Immagine musicale. Caratteristiche del discorso musicale

Immagine musicale - questo è mezzi combinati, musicali ed espressivi, condizioni sociali e storiche di creazione, caratteristiche di costruzione, stile compositore. Le immagini musicali sono:

Immagini liriche di sensi, sensazioni;

Descrizione epica;

Conflitti drammatici, collisioni;

Favolosi fiabe, irreale;

Comico e divertente e / ecc. Usando le possibilità più ricche del linguaggio musicale, il compositore crea un'immagine musicale in cui

incarnare alcune idee creative, un particolare contenuto.

Immagini liriche

I testi della Parola derivano dalla parola "Lira" - questo è un antico strumento su cui i cantanti hanno giocato (stupri), una narrativa di vari eventi ed emozioni con esperienza.

Testi - Un monologo dell'eroe in cui racconta le sue esperienze.

L'immagine lirica rivela il singolo mondo spirituale del creatore. Non ci sono eventi nel lavoro lirico, a differenza del dramma e dell'epica - solo confessione dell'eroe lirico, la sua percezione personale di vari fenomeni. Quali sono le proprietà principali dei testi:

Umore

Nessun effetto drammatico / .. Immagini

Drama (greco Δρα'μα - azione) è una delle nascite della letteratura (insieme ai testi, all'epico, nonché liberale), trasmettendo eventi attraverso i dialoghi dei personaggi. Dal momento che antichi tempi, esistevano in forma folk o letteraria tra le varie nazioni.

Drama - un prodotto che raffigura il processo di azione.

Il soggetto principale dell'arte drammatica era le passioni umane nelle loro manifestazioni più sorprendenti.

Le principali proprietà del dramma:

L'uomo è in una situazione difficile e pesante che sembra senza speranza

Lui / è cercare / out / out / questa / situazione

Entra nel combattimento - con i suoi nemici, o con la stessa situazione in questo modo, l'eroe drammatico, a differenza dei lirici, atti, combatte, come risultato di questa lotta, vince, o muore, ... totale.

Nel dramma in primo piano - non sentimenti, ma azioni. Ma queste azioni possono essere causate dai sentimenti e dai sentimenti molto forti - passioni. L'eroe sotto la regola di questi sentimenti rende azioni attive.

Quasi tutti gli eroi Shakespeare si riferiscono a immagini drammatiche: Amleto, Otello, Macbeth.

Sono tutti sopraffatti da forti passioni, sono tutti in una situazione difficile.

Amleto tormenta l'odio per gli assassini di suo padre e il desiderio di vendicarsi;

Otello soffre di gelosia;

Macbeth è molto ambizioso, il suo problema principale è una sete di potere, a causa del quale è risolto sull'uccisione del re.

Il dramma è impensabile senza un eroe drammatico: è il suo nervo, fuoco, fonte. La vita è posta intorno, come l'acqua, infuriarsi sotto l'azione della vite della nave. Anche se l'eroe è inattivo (come Amleto), allora questa è l'inazione esplosiva. "L'eroe sta cercando una catastrofe. Senza catastrofe, l'eroe è impossibile." Chi è lui - un eroe drammatico? Passione slave. Non sta cercando, e lei lo trascina in una catastrofe.

Lavori che incarnano immagini drammatiche: 1. Tchaikovsky "Peak Lady"

"Peak Lady" - Opera basata sullo stesso nome A. S. Pushkin. Immagini epiche

EPOS, [greco. EPOS - Word]

Il lavoro epico è di solito un poema che racconta l'eroico. Atti.

Le origini della poesia epica sono radicate nelle narrazioni preistoriche sugli dei e ad altri esseri soprannaturali.

EPOS - passato, perché racconta sugli eventi passati nella vita del popolo, sulla sua storia e degli exploit;

Testi - Presente, perché il suo oggetto - sentimenti e stati d'animo;

Dramma - il futuro, perché In esso, la cosa principale è che gli eroi stanno cercando di risolvere il loro destino, il loro futuro.

Il primo e semplice schema della divisione delle arti relative alla Parola, ha offerto Aristotele, secondo quale EPOS ha una storia sull'evento, il dramma lo rappresenta nei volti, i testi rispondono alla canzone dell'anima.

Il luogo e il tempo delle azioni degli eroi epici assomigliano alla storia e alla geografia della vera storia (che gli Epos differiscono radicalmente dalla fiaba e dal mito, completamente irreale). Tuttavia, l'EPOS non è del tutto realistico, anche se si basa su eventi reali. Molto idealizzato in esso, mitologico.

Tale è la proprietà della nostra memoria: lo rendiamo sempre un po 'del nostro passato, soprattutto se riguarda il nostro grande passato, la nostra storia, i nostri eroi. E a volte al contrario: alcuni eventi storici e personaggi sembrano peggio di quanto non fossero in realtà. Proprietà EPOS: -Germanismo

L'unità dell'eroe con il suo popolo, nel nome di cui svolge imprese

Storicità

Fissa (a volte l'eroe epico sta combattendo non solo con veri nemici, ma anche con esseri mitici)

Valutazione (eroi dell'epica o del bene o male, ad esempio, i guerrieri degli Eponimi - e dei loro nemici, tutti i tipi di mostri)

Obiettività relativa (EPOS descrive i veri eventi storici e l'eroe può avere le sue debolezze)

Le immagini epiche nella musica sono immagini non solo da eroi, ma anche eventi, storie, possono essere immagini di natura raffiguranti la loro patria in una certa epoca storica.

Questa è la differenza tra l'epica da testi e drammatici: in primo luogo non è un eroe con i suoi problemi personali, ma storia.

Lavori di un personaggio epico:

1. Borodin "Bogatyr // Symphony"

2. Borodin "Prince // Igor"

Borodin Aleksandr Porfiryevich (1833-1887), uno dei compositori "potenti bug". Tutto ciò che il suo lavoro è permeato con il tema dei maghi del popolo russo, amore per la madrepatria, la libertà amorevole.

A proposito di questo - e "Symphony Symphony", catturato l'immagine di una potente Heroic Homeland, e Opera "Prince Igor", creata dalle ragioni dell'Epica russa "parola sul reggimento di Igor".

"La parola sul reggimento di Igor" ("La Parola sulla campagna di Igor, Igor, figlio Svyatoslavov, il nipote di Olegov, il monumento più famoso (considerato il più grande) della letteratura medievale russa. Alla base della trama - la campagna infruttuosa dei principi russi nel Polovsy, che guidato dal principe Igor Svyatoslavizhavich favoloso .. Conversazioni Il nome stesso suggerisce la linea di trama di questi lavori. I più luminosi queste immagini sono incarnate nel lavoro di Na Rimsky-Korsakov. Questo è La Suite Symphonic Suite "Shacherzada" sulle fiabe "1001 Night", e i suoi famosi apripendenti, le fiabe delle nevi, le fiabe della nevica, "racconto dello zar Saltan", "Golden Cockerel", ecc. In una chiusura unity con la natura, nella musica di Roman-Korsakov favolose, immagini fantastiche. La maggior parte spesso personificano, come nelle opere della creatività popolare, alcuni punti di forza naturali e dei fenomeni della natura (gelo, guidato, principessa del mare, ecc.). Le immagini fantastiche si concludono insieme a musical e pittoresco, favolosi elementi fantastici sono anche caratteristiche dell'aspetto e della natura di P di persone di Echno. Tale multiforme (verrà descritto in modo più dettagliato nell'analisi dei lavori) dà a Korsakovskaya fiction musicale una speciale originalità e profondità poetica. Ci sono una grande originalità nella melodia romana-corsakov di tipo strumentale, complesso sulla melodia-ritmica Struttura, mobile e virtuoso, che sono utilizzati dal compositore nei personaggi fantastici musicali. Qui puoi anche menzionare fantastiche immagini nella musica. Fantastic // Music // alcuni // riflessioni

Nessuno non ha dubbi sul fatto che i fantastici lavori pubblicati da enormi edizioni ogni anno e fantastici film, che stanno anche filmando molti, specialmente negli Stati Uniti, sono di grande popolarità. Che dire della "musica fantastica" (o, se ti piace, "fiction musical")?

Prima di tutto, se pensi, "musica fantastica" è apparsa per un bel po 'di tempo. Non è che quest'area sia attribuita alle antiche canzoni e ballatori (folclore), che piegavano diverse nazioni in tutto il terreno per lodare i leggendari eroi e vari eventi (incluso favoloso - mitologico)? E da circa il XVII secolo, opere, balletti e varie opere sinfoniche, creato in base a varie fiabe e leggende appaiono. La penetrazione della finzione nella cultura musicale è iniziata nell'era del romanticismo. Ma gli elementi della sua "invasione" possiamo facilmente trovare già nelle opere dei romantici musicali, come Mozart, glitch, Beethoven. Tuttavia, i motivi più chiaramente fantastici del suono nella musica dei compositori tedeschi R. Vagner, E.t.a.hofman, K. Deber, F. Madelson. Le loro opere sono piene di intonazioni gotiche, motivi del favoloso elemento fantastico, strettamente intrecciato con il tema del confronto dell'uomo e della realtà circostante. Il compositore norvegese Edward Grieg, noto alle tele musicali, non è raccomandato, che si basa sull'epu del popolo, e le opere di Henric Ibsen "Processione dei nani", "nella grotta del re di montagna", la danza di Gli Elfi è anche il francese del Hector Berlioz, nella cui creatività è pronunciato l'argomento degli elementi della natura. Il romanticismo è apparso originariamente e nella cultura musicale russa. Le fantastiche immaginia della composizione delle "immagini di Mussorgsky" della mostra "e" Notte sul Bald Mount ", dove la strega di Shabash è stata raffigurata nella notte di Ivan Khakuh, che aveva un tremendo effetto sulla moderna cultura rock. Mussorgsky possiede e interpretazione musicale della storia n.v.gogol "Sorochinskaya Fair". A proposito, la penetrazione della finzione letteraria nella cultura musicale è più chiaramente evidente solo nel lavoro dei compositori russi: "Picking Lady" Tchaikovsky, "sirena" e "Guest-Stone" Dargomyzhsky, "Ruslan e Lyudmila" Glinka "Golden Shockerel "Roman Corsakov," Demone "Rubinstein et al. All'inizio del ventesimo secolo, un audace sperimentatore Scriabin, un apologedo di arte sintetica, che era in piedi sulle origini dei veicoli leggeri è stata prodotta nella musica. Nel punteggio sinfonico, è entrato in una linea separata per il gioco per la luce. Imagery fantastiche piene di opere tali come "poesia divina" (3a sinfonia del 1904), "poesia del fuoco" ("Prometheus", 1910), "poesia dell'ecstasy" (1907). E anche tali "realisti" riconosciuti, come Shostakovich e Kabalevsky, ha usato la finzione nelle loro opere musicali. Ma, forse, il vero fiorente della "musica fantastica" (musica nella fiction) inizia negli anni '70 del nostro secolo, con lo sviluppo di attrezzature informatiche e la comparsa di famosi film "Cosmic Odyssey del 2001" c.Cubric (dove, tra Altre cose, classiche Le opere di R. Stratusluss e I. Strussa) e "Solaris" A.Tarkovsky (che nel suo film, insieme al compositore E. Artemyev, uno dei primi "sintetiferi russi", creato solo un suono meraviglioso "Sfondo", collegando i misteriosi suoni spaziali con musica ingegnosa I.-S. Bach). È possibile immaginare la famosa "trilogia" J. Lucas "Star Wars" e persino "Indiana Jones" (che è stata rimossa da Stephen Spielberg - ma l'idea era Lucas!) Senza incendiaria e musica romantica, J. Yuliams, pieni di un'orchestra sinfonica.

Nel frattempo (all'inizio degli anni '70), lo sviluppo delle apparecchiature informatiche raggiunge un certo livello - appaiono sintetizzatori musicali. Questa nuova tecnica apre le prospettive brillanti di fronte ai musicisti: finalmente divenne possibile dare la volontà di fantasia e simulare, creare suoni magici fantastici e dritti, li affollarono nella musica, "Sculpt", forse, come uno scultore! .. Forse, Questa è una vera fiction. Nella musica. Quindi, da questo punto in poi, inizia una nuova era, viene visualizzata la Pleiad dei primi master i sinteti, gli autori esecutivi delle loro opere. Immagini comiche Il destino del fumetto nella musica ha sviluppato drammatico. Molti storici dell'arte non menzionano affatto il fumetto nella musica. Il resto o negare l'esistenza di una comicità musicale, o considera che sia minimale. Il punto di vista più comune è stato ben formulato da M. Kagan: "Minime opportunità per la creazione di un'immagine comica nella musica. (...) Forse solo nel 20 ° secolo, la musica ha iniziato a cercare attivamente la propria, puramente musica per creare immagini comiche. (...) Eppure, nonostante le importanti scoperte artistiche fatte dai musicisti del XX secolo, la creatività musicale non ha conquistato e non conquistare mai, a quanto pare, non conquisterà un tale posto che è stato a lungo occupante in letteratura, a Teatro drammatico, arte visiva, cinema ". E comico - divertente, avendo un significato diffuso. Il compito è "che fissa con una risata" sorriso e risate diventano comici "satelliti" solo quando esprimono un senso di soddisfazione, il che provoca una vittoria spirituale in una persona ciò che è contrario ai suoi ideali, che è incompatibile con loro che è ostile , Perché per esporlo, ciò che contraddice l'ideale, per realizzare la sua contraddizione - significa superare il male, sbarazzarsi di lui. Di conseguenza, come la principale estetica russa M. S. Kagan ha scritto, la collisione del vero e ideale è alla base del fumetto. Allo stesso tempo, dovrebbe essere ricordato che fumetto, a differenza del tragico, sorge, a condizione che non provoca sofferenze per gli altri e non pericolosi per gli umani.

Tonalità del fumetto - umorismo e satira.yor è chiamato presa in giro per un buon nato, incredulo su certi difetti, debolezze in fenomeni positivi generali. L'umorismo è amichevole, sconvolgente, anche se non sdentato. Satiro è un secondo tipo di comico. A differenza dell'umorismo, la risata satirica è una formidabile, crudele, cucita. Per ferire il male il più possibile, deformità sociali, volgarità, immoralità, e simili, il fenomeno è spesso deliberatamente esagerato, esagerato. Tutti i tipi di arte sono in grado di creare immagini commedie. A proposito di letteratura, teatro, cinema, pittura e non parlare - è così ovvio. Scherzo, alcune immagini in operazioni (ad esempio, Farlaff, Dodon) - Effettuare comico nella musica. O ricorda la finale della prima parte della seconda sinfonia di Tchaikovsky, scritta sul tema della canzone umoristica umoristica "Zhuravel". Questa è una musica che rende il sorriso dell'ascoltatore. L'umorismo è pieno di "immagini della mostra" Mussorgsky (ad esempio, "balletto di pulcini sfortunati"). Outly Satirio "Golden Cockerel" di Corsakov Romano e molte immagini musicali della seconda parte della decima sinfonia di Shostakovich.

11.Thenio.

Una canzone o una canzone è la forma più semplice, ma una musica comune di musica vocale che combina il testo poetico con una melodia. A volte accompagnato da orchestiche (anche in modo visivo). La canzone in un ampio significato include tutto ciò che accade, soggetto alla combinazione simultanea della parola e del sudore; In un significato stretto - un piccolo genere lirico poetico che esiste in tutte le nazioni e caratterizzato dalla semplicità della costruzione musicale e verbale. Le canzoni si distinguono per generi, magazzino, forma di esecuzione e altre caratteristiche. La canzone può essere eseguita come un cantante e un coro. Canzoni cantano entrambi gli strumenti accompagnati e senza di essa (una cappella).

Immagine musicale

Il contenuto musicale si manifesta nelle immagini musicali, nel loro occorrenza, sviluppo e interazione.

Non importa quanto l'umore sia un lavoro musicale, tutti i tipi di cambiamenti, turni, i contrasti sono sempre indovinati. L'aspetto di una nuova melodia, cambiando il modello ritmico o texture, la selezione della sezione significa quasi sempre il verificarsi di una nuova immagine, a volte chiudersi nel contenuto, a volte - direttamente opposto.

Come nello sviluppo di eventi di vita, i fenomeni della natura o i movimenti dell'anima umana, solo una linea, un umore e nella musica, lo sviluppo si basa sulla ricchezza figurativa, rompendo vari motivi, stati ed esperienze.

Ogni tale motivo, ogni stato introduce una nuova immagine, o completa e riassume la principale.

In generale, la musica incontra raramente opere basata su un'unica immagine. Solo un piccolo gioco o un piccolo frammento può essere considerato un singolo per contenuti figurativi. Ad esempio, il dodicesimo schizzo di Scriabin è un'immagine molto solida, anche se con un'attenzione attenta, noteremo sicuramente la sua complessità interiore, tessere in esso di vari stati e mezzi di sviluppo musicale.

Allo stesso modo, molte altre opere di una piccola scala sono costruite. Di norma, la durata del gioco è strettamente correlata alla caratteristica della sua struttura figurativa: i piccoli giochi sono solitamente vicini a una singola sfera figurativa, mentre il grande richiede uno sviluppo più lungo e complesso. E questo è naturale: tutti i principali generi in vari tipi d'arte sono solitamente associati alla forma di realizzazione di complessi contenuti di vita; Sono inerenti in un gran numero di eroi ed eventi, mentre piccoli turni di solito verso un particolare fenomeno o esperienza. Questo, ovviamente, non significa che le grandi opere sono certamente distinte da una maggiore profondità e significato, spesso anche al contrario: un piccolo gioco, anche il suo motivo separato è talvolta in grado di dire così tanto che il loro impatto sulle persone è ancora più forte e profondo.

C'è una profonda connessione tra la durata del lavoro musicale e la sua struttura figurativa, che si trova anche nei nomi dei lavori, ad esempio "guerra e pace", Spartak, Alexander Nevsky implica molte forme di realizzazione in forma su larga scala (Opera , Balletto, Cantata), in quel momento come "cuculo", "farfalla", "singoli fiori" sono scritti sotto forma di miniature.

Perché a volte le opere che non hanno una struttura strutturale complessa, così profondamente preoccupante una persona?

Forse la risposta è quella concentrandosi su un singolo stato figurativo, il compositore mette tutta l'anima in un piccolo lavoro, tutta l'energia creativa, cosa ha risvegliato il suo intento artistico in esso? Dopotutto, non è per caso nella musica del XIX secolo, nell'era del romanticismo, così tanto che ha detto un uomo e il mondo segreto dei suoi sentimenti, ha raggiunto il più alto fiorente della miniatura musicale.

Molto piccolo sulla scala, ma le cose luminose nell'immagine delle opere sono state scritte da compositori russi. Glinka, Mussorgsky, Lyadov, Rakhmaninov, Scriabin, Prokhmaninov, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich e altri compositori domestici eccezionali hanno creato un'intera galleria di immagini musicali. Un enorme mondo figurativo, vero e fantastico, fantastico, podellamente e sottomarino, foresta e steppa, si stava preparando in musica russa, nei meravigliosi nomi delle sue opere software. Sai già molte immagini incorporate nelle commedie dei compositori russi, - "Aragona Khota", "Gnome", "Baba Yaga", "Castello antico", "Lago magico" ...

Non meno ricco è il contenuto figurativo e in scritti non stampabili che non hanno nome speciale.

Immagini liriche

In una varietà di opere ci conoscono come preliminari, Mazurki, le ricchezze figurative più profonde, aperte a noi solo in un suono musicale vivente.

Uno di questi lavori è preludio S. Rakhmaninova Sal-Diez Minore. Il suo umore, allo stesso tempo timore e triste, costantemente la tradizione musicale russa della forma di realizzazione delle immagini di dolore e addio.

Il compositore non ha dato il nome dei nomi (Rachmaninov non ha segnato nessuno dei suoi preluditi un sottotitolo software, ma lo stato autunnale stretto è sentito nella musica: il brivido dell'ultimo fogliame, pioggia piovignata, cielo basso.

L'immagine musicale del preludio è completata anche da un momento di immagine del suono: qualcosa di simile ai tappeti d'addio delle gru che ci lasciano per un lungo inverno indovinato in un suono texture di melodia.

Forse perché nelle nostre parti così a lungo durata il freddo, e la primavera arriva lentamente e riluttante, ogni uomo russo con una nitidezza speciale sente la fine di un'estate calda e lo dice addio a lui con una tristezza tristezza. E pertanto, le immagini di addio apprezzavano strettamente con il tema dell'autunno, con immagini autunnali, che sono così tanti in arte russa: florendo foglie, Moroshnya, cuneo di caraavine.

Quante poesie, dipinti, piastre musicali sono collegati con questo argomento! E quanto straordinariamente ricco delle arti del dolore autunnale e dell'addetto.

Qui stanno volando, qui volano ... Prendi il cancello piuttosto!
Esci presto per guardare l'alto!
Qui erano silenziosi - e ancora anima soul e natura
Perché - silenzio! - Quindi nessuno lo esprimerà ...

Queste sono linee del poema delle "gru" di Nikolai Rubatov, in cui l'immagine dell'anima russa e della natura russa, incorporata in un elevato volante di gru addio, è così stridulo e descritto con precisione.

E anche se Rachmaninov, ovviamente, non ha fatto un'immagine così accurata nel suo lavoro, sembra, in un preliminario ombreggiato, un motivo carattilista non è accidentale. Le gru sono una specie di simbolo dell'immagine, come se fosse salito sull'immagine complessiva del preludio, che informa la sua solida altezza e purezza speciale.

L'immagine musicale non è sempre associata alla forma di realizzazione di sottili sentimenti liricini. Come in altri tipi di arte, le immagini non sono solo liriche, ma a volte nettamente drammatiche che esprimono scontri, contraddizioni, conflitti. La forma di realizzazione di un grande contenuto di vita dà origine alle immagini epiche, distinta per complessità speciale e molteplicità.

Considera i vari tipi di sviluppo musicale figurativo nella loro connessione con le peculiarità dei contenuti musicali.

Immagini drammatiche

Immagini drammatiche, come lirica, sono presentate nella musica molto ampia. Da un lato, sorgono nella musica basata su opere letterarie drammatiche (quelle opere, balletto e altri generi del palcoscenico), ma significativamente più spesso il concetto di "drammatico" è associato nella musica con le peculiarità della sua natura, l'interpretazione musicale di eroi, immagini, ecc.

Un campione del drammatico lavoro della ballata di F. Schubert "Forest Tsar", scritto sulla poesia del grande poeta tedesco I. V. Goethe. Nella ballata, le caratteristiche del genere-drammatiche sono combinate - dopotutto, rappresenta un intero palcoscenico con la partecipazione di vari attori! - e dramma acuto inerente alla natura di questa splendida in profondità e forza della storia.

Che dire di ciò dice?

Notiamo immediatamente che la ballata viene eseguita, di regola, nella lingua originale - tedesco, quindi il suo significato e il suo contenuto devono essere tradotti.

Esiste una traduzione del genere - la migliore traduzione della ballata di Gothev in russo, nonostante sia stata fatta per quasi due secoli fa. Il suo autore, V. Zhukovsky, - Pushkin contemporaneo, un poetto gentile, molto sottile, profondamente lirico, ha dato una tale interpretazione della "visibilità terribile" Goethe.

Re

Chi sta saltando, che si precipita sotto i capelli di raffreddamento?
La roone è in ritardo, con lui un giovane figlio.
Al padre, tutto il forte, il bambino è un trucco;
Abbracciare, lo tiene e riscalda il vecchio.

"Bambino, cosa hai flop così timidamente?"
"Grande, re foresta negli occhi lampeggiata:
È in una corona scura, con una grossa barba. "
"Oh no, poi nebbia sull'acqua."

"Bambino, guarda, piccola, per me;
Allegro molto dalla mia parte:
Fiori di turchese, getti di perle;
Dall'oro unito i miei dolori. "

"Maggiore, la foresta Tsar mi dice:
È oro, perla e gioia di Sulit. "
"Oh no, il mio bambino, ti ho sentito:
Quel vento, svegliarsi, fogli macellati. "

"Per me, il mio bambino! A Dubrov, il mio
Impara la bella mia figlia;
Al mese giocherà e volerà,
Giocare, volare, dormi. "

"Adacre, la foresta re convinciò le figlie:
Vedo, annuì dai rami oscuri. "
"Oh no, tutto è calmo nella profondità notturna:
Allora il vento grigio si trova da parte. "

"Bambino, ho catturato la tua bellezza:
Ailles Ile sarà, e sarai mio. "
"Abbastanza, la foresta re vuole che ci recuperiamo;
Ora: ho soffocato, respiro duro. "

Rotolando o non saltare, vola;
Selle baby, baby grida;
Azionamenti di routhing, cavalcano i brillanti ...
Nelle sue mani, il suo bambino morto giaceva.

Confrontando le versioni tedesche e russe del poema, il poeta Marina TsvevaeeAva osserva la principale differenza tra loro: il boykoye Zhukovsky Tsar ha razza, GOGGE era in realtà. Pertanto, la ballata di Goethe è più reale, terribile, è più affidabile: muore non dalla paura (come Zhukovsky), ma dalla Genuine Forest Tsar, che apparve davanti al ragazzo in tutta la forza del suo potere.

Schubert, il compositore austriaco, che leggeva la ballata in tedesco, è stato trasferito a tutta la terribile realtà della storia della foresta Tsar: nella sua canzone è lo stesso personaggio affidabile come un ragazzo e suo padre.

Il discorso del re della foresta è notevolmente diverso dal discorso eccitato del narratore, dal bambino e dal padre con la predominanza di franzosità affettuosa, morbidezza, ribaltamento. Prestare attenzione alla natura della melodia - feroce, con un'abbondanza di domande e intonazioni ascendenti nelle parti di tutti i personaggi, ad eccezione del re delle foreste, ha anche un canto liscio, arrotondato.

Ma non solo la natura dell'intonazione melodica - con l'avvento della foresta Tsar, tutto il sostegno testuale sta cambiando: il ritmo di un cavallo pazzo, penetrando perforare la ballata dall'inizio alla fine, è inferiore al posto di accordi più tranquilli, molto più difficile, gentile, culle.

C'è persino un contrasto peculiare tra gli episodi di ballatori, una natura così eccitata, ansiosa nella natura nel suo complesso, con due solo fiamme di calma e fragrante (due frasi del re forestale).

Infatti, come spesso accade nell'arte, è in una tale insicurezza che la cosa peggiore esche: chiama a morte, irreparazioni e irrevocabilità delle cure.

Pertanto, la musica di Schubert ci lascia le illusioni: i discorsi appena silenziosi e terribili del re della foresta sono a malapena silenziosi, perseguendo immediatamente un cavallo da cavallo (o capo del cuore?), Il suo sorprendente mostrandoci l'ultima rottura alla salvezza, per superare La foresta terribile, le sue profondità scure e misteriose.

Su questo, le dinamiche dello sviluppo musicale delle ballate sono finiscono: perché alla fine, quando arriva la fermata in movimento, l'ultima frase sembra già come una parolacce: "nelle mani del suo bambino morto giaceva".

Così nell'interpretazione musicale delle Ballads, non siamo solo le immagini dei suoi partecipanti, ma anche le immagini hanno influenzato direttamente la costruzione di tutti gli sviluppi musicali. La vita, i suoi impulsi, il suo desiderio di liberazione - e morte, spaventosi e agricoli, terribili e culle. Da qui e la bispanicità del movimento musicale, reale visiva in episodi associati al salto del cavallo, la confusione del Padre, la voce scheggiatrice del bambino e rimosso-affettuoso in calma, quasi cullato dalla natura dei fiumi di il re della foresta.

La forma di realizzazione delle immagini drammatiche richiede il compositore di massimizzare la concentrazione di mezzi espressivi, che porta alla creazione di internamente dinamica e, di regola, un prodotto compatto (o un frammento), basato sulla forma di una natura drammatica. Pertanto, le immagini drammatiche sono così spesso incarnate nelle forme di musica vocale, nei generi strumentali di una piccola scala, così come in frammenti separati di opere cicliche (sonatas, concerti, sinfonia).

Immagini epiche

Le immagini epiche richiedono uno sviluppo lungo e senza fretta, possono una lunga esibizione e si sviluppano tranquillamente, introducendo un ascoltatore nell'atmosfera di una specie di sapore epico.

Uno dei lavori luminosi permeati con immagini epici è l'operatore "Sadko" N. Rimsky-Korsakov. È epica russa che è diventata la fonte di numerosi frammenti di trama dell'opera, la informano la natura epica e la lentezza del movimento musicale. Il compositore stesso è stato scritto su questo nella prefazione a Opera Sadko: "Molti discorsi, così come i paesaggi descritti e i dettagli del palcoscenico sono presi in prestito da varie epiche, canzoni, cospirazie, estensioni, ecc. Pertanto, il versetto epico è stato spesso conservato in Caratteristiche caratteristiche del libretto. "

Non solo libretto, ma anche la musica dell'opera porta le caratteristiche di stampa del verso epico. L'azione inizia da lontano, da una piacevole voce orchestrale, che si chiama "Blue Sea Okian". L'Okian-Sea è elencato nella lista degli attori come il re del mare, cioè un certo personaggio mitologico, seppur. Nel quadro generale degli eroi di varie fiabe magiche, il re del Marine occupa come luogo definito come il re delle foreste - l'eroe delle ballate di Schubert. Tuttavia, quanto sono mostrati in modo diverso questi favolosi eroi, rappresentando due tipi completamente diversi di immagini musicali!

Ricordiamo l'inizio delle ballate di Schubert. La rapida azione ci cattura già dal primo tatto. L'attacco degli zoccoli, contro lo sfondo di cui sembra il discorso eccitato degli eroi, conferisce al movimento musicale la natura della confusione crescente ansia. Questa è la legge di sviluppo di immagini drammatiche.

Opera "Sadko", in qualche storia motiva con somiglianze con il "re Forest King" (come il ragazzo si innamorò del re Forest e fu portato al regno della foresta, così Sadko si innamorò della principessa del mare ed è stato immerso sul Il fondo del "Sea Okian"), ha un carattere diverso, privo di nitidezza drammatica.

Anche la non profitità, la narrativa dello sviluppo musicale dell'Opera è già rivelata già nelle sue prime tazze. Non la lunghezza della trama è rappresentata nell'immagine musicale della voce "Blu di Okian-Sea", e il fascino poetico di questa magica immagine musicale. Il gioco delle onde del mare è ascoltato nella musica di ingresso: non terribile, non un potente, ma affascinante fantastico. Leggermente, come se ammirando le sue vernici, l'acqua marina traboccante.

Nell'opera "Sadko", la maggior parte degli eventi della trama sono collegati con la sua strada, e già dalla natura dell'ingresso, possono essere visti che non saranno tragici, dotati di conflitti e scontri acuti e calma e maggiore, nello spirito dell'epica popolare.

Tale è l'interpretazione musicale di vari tipi di immagini, caratteristica non solo per la musica, ma anche per altri tipi di arte. Le forme lirico, drammatiche e epiche formano le proprie caratteristiche del contenuto. Nella musica, questo si riflette nei vari lati: la scelta del genere, scala del lavoro, l'organizzazione di agenti espressivi.

Parleremo dell'originalità delle caratteristiche principali dell'interpretazione musicale del contenuto nella seconda parte del libro di testo. Perché nella musica, come in qualsiasi altra arte, ogni ricezione, ciascuno, anche il più piccolo, il codice a barre. E a volte un cambiamento molto piccolo è a volte una singola nota - può modificare radicalmente il suo contenuto, il suo impatto sull'ascoltatore.

Domande e compiti:

1. Quanto spesso si manifesta un'immagine in un lavoro musicale - allo stesso tempo o sfaccettata e perché?
2. Come è la natura dell'immagine musicale (lirica, drammatica, epica) con la scelta del genere musicale e della scala del lavoro?
3. Può un'immagine profonda e complessa essere espressa in un piccolo lavoro musicale?
4. In che modo i mezzi di espressivo musicale trasmettono un contenuto musicale figurativo? Spiegalo sull'esempio delle ballads F. Schubert "Forest Tsar".
5. Perché, quando crei l'opera "Sadko" N. Rimsky-Korsakov ha utilizzato originali epope e canzoni?

Presentazione

Incluso:
1. Presentazione - 13 Slides, PPSX;
2. Suoni musicali:
Rachmaninov. Preludio n. 12 Sol-Dieze Minore, MP3;
Rimsky-Korsakov. "Ocean-Sea Blue" dall'opera "Sadko", mp3;
Schubert. Ballad "Forest Tsar" (3 versioni - in russo, lingue tedesche e pianoforte senza voce), mp3;
3. Articolo di accompagnamento, DOCX.

Immagine musicale

Le classi musicali nel nuovo programma sono rivolte allo sviluppo della cultura musicale degli studenti. Il componente più importante della cultura musicale è la percezione della musica. Al di fuori della percezione non c'è musica, perché È il collegamento principale e un prerequisito per l'apprendimento e la conoscenza della musica. È basato su compositore, esibizione, ascoltatori, generali generali pedagogici e musicali.

La musica come l'arte dal vivo è nata e vive come risultato dell'unità di tutte le attività. La comunicazione tra loro si verifica attraverso le immagini musicali, perché La musica di uscita (come tipo di arte) non esiste. Nella coscienza del compositore, sotto l'influenza di impressioni musicali e immaginazione creativa, nasce un'immagine musicale, che viene poi incarnata in un lavoro musicale.

Ascoltando l'immagine musicale - I.e. Il contenuto della vita incorporato nei suoni musicali provoca tutto l'altro punto di percezione musicale.

La percezione è un'immagine soggettiva di un oggetto, fenomeno o processo che colpisce direttamente un analizzatore o un sistema di analizzatori.

A volte il termine percezione è anche denotato da un sistema di azioni volte a familiarizzare con il soggetto che colpisce i sensi, cioè Sensuali attività di ricerca di osservazione. Come immagine della percezione è il riflesso diretto del soggetto nelle proprietà aggregate nell'integrità obiettiva. Questo distingue la percezione della sensazione, che è anche una riflessione sensuale diretta, ma solo le singole proprietà di oggetti e fenomeni che influenzano gli analizzatori.

Un'immagine è un fenomeno soggettivo derivante dal soggetto-pratico, sensoriale percettivo, dell'attività mentale, che è un riflesso integrale olistico della realtà, in cui le categorie principali (spazio, movimento, colore, forma, texture, ecc.) Sono presenti simultaneamente presenti . In termini di informazione, l'immagine è una forma insolita di rappresentazione della realtà circostante.

Il pensiero alla moda è uno dei principali tipi di pensiero, evidenziato insieme a un pensiero chiaro ed economico-logico. Immagini di presentazione che sporgono come un prodotto importante del pensiero figurativo e come un funzionamento.

Il pensiero alla moda indossa sia carattere involontario che arbitrario. Prendendo il 1 ° sono sogni, sogni. "-2-OE è ampiamente rappresentato nell'attività creativa umana.

Le funzioni del pensiero figurativo sono associate alla presentazione di situazioni e cambiamenti in essi, che una persona vuole causare come risultato delle sue attività che trasformano la situazione con la specifica delle disposizioni generali.

Con l'aiuto del pensiero figurativo, l'intera varietà di diverse caratteristiche effettive del soggetto è più completamente ricostruita. L'immagine può contenere una visione simultanea del soggetto con diversi punti di vista. Una caratteristica molto importante del pensiero figurativo è l'istituzione di combinazioni di oggetti insoliti e "incredibili" e le loro proprietà.

Nel pensiero figurativo, vengono utilizzate varie tecniche. Questi includono: un aumento o diminuzione dell'oggetto o delle sue parti, aggluturizzazione (creando nuove viste attaccando parti o proprietà di un oggetto, ecc.), L'inclusione delle immagini esistenti nel nuovo abstract, una generalizzazione.

Il pensiero figurativo non è solo una fase geneticamente precoce dello sviluppo in relazione al pensiero verbalmente logico, ma costituisce anche un tipo di pensiero indipendente in un adulto, guadagnando uno sviluppo speciale nella creatività tecnica e artistica.

Le differenze individuali nel pensiero figurativo sono associate al tipo dominante di rappresentazioni e al grado di sviluppo dei metodi di presentazione di situazioni e delle loro trasformazioni.

Nella psicologia, il pensiero figurativo è talvolta descritto come una funzione speciale - immaginazione.

L'immaginazione è un processo psicologico, che consiste nella creazione di nuove immagini (sottomissioni) elaborando il materiale delle percezioni e delle rappresentazioni ottenute nell'esperienza precedente. L'immaginazione è inerente solo da una persona. L'immaginazione è necessaria in qualsiasi forma di attività umana, specialmente quando percepisci musica e "immagine musicale".

Ci sono un'immaginazione arbitraria (attiva) t involontaria (passiva), così come ricreazione e immaginazione creativa. L'immaginazione ricreativa è chiamata il processo di creazione di un'immagine oggetto in base alla sua descrizione, un disegno o un disegno. L'immaginazione creativa è chiamata creazione indipendente di nuove immagini. Richiede la selezione dei materiali necessari per costruire un'immagine in conformità con il proprio intento.

Una forma speciale di immaginazione è un sogno. È anche una creazione indipendente di immagini, ma il sogno è quello di creare un'immagine del desiderato o più o meno remoto, cioè. Non è il prodotto obiettivo direttamente e immediatamente.

Quindi, la percezione attiva dell'immagine musicale offre l'unità di due principi - Obiettivo e soggettivo, cioè. Cosa viene posato nel lavoro artistico, e quelle interpretazioni, idee, associazioni che sono nate nella coscienza dell'ascoltatore in connessione con esso. Ovviamente, il più ampio il cerchio di idee soggettive è la percezione più ricca e completa.

In pratica, specialmente nei bambini che non hanno esperienza sufficiente con la musica, le esibizioni soggettive non sono sempre adeguate alla musica stessa. Pertanto, è così importante insegnare agli studenti di affrontare che contiene obiettivamente nella musica e ciò che viene introdotto da soli; Quello in questo "suo" è dovuto al lavoro musicale, e che è arbitrariamente, inventato. Se E.Grega Guys non solo ascolterà E. Griga nella conclusione strumentale del "Tramonto del sole", ma vedrà anche l'immagine del tramonto, quindi solo l'Associazione visiva dovrebbe essere accolta favorevole, perché Lei segue dalla musica stessa. Ma se la terza canzone Leller dell'Opera "Snow Maiden" n.a. Roman-Kororsakova, lo studente ha notato le "goccioline di pioggia", quindi in questo e in tali casi è importante non dire semplicemente che questa risposta è sbagliata, inventabilmente inventata, ma insieme a tutta la classe per capire perché è sbagliato perché irragionevole, confermando le sue prove disponibili per i ragazzi in questa fase di sviluppo della loro percezione.

La natura di fantasticare la musica sembra essere radicata in contraddizione tra il naturale desiderio di una persona di ascoltare nella musica con il contenuto di vita e l'incapacità di farlo. Pertanto, lo sviluppo della percezione di un'immagine musicale dovrebbe essere basata su una divulgazione sempre più completa del contenuto della vita della musica nell'unità con l'attivazione del pensiero associativo degli studenti. Il più ampio, una multi-shirt nella lezione sarà rivelata al collegamento della musica con la vita, più gli studenti del piano dell'autore penetrano, maggiore è la probabilità di loro legittime associazioni di vita personale. Di conseguenza, il processo di interazione tra il copyright e la percezione dell'ascoltatore sarà più pieno, efficace.

Cosa significa la musica nella vita umana?

Dal momento che i tempi più antichi, l'inizio della quale anche le scienze umane più meticolose non possono essere stabilite in uno stato, il primitivo ha cercato di essere innanzitutto sensualmente adattato per adattarsi, adattarsi ai ritmi e spaventando ritmicamente il mutevole, sviluppando la pace. Questo è fissato nei più antichi oggetti, miti, leggende, leggende. Questo può essere osservato oggi, se osservi attentamente come il bambino sente letteralmente dalle prime ore di vita. È interessante notare che quando improvvisamente notiamo che il bambino di alcuni suoni arriva a uno stato irrequieto, anormale ed eccitato a urlare e piangere, e altri lo conducono a uno stato di tranquillità, calma e soddisfazione. Ora, la scienza ha dimostrato che la vita musicale e ritmica, calma, misurata, spiritualmente ricca e versatile della futura madre durante la gravidanza ha un effetto benefico sullo sviluppo dell'embrione, sul suo futuro estetico.

L'uomo "sparkler" è molto lento e gradualmente nel mondo dei suoni, dei vernici, dei movimenti, delle materie plastiche, che comprendono l'intero mondo multiforme e infinitamente diversioso per creare una forma figurativa di riflessione dalla sua coscienza di questo mondo attraverso l'arte.

La musica, da sola, poiché il fenomeno è così forte che non può semplicemente passare da una persona inosservata. Anche se nell'infanzia fosse una porta chiusa per lui, poi nell'adolescenza, si rompe ancora questa porta e si precipita in una coltura rocce o pop, dove è soddisfatto in modo prezioso con il fatto che è stato privato: la possibilità di selvaggio, barbaro, ma genuino espressione di se. Ma lo shock, che sperimenta, non poteva essere - nel caso di un "prospero passato musicale".

Pertanto, la musica paga grandi opportunità per gli impatti umani, e questo impatto può essere controllato che erano tutti secoli passati. Quando una persona apparteneva alla musica, come miracolo, dato alla comunicazione con il più alto mondo spirituale. E poteva comunicare costantemente con questo miracolo. Il servizio di adorazione ha accompagnato la persona tutta la sua vita, cadde spiritualmente e allo stesso tempo allevato e formato. Ma il culto è la base della sua parola e della sua musica. Enorme cultura della canzone-Dance è associata a calendari festività agricole. Il rituale del matrimonio in rifrazione artistica è un'intera scienza della vita. I round folk sono la formazione della geometria, l'educazione del pensiero spaziale, per non parlare della cultura della datazione, della comunicazione, del corteggiamento, ecc. EPOS - E questa storia - presentata musicalmente.

Diamo un'occhiata agli oggetti della scuola dell'antica Grecia: logica, musica, matematica, ginnastica, retorica. Probabilmente è stato sufficiente educare una persona armoniosa. Ciò che è rimasto di questo oggi, quando nei nostri programmi ovunque ci siano parole su una personalità armoniosa. Solo matematica. Cos'è la logica e la retorica a scuola non conoscono nessuno. La cultura fisica non assomiglia alla ginnastica. Anche cosa fare con la musica non è chiara. Ora lezioni di musica dopo il grado 5 non sono più obbligatorie, possono sostituirle a discrezione dell'amministrazione scolastica a qualsiasi argomento di un piano "storico" dell'arte ". Molto spesso dipende dalla disponibilità dell'insegnante desiderato, e dove è insegnata la musica. Ma nel programma scolastico, sono stati aggiunti molti altri oggetti, ma l'armonia, la salute mentale e la salute fisica è scomparsa.

Ma ancora, cosa potrebbe, forse la musica come fenomeno per dare una persona per tutta la vita - partendo dalla tenera età.

Il mostro da cui il bambino moderno deve essere salvato è un mezzo "stampaggio" di cultura di massa. Bellezza standard - Barbie, sangue standard "horror", stile di vita standard ...- Cosa può opporsi a questa musica? Non ha senso, senza speranza semplicemente "dare" un allievo come campioni alternativi di alta bellezza e stile di vita spirituale. Senza sollevarsi in esso libero, in grado di affrontare la violenza culturale di una persona. Nessuna pulizia spirituale, profonda conoscenza della musica e delle sue complesse immagini contraddittorie non accadrà se i bambini semplicemente leggono informazioni sulla musica (che lo capisce), sui compositori, "appendere alle orecchie" una serie di opere musicali, agendo consapevolmente in fortemente Emozioni, per imparare qualcosa dalla biografia dei musicisti, i nomi delle opere popolari, ecc. Prendi il "computer" per un raggio di domande sul "campo dei miracoli".

Quindi, il soggetto "musica" in una scuola secondaria (se è generalmente) è condotto da altri articoli umanitari - di segnalare maggiori informazioni, classificare i fenomeni, per dare a tutti i nomi ...

Quindi, come creare un'elevata musica classica straordinaria, i suoi migliori campioni hanno colpito le corde più profonde dell'anima e il cuore di una persona, divennero disponibili e capiti, aiutato come riflesso della realtà circostante, per capire questa realtà e se stessa nelle relazioni di vita difficili .

Per risolvere questo problema, c'è un insegnante, essenzialmente, solo due canali di appello per l'allievo: visivo e uditivo. Affidarsi alla visione può essere sollevato liberamente e indipendentemente, chiaramente e una persona chiaramente premurosa (ad esempio, quando percepire i dipinti da artisti, sculture, tavoli, benefici visivi, ecc.). Una voce ci appare come la porta principale del mondo subconscio di una persona nel mondo della sua musica mobile - come la musica! - Anime. È nella rinascita dei suoni, nella loro vita breve, la sua attuale, la morte, la nascita. E non è la musica per coltivare una persona profonda e bella, sentirsi liberamente?

Joint Music - Un gioco nell'Orchestra, nell'ensemble, cantando nel coro, produzioni musicali - molti problemi psicologici sono perfettamente risolti: un bambino timido può, partecipare a un'azione così musicale, sentirsi nel centro della vita; Un bambino creativo - mostrerà la sua fantasia in pratica. I bambini sentono il valore di ciascuno in generale.

L'orchestra è un modello d'arte della società. Diversi strumenti nell'orchestra sono persone diverse, con la comprensione che raggiungono la pace e l'armonia. Attraverso l'immagine artistica sta la strada per comprendere le relazioni sociali. Strumenti diversi sono diversi popoli del mondo. Queste sono voci diverse di fenomeni naturali che si fondono in un'intera orchestra.

L'effetto terapeutico della musica, gli strumenti musicali nelle mani di una persona è uno psicoterapeuta personale. Il gioco sugli strumenti tratta disturbi respiratori, fino all'asma diffuso ora, disturbi del coordinamento, disturbi dell'udito, insegna la capacità di concentrarsi e rilassarsi nel nostro tempo.

Quindi, nella musica della musica, i bambini devono sentire costantemente la gioia che, ovviamente, costituisce il tema dell'attenta cura dell'insegnante. Quindi arriva gradualmente un senso di soddisfazione dal bersaglio ottenuto, da interessante comunicazione con la musica, la gioia dal processo del lavoro stesso. E come risultato del successo personale apre la "uscita alla società": l'opportunità di essere un insegnante è studiare la semplice musica di genitori, sorelle, fratelli, pagando così relazioni familiari attraverso lezioni congiunte. La forza dei rapporti familiari in passato si trovava in gran parte sulle classi congiunte, sia del lavoro o di riposo; Quindi era sia nel contadino che nell'artigianato e nelle famiglie del proprietario.

C'è qualche altro oggetto che è ancora lo stesso della musica potrebbe assumere la soluzione dei problemi della società moderna?

E probabilmente, non è a caso, il paradiso rappresenta sempre musicalmente: cori d'angelo, tromboni e arpa. E sulla perfetta struttura sociale racconta la lingua musicale: armonia, luce, sistema.

La situazione ideale è quando tutte le possibilità della musica saranno richieste e percepite dalla società. È importante che le persone si rendano conto che la musica è ideale per prendere gradini nella direzione dell'ideale.

Con la musica devi vivere, e non studiarlo. Il suono, il mezzo di musica inizia a educare e allenarsi. E l'uomo alla fine non sarà in grado di essere d'accordo sul fatto che sia "musicale".

Testa Music Laboratory Research Institute of Schools Mo Golovin ritiene che nella lezione della musica diventa fondamentalmente importante: se l'insegnante implementa lo scopo principale dell'istruzione - l'apertura della vita, l'apertura di se stessa in questo mondo. Se la lezione musicale è solo lo sviluppo di un altro tipo di attività, o questa è una lezione forma lo stelo morale della personalità, che si basa sul desiderio di bellezza, buona, verità - a ciò che la persona eleva. Pertanto, lo studente della lezione è una persona, cercando costantemente e acquisendo il significato della vita sulla terra.

Una varietà di attività musicale nelle lezioni non è ancora un indicatore della profondità della vita spirituale. Inoltre, l'attività musicale può essere completamente non compressa con le attività dello spirituale nel senso che l'arte può agire per i ragazzi come soggetto, solo come risultato creativo che si diffonde senza tornare a se stesso. Pertanto, è assolutamente necessario che l'attività musicale non diventi fine di per sé, e che il contenuto dell'arte diventa il "contenuto" del bambino, il lavoro spirituale è diventato l'attività franca dei suoi pensieri e sentimenti. Solo in questo caso l'insegnante e il bambino saranno in grado di trovare un significato personale in Classe Art, e diventerà davvero un "terreno" fertile per coltivare il mondo spirituale per cercare i migliori modi di espressione morale. Da qui segue che la musica non è un'istruzione musicista, ma una persona. La musica è la fonte e il tema della comunicazione spirituale. È necessario sforzarsi di espandere e approfondire negli scolari della percezione musicale olistica, come opere d'arte di Mastering spirituale come comunicazione con valori spirituali; Per formare interesse nella vita attraverso la passione musicale. La musica non dovrebbe essere una lezione d'arte, ma una lezione d'arte, una lezione di scienza umana.

Pensiero artistico e figurativo nelle lezioni deve essere sviluppato per garantire che il bambino possa essere in grado di guardare a modo suo sui fenomeni e i processi del mondo circostante nel suo complesso e attraverso di esso più profondo di sentire il loro mondo spirituale. Artistico è, prima di tutto, tale organizzazione dei mezzi di espressione che agisce direttamente ai sentimenti e a questi sentimenti cambiano. Il materiale artistico nella lezione offre una vera via d'uscita dalla musica da, letteratura, nella vita e ulteriormente, attraverso riflessioni sul mondo e il ritorno del bambino a se stesso, al suo senso interiore di valori, relazioni, ecc.

Arte musicale, nonostante tutta la sua specificità unica, non può essere fruttuosa senza sostegno da altri tipi di arte, perché Solo nella loro unità organica, puoi conoscere l'integrità e l'unità del mondo, l'universalità delle leggi del suo sviluppo in tutta la ricchezza dei sentimenti sensoriali, la diversità di suoni, vernici, movimenti.

Integrità, immagini, associativity, intonazionalismo, improvvisazione - questi sono i motivi su cui è possibile costruire il processo di ammissione degli scolari.

L'organizzazione dell'istruzione musicale basata sui principi delinea sopra ha un effetto benefico sullo sviluppo della capacità di base di una persona in crescita - lo sviluppo del pensiero artistico e figurativo. Questo è particolarmente importante per lo studente più giovane che ha una grande predisposizione alla conoscenza del mondo attraverso le immagini.

Quali sono le tecniche per lo sviluppo del pensiero artistico e figurativo?

Prima di tutto, il sistema di questioni e compiti che aiutano a rivelare ai bambini con un contenuto figurativo di arte musicale dovrebbe essere essenzialmente un dialogo e dare alla luce figli di scritti musicali di lettura creativa nei bambini. La domanda nella lezione della musica esiste non solo e non così tanto nella forma verticale (verbale), ma nel gesto, nella tua stessa esecuzione, nella reazione dell'insegnante e dei bambini sulla qualità dell'esecuzione, dell'attività creativa. La domanda può essere espressa e attraverso il confronto tra i lavori musicali tra loro e attraverso il confronto tra opere musicali con opere di altri tipi di arte. La direzione della questione è importante: è necessario concentrarsi sull'attenzione del bambino non all'esaurimento dei mezzi individuali di espressività (rumoroso, silenziosamente, lentamente, rapidamente - sembra che ogni bambino normale sente in musica), ma girato Per il suo mondo interiore, inoltre con i suoi sentimenti, pensieri, reazioni, impressioni risentiosi e inconsci che vengono serviti nella sua anima sotto l'influenza della musica.

A questo proposito, sono possibili problemi di questo tipo:

Ti ricordi le tue impressioni da questa musica sulla lezione passata?

Cosa è più importante nella musica o nelle parole del brano?

E nell'uomo, cosa più importante, la mente o il cuore?

Come ti sei sentito quando è suonata questa musica?

Ovunque lei potesse suonare nella vita, chi ti piacerebbe ascoltarla?

Cosa ha vissuto il compositore quando ha scritto questa musica? Quali sentimenti volevano passare?

Hai avuto una tale musica sotto la doccia? Quando?

Quali eventi nelle loro vite potresti connetterti con questa musica?

È importante non solo chiedere ai bambini una domanda, ma anche a sentire la risposta, spesso l'originale, non steroide, poiché non c'è niente di più ricco delle dichiarazioni del bambino.

E possa essere incoerente in esso, non ci sarà indifferenza, ma sarà l'individualità in esso, la recessione personale è e dovrebbe sentire e apprezzare l'insegnante.

La successiva ricezione pedagogica è associata all'organizzazione dell'attività musicale dei bambini nella lezione, come processo polifonico. La sua essenza è quella di creare le condizioni per leggere ogni figlio della stessa immagine musicale nello stesso momento, in base alla sua visione individuale, aumentata, sentendo la musica del suono. In un bambino, provoca una risposta del motore, e esprime le sue condizioni in mano di plastica, corpo, in qualsiasi movimento di danza; L'altro esprime la sua comprensione delle immagini musicali nell'immagine, a colori, in linea; Il terzo lavandino, spinge sullo strumento musicale, improvvisa; E qualcun altro "non" non "," solo pensieroso, ascolta attentamente (e infatti - potrebbe essere l'attività creativa più grave). Tutta la saggezza della strategia pedagogica in questo caso non è nella valutazione, che è migliore o peggio migliore, ma nella capacità di mantenere questa varietà di manifestazioni creative, incoraggiandola una varietà. Il risultato che non vediamo che tutti i bambini sentono la stessa, ascoltando musica, e nel fatto che la percezione della musica da parte dei bambini nella lezione ha acquisito il tipo di "partizioni" artistiche, in cui il bambino ha la propria voce, un individuo , unico, contribuisce ad esso un originale originale.

La conoscenza dell'arte musicale che stiamo costruendo attraverso la modellazione del processo creativo. Bambini come era la posizione dell'autore (poeta, compositore), cercando di creare per se stessi e altre opere d'arte. Molta variabilità di tale organizzazione della comprensione musicale è chiara. Il più ottimale sembra essere un dialogo musicale e semantico, quando, passando dal significato al significato, rintracciando lo sviluppo dell'immagine del lavoro dei bambini, così com'era: "Trova le intoniazioni necessarie che possono più esprimere pensiero musicale . Con questo approccio, il lavoro musicale non viene dato al figlio nel modulo finito quando rimane solo ricorda, ascolta, ripeti. Per lo sviluppo artistico e sagomato del bambino, è molto più prezioso venire al lavoro come risultato della nostra creatività. Quindi tutto il contenuto figurativo della musica, l'intera organizzazione e la sequenza del tessuto musicale diventano "vissuti", selezionati dai bambini stessi.

È necessario allocare un altro momento: quelle intonazioni che trovano i bambini nel processo della loro creatività non dovrebbero essere "personalizzate" il più vicino possibile all'originale dell'autore. È importante entrare nell'umore, nella sfera a forma emotiva del lavoro. Quindi, contro lo sfondo dei bambini creati da soli, e l'originale dell'autore diventa una delle possibilità per l'incarnazione di uno o di un altro contenuto di vita espresso in questa immaginazione musicale. Pertanto, gli scolari si applicano una comprensione della disposizione filosofica-estetica sulla possibilità di garantire la comunicazione spirituale tra la sua capacità unica, quando, in presenza di contenuti di vita generale, è espresso nella molteplicità di interpretazioni, esibizioni e ascoltatori.

Qualsiasi insegnante sa quanto sia importante e allo stesso tempo, in quanto è difficile preparare i ragazzi alla percezione della musica. La pratica mostra che i migliori risultati sono raggiunti quando la fase preparatoria della percezione della musica incontra i requisiti più importanti della percezione stessa, quando passa in vividamente in modo vivido in modo figurato, creativo.

Lezioni di musica, poiché vengono condotte da un insegnante di scuola onorato Margarita Fedorovna GOLOVIN - Queste sono lezioni di vita. Le sue lezioni si distinguono per il desiderio con tutti i mezzi "raggiungere tutti; Fai pensare alla difficoltà della vita, guardati in te stesso. La musica è arte speciale - per trovare in qualsiasi argomento del programma del programma che il nucleo morale, che in esso è posato e farlo accessibile agli scolari, non complicando il problema, ma anche, cosa più importante, non semplificandolo. Golovin m.f. Cerca che tutte le necessarie conoscenze, le competenze, le competenze focalizzate nell'attuale questioni morali ed estetiche, rispettivamente, l'età e l'esperienza musicale dei bambini, in modo che le riflessioni sulla musica vorrebbero davvero riflessioni (come La Barenboy: "... nell'antico greco Lingua significa: indossare sempre nel cuore ... ").

Nelle lezioni, le teste sono convinte della rilevanza dell'idea di base del nuovo programma - qualsiasi forma di insegnamento dei bambini con la musica dovrebbe essere destinata allo sviluppo della percezione dell'immagine musicale, e attraverso di esso - percezioni di diverso aspetti della vita. Allo stesso tempo, è importante che i ragazzi siano il più presto possibile al sentimento e alla consapevolezza delle specifiche dell'arte musicale, come l'arte dell'espressive in natura. GOLOVIN non usa quasi mai la domanda: "Cosa descrive questa musica?" Crede che la fastidiosa domanda sia: "E cosa raffigura la musica?" - Suggerisce che la musica deve definire qualcosa, insegnarli a un pensiero di "trama" concreto, fantasticando l'accompagnamento della musica.

Con queste posizioni, la testa presta molta attenzione alla parola sulla musica, dovrebbe essere luminosa, figurativa, ma estremamente tonica e sottile, per non imporre l'interpretazione del suo bambino al lavoro per vedere la sua percezione, la sua immaginazione, la sua fantasia creativa Alla musica, e non da lei: "Confesso", dice T. Beredderev, - più di una volta nelle lezioni della testa avevo un pensiero - vale la pena spendere così tanto tempo per scoprire cosa hai sentito gli studenti nella musica. Non è più facile da più, ha detto al programma del lavoro, invia i ragazzi al pensiero musicale su un canale rigorosamente definito? " Sì, "rispose la testa," senza dubbio, mi renderei la vita più facile per me stesso, circondando la percezione della musica con tutte le ricche informazioni relative al contenuto e alla storia della creazione musicale. E penso che lo avrebbe fatto brillantemente, affascinante, quindi i ragazzi avrebbero sentito. Tutto questo, ovviamente, sarà sicuro, ma non ora. Perché ora di fronte a me un altro compito - vedi quanto i ragazzi sono capaci di se stessi senza spiegazioni nella musica stessa per ascoltare il contenuto principale. Ho bisogno che lo facciano prima. Sentito nella musica stessa, e non si trovano nella trama quello che sapevano sulla storia, videro in televisione, leggi nei libri. "

Anche dai primi passi è necessario insegnare cantare significativo e inventivo. Guardando i momenti delle lezioni quando c'era un apprendimento di una canzone o di lavoro su di esso, "T. Vendereva scrive, - ricorda involontariamente lezioni più tipiche quando l'idea dell'espressività della musica, sul collegamento della musica con la vita con il Inizio di uno specifico lavoro di corano vocale in qualche modo impercettibilmente evapora, sembra diventare inutile, in eccesso. " GOLOVIN ha la qualità di questo musicista, ha cercato unità organica, artistica e tecnica nelle prestazioni della musica. Inoltre, i metodi, le tecniche sono diverse a seconda del lavoro, dell'età dei bambini, un argomento specifico. "Mi sono allontanato da tempo dalle designazioni della sillaba del ritmo", dice il Groove, "Penso che siano previsti più meccanicamente, perché Calcolato a beneficio dei modelli ritmici in cui nessuna immagine musicale non viene posata o la più elementare, perché tutta la credenza iniziale è costruita su elementare ".

Golovin cerca i bambini a "mancare attraverso se stessi" qualsiasi canzone. Dobbiamo cercare le canzoni che i problemi moderni rivelano, dobbiamo insegnare ai bambini, agli adolescenti e a pensare a cantare, pensare.

"Provo," dice Margarita Fedorovna, "divulgare i ragazzi, come una vita stessa, un cambiamento infinitamente capace di trasformarsi, al segreto. Se questo è un vero lavoro d'arte - è impossibile sapere alla fine. " Golovin cerca di fare tutto nel suo potere: un uomo, insegnante di musica, per forzare i ragazzi di unirsi agli alti ideali, a seri problemi della vita, ai capolavori dell'art. Allievi Margarita Fedorovna vedono come nell'opera dell'arte di qualsiasi genere sta cercando un profondo significato spirituale. M.f. La raccolta stessa assorbe da sola che accade intorno e non dà ai ragazzi di chiudersi all'interno del quadro della lezione. Li visualizza in confronto, paralleli, confronto, senza il quale non può esserci comprensione del mondo circostante e se stesso in esso. Lei sveglia pensieri, l'anima di BedIt. Se stessa sembra personifica quelle stupefacenti lezioni di musica e vita che danno ai bambini.

L. Vinogradov crede che "l'insegnante di musica deve essere uno specialista unico da rivelare alla musica figlio nella sua integrità". Cosa devi fare in modo che un bambino abbia davvero formato un'idea olistica della musica?

La musica ha leggi generali: movimenti, ritmi, melodie, armonia, forma, orchestrazioni e molti altri legati alla comprensione generale di quale musica è. Padroneggiare queste leggi un bambino proviene da comuni a particolari, alle opere concrete e ai loro autori. E gli conduce sul sentiero del capo della musica. Quindi, è necessario costruire un processo di apprendimento non da uno specifico, ma al contrario. E non parlare di musica, ma da fare, costruirlo, non vedere, ma crea il tuo su un elemento separato. Qui è opportuno rendere il Testamento dei Grandi Musicisti - Prima il bambino ha bisogno di creare un musicista, quindi premere lo strumento. Ma ogni bambino può diventare un musicista? Sì forse. VGUGO ha parlato di tre "lingue" della cultura - sulla lingua di lettere, numeri e note. Ora tutti erano convinti che tutti potessero leggere, contare. È ora, "disse Lion Vyacheslavovich Vinogradov, - assicurati che tutti possano diventare musicisti. Per la musica, come oggetto estetico, non è stato formato non per gli eletti, ma per tutti, tuttavia, al fine di diventare davvero musicale, è necessario per qualcosa di speciale, che è chiamato una sensazione musicale.

Il famoso pianista russo A.Rubystein ha giocato con grande successo, anche quando le macchie sono state trovate nel suo gioco, e molto evidente. Un altro pianista anche concerto, ma non così con successo, anche se ha giocato senza macchie. Successo A. Serbesteinv non gli ha dato la pace: "Forse tutto il caso negli errori del grande maestro?" - disse un pianista. E ad un concerto ha deciso di giocare con errori. Era dirottato. Rubinstein aveva errori, ma c'era musica.

È molto importante quando percepisce l'emozione positiva della musica. A Kirov, nei laboratori dei giocattoli del fumo, si presta attenzione al fatto che tutti gli artigiani sono piacevoli, volti luminosi (anche se le condizioni per il loro lavoro costituiscono molto da desiderare). Rispondono che, già appropriati per il laboratorio, si mettono per emozioni positive, per l'argilla non stava imbrogliando, li discuterà con un cattivo umore - il giocattolo avrà un cattivo, imperfetto, male. Anche con il bambino. Un aspetto rigoroso, la fisionomia adulta infelice non rende il suo umore buono.

Il bambino, avviato da genitori, educatori e altri adulti, arriva alle classi con un cattivo umore. Per fare questo, ha bisogno di "scaricare". E scaricato solo per calmare e fare una cosa reale. Ma i bambini hanno una via d'uscita da una tale posizione. E questa produzione dovrebbe organizzare un adulto. "In classe, perdo tutte queste situazioni con i bambini", scrive L. Vinogradov. Ad esempio, a sputare è indecente, e il bambino lo sa. Ma alla nostra lezione ho bisogno di farlo come esercizio per la respirazione. (Ho perso, naturalmente, "asciutto"). Nella lezione, può permetterselo senza festa. Forse griderà e segnerà il punteggio quanto vuoi e immergere e trasportare e migliorare, e molto altro ancora. " E tutto questo usa L. Rinograds finalizzato, con il beneficio per la lezione, per la completa comunicazione con la musica, per la percezione olistica.

Anche molto importante L. Vinogradov considera l'organizzazione ritmica del corpo umano. L'organizzazione ritmica è agilità, coordinamento, convenienza. In queste condizioni è più facile imparare. L. Vinogradov offre ai bambini, ad esempio, anche compiti: per ritrarre il corpo, come cadono le foglie. "O", dice Vinogradov, - il mio pavimento, guardando ciò che accade a un panno, come si piega, come l'acqua è schiacciata, come l'acqua gocciola da esso, ecc., E poi raffigurano ... Schermo. " La pantomima è ampiamente utilizzata in classi con bambini, cioè Dato il compito è rappresentare qualche situazione di vita (prendere un filo e un ago e cucire un pulsante e altro). Molti bambini lavorano molto bene. E questo mostrerà quel bambino che ha avuto una povera esperienza di vita limitata nell'azione tematica? Se il corpo si muove poco verso di lui, allora il pensiero è pigro. Pantomime è interessante e utile per i bambini di qualsiasi età, specialmente quelli che hanno una brutta immaginazione. Il sistema di allenamento Vinogradov aiuta i bambini a penetrare nelle "cache" della musica più a fondo.

La preparazione per la percezione della musica può essere effettuata in diverse forme. Dimoiamoci in modo più dettagliato sulla preparazione della percezione del modo musicale di altre art.

La tendenza più distinta della preparazione figurativa per la percezione della musica si manifesta quando questa preparazione si basa sull'immagine di un'altra arte. Tali paralleli come la storia di K. Pouustovsky "Vecchio cuoco" e la seconda parte della Symphony "Giove" V. Motzart, pittura V.VasnetSova "Bogati" e "Bogatym Symphony" A. Corodina, immagine di Pern "Troika" e Romance Mussorgsky "Sirtry".

La preparazione della percezione delle attrazioni musicali di un'altra arte ha una serie di vantaggi innegabili: stabilisce i ragazzi per una percezione di musica vivente, figurativa della musica, formano associazioni artistiche, molto importanti nella percezione di qualsiasi arte, compresa la musica. La preparazione della percezione dell'atteggiamento musicale di un'altra arte non dovrebbe portare la natura del programma della successiva percezione della musica. La storia, leggi prima di ascoltare la musica, non la racconta, solo la musica, che suona dopo la storia, non dovrebbe essere seguita dai sacerdoti della storia. L'immagine mostrata prima di ascoltare la musica non disegna musica, solo la musica, che suona dopo aver visto l'immagine non raffigura una foto. Ricorda la brillante "Trinità" A. Rublev. Per tre lati del trono con pasti sacrificali, tre sedersi. Il quarto lato del trono è vuoto, ci aggiunge. "... e io verrò alla legge e la sera con lui, e lui con me." Questa è la natura dell'entrata del bambino nella musica in una scuola secondaria: dall'intonazione della Parola ("Ho avuto una parola") in intonati, il sistema di musica, nella sua medeta, all'immagine principale dell'immagine. E lì, dentro, prova a rivelare la tua anima. Non uno studio generale di musica professionale, musicale, non la decomposizione del lavoro musicale sugli scaffali sui termini, le linee del nome e la sua percezione olistica. La comprensione musicale e la consapevolezza di come sei, puoi risolvere i problemi eterni dell'essere umano: buono e cattivo, amore e tradimento. Perché lei è indirizzata a te, e per te è rimasto in esso. "E andrò in guerra."

L'esperienza mostra che spazi culturali piuttosto gravi dei bambini 5 - 7 lezioni è la mancanza delle fondamenta del pensiero musicale e storico. Gli scolari non fanno sempre un'idea abbastanza chiara della sequenza storica della nascita di alcuni capolavori musicali, non c'è spesso alcun sentimento di storicismo nel fare fenomeni correlati nella musica, la letteratura, la pittura, sebbene il programma moderno permettesse all'insegnante più profondamente che in altre discipline umanitarie, per svolgere interpretare, mostrare musica internamente chiamando musica e altre arti.

A questo proposito, vorrei ricordare che la musica come tipo di arte si è sviluppata storicamente in una serie di altri tipi di attività artistiche, tra cui danza, teatro, letteratura, nei nostri giorni - cinema, ecc. Tutte le relazioni con l'altra arte I tipi sono genetici e il ruolo nella cultura del sistema artistico - sintetizzante, come evidenziato da numerosi generi musicali, prima di tutto - opera, romanticismo, software sinfonia, musica, ecc. Queste caratteristiche della musica offrono ampie opportunità di studiare sull'era, gli stili, varie scuole nazionali nel contesto dell'intera cultura artistica, la sua formazione storica.

Sembra importante essere un'associazione con altri tipi di arte, sulla base dello sviluppo storico della cultura artistica attraverso la percezione, la comprensione, l'analisi delle immagini musicali effettive. Il percorso verso questo ", afferma L.Shevchuk, insegnante di musica shk. №622 Gyu Moscow, - in attività extracurricolari organizzate appositamente organizzate.

È necessario che il lavoro extracurricolare sia così costruito in modo che i dipinti della passata cultura artistica siano percepiti dai ragazzi non "fotografica fotografica" e volume nella loro logica interna. Vorrei che i ragazzi sentiremo le caratteristiche del pensiero artistico di una o di un'altra era, nel contesto della quale sono state create le opere di arte musicale, poesia, pittura, teatro.

Le principali tecniche metodologiche di tali "viaggi" erano due. In primo luogo, è necessario "immersione nell'era, nella storia, all'atmosfera spirituale che promuove la nascita di grandi creature d'arte. In secondo luogo, è necessario tornare alla modernità, al giorno d'oggi, cioè. Famosa attualizzazione del contenuto delle opere delle epoche passate nella cultura del moderno, universale.

Ad esempio, puoi organizzare un viaggio al "Ancient Kiev". Il materiale artistico era l'EPICS, le riproduzioni degli antichi templi di Kiev, Bell Tall, i record degli estratti del canto a cereale a grana. Lo scenario di serraggio includeva 3 parti: prima la storia della prima cultura russa medievale, del tempio cristiano e della sua architettura unica, del campanile e del canto corale, sull'importanza della piazza della città, dove i narratori - gli huslaristici hanno eseguito la loro epica e folk giocando al culto. In questa parte, le classi sono asciugate che i ragazzi si sono quindi eseguiti dal coro. La seconda parte è dedicata agli episodi. Si dice che queste sono canzoni su Starne (nel popolo - vecchio), apparso molto tempo fa e sono stati trasmessi dalla "bocca alla bocca". Molti hanno sviluppato in Kievan Rus. I ragazzi leggono estratti dall'affacciata epica e Svyatogore, Dobryne, Ilya Muromster e altri. L'ultimo frammento di "viaggi" è chiamato "antico rus con gli occhi degli artisti delle altre epoche". Ecco gli estratti del "Vosnignit" S. Rashmaninov, "Chimes" A. Gavrillin, riproduzioni di V.vasnetnetsov, N. Rierich.

L'arte ha avuto origine all'alba della civiltà come riflesso dei sensi e dei pensieri dell'uomo. La vita stessa era la sua fonte. La persona circondava l'enorme e diverso mondo. Eventi che sono accaduti intorno, hanno influenzato il suo carattere, la struttura della vita. L'arte non è mai esistita separatamente dalla vita, non c'era illusorio, è fusa con il linguaggio di persone, costumi, caratteristiche del temperamento.

Dalla prima lezione di grado 1, riflettiamo sul luogo della musica nella vita delle persone, la sua capacità di riflettere gli stati più elusivi dell'anima umana. Ogni anno, i bambini percepiscono il mondo della musica, pieno di sentimenti e immagini. E quali sentimenti sono l'uomo quando cuce un abito, lo decora con ricamo, costruisci una dimora, è la fiaba? Questi sentimenti di gioia o profonda tristezza e tristezza, metti in pizzo, prodotti in argilla? La musica può essere un riflesso della vita in tutte le sue manifestazioni, per esprimere gli stessi sentimenti e trasformare qualche evento storico nell'epica, canzone, Opera, Cantata?

L'uomo russo amava sempre a fare giocattoli di legno. Le origini di qualsiasi pesca entrano in profonda antichità, e non sappiamo chi ha creato per la prima volta il giocattolo, che ha dato vita alla pesca "Bogorodskaya intaglio". Tutti i ragazzi tagliati sull'albero sull'albero, è un cerchio - la mano stessa si estende. Forse gli artigiani servivano per molto tempo nell'esercito e, tornarono dagli anziani, cominciarono a fare giocattoli divertenti per la gioia dei ragazzi vicini, e, naturalmente, la vita si rifletteva in loro. Quindi la canzone "Soldatshi" con ampie mosse inghiottita nella melodia, una forte quota brillante riecheggia il modo scortese e affilato di una scultura di un soldato di legno. Questo confronto aiuta a capire la forza, il taglio, la durezza della natura russa, le origini della musica.

Caratteristiche accurate, luminose, laconici nella lezione, il materiale visivo interessante aiuterà a mostrare ai bambini che la musica del russo e della musica di altre nazioni è strettamente correlata alla vita. La musica riflette la vita, la natura, le dogane, gli eventi storici, i sentimenti e gli stati d'animo.

Secondo la tradizione, ciascuna delle arti è data agli scolari separatamente, si è fissata debolmente con le loro conoscenze, idee e attività comuni. La teoria generale dell'istruzione artistica e la formazione della personalità del bambino sotto l'influenza delle arti, anche nel processo della loro interazione, è scarsamente sviluppata.

Le tecniche metodologiche sviluppate sono più progettate per la professionalità artistica che sullo sviluppo del pensiero figurativo e sulla percezione sensuale del mondo circostante. Ma esperienza di ricerca e la mia pratica, "scrive Yu.antonov, insegnante del laboratorio scolastico dell'associazione creativa dei bambini della Lituania" Muza ", conferma che la difesa della stretta professionalità non contribuisce allo sviluppo del pensiero creativo dei bambini , specialmente all'inizio della formazione.

A questo proposito, c'è stata un'idea di creare una struttura in cui l'arte guidata dalla musica e dalle arti visive interagiscono. Le classi sono state condotte in modo tale che la canna di tutto il lavoro fosse musica, il suo contenuto, il colore emotivo, il cerchio delle sue immagini. Era la musica che ha dato la spinta dell'ingreno e della plastica, ha superato la condizione dei personaggi. Ha incluso settimanalmente tipi diversi di creatività artistica, dalla grafica e dalla pittura alla coreografia e alla teatralizzazione.

Mentre i ragazzi stessi si dicevano: "Scrive y.antonov," l'installazione sull'espressione del contenuto nelle linee e il colore li ha mobilitati a un'altra udienza, e successivamente la stessa musica in movimento era già espressa già più facile e libera.

L. Burale, insegnante DMSH, meditare sulla collaborazione delle Arti, scrive: "Mi sono reso conto che è molto importante pensare al deposito del materiale. A volte è appropriato inserire una parola poetica anziché una conversazione o un'analisi, ma molto accurata dovrebbe essere questa parola, consonante con il tema che non distrae e non conduce alla musica ".

K. Ushinsky ha sostenuto che l'insegnante che desidera che qualcosa di catturare fermamente nelle menti dei bambini deve prendersi cura del fatto che il maggior numero possibile di sentirsi partecipare alla dichiarazione di memorizzazione.

Molti insegnanti si applicano nella classe della musica nelle foto della scuola, riproduzione di opere d'arte. Ma allo stesso tempo, ricordano che la percezione dell'immagine, la risposta emotiva nell'anima di ogni bambino dipende da come la riproduzione o ritratto dell'insegnante compositore, in quale formato, colore, in quale forma estetica. Non causerà una risposta adeguata alla disordinata riproduzione della perdita, con bordi piegati e maltrattati, traslucido il testo del retro, punti grassi ...

La combinazione di musica, poesia, arte visiva conferisce all'insegnante l'insegnante con opportunità illimitate per fare una lezione ad affascinanti e interessanti per gli studenti.

Ad esempio, con lo studio della creatività di A. Beethoven, le linee del poema dell'aeromobile. Natale:

Dove ha preso questi suoni cupi

Attraverso un velo denso della sordità?

Il collegamento della tenerezza e della farina,

Fogli a basso livello!

Toccando le fedeli chiavi del larp

E scuotere lo spessore di Grivy,

Giocato non sentire le note nessuna

Sordo di notte nella stanza vuota.

Tre ore e candele galleggianti,

C'era un coraggio contro il destino

E lui tutta la coscienza della farina umana

Ho detto solo me stesso!

E convinto e credeva con forza

Per coloro che sono soli nel mondo

C'è qualche luce, nata non è invano,

E musica - Immortalità Pledge!

Grande cuore fruscia e schermi

Ha portato la sua conversazione attraverso la seme

E sentito nella finestra divulgata Linden

Tutto ciò che non ha sentito.

Luna sopra la città si trova tutto sopra

E non è sordo, e questo mondo è in giro,

Quale musica non sente le cose

Nato in felicità e corno Muk!

S.V. Rashmaninov - proprietario del meraviglioso talento compositore e potente talento dell'artista - Artista: pianista e conduttore.

L'aspetto creativo di Rachmaninov è sfaccettato. La sua musica porta un ricco contenuto di vita. Ci sono immagini di profonda tranquillità, illuminata da una sensazione leggera e affettuosa, piena di lisismo delicato e cristallino puro. E allo stesso tempo, un certo numero di lavori di Rachmaninov sono saturi di dramma acuto; Si sente un desiderio doloroso sordo qui, è sentita l'inevitabilità di eventi tragici e formidabili.

Tale nitidezza dei contrasti non è casuale. Rachmaninov è stato espressivo di tendenze romantiche, per molti aspetti caratteristici dell'arte russa della fine del XIX e del primo ventesimo secolo. L'arte di Rachmaninov è caratteristica dell'elevazione emotiva, che il blocco ha identificato come "avido desiderio di vivere una vita di studio ..." Caratteristiche della creatività di Rakhmaninovsky sono radicate nella complessità e nelle tensioni della vita pubblica russa, in enormi shock che il paese sopravvissuto negli ultimi 20 anni prima della rivoluzione di ottobre. Il compositore sta determinando la globlilità del compositore: da un lato, - sete passionale per il rinnovamento spirituale, speranza per i prossimi cambiamenti, la gioiosa premonizione di loro (che era associata al potente aumento di tutte le forze democratiche della società su La vigilia durante la prima rivoluzione russa), e d'altra parte, la premonizione dell'elemento formidabile che si avvicina, gli elementi della rivoluzione proletaria, nella sua essenza e nel significato storico del tempo per la maggior parte dell'integrazione russa del tempo. Fu durante il periodo tra il 1905 e il 1917 nelle opere di Rachmaninov, l'umore del tragico condannato doveva essere aumentato ... Penso che nel cuore delle persone quest'ultima delle generazioni cadde un senso implementato di catastrofe; - ha scritto circa questo blocco temporale.

Un posto estremamente importante nel lavoro di Rakhmaninov appartiene alle immagini della Russia, della madrepatria. La natura nazionale della musica si manifesta in una profonda connessione con la canzone russa del popolo, con il romanticismo della città - la cultura della famiglia di Kansa XIH e \u200b\u200bl'inizio del XX secolo, con il lavoro del Tchaikovsky e dei compositori "possente tazza". Nella musica di Rachmaninov, la poesia dei testi della canzone folk, immagini dell'epopia folk, l'elemento orientale, i dipinti della natura russa si sono riflessi. Tuttavia, quasi non ha usato argomenti popolari genuini, ma solo crkplicantemente liberamente, si svilupparono in modo creativo.

Il talento di Rachmaninov - lirico dalla sua natura. L'inizio lirico trova l'espressione principalmente nel ruolo dominante è ampio, tirando, nella sua natura della melodia. "La melodia è musica, la base principale di tutta la musica. L'ingenuità melodica, nel senso più alto della Parola, è l'obiettivo principale del compositore ", wuestested Rachmaninov.

L'arte di Rakhmaninov - Artista è una genuina creatività. Ha inevitabilmente portato qualcosa di nuovo, il suo, Rakhmaninovskoye alla musica degli altri autori. La melodiosità, il potere e la completezza del "canto" sono le prime impressioni del suo pianismo. Una melodia regna tutto. Non siamo stupiti non il ricordo di lui, non le sue dita che non perdono alcun dettaglio del tutto, altrimenti il \u200b\u200bnumero intero, quelle immagini ispiratrici che ripristina davanti a noi. La sua tecnica gigante, il suo virtuosismo serve solo il chiarimento di queste immagini, "così profondamente e correttamente descriveva l'essenza dell'arte pianistica di Rakhmaninov il suo amico, compositore n.k.metner.

In precedenza, il pianoforte e i prodotti vocali del compositore sono stati riconosciuti e ricevuti e ricevuti, significativamente più tardi - sinfonico.

I romanzi di Rakhmaninov nella loro popolarità competono con i suoi lavori di pianoforte. Rachmaninov è scritto circa 80 romanzi per i testi dei poeti russi - testi della seconda metà del XIH e \u200b\u200bgiro del ventesimo secolo e solo un po 'più di una dozzina delle parole dei poeti della prima metà del diciannovesimo secolo (Pushkin , Koltsova, Shevchenko in traduzione in russo).

"Lilac" (le parole E. Beketova) è una delle perle più preziose dei testi di Rakhmaninovsky. La musica di questa storia d'amore è caratterizzata da un'eccezionale naturalezza e semplicità, una meravigliosa fusione della sensazione lirica e delle immagini della natura, espressa attraverso sottili elementi musicali - scenici. Tutti i cantante musicale del tessuto musicale, le frasi melodiche e vocali flugeranno facilmente uno dopo l'altro.

"Nel notturno silenzio della notte" (The Words A.a.Feta) è un'immagine molto caratteristica dei testi di amore. Il dominante sensualmente - un tono appassionato è già determinato nella voce strumentale. Melody cantando, espressivo declamminalmente.

"Ho amato la mia tristezza" (versi di Pekhshchenko in A.n.plecheva). Secondo il contenuto della canzone - romanticismo

associato al tema dell'assunzione, e in stile e genere - con il pianto. Momento premuroso è caratteristico della melodia nei finali di frasi melodiche, rami drammatici, in qualche modo oscuri in sci sci. Migliora la vicinanza della parte vocale all'esenzione - piangendo. Gli accordi arpellati "pezzo" all'inizio della canzone enfatizzano il suo magazzino popolare

Ferrenz foglio (1811 - 1866) - Compositore e pianista ungherese brillante, il più grande artista è un musicista del popolo ungherese. Progressive, democratico, ad esempio, l'avviso dell'attività creativa del foglio è associata in gran parte con la lotta di liberazione del popolo ungherese. La lotta di liberazione nazionale della gente contro la monarchia austriaca IgA. Fuso con la lotta contro feudale - padrone di casa in Ungheria. Ma la rivoluzione 1848 - 1849 fu sconfitta e l'Ungheria era di nuovo sotto l'oppressione dell'Austria.

In gran parte delle opere di Ferinet, viene utilizzato un folclore musicale ungherese, caratterizzato da grande ricchezza e originalità. I ritmi caratterizzati, il fatturato di lade e melodico, e le genuine melodie della musica folk ungherese (per lo più urbana, tipo "verbunkos") ha ricevuto l'implementazione creativa e la lavorazione in numerose opere di foglio, nelle loro immagini musicali. In Ungheria stessa, il foglio doveva vivere a lungo. La sua attività ha proceduto principalmente al di fuori della patria - in Francia, Germania, Italia, dove ha svolto un ruolo eccezionale nello sviluppo della cultura musicale avanzata.

A proposito della stretta connessione del foglio con l'Ungheria, il suo libro sulla musica dello zingaro ungherese, così come il fatto dello scopo dell'elenco delle foglie dal primo presidente della National Music Academy di Budapest.

L'incoerenza della creatività del foglio sviluppata in uno sforzo per il programma, la forma specifica dell'immagine musicale, da un lato, e talvolta nell'astratta di risolvere questo specifica, d'altra parte. In altre parole, il programma in alcuni lavori del foglio è stato deviato - carattere filosofico (ideali "del poema sinfonico").

Il sorprendente multiforme caratterizza creativo e musicalmente - attività sociali del foglio: un brillante pianista che apparteneva ai più grandi artisti del diciannovesimo secolo; Grande compositore; Pubblicamente - una figura musicale e l'organizzatore che si trovava alla testa del movimento avanzato nell'arte musicale, combattuta per la musica del programma contro l'arte atriale; L'insegnante è un educatore dell'intera pleiad di meravigliosi musicisti - pianisti; Scrittore, critico musicale e pubblicista, audacemente opposto alla posizione umiliante degli artisti in una società borghese; Il conduttore è un tale foglio, uomo e artista, aspetto creativo e attività artistica intensiva di cui sono uno dei fenomeni più eccezionali nell'arte musicale del XIIV secolo.

Tra l'enorme set di opere di pianoforte, uno dei luoghi più importanti occupano le sue 19 rapsodie, che sono la lavorazione e le fantasie virtuoso sui temi delle canzoni e della danza del folk ungherese e della zingana. La rapsodia ungherese del foglio ha obiettivamente rispose la crescita dell'identità nazionale del popolo ungherese durante la sua lotta per l'indipendenza nazionale. In questo, la loro democrazia, questa è la causa della loro popolarità sia in Ungheria che oltre.

Nella maggior parte dei casi, il Rapesee di ogni foglio contiene due argomenti contrastanti, frequenti variazioni. Molte rapasodies sono graduali iniezione di dinamiche e tempo: Livenist - un tema cignital di un personaggio significativo va in ballo, accelerando gradualmente e finendo la danza rivolgente, rapida e infuocata. Tale, in particolare, la 2a e la sesta rapinazione. In molti metodi di struttura del pianoforte (prove, salti, vari tipi di arpeggio e figure), il foglio riproduce la caratteristica audiblità degli strumenti folk ungheresi.

La seconda rapsodia appartiene alle opere più caratteristiche e migliori di questo tipo. Un breve effetto spettacolo - l'ingresso improvvisativo introduce nel mondo dei dipinti luminosi e colorati della vita popolare, che costituiscono il contenuto della rapsodia. Forechelages, suona caratteristica della musica folk ungherese e assomiglia a cantanti cantanti - insegnanti. Accordi accurati con le formule riproducono Bryatsania sulle corde degli strumenti folk. L'ingresso entra in un ramo con elementi di danza, che poi entra in una leggera danza con lo sviluppo variazionale.

Il sesto Rapesee è composto da quattro sezioni chiaramente deliberate. La prima sezione è una marcia ungherese e porta il carattere di una processione solenne. La seconda sezione di Rhapsodia è una danza rapida, rianimata da sinconi in ogni quarta tatto. La terza sezione è una canzone - un'improvvisazione spettacolari che riproduce cantanti cantanti - obsiste da parte degli articoli e riccamente ornato, si distingue per ritmo libero, abbondanza di Fermat, passaggi virtuosi. Quarta sezione - Danza veloce disegnando una foto di divertimento popolare.

A.D.Sostakovich è uno dei più grandi compositori della modernità.

La musica Shostakovich è distinta da una profondità, ricchezza di contenuti figurativi. Il grande mondo interiore di una persona con i suoi pensieri e le sue aspirazioni, dubbi, un uomo che combatte contro la violenza e il male, è il principale argomento di Shostakovich, diversamente incarnato sia nelle opere lineiche del lirico generalizzate che in scritti per il contenuto storico.

Genere Diaposon Creatività Shostakovich è fantastico. È autore di sinfonia e ensemble strumentali, forme vocali maggiori e da camera, opere musicali - sceniche, musica per film e produzioni teatrali.

Non importa quanto grande l'abilità di Shostakovich nella sfera vocale, la base della creatività del compositore è la musica strumentivativa, e soprattutto la sinfonia. L'enorme scala del contenuto, la generalizzazione del pensiero, l'acutezza dei conflitti (sociali o psicologici), il dinamismo e la logica rigorosa dello sviluppo del pensiero musicale - tutto ciò determina l'aspetto di Shostakovich, come compositore - un sinfonico.

Shostakovich è caratterizzato da un'eccezionale originalità artistica. Lo stile polifonico gioca un ruolo importante nel suo modo di pensare. Ma è importante per il compositore un'essenza di costruzioni strutturalmente chiari di un omofono - magazzino armonico. Simphonism Shostakovich, con i suoi profondi contenuti filosofici -ithologici e un intenso dramma, continua la linea Tchaikovsky Simphonism; Generi vocali, con il loro sollievo panoramico, sviluppare i principi di Mussorgsky.

Le scale ideologiche della creatività, l'attività del pensiero dell'autore, qualunque sia l'argomento che ha riguardato - in tutto questo, il compositore era come le alleanze dei classici russi.

La sua musica è peculiare di aprire il pubblicità, argomenti topici. Shostakovich ha fatto affidamento sulle migliori tradizioni della cultura nazionale e straniera del passato. Quindi le immagini della lotta eroica tornano a Beethoven, le immagini della meditazione sublimata, una maggiore bellezza e resistenza - I.-S. Bahu, dalle Tchaikovsky sincero, immagini liriche. Con Musorgsky, l'ha portato più vicino al metodo per creare caratteristiche realistiche delle persone e scene populiche, portata della tragedia.

Symphony No. 5 (1937) occupa un posto speciale nel lavoro del compositore. Segnò l'inizio di un periodo maturo. La sinfonia si distingue dalla profondità e dal completamento del concetto filosofico e della mastratta matura. Nel centro della sinfonia - un uomo, con tutte le sue esperienze. La complessità del mondo interiore dell'eroe ha causato una vasta gamma di contenuti sinfonici: dalla riflessione filosofica allo schizzo del genere, dalla tragedia pathos a Grottesque. In generale, la sinfonia mostra il percorso dell'eroe dalla tragica vista mondiale attraverso la lotta verso la gioia dell'affermazione della vita attraverso la lotta verso la gioia dell'affermazione della vita. Nelle parti I e III delle immagini di lyrico - psicologiche che rivelano il dramma delle esperienze interne. La seconda parte passa a un'altra sfera - questo è uno scherzo, gioco. Parte IV percepita come trionfo di luce e gioia.

Io parte. La parte principale trasmette un pensiero profondo e concentrato. L'argomento viene effettuato canonicamente, ogni intonazione acquisisce particolare significato ed espressività. La parte laterale è un contenuto sereno e un'espressione di un sogno. Pertanto, non vi è alcun confronto contrasto tra le parti principali e laterali nell'esposizione. Il conflitto principale I della parte I è sottoposto al confronto dell'esposizione e dello sviluppo, che riflette il modo di lottare.

Parte II - Game, Skierzo's Sword. Il ruolo della seconda parte è in opposizione a un complesso dramma che parte. Si basa su famiglie, immagini rapide ed è percepita come maschere di carnevale.

III parte esprime formazioni di lirico - psicologiche. Non c'è conflitto tra una persona e la sua forza ostile. La parte principale esprime un razdar focalizzato - questa è una forma di realizzazione nella musica del tema della madrepatria, inseguendo la poetica della sua natura nativa. La parte laterale disegna la bellezza della persona circostante della vita.

Il finale. Percepito come lo sviluppo dell'intera sinfonia a causa della quale si ottiene la celebrazione della luce e della gioia. La parte principale ha un carattere a forma di marzo e suoni potenti e rapidamente. La parte laterale sembra un ampio inno respiratorio. Codice - ApAfosis solenne del bambino.

"Esplorando il processo di conoscenza della musica come problema pedagogico, siamo venuti alla conclusione - scrivendo. Pylovyaauskak nel suo articolo" cognizione della musica come problema pedagogico "che l'obiettivo dichiarato è quello di portare una persona - deve incontrare uno speciale Tipo di conoscenza del lavoro musicale che abbiamo chiamato la conoscenza artistica "Le sue caratteristiche evidenziate brevemente in confronto con altri tipi di comunicazione più familiari con la musica.

Tradizionalmente ci sono diversi tipi di conoscenza della musica. Sostenitori di un approccio scientifico, musicale - teoritico alla musica Il compito principale vedi nell'illuminazione umana con la conoscenza relativa al lato strutturale del lavoro, forma musicale nel grande senso della parola (edificio, mezzi espressivi) e l'educazione del corrispondente competenze. Allo stesso tempo, in pratica, il valore della forma è spesso assolutamente assoluto, diventa davvero l'oggetto principale della conoscenza, un oggetto che è anche difficile da percepire dall'udienza. Tale approccio è caratteristico delle istituzioni educative professionali e delle scuole di musica per bambini, ma "Otzvuki" è anche sentita nelle linee guida per le scuole di educazione generale.

Un altro tipo di conoscenza è considerato più adatto per i non professionisti - ascolta la musica e godersi la sua bellezza. In effetti, è così spesso accaduto quando comunichi con la musica nella sala da concerto, se il "dizionario intonazionale" dell'ascoltatore corrisponde al sistema intonazionale del lavoro. Più spesso, un tale tipo di conoscenza è caratteristico del pubblico, che ama già la musica seria (stile di cemento, epoca o regione). Chiamiamolo conoscenza amatoriale passiva condizionatamente.

Alle lezioni della musica in una scuola secondaria, la conoscenza dilettante attiva è la più spesso praticata quando il compito principale è definire l'umore della musica, il suo carattere, insieme a un modesto tentativo di realizzare fondi espressivi. Come spettacoli pratiche, le dichiarazioni di screening sullo "umore" della musica saranno presto annoiate da scolari, e spesso usano caratteristiche standard, senza nemmeno ascoltare il lavoro.

La cosa principale è che tutti i tipi di conoscenza specificati non siano in grado di influenzare direttamente l'identità dello studente in qualsiasi estetico, o in termini morali. Nel sé, su quale impatto educativo mirato della musica si può dire quando la consapevolezza del modulo di lavoro o la caratteristica del suo umore sta arrivando alla ribalta?

Nella conoscenza artistica della musica, il compito di uno scolaro (ascoltatore o artista) è un altro: nella conoscenza di quelle emozioni e dei pensieri simpatici che ne derivano nel processo di comunicazione con la musica. In altre parole, nella conoscenza del significato personale del lavoro.

Questo approccio alla musica aziona le attività degli studenti e rannunge il motivo del valore significativo di questa attività.

Il processo di percezione dell'immagine musicale contribuisce non solo alla connessione con altri tipi di arte, ma anche la parola poetica vivente dell'insegnante.

"La parola non può mai spiegare completamente l'intera profondità della musica", ha scritto v.a.sushellinsky, "ma senza una parola, è impossibile avvicinarsi a questa sfera più sottile della conoscenza dei sentimenti".

Nessuna parola aiuta l'ascoltatore. Uno dei requisiti più importanti per la parola introduttiva può essere formulata in questo modo: la parola artistica aiuta - luminoso, emotivo, figurativo.

È molto importante per l'insegnante trovare l'intonazione giusta per ogni conversazione specifica. È impossibile parlare dell'eroico di L. Bethoven e dei testi di P. Tchaikovsky sugli elementi di danza della musica A. Khaturian e la marcia allegra di I. Dunaevsky. Nella creazione di un certo stato d'animo, un mid di mermiere espressivo, gesti, persino la posa dell'insegnante, ha la parola d'ingresso di un insegnante dovrebbe essere la parola introduttiva che conduce alla principale percezione della musica.

Nel libro "Come dire ai bambini sulla musica?" D.B. Kabalevsky scrive che prima di ascoltare, non è necessario riguardare le opere che suonerà in dettaglio. È più importante creare un ascoltatore su una certa ondata da una storia sull'era, sul compositore o sulla storia del lavoro, che Dmitry Borisovich chiama la biografia del lavoro. Tale conversazione crea immediatamente un umore alla percezione del tutto e non dei momenti individuali. Ci saranno aspettative, ipotesi. Queste ipotesi gestiranno la percezione successiva. Possono essere confermati per cambiare parzialmente, anche rifiutare, ma in uno qualsiasi di questi casi, la percezione sarà olistica, emotiva-semantica.

In una delle conferenze sulla generalizzazione dell'esperienza nella musica, è stata fatta una proposta: prima di ascoltare la nuova musica, a conoscere studenti (secondarie e scuole superiori) con il principale materiale musicale, per analizzare i mezzi di espressività musicale.

È stato anche suggerito prima di ascoltare gli studenti di compiti specifici: seguire lo sviluppo di un particolare argomento, traccia lo sviluppo di un mezzo di espressività separato. Le tecniche menzionate hanno criticato dal punto di vista dello sviluppo della percezione creativa dell'immagine musicale?

Lo spettacolo di alcuni argomenti alla percezione iniziale, nonché compiti specifici volti a strappare una delle parti, priva la successiva percezione dell'integrità, che riduce bruscamente, o del tutto esclude gli effetti estetici della musica.

Mostrando certi argomenti alla percezione olistica iniziale, l'insegnante stabilisce peculiari "torri", aiutando l'orientamento degli scolari in una composizione sconosciuta. Tuttavia, questa forma di assistenza allo studente solo a prima vista sembra giustificata. Con un uso sistematico, dà origine agli scolari di un tipo di "dipendenza uditiva". Una spiegazione preliminare della musica prima dell'ascolto sembra arrow uno studente quando ascolta questo lavoro, ma non lo insegnerà a capirlo in musica non familiare stessa, non lo prepara per la percezione della musica fuori dalla classe. Di conseguenza, non lo prepara alla percezione creativa della musica.

In caso di anticipare la percezione olistica della musica da istruzioni analitiche, l'insegnante è reale, il pericolo di licenziamento di espressività musicale come modello tecnologico. È necessario sforzarsi di garantire che tutti i problemi analitici influenzassero la lezione, ci sarebbe molta musica percepita dagli studenti. L'analisi che verrà fatta nella lezione dei ragazzi con l'aiuto di un insegnante dovrebbe essere basata su una percezione olistica, su una comprensione olistica o una o l'altra.

È legittimo in generale rinunciare al datazione preliminare degli studenti con il materiale musicale del lavoro? Il supporto alla percezione iniziale del materiale musicale mostrato dall'insegnante immediatamente prima di ascoltare, il nuovo programma si oppone al sostegno dell'esperienza cumulativa della percezione olistica della musica. La conoscenza preliminare con il materiale musicale di tutto si verifica nella forma di immagini musicali più o meno indipendenti.

Audizione ed esecuzione di molte canzoni, melodie sufficientemente completate e costruzioni più dettagliate preparano gli studenti a percepire grandi saggi o singoli parti, dove le immagini musicali che suonavano prima diventano parte di un'immagine musicale più multifaceta, inizia a interagire con altre immagini musicali.

Per quanto riguarda la legittimità della percezione della musica con un compito speciale, quindi da questa ricezione non dovrebbe essere rifiutato, perché Ascoltare la musica con un compito speciale consente ai ragazzi a volte di ascoltare il fatto che senza tale compito potrebbe semplicemente passare con la loro attenzione. Ma per utilizzare questa tecnica, come indicato nel programma, segue solo quando non può essere fatto senza di esso: per la più profonda divulgazione di determinati volti del mantenimento del lavoro musicale percepito dagli scolari. L'uso di questa ricezione solo nel nome del "esercizio" dell'udito (non più di) - è escluso.

Quindi la percezione dell'immagine musicale degli scolari dovrebbe essere organizzata pedagogicamente. Allo stesso tempo, il punto di riferimento più importante per l'insegnante è un settore di musica a forma emotiva, tenendo conto dell'originalità di cui dovrebbe costruire il suo lavoro sullo sviluppo dello sviluppo di una percezione adeguata, sottile e profonda della musica .

Attenzione particolare dovrebbe essere prestata all'insegnante per preparare i bambini alla percezione di una nuova composizione musicale. Appello alla musica correlata dell'arte, la parola poetica vivente dell'insegnante della musica è un mezzo per aiutare a risolvere il problema centrale dell'istruzione musicale a scuola, per formare una cultura della percezione musicale dagli scolari.

"Secondo le pagine delle opere di S.V. Rashmaninov"

Per capire qualche tipo di artista dell'artista o della scuola dell'artista, è necessario definire finalmente lo stato generale dello sviluppo mentale e morale del tempo a cui appartiene. C'è una ragione principale che ha determinato tutto il resto.

IPPOLIT I.

(Nella lezione, è stata utilizzata la storia di Y.Nagina Rachmaninov, perché la parola poetica è in grado di causare una certa serie visiva nella presentazione dei bambini, permetterà ai bambini di aprire il segreto della magica solidsa di creatività Rakhmaninov come principale Principio del suo pensiero creativo.

Decorazione della classe: Ritratto di S. Rashmaninov, libri con patrimonio letterario e lettere, note e ramoscello di Lilla.

Oggi stiamo aspettando un incontro incredibile con la musica di Sergei Vasilyevich Rakhmaninov, il compositore russo. Chiudi persone che lo conoscevano bene ricordarono che non aveva quasi nulla di se stesso e non ha detto nulla di se stesso, credendo che disse tutto con le sue opere. E poiché capire la creatività del compositore, devi ascoltare la sua musica. (Sol c minore, op.32, №12 eseguito da S. Richter) Suoni.

La pagina più luminosa della musica russa era considerata il lavoro di Rakhmaninov e in Russia, e in Occidente. Ma l'anno 1917 era nel destino della roccia del compositore.

Dal libro: "Inizio autunno del 1917. Rachmaninov ha guidato in auto da Ivanovka. PARTI ALLA STRADA - Pane non ostiato secco da campi di patate in erbaccia, grano saraceno, miglio. Bastone solo i poli sul posto della corrente coperta montata. L'auto ha guidato fino al maniero. E qui sono tracce notevoli della dispersione. Vicino alla casa, spalmato alcuni uomini, e altri uomini sopportavano vasi da lì, poltrone, tappeti rotolati e vari utensili. Ma non è stato scioccato da Rakhmaninov: ampie finestre aperte aperte, qualcosa di grande, nero, frizzante, scosse sul davanzale della finestra, inciampò e improvvisamente abbattuto. E colpire solo la terra e prendendo le stringhe strappate, scoprì la sua essenza delle "onde" reali del gabinetto.

Bastoni, come un vecchio superficiale, Rachmaninov camminava a casa. Gli uomini lo notarono quando era accanto al corpo del pianoforte, e intorpidito. Non avevano un odio personale per Rachmaninov, e se in assenza è diventato "Barin", il "proprietario terriero", poi la sua immagine vivente ha ricordato che non era solo un barin, non a tutti i barin, ma qualcos'altro, non così ostile.

Niente, continuare, "disse Rachmaninov dissersamente e fermato su tavole nere e brillanti, la cui guerra della morte continuò a sembrare nelle sue orecchie.

Guardò ... ancora tremando stringhe sulle chiavi sparse intorno ... e capirono che non avrebbe mai dimenticato questo minuto.

Qual è il detto di questo passaggio?

Il fatto che l'atmosfera irrequieta e senza tesa in Russia del 1917 portò al conflitto di Rachmaninoav con gli organi dei contadini poveri sulla strada del cuore del compositore di Ivanovka.

Giusto, e in generale, tutto ciò che accade in Russia, e non solo a Ivanovka, è stato percepito da Rachmaninov in modo negativo, come un disastro nazionale.

Rachmaninov così scrive sul suo viaggio a Tambov: "... Quasi tutte le cento miglia che ho dovuto superare le chiamate con una specie di muso brutalmente, selvatici, che sono arrivati \u200b\u200bal passaggio della macchina Gicani, fischietto, lanciando i cappucci per auto . Incapace di capire cosa sta succedendo, Rachmaninov decide di lasciare temporaneamente la Russia. E lascia una sensazione pesante, non ancora sapendo che lascia per sempre, e che rimpiangerà molte volte che ha fatto questo passo. Stavo aspettando avanti e mi ha eccitato al desiderio della mia patria. (Un estratto di Preludio Sal-Dieze Minor).

Dopo aver lasciato la Russia, Rachmaninov sembrava aver perso le loro radici e non ha composto nulla per molto tempo, che si occupa di solo attività di concerti. Per lui, le porte delle migliori sale da concerto di New York, Philadelphia, San Pietroburgo, Detroit, Cleveland, Chicago furono aperte. E solo un posto è stato chiuso per Rakhmaninov - la sua patria, dove sono stati offerti i migliori musicisti a boicottare le sue opere. Il quotidiano "Pravda" ha scritto: "Sergey Rakhmaninov, ex cantante di mercanti russi e borghesia, è stato dato uno scrittore, il simulatore e il reazionario, l'ex proprietario terriero è un nemico giurato e attivo del governo". "Giù con Rakhmaninov! Giù con l'adorazione di Rachmaninov! " - chiamato "izvestia".

(Dal libro):

Solo uno ha ricordato la villa svizzera al vecchio Ivanovka: un cespuglio di lillà, una volta portato dalla Russia.

Per il bene di Dio, non danneggiare le radici! - Ha implorato il Giardiniere del vecchio.

Non preoccuparti, Herr Rachmaninov.

Non ho dubbi sul fatto che tutto andrà bene. Ma Lilac è una pianta delicata e resistente. Se danneggi le radici - tutto è andato via.

Rachmaninov amava la Russia e la Russia amava Rakhmaninov. E quindi, contrariamente a tutti i divieti, la musica di Rachmaninov ha continuato a suonare, perché Era impossibile proibirlo. Nel frattempo, la malattia incurabile è tranquillamente furtivamente a Rachmaninov, il cancro dei polmoni e del fegato.

(Dal libro :)

Come al solito, taggato; Nel frame impeccabile, apparve sul palco, ha risposto a un arco corto, ha piegato Falda, si è seduto, ha provato il pedale - tutto, come sempre, e solo la gente più vicina sapeva che era in piedi per lui ogni movimento, come era la sua tassa ostacolato e quale sforzo disumano lo avrebbe nascosto lui dal pubblico la sua farina. (Il Preludio Du-Diez Minor è eseguito da S. Rashmaninov).

(Dal libro :) ... Rachmaninov con brillantezza completa il preludio. Sala di ovation. Rachmaninov sta cercando di alzarsi e non può. Si respinge le mani dagli sgabelli del sedile - invano. Scrupped da dolore intollerabile, la colonna vertebrale non lo dà raddrizzando.

Tenda! Tenda! - cammina dietro le quinte

Barella! - Il medico ha chiesto

Aspettare! Devo ringraziare il pubblico ... e dire addio.

Rachmaninov si avvicinò a rampa e inchinata ... volare un lussuoso bouquet di lillà bianco attraverso la fossa orchestrale. La tenda è riuscita a omettere prima di crollare sulla piattaforma.

Alla fine del marzo del 1943, poco dopo il completamento della battaglia di Stalingrado, il risultato di cui Sergei Vasilyevich è riuscito a essere lieto, che era vicino a se stesso e la sofferenza della guerra in Russia, 8 accordi iniziali dell'ingresso del secondo Concerto di pianoforte (eseguito sul pianoforte). Dopo di che è stato detto che Sergey Vasilyevich Rakhmaninov è morto negli Stati Uniti. (Il frammento della seconda parte del concerto numero 2 per pianoforte con i suoni dell'orchestra).

Rachmaninova non è diventato, e la sua musica continuò a riscaldare le anime dei compatrioti che otterning dalla guerra:

E la nota Tutto urlo: - Scusate!

E la croce sopra le grida di Holmik: - scusa!

È alieno da sola, ha guidato così tanto!

Ha solo rigido ...

Lo scrittore avrebbe dovuto

diventare un contrabbanamento

trasmettere al tuo lettore

I.turgenyev.

Sullo schema satirico della lavagna.

U: Per creare un lavoro satiristico profondo, devi vedere la società come faceva dal lato, la sua vita è in tutti i margini, e questo è solo i grandi creatori. Queste persone, di regola, possedevano il dono della Provvidenza. Chi chiameresti da tali persone? (Risposte).

Essi, come cronisti, riflettono nel loro tempo di lavoro, il suo impulso e la metamorfosi. Così era D.Shostakovich. Tutto ciò che conosci il compositore, sulla sua "sinfonia ligida". Questo è un gigante che ha riflesso nel suo lavoro un'era. Se il tema distruttivo del fascismo è suonato con forza nella settima sinfonia, il tema della lottandolo, l'ottavo, creato nel tempo di dopoguerra, finisce improvvisamente non dall'apotosi, ma profonda riflessione filosofica. Non perché questa sinfonia è criticata e perseguitata il suo autore. E la nona sinfonia apparentemente radiosa, spensierata, gioiosa ... ma è solo a prima vista. Ascolta la parte della sinfonia e prova a rispondere:

Shostakovich scrive dalla sua prima persona o guarda il mondo come da lato? (1a parte del nono suono sinfonico)

D: compositore mentre guarda il mondo dal lato.

U: Cosa appare di fronte a lui?

D: Qui, come lo era, due immagini: una luce, gioiosa e l'altra è sciocca, simile ai giochi militari dei bambini. Queste immagini non sono reali, ma giocattolo. (A volte questa parte dei bambini viene confrontata con la suite Sastavinsky, in cui gli eroi sono "saltando" come burattini, ma a differenza della suite, in sinfonie non sono caricature, ma qualche osservazione).

D: La musica è gradualmente distorta, prima il compositore sorride, e poi sembra pensare. Alla fine, queste immagini non sono più così calve, ma un po 'brutte.

Alle: Ascoltiamo II h. (Continua) Quali sono state ascoltate l'intonazione qui?

D: sospiri pesanti. La musica è triste e persino dolorosa. Questa è le esperienze del compositore stesso.

U: Perché dopo una parte così rilassata 1 parte, tale tristezza appare, grave meditazione? Come lo spieghi?

D: Mi sembra che il compositore, guardando questi pantaloni, si chiede una domanda: sono innocui? Perché alla fine, l'allarme militare dal giocattolo diventa come reale.

U: Abbiamo un'osservazione molto imparziale, potrebbe essere una domanda a una domanda: "L'ho già visto da qualche parte, era già ...?" Non ti ricordi queste intonazioni da un'altra musica?

D: Sono il principe limone da Chipollino. E ho una piccola invasione, solo in una forma comica.

In: Ma tali poli moriranno per la prima volta, ma a volte rinascano nel loro opposto. Non da tali pantaloni era nato Hitlergenda? Ricordo il film "Vai e guardo". I telai si svolgono di fronte a noi: atrocità, adolescenti da Hitlergenda e, infine un bambino nelle mani della madre. E questo bambino è Hitler. Chi sapeva che tipo di scherzi dei bambini sarebbe affollato. (Puoi confrontare con i soldati della "Hoakina of the Muriet", con fatti dalla storia moderna). Cosa succede dopo? (Ascoltiamo 3, 4, 5 parti).

La terza parte appare come un ritmo di vita affollato nervoso, anche se la sua rapidazza esterna provoca la sensazione originale di divertimento. Con un'attenta ascolto di 1 piano, non è un brillante Scherzo tradizionale, ma dolore, dramma teso.

Le 4 e 5 parti sono una specie di conclusione: all'inizio il suono del tubo assomiglia al tragico monologo dell'altoparlante - il Tribune, il precursore del Profeta. Nella sua profezia - la rinuncia e il grumo del dolore. Il tempo è fermato come macchina fotografica, per ascoltare l'eco degli eventi militari, la continuità con l'intonazione della settima sinfonia ("tema dell'invasione") è chiaramente sentita.

La quinta parte è configurata sulle intonazioni della 1a parte, ma come sono cambiati! Il turbinio senz'anima spazzò in giornate rotonde senza causare sorrisi o simpatia. Solo una volta appaiono caratteristiche dell'immagine iniziale, come per il confronto, per la memoria.

Fa: questa sinfonia ha un significato storico? Cosa senti la profezia di Shostakovich?

D: Nel fatto che vedeva la crudeltà di quel tempo prima e la rifletteva nella sua musica. Era un periodo difficile nella vita del paese, quando il male trionfò, e guardò nella musica.

U: E come si è riferito a ciò che sta accadendo?

D: cerca, soffre. Ed esprime i suoi sentimenti nella musica.

Leggiamo l'epigrafe della lezione, riflettiamo su di esso, confrontiamo il lavoro di Shostakovich con uno schema - satira nella società delle viti della gente, non riflettendo, obbedendo ciecamente alla volontà di uno.

La settima, 8, 9a sinfonie - trittico collegato da una logica, un singolo dramma, e la 9a sinfonia non è un passo indietro, non un ritiro da un argomento serio, ma il climax, il completamento logico del trittico.

Poi la canzone B.okuzhava è giustiziata, le cui parole "andiamo oltre le mani delle mani, in modo che non ci sia una sospensione da sola" sembrerà un completamento semantico della lezione. (Il materiale proposto può essere la base di 2 lezioni).

Bibliografia

Antonov Yu. Arte a scuola 1996 n. 3

Baranovskaya R. Sovietica letteratura musicale - Mosca "Musica", 1981

Buuray L. "Arte a scuola", 1991

Venndova T. "musica a scuola", 1988 № 3

Vinogradov L. "Arte a scuola" 1994 № 2

Goryunova L. "Arte a scuola" 1996

Zubachevskaya N. "Arte a scuola" 1994

Kleashchenko N. "Arte a scuola" 1991 №1

Krasikovikova T. Manuale metodico per insegnanti - Vladimir, 1988

Left B. "La letteratura musicale dei paesi stranieri" - Moscow: Casa editrice di musica statale, 1958

Maslova L. "musica a scuola" 1989 № 3

Mikhailova M. "La letteratura della musica russa" - Lenigrad: "Musica" 1985

Ossneva M. "Arte a scuola" 1998 n. 2

Pilihiusususkas A. "arte a scuola" 1994 № 2

Dizionario Psicologico - Mosca: Pedagogia, 1983

Rokyanskaya T. "Arte a scuola" 1996 № 3

Shevchuk L. "musica a scuola" 1990 № 1

Dizionario enciclopedico del giovane musicista - Mosca: "pedagogia" 1985

Yakutin O. "Musica a scuola" 1996 n. 4

Ogni principiante Khommester o professionista affronta sempre il problema della corretta lettura degli scooter corani, adeguata a comprendere ciò che l'autore ha voluto esprimere. Questo è profondo, molto scrupoloso e abbastanza lavoro indipendente a lungo termine sul punteggio. Ma la cosa più difficile in questo processo è creare una futura immagine artistica di un'opera: è essere in grado di associare tutti gli elementi in un'unica immagine artistica e incarnarla attraverso una performance espressiva. Ogni lavoro corale in un certo senso ha un certo "grafico del suono", che ha una personalità solida e che richiede speciali soluzioni creative dagli artisti.

Scarica:

Anteprima:

L'essenza del concetto di immagine musicale - artistica

Immagine artistica - Riflessione artistica generalizzata della realtà, vestita sotto forma di un particolare fenomeno individuale.

Immagine artistica, categoria universale di creatività artistica inerentearte Forma di riproduzione, interpretazione e sviluppo della vita creando oggetti esteticamente influenzati. È spesso compreso da un elemento o parte del tutto artistico, di solito un tale frammento che ha una vita e un contenuto indipendenti. Ma nel senso generale, un'immagine artistica è un modo per esistere un lavoro preso dalla sua espressività, dall'energia e dal significato impressionante.

Qualsiasi immagine artistica non è pienamente concreta, i momenti di installazione chiaramente fissi sono vestiti con gli elementi di definizione incompleta, a metà tempo.

Un'immagine è un fenomeno soggettivo derivante dalla soggettiva attività pratica, sensibile-percettiva, percettiva, che è un riflesso integrale olistico della realtà, in cui le categorie principali (spazio, movimento, colore, forma, texture, ecc.) Sono contemporaneamente presenti.

Il pensiero alla moda è uno dei principali tipi di pensiero, evidenziato insieme a un pensiero chiaro ed economico-logico. Non è solo una fase geneticamente precoce dello sviluppo in relazione al pensiero verbalmente logico, ma costituisce anche un tipo di pensiero indipendente in un adulto, guadagnando uno sviluppo speciale nella creatività tecnica e artistica. Nella psicologia, il pensiero figurativo è talvolta descritto come una funzione speciale - immaginazione.

L'immaginazione è un processo psicologico, che consiste nella creazione di nuove immagini (sottomissioni) elaborando il materiale delle percezioni e delle rappresentazioni ottenute nell'esperienza precedente. L'immaginazione è inerente solo da una persona. L'immaginazione è necessaria in qualsiasi forma di attività umana, specialmente quando percepisci musica e "immagine musicale".

L'immagine musicale è caratterizzata dalla mancanza di una vitalità specifica. La musica non descrive nulla, crea un mondo speciale soggetto, il mondo del suono musicale, la cui percezione è accompagnata da esperienze profonde.

La musica come l'arte dal vivo è nata e vive come risultato dell'unità di tutte le attività. La comunicazione tra loro si verifica attraverso le immagini musicali, perché La musica di uscita (come tipo di arte) non esiste. Nella coscienza del compositore, sotto l'influenza di impressioni musicali e immaginazione creativa, nasce un'immagine musicale, che viene poi incarnata in un lavoro musicale.

"Come tipo speciale di attività spirituale, l'estetica e i filosofi allocati le cosiddette attività artistiche, comprese da loro come attività spirituale pratica di una persona nel processo di creazione, riproducendo e percepire opere d'arte."

Arte musicale, nonostante tutta la sua specificità unica, non può essere fruttuosa senza sostegno da altri tipi di arte, perché Solo nella loro unità organica, puoi conoscere l'integrità e l'unità del mondo, l'universalità delle leggi del suo sviluppo in tutta la ricchezza dei sentimenti sensoriali, la diversità di suoni, vernici, movimenti.

Lo studio del contenuto musicale è uno dei problemi "eterni" del riconoscimento musicale, dell'esecuzione, della pedagogia. Musica - Arte procedurale, fuori performance Il lavoro musicale non può vivere una vita completa. Il testo musicale è sempre un messaggio (l'autore è il performer - un ascoltatore), coinvolgente naturalmente l'interpretazione dell'esecuzione. Il problema del "testo - il contraente", consentito attraverso l'interpretazione, porta inevitabilmente ogni musicista per comprendere il testo come formazione complessa nell'unità delle sue due parti: una fissazione del segno del piano dell'autore (testo musicale) e un determinato messaggio riempito con un significato figurativo (testo musicale).

"Arte musicale, come qualsiasi altra cosa, richiede colui che è impegnata, lo porta a sacrificare tutti i suoi pensieri, tutti i sentimenti, tutto il tempo, tutta la creatura," Luz Aronovich Barenbim.

Il lavoro musicale che esiste nel record musicale riceve una vera forma di realizzazione valida solo nel processo di esecuzione musicale, quindi il contraente è un mediatore necessario tra il compositore e l'ascoltatore. L'esecuzione musicale è vocale, strumentale e misto. L'opera dell'opera include l'ultima specie; Tuttavia, nei solisti dei cantanti dell'opera sono allo stesso tempo attori, viene eseguita l'arte ornamentale. A seconda del numero di artisti, la prestazione musicale è divisa in assolo e collettivo. L'esecuzione collettiva può essere un ensemble da camera con diversi artisti relativamente equa (ad esempio, un trio, quartetto, ecc.) E sinfonico, corale, di regola, sotto la guida di cerizer (khommerster), che, con l'aiuto di altri musicisti , implementa i suoi artisti. Molte prestazioni di adesione nelle note (tempo, dinamica, ecc.) Sono relative e in alcuni limiti possono essere implementate in modi diversi. Pertanto, il compito dell'esecuzione musicale non è solo una riproduzione esatta del testo musicale, ma anche una forma di realizzazione più completa delle intenzioni dell'autore. Lo studio dell'era in cui viveva il compositore, le sue opinioni estetiche, ecc., Tutto ciò aiuta a capire il contenuto del lavoro. Ogni performer, rivelando il concetto di scritti dell'autore, contribuisce inevitabilmente ai tratti individuali, definiti dalle sue qualità personali e mantenendo l'aspetto estetico in questo momento. Pertanto, qualsiasi adempimento del lavoro è la sua interpretazione, interpretazione.

L.v. Si scrive vivi: "L'immagine artistica esecutiva, in gran parte legata alla valutazione del lavoro da parte degli studenti, spesso acquisisce importanza indipendente nella nostra coscienza, dal momento che tali valori che non erano nell'immagine primaria possono essere rilevati. Tuttavia, il primo asse di qualsiasi prestazione musicale è il nuovo testo di lavoro, senza il quale le attività di esecuzione sono impossibili. Risolto in un record di nota, richiede una lettura non solo competente, ma indovinando, decifrare le intenzioni dell'autore, così come le parti della sua musica, che non poteva sospetto. Il fatto è che un record di nota è solo uno schizzo rispetto al vero suono della musica " . Pertanto, un ruolo speciale nella creazione di un'immagine viene riprodotto dalla ricerca di un significato di intonazione nel processo di studio del lavoro.Secondo il concetto di B.V. Aseefieva, l'intonazione è il principale conduttore di significato musicale, pensiero musicale, così come il corriere di informazioni artistiche, carica emotiva, traffico mentale. Tuttavia, la reazione emotiva all'intonazione, la penetrazione nella sua essenza emotiva è il punto iniziale del processo di pensiero musicale, ma non ancora molto a pensare. Questo è solo una sensazione primaria, risposta percettiva. Dal momento che il pensiero si comporta, di regola, da una "spinta" esterna o interna, la sensazione di intonazione musicale è un tipo di segnale, uno slancio a qualsiasi azione di pensiero musicale.

Modellazione di un'immagine musicale artistica è uno dei processi psicologici più complessi, che si basano sui processi di percezione musicale, immaginazione, memoria e pensiero musicale.

Percezione - il processo mentale di riflettere oggetti e fenomeni della realtà insieme nell'aggregato delle loro varie proprietà e parti con impatto diretto sui sensi. Questo distingue la percezione della sensazione, che è anche una riflessione sensuale diretta, ma solo le singole proprietà di oggetti e fenomeni che influenzano gli analizzatori. Il concetto stesso di "percezione" degli scienziati (E.V. Nazaykinsky) è allevato ai concetti di "percezione della musica" (il processo di comunicazione con la musica) e "percezione musicale". In pedagogia, la percezione musicale è intesa come il processo di riflessione, la formazione di un'immagine musicale nelle menti di una persona. La percezione musicale è un processo complesso, che si basa sulla capacità di ascoltare, sperimentare il contenuto musicale come riflesso artistico e figurativo della realtà. La musica colpisce il complesso di agenti espressivi. È un magazzino palogarmonico, timbro, ritmo, dinamica, metrori, passano l'umore, l'idea principale del lavoro, causa associazioni con fenomeni di vita, con esperienze umane.

Immaginazione - Attività della coscienza, come risultato della quale una persona crea nuove idee, situazioni mentali, idee, affidandosi alle immagini sopravvissute nella sua memoria dall'esperienza sensuale passata, trasformandole. L'immaginazione è necessaria in qualsiasi attività umana, specialmente quando stai percependo musica e "immagine musicale". Ci sono immaginazione arbitraria (attiva) e involontaria (passiva), così come ricreazione e immaginazione creativa. L'immaginazione ricreativa è chiamata il processo di creazione di un'immagine di un oggetto in base alla sua descrizione, disegno o modello. L'immaginazione creativa è chiamata creazione indipendente di nuove immagini nel processo di attività creativa. Richiede la selezione di materiali, composti di vari elementi in conformità con il compito e l'intento creativo.

Pensiero musicale Come processo di lavorazione mirata e significativa del materiale musicale e del suono è espresso nella capacità di comprendere e analizzare udito, elementi mentalmente presenti del discorso musicale e operare con loro, valutando la musica. Nel processo di formazione di un'immagine musicale artistica, sono coinvolti vari tipi di pensiero musicale: figurativo, logico, creativo e associativo.

L'esecutore musicista e l'ascoltatore dovrebbe operare nel processo di percezione musicale con determinati sistemi di idee sull'intonazione, i mezzi semplici espressivi - visivi - tutto il fatto che provoca alcuni stati d'animo, ricordi poetici, immagini, sensazioni, ecc. A questo livello, il pensiero musicale e figurativo, misura e il grado di sviluppo del quale dipende da quale luogo questo aspetto è occupato nella preparazione del musicista.

Ulteriori forme di riflessione della realtà musicale nella coscienza di una persona sono associate al significato dell'organizzazione logica del materiale sonoro. La trasformazione delle intonazioni nel linguaggio dell'arte musicale è possibile solo dopo una certa elaborazione, le loro informazioni in una o in un'altra struttura. Al di fuori della logica musicale, al di fuori dei diversi collegamenti integrativi che si ritirano attraverso la forma, l'ingranaggio, l'armonia, i metrori, ecc. La musica rimarrà un set caotico di suoni e non è un sublicsante al livello dell'arte. Misura della logica dell'organizzazione di varie strutture sonore, l'abilità nel materiale musicale per trovare somiglianze e distinzioni, analizzare e sintetizzare, stabilire relazioni - la seguente funzione del pensiero musicale. Questa caratteristica è più complessa a causa della natura, poiché è dovuta non solo e non tanta moglie percettive, emotivamente sensuali, ma principalmente intellettuali di manifestazioni dall'individuo, coinvolge una certa formazione della sua coscienza musicale. Va sottolineato che con la famosa autonomia di queste due funzioni, i processi di attività musicale e mentale diventano pieni solo nella loro combinazione organica e interazione.

Il pensiero creativo è una fase speciale del pensiero musicale. I processi di musica e intellettuale a questo livello sono caratterizzati dalla transizione dalle azioni riproduttive a produttività, dal riprodursi alla creatività. A questo proposito, la questione della ricerca di metodi produttivi di pensiero creativo è molto pertinente. Uno dei metodi più efficaci che formano qualità di identità creativa è riconosciuto come un problema di apprendimento problematico (M.I.Makhmutov, A.M. Matushkin, M.M.Lavina, V.I. Zagyzansky et al.). È ampiamente utilizzato nella pratica secondaria e nella pratica universitaria. Tuttavia, nella pedagogia musicale, viene applicata a livello intuitivo, senza specifici sviluppi metodologici.

Lo sviluppo del pensiero musicale è inestricabilmente collegato con la capacità di comprendere la logica del linguaggio musicale, la comprensione di cui "si basa sul vergognoso confronto dei mezzi espressivi di musica che servono il trasferimento del suo contenuto artistico, con i mezzi di verbale Linguaggio, che serve il trasferimento dei pensieri "(La Mazel, 1979).

Senza lo sviluppo di abilità creative, è impossibile preparare un professionista professionale in nessuna di attività, specialmente nel campo dell'arte, poiché l'attività musicale, sia gli artisti che i pedagogici richiede un pensiero originale specializzato non standard, originale. Ci sono molti modi per sviluppare abilità creative, una delle quali è una formazione problematica, poiché è le difficoltà di pensiero che sorgono in una situazione problematica che incoraggia lo studente al pensiero di ricerca attivo.

Il valore dell'immagine musicale è una generalizzazione, che si basa sull'esperienza della funzione di immagine espressiva. Le immagini musicali si riferiscono all'interno, come esprimono.

Immagine in arte musicale, a meno che, è artisticamente coerente, sempre riempito con un certo contenuto emotivo, che riflette la sensuale risposta di una persona su alcuni fenomeni della realtà.

Per creare un'immagine di un prodotto corale, sono richiesti compiti pedagogici (imparare a determinate abilità di canto, intoniazione corretta; espandere le idee sulla cultura musicale corale), i compiti di psicologica (lo sviluppo del pensiero creativo, l'immaginazione creativa dei cantanti di il coro sul materiale della musica corale, la formazione dell'attività artistica ed emotiva degli studenti) e gli obiettivi dell'estetica (la formazione di idee sul valore dell'incredit delle arti chorali nazionali e straniere, la conoscenza con cui viene effettuata nel Processo di tutti gli imparare il canto corale, lo sviluppo del gusto estetico, delle emozioni estetiche).

In generale, il conduttore è una professione piuttosto complicata e multiforme. "Il conduttore (Diriger francese è quello di gestire) è una persona che ha ricevuto una speciale educazione musicale, un'orchestra di controllo, un coro, una presentazione dell'opera che combina l'intera massa di artisti in un singolo ritmo, che dà la sua interpretazione".

Vl. Sokolov scrive: "Il coro è chiamato tale squadra, che possiede sufficientemente i mezzi tecnici e artistici ed espressivi di prestazioni coreali necessarie per trasmettere quei pensieri e sentimenti, il contenuto ideologico che è posato nel lavoro".

P.G. Garlicovok nel suo libro "Coro e gestione di loro" scrive che "il Chorus è un tale incontro di canto, nella solidità del quale c'è un ensemble strettamente equilibrato, sistema verificato accurato e sfumature distinte artistiche".

"Il capo del coro è un conduttore. Fornisce l'imbracatura dell'ensemble e la perfezione tecnica di esecuzione, cerca di trasferire le sue intenzioni artistiche al team di artisti, la sua comprensione del lavoro. Per 50 anni di lavoro di successo, A. Anisimov è stato convinto che l'arte del canto corale dipenda interamente sull'iniziativa creativa, un'inclinazione speciale del khommerstere-conduttore al coro, dal manodopera sistematica persistente, dal manodopera pedagogica, dall'organizzazione, e, Certo, il talento del musicista - interprete. "

L'emergere del lavoro musicale, l'apprendimento ed l'esecuzione è inestricabilmente legata alla percezione della sua integrità. Il conduttore rappresenta il lavoro come se all'istante, sotto forma di una certa immagine intera. VA Mozart ha detto che a causa dell'intenso lavoro interiore, inizia a superare il lavoro "... spiritualmente in un colpo d'occhio, come una bella foto o un bell'uomo ...", e ascolta musica "... nel Immaginazione, non uno dopo l'altro, come sembrò più tardi, tuttavia, tutto è giusto. " La capacità di una rappresentazione olistica non è la proprietà di solo persone molto talentuose, ha ogni musicista con un diverso grado di precisione e forza.

V.lis v.l. Performance del coro: teoria. Methodik. Pratica: uch. Per perno. Più alto. M., VLADOS.2003. P.9.

Immagine musicale

Il contenuto musicale si manifesta nelle immagini musicali, nel loro occorrenza, sviluppo e interazione.Non importa quanto l'umore sia un lavoro musicale, tutti i tipi di cambiamenti, turni, i contrasti sono sempre indovinati. L'aspetto di una nuova melodia, cambiando il modello ritmico o texture, la selezione della sezione significa quasi sempre il verificarsi di una nuova immagine, a volte chiudersi nel contenuto, a volte - direttamente opposto.Come nello sviluppo di eventi di vita, i fenomeni della natura o i movimenti dell'anima umana, solo una linea, un umore e nella musica, lo sviluppo si basa sulla ricchezza figurativa, rompendo vari motivi, stati ed esperienze.Ogni tale motivo, ogni stato introduce una nuova immagine, o completa e riassume la principale.

In generale, la musica incontra raramente opere basata su un'unica immagine. Solo un piccolo gioco o un piccolo frammento può essere considerato un singolo per contenuti figurativi. Ad esempio, il dodicesimo schizzo di Scriabin è un'immagine molto solida, anche se con un'attenzione attenta, noteremo sicuramente la sua complessità interiore, tessere in esso di vari stati e mezzi di sviluppo musicale. Allo stesso modo, molte altre opere di una piccola scala sono costruite. Di norma, la durata del gioco è strettamente correlata alla caratteristica della sua struttura figurativa: i piccoli giochi sono solitamente vicini a una singola sfera figurativa, mentre il grande richiede uno sviluppo più lungo e complesso. E questo è naturale: tutti i principali generi in vari tipi d'arte sono solitamente associati alla forma di realizzazione di complessi contenuti di vita; Sono inerenti in un gran numero di eroi ed eventi, mentre piccoli turni di solito verso un particolare fenomeno o esperienza. Questo, ovviamente, non significa che le grandi opere sono certamente distinte da una maggiore profondità e significato, spesso anche al contrario: un piccolo gioco, anche il suo motivo separato è talvolta in grado di dire così tanto che il loro impatto sulle persone è ancora più forte e profondo.C'è una profonda connessione tra la durata del lavoro musicale e la sua struttura figurativa, che si trova anche nei nomi dei lavori, ad esempio "guerra e pace", Spartak, Alexander Nevsky implica molte forme di realizzazione in forma su larga scala (Opera , Balletto, Cantata), in quel momento come "cuculo", "farfalla", "singoli fiori" sono scritti sotto forma di miniature.Perché a volte le opere che non hanno una struttura strutturale complessa, così profondamente preoccupante una persona?Forse la risposta è quella concentrandosi su un singolo stato figurativo, il compositore mette tutta l'anima in un piccolo lavoro, tutta l'energia creativa, cosa ha risvegliato il suo intento artistico in esso? Dopotutto, non è per caso nella musica del XIX secolo, nell'era del romanticismo, così tanto che ha detto un uomo e il mondo segreto dei suoi sentimenti, ha raggiunto il più alto fiorente della miniatura musicale.Molto piccolo sulla scala, ma le cose luminose nell'immagine delle opere sono state scritte da compositori russi. Glinka, Mussorgsky, Lyadov, Rakhmaninov, Scriabin, Prokhmaninov, Scriabin, Prokofiev, Shostakovich e altri compositori domestici eccezionali hanno creato un'intera galleria di immagini musicali. Un enorme mondo figurativo, vero e fantastico, fantastico, podellamente e sottomarino, foresta e steppa, si stava preparando in musica russa, nei meravigliosi nomi delle sue opere software. Molte immagini incorporate nelle commedie dei compositori russi sono già conosciute, - "Aragona Khota", "Gnome", "Baba Yaga", "vecchio castello", "lago magico"

Immagini liriche

In una varietà di opere ci conoscono come preliminari, Mazurki, la ricchezza figurativa più profonda, aprendo solo in un suono musicale dal vivo

Immagini drammatiche

Immagini drammatiche, come lirica, sono presentate nella musica molto ampia. Da un lato, sorgono nella musica basata su opere letterarie drammatiche (quelle opere, balletto e altri generi del palcoscenico), ma significativamente più spesso il concetto di "drammatico" è associato nella musica con le peculiarità della sua natura, l'interpretazione musicale di eroi, immagini, ecc.

Immagini epiche

Le immagini epiche richiedono uno sviluppo lungo e senza fretta, possono una lunga esibizione e si sviluppano tranquillamente, introducendo un ascoltatore nell'atmosfera di una specie di colore epico