia è stata registrata dal compositore molto rapidamente. In appena una settimana (4-11 febbraio), ha registrato l'intero primo movimento e metà del secondo. Quindi il lavoro fu interrotto per un po 'da un viaggio da Klin, dove viveva allora il compositore, a Mosca. Tornato a Klin, dal 17 al 24 febbraio, ha lavorato alla terza parte. Poi c'è stata un'altra pausa e nella seconda metà di marzo il compositore ha completato l'ultimo e il secondo movimento. L'orchestrazione dovette essere in qualche modo posticipata, dal momento che Tchaikovsky aveva programmato molti altri viaggi. L'orchestrazione è stata completata il 12 agosto.

La prima esecuzione della Sesta Sinfonia ebbe luogo a San Pietroburgo il 16 ottobre 1893 sotto la direzione dell'autore. Tchaikovsky ha scritto dopo la prima: “Sta succedendo qualcosa di strano con questa sinfonia! Non che non le piacesse, ma ha causato un po' di smarrimento. Quanto a me, ne sono più orgoglioso di qualsiasi altra mia composizione». Ulteriori eventi furono tragici: nove giorni dopo la prima della sinfonia, P. Tchaikovsky morì improvvisamente.

V. Baskin, l'autore della prima biografia di Tchaikovsky, che era presente sia alla prima della sinfonia che alla sua prima esecuzione dopo la morte del compositore, quando diresse E. Napravnik (questa esibizione divenne trionfante) scrisse: “Ricordiamo il umore triste che regnava nella sala dell'Assemblea Nobile Il 6 novembre, quando la sinfonia "Patetica" fu eseguita per la seconda volta, non fu pienamente apprezzata durante la prima esibizione sotto la direzione dello stesso Tchaikovsky. In questa sinfonia, che è diventata, purtroppo, il canto del cigno del nostro compositore, è apparso nuovo non solo nel contenuto, ma anche nella forma; invece del solito Allegro o Presto Inizia Adagio lamentoso lasciando l'ascoltatore nell'umore più triste. In ciò Adagio il compositore sembra dire addio alla vita; graduale morendo(italiano - dissolvenza) dell'intera orchestra ci ha ricordato la famosa fine di Amleto: “ Il resto tace"(Ulteriori - silenzio)".

Abbiamo potuto parlare solo brevemente di alcuni capolavori della musica sinfonica, oltre a tralasciare il tessuto musicale vero e proprio, poiché una tale conversazione richiede il vero suono della musica. Ma anche da questa storia diventa chiaro che la sinfonia come genere e le sinfonie come creazioni dello spirito umano sono una fonte inestimabile del più alto piacere. Il mondo della musica sinfonica è vasto e inesauribile.

Basato sui materiali della rivista "Art" №08/2009

Sul manifesto: Grande sala Filarmonica accademica di San Pietroburgo intitolata a D. D. Shostakovich. Tori Huang (pianoforte, USA) e la Philharmonic Academic Symphony Orchestra (2013)

Tra i numerosi generi e forme musicali, uno dei posti più onorevoli spetta alla sinfonia. Essendo emerso come genere di intrattenimento, dall'inizio del XIX secolo fino ai giorni nostri, riflette il suo tempo nel modo più sensibile e completo, come nessun'altra forma d'arte musicale. Sinfonie di Beethoven e Berlioz, Schubert e Brahms, Mahler e Tchaikovsky, Prokofiev e Shostakovich sono riflessioni su larga scala sull'epoca e sulla personalità, sulla storia dell'umanità e sui modi del mondo.

Ciclo sinfonico come lo conosciamo da molti classici e design moderno, ha preso forma circa duecentocinquanta anni fa. Tuttavia, durante questo periodo di tempo storicamente breve, il genere della sinfonia ha fatto passi da gigante. La lunghezza e il significato di questo percorso è stato determinato proprio dal fatto che la sinfonia ha assorbito tutti i problemi del suo tempo, è stata in grado di riflettere il complesso, contraddittorio, pieno di sconvolgimenti colossali dell'epoca, di incarnare i sentimenti, le sofferenze e le lotte delle persone. Basta immaginare la vita della società a metà del XVIII secolo e ricordare le sinfonie di Haydn; grandi sconvolgimenti fine XVII I - inizi del XIX secolo - e le sinfonie di Beethoven che li riflettevano; reazione nella società, delusione - e sinfonie romantiche; infine, tutti gli orrori che l'umanità ha dovuto sopportare nel XX secolo - e confrontare le sinfonie di Beethoven con le sinfonie di Shostakovich per vedere chiaramente questo percorso enorme, a volte tragico. Pochissimi oggi ricordano quale sia stato l'inizio, quali siano le origini di questo più complesso dei generi prettamente musicali non legati ad altre arti.

Diamo una rapida occhiata Europa musicale metà del XVIII secolo.

In Italia, il classico paese dell'arte, il trendsetter di tutti i paesi europei, l'opera regna sovrana. Domina la cosiddetta opera-seria ("seria"). Non ci sono immagini individuali vivide in esso, non c'è un'azione drammatica genuina. Opera Seria è un alternarsi di vari stati mentali, incarnato in caratteri convenzionali. La sua parte più importante è l'aria, in cui vengono trasmessi questi stati. Ci sono arie di rabbia e vendetta, arie di lamentele (lamento), arie lente e luttuose e arie gioiose. Queste arie erano così generalizzate che potevano essere trasferite da un'opera all'altra senza alcun danno all'esecuzione. In realtà, i compositori lo facevano spesso, soprattutto quando dovevano scrivere diverse opere per stagione.

La melodia divenne l'elemento dell'opera-seria. La rinomata arte del bel canto italiano ha trovato qui la sua massima espressione. Nelle arie, i compositori hanno raggiunto le vere vette dell'incarnazione di questo o quello stato. Amore e odio, gioia e disperazione, rabbia e dolore sono stati trasmessi dalla musica in modo così vivido e convincente che non era necessario ascoltare i testi per capire di cosa stava cantando il cantante. Questo essenzialmente ha aperto la strada alla musica senza testo progettata per incarnare i sentimenti e le passioni umane.

Dagli intermezzi - scene inserite tra gli atti dell'opera-seria e non legate ad essa - nacque la sua allegra sorella, l'appassionata di opera buffa. Democratico nel contenuto (i suoi personaggi non erano eroi mitologici, re e cavalieri, ma gente semplice dal popolo), si opponeva deliberatamente all'art. L'appassionato d'opera si distingueva per la naturalezza, la vivacità d'azione e la spontaneità del linguaggio musicale, spesso direttamente legato al folklore. Conteneva scioglilingua vocali, coloratura di parodie comiche, melodie di danza vivaci e leggere. Le finali degli atti si sono svolte come ensemble, in cui i personaggi a volte hanno cantato tutti insieme. A volte tali finali venivano chiamate "una palla" o "confusione", l'azione si svolgeva così rapidamente in loro e l'intrigo si rivelava confuso.

Anche la musica strumentale si è sviluppata in Italia, e soprattutto il genere più strettamente associato all'opera: l'ouverture. Come introduzione orchestrale a uno spettacolo d'opera, ha preso in prestito brillante, espressivo temi musicali simili alle melodie delle arie.

L'ouverture italiana di quel tempo consisteva in tre sezioni: veloce (Allegro), lenta (Adagio o Andante) e ancora veloce, il più delle volte un minuetto. La chiamavano sinfonia - in traduzione dal greco - consonanza. Nel corso del tempo, le ouverture iniziarono a essere eseguite non solo in teatro prima dell'apertura del sipario, ma anche separatamente, come opere orchestrali indipendenti.

Alla fine del XVII - inizio XVIII Per secoli, in Italia è apparsa una brillante galassia di virtuosi del violino, che erano contemporaneamente compositori di talento. Vivaldi, Iomelli, Locatelli, Tartini, Corelli e altri, che padroneggiavano perfettamente il violino - uno strumento musicale che può essere paragonato nella sua espressività a una voce umana - crearono un vasto repertorio violinistico, principalmente da brani chiamati sonate (dal sonare italiano - suono). In essi, come nelle sonate al clavicembalo di Domenico Scarlatti, Benedetto Marcello e altri compositori, si formarono alcuni tratti strutturali comuni, che passarono poi nella sinfonia.

Era formato in modo diverso vita musicale Francia. Hanno a lungo amato la musica associata alle parole e alle azioni. L'arte del balletto era molto sviluppata; è stato coltivato un tipo speciale di opera - una tragedia lirica, simile alle tragedie di Corneille e Racine, che ha avuto l'impronta di uno specifico modo di vivere Corte reale, il suo galateo, le sue feste.

I compositori francesi gravitavano anche verso la trama, il programma, la definizione verbale della musica durante la creazione di brani strumentali. "Waving Cap", "Reapers", "Tambourine" - questo era il nome dei pezzi per clavicembalo, che erano schizzi di genere o ritratti musicali - "Graceful", "Gentle", "Hardworking", "Coquettish".

Di più grandi opere, composto da più parti, originato dalla danza. Il rigoroso allemand tedesco, mobile, come un carillon francese scorrevole, la maestosa sarabanda spagnola e il veloce gige - la danza infuocata dei marinai inglesi - sono noti da tempo in Europa. Hanno costituito la base del genere della suite strumentale (dalla suite francese - sequenza). Altre danze erano spesso incluse nella suite: minuetto, gavotta, polonaise. Un preludio introduttivo potrebbe suonare prima dell'allemand; nel mezzo della suite, un movimento misurato di danza era talvolta interrotto da un'aria libera. Ma la colonna portante della suite - quattro danze di diversi personaggi di diverse nazioni - era certamente presente in una sequenza invariabile, delineando quattro diversi stati d'animo, portando l'ascoltatore da un calmo movimento dell'inizio ad un accattivante finale rapido.

Le suite sono state scritte da molti compositori, e non solo in Francia. Anche il grande Johann Sebastian Bach ha dato loro un significativo tributo, al cui nome, oltre che alla cultura musicale tedesca dell'epoca in generale, sono associati molti generi musicali.

Nei paesi lingua tedesca, cioè numerosi regni, principati ed episcopati tedeschi (prussiani, bavaresi, sassoni, ecc.), nonché in diverse aree l'impero multinazionale austriaco, che allora comprendeva il "popolo dei musicisti" - la Repubblica Ceca asservita dagli Asburgo - la musica strumentale è stata a lungo coltivata. In ogni piccola città, città o persino villaggio c'erano violinisti e violoncellisti, la sera suonavano brani solisti e d'insieme suonati con entusiasmo da dilettanti. I centri per fare musica erano di solito chiese e scuole ad essi collegate. L'insegnante era, di regola, l'organista di chiesa, che si esibiva nei giorni festivi fantasie musicali al meglio delle loro capacità. Nei grandi centri protestanti tedeschi, come Amburgo o Lipsia, presero forma anche nuove forme di fare musica: i concerti d'organo nelle cattedrali. Questi concerti presentavano preludi, fantasie, variazioni, arrangiamenti corali e, soprattutto, fughe.

La fuga è il tipo più complesso di musica polifonica, che ha raggiunto il suo apice nelle opere di I.S. Bach e Händel. Il suo nome deriva dal latino fuga - correre. È un pezzo polifonico basato su un unico tema che passa (corre!) da voce a voce. In questo caso, ogni linea melodica è chiamata voce. A seconda del numero di tali versi, la fuga può essere a tre, quattro, cinque parti, ecc. Nella sezione centrale della fuga, dopo che il tema è suonato completamente in tutte le voci, inizia a svilupparsi: quindi il suo l'inizio appare e scompare di nuovo, quindi si espande (ognuna delle note che lo compongono diventerà due volte più lunga), quindi si restringe - questo è chiamato un argomento in aumento e un argomento in diminuzione. Può succedere che, all'interno di un tema, le mosse melodiche discendenti diventino ascendenti e viceversa (tema in circolazione). Il movimento melodico si sposta da un tasto all'altro. E nella sezione finale della fuga - la ripresa - il tema suona di nuovo senza cambiamenti, come all'inizio, tornando alla chiave principale dell'opera.

Ricordiamolo ancora: stiamo parlando della metà del XVIII secolo. Nelle viscere della Francia aristocratica si sta preparando un'esplosione, che presto spazzerà via la monarchia assoluta. Verrà un nuovo tempo. E mentre i sentimenti rivoluzionari si stanno ancora preparando solo di recente, i pensatori francesi si oppongono all'ordine esistente. Esigono l'uguaglianza di tutte le persone davanti alla legge, proclamano le idee di libertà e fratellanza.

Arte che riflette i cambiamenti vita pubblica, è sensibile ai cambiamenti nell'atmosfera politica dell'Europa. Un esempio di questo è commedie immortali Beaumarchais. Questo vale anche per la musica. È ora, in un periodo complesso irto di eventi di colossale significato storico, nelle profondità di vecchi e consolidati generi e forme musicali, sta nascendo un nuovo genere davvero rivoluzionario: la sinfonia. Diventa qualitativamente, fondamentalmente diverso, poiché incarna anche un nuovo tipo di pensiero.

Presumibilmente, non è un caso che, avendo prerequisiti in diverse aree d'Europa, il genere della sinfonia si sia finalmente formato nei paesi di lingua tedesca. In Italia arte nazionale c'era un'opera. In Inghilterra, lo spirito e il significato dei processi storici che vi si svolgevano si riflettevano più pienamente negli oratori di Georg Handel, tedesco di nascita, che divenne il compositore nazionale inglese. In Francia, altre arti sono venute alla ribalta, in particolare la letteratura e il teatro, - più concrete, che esprimono direttamente e in modo intelligibile nuove idee che hanno entusiasmato il mondo. Le opere di Voltaire, la "Nuova Eloise" di Rousseau, le "Lettere persiane" di Montesquieu in una forma velata ma piuttosto intelligibile presentavano ai lettori una critica caustica dell'ordine esistente, offrivano le proprie versioni della struttura della società.

Quando, dopo qualche decennio, si passò alla musica, tra le file delle truppe rivoluzionarie apparve una canzone. L'esempio più eclatante di ciò è il Canto dell'esercito renano dell'ufficiale Rouge de Lisle, creato durante la notte, che divenne famoso in tutto il mondo con il nome di Marsigliese. La canzone è stata seguita dalla musica delle celebrazioni di massa e delle cerimonie di lutto. E, infine, la cosiddetta "opera della salvezza", che aveva come contenuto l'inseguimento dell'eroe o dell'eroina da parte del tiranno e la loro salvezza nel finale dell'opera.

La sinfonia, d'altra parte, richiedeva condizioni completamente diverse sia per la sua formazione che per la percezione a tutti gli effetti. "Il baricentro" pensiero filosofico, che rifletteva più pienamente l'essenza profonda dei cambiamenti sociali di quell'epoca, si trovò in Germania, lontano dalle tempeste sociali.

Lì, prima Kant e poi Hegel crearono i loro nuovi sistemi filosofici. Come i sistemi filosofici, la sinfonia - il genere più filosofico, dialettico-procedurale della creatività musicale - si formò finalmente là dove arrivavano solo gli echi lontani dei temporali in arrivo. Dove, inoltre, si è sviluppata una tradizione stabile di musica strumentale.

Uno dei principali centri per l'emergere di un nuovo genere era Mannheim, la capitale dell'elettore bavarese del Palatinato. Qui, nella brillante corte dell'elettore Karl Theodor, negli anni 40-50 del XVIII secolo, era conservata un'eccellente orchestra, forse la migliore in Europa a quel tempo.

A quel tempo, l'orchestra sinfonica stava appena prendendo forma. E nelle cappelle di corte e nelle cattedrali non esistevano gruppi orchestrali dalla composizione stabile. Tutto dipendeva dai mezzi a disposizione del sovrano o del magistrato, dai gusti di chi poteva dare ordini. All'inizio, l'orchestra svolgeva solo un ruolo applicato, accompagnando sia spettacoli di corte, sia feste e cerimonie solenni. Ed è stato considerato, prima di tutto, come un'opera o un ensemble di chiesa. Inizialmente, l'orchestra era composta da viole, liuti, arpe, flauti, oboi, corni francesi, tamburi. A poco a poco, la composizione si espanse, il numero di strumenti a corda... Nel tempo, i violini soppiantarono la vecchia viola e presto presero una posizione di primo piano nell'orchestra. Strumenti a fiato - flauti, oboi, fagotti - si fusero in un gruppo separato e apparvero gli ottoni: trombe, tromboni. Uno strumento obbligatorio nell'orchestra era il clavicembalo, che crea una base armonica per il suono. Dietro di lui di solito prendeva posto il capo dell'orchestra, il quale, suonando, dava contemporaneamente istruzioni per l'introduzione.

Alla fine del XVII secolo si diffusero i complessi strumentali esistenti presso le Corti dei Nobili. Ciascuno dei tanti piccoli principi della Germania frammentata voleva avere la propria cappella. Cominciò il rapido sviluppo delle orchestre, apparvero nuovi metodi di esecuzione orchestrale.

L'orchestra di Mannheim era composta da 30 strumenti a corda, 2 flauti, 2 oboi, clarinetto, 2 fagotti, 2 trombe, 4 corni, timpani. Questa è la spina dorsale dell'orchestra moderna, la composizione per la quale molti compositori dell'era successiva hanno creato le loro opere. L'orchestra era guidata da un eccezionale musicista, compositore e virtuoso del violino ceco Jan Vaclav Stamitz. Tra gli artisti dell'orchestra c'erano anche i più grandi musicisti del loro tempo, non solo strumentisti virtuosi, ma anche compositori di talento Franz Xaver Richter, Anton Filz e altri. Hanno determinato l'eccellente livello delle capacità esecutive dell'orchestra, che è diventata famosa per le sue incredibili qualità: l'irraggiungibile uniformità dei colpi di violino, le gradazioni più sottili sfumature dinamiche, in precedenza non utilizzato affatto.

Secondo un critico contemporaneo Bossler, "l'esatta osservanza del pianoforte, forte, rinforzando, la graduale crescita e amplificazione del suono e poi ancora una diminuzione della sua forza fino a un suono appena udibile - tutto questo si poteva sentire solo a Mannheim ." Gli fa eco Bernie, un inglese amante della musica che fece un viaggio in Europa a metà del XVIII secolo: “Questa straordinaria orchestra ha abbastanza spazio e sfaccettature per mostrare tutte le sue capacità e avere un grande impatto. Fu qui che Stamitz, ispirato dalle opere di Yomelli, per la prima volta andò oltre le solite ouverture operistiche... si provarono tutti gli effetti che una tale massa di suoni può produrre. Fu qui che nacquero il crescendo e il diminuendo, e furono riconosciuti il ​​pianoforte, che in precedenza era usato principalmente come eco e di solito ne era sinonimo, e forte colori musicali che hanno le loro sfumature..."

Fu in questa orchestra che suonarono per la prima volta le sinfonie a quattro voci: composizioni costruite secondo lo stesso tipo e con leggi generali che assorbivano molte caratteristiche di generi e forme musicali preesistenti e le fondevano in una qualitativamente diversa; nuova unità.

I primi accordi sono decisi, corposi, come a richiamare l'attenzione. Poi ampi, ampi passaggi. Ancora una volta, gli accordi, sostituiti da un movimento arpeggiato, e poi - una melodia vivace, elastica, come se si dispiegasse primaverile. Sembra che possa svolgersi all'infinito, ma parte più velocemente di quanto il rumor voglia: come un ospite presentato ai padroni di casa durante un grande ricevimento, si allontana da loro, lasciando il posto ad altri che seguono. Dopo un momento di movimento generale, appare un nuovo tema: più morbido, femminile, lirico. Ma non suona a lungo, dissolvendosi nei passaggi. Dopo qualche tempo, abbiamo di nuovo il primo tema, leggermente modificato, in una nuova chiave. Un flusso di musica scorre rapidamente, tornando alla chiave originale e fondamentale della sinfonia; il secondo tema confluisce organicamente in questo flusso, avvicinandosi ora per carattere e umore al primo. Il primo movimento della sinfonia termina con accordi gioiosi dal suono pieno.

Il secondo movimento, andante, si svolge lentamente, melodiosamente, rivelando l'espressività degli strumenti a corda. Questa è una specie di aria per orchestra, dominata dai testi, dalla meditazione elegiaca.

Il terzo movimento è un minuetto elegante e galante. Crea una sensazione di relax, relax. E poi, come un turbine di fuoco, irrompe un finale incendiario. Questa è, in termini generali, la sinfonia di quel tempo. Le sue origini possono essere rintracciate molto chiaramente. Il primo movimento somiglia soprattutto a un'ouverture d'opera. Ma se l'ouverture è solo la vigilia della performance, allora qui l'azione stessa si dispiega in suoni. Le immagini musicali tipicamente operistiche dell'ouverture - fanfara eroica, commoventi lamenti, burloni burrascosi - non sono associate a specifiche situazioni sceniche e non presentano tratti individuali caratteristici (si ricordi che anche la famosa ouverture a “ Al Barbiere di Siviglia"Rossini non ha nulla a che fare con il contenuto dell'opera ed è stato originariamente scritto per un'altra opera!), Si staccò dallo spettacolo dell'opera e iniziò una vita indipendente. Sono facilmente riconoscibili nella prima sinfonia - le decise e coraggiose intonazioni delle arie eroiche nei primi temi, chiamate le principali, i teneri sospiri delle arie liriche nella seconda - i cosiddetti temi secondari.

I principi operistici si riflettono anche nella trama della sinfonia. Se prima nella musica strumentale prevaleva la polifonia, cioè la polifonia, in cui diverse melodie indipendenti, intrecciate, suonavano contemporaneamente, allora qui iniziò a svilupparsi polifonia di tipo diverso: una melodia principale (il più delle volte violino), espressiva, significativa, accompagnata da un accompagnamento che la mette in risalto, ne sottolinea l'individualità. Questo tipo di polifonia, detta omofonica, domina la prima sinfonia. Più tardi, nella sinfonia compaiono dispositivi presi in prestito dalla fuga. Tuttavia, a metà del XVIII secolo, è più probabile che si opponga a una fuga. C'era, di regola, un tema (ci sono doppie, triple e più fughe, ma in esse i temi non sono opposti, ma giustapposti). È stato ripetuto molte volte, ma nulla lo ha contraddetto. Era, in sostanza, un assioma, una tesi che è stata più volte affermata senza bisogno di prove. L'opposto nella sinfonia: nell'apparizione e negli ulteriori cambiamenti di vari temi e immagini musicali, si possono ascoltare controversie e contraddizioni. Forse è in questo che si riflette più vividamente il segno dei tempi. La verità non è più scontata. Ha bisogno di essere cercato, provato, motivato, confrontando opinioni diverse, chiarendo diversi punti di vista. Questo è ciò che fanno gli enciclopedisti in Francia. Questa è la base della filosofia tedesca, in particolare del metodo dialettico di Hegel. E lo stesso spirito dell'era della ricerca si riflette nella musica.

Quindi, la sinfonia ha preso molto dall'ouverture dell'opera. In particolare, l'ouverture ha anche delineato il principio delle sezioni contrastanti alternate, che nella sinfonia si sono trasformate in parti indipendenti. Nella sua prima parte - lati diversi, sentimenti diversi di una persona, vita nel suo movimento, sviluppo, cambiamenti, contrasti e conflitti. Nella seconda parte - riflessione, concentrazione, a volte - testi. Nel terzo - relax, divertimento. E, infine, il finale - immagini di divertimento, giubilo e allo stesso tempo - il risultato sviluppo musicale, completamento del ciclo sinfonico.

Tale sinfonia sarà formata all'inizio del XIX secolo, tale, nei termini più generali, sarà, ad esempio, in Brahms o Bruckner. E al momento della sua nascita, a quanto pare ha preso in prestito le molte parti della suite.

Allemand, Couranta, Sarabande e Gigue - quattro danze obbligatorie, quattro diversi stati d'animo, facilmente rintracciabili nelle prime sinfonie. La danza in essi si esprime molto chiaramente, soprattutto nei finali, che, per la natura della melodia, il tempo, persino la misura della misura, somigliano spesso a una giga. È vero, a volte il finale di una sinfonia è più vicino al finale scintillante di un'opera buffa, ma anche allora il suo rapporto con la danza, ad esempio la tarantella, è senza dubbio. Quanto alla terza parte, si chiama minuetto. Solo nell'opera di Beethoven lo scherzo sostituirà la danza - il galante cortigiano o la rude gente comune -.

Così, la neonata sinfonia ha assorbito le caratteristiche di molti generi musicali, e generi nati in paesi diversi Oh. E la formazione della sinfonia ha avuto luogo non solo a Mannheim. C'era la Scuola di Vienna, rappresentata, in particolare, da Wagenzeil. In Italia, Giovanni Battista Sammartini scrisse opere orchestrali, che chiamò sinfonie e destinate all'esecuzione di concerti non associati a uno spettacolo d'opera. In Francia, un giovane compositore di origine belga, François-Joseph Gossek, si è rivolto al nuovo genere. Le sue sinfonie non incontrarono risposta e riconoscimento, poiché la programmaticità prevaleva nella musica francese, ma il suo lavoro ebbe un ruolo nella formazione della sinfonia francese, nel rinnovamento e nell'espansione dell'orchestra sinfonica. Il compositore ceco František Micha, che un tempo prestava servizio a Vienna, sperimentò ampiamente e con successo nella sua ricerca della forma sinfonica. Il suo famoso connazionale Josef Myslevichka ha fatto esperimenti interessanti. Tuttavia, tutti questi compositori erano solitari e a Mannheim si formò un'intera scuola, che aveva anche uno "strumento" di prima classe a sua disposizione: la famosa orchestra. Grazie a felice occasione che l'Elettore del Palatinato era un grande amante della musica e disponeva di fondi sufficienti per permetterne le ingenti spese, nella capitale del Palatinato si radunarono grandi musicisti provenienti da diversi paesi - austriaci e cechi, italiani e prussiani - ognuno dei quali contribuì alla creazione di un nuovo genere. Nelle opere di Jan Stamitz, Franz Richter, Carlo Toeschi, Anton Filz e altri maestri, la sinfonia sorse in quelle caratteristiche di base, che poi passarono nell'opera dei classici viennesi: Haydn, Mozart, Beethoven.

Così, durante il primo mezzo secolo di esistenza del nuovo genere, si è sviluppato un chiaro modello strutturale e drammatico, capace di accogliere un contenuto vario e molto significativo. La base di questo modello era la forma, chiamata sonata, o sonata allegro, poiché molto spesso era scritta a questo tempo, e in seguito tipica sia per la sinfonia che per la sonata e il concerto strumentale. La sua particolarità è la giustapposizione di vari temi musicali, spesso contrastanti. Le tre sezioni principali della forma sonata - esposizione, sviluppo e ricapitolazione - assomigliano all'apertura, allo sviluppo dell'azione e all'epilogo di un dramma classico. Dopo una breve introduzione o subito all'inizio dell'esposizione, i "personaggi" dello spettacolo passano davanti al pubblico.

Il primo tema musicale che suona nella tonalità principale del brano è detto principale. Più spesso - il tema principale, ma più correttamente - la parte principale, poiché all'interno della parte principale, cioè un certo segmento della forma musicale, unita da una tonalità e comunità figurativa, nel tempo, non una, ma diverse melodie diverse cominciò ad apparire. Dopo il lotto principale, nei primi campioni per confronto diretto e nei campioni successivi tramite un piccolo lotto di collegamento, inizia un lotto secondario. Il suo tema o due o tre diversi argomenti contrasto con quello principale. Molto spesso, la parte laterale è più lirica, morbida, femminile. Suona in una chiave diversa da quella principale, secondaria (da cui il nome della parte). Nasce un senso di instabilità e talvolta di conflitto. L'esposizione si conclude con la parte finale, che nelle prime sinfonie o è assente, o svolge un ruolo puramente di servizio come una specie di punto, un sipario dopo il primo atto del dramma, e successivamente, a partire da Mozart, acquista il significato di una terza immagine indipendente, insieme all'immagine principale e secondaria.

La sezione centrale della forma sonata è lo sviluppo. Come mostra il nome, in esso i temi musicali che gli ascoltatori hanno familiarizzato nell'esposizione (cioè quelli esposti in precedenza) vengono sviluppati, subiscono cambiamenti e sviluppi. Allo stesso tempo, vengono mostrati da lati nuovi, a volte inaspettati, vengono modificati, i motivi separati vengono isolati da loro - i più attivi, che in seguito si scontrano. Lo sviluppo è una sezione drammaticamente efficace. Alla fine arriva il culmine, che porta a una ripresa - la terza sezione della forma, una sorta di epilogo del dramma.

Il nome di questa sezione deriva dalla parola francese reprendre - riprendere. È un rinnovamento, una ripetizione dell'esposizione, ma alterata: entrambe le parti ora suonano nella chiave principale della sinfonia, come se fossero portate a un accordo dagli eventi dello sviluppo. A volte ci sono altri cambiamenti nella ripresa. Ad esempio, può essere troncato (senza nessuno dei temi che risuonavano nell'esposizione), specchiato (prima i suoni laterali e solo dopo festa principale). Il primo movimento della sinfonia di solito termina con una coda - una conclusione che afferma la tonalità di base e l'immagine di base della sonata allegro. Nelle prime sinfonie, la coda non è ampia ed è, in sostanza, una parte finale alquanto sviluppata. Più tardi, ad esempio, in Beethoven, acquista proporzioni significative e diventa una sorta di secondo sviluppo, in cui ancora una volta, nella lotta, si ottiene un'affermazione.

Questa forma si è rivelata veramente universale. Dai giorni dell'inizio della sinfonia fino ad oggi, incarna con successo il contenuto più profondo, trasmette l'inesauribile ricchezza di immagini, idee, problemi.

Il secondo movimento della sinfonia è lento. Questo è di solito il centro lirico del ciclo. La sua forma è diversa. Molto spesso è in tre parti, cioè ha sezioni estreme simili e un mezzo in contrasto con esse, ma può essere scritto sotto forma di variazioni o qualsiasi altra, fino a una sonata, che differisce strutturalmente dal primo allegro solo con un ritmo più lento e uno sviluppo meno efficace.

Il terzo movimento - nelle prime sinfonie del minuetto e da Beethoven ad oggi - lo scherzo - è solitamente una forma complessa in tre parti. Il contenuto di questa parte è stato modificato e complicato nel corso dei decenni dalla danza quotidiana o di corte ai monumentali scherzi potenti. 19esimo secolo e ancora, alle formidabili immagini del male, della violenza nei cicli sinfonici di Shostakovich, Honegger e altri sinfonisti del XX secolo. Dalla seconda metà del XIX secolo, lo scherzo cambia sempre più posto con il movimento lento, che, secondo il nuovo concetto di sinfonia, diventa una sorta di reazione emotiva non solo agli eventi del primo movimento, ma anche a mondo figurato scherzo (in particolare, nelle sinfonie di Mahler).

Il finale, che è il risultato del ciclo, nelle prime sinfonie è spesso scritto sotto forma di rondò-sonata. L'alternanza di episodi allegri, frizzanti e divertenti con un invariabile ritornello di danza - questa struttura derivava naturalmente dalla natura delle immagini del finale, dalla sua semantica. Nel tempo, con l'approfondimento dei problemi della sinfonia, gli schemi della struttura del suo finale hanno cominciato a cambiare. I finali iniziarono ad apparire in forma sonata, sotto forma di variazioni, in forma libera e infine - con caratteristiche di oratorio (con l'inclusione di un coro). Anche le sue immagini sono cambiate: non solo affermazione della vita, ma a volte un esito tragico (Sesta sinfonia di Ciajkovskij), riconciliazione con la realtà crudele o allontanamento da essa nel mondo dei sogni, le illusioni sono diventate il contenuto del finale del ciclo sinfonico nel ultimi cento anni.

Ma torniamo all'inizio del glorioso percorso di questo genere. Sorto a metà del XVIII secolo, ha raggiunto la sua completezza classica nell'opera del grande Haydn.

dal greco. simponia - consonanza

Un brano musicale per orchestra, prevalentemente sinfonico, solitamente in forma sonata-ciclica. Di solito è composto da 4 parti; ci sono S. con più e meno parti, fino a una parte. A volte in S., oltre all'orchestra, vengono introdotti un coro e un wok solista. voci (da cui la via a S.-cantata). Ci sono spartiti per archi, da camera, fiati e altre composizioni per orchestra, per orchestra con uno strumento solista (S.-concerto), organo, coro (S. corale) n vok. complesso (stazione C). Concert Symphony - S. con strumenti da concerto (solisti) (da 2 a 9), strutturalmente legati al concerto. S. si accosta spesso ad altri generi: S.-suite, S.-rapsodia, S.-fantasy, S.-ballad, S.-leggenda, S.-poesia, S.-cantata, S.-requiem, S.- balletto, S.-dramma (una specie di cantata), teatro. S. (genere honer). Per la natura di S. può essere accostato anche alla tragedia, al dramma, alla lirica. poesia, eroico. epico, avvicinati al ciclo delle muse di genere. gioca, rappresenterà una serie. muse. immagini. Tipico combina il contrasto delle parti con l'unità del disegno, la molteplicità delle immagini diverse con l'integrità delle muse. Dramma. S. occupa nella musica lo stesso posto di un dramma o di un romanzo in letteratura. Come il più alto tipo di strumento. musica supera tutti gli altri suoi tipi nelle più ampie possibilità di mezzi di incarnazione. idee e una ricchezza di stati emotivi.

In origine, nel dott. Grecia, la parola "S." significava una combinazione armoniosa di toni (quarta, quinta, ottava), così come canto comune (ensemble, coro) all'unisono. Più tardi, nel dott. Roma, divenne il nome di instr. complesso, orchestra. Di mercoledì. secolo S. fu inteso come un instr laico. musica (in questo senso il termine era usato in Francia già nel XVIII secolo), a volte musica in generale; inoltre, alcune muse furono chiamate così. strumenti (es. lira a ruote). Nel XVI secolo. questa parola è usata nel titolo. raccolta di mottetti (1538), madrigali (1585), insegnante di canto. composizioni ("Sacrae symphoniae" - "Sacre sinfonie" G. Gabrieli, 1597, 1615) e poi instr. polifonico commedie (inizio XVII secolo). È assegnato a polyhead. (spesso accordi) episodi come un'introduzione o un interludio nel wok. e istr. opere, in particolare per le intro (ouverture) di suite, cantate e opere. Tra le S. operistiche (ouvertures), si delinearono due tipi: veneziano - di due sezioni (lenta, solenne e veloce, fuga), poi sviluppata in francese. ouverture, e il napoletano - a tre sezioni (veloce - lento - veloce), introdotto nel 1681 da A. Scarlatti, che però utilizzò altre combinazioni di parti. Sonata ciclica la forma diventa gradualmente dominante in S. e riceve in essa uno sviluppo particolarmente multiforme.

In disparte ca. 1730 dall'opera dove l'orco. l'introduzione è stata conservata sotto forma di ouverture, la pagina è diventata indipendente. specie di orco. musica. Nel XVIII secolo. lo soddisferà come base. composizione erano stringhe. strumenti, oboi e corni francesi. Lo sviluppo di S. è stato influenzato dal decomp. tipi di orchi. e musica da camera - un concerto, una suite, una trio-sonata, una sonata, ecc., nonché un'opera con i suoi ensemble, cori e arie, la cui influenza su melodia, armonia, struttura e immaginario è abbastanza evidente. Quanto specifico. il genere S. maturò com'era dissociandosi da altri generi musicali, in particolare teatrale, acquisendo autonomia nel contenuto, nella forma, nello sviluppo dei temi, creando quel metodo di composizione, che poi prese il nome di sinfonia e, a sua volta, rese un impatto enorme a molte aree di muse. creatività.

La struttura di S. ha subito un'evoluzione. S. si basava sul ciclo in 3 parti di tipo napoletano. Spesso seguendo l'esempio dei veneziani e dei francesi. Le aperture in S. includevano una lenta introduzione al primo movimento. Più tardi, un minuetto entrò in S. - prima come fine di un ciclo di 3 parti, poi come una delle parti (di solito la terza) di un ciclo di 4 parti, nel finale del quale, di regola, il rondò o rondò forma sonata è stato utilizzato. Dai tempi di L. Beethoven, il minuetto è stato sostituito dallo scherzo (3°, a volte 2° movimento), dai tempi di G. Berlioz - e dal valzer. La forma sonata, che è la più importante per S., è usata principalmente nel primo movimento, talvolta anche nel lento e nell'ultimo movimento. Nel XVIII secolo. S. ne coltivava molti. maestro. Tra questi ci sono gli italiani J. B. Sammartini (85 C., c. 1730-70, di cui 7 perduti), compositori della scuola di Mannheim, in cui i cechi occupavano una posizione di primo piano (F.K. Richter, J. Stamitz, ecc. . ), rappresentanti della cd. scuola viennese preclassica (o precoce) (M. Monne, G. K. Wagenzeil e altri), il belga F. J. Gossek, che lavorò a Parigi, il fondatore dei francesi. S. (29 pp., 1754-1809, compreso "Hunting", 1766; inoltre, 3 pp. Per un'orchestra di spiriti). Classico tipo C. è stato creato da Austr. comp. J. Haydn e W.A. Mozart. Nell'opera del "padre della sinfonia" Haydn (104 pp., 1759-95), fu completata la formazione del Do. Dal genere della musica quotidiana divertente, si trasformò nel tipo dominante di serio strumentale. musica. Stabilito e stabilito. caratteristiche della sua struttura. S. si è sviluppato come una sequenza di contrasti interni, sviluppati intenzionalmente e uniti da un'idea comune di parti. Mozart ha introdotto il dramma in S. tensione e lirismo appassionato, grandezza e grazia, le diedero un'unità stilistica ancora maggiore (c. 50 C, 1764 / 65-1788). Il suo ultimo S.- Mi maggiore, sol minore e Do maggiore ("Giove") - il più alto risultato della sinfonia. causa 18 ° secolo L'esperienza creativa di Mozart si riflette nelle opere successive. Haydn. Il ruolo di L. Beethoven, che completò la scuola classica viennese (9 p., 1800-24), è particolarmente grande nella storia di S.. Il suo 3° ("Eroico", 1804), 5° (1808) e 9° (con quartetto vocale e coro nel finale, 1824) S. sono esempi di eroicità. sinfonia indirizzata alle masse, incarnazione della rivoluzione. cuccetta pathos combattimento. La sua 6a S. ("Pastorale", 1808) è un esempio di sinfonia programmatica (cfr. Musica del programma), e 7th S. (1812), nelle parole di R. Wagner, - "l'apoteosi della danza". Beethoven ha ampliato la portata di S., dinamizzato il suo dramma, e approfondito la dialettica della tematica. sviluppo, arricchito int. sistema e significato ideologico di S.

Per l'Austria ed esso. compositori romantici 1° piano. 19esimo secolo generi tipici della lirica ("Incompiuta" Sinfonia di Schubert, 1822) ed epica (l'ultima è l'ottava sinfonia di Schubert) S, così come la musica paesaggistica e quotidiana con colori nat. colorazione ("italiano", 1833 e "scozzese", 1830-42, Mendelssohn-Bartholdi). Anche la psicologia è cresciuta. la ricchezza di S. (4 sinfonie di R. Schumann, 1841-51, in cui i movimenti lenti e lo scherzo sono più espressivi). La tendenza alla spontaneità, che è già emersa tra i classici. passaggio da una parte all'altra e definizione della tematica. la connessione tra i movimenti (ad esempio, nella 5a sinfonia di Beethoven) si è intensificata tra i romantici, e apparve il Do, in cui i movimenti si susseguono senza pause (Sinfonia "scozzese" di Mendelssohn-Bartholdi, 4a sinfonia di Schumann).

Il periodo d'oro dei francesi. S. si riferisce al 1830-40, quando ci sono opere innovative. G. Berlioz, il creatore del romantico. software C basato su lit. trama (5 voci "Fantastico" C, 1830), S.-concerto ("Harold in Italia", per viola e orchestra, di J. Byron, 1834), S.-oratorio ("Romeo e Giulietta", dram. S. in 6 parti, con solisti e coro, da W. Shakespeare, 1839), "Sinfonia funebre e trionfale" (marcia funebre, assolo di trombone "oratorio" e apoteosi - per orchestra di spiriti o orchestra sinfonica, a volontà - e coro, 1840). Berlioz è caratterizzato da una grandiosa scala di produzione, una composizione colossale dell'orchestra, una strumentazione colorata con sottili sfumature. Filosofico ed etico. il problema si rifletteva nelle sinfonie di F. Liszt ("Faust Symphony", ma di JV Goethe, 1854, con coro conclusivo, 1857; "S. alla Divina Commedia" Dante", 1856). Come antipode alla direzione programmatica di Berlioz e Liszt, ha recitato. komi. I. Brahms, che ha lavorato a Vienna. Nel suo 4 S. (1876-85), sviluppa le tradizioni di Beethoven e romantiche. sinfonia, classica combinata. armonia e varietà degli stati emotivi. Simile nello stile. aspirazioni e allo stesso tempo individuali francesi. S. dello stesso periodo - 3° S. (con organo) di C. Saint-Saens (1887) e S. d-moll di S. Frank (1888). In S. "Dal Nuovo Mondo" di A. Dvořák (ultimo, cronologicamente 9th, 1893), non solo le muse ceche, ma anche negre e indiane furono rifratte. elementi. Concetti ideologici significativi di Austr. sinfonisti A. Bruckner e G. Mahler. Opere monumentali Bruckner (8 S., 1865-1894, 9a non finita, 1896) si caratterizza per la ricchezza della polifonia. tessuti (l'influenza dell'arte organizzativa e, forse, dei drammi musicali di R. Wagner), la durata e il potere degli accumuli emotivi. Per la sinfonia di Mahler (9 C., 1838-1909, di cui 4 con il canto, compresa l'ottava - "sinfonia dei mille partecipanti", 1907; la decima non è terminata, un tentativo di completarla secondo schizzi è stato intrapreso da D Cook 1960; S.-cantata "Song of the Earth" con 2 cantanti solisti, 1908) caratterizzata dalla gravità dei conflitti, dal pathos sublime e dalla tragedia, che esprime novità. fondi. Come se fosse un contrappeso alle loro grandi composizioni che utilizzano la ricca esibizione. compaiono una sinfonia da camera e una symphonietta.

Autori di spicco del XX secolo in Francia - A. Roussel (4 S., 1906-34), A. Honegger (svizzero per nazionalità, 5 S., 1930-50, compreso il 3° - "Liturgico", 1946, 5° - S. "tre re" , 1950), D. Millau (12 S., 1939-1961), O. Messiaen ("Turangalila", in 10 parti, 1948); in Germania - R. Strauss ("Casa", 1903, "Alpino", 1915), P. Hindempt (4 S., 1934-58, incluso il 1 ° - "Artist Matis", 1934, 3- I - "Armonia di the World", 1951), KA Hartman (8 S., 1940-62), e altri. Il contributo allo sviluppo di S. è stato dato dallo svizzero H. Huber (8 S., 1881-1920, incl. . 7th - "Svizzera", 1917), i norvegesi K. Sinding (4 S., 1890-1936), H. Severud (9 S., 1920-1961, incluso l'antifascista di design 5-7-i, 1941-1945) , K. Egge (5 S., 1942-69), Dane K. Nielsen (6 S., 1891-1925), Finn J. Sibelius (7 S., 1899-1924), rumeno J. Enescu (3 S. , 1905-19), l'olandese B. Peiper (3 S., 1917-27) e H. Badings (10 S., 1930-1961), lo svedese H. Rosenberg (7 S., 1919-69 e S. per spirito e strumenti a percussione, 1968), l'italiano JF Malipiero (11 S., 1933-69), l'inglese R. Vaughan Williams (9 S., 1909-58), B. Britten (S. Requiem, 1940, "Spring " S. per cantanti solisti, coro misto, coro di ragazzi e orchestra sinfonica, 1949), americani C. Ives (5 S., 1898-1913), W. Piston (8 S., 1937-65) e R. Harris (12 C, 1933-69), braz ilets E. Vila Lobos (12 S., 1916-58) e altri Un'ampia varietà di tipi C. XX secolo. per la pluralità dei creativi. indicazioni, nat. scuole, collegamenti folcloristici. Moderno S. sono anche diversi per struttura, forma, carattere: tendenti all'intimità e, al contrario, alla monumentalità; non diviso in parti e composto da plurale. parti; trad. magazzino e composizione libera; per la solita sinfonia. orchestra e per composizioni insolite, ecc. Una delle tendenze della musica del XX secolo. associato alla modifica delle vecchie muse pre-classiche e prima classiche. generi e forme. È stato reso omaggio a SS Prokofiev nella sua "Sinfonia classica" (1907) e I. F. Stravinsky nella sinfonia in do e "Sinfonia in tre movimenti" (1940-45). In un certo numero di S. 20 ° secolo. un allontanamento dalle norme precedenti si rivela sotto l'influenza dell'atonalismo, dell'atematismo e di altri nuovi principi di composizione. A. Webern ha costruito S. (1928) su una serie di 12 toni. Tra i rappresentanti delle "avanguardie" S. viene soppiantato da vari. nuovi generi e forme sperimentali.

Il primo tra i russi. compositori si sono rivolti al genere di S. (tranne D.S.Bortnyansky, la cui "Concert Symphony", 1790, è stata scritta per ensemble da camera) Michea. Y. Vielgorsky (la sua seconda S. eseguita nel 1825) e AA Alyabyev (la sua C. a una parte in e-moll, 1830, e un tipo di suite C. Es-dur non datato in 3 parti, con 4 corni da concerto sono stati conservati ), in seguito A. G. Rubinshtein (6 S., 1850-86, incluso 2 ° - "Oceano", 1854, 4 ° - "Drammatico", 1874). MI Glinka, autore dell'incompiuta S.-ouverture in fondo al russo. temi (1834, completato nel 1937 da V. Ya. Shebalin), ha avuto un'influenza decisiva sulla formazione dello stile. maledetto rus. S. con tutta la sua sinfonia. creatività, in cui dominano composizioni di altri generi. In S.rus. autori pronunciato nat. personaggio, vengono catturate immagini di cuccette. vita, storico. eventi, si riflettono i motivi della poesia. Dei compositori di The Mighty Handful, N. A. Rimsky-Korsakov fu il primo come autore di S. (3 S., 1865-74). Il creatore del russo. epico. S. era A.P. Borodin (2 S., 1867-76; 3 incompiuto, 1887, parzialmente registrato dalla memoria di A.K. Glazunov). Nel suo lavoro, specialmente in "Heroic" (2nd) S., Borodin ha incarnato le immagini di un gigantesco tavolato. forza. Tra le più alte conquiste del sinfonismo mondiale - l'uomo. PI Tchaikovsky (6 S., 1800-93, e programma S. "Manfred", di J. Byron, 1885). 4°, 5° e soprattutto 6° ("Patetico", con finale lento) S., di natura lirico-drammatica, acquisiscono potenza tragica nell'espressione delle collisioni della vita; sono con un profondo psicologico. con la penetrazione trasmettono una ricca gamma di esperienze umane. Linea epica. S. è stato continuato da A. K. Glazunov (8 S., 1881-1906, incluso il 1 ° - "Slavyanskaya"; 9 incompiuto, 1910, - una parte, strumentata da G. Ya. Yudin nel 1948) , 2 S. scritto da MA Balakirev (1898, 1908), 3 S. - RM Glier (1900-11, 3 ° - "Ilya Muromets"). Le sinfonie ti attraggono con testi sinceri. S. Kalinnikov (2 S., 1895, 1897), profonda concentrazione di pensiero - S. c-moll S. I. Taneyev (1°, anzi 4°, 1898), dram. patetico - sinfonie di S. V. Rachmaninov (3 S., 1895, 1907, 1936) e A. N. Skryabin, creatore del primo in sei parti (1900), del secondo in cinque parti (1902) e del terzo in tre ("Il poema divino" , 1904), contraddistinto da un drammaturgo speciale. integrità e forza espressiva.

S. occupa un posto importante nei gufi. musica. Nel lavoro dei gufi. i compositori ricevettero uno sviluppo particolarmente ricco e vivido delle alte tradizioni della musica classica. sinfonia. I gufi si rivolgono a S. compositori di tutte le generazioni, a partire dai maestri senior - N. Ya. 1952), e termina con i giovani compositori di talento. La figura di spicco nel campo dei gufi. S. - D. D. Shostakovich. Nelle sue 15 pagine (1925-71) si rivelano le profondità della coscienza umana e la fermezza della morale. forze armate (5° - 1937, 8° - 1943, 15° - 1971), che incarnano temi emozionanti del nostro tempo (7° - la cosiddetta Leningrado, 1941) e della storia (11° - "1905", 1957; 12° - "1917", 1961 ), alta umanistica. gli ideali si oppongono alle cupe immagini di violenza e male (5-parte 13, su parole di E. A. Yevtushenko, per basso, coro e orchestra, 1962). Tradizione in via di sviluppo. e moderno tipi di struttura S., il compositore, insieme a un ciclo di sonate liberamente interpretabile (alcuni suoi S. sono caratterizzati da una sequenza: lento - veloce - lento - veloce), utilizza altre strutture (ad esempio, nell'XI - " 1905"), attrae la voce umana (solisti, coro). Nell'undicesima parte 14 S. (1969), dove il tema della vita e della morte si rivela in un ampio contesto sociale, due voci cantanti sono assoli, supportate da archi. e soffiare. utensili.

I rappresentanti di numerosi lavoratori stanno lavorando produttivamente nella regione S.. nazionale rami di gufi. musica. Tra loro ci sono importanti maestri di gufi. musica, come A. I. Khachaturyan - il braccio più grande. sinfonista, autore di S. colorito e capriccioso (1° - 1935, 2° - "S. con campana", 1943, 3° - S.-poesia, con organo e 15 trombe aggiuntive, 1947); in Azerbaigian - K. Karaev (la sua 3a S., 1965), in Lettonia - J. Ivanov (15 C, 1933-72), ecc. Vedi la musica sovietica.

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Ascoltiamo e comprendiamo la sinfonia

Qual è la differenza tra musica classica, accademica, sinfonica e filarmonica? È possibile quartetto d'archi Consideriamo un'orchestra e una tale "orchestra" può essere chiamata violino? Le risposte a queste e ad altre domande popolari sulle sinfonie possono essere trovate nel materiale del portale Kultura.RF.

Andiamo al concerto

Ilya Repin. compositori slavi. 1872. Conservatorio statale di Mosca intitolato a P.I. ajkovskij

Un concerto sinfonico standard consiste in un'ouverture e un concerto per strumento (più spesso per pianoforte o violino) con un'orchestra nel primo movimento e la sinfonia stessa nel secondo. Il più delle volte, eseguono o ouverture da noti opere teatrali, o avere una propria trama, che consente anche ad ascoltatori completamente impreparati di percepire la musica - a livello semantico non musicale. I compositori scrivono anche concerti strumentali in vista della percezione del pubblico di massa. Con una sinfonia, tutto sembra molto più complicato, ma questo è solo a prima vista.

Le prime sinfonie nella forma a cui siamo abituati, sono apparse ai tempi di Joseph Haydn e in gran parte grazie a lui. La stessa parola "sinfonia", ovviamente, esisteva molto prima del compositore: nella traduzione dal greco significava "suono congiunto [armonioso]" e serviva a denotare una varietà di forme e generi musicali. Ma fu proprio nell'opera di Haydn, il primo di Classici viennesi- la sinfonia è diventata quello che è ora.

Quasi tutte le sinfonie sono costruite secondo lo stesso schema e, di fatto, raccontano lo stesso tipo di trama. Questo schema è solitamente chiamato ciclo sonata-sinfonico, è composto da quattro parti musicali indipendenti. Questi singoli brani musicali letteralmente allineare, come le strutture architettoniche, secondo leggi matematiche ben precise e precise. Erano queste le leggi che l'eroe dell'opera di Puskin, Salieri, aveva in mente quando diceva che "credeva l'armonia con l'algebra".

In cosa consiste una sinfonia?

Henryk Semiradsky. Chopin nel salone del principe Anton Radziwill a Berlino nel 1829 (particolare). 2 ° piano XIX secolo. Museo statale russo

Prima parte le sinfonie sono talvolta chiamate "sonata allegro", come è scritto in forma sonata e va, di regola, a un ritmo veloce. La trama della forma sonata è composta da tre grandi sezioni: esposizione, sviluppo e ripresa.

V esposizione Due temi contrastanti suonano in modo coerente: la parte principale è solitamente più attiva e la parte laterale è spesso più lirica. V sviluppando questi temi si intrecciano e interagiscono tra loro in qualche modo a discrezione del compositore. UN ripresa riassume questa interazione: in essa la parte principale suona nella sua forma originale e la parte laterale cambia sotto l'influenza di quella principale. Ad esempio, se nell'esposizione era lirico, nella ripresa diventa tragico (se la sinfonia è scritta in chiave minore) o, al contrario, eroico (per una sinfonia maggiore).

L'intrigo principale della sinfonia è come il compositore sviluppa la trama tipica. E in un pezzo già familiare, puoi prestare particolare attenzione all'interpretazione della musica da parte dell'uno o dell'altro direttore: è simile a guardare nuovo adattamento cinematografico famoso romanzo.

Seconda parte le sinfonie sono lente, meditative in natura. È una comprensione dei drammatici colpi di scena della prima parte - come riposo dopo una tempesta o come necessaria ma lenta guarigione da una forte febbre.

La terza parte conduce Conflitto interno sinfonie a risoluzione mediante movimento esterno. Ecco perché i compositori del XVIII secolo lo scrivevano tradizionalmente nel ritmo a tre tempi dell'allora popolare danza del minuetto. La forma del minuetto era tradizionalmente in tre parti, la cui terza sezione ripeteva letteralmente la prima secondo lo schema "A - B - A". Questa ripetizione a volte non veniva nemmeno trascritta nelle note, e dopo la seconda sezione si scriveva semplicemente "da capo": questo significava che dovevi suonare tutta la prima sezione dall'inizio.

Dai tempi di Ludwig van Beethoven, il minuetto è stato talvolta sostituito da uno scherzo veloce e vivace (tradotto dall'italiano - "scherzo"), ma anche in questi casi, il terzo movimento della sinfonia standard ha spesso mantenuto il ritmo a tre tempi e la forma obbligatoria in tre parti "da capo".

Infine, l'impetuoso quarta parte o il finale le sinfonie riportano emotivamente e significativamente l'ascoltatore al "ciclo della vita". Questo è facilitato da forma musicale rondo(dal francese rondeau - "cerchio"), in cui sono spesso scritte le finali delle sinfonie classiche. Il principio del rondò si basa su ritorni periodici, per così dire in un cerchio, del tema principale ( ritornello), intervallati da altri frammenti musicali ( Episodi). La forma del rondò è una delle più snelle e positive, ed è questo che contribuisce al carattere di affermazione della vita della sinfonia nel suo insieme. ...

Non ci sono regole senza eccezioni

Peter Williams. Ritratto di Dmitry Shostakovich. 1947. Museo Centrale cultura musicale intitolata a M.I. Glinka

La forma tipica descritta è tipica della stragrande maggioranza delle sinfonie create dalla fine del XVII secolo ai giorni nostri. Tuttavia, non esistono regole senza eccezioni.

Se qualcosa va "non secondo i piani" in una sinfonia, questo riflette sempre un'intenzione speciale del compositore, e non la sua mancanza di professionalità o ignoranza. Ad esempio, se la parte lenta ("comprensione") di una sinfonia cambia posto con un minuetto o uno scherzo, come spesso accade con i compositori romantici del XIX secolo, ciò può significare che l'autore ha spostato l'enfasi semantica dell'intero sinfonia "interiore", poiché è nel terzo quarto del musical l'opera è il punto della "sezione aurea" e il culmine semantico dell'intera forma.

Un altro esempio di deviazione dalla forma tipica è un altro movimento aggiunto "sopra il piano", come nella sinfonia dell'Addio (45°) di Joseph Haydn, dove il tradizionale finale veloce è seguito da un quinto movimento lento, durante l'esecuzione del quale i musicisti si fermano suonano e lasciano il palco, spegnendo le candele attaccate ai loro leggii. Con questa violazione della forma canonica, Haydn, essendo il capo dell'orchestra di corte del principe Esterhazy, ha richiamato l'attenzione del suo datore di lavoro sul fatto che i musicisti non erano stati pagati per molto tempo ed erano letteralmente pronti a lasciare il orchestra. Il principe, che conosceva perfettamente la forma di una sinfonia classica, capì un sottile accenno e la situazione si risolse a favore dei musicisti.

Orchestra Sinfonica