GeorgeHandel, müzik sanatı tarihinin en büyük isimlerinden biridir. Aydınlanma'nın büyük bestecisi, opera ve oratoryo türünün gelişiminde yeni perspektifler açtı ve gelecek yüzyılların müzikal fikirlerini öngördü: Gluck'un opera draması, Beethoven'ın sivil pathosu, romantizmin psikolojik derinliği. O, iç gücü ve inancı olan bir adam.Göstermek konuştu: “Herkesi ve her şeyi hor görebilirsin,ama Handel'e karşı çıkmaktan acizsin." "... Müziği 'ebedi tahtına oturmuş' sözleriyle çınladığında ateistin dili tutulmuştur."

Georg Friedrich Handel, 23 Şubat 1685'te Halle'de doğdu. İlk öğrenimini sözde klasik okulda aldı. Böyle sağlam bir eğitime ek olarak, genç Handel, bir müzik uzmanı ve birkaç okul operasının bestecisi olan akıl hocası Pretorius'tan bazı müzikal kavramları benimsedi. Okul çalışmalarına ek olarak, eve giren mahkeme orkestra şefi David Poole ve Georg Friedrich'e klavikor çalmayı "iyi bir müzik yargıcı olmayı" öğreten bir orgcu olan Christian Ritter de ona yardım etti.

Ebeveynler, oğullarının erken dönemde ortaya çıkan müziğe olan eğilimine çok az ilgi göstererek onu çocuk oyunu olarak sınıflandırdılar. Sadece genç bir yeteneğin bir müzik sanatı hayranı olan Duke Johann Adolf ile şans eseri buluşması sayesinde, çocuğun kaderi dramatik bir şekilde değişti. Bir çocuğun oynadığı harika bir doğaçlamayı duyan dük, babasını hemen ona müzik eğitimi vermeye ikna etti. Georg, Halle'de ünlü orgcu ve besteci Friedrich Zachau'nun öğrencisi oldu. Üç yıl boyunca sadece beste yapmayı değil, aynı zamanda özgürce keman, obua, klavsen çalmayı da öğrendi.

Babası Şubat 1697'de öldü. Ölen kişinin isteklerini yerine getiren Georg, liseden mezun oldu ve babasının ölümünden beş yıl sonra Halle Üniversitesi hukuk fakültesine girdi.

Üniversiteye girdikten bir ay sonra, bir yıllık bir sözleşme imzaladı ve buna göre "Sanatı nedeniyle Handel'in bir öğrencisi" şehrin Reform Katedrali'ne orgcu olarak atandı. Orada tam bir yıl eğitim gördü, sürekli olarak "org çalmadaki çevikliğini geliştirdi". Ayrıca spor salonunda şarkı söylemeyi öğretti, özel öğrencileri oldu, motetler, kantatlar, koraller, mezmurlar ve org müziği yazdı, şehir kiliselerinin repertuarını her hafta güncelledi. Handel daha sonra şöyle hatırladı: "O zamanlar şeytan gibi yazdım."

Mayıs 1702'de, tüm Avrupa'yı saran İspanyol Veraset Savaşı başladı. 1703 baharında, sözleşmenin sona ermesinden sonra Handel, Halle'den ayrıldı ve Hamburg'a gitti.Opera binası şehrin müzik hayatının merkeziydi. Opera besteci, müzisyen ve vokalist Reinhard Keizer tarafından yönetildi. Handelopera kompozisyonlarının tarzını incelediünlü hamburgerve orkestra yönetme sanatı.Opera binasında ikinci bir kemancı olarak bir iş buldu (yakında birinci oldu). O andan itibaren Handel laik bir müzisyen alanını seçti ve ona ün ve acı getiren opera, uzun yıllar çalışmalarının temeli oldu.

Handel'in Hamburg'daki hayatının ana olayı, 8 Ocak 1705'te operası "Almira" nın ilk performansı olarak kabul edilebilir. OperaHandelyaklaşık 20 kez başarıyla oynandı.Aynı yıl, ikinci opera sahnelendi - "Kan ve kötülük veya Nero tarafından kazanılan aşk".

Handel ilk oratoryo çalışmasını Hamburg'da yazdı. Bunlar, ünlü Alman şair Postel'in metnine dayanan sözde "Tutkular".Kısa süre sonra Handel büyüdüğünü anladı ve Hamburg onun için sıkışık hale geldi. Dersler ve yazı yazarak para biriktiren Handel ayrıldı.Hamburg tarzının doğuşuna borçludur. Burada çıraklık dönemi sona erdi,Handelelini, olgun çalışmalarının önde gelen türleri olan opera ve oratoryoda denedi.

Handelİtalya'ya gitti. 1706 sonundan Nisan 1707'ye kadar önce Floransa'da sonra da Roma'da yaşadı. 1708 sonbaharında, Handel bir besteci olarak ilk halk başarısını elde etti. Toskana Dükü Ferdinand'ın yardımıyla ilk İtalyan operası Rodrigo'yu sahneledi.Ayrıca, Domenico Scarlatti'nin zaferini kabul etmesiyle birlikte, Roma'nın en iyilerinin en iyileriyle halk arasında rekabet ediyor. Klavsen çalmasına şeytani denir - Roma için gurur verici bir sıfat. Kardinal Ottoboni için aynı anda icra edilen iki oratoryo yazdı.

Roma'daki başarısının ardından, Handel güneye, güneşli Napoli'ye gider. Sanatta Venedik'in sürekli rakibi olan Napoli, kendi okuluna ve geleneklerine sahipti. Handel yaklaşık bir yıl Napoli'de kaldı. Bu süre zarfında büyüleyici serenat Acis, Galatea ve Polyphemus'u yazdı.Handel'in Napoli'deki ana eseri, 1709'da yazılan ve aynı yıl bestecinin tekrar döndüğü Venedik'te sahnelenen Agrippina operasıydı. Prömiyerde İtalyanlar, her zamanki şevk ve coşkularıyla Handel'i saygıyla selamladılar. " Üslubunun görkemi ve görkemi onları gök gürültüsüne kaptırdı; uyumun tüm gücünü daha önce hiç bilmiyorlardı", - galasında bulunanı yazdı.

İtalya, Handel'i sıcak bir şekilde karşıladı. Bununla birlikte, besteci "Müzik İmparatorluğu" nda güçlü bir konuma pek güvenemezdi. İtalyanlar, Handel'in yeteneğinden şüphe etmediler. Ancak, daha sonra Mozart gibi, Handel de İtalyanlar için ağır bir sikletti, sanattan çok “Alman”dı. Handel, Hannover'e gitti ve bir mahkeme orkestra şefi olarak seçmenlerin hizmetine girdi. Ancak orada uzun süre kalamadı. Küçük Alman sarayının kaba ahlakı, gülünç kibir ve büyük başkentlerin taklidi tiksinti uyandırdı.Handel. 1710 yılı sonunda izin almış olmakseçmen yerinde, Londra'ya gitti.

Orada, Handel hemen İngiliz başkentinin tiyatro dünyasına girdi, Tidemarket Tiyatrosu'nun kiracısı Aaron Hill'den bir sipariş aldı ve kısa süre sonra Rinaldo operasını yazdı.

kaderler hakkındaHandel'deetkilenmişİngiltere için popüler olan törensel ve ciddi müzik türünde ilk kez sahneye çıktı. Ocak 1713'te Handel, Kraliçe'nin Doğum Günü için anıtsal Te deum ve Ode'yi yazdı. Kraliçe Anne müzikten memnun kaldıkasidelerve kişisel olarak "Te deum" performansı için izin imzaladı. Utrecht Barış Antlaşması'nın imzalanması vesilesiyle7 temmuzkraliçenin ve parlamentonun huzurundaSt. Paul Katedrali'nin kemerlerinin altında geliyorduHandel'in "Te Deum" un ciddi ve görkemli sesleri.

Te Deuma'nın başarısının ardından besteci İngiltere'de kariyer yapmaya karar verdi.1720 yılına kadar Handel, Anna'nın altında kraliyet ordusunun başkomutanı olan eski Chandos Dükü'nün hizmetindeydi. Dük, Londra yakınlarındaki Cannon Kalesi'nde yaşadı ve burada mükemmel bir şapeli vardı. Handel onun için müzik besteledi.Bu yılların çok önemli olduğu ortaya çıktı - İngiliz stiline hakim oldu. Handel, marşlar ve iki maske çizdi - muhteşem üretkenliği ile mütevazı bir miktar. Ancak bu şeylerin (Te Deum ile birlikte) belirleyici olduğu ortaya çıktı.

İki antik çağ maskesi İngiliz tarzındaydı. Handel daha sonra her iki eseri de revize etti. Biri İngiliz operası (Acis, Galatea ve Polyphemus), diğeri ise ilk İngiliz oratoryosu (Esther) oldu. Altema bir kahramanlık destanıdır, "Esther" ise İncil'deki bir olay örgüsüne dayanan kahramanca bir dramadır. Handel, bu eserlerde, İngilizlerin ses sanatında ifade ettiği duyguların hem diline hem de doğasına zaten tam olarak hakimdir.

Marşların ve opera üslubunun etkisi, Handel'in ilk hatipleri Esther (1732) ile sonradan yazılan Debort ve Atalia'da (1733) açıkça hissedilir. Bununla birlikte, opera 1720'lerin ve 1730'ların ana türü olmaya devam ediyor. Handel'in neredeyse tüm zamanını, gücünü, sağlığını ve durumunu emer.1720'de Londra'da bir tiyatro ve ticari işletme açıldı, buna "Kraliyet Müzik Akademisi" adı verildi. Handel'e arama talimatı verildi en iyi şarkıcılar Avrupa, esas olarak italyanca okul... Handel özgür bir girişimci, hissedar oldu. 1720'den başlayarak neredeyse yirmi yıl boyunca operalar besteledi ve sahneledi, bir topluluk topladı veya dağıttı, şarkıcılar, orkestra, şairler ve impresario ile çalıştı.

Hayatta kalan tarih budur. Provalardan birinde, şarkıcı akortsuz. Handel orkestrayı durdurdu ve onu azarladı. Şarkıcı akortsuz kalmaya devam etti. Handel öfkelendi ve çok daha güçlü bir ifadeyle başka bir açıklama yaptı. Sahtelik durmadı. Handel orkestrayı tekrar durdurdu ve şöyle dedi: Bir daha akortsuz şarkı söylersen seni camdan atarım". Ancak bu tehdit de yardımcı olmadı. Sonra koca Handel, küçük şarkıcıyı kucakladı ve onu pencereye sürükledi. Herkes dondu. Handel, şarkıcıyı pencere pervazına koydu ... ve kimse bunu fark etmesin, ona gülümsedi ve güldü, ardından onu pencereden indirdi ve geri taşıdı. Bundan sonra şarkıcı temiz bir şekilde şarkı söyledi.

1723'te Handel, Otgon'u sahneledi. Kolayca, melodik olarak hoş yazıyor, o günlerin İngiltere'sinde en popüler operaydı. Mayıs 1723 - "Flavio", 1724'te — operalar: "Julius Caesar" ve "Tamerlane", 1725'te - "Rodelinda". Bu bir zaferdi. Operaların son üçlüsü kazanana layık bir taçtı. Ama zevkler değişti.Bunlar Handel için zor zamanlardı. Eski seçmen, tek güçlü patron I. George öldü. Genç kral, Galler Prensi II. George, babasının gözdesi Handel'den nefret ediyordu. George II onun ilgisini çekti, yeni İtalyanları davet etti, ona düşmanlar kurdu.

1734 - 35'te Londra'da Fransız balesi modaydı. Handel, Fransız tarzında opera-baleler yazdı: Terpsichore, Alcina, Ariodante ve Orestes pasticho. Ancak 1736'da ağırlaşan siyasi durum nedeniyle Fransız balesi Londra'yı terk etmek zorunda kaldı ve Handel iflas etti. Hastalandı, felç oldu. Opera binası kapatıldı. Arkadaşları ona biraz para verdi ve onu Aachen'deki bir tatil köyüne gönderdi.Gerisi bir rüya kadar kısaydı. Uyandı, ayağa kalktı, sağ eli hareket etti. Bir mucize oldu.

Aralıkta1737HandelFaramondo'yu tamamlar ve Xerxes operasını alır.Başlangıçta 1738 seyirci isteyerek Faramondo'ya gitti. Şubattaopasticho koy "ALessandro Severo ”ve Nisan ayında -“ Xerxes ”. Şu anda alışılmadık derecede iyi yazdı: fantezisi son derece zengindi, güzel malzeme iradeye itaatkar bir şekilde itaat etti, orkestra etkileyici ve pitoresk geliyordu, formlar mükemmeldi.

Georg Friedrich Handel, en iyi "felsefi" oratoryolardan birini oluşturur - Milton'ın harika gençlik şiirlerinde "Neşeli, dalgın ve ılımlı", biraz önce - "Ode to St. Cecilia ”Dryden'ın metnine. Ünlü on iki konser grosi bu yıllarda onun tarafından yazılmıştır. Ve bu sırada Handel opera ile yollarını ayırdı. Ocak 1741'de sonuncusu Deidamia teslim edildi.

Handelsonrasındayirmi yıllık azimopera dizisinin yüce türünün İngiltere gibi bir ülkede bir anlam ifade etmediğine ikna oldu. 1740'ta İngiliz zevkiyle çelişmeyi bıraktı - ve İngilizler onu bir dahi olarak tanıdı -HandelNS ulusal besteciİngiltere.Handel sadece opera yazsaydı, adı sanat tarihinde yine onurlu bir yer alacaktı. Ama asla bugün ona değer verdiğimiz Handel olamazdı.

Handeloperada üslubunu parlattı, orkestrayı geliştirdi, arya, resitatif, form, ses yönlendirme, operada dramatik bir sanatçının dilini buldu. Yine de operada ana fikirleri ifade edemedi. Çalışmalarının en yüksek anlamı oratoryolardı.

22 Ağustos 1741'de Handel için yeni bir dönem başladı. Bu unutulmaz günde "Mesih" oratoryosuna başladı. Daha sonra, yazarlar Handel'i yüce bir sıfatla ödüllendirecekler - "Mesih'in yaratıcısı". Birçok nesil boyunca Handel ile eş anlamlı olacak. "Mesih", bir kişinin yaşamı ve ölümü hakkında, İncil'deki görüntülerde somutlaşan müzikal ve felsefi bir şiirdir. Bununla birlikte, Hıristiyan dogmalarının okunması göründüğü kadar geleneksel değildir.

Handel12 Eylül'de Mesih'i tamamladı. Handel beklenmedik bir şekilde Londra'dan ayrıldığında oratoryo zaten prova ediliyordu. İrlanda'daki İngiliz kralının vekili Devonshire Dükü'nün daveti üzerine Dublin'e gitti. Orada bütün sezon konserler verdi. 13 Nisan 1742'de Handel, Dublin'de Mesih'i sahneledi. Oratoryo sıcak bir şekilde karşılandı.

18 Şubat 1743'te, Milton'ın metni üzerine kahramanca bir oratoryo olan Samson'un ilk performansı gerçekleşti.17. yüzyılın ikinci yarısının en iyi Avrupa trajedilerinden biridir.Milton'ın Samson'u, İncil'deki olay örgüsünün ve antik Yunan trajedisi türünün bir sentezidir.

1743'te Handel ciddi bir hastalık belirtileri gösterdi, ancak oldukça hızlı bir şekilde iyileşti.10 Şubat 1744besteci"Semele" sahnelendi, 2 Mart - "Joseph", Ağustos ayında "Herkül" ü bitirdi, Ekim ayında - "Belshazzar". Sonbaharda, sezon için Covent Garden'ı kiralar. 1745 kışındaHandelBelşatsar ve Herkül'ü giyer. Rakipleri konserlerin başarısını engellemek için ellerinden geleni yapıyorlar, başarıyorlar.... Mart ayında Georg Handel hastalandı, hastalandı ama ruhu kırılmadı.

11 Ağu1746Handel, en iyilerinden biri olan oratoryosu Judas Maccabee'yi bitirdi İncil teması... Handel'in tüm kahramanca İncil oratoryolarında (ve bestecinin bir numarası vardır: "Saul", "Mısır'da İsrail", "Samson", "Joseph", "Belshazzar", "Judas Maccabee", "Joshua") ilgi odağında - insanların tarihi kaderi. Onların özü mücadeledir. Halkın ve liderlerinin işgalcilere karşı bağımsızlık mücadelesi, iktidar mücadelesi, gerilemeyi önlemek için mürtedlere karşı mücadele. Halk ve liderleri, oratoryonun ana karakterleridir. Gibi insanlar aktör koro şeklinde - Handel'in malıdır. Ondan önceki müzikte hiçbir yerde insanlar böyle kılıklarda performans göstermedi.

1747'de Handel bir kez daha Covent Garden'ı kiralar. Bir dizi imza konseri veriyor. 1 Nisan'da "Judas Maccabee" giyiyor - ona başarı eşlik ediyor.1747'de Handel, Alexander Balus ve Joshua oratoryolarını yazdı. Oratoryolar yapıyor, Solomon ve Susanna yazıyor.

1751'de bestecinin sağlığı kötüleşti. 3 Mayıs 1752 onabaşarısızcaişletmekgözler.1753'te tam körlük başlar. Handel, konserler vererek, hafıza için çalarak veya doğaçlama yaparak dikkatini dağıtıyor. Bazen müzik yazar. 14 Nisan 1759'da gitmişti.

Handel'in bir arkadaşı ve çağdaşı, yazar ve müzikolog Charles Burney şöyle yazdı: “ Handel iri, sağlam ve hareket etmesi zor bir insandı. İfadesi genellikle somurtkandı, ama gülümsediğinde kara bulutları kıran bir güneş ışını gibi görünüyordu ve tüm görünüşü neşe, haysiyet ve manevi büyüklükle doluydu.". - Bu ışın hayatımızı aydınlatır ve her zaman aydınlatacaktır.

orkestraHandel'in stili (1685-1759), orkestrasyonun gelişiminde Bach'ın akranının stili ile aynı döneme aittir. Ama aynı zamanda kendine has özellikleri de var. Oratoryoların orkestra dokusu, kOrgan ve orkestra ve kons için birer kezHandel'in erto grosso'su koro polifonik dokusuna yakındır. Çok sesliliğin rolünün çok daha az olduğu operalarda besteci yeni orkestral teknikler arayışında çok daha aktiftir. Özellikle flütleri daha çok buluyor.onların durumu (birçokobuaların üstünde); yeni sicilde özgürlük kazandıktan sonra daha hareketli ve bağımsız hale gelirler.

Enstrümanların gruplandırılması Handel'in en büyük ilgisini çekiyor. Grupları ustaca değiştirerek, telleri ahşap veya pirinçle vurmalı çalgılarla karşı karşıya getiren besteci, çeşitli efektler elde ediyor. Opera evlerinde çalışan Handel, Bach'tan çok daha büyük dökümlere ve daha büyük fırsatlara sahipti. Orkestrasyon tarzı daha gür ve dekoratiftir.

Doğum: 23 Şubat 1685
Doğum yeri: Galle
Ülke: Almanya
Ölüm: 14 Nisan 1759

Georg Friedrich Handel (Alman Georg Friedrich H? Ndel, İngiliz George Frideric Hande) Barok döneminin parlak bir bestecisidir.

Handel, 23 Şubat 1685'te Saksonya şehri Halle'de doğdu. İlköğrenimini ortaokul, sözde klasik okulda aldı. Genel eğitimine ek olarak, genç Handel, bir müzik uzmanı ve çeşitli okul operalarının bestecisi olan akıl hocası Johannes Pretorius'tan bazı müzikal kavramları benimsedi. Ayrıca, eve gelen mahkeme şefi David Poole ve Georg Friedrich'e klavikor çalmayı öğreten orgcu Christian Rietter tarafından müzik çalmada yardımcı oldu.

Ebeveynler, oğullarının erken dönemde ortaya çıkan müziğe olan eğilimine çok az ilgi göstererek onu çocuk oyunu olarak sınıflandırdılar. Sadece bir müzik sanatı hayranı olan Duke Johann Adolf ile tesadüfen karşılaşması sayesinde, çocuğun kaderi dramatik bir şekilde değişti. Bir çocuğun oynadığı harika bir doğaçlamayı duyan Dük, babasını ona sistematik bir müzik eğitimi vermeye hemen ikna eder. Handel, Halle'de ünlü orgcu ve besteci Friedrich Zachau'nun öğrencisi oldu. Handel, Zachau ile yaklaşık üç yıl çalıştı. Bu süre zarfında sadece beste yapmayı değil, aynı zamanda keman, obua, klavsen çalmayı da öğrendi.

Şubat 1697'de Handel'in babası öldü. Ölen kişinin isteklerini yerine getiren Georg, liseden mezun oldu ve babasının ölümünden beş yıl sonra Halle Üniversitesi hukuk fakültesine girdi. Üniversiteye girdikten bir ay sonra, şehrin Reform Katedrali'ne orgcu olarak atandığı bir yıllık bir sözleşme imzaladı. Ayrıca spor salonunda şarkı söylemeyi öğretti, özel öğrencileri oldu, motetler, kantatlar, koraller, mezmurlar ve org müziği yazdı, şehir kiliselerinin repertuarını her hafta güncelledi.

Ertesi yılın baharında, sözleşmenin sona ermesinden sonra Handel, Halle'den ayrıldı ve Hamburg'a gitti. Opera binası şehrin müzik hayatının merkeziydi. Handel'in Hamburg'a gelişi için operaya besteci, müzisyen ve vokalist Reinhard Keizer başkanlık etti. Handel, ünlü müzisyenin opera bestelerinin tarzını, orkestra yönetme sanatını dikkatle inceledi. Handel, opera binasında ikinci bir kemancı olarak bir iş buldu (kısa sürede ilk kemancı oldu). O zamandan beri opera, uzun yıllar çalışmalarının temeli oldu.

Handel'in Hamburg'daki hayatındaki ana olay, 8 Ocak 1705'te operası "Almira"nın ilk performansı olarak kabul edilebilir. 25 Şubat 1705'te ikinci opera, "Kan ve kötülükle elde edilen aşk veya Nero" sahnelendi. Handel ilk oratoryo çalışmasını Hamburg'da yazdı. Bu, ünlü Alman şair Postel'in metninde sözde "Tutku".

Hamburg'da çıraklık dönemi sona erdi ve burada genç besteci, olgun eserinin önde gelen türleri olan opera ve oratoryoda elini denedi.

1706-1709'da besteci, İtalyan operasının ustası olarak ün kazandığı İtalya'da seyahat etti ve okudu.

1706'nın sonundan Nisan 1707'ye kadar Floransa'da yaşadı ve ardından Roma'ya gitti. 1708 sonbaharında, Toskana Dükü Ferdinand'ın yardımıyla, Handel ilk İtalyan operası Rodrigo'yu sahneledi. Kardinal Ottoboni için aynı anda icra edilen iki oratoryo yazdı.

Roma'daki başarısının ardından Handel, sanatta kendi okuluna ve geleneklerine sahip olan Napoli'ye gider. Handel yaklaşık bir yıl Napoli'de kaldı. Bu süre zarfında büyüleyici bir serenat "Acis, Galatea ve Polyphemus" yazdı, aynı ruhta birkaç eser daha, ancak daha küçük boyutta.

Handel'in Napoli'deki ana eseri, 1709 yazında yazılan ve aynı yıl Venedik'te sahnelenen Agrippina operasıydı.

İtalya, Handel'i sıcak bir şekilde karşıladı. Bununla birlikte, besteci "Müzik imparatorluğunda" güçlü bir konuma pek güvenemezdi, tarzı İtalyanlar için çok ağırdı.

1710'da, 1701 yasasına göre Büyük Britanya Kralı olacak olan Hanoverli Seçmen I. George'un sarayında Kapellmeister oldu. Aynı 1710'da Handel Londra'ya gitti.

Hemen İngiliz başkentinin tiyatro dünyasına girdi, Tidemarket Tiyatrosu'nun kiracısı Aaron Hill'den bir sipariş aldı ve kısa süre sonra Rinaldo operasını yazdı. Ocak 1713'te Handel, Kraliçe'nin Doğum Günü için anıtsal Te deum ve Ode'yi yazdı. 7 Temmuz'da, Kraliçe ve Parlamento huzurunda Utrecht Barış Antlaşması'nın imzalanması vesilesiyle, Handel'in "Te Deum"unun ciddi, görkemli sesleri St. Paul Katedrali'nin tonozlarını duyurdu.

1720 yılına kadar Handel, Chandos Dükü'nün hizmetindeydi. Dük, Londra yakınlarındaki Cannon Kalesi'nde yaşadı ve burada mükemmel bir şapeli vardı. Handel onun için müzik besteledi. Bu yılların çok önemli olduğu ortaya çıktı - İngiliz stiline hakim oldu. Handel marşları ve iki maskeyi boyadı. Antik çağın ruhuna uygun iki maske, iki performans İngiliz tarzındaydı. Handel daha sonra her iki eseri de revize etti. Biri İngiliz operası (Acis, Galatea ve Polyphemus), diğeri ilk İngiliz oratoryosu (Esther) oldu.

1720'den 1728'e kadar Handel, Kraliyet Müzik Akademisi'nin direktörlüğünü yaptı. 12 Ocak 1723 Handel, "Otgon" operasını sahneledi, kolayca, melodik olarak hoş bir şekilde yazdı, o günlerin İngiltere'deki en popüler operasıydı. Mayıs 1723'te - "Flavio", 1724'te - iki opera - "Julius Caesar" ve "Tamerlane", 1725'te - "Rodelinda".

1734 - 1735'te Fransız balesi Londra'da modaydı. Handel, Fransız tarzında opera-baleler yazdı: Terpsichore, Alcina, Ariodante ve Orestes pasticho. Ancak 1736'da ağırlaşan siyasi durum nedeniyle Fransız balesi Londra'yı terk etmek zorunda kaldı.

Aralık 1737'de "Faramondo" operasını tamamladı ve yeni opera"Xerxes". Şubat 1738'de Handel, "Alessandro Severo" pastişini sahneledi. Şu anda alışılmadık derecede iyi yazıyor: güzel malzeme bestecinin iradesine itaatkar bir şekilde uyuyor, orkestra etkileyici ve pitoresk geliyor, formlar mükemmel.

1740'lardan bu yana, oratoryolar eserlerinde ana yeri işgal etti. En iyi "felsefi" hatiplerinden birini - Milton'ın güzel gençlik şiirleri üzerine - "Neşeli, dalgın ve ılımlı", biraz daha önce - Dryden'in metninde "Aziz Cecilia'ya Övgü" yazıyor. Ünlü on iki konser grosiyesi o yıllarda onun tarafından yazılmıştır. Ve bu sırada Handel opera ile yollarını ayırdı. Ocak 1741'de sonuncusu "Deidamia" teslim edildi.

22 Ağustos 1741'de besteci Mesih oratoryosunu yaratmaya başladı. Birçok nesil için "Mesih" Handel ile eş anlamlı olacaktır. "Mesih", insan yaşamı ve ölümü hakkında İncil'deki görüntülerde somutlaşan müzikal ve felsefi bir şiirdir. Handel, Mesih'i 12 Eylül'de tamamladı. Ve zaten 18 Şubat 1743'te, Milton'ın metnine dayanan kahramanca bir oratoryo olan "Samson" un ilk performansı gerçekleşti. Milton'ın Samson'u, İncil'deki olay örgüsünün ve antik Yunan trajedisi türünün bir sentezidir. Handel'in bir sentezi var. müzikal drama ve oratoryonun koro gelenekleri.

10 Şubat 1744'te oratoryo Semele'yi sahneledi, 2 Mart'ta - Joseph, Ağustos'ta Herkül'ü bitirdi, Ekim - Belshazzar.

11 Ağustos 1746 Handel, İncil konulu en iyi hatiplerinden biri olan Judas Maccabee hatipini bitirdi.

1747'de Handel, Alexander Balus ve Joshua oratoryolarını yazdı. Gelecek yılın baharında yeni oratoryolar düzenler ve yaz aylarında iki tane daha yazar - "Solomon" ve "Susanna". 63 yaşındaydı.

1750'lerin başında, bestecinin görme yeteneği kötüleşti. 3 Mayıs 1752'de gözleri ameliyat edildi. Başarısızca. Hastalık ilerliyor.

1753'te tam körlük başlar. Handel, 14 Nisan 1759'da Londra'da öldü. Westminster Abbey'e gömüldü.

Handel'in yaratıcılığının özellikleri

Yaratıcılığın özellikleri

“Handel için zor zamanlar geldi - her şey ona karşıydı ... II. George onun ilgisini çekti, yeni İtalyanları davet etti, ona düşmanlar kurdu. Seyirci Handel'in operalarına gitmedi. Her yıl yenildi, her yıl aynı şeyi izledi. resim: sessiz, dikkatsiz, boş bir salon ... Sonunda Handel iflas etti. biraz para ve Aachen'deki bir tatil köyüne gönderdi. " (Samin, 1999, s. 58.)

"Eserleri üzerinde olağanüstü bir hızla çalıştı. "Rinaldo" operası onun tarafından iki hafta içinde, en iyi eserlerinden biri olan "Mesih" oratoryosu "- 24 günde" yazıldı. (Mirkin, 1969, s. 56.)

(1751) "... Son oratoryosu Ievphi'deki çalışmaları sırasında Handel kör oldu, ancak yine de oratoryoların performansına orgcu olarak katılmaya devam etti." (age., S. 55.)

GEORG FRIEDRICH HENDEL (1685-1759)
Handel, "İnsan" fikrini somutlaştıran seçkin Alman sanatçılar arasındadır.
Handel büyük bir hümanisttir. Onun hümanizmi, o zamanlar Almanya'da çok yaygın olan ve gerçeklikten uzak, yalnızca ideal alanlarda kalan soyut hayırseverliğe yabancıydı. Aksine, çalışmaları o zamanlar mümkün olduğu kadar doğru, somut ve etkiliydi. O sadece çağdaş değil, aynı zamanda birçok açıdan Lessing'le aynı fikirde olan biriydi ve bir zamanlar şöyle diyordu: "İnsan, akıl yürütmek için değil, eylemde bulunmak için yaratıldı."

Her büyük sanatçı gibi, Handel de çok yönlüydü, meraklı ilgisi büyük ve küçük, kahramanlık ve gündelik, sıradan, her gün tarafından uyandırıldı. "Mesih" - ve "Sudaki Müzik"; "Judas Maccabee" - ve "Harmonik Demirci" klavsen varyasyonları - bunlar eserinin kutuplarıdır. Ancak tüm müziğinin özü, doğal tematik merkezi, acı çeken, köleleştirilmiş ama güçlü, köleliğin zincirlerini kıran ve karşı konulmaz bir şekilde geleceğe, ışığa, barışa ve özgürlüğe giden bir halkın imgeleridir:
Halklar arasındaki düşmanlık bitsin! Barış, özgürlük ve insanların mutluluğu uçtan uca hüküm sürsün, Savaşlar ve kölelik sonsuza dek yıkılsın! (Belşatsar, II. Perde Final Korosu.)

Handel'in insanları, müziğinin sanatsal gerçeğinden ayrılamaz. Çalışmasının doruk noktasında, anıtsal oratoryo türüne odaklandı, çünkü oraya Marlborough Dükü gibi mahkeme entrikaları veya Dilenci Operası'ndaki vatansever alaycılar tarafından itildi. Sonunda kendini oratoryoda buldu ve bu türde tam kapsamıyla gelişti, çünkü yalnızca "altın halk" ve onun şakşakçılarının üzerinde gezinen, mahkeme-tiyatro bağımlılığından etkilenmeyen geniş ve görkemli biçimler, halkların titanik görüntülerini barındırabilirdi - baskıya ve manevi karanlığa karşı özgürlük savaşçıları.

Ama müziğinin diğer "çevresel" türlerini, hatta operasını, geleneklerine ve günah işlediği lüks barok aşırılıklarına rağmen, kitlelerin aziz özlemlerini ifade eden büyük fikirlerin ışığıyla defalarca aydınlattı. Burada ve orada, arsa çizgisini güçlü bir şekilde kırdılar mitolojik efsaneler ve mahkeme sahne aksesuarları. Handel, kahramanın bireysel karakterizasyonunda genellikle güçlüdür ve ayrıca sadece operada değil. Kötü Belshazzar ve çileci Samson, sinsi Delilah ve basit Nitokris, telaşsız ve anlayışlı Süleyman, pervasızca aceleci Sextus - hepsi Shakespeare'in müziğinde çok yönlü bir şekilde tasvir edilmiştir. Fakat bireysel özellik ve özel durum kendini oluşturmadı güçlü taraf Handel'in yeteneği. Ana karakterleri, tabiri caizse kümülatif, özet hareketleri, eylemleri, duyguları içindeki kitlelerdir. Bu nedenle, uzun zamandır herkes tarafından kabul edildiği gibi, oratoryo korolarındaki en güçlü ve karşı konulmaz Handel - müziğinin freskleri. Burada onun Adamı tüm büyüklük ve güzellikte bedenlenmiştir. Bu enkarnasyonun Handel'in araçları nelerdir?
Handel'in tarzının kahramanca bir tarz olduğu yaygın bir bilgidir. Bu tarzın ulusal doğası ile durum daha karmaşıktır. Bırakın tamamen İngilizceyi, onu yalnızca Almanca olarak tanımlamaya yönelik özlemler tek taraflıdır. Handel'i bir tür ulusal olmayan "dünya vatandaşı" olarak görme girişimleri (sadece yabancı değil, aynı zamanda edebiyatımızda da yer aldı) tamamen yanlıştır ve müziğinin gerçek imajını çarpıtmaktadır. Handel, Alman demokratik kültürüyle büyümüş ve büyümüş Alman halkının oğludur. Protestan ilahisinin tonlamaları genellikle oratoryolarında duyulur. Çoksesli ve org virtüözü olarak Alman ustaların varisidir. 17. yüzyıl... Organ konserleri Bach'a çok yakındır ve bazı özellikleri Beethoven'ın habercisidir. Onun klavier süitleri, İngiliz virginalistlerinden ziyade Güney Alman okulu tarzında yazılmıştır. Ve 1726'da İngiliz vatandaşlığına geçişten sonra, Handel Alman müziği ile ardışık bağlarını sürdürmeye devam etti. Özellikle İncil konularındaki oratoryolarda, Schütz'e, resitatiflerine ve a capella korolarına doğrudan yakındır. Alman halkı onu haklı olarak ulusal sanatçıları olarak görüyor. Ancak şematizme düşmemek için iki durumu aklımızda tutmalıyız.

Öncelikle. Handel, yalnızca Alman sanatının değil, aynı zamanda dünya çapında evrensel öneme sahip sanatın yaratıcısıdır. Çünkü o, kaçınılmaz olarak, yalnızca Alman müziğinin değil, tüm Batı Avrupa müziğinin hazinelerini etkin ve uyumlu bir şekilde ele geçiren mirasçısı oldu. İtalyan operasını, konserini, sonatını türler olarak adlandırdı, ancak onları orijinal tarzında çözdü. Bağlantıları çok ulusluydu, ancak kendisi ve müziği bundan "ulussuz" olmadı.
İkinci. Tarihsel gerçek Alman besteci Handel için İngiltere ikinci vatandı ve İngilizler, Almanlar gibi burayı kendilerine ait sayıyor. Gerçekten de, en azından 18. yüzyılın 20'li yaşlarının başlarından itibaren, yaratıcı ve icra faaliyetlerinin tüm İngiliz müzik yaşamının merkezi haline geldiği inkar edilemez. Marşlarda, kısmen org konserlerinde ve oratoryolarda Handel, İngiltere'nin en büyük bestecisi Purcell'in tek meşru varisi. Oratoryolar "Mesih", "Judas Maccabee" ve diğerleri, öncelikle İngiliz halkı için yaşamlarının ve mücadelelerinin olaylarıyla bağlantılı olarak yazılmıştır. Handel'in bazı aryaları İngiliz türkülerine dönüştü. Handel, İngiliz ve İtalyan müzik kültürünün en iyi özelliklerini de sentezleyen kendine özgü Alman tarzını korudu.

Kimse Sanat tarzı- özellikle birey - hemen tam olarak gelişmiş ve olgun görünmez ve sonsuza kadar her zaman kendisine eşit kalmaz. Mozart'ın bir Fransız biyografi yazarı (Emmanuel Buenzo) ona "kuluçkasız bir dahi" dedi. Ancak bu alışılmadık şekilde erken dönemde oluşturulmuş müzisyenle bile, opera tarzı ancak yirmi beş yaşındayken tamamen olgunlaştı (Idomeneo, Girit Kralı, 1781). Beethoven'ın olgun stili için tipik olan teknikleri, 90'lı yılların ortalarında, henüz yaratıcı olgunluktan uzak olan piyano sonatlarında sıklıkla göze çarpar.

Bestecinin üslubu kaçınılmaz olarak kendi oluşum ve gelişim sürecinden geçer ve herkes için kendine özgü bir şekilde ilerler. Aynı zamanda, bazıları stilistik olarak daha eşit ve sabittir; dahil diğerleri seçkin sanatçılar, - stil, aksine, niteliksel olarak yeni aşamalara değişikliklere ve geçişlere daha duyarlıdır. Sanatsal bireyselliğinin ve üslup bütünlüğünün tüm gücüne rağmen, Handel daha çok ikinci kategoriye aitti. Bu, yaratıcı kişiliğinin böyle bir oluşumuna tam olarak katkıda bulunan yaşam yolu ile kanıtlanmıştır.

halle
Halle'de (1685-1703) çocukluk ve ergenlik, onun için sanatsal yaşamı boyunca kalan sağlam bir temel oluşturdu: demokratik maya (baba - berber, büyükbaba - kazan üreticisi), sıkı çalışma, pratik sağduyu, benlik saygısı ve Yakınlarının takdir etmediği ve anlamadığı müziğe giden yolda engellerle mücadelede gençlikten tavlanan Will. Öyle oldu ki, Bach, Haydn, Mozart'ın aksine, yeteneğinin kaşiflerini ve propagandacılarını Sakson ve Prusya aristokrasisi arasında yan tarafta buldu. Ama özlemler ve hedefler farklıydı. Yaşlandıkça, çocukça bencilce müzik yaptı ve bir çocuk olarak, sanatının hayatının işi olarak ciddi bir şekilde çabaladı. Mahkemelerde ağırlıklı olarak yabancı bir repertuar oluşturuldu; Handel, ilk ve mükemmel öğretmeni V. Tsakhov'un rehberliğinde de geniş çapta yer aldı. alman müziği(G. Albert, J. Froberger, IK Kerl, I. Kuhnau ve diğerleri), halk kökenleri. Üstelik bestecilik alanındaki ilk adımlarını da bu etki altında atmış ve koro şefliği, klavsen virtüözü, obua ve özellikle orgcu olarak kendini geliştirmiştir. Sonunda, Halle'de, orada Prusya hükümeti tarafından sadece sekiz yıl önce, 1694'te kurulan, ancak şimdiden büyük bir bilimsel düşünce merkezi haline gelmeyi başaran üniversiteye girdi. 18. yüzyılda, Alman kültürünün Chr. Tomasius, Chr. Wolf, Baumgarten, I. Winkelmann. 700'lerin başında, üniversitenin ilahiyat fakültesi (Handel hukuk okudu), 16. yüzyılın Lutheran doktrinini dini hoşgörü çerçevesinde ve iktidardaki kiliseye karşı yeniden canlandırmaya çalışan teolojik yönün kalesiydi.
Dindarlık adını alan bu akımın en belirgin temsilcisi Chr. Demokratik ve eğitsel özlemleri çelişkili olan Thomasius, bu dönemde derinden dinsel bir bakış açısı ve Prusya monarşisinin açık yürekliliği ile birleşti. Ancak üniversitede ideolojik olarak Fransızca ve İngilizce eğitimiyle bağlantılı başka bir radikal yön vardı (Pierre Baile, Shaftesbury ve diğerleri). Trendlerin mücadelesinde sanatın sorunlarına da değinildi. Tüm bu atmosferin Handel'in görüşleri üzerindeki etkisini doğrudan değerlendirmemize izin verecek materyallerimiz yok. Her halükarda, onun ne dindar, ne radikal, ne de daha da ötesi bir ateist olmadığı güvenle söylenebilir, ancak dindarlığı, dindar bir dindardan daha yüzeysel olarak geleneksel, hatta belki kısmen "uygulamalı"ydı. veya
ukalaca teolojik karakter.
Bununla birlikte, felsefe, etik, hukuk alanında - Halle bir şeyler verebilirse, o zaman müzik hayatı hala taşrada fakirdi ve alçakgönüllülük veya ahlaki bir başarıda teselli arayışı hiçbir şekilde Handel'in doğasına özgü değildi. Bu nedenle, güçlenerek bu dar çemberden kolayca ayrıldı ve Hamburg'a gitti. Bu 1703'te oldu.

Hamburg
Hamburg dönemi çok kısaydı, ancak bestecinin sanatsal dünya görüşünün ve tarzının daha da oluşumu için çok önemliydi. Handel ilk olarak, Alman demokratik yaşam tarzı, gelenekleri ve Alman okulunun çok çeşitli mükemmel profesyonel müzisyenleri (I. Teile, I. Matteson, R. Kaiser) ile gerçekten büyük bir şehre yerleşti. Bu yeni tanıdıkların etkisi büyük oldu. Kaiser'in melodik üslubuyla olan bağlantı 50'li yıllara kadar kendini hissettirdi. Matteson ve ortağı G. Telemann'ın estetiği, Handel için tam bir keşifti. Herhangi bir ülkenin müziğinin özgün bir sanat olduğu, vatansever ideallere hizmet etmesi ve insanları zihinsel olarak eğitmesi, ruh hallerini ifade etmesi gerektiği fikri, çalışmalarının yol gösterici fikirlerinden biri haline geldi. John Passion'un (1704) yaratılması aynı zamanda 16. yüzyıla kadar uzanan bir Alman geleneğine de bir övgüydü. Ancak Handel'in Hamburg'da bulduğu en önemli ve yeni şey, hayatında ilk kez daldığı opera binasıdır. Daha önce de belirtildiği gibi, tiyatro sanatsal olarak çok düzensiz, eklektik ama inkar edilemez derecede parlaktı. O zamanlar mümkün olduğu kadar, ulusal olarak Alman özelliklerine sahipti ve nispeten demokratik bir temelde örgütlendi. Burada Handel için, o zamandan beri onun için belirleyici hale gelen tür alanı geniş bir şekilde açıldı - alan dramatik müzik... Hamburg'da ilk operalarını Almanca bir libretto ile yazdı. O yıllardan hayatta kalan tek "Almira" da - hala hedeften çok uzak olmasına ve Kaiser'den güçlü bir şekilde etkilenmesine rağmen, zaten kendi opera tarzını arıyor. Bununla birlikte, Halle döneminin kantat ve motiflerinden sonra, ortak büyük bir girişime katılım - ulusal bir tarzda ve ana dilde bir Alman operasının yaratılması - çok önemli bir olguydu. Ayrıca virtüöz Handel, Hamburg'da ilk kez Weissenfels ya da Berlin'de verdiği konserlerde tanıştığından çok daha geniş ve demokratik bir dinleyici kitlesine ulaştı. Son olarak, Hamburg, o zamandan beri ona kırk yıl boyunca eşlik eden ve onun için bir tür "varoluş biçimi" haline gelen akut sanatsal rekabetin (Matteson, Kaiser) ilk ciddi okuludur.

İtalya
İtalyan dönemi (1706-1710), genellikle ona atfedilen şey için - Handel'in "İtalyanlaşması" için dikkate değerdir. Agrippina ve Rodrigo operaları, 1708-1709 Roma kantatları gibi, gerçekten de mükemmel bir şekilde ustalaştığı İtalyan tarzında yazılmıştı. Buna ek olarak, İtalyan folkloruyla geniş çapta tanıştı, türlerini (özellikle Sicilya'yı) müziğine tanıttı ve daha sonra Arcadia'da birleşen birçok seçkin müzisyenle (Corelli, Alessandro ve Domenico Scarlatti ve diğerleri) yakınlaştı. Ama aynı zamanda o zamanlar Fransız tarzında şarkılar da yazdı ve gitarla birlikte vokal solo için yaptığı kantat, İspanyol tarzına olan ilgiyi kanıtlıyor. "Zamanın ve Gerçeğin Zaferi" oratoryosunun ilk baskısı ve "Acis, Galatea ve Polyphemus" serenatı (1708-1709) tamamen İtalyan tarzında yazılmamıştı: çoğu, kendi, bireysel olarak karakteristik yazma tekniklerinden geliyor. Handel için İtalya, onun uluslararası veya Avrupa arenasına girişi ve dünya sanatına çok daha geniş bir girişti. Gezinme yılları, aynı zamanda, stilin tüm bu müzikal ve estetik değer ve izlenim zenginliğine karşı bir denge olarak değil, alışılmadık derecede hızlı gelişme ve çok kademeli boyun eğme yoluyla şekillendiği çalışma yılları oldu. onların kendi sanatsal bireyselliklerine.

Hannover-Londra
Bazen Hanover dönemini veya daha doğrusu 1710 ile 1716 arasındaki Hanover-Londra dönemini hafife alma eğilimindeyiz. Bu, bestecinin hayatında radikal bir değişim dönemiydi, anavatanına dönüp iki kez Londra'ya gittikten sonra (1710 ve 1712'de), nihayet ikincisine yerleşmeden önce Almanya ve İngiltere arasında bir seçim yaptı. Opera binası ve muhteşem şapeli ile artık Handel'in kültür merkezi haline gelen Hannover oldu. Alman bağlantıları... Londra'dan buraya geldi; burada Alman kantatları, Obua Konçertoları, muhtemelen Flüt Sonatları ve nihayet 1716'da Broches tarafından librettodaki Tutkular - düzensiz bir çalışma, ancak içinde zaten birçok tipik Handel var. Aynı dönemde, tarz olarak neredeyse tamamen özgün olan Rinaldo ve Theseus, Londra'da büyük bir başarıyla sahnelendi.
Galyalı Amadis ve ünlü Su Müziği. Bu, sanatçının, nihayet İngiltere'de kendini kurduğu anda kendisine gelen olgunluğunun eşiğiydi. Bu tarihsel paradoks bir kereden fazla bestecinin anavatanıyla ilgili olarak sözde vatansever olmayan eylemi hakkında sitemlere neden oldu (KF Krizander ve diğerleri). Bu suçlamalar asılsızdır. Romain Rolland'ın "Handel'in Alman vatanseverliğinden tamamen yoksun olduğu" iddiasına katılmamak mümkün değil.

Almanya'dan ayrıldı ve Dover Boğazı'nı, anavatanını sevmediği için değil, sanatsal doğası, tür ilgileri ve o zamanki Alman sosyal ve müzik yaşamının yapısı ve seviyesi ile Saksonya'da geri dönecek hiçbir yeri olmadığı için geçti. -Brandenburg arazisi. Müziğinin Alman kökenlerini özenle korudu ve son eserlere kadar korudu. Bu, İtalyan ve İngiliz kültürüyle iletişim halinde öğrendiği ve kendi tarzında oldukça organik bir şekilde yeniden işlediği tür ve tonlama unsurlarıyla çok özel bir sentezde elde edildi.

İngiltere
1717-1720 yılları, İngiliz sanatının yaratıcı ruhuna ve çeşitli varoluş biçimlerine derin ve kapsamlı bir şekilde nüfuz eden bu revizyonun işareti altında geçti. Bu dönemde, geniş çapta geliştirilmiş opera çizgisinin bir süreliğine kesintiye uğraması ve bestecinin kendisini esas olarak kült türlerine adaması garip görünebilir: Chandos Dükü'nün şapeli için Antemas ve İngilizce'deki ilk oratoryo olan Esther. Eski Ahit arsa üzerinde bir şekilde. Aslında, sadece en iyi epik-dramatik örneklerinde İngiliz müziğinde ustalaşmak için bir tür okul değildi, aynı zamanda içgüdüsel ve belki de ihtiyatlı bir şekilde, geleceğe - 1930'ların ve 1940'ların hitabet çalışmalarına - mükemmel bir atılımdı. Handel, İngiliz mirasında neyi, nasıl dinleyeceğini ve çıkış noktası olarak kendisi için neyi seçeceğini biliyordu.

Kraliyet Akademisi

İngiliz geleneğinin ustalığı büyük ölçüde tamamlandığında, operaya döndü, Kraliyet Akademisi tiyatrosunu devraldı ve 1920'lerin başlarından itibaren otuz beş yaşında, bir opera bestecisi olarak alışılmadık derecede üretken bir doruğa girdi. Zirveleri Radamisto (1720), Otto (1723), Julius Caesar (1724), Rodelinda (1725). O dönemde İngiliz müzik hayatı ve özellikle opera binası, daha önce görülmemiş bir düşüş dönemi yaşadı. 1704'teki gösteriden sonra, Purcell'in İngiliz operasının tek parlak eseri olan "Dido ve Aeneas", iki yüz yıldan fazla bir süre unutulmaya terk edildi. Yarı opera King Arthur, yetenekli Thomas Arne'nin (1710-1778) yaratıcı ama keyfi bir yeniden çalışmasından geliyor. İtalyan operası, demokratik çevrelerin gözünde kraliyet mahkemesinin, toprak sahibi aristokrasinin ve büyük burjuvazinin gelenekleri ve zevkleri tarafından yönlendirilen anti-yurtsever özlemlerinin bir tür teatral sembolü haline gelen büyük sahnede hüküm sürdü. "büyük dünya". Bu nedenle - eleştiri ve dahası, Handel'e karşı sağdan açılan şiddetli bir kampanya, onu "resmi bir kraliyet bestecisi" olarak görmekten çok, olağan estetik ve sınıf-etik kural ve geleneklerin cüretkar bir ihlali olarak görenlerden. Bu nedenle - Burlington, Marlborough ve diğer etkili aristokratların entrikaları, düşmanlığı, rekabeti kışkırtan ve bir Alman usta yenilikçi, “geleneksel” ve zararsız İtalyanlar olarak Handel'e karşı çıkmaya çalışan entrikalar - DB Bononcini ve daha sonra - Porpora ve Gasse.

"Dilenci Operası"
Aynı zamanda, İngiliz tiyatro sahnesinde yeni bir fenomen ortaya çıktı: 18. yüzyıl "balad operası" tamamen ulusal bir İngiliz türüydü. Hayata yakın, genel halk için tasarlanmış demokratik bir sanattı. Müzikal tiyatro için bir miktar ilerleme faktörü olarak, bununla birlikte, bestecinin yaratıcılığında yeni bir sahne olmadı: genellikle bir balad operası, yeni İngilizce metinlere uyarlanmış popüler günlük şarkılardan müzikle yapılan komik bir performanstan başka bir şey değildi. Bu türün erken ve dahası, hicivli bir versiyonu, şair John Gay ve besteci John Christophe Pepush tarafından 1728'de Londra'da J. Swift konusunda sahnelenen Dilenci "Operası" idi. güçlü Robert Walpole tarafından yönetilen çevrelerde, ahlaklarına ve zevklerine karşı, mahkeme operasından, özellikle de Handel'in “Rinaldo” sından kaçmadı. kolay erdem. Da capo arias yerine, halk şarkıları sokaklarda ve meydanlarda söylendi - çağdaşları olarak "vahşi, kaba ve genellikle kaba melodiler" - ünlü müzik tarihçisi Charles Burney. Libretto zengin bir yerel lehçeyle yazılmıştır, ve bir lordun Gay'e mahkemedeki dinleyicilerin anlayabilmesi için İngilizce'den İtalyanca'ya tercüme etmesini tavsiye etmesi sebepsiz değildi. Onu anlayabiliyordum! Örneğin, hapishane gardiyanı Lucy'nin kızı olan kızlardan biri tarafından söylenen, kasıtlı olarak banal şarkı sözleriyle kıskançlığın komik aryası, popüler halk şarkısı South Sea Ballad'ın çekici, taze melodisine yazılmıştır.
Pepush ve Gay tarafından "Dilenci Operası"nda tanıtılan bu günlük şarkılar arasında Purcell tarafından bestelenen üç ezginin olması dikkat çekicidir. Handel'e gelince, müziği (arya ve marş) orada yalnızca İtalyan opera tarzının yakıcı bir parodisi biçiminde ortaya çıkıyor. Tüm bu girişim - cüretkar ve meydan okuyan - bir sansasyon yarattı, Avrupa'nın önde gelen zihinlerinin sempatisini çekti (örneğin, İngiltere'de Jonathan Swift, Fransa'da Melchior Grimm), bürokrasiyi rahatsız etti ve mahkemeyi kızdırdı. Kral, Dilenci Operası'nı yasakladı, ancak birçok performansa dayanmayı başardı, pan-Avrupa ünü kazandı ve 20. yüzyıla kadar repertuarda varlığını sürdürdü. O zaman, bu operet broşürünün muazzam başarısı, "ulusal tezahür" (Romain Rolland) karakterini aldı. Kraliyet Akademisi ezici bir darbe aldı, geçici olarak kapatıldı. sahip olmak
son derece aktif, güçlü iradeli doğa, Handel, keskin bir mücadelenin ortasında, beynini geliştirmek için yorulmadan çalışmaya devam etti ve kısa bir süre için çöken işletmeyi restore etti.
1731'de ikincil bir çöküşün ardından gerçek bir stratejist olarak savaş alanını değiştirdi ve Covent Garden'daki daha demokratik bale tiyatrosuna taşındı. Onun için harika opera baleleri yazıldı: "Ariodant", "Alcina" (1735), "Atalanta" (1736). Sonra neredeyse aynı anda iki yeni felaket patlak verdi: besteci felç oldu, tiyatro iflas etti, birçok arkadaş onu terk etti. İyileşmesiyle birlikte opera üzerinde çalışmaya devam etti, ileriye doğru çabaladı, içine yeni, taze meyve suları döktü. 30'ların sonlarında - 40'ların başlarında, zengin şarkı günlük akışında, kıtanın yaratıcı bir şekilde ustalaşmış deneyiminde son eserlerde komik opera... Literatürde haklı olarak belirtildiği gibi, Atalanta (1736), Justin (1737), Xerxes (1738), Deidamia (1741) türün yorumlanmasında ve opera tarzı (bir şarkı-günlük karakterin küçük aryaları) zaten daha yakın. 17. yüzyılın İtalyan ustalarından çok Mozart'a.
Bu da bir çelişki gibi görünebilir. Handel'in üslubu ne kadar net ve güçlü hale geldiyse, anıtsallığın niteliği de o kadar eksiksiz bir şekilde içinde vücut buldu. Bu arada, 1930'ların operası tam tersi yönde gelişti. Bu, zaten olgunlaşmış bir tarzın daha da geliştirilmesinin yeni tür çözümleri gerektirmesi ve türlerin yeniden gruplandırılmasının gerçekleşmesiyle açıklanır.

30-40'ların Oratoryoları
30'ların ikinci yarısından bu yana Handel'in ana çizgisi oratoryoydu: "İskender Bayramı" (1736), "Saul", "Mısır'da İsrail" (1738-1739), "L" Allegro, il Pensieroso ed il Moderato "(1740) Oratoryo operayı arka plana itti ve sonunda tamamen emdi. Ama mücadele devam etti, cephesi genişledi. Din adamları, iddiaya göre arka ayakları üzerinde yükselen aristokrasiye katıldı. besteci tarafından kutsal metinlerin küfürlü, ama aslında özgür düşünceyle ele alınması Bu mücadelede, sanatçının zafere olan arzusu giderek daha kararlı hale geldi ve yaratıcı potansiyeli sürekli büyüyordu. Dublin'de (İrlanda) coşkuyla kabul edilen “Mesih” (1742), “Samson” (1743) ve “Belshazzar” (1744) gibi pathoslar doğdu. Bir yıl sonra Stuart isyanı İngiltere'yi sarstığında ve
ilerici güçleri İskoçya'dan başkente ilerleyen düşmanı püskürtmek için bir araya geldi, özgürlük seven besteci kendini bu güçlerin tam merkezinde buldu. İlham verici marş "Durun, cesur çocuklarım" ("Durun, cesur çocuklar!"), Vatansever oratoryolar "Durum" ve "Judas Maccabee" (1746) - ilk kez 1711-1712 opera prömiyerlerinden ve konserden sonra ve performans zaferleri İngiliz toplumunun tüm çevrelerini fethetti ve Handel'e gerçekten ulusal bir tanınma kazandırdı. Bu, kariyerinin genel doruk noktasıydı.

Son yıllar
Sonraki on yıl, hala güzel ve güçlü eserlerle işaretlendi. Bunların arasında, Gluck "Alcesta"nın habercisi olan yenilikçi bilge "Solomon", parlak görüntülerin başka yollarla yeniden yaratıldığı neşeli "Havai Fişek Müziği", 1739 Concerti grossi ve genç oratoryo "The Triumph"un son baskısı yer alıyor. Zaman ve Hakikat", zaten körlük döneminde mucizevi bir şekilde gerçekleştirildi. Buna, görkemi, mizacıyla, doğaçlamacının tükenmez hayal gücü ve enstrümanın tüm kaynaklarına mükemmel hakimiyeti ile seyirciyi heyecanlandırmaya devam eden org üzerindeki neredeyse hiç bitmeyen konser performanslarını da eklemek gerekir. Handel, 14 Nisan 1759'da yaşamının yetmiş beşinci yılında öldü ve 1726'da vatandaşlığını geri aldığı İngiltere'nin büyük ulusal sanatçısı olarak Westminster Abbey'e gömüldü. 1750'de ölümünden on yıldan az bir süre önce burayı ziyaret etti. Son eserlerinin bir analizi, efsanevi Antaeus gibi, tekrar tekrar ona düşmek için hayati bir ihtiyaç duyduğunu gösteriyor. memleket ve kaynaklarından iç. Alman unsuru, günlerinin sonuna kadar tarzının en önemli parçası olarak kaldı.

Her şeyden önce, Handel dahi bir melodist ve özel bir tür melodist. Melodinin tarzı, ilham verici konuşmaları geniş kitlelere hitap eden tutkulu ve amaçlı vaiz - Protestan'ın yaratıcı doğasıyla tamamen tutarlıdır.
Şiirsel eserleri - oratoryolar, operalar - sadece anlatmakla kalmaz, aynı zamanda tutkuyla, "açık ve seçik" bir şekilde ispatlar. Handel'in bir keresinde “Dinleyicilerimi daha iyi insanlar yapmak istedim” (“Ich wunschte sie besser zu machen”) demesi tesadüf değildir. Müzikal görüntülerin dilinde insanlarla konuştu, birçok insanla. Ve onun için ana "konuşma aracı" melodiydi.

melo
Handel'in melodisi, en genel özelliklerinden bahsedecek olursak, enerjik, görkemli, geniş, keskin, net bir kalıbı var. Daha çok basit, "hizalanmış" ritimlere ve metrik olarak dengelenmiş, kabartma çizilmiş mükemmel kadanslara sahip kapalı yapılara yöneliyor. Bir istisna, elbette, eşlik eden resitatiftir. Bununla birlikte, üslubun tamamen organik doğasına rağmen, bu melodi çok çeşitli tonlama yapısı ve deseni ile ayırt edilir. Onda, o zamanın "Yeni Alman" şarkısının karakteristiği olan katı bir akor konturunun "düz çizgilerini" ve opera-colaratura tipinin görkemli figüratif modellerini buluyoruz; geniş ses dalgaları, yükselen yükselişler, dik düşüşler - ve dar bir aralıkta kısıtlı hareket; saf diyatonik - ve kromatik doygunluk; ünsüz aralıklarda yumuşak, melodik - ve keskin gergin tonlamalar - melodik hareketin doruk noktalarında yoğunlaşan septimler, tritonlar. Bu melodi çeşitliliği sadece bestecinin yaratıcılığından bahsetmez. Tarzının temel özelliklerinden birini ortaya koyuyor: somutluk, melodik görüntünün plastik görünürlüğü, melodinin hareketinde bir kişinin görünümünü yeniden üretme yeteneği, jestleri, karakteri; sahnedeki durumu, manzara detaylarını yeniden yaratmak, hatta felsefi bir kavramın özünü kurgusal bir görüntüye dönüştürmek.
"Karanlıkta dolaşan insanlar": zikzak tipi "sarma"nın tonlamalı gergin melodisi:
(G. F. Handel. Mesih. Aria No. 11)

"Düşman Mağlup" - "Aşağıya yönelik tantana." Melodi çizgisi plastik olarak bozulur ve oktavlara, septimlere, beşincilere düşer: (G. F. Handel. Judas Maccabee. Koro No. 26)

İşte tamamen farklı - kayan, yüzen bir hareketin melodik bir görüntüsü:
Zaman uyuyor; insanlar öyle düşünüyor.
Ama yakından bakın: bu doğru mu?
Fark edilmeden, kısacık
Zaman hızla akıp gidiyor
(GF Handel. Zamanın ve Gerçeğin Zaferi. Aria F-dur Larghetto)

Bahçe şafaktan önce uykulu, çiçekler dere üzerinde eğiliyor (Rodelinda); melodi uykulu uykulu tekrarlar üzerine damlıyor ve noktalı motiflerle mırıldanıyor:
(G. F. Handel. Rodelinda. Perde III. Bahçedeki sahne)

Bütün bu melodik ses yazımında (bazen ses sembolizmi), genellikle Barok sanatında olduğu gibi, aşırıya kaçmış, soğuk bir şekilde sofistike veya dışa dönük dekoratif hiçbir şey yoktur. Handel'in yaratıcı yöntemi, melodik görüntünün neredeyse sahne plastisitesini, fenomenlerin derin anlamının ifşasıyla birleştirir. Bu konuda Monteverdi ve Vivaldi'ye uygun. Milliyet ve sanatsal gerçeğe bağlılık, onu "dekorum" tarafından sürüklenmekten korudu. Melodinin tür ve tonlama kökenleri derinden popülerdir. Minuetleri ve Sicilyalıları, sarabandları ve konserleri folklora geri dönüyor - Almanca, İngilizce, İtalyanca şarkılar. Bildiğiniz gibi özgün halk ezgilerine ve tonlamalarına yöneldi: sokak haykırışları, ezgiler, şarkılar.
Almirena'nın "Rinaldo"dan arya şikayeti, örneğin Avusturya'da Schubert'in "Lipa"sı gibi İngiltere'nin en sevilen halk şarkılarından biri olmaya devam ediyor. Bu bir sanatçı için en yüksek şan ve mutluluktur.

Ancak müzikte sosyallik, sosyallikten farklıdır. Bazen Handel'in samimi ve duyarlı bir doğaya sahip melodileri vardır, ancak bunlar onda baskın değildir. Melodisi fısıltılardan daha sık seslenir; yalvarmaktan çok emir verir. Bu nedenle, yönteminin birlikte sentezlenmiş iki yönü veya eğilimi vardır: biri melodinin büyük bir nefesle geniş dağılımı, kapsamı, konturunun ölçeği; diğeri, her biri çok ağır ve keskin bir şekilde tanımlanmış kısa, enerjik olarak basılmış cümlelerin bir melodi birleşimidir. Bu taraflar birlikte büyür ve etkileşime girer: Bu cümleleri birleştiren ortak sonuç sayesinde, melodi hem uzun hem süreksiz, hem de özlü ve geniştir. Rus klasiklerinin - Glinka, Rachmaninov - özellikle Handel'in bu tür melodilerini takdir etmesi karakteristiktir:
GF Handel Samson'ın Aria "Etrafımdaki Karanlık".

Hem daha sonra Beethoven'da hem de Handel'de, melodinin son derece aktif ifade edici ve biçimlendirici yanı, yapının metrik "çerçevesi"dir, basta keskin bir şekilde ana hatları çizilir ve melodik hareketin akışını kısıtlayan ostinata ritmik figürü bulunur. Çoğu zaman kökenleri veya motor dinamikleri bakımından dans edilebilir olan bu figür, melodinin tür görünümünü belirler ve görüntüye görünür özellikler veren bu çağrışımların ortaya çıkmasına katkıda bulunur.

uyum
Beethoven müzisyenleri şöyle teşvik etti: “Handel, tüm ustaların eşsiz ustasıdır. Ona git ve bu kadar basit yollarla harika şeyler yaratmayı öğren!" Bu, özellikle melodik görüntüyü tamamlayan, modal yapısını ortaya çıkaran, duygusal olarak renklendiren armoni ile ilgili olabilir. Estetik olarak, Handel'in çok geniş kitlelere yönelik, en yüksek ahlaki ve eğitimsel hedeflere yönelik müzikal destanlarını yaratırken, sofistike, kasıtlı olarak solgun veya çok ince nüanslı armonilere karşı bir çekim hissetmemesi doğaldır. Psikolojik derinliklere yoğun daldırma onun unsuru değildi. Büyük vuruşlu çalışma, farklı, daha açık ve daha net renkler gerektiriyordu. Uyum içinde, Bach ile yaklaşık olarak Beethoven'dan Mozart'a benzer bir ilişki kurar. Harmonik alanı Bach'ınkinden çok daha diyatoniktir, Laroche'nin sözleriyle "lüks, fantastik kromatizm"den kaçınır, ancak Handel mükemmel bir şekilde ustalaşmış ve özel durumlarda - çoğu zaman keskin dramatik resitatiflerde, özellikle eşlik eden ve korolarda uygulamıştır. , sürünen katmanların enharmonik modülasyonlarla uyumları kararttığı yerler, karanlık, hiçlik, ölüm resimlerini boyadı. Bu mecazi ve şiirsel bağlamda, Samson'un oratoryonun ilk bölümünün sonundaki resitali uyumlaştırılmıştır:
Beni yalnız bırakın! Neden göz kapağımı çekeyim? Çifte karanlık yakında bakışlarınızı kapatacak. Hayat ölüyor, umut uçup gidiyor ve sanki içimde doğanın kendisi yorgun düşmüş gibi görünüyor ... Bu monolog (burada Milton Shakespeare'e yakın) kahramandaki bir dakikalık insan zayıflığıdır - kısa, ani ifadelerle ve yorgun, yorgun bir tonlama (uzun tekrarlayan seslerde melodi "taşa dönüşür") - D-fis-b-as-ge ton planında konuşlandırılmıştır. Bu ardıllıklar melodi ve metinle anlamlı bir uyum içindedir.
“Fantastik kromatizm”in başyapıtı, rengin kısmen tınıyla, ancak esas olarak harmonik yollarla yeniden yaratıldığı “Mısır'da İsrail”in (“Mısır Karanlığı”) sekizinci korosudur: C-f-Es-C-f-Es-es-b-C -da- HeE, azalmış bir yedinci akor aracılığıyla enharmonik modülasyonlar (sapmalar) ile.
Bununla birlikte, tekrar ediyoruz, ana işlevlerinde temel “görünür” diyatonik armonilere sahip olmak, ancak kumaşı akortsuz seslerle doyurarak mükemmel bir şekilde keskinleştirilmiş ve renklendirilmiş olması Handel'in stilinin çok daha karakteristik özelliğidir. Rodelinda'nın (Gece ​​Bahçesi) son sahnesinde, zorba Grimwald'ın ahlaki aydınlanması, hüzünlü ve safça uysal Sicilya aryasında yakalanır:
Çoban, otlaklarımın bekçisi, Bir defnenin altında kaygısız çayırda uyur. Öyleyse neden ben, güçlü hükümdar, kraliyet barışının lüksünde bilmiyorum?
Müzikal olarak, bu sahne Handel'in gerçek Shakespeare eserlerinden biridir. Grimwald'ın görüntüsü II. Richard'a yakındır. Sicilya'nın melodisi fevkalade iyidir. Çoban çocuğu görüntüsünde, tiranın bakışlarının önünde farklı, daha iyi bir yaşamın parlak bir antitezi olarak ağıtlı bir pastoral belirir.

Vicdan pişmanlığı ona uzun zamandır işkence etti ve şimdi doğanın yüce ve sakin sakin güzelliği aniden ruhuna girdi, arındırdı ve salladı. Müzik buna inanmanızı sağlar. Şarkı söylemesi dokunaklı bir şekilde samimi, ritim sessizce uyuşuyor (Grimwald şu anda gerçekten rüya görüyor). Şarkı söyleyen sese eşlik eden yaylı çalgılar dörtlüsünde, melodik çizgilerin hareketi, müziğe anlatılamayacak kadar yumuşak bir melankolik nüans vererek, hassas bir sınırlamalar zinciri oluşturur: GF Handel. Rodelinda. Bahçedeki Grimwald sahnesi.
Ünlü Handel sunucuları - ayrılmaz bileşen onlara, besteciyi neredeyse hatasız bir şekilde tanımlayabilen, tonlamanın gururlu saygınlığını, kategoriklik rengini veren kadansları.

Doku. Handel'in melodileri uyumlaştırması, geliştirdiği, cimri, “ekonomik” ve aynı zamanda her tonlamayı, ritmik figürü ve akor dizilimini en cesur rölyefle ortaya koyan dokusuyla da örtüşüyor. Onun dokulu teknikleri arasında iki parçalı, ahenkli, basta oktav ikiye katlama, armonik dört parçalı Alman-koro tarzı hakimdir. Yanında en parlak tür gibi görünen org konserlerinin bile mütevazi dokularıyla ayırt edilmesi karakteristiktir - gereksiz bir şey değil. Ve bu anlamda Handel de barok estetiğinden uzaktır. Michelangelo'nun idealine çok daha yakın: “Heykeli dağdan atın. Ayrılan şey gereksizdir." İstisna, ancak, onun korolarından bazıları. Burada, topluluğun kompozisyonu ve sunum şekli açısından tükenmez bir çeşitlilik var. Koroların bazıları ağır akor "duvarcılık", diğerleri ses bulutlarının sırtları gibi hafif, şeffaf katmanlarda yüzer. Bazen koro dokusu tamamen dikey bir plan çözümü alır (melodiyi destekleyen kolonad). Bazen zengin bir figüratif desen tüm ses alanına cömertçe yayılır ve ardından derin armoniler yüzeye çıkar. Taklit eden kontrpuan çizgilerinden dokunmuş bir kumaşa sahip korolar var - sesler, ayrıca tamamen homofonik olanlar da var. Handel, koroları zarif bir oda planında boyadı, ancak NM Karamzin'in "Mesih" hakkındaki yerinde ifadesiyle, lüks, ışıltılı ve "gürültü" koroları da severdi.
Handel'in koro tarzında, Bach ile eşzamanlı olarak öncülük ettiği muhteşem sentez ve denge, serbest yazının homofonisi ve çoksesliliği özellikle geniş ve net bir şekilde somutlaştırıldı. Ancak onun eşsesli-armoni ilkesi daha çok tematizmde ve dokuda kendini gösterir ve müziğinde daha çok bu ilke hakimdir. Bu, opera üzerinde, yaratıcılık ilkesi ve hayal gücü yapısı olarak belirgin bir teatrallik ile şekillenen bir besteci için oldukça doğaldır. Homofonist Handel, 17. yüzyılın İtalyan ustalarından 18. yüzyılın başlarına giden yolda duruyor. Viyana klasikleri... V enstrümantal türler konser, uvertür, eski sonat, iki parçalı misilleme formunun yorumlanmasında, önceki Alman, İtalyan, Fransız modellerine (Corelli, Vivaldi, Alessandro Scarlatti) hala çok yakın. Ama oratoryolara, onların korolarına dönün - ve orada yeni bir yapı, ifade ve iç zıtlıklarla yeni bir türde homofonik-armonik temalar duyacaksınız: G. F. Handel. İsrail Mısır'da. Koro No. 12 Grave e staccato
Bu 8 çubuklu yapı, a-in-a1-b1 şemasında son derece dinamik bir modülasyon dönemini (C-dur-g-moll) temsil eder, muhtemelen metnin sözleriyle şiirsel ve anlamlı bir bağlantı içinde düşünülmüştür: derin deniz, Ve bir kerede kurudu. İki 4 çubuklu cümlenin her biri, iki eşit hacimli ifadenin simetrisidir. İlki (sekiz parçalı koro ve tutti fortissimo orkestrası) aktif, zorunlu bir başlangıcı sembolize eder. Güçlü ses, kapalı armoni (majör), ani tonlama (ilk akordan sonra "keskin duraklama"). Bu bağlamda böylesine sıradan, kusurlu bir kadans bile özel bir ifade kazanır (cevap beklemek). Her iki yanıt ifadesi de öncekilerle keskin bir zıtlık içindedir: vazgeçilen öğenin bir ses sembolünü içerirler. Bu nedenle, tüm tonlama yapıları pasiftir, boğulur, boşa çıkar: koro piyanonun sonoritesinde a capella, aralık ve aralıkların keskin bir daralması, uyum içinde minöre bir sapma vardır ve son cümlede periyot - Sol minörde tam bir mükemmel kadans. Hep birlikte görüntünün "buharlaşmasının" veya pıhtılaşmasının etkisini yaratır. Böylece, tema dönemi, aktif ve pasif ilkelerin "çifte karşıtlığını" içerir. Burada sözlü metinden çıkarsak, müzik zaten Beethoven'ın tarzına yakın.
Handel, tematik gelişim ilkelerine göre 17. yüzyıl ve 18. yüzyıl başlarının kazanımlarının kesinleştiricisidir. Ancak temanın kendisi, özellikle yeni homofonik-armonik depo ve figüratif-karşıt içeriğin kahramanca teması, ustanın uzun vadeli arayışlarının meyvesi, dehasının büyük bir kazanımı ve modern çağın başlangıcındaki tüm Avrupa müzik kültürüdür. zamanlar. Yaşının sonuna doğru bakıyor.

polifoni. 17. yüzyılın polifonisi ilk kez katı bir stilin normlarını geniş ölçüde ihlal etti, yeni temalar yarattı, seslerin kontrpuan kombinasyonunun yeni ilkeleri, yeni bir armonik temel, form oluşturma ve tüm bunları bir füg içinde yakaladı. Bununla birlikte, Frescobaldi, Alessandro Scarlatti, Corelli, Pachelbel'in fügleri erken dönem cüretkar deneylerdi, yarının çok sesliliğinde yenilikçi "atılımlar"dı. Handel, Bach ile birlikte yarın bunu parlak bir şekilde doğruladı. Bir keşif, bir keşif ve bazen de çalışmalarında bir araştırma olan şey, çok sesli yazının yeni normu haline geldi.

Handel'in sayısız füglerinde - enstrümantal ve özellikle koro - melodilerin doğrusal açılımı, kontrpuan ve müziğin armonik yasalarının gerçekleştirilmesi bir araya geldi. Bu sentezde daha da ileri gitti. önemli adım Frescobaldi ve Buchstehude'den sonra. Handel, Alman ve İtalyan öncüllerinin deneyimlerine dayanarak, her şeyden önce, sonraki polifonik gelişim için temasını tonlama ve yapısal olarak "silahlandırdı", armonik olanaklarını zenginleştirdi ve iç kontrastları keskinleştirdi: tonlamalar, melodik hareketin yönleri, ritmik figürler. Bu, konunun anlamlı ve anlamsal bir şekilde somutlaştırılmasına yol açtı ve bazen görsel-figüratif çağrışımları uyandırmak için resimsel bir hedef izledi. "İsrail" oratoryosunun dördüncü korosu, "Mısır infazlarından" birinin resimli bir düzenlemesidir: su kana dönüştü, insanlar onu içemezler, susuzluktan tükenirler. Fügun tuhaf bir şekilde kırılmış, dikenli teması korkunç, olağandışı bir şey çiziyor.
Yumuşak ve akıcı karşı figür bu görüntüyü bir anlığına ortadan kaldırır, ardından inen dizinin yuvarlak konturu boyunca ton tepkisi olarak yeniden ortaya çıkar. Sadece resmin rölyef ve arka planının kontrastı veya ustaca ritmik gruplama tekniği yoktur. Besteci psikolojik bir etki yaratır: Korkunç olanı uzaklaştırmaya, ondan uzaklaşmaya çalışıyorsunuz - sizi topuklarınızda takip ediyor. Metinle birleştiğinde, bu neredeyse teatral bir etki yaratır.

Katı stilin ustaları, yalnızca ara sıra benzer tekniklere (örneğin, Palestrina) yaklaştı ve elbette, bu kadar figüratif ve anlamsal bir bağlamda değil. Çoksesli Handel'in yeniliği, yalnızca sayısız füglerinin tematizminde değil, aynı zamanda yeni bir çok sesli gelişme türünde de yatmaktadır. Buchstehude'u örnek alarak, bu formun harmonik yasalarının henüz onun tarafından ne kadar savunulmadığını görebiliriz. Handel, füg'ün armonik temel ilkesi olarak quarto-beşinci ilkesini yaratmadı: Venedikliler bunu biliyorlardı. Ama bu ilkeyi pekiştirmesi ve ona evrenselin anlamını vermesi Handel'in meziyetidir. Tonik baskın muhalefet açısından konuşlandırılan sergileri, muazzam bir enerji yayar. Hayat ve hareket doludurlar. Bach'a paralel olarak, füg'ün orta kısmını, gelişimini “yeniden inşa etti” ve ona, serginin kesinlikle yapıcı şemasının sanatsal antitezini oluşturan hareketli ve “dağılmış” planı uyumlu bir şekilde verdi. Doğru, burada Bach'ın motivasyonel parçalanma zenginliğine, uzak tonalitelere sapmalara ve yatay olarak hareketli ve çift hareketli bir kontrpuan (düz iletim) tekniklerinin uygulanmasında ustalığa ulaşmadı.
Genel olarak, Bach'ın polifonisinin daha doğrusal olduğu, dinamik gelişiminin öncelikle seslerinin ses akışının yatay hareketi boyunca yönlendirildiği belirtilmelidir. Handel'de melodinin tüm zenginliğine rağmen, polifoninin tüm armonik tarafı Bach'tan daha aktif bir şekilde ifade edilir, polifonik yapıları daha geniş ve daha yoğun bir şekilde akor dikeyine dayanır. Diğer her şey eşit olduğunda, her zaman Bach'tan daha eşseslidir ve bu anlamda 18. yüzyılın ikinci yarısına ve hatta 19. yüzyıla daha yakındır. Bach'a lirik ifadede ve görüntülerin derin konsantrasyonunda boyun eğdiğini, bazen çoksesliliğinin muhteşem resim kalitesinde, ses gücünde, tını kombinasyonlarının ve kontrastların zenginliğinde (koro, orkestra) onu geride bıraktığını ekliyoruz. Bu nitelikler özellikle Handel'in ikili (iki-karanlık) fügünde geniş çapta ortaya çıkar. Orada, teatral-resim planının zıt polifoni sanatı eşsizdi.
Ritmik figürasyon alanında - ritmik gruplamalarda ve bunların kombinasyonlarında sıkışıklığı ve seyrekleşmesi - Bach'ın daha akılda kalıcı, açık ritmik formülleri tercih eden Handel'den daha zengin, daha yaratıcı, daha sofistike olduğunu inkar etmek pek mümkün değil. . Öte yandan, Handel tematik iletimlerin serbest varyasyonuna, tematik kesmelere ve çapraz seslerde kumaşın kayıt katmanlarının karıştırılmasına daha yatkındı. Bu çeşitliliğin, aralarda onun faaliyetini daha az uyarmış olması mümkündür: bunlar Bach'ınki kadar zıt, çok yönlü ve zengin değildir. Görünüşe göre, bu tür ve niteliklere ihtiyacı yoktu.

Arkadaşlarından birine yazdığı bir mektupta MI Glinka şunları yazdı: "Konser (müzik için): Handel, Handel ve Handel." Bu sözler yalnızca yüksek bir değerlendirme içermekle kalmaz, aynı zamanda büyük Alman bestecinin yapıtındaki en parlak niteliklerden birini de tanımlar. Handel'in özellikle org ve klavsen solistliğindeki üstün virtüöz icra yeteneği buraya yansıdı.

Klavsen çalma tarzı, görünüşe göre, ondan önce bu enstrümanda ulaşılamaz olduğu düşünülen güç, parlaklık, pathos, ses yoğunluğu ile ayırt edildi. Darbenin kuru sertliğinden kaçındı. Handel'i konserlerde dinleyen ünlü İngiliz müzikolog Charles Burney, "Çalırken parmakları o kadar bükülüydü ve birbirinden o kadar az ayrılıyordu ki, elin ve kısmen parmakların hareketlerini bile fark etmek imkansızdı" diyor. Elin bu şekilde konumlandırılması, doğal olarak yumuşak, hatta mümkünse muhtemelen tutarlı oynamakla ilişkilidir. Org çalma tarzına şenlikli ciddiyet, dolgunluk, chiaroscuro kontrastları, muazzam mizaç ve doğaçlama ritimler, bir başka görgü tanığının dediği gibi eşsiz bir zeka ve özgüven ile birleştirildi.
Burada etkilenen ve o devirde kazanılan konser, demokratik bir ilke olarak şenlikli, zarif, heyecan verici, çok geniş kitlelere yöneliktir. Handel'de, bir stil özelliği olarak akortçuluk, sevimli ve kırılgan aristokrasiye, saray sanatının gösterişli yapmacıklığına ya da sesin neşesi ve dekoratif güzelliğinden kilise-dini olarak vazgeçilmesine açık bir şekilde karşı çıkar. Ustanın tüm enstrümantal mirası arasında, en geniş ve en kalıcı yeri koruyan konserler - solo ve Grossi ve bir şenlik ve eğlence planının orkestra konser süitleri olması tesadüf değildir.
Handel'in clavier çalışmasında, polifonik formlar, JS Bach'ın "İyi Temperli Clavier" gibi ana tür çizgisi haline gelmedi. Buradaki merkezi yer, onun homofonik süiti (İngilizce Dersi) tarafından işgal edildi. Handel'in clavier için süitleri, en parlak dönemine denk gelen üç koleksiyonda yayınlandı. operasyonel yaratıcılık(20-30s). Ancak, bu 19 oyundan bazıları muhtemelen daha önce yazılmıştır.
1720'de yayınlanan ilk koleksiyon tartışmalı olarak değerlendirilir. Bu eserleri incelerken, bazı müzikologlar (M. Seifert, O. Fleischer, K. Krysander ve diğerleri) uygunsuz bir şekilde, burayı etkileyen yabancı, özellikle İtalyan etkileri arayışına odaklandılar. Handel'in bu küçük dört, beş veya altı parçalı döngüleri gerçekten de kısmen İtalyan tarzında inşa edilmiştir. Geleneksel allemandes, çanlar, sarabandlar ve gösteriler, birbirini plastik olarak başlatan veya tamamlayan zıt hareketler, boyutlar ve ritmik figürlerin değişiminde değiştirilir. Esas olarak şiirsel ve günlük bir plana ait tipik görüntüler de burada yakalanır ve melodik yavaş parçalar, lirik doruk noktası olarak döngünün merkezine kompozisyon olarak yerleştirilir.

Yine de, ünlü "Frescobalda" gibi İtalyan clavier partisinden veya solo Pasquini'nin parçalarından Scarlatti - Handel'in süitleri tarz olarak son derece farklıdır. Ancak iyi bir nedenle, 17. yüzyılın Alman ustalarının - 18. yüzyılın başlarında - Froberger, Kerl, Fischer, Krieger, Pachelbel, Muffat, Kuhnau'nun üslubuyla art arda bağlantılarına işaret ediyorlar.

Özünde, Handel's Clavier Suite bir Alman süitidir. Yapısı ve kompozisyonu çok bireyseldir: alışılmış dans parçalarına ek olarak, prelüdler, fügler, uvertürler, varyasyonlar içerir. Tematik açıdan çok önemlidirler ve orada sadece büyük ölçekte ve dinamik bir planla (E majör süitte varyasyonları olan bir arya) konser parlaklığıyla yazılmış eserler değil, aynı zamanda harika ifadeler de buluyoruz. ve tasarımın ciddiyeti. Bu, Re minör ve özellikle Sol minör Passacaglia'daki süitte varyasyonları olan Sarabande'dir - yüksek pathos'un bir görüntüsü, klavsen sesinin sınırlarıyla neredeyse uyumsuz, bazı özelliklerde Beethoven'ı önceden haber veriyor. Ancak Handel'in süitte bir füg içerdiği yerde, döngünün önde gelen oyunu, figüratif içerikte en önemli, tematik materyalin geliştirilmesinde en etkili, dürtüsel olan odur. Süitlerin dokusu parlak, çeşitli ve
G majördeki masif chaconne, haklı olarak tam bir clavier tekniği ansiklopedisi olarak kabul edilir; enstrümanın dinamik olarak gelecek vaat eden yeteneklerine yöneliktir.

Handel'in oda toplulukları için yaptığı eserler, yaratılış zamanı ve üslubuna göre iki büyük gruba ayrılır. Biri, bestecinin kişiliğinin henüz belirlenmediği gençlik besteleri; onları burada listelemeyeceğiz. Yalnız şunu belirtelim ki, Handel ergenlik çağından itibaren nefesli çalgılara ilgi göstermiştir. Burada zaten iki obua ve continuo, flüt ve continuo için sonatlar buluyoruz. Diğer bir grup ise 30'lu ve 40'lı yılların başında Londra'da yazılmış oldukça olgun ve ustaca bestelerden oluşuyor. Bu öncelikle 15 solo sonat içerir, op. 1 (çoğunlukla eski dört parçalı döngü da chiesa 2 şeklinde) keman veya flüt veya obua - ve sürekli bas için. Bu koleksiyondaki eserlerin yaklaşık yarısı artık keman pedagojik repertuarının ayrılmaz bir parçasını oluşturmaktadır. Handel'in çok sevdiği iki parçalı bir depoda yazılanlar, sonraki baskılarda haksız modernizasyona uğradı.
Bu ilk yapıtta Corelli'nin (solo sonatas, op. 5) güçlü etkisinin farkına varmamak mümkün değil.
Handel'in bireysel stili için daha organik olan, iki keman (veya obua veya flüt) için üçlü sonatlar ve iki koleksiyonda yayınlanan basso continuo'dur: op. 2 (9 sonatas) ve op. 5 (7 sonat). İkinci eserin sonatlarının neredeyse tamamı üç bölümlü bir depoda ve dört bölümlü bir şema da chiesa'da yazılmıştır. Beşinci eserde, dans süiti döngüleri baskındır. Tematik olarak, üçlü sonatlar, o yılların operaları ve oratoryoları ile yaygın olarak ilişkilidir. Özellikle ikinci yapıt, plastik ifadeli melodik melodiler açısından zengindir: GF Handel. Üçlü Sonat No. 8, Larghetto.
Tüm sanatsal değerine rağmen, sonat Handel için tamamen enstrümantal bir alanda bile Corelli veya Domenico Scarlatti'nin sahip olduğu tür merkezi haline gelmedi: konser merkezi yeri aldı.

Handel ve Johann Sebastian Bach, zamanlarının en büyük orgcularıydı. Handel'in virtüöz icra tarzı hakkında söylenenlere, genellikle Covent Garden'ın tiyatro salonunda, aralarda, oratoryolarının tek tek bölümlerinin performansı arasında doğaçlama oynadığını da eklemek gerekir. Parlak, mizaçlı, anlaşılır olan bu doğaçlamalar, halk arasında büyük başarı elde etti. Gaukins şöyle diyor: "Handel çalmaya başladığında, sessizlik hüküm sürdü, herkes nefesini tutarak oturdu ve hayatın kendisi donmuş gibiydi." 4 (1738) ve 7 (ölümünden sonra, 1760), her biri altı konser.
Handel'de bu türün şenliğinden bahsetmişken, kendimizi şematizmden korumalıyız: org konserlerinin tarzını anıtsal olarak tanımlamak pek doğru olmaz. Daha doğrusu, keskin hatlı melodiler, parlak kontrastlar ve bol miktarda dans ritmi ile enerjik, canlı, neşeli olarak karakterize edin. Walter Sigmund-Schulze, kapsamlı ve değerli monografisi "Georg Friedrich Handel"de bize şunu hatırlatıyor:

Covent Garden'ın yalnızca olumlu bir organı vardı, bu da sanatçıya mütevazı fırsatlar sağladı. Öte yandan, anıtsal bir oratoryo sahnelenirken, araların kasıtlı olarak daha hafif, daha akıcı, dikkat dağıtıcı, dinleyiciyi biraz rahatlatan müzikle doldurulduğunu varsaymak doğaldır. Unutulmamalıdır ki Handel'in konçertoları org için tek bir el kitabı (klavye) ile yazılmıştır. Dokuya gelince, onu ancak çok geçici bir şekilde yargılayabiliriz, çünkü solo kısım konserci tarafından doğaçlama yapıldı ve bunun yazılı müzik metni, kulağa gelmesi gerektiği gibi, müzikal doku için genellikle sadece bir diyagram veya anahat oluşturuyor. yazarın yorumunda.

Bu nedenle, önümüzde görkemli heykel grupları değil, 18. yüzyılın daha parlak "müzik panelleri" var, güzelliği ile kulağı memnun ediyor ve seyirciden daha yüksek bir şey gerektirmeyen. Kompozisyon olarak, org konseri, yakın plan kontrastları olan üç veya dört parçalı bir döngüdür: I. Solemn Largo; II. Enerjik Allegro; III. Lirik Andante; IV. Allegro-final, türle daha çok gündelik müzikle, dolaylı olarak dansla alakalı. Başka bir dizi: I. Energetic Allegro; II. Lirik Andante; III. Kısa Adagio tipi giriş; IV. Ciddi ve ilahi planının son Allegro'su. Üçüncü Sıra: I. Solemn Largo (Larghetto); II. Enerjik Allegro; III. Varyasyonlarla tür-lirik Andante.
İlk Largo, döngüye etkileyici bir giriş niteliğindedir. İlk Allegro - füg veya homofonik-figüratif depo - tematik gelişim açısından en aktif olan bir görüntüyü içerir. Bu, büyük bir kompozisyonun bir tür çekirdeğidir. Lyric Andante, öznel duygu ve güdüler alanını ortaya çıkarır. İkinci Allegro'lar (finaller) konser döngülerindeki rolleri bakımından çok farklıdır: bazen nihai doruk noktasıdır, bazen bir türdür, bazen bir danstır.

Dördüncü eserde başka türde döngüsel bağlantılar ve ilişkiler de vardır.
Konserler Op. 7 tür olarak daha çeşitlidir: burada süit - Birinci Konçerto'da passacaglia ve burré, Üçüncü'de minuet ve Beşincide - chaconne, minuet ve gavotte'nin özellikleri görülür. Handel, Frescobaldi'nin izinden giderek, müzik yapma biçimleri, icra tarzı, türler ve org literatürünün figüratif içeriği açısından çok daha ileri gitti - nihayet orgu tamamen laik bir enstrüman olarak onayladı. Bu, demokratik müziğin büyük bir zaferiydi.
Handel'in enstrümantal yaratıcılığının zirvesi, Concerti grossi'sidir. J. S. Bach'ın altı Brandenburg konseri ve Vivaldi'nin sayısız eseriyle birlikte - “ büyük konserler»Handel büyük hazinelere aittir orkestra müziği XVIII yüzyıl. İki eserle çevrilidirler. Daha önce - op. 3 (1734) - altı sözde "obua konçertosu". Bu isim son derece yanlış: obualar (flütler, fagotlar gibi) burada tellerin parçalarını ikiye katlayan enstrümanlar olarak görünüyor. Ek olarak, daha önce kompozisyonda tamamen yaylı olarak kabul edilen altıncı opusun konserleri için obua sesleri bulunmuştur.

Op. 6, 1739'da yayınlanan on iki Concerti grossi'yi içerir. Türün yorumlanması açısından, Handel burada Corelli'ye en yakın olanıdır. Org konserlerine kıyasla orkestra konserleri daha sade, melodi ve doku açısından daha katı, kompozisyon açısından daha özlüdür. Ve burada Allegro'nun “gelişimsel” bölümleri (veya bölümleri), Mannheim veya Viyana tipi klasik bir sonat senfonisinin yolunu açan motivasyonel parçalama ve modülasyon çalışmaları açısından zengindir.
Akordeon ve tutti'nin zıt değişimlerinde, bir homofonik ve taklit-polifonik depo katmanları, ışık ve gölgenin muhteşem etkileri veya orkestra dokusunun bir tür ritmik titreşimi elde edilmiştir. Concerti grossi'nin müzikleri açısından hâlâ ağırlıklı olarak homofonik olduğu akılda tutulmalıdır. Orkestranın kompozisyonu da Grosso'da ripieni 2 ile - Alman geleneğine göre - akordeonda üflemeli çalgılarla güçlendirilmiş olmasına rağmen Corelli'ye yakındır. Handel'in konser döngüsünün yapısı çeşitlidir. İki, üç, dört, beş, altı bölümlük konserler var. Bazıları (örneğin, op. 6 no. 7, B-majör) eski bir döngüsel sonatın özelliklerine sahiptir: diğerleri (örneğin, bir minuet ve gigue ile op. 6 no. 9) süite daha yakındır. Döngünün parçaları kabartma halindedir ve yan yana veya zıt olarak birbirine zıttır. Handel, bir sonat veya uvertür şemasını ayrı süit numaralarıyla (dans veya şarkı) katmanlamayı sever. Op. 6 No. 8, do minör, allemand ile açılır. 6 numarada g-moll - pastoral ara "Musette" Angelus'a ve Corelli'nin Noel konserine yakındır. Aynı opusun beşinci D majör konseri, vurgulanan her gün, "Haydn öncesi" minuet ile mutlu eder. eğer "zamanın büyüteci"nden mizahi bir şekilde atlanırsa ( Un poco larghetto). E-moll'daki konsere, op. 6 No. 3, Sakson-Thüringen geleneğine göre parlak bir polonez tanıtıldı. Aynı opusun onuncusu olan d-moll'da, Fransız uvertürü ve arya, Concerti grossi'nin operatik bağlantılarını vurgular ve bunlar geniştir: arious temalar (lirik yavaş bölümlerde), uvertür temaları (açılışta Mezar, Largo) ses Dahası, Handel opera numaralarını doğrudan Concerti grossi'ye (örneğin, Galyalı Amadis'in Dördüncü Obua Konçertosuna uvertürü) ve konçertoların belirli kısımlarını (örneğin, Otto'nun notası) operalara soktu. Bunu yaptı çünkü temacılığının plastik teatralliği doğal olarak bu müzikal "nakillere" yatkındı.

Her konser, özel tür bağlantıları, özel bir figüratif-şiirsel görünüm ve ifadenin duygusal tonu ile karakterizedir.
Konser, Fa majör, op. 6 № 2, - tür yeniden düşünülmüş pastoral: GF Handel. Concerto grosso op.6 No. 2'den Andante
Beethoven'ın kahraman h-minor "konçertosu, op. 6 no. 12: GF Handel. Concerto grosso op. 6 no. 12"nin Largo'sunda Beethoven'ın "Pathetique Sonatı"nın öncüsünü duymamak elde değil.
Bu baskın görünüm veya döngünün tonu genellikle gölgelenir, bazen zıt bir planın görüntüleri fenomeni tarafından çarpıcı biçimde derinleştirilir. G-minor'daki ünlü konserde, op. 6, melankolik Larghetto ve kasvetli, "dikenli" fügden sonra, güneşli ve yumuşak bir pastoral var ve c-minor'daki konserin ciddi kasvetli görüntülerinin ortasında (No. 8) - yazının en iyisi, Mozart'ın - lirik sicilyalı.
Tüm klasik ciddiyet ve bir kural olarak, yazma kısıtlaması için, Concerti grossi, özellikle İngiltere ve Almanya'da, genel halk arasında hızla büyük bir popülerlik kazandı. Handel'in yaşamı boyunca, genellikle Londra parklarında oynandı.

Enstrümantal müziğin başka hiçbir alanında Handel, yarattığı "plein air türleri" kadar demokratik ve anlayışlı değildi. Onlarda, zamanının insanlarının günlük yaşamında var olan tür özelliklerini ve tonlamalarını özellikle yoğunlaştırdı ve hassas bir şekilde genelleştirdi. Bu eserler, müzik sanatının büyük klasiklerinin her zaman karakteristik bir özelliği olan, geniş toplum çevrelerinin en iddiasız taleplerine bile tür cömertliği ve duyarlılığını göstermektedir. Bu hafif, eğlenceli müzik en iyi anlam sözler. Doğal olarak, burjuva devriminden sonra İngiltere'deki müzikal yaşam biçimi - daha demokratik, açık, sosyal bir yol - sırayla bu eserlerin ortaya çıkmasına katkıda bulundu.
Handel'in plein air türleri arasında çifte konçertoları yer alır. Bunlardan biri - 40'lı yıllarda bestelenen Fa majör (daha doğrusu, zaman belirlenmemiştir), tüm kompozisyonun ortasında heybetli bir pasaj ile dokuz parçalı bir süittir. Konser, yaylı çalgılar topluluğu ve iki üflemeli gruptan oluşan büyük bir orkestra için tasarlanmıştır. Eğlenceli, davetkar ve enerjik bir halk müziğidir. Handel tarafından 1750 civarında yaratılan yedi bölümlük bir başka Çift Konçerto B-dur, ilginç bir şekilde tasarlanmış ve ustaca icra edilmiştir. "Mesih" oratoryosunun görkemli ilk korosunun yeni bir orkestra düzenlemesi - "Çünkü ihtişam gerçek olacak" (Derm die Herrlichkeit) doruk noktasıyla dikkat çekiyor. genel halk, Handel tarafından, muhtemelen Thames'teki şenlikli kraliyet korteji için 1715-1717 civarında bestelendi, ancak görüntüleri ve müzikal konuşmasıyla nüfusun geniş kitlelerine olduğu kadar mahkemeye de hitap etti. Bu, yirmiden fazla küçük parçadan oluşan bir orkestra serenatı veya yaylılar, nefesli çalgılar ve klavsen için bir eğlence paketidir. Aralarında neşeli, zarif bir şekilde tamamlanmış danslar var - burrés, minuets, geleneksel İngiliz Hornpipe1; halk üslubunun (Adagio) hassas şarkı numaraları da vardır. Her şeyden önce ciddi bir uvertür gelir ve tek tek parçalar, trompet ve kornalardan oluşan parlak tantana rulolarıyla çerçevelenir. Nefesli çalgıların etkinliği "Suda Müzik"te karakteristiktir. Flüt, pikolo flüt, obua, fagot, korno soloları bulunmaktadır. 1740 yılından bu yana, "Su Müziği" bahçe programlarında ve ardından akademik konserlerde yaygın olarak yer almıştır.
Havai Fişek Müziği süiti daha da büyük ve rötuşlanmış, 27 Nisan 1749'da Green Park'ta Avusturya Veraset Savaşı'nın sonunu ve Almanya'nın Aachen kentinde barışın bitişini kutlamak için büyük bir kutlama için tasarlandı. Büyük ölçekte, özellikle uzun süreli ses için tasarlanmış "Suda Müzik" ten daha mütevazı. Fireworks'te altı bölüm vardır: Yürüyüş ritminde şenlikli uvertür, burra, Largo alia siciliana (Barış) programı, Allegro (Sevinç) programı ve iki dakika. Çağdaş bir politik tema üzerine olan bu parça, Handel'in enstrümantal yapıtının belki de en dekoratifidir; çeşitli piroteknik numaralar sırasında bireysel parçaların icra edilmesi ve müziğe top atışlarının eşlik etmesi boşuna değildir. pirinç bant 24 obua, 12 fagot, 9 korno, 9 trompet (tümü parçalara bölünmüş) ve 3 timpaniden oluşur. Daha sonra Handel, Fireworks Orkestrası'na bir yaylı çalgı grubu getirdi ve ardından topluluk neredeyse yüz enstrümana ulaştı. Green Park'taki kutlamanın felaket ve panik tarafından gölgelenmesine rağmen, tamamen benzeri görülmemiş bir şeydi ve besteciye büyük bir ün kazandırdı: parkta dikilen alegorik bir tapınak havai fişeklerle ateşlendi.

Burada adı geçen dört büyük eser, bu türdeki tek eser değildir. Ulusal “Voxhall konseri için bestelenen Hornpipe” ve diğerleri gibi daha küçük “senfoni” uvertürleri ve dansları adlandırılabilir.
Handel'in enstrümantal yaratıcılığı dönemini, ülkesini ve çağdaşlarını yansıtıyordu. Güçlü ve demokratik sanatsal doğası için sanatına gerçek bir hizmetti. Ancak vokal ve enstrümantal türlerde kıyaslanamayacak kadar fazlasını yarattı.

Handel'in "operanın tüm gelişim yollarında ne kadar ileri gitse de, yine de yeni bir yol açmadığını" iddia eden Romain Rolland'a katılmak zor. Handel tarafından yeni yollar keşfedildi ve bu yollar boyunca farklı yönlerde hareket ettiler. Gluck sadece üç yıl sonra, Mozart - "Tamerlane" ve "Deidamia" nın yazarının ölümünden yirmi yıl sonra. Ancak inkar edilemez ki, opera reformu Handel onun tarafından sona erdirilmedi: ilk yıllarında farklı bir tür çizgisine geçti ve en önemlisi, 30'larda tam reform zamanı henüz olgunlaşmamıştı.

Türler, arsalar.
Handel'in operaları tür ve tematik tasarımlarda çeşitlilik gösterir. Tarihi operalar (en iyisi Julius Caesar), masal operaları (en iyisi Alcina), eski mitolojiden (örneğin Ariadne) veya ortaçağ şövalye destanından (muhteşem Orlando) gelen operalar yazdı. Operatif yolu düzensizdi - üzerinde güçlü ve cesur çıkışlar vardı, ancak bazen seviyeli seri tarzında daha sıradan eserler yaratıldı. Handel'in operası hayattan daha uzaktı, bir oratoryo ya da konserden daha koşulluydu. Saray zevkleri, Barok'un ihtişamı, rutinin etkisi, hatta bazen sadık motifler (örneğin, "Richard I" de) onu etkiledi. Karakterlerinin hepsi aynı hükümdarlar, askeri liderler, fatihler, büyücüler, Orta Çağ şövalyeleri. Nadir istisnalar dışında (örneğin, "Julia Caesar" da) insanlar sadece sessiz değil, aynı zamanda yoklar. Yine de ana
yenilikçi bir eğilim tam bir açıklıkla tanımlandı.

Fikirler. Besteci açıkça önemli konulara yöneldi ve güçlü karakterler, müzik onları yüce fikirlerin ışığıyla aydınlattı. Admet'te bu, kahramanca özveri fikridir ve bu anlamda Gluck'un neredeyse kırk yıl sonra yazılan Alceste'sinin doğrudan selefidir. Timur ve Rodelinda tiranlığı kesin olarak kınıyor. "Radamisto"da, trajedinin sonu, Ermeni kralı Tiridates'i deviren bir ayaklanma ile getirilir. "Ariadne" Theseus'un kahramanı, Girit kralı tarafından köleleştirilen ve kana susamış canavar Minotaur'un avı olan Atinalı gençlerin ve kızların kurtarıcısı olarak hareket eder. Bu efsaneyi Handel değil, antik Yunanlılar yarattılar, özgürlük düşkünü bir planı gizlediler. Ancak Handel ve libretto yazarı Francis Colman onu tesadüfen seçmediler. "Ariadne", köleliği doğrudan ve açıkça ortaya koyan "Mısır'da İsrail"den kısa bir süre önce yazılmıştır.

Çatışma. Bu yüce fikirler, Handel'in operasının çatışan eğilimlerini ve motiflerini belirledi. Sahnenin hemen her yerinde karşıt kamplar var: Por'da Mısırlılar ve Romalılar (Por'da Sezar, Yunanlılar ve Hintliler, Radamisto'da Ermeniler ve Trakyalılar, Alcina veya Gaul'lu Amadis'te iyi ve kötü güçler. kahramanlar şiddetli çatışmalar oynanır.Kleopatra'da, bu, Mısır Kraliçesi ile ülkesinin fatihi olan kibirli Romalıya aşık olan kadının düşmanlığıdır.Rodelinda'nın Longobards Kraliçesi, anne sevgisi çatışmasına sahiptir. ve kocasına ve anavatanına sadakat görevi (şerefsiz evlilik veya sevgili oğlunun öldürülmesi) Metastasio'nun librettosundaki ünlü tarihi opera efsanesi "Por" (1731) - Büyük İskender, dönüşümlü olarak bir kahraman olarak sunulur. sert bir fatihe, ardından devletin insancıl ve aydınlanmış kocasına dönüşür. "Bilge Nathan") ve Mozart ("Saraydan Kız Kaçırma"da Paşa). kararnameler Babam-komutanım ve Trakyalı muhaliflerin cesareti için ateşli sempatim var.
Handel'de bu tür çatışmaların kendi içlerinde çok yeni olmadığı iddia edilebilir; İtalyan opera dizisinde (Al. Scarlatti'nin "Mithridates Eupator") ya da Fransız lirik trajedisinde bir kereden fazla karşılaşmışlardı. Bu gerçekten de böyle. Ama çatışmalar yaşayan Handel'di. bu tür çelişkiler ilk kez eşi görülmemiş derecede geniş ve güçlü bir müzikal düzenleme buldu.

Başka bir durumda, "Rodelinda"nın üçüncü perdesindeki tiran Grimwald'ın muhteşem "Shakespeare" sahnesi hakkında zaten söylenmişti. Doğru, Handel'in opera "maskesinden" tamamen kaçındığı söylenemez; gelenek de onun karakteristiğiydi. Ancak çoğu zaman, daha incelikli, farklılaştırılmış sanatsal düzenleme görevi onu uzaklaştırdı ve bu yolda dikkate değer sonuçlar elde etti. O dönemin dar kavramlarına göre sanatçının yanlış hesaplaması Timur'un sol minör aşk aryasında geniş, asil ve içten bir melodi gibi gelebilirdi. Bununla birlikte, tam tersini varsaymak daha doğru olacaktır: dürtülerinde dizginlenmemiş bir kahramanın imajını somutlaştıran besteci, onu insan özelliklerinden hiç mahrum etmek istemedi ve müzik bazen görünüşünü daha da keskin bir şekilde ısıtır. despotizmi gölgeliyor.

Vokal formlar
Handel'in operasının vokal çizgisi genellikle, oratoryolarda olduğu gibi, biraz enstrümantal bir tarzdır - sadece zarif, plastik kabartma, seste parlak değil, aynı zamanda duygusal olarak doğaldır: kahramanın imajını, ruh halini ve dahası , bu aşamada konumunda. Handel, en iyi eserlerinde, seria türündeki İtalyan opera aryalarının sıklıkla işlediği şematizmin üstesinden geldi. Hayatın, insanların, onların tutkularının ve duygularının çeşitli kombinasyonlarda, dinamik planlarda gerçek somutlaşması için çabaladı ve çoğu zaman muhteşem bir şekilde başardı. Aynı opera sahnesinin bitişik aryaları genellikle birbiriyle tezat oluşturur; Hem Monteverdi hem de Alessandro Scarlatti bunu yaptı. Ancak Handel, hala diğer opera türlerine tercih ettiği da capo'nun aryasına taze ve parlak bir zıtlık getiriyor.

Mükemmelleştirdiği ve çok ileriye götürdüğü opera biçimi, aynı zamanda resitatif eşlikti. İngiliz dönemi operalarında, onun resitatiflerinin dramatik rolü ve anlatımı ancak Purcell'inkilerle karşılaştırılabilir ve İtalyan örnekleri geride bırakılır. Handel'in resitatif, esnek, tonlamalarla dolu, orkestranın ahenkli bir şekilde zengin, genellikle resimsel ve figüratif eşliğinde çalan eseri, sahnede gösterilemeyen veya gösterilmesi uygun olmayan olaylar hakkında bir anlatı olmaktan çıkıyor. Tersine, alıntılar olayları canlandırır ve dahası dramanın doruk noktasındadır.

"Füzyon" sahneleri
Resitatifi, müzik ve sahne eyleminin sanatsal uyumunu dramatize etmeye çalışan Handel, birçok durumda daha sonra Gluck ve Mozart tarafından reformist operalarında miras alınan ve geliştirilen yenilikçi bir yönteme ulaşır: sürekli, sürekli gelişimin dramatik bir sahnesi. Julius Caesar'ın deniz kenarındaki sahnesi böyle yazılmıştır. İlk olarak, orkestral giriş, yuvarlanan dalgaların görüntüsünü çizer, ardından kahramanın monologu, resitatif eşlikle açılır. Resitatif, orkestradaki dalgaların müziği eşliğinde aryaya karışır ve üç parçalı formunun (da capo) ortasında resitatif tekrar belirir. “Müzik üzerinde uçtan uca aksiyon” ilkesine göre, Bayazet'in “Tamerlane”deki ölümünün büyük, keskin dramatik bir sahnesi çözüldü: resitatif secco accompagnato'ya, ardından kahramanın arioso'suna, ardından başka bir accompagnato'ya geçiyor. lirik bir dorukla biter - ölmekte olan adamın veda şarkısı ve fırtınalı Presto bir dönüm noktasını müjdeliyor - müthiş Tatar Han'ın duygularının ve tövbesinin karışıklığı. "Sürekli" veya "aracılığıyla", yüksek dramatik tonda doruğa ulaşan sahneler diğer Handel'in operalarında da bulunur - Orlando'da (delilik sahnesi), Ariadne'de (Labirentte Theseus, Minotaur ile tek dövüşü), Rodelinda, Admete ” ,“ Deidamia ”(operanın ikinci resminde aryalar ve arioso'nun secco-recitative ile füzyonu).
Handel'in İtalyan modeline "durum operaları" yazmaktan başka bir şey yapmadığını düşünmek yanlış olur. Nitekim Hamburg ve İtalyan dönemlerine ait opera eserleri de bu tarzda kaleme alınmıştır. "Almira" da (1705) yaklaşık elli arya vardır, ancak kahramanların karakterlerini tutarlı bir şekilde ortaya çıkarmazlar. Açıkçası, o zaman genç besteci kendine böyle sanatsal bir görev vermedi. Ancak bu değerlendirmeyi ustamızın tüm opera çalışmalarını kapsayacak şekilde genişletmek yanlış olur. 1920'lerin ve 1930'ların en iyi operalarından birkaçında, Handel artık bu hedefi bilinçli olarak arzulamakla kalmadı, aynı zamanda gerçekten yenilikçi bir şekilde başardı: kahramanlarının görüntüleri değişiyor, geniş dinamik çizgiler üzerinde yeni, daha önce ortaya çıkarılmamış taraflara dönüşüyor. bazen tüm opera boyunca uzanan gelişim yoluyla.

Düetler, topluluklar.

Handel, bu opera biçimlerinde çok dikkate değer başarılara sahip olmasına rağmen, düet ve topluluklarda daha az cömert ve yaratıcıydı. İyi düetleri-çatışmaları, her oyunun çizildiği ve "karşıt olarak" tamamen bireysel göründüğü düşmanların çatışmaları. Rinaldo ve Armida, Amadis ve Melissa, Ariadne ve Theseus'un düetleri böyle yazılır (Minotaur ile savaşa gider, onu tutmaya çalışır; yeteneklerinden emin, geniş bir melodi söyler, ayrıca itiraz eder. kısa, anlamlı açıklamalarla). Ancak Handel, özellikle lirik dorukların rolünü oynayanlar, rıza düetlerinde de muhteşemdir. Onlar için en güzel melodilerinden bazılarını yarattı (örneğin, operanın ikinci perdesindeki Rodelinda ve Bertarich'in son düeti ve diğerleri).

Koro.
Topluluklar - tercet'ler, kuartetler daha az yaygındır; ama daha da nadir olanı korolardır. Özellikle oratoryolarla karşılaştırıldığında, opera burada kaynaklarının, biçimlerinin ve kavramın kendisinin sınırlarını ortaya koyuyor: Kural olarak, içinde insanların bir görüntüsü yok.. Ancak Handel, koroya döndüğü yerde, verdi. Lully'den veya Roma okulunun ustalarından daha aktif bir dramatik anlam. Böylece, Julia Caesar'da operayı çerçeveleyen halk korosu büyük resmi yeniden yaratır. tarihi olaylar ve aynı zamanda doğrudan eyleme katılır (kahramanın zaferi). Justin'deki denizcilerin ve Deidamia'daki avcıların koroları Purcell'in dramasına yakındır. Ünlü final korosu "Tamerlane", merhum Bayazet için bir cenaze şarkısıdır, ancak aynı zamanda trajik çatışmanın büyük bir çözümünü somutlaştıran bir uzlaşma ilahisidir. Koro "sayılarının" özel çözümleri, özellikle final sahnelerinde, bazen solo bölümlerle ve bazen dansla (örneğin, "Ariodanta" nın birinci ve üçüncü perdelerinde veya finalde) ustaca birleştirildikleri sahnelerde çeşitlilik gösterir. "Atalanta").

Opera Orkestrası.
Handel'in oler orkestrası (flüt, obua, fagot, korno, trompet, perküsyon, arp, yay grubu ve klavsen) hafif ve parlak, renkli ve dinamiktir.Rodrigo "," Theseus "," Atalanta "). resimsel plan, operanın konusuyla uyumlu ("Richard I."deki deniz ve resitatiflerde resimsel anlara eşlik eder. Handel'in orkestrası sadece ritmik olarak mükemmel bir şekilde organize olmakla kalmaz, aynı zamanda Lully'nin Fransızlarından çok daha fazla esrar içerir. , İtalyan dizi geleneğine göre, herhangi bir aryadan önce bir giriş gelir: tema önce bir orkestra tarafından (bazen solo bir enstrümanla) çalınır ve ancak ondan sonra şarkı söyleme sesi gelir. avcılık, fantastik, manzara ve diğerleri. Burada Handel, daha sonraki dönemlerin opera bestecilerinin, özellikle de Don Juan'daki Mozart'ın ustalaştığı olağanüstü buluntulara sahipti. Böylece, Sezar'ın ikinci perdesinin (kraliyet sarayında bir kutlama) başlangıcında, iki orkestra çalıyor: sahnenin önünde büyük bir orkestra ve sahnede bir oda. Bu benzersiz bir şekilde hayati bir teatral etki yaratır.Jül Sezar'ın orkestrasında dört Fransız kornosu vardır. Eski enstrümanlardan Handel, birkaç durumda theorba ve viola da gamba kullanır.

Bale müziğine gelince, Handel burada Fransız lirik trajedisi ve İngiliz maskelerinin dekoratif planlarının üzerine çıktı. Balesi dramatik bir şekilde motive edilmiş ve uygun desen ve renklerde sıkı bir şekilde sürdürülmüştür. "Admet"teki ruhların dansları, Gluck'un "Orpheus"unun ikinci perdesinin öncülleridir. 30'ların opera-baleleri: "Ario-dant", "Alcina" - zarafet, mizaç, teatral ve plastik güzellikle dolu koreografik müzikle konser repertuarında hala parlıyor.

Handel'in opera yaratıcılığı alanındaki arayışları ve başarıları bunlardı. Tekrar ediyoruz: Gluck ve Mozart gibi burada tek bir kavram, her şeyi kucaklayan ve uyumlu yaratmadı. Ancak, sanatsal gerçeğin müzikal tiyatrosu için yenilikçi cüretkar, tutkulu çabası, “insan sesinin en dramatik dizeleri için dahice hesaplama” (A.N. Serov) meyve verdi.

Gerçekten harika bir sanat her zaman kendi zamanının gerçek yaşamını yansıtır.İçeriği bu hayattan kaynaklanır ve sanatsal biçim içerik tarafından belirlenir. Büyük olayları, sorunları, fikirleri somutlaştırmak için - geçmişin sanatçıları, şimdi olduğu gibi, çoğu zaman anıtsal türlere, büyük ölçekli ve büyük biçimlere yöneldiler. 18. yüzyılın ilk yarısının müziğinde bu henüz bir senfoni olamazdı - o zamanlar estetik, müzikal ve teknolojik ön koşullar olgunlaşmamıştı. Ama artık opera ya da esas olarak opera olamazdı: Bunun için sosyo-tarihsel koşullar geride kaldı. Opera binası o zamanlar hayattan çok uzaktı, geleneklerle kısıtlanmış ve sosyal ve sanatsal ilerlemeyi engelleyen çevrelere bağlıydı. Sonra oratoryo büyük sivil sanatın ön saflarına geçti ve Handel onun büyük reformcusu oldu. Onu dini komplodan hiç koparmadan, ona yüksek bir vatansever ve sosyal pathos üfledi ve onu, ünlü Giacomo Carissimi'nin güzel, ama kulağa çok hoş gelen eserlerinin - bu Guido Reni'nin - öyle bir gücün etkileyici araçlarıyla donattı. 17. yüzyıl İtalyan müziği - ondan önce soldu.

Handel'in oratoryolarının her birindeki genel ideolojik özlem ve üslup, özgün bir olay örgüsü-tema ve tür çözümü bulur. Yani, "Samson" veya "Saul", çok çeşitli aryalar, resitatifler, neredeyse opera tipi topluluklar içeren kahramanca dramalardır. İçlerinde sahne yok, ancak eylem var ve dahası, aktif, neredeyse görünür, örneğin şiddetli bir g-moll "gürültülü senfonisinde, sınırsız dev Samson, tapınaklarının tonozlarını düşmanların üzerine indirdiğinde ya da insanlar kahramanını ciddiyetle ve gururla gömdüğünde. Delilah'ın büyüleyici fenomeni veya "Saule"deki Endor büyücü kadınlarından birinin uğursuzca büyüleyiciliği, inanılmaz bir esneklikle yeniden yaratılıyor. Müzikte bu karakterlerin görünüşlerini, yürüyüşlerini, konuşmalarını, yüz ifadelerini görüyorsunuz. Bu eserlerin tüm draması teatraldir, sahnenin pathosu ile nefes alır. Tamamen farklı bir şekilde - "Judas Maccabee" - savaşların alevleriyle körüklenen ve Beethoven'ın Kahramanlık Senfonisinden önce yaratılmamış olana eşit bir zafer zaferiyle taçlandırılan vatansever bir destan. Ancak, tek tek özetlenen özelliklere sahip hiçbir görüntü yoktur ve olayları yalnızca habercilerin ağzından veya koronun satırlarından öğreneceksiniz.

1746'da İngiltere için kritik günlerde yazılan "Bir Şans Üzerine" oratoryosu, neredeyse ralli tarzında kitlelere hitap eden, son derece genelleştirilmiş, amaçlı, harekete geçirici, sert, hatta emredici bir dille bir tür müzik bildirisidir.
Ünlü "Mesih", bestecinin Londra "top" ile acımasız bir çarpışmasının ortasında yaratıldı. Bu nedenle bu çalışma ilk olarak 1742 yılında Handel'in barındığı Dublin'de (İrlanda) yapılmıştır. "Mesih" büyük bir kahramanca övgü olarak adlandırılabilir. 18. yüzyılın bu "Bir Kahramanın Hayatı", Rönesans ustaları tarafından dini motifler üzerine yazılanlara benzer şekilde, müzikal bir triptik şeklinde kompozisyonel olarak somutlaştırılmıştır: I. Doğum, çocukluk (ilk 19 sayı), II . Feat (23 sayı), III. Zafer (9 numara).
Mesih'in konusu (Charles Jennens ve Handel'in kendisi tarafından İncil metinlerine dayanan libretto) temelde Mesih'in Tutkusu (Tutkular) ile aynıdır, ancak yorumu hiç de aynı değildir. Ve burada olaylar gösterilmez ve neredeyse anlatılmaz ve oratoryonun görüntüleri onlarla yalnızca belirli bir teğet çizgide ilişkilidir: daha çok kahramanın başarısından doğan bir lirik-destansı şarkı-ilahi döngüsüdür. efsanenin halk bilincindeki yansıması.
Handel'in Mesih'i, Alman Tutkularındaki alçakgönüllü ve alçakgönüllü tutku taşıyıcısına çok az benzerlik gösterir. Aksine, bu, Rubens veya Michelangelo'nun abartılı görüntülerini anımsatan güçlü, hatta savaşçı bir figür. Ayrıca, halk kitleleriyle o kadar kaynaşmıştır ki, içinde çözülmüştür, gerçekte (yani müzikte) artık o değil, halkın kendisi kendi mesihleri ​​haline gelir. İsa'nın solo kısmının oratoryoda olmamasına şaşmamalı. Derin halk koroları (uluyan kompozisyonun 52 sayısından 21'i) ana müzik içeriğini oluşturur ve devasa bir sütun dizisi gibi devasa binayı destekler.
"Mesih" orkestrası, Handel'in paletinin tamamen enstrümantal ve bazı sentetik türlerde ("Concerti grossi", "Julius Caesar", oratoryo "L" Allegro "ve diğerleri) karakteristik olan tını çeşitliliği ve renk oyunlarında farklılık göstermez. Mesih" genellikle Mozart'ın düzenlemesinde yayınlanır ve icra edilir. Kendi içinde oldukça sanatsal, bazı açılardan orijinalinden sapıyor. Mozart, şarkı söyleyen seslerin tüm kısımlarını değiştirmeden korudu ve telli çalgılar, ek keman ve viyolalar hariç. "Zorunlu" nefesli çalgılar ve sözde eşlikçiler (org, clavier, ud, arp) gelince, burada Mozart'ın yaptığı değişiklikler ve eklemeler harika. Bazı yerlerde, eşlik eden sesleri zorunlu bölümlere dönüştürdü ve zorunlu olanları yeniden çalarak, örneğin obua yerine flüt ve klarnet getirdi. Bazı yerlerde, bireysel kısa melodik ifadeler, genişletilmiş yapılara dönüştürülür ve onlara tamamen Mozart stilinin keyifli kontrpuanları eklenir. Handel'in oratoryolarının düzenlemeleri: "Acis ve Galatea", "Mesih", "İskender Bayramı", "Cecilia Kaideleri" - Mozart tarafından 1788-1790 yıllarında yapılmıştır.
O zamanın operatik bir "senfonisi" (büyük Mezar ve füg Allegro) tarzında "Mesih"e E minör uvertürü kasvetlidir, ancak son derece enerjiktir ve dini tefekkür eşiğinden ziyade görkemli bir dansın imajını çağrıştırır. "Rabbin tutkusu." İlk dokuz vokal sayısı - üç kez dönüşümlü ve tematik olarak ilişkili resitatifler, aryalar ve korolar - anlatı deposuna bir tür döngüsel giriş olarak yazılmıştır. Buradaki tonlamalara gerçekten destansı ve düşünceli hakimdir, ritmik kalıp neredeyse her yerde eşit ve sakindir, melodinin hareketi çoğu zaman telaşsız, sakindir. Sadece zaman zaman bu destansı genişlik, gelecekteki bir trajediyi haber veren bir ses fırtınasıyla patlar. Sanki çok eski zamanlardan beri, arkaik sesler duyuluyor - belirli önemli olaylar hakkında sözler ve tamamen Betho-Viyana öncesi bir türün ilk E majör tesellisi ("acı çeken ve yüklenenler" için teselli) - anlamlı bir şekilde kıyametin yakın sonunu tahmin ediyor. haksız güç Ardından, hareketin tam ortasında, berrak majör küre Si minörle bulutlanır (aktarma ve arya no. 10-11) ve ağarmış antik çağın yankıları gibi, görkemli görüntüler ortaya çıkar. eski efsane: Karanlıkta dolaşan bir halk, ileride parlak bir ışık görür ve ışık, ruhlarında büyük bir umut doğurur.
Kahramanın “altın çocukluğu”, “Arcadian Akademisi” ideallerinin ruhu içinde bütün bir pastoral döngü şeklinde ortaya çıkıyor:
G.F. Handel. Mesih. Pastoral Senfoni. Andante. Handel, İtalya'dayken Corelli, Marcello ve Al ile birlikte "Arcadia"ya katıldı. Scarlatti. Burada verilenlerin benzerliği " pastoral senfoni Corelli'nin Noel konserinin (Angelus) finaliyle "Mesih'ten" - ve gerçekten çarpıcı.

Handel, Rönesans'ın naif-şiirsel geleneğini takip eder: tıpkı Correggio'nun "Kutsal Gecesi"nde olduğu gibi, göksel melekler yemliğe akın eder ve barışçıl çobanın idilini kanatlarıyla kaplar:
Andante G.F. Handel. Mesih. 14 Numaralı Resitatif. Geleneksel Noel "Gloria in excelsis" (en yüksekte Zafer) şarkısını söylerler.

Oratoryonun bu ilk kısmı hala İncil kaynağının planına yakınsa, bununla birlikte, halk eylemi açısından zaten yeniden düşünülmüşse, o zaman ikincisinde, dini efsane yavaş yavaş tamamen farklı, medeni bir doğanın motifleri tarafından gölgede bırakılıyor. İşte tüm çalışmanın trajik özü ve dramatik doruk noktası - kahramanın işkencesi, ıstırabı ve şehitliği. Müzikal görüntüler karanlık bir "Rembrandt" tadında (bir dizi küçük koro: g-moll, f-moll, f-moll ve solo sayılar: b-moll, c-moll, h-moll, e-moll, d -moll, g -moll, e-moll, a-moll). Zaman zaman, acıklı melodileri sivri, ritmik ostinatolar tarafından zincirlenir. Önümüzde düşman figürleri var - zorbalar, adaletsiz yargıçlar, cellatlar, dudaklarında alay ve safsata ile iftiracılar (Titian'ın "Sezar'ın Denarius'unu" hatırlıyorum), entrikalarının bölümleri, işkence, vahşi öfke. Handel'in yönettiğinden hiç şüphe yok " demir ayet acı ve öfkeyle sırılsıklam." Ama belki de en dikkat çekici şey, trajedinin bu doruk noktasında ne geleneksel çarmıha germe, ne cenaze töreni, ne annenin çarmıhın dibinde ağlaması, ne de genel olarak "gözyaşları ve iç çekmeler" olmamasıdır. E-moll'da sadece 15 barlık küçük bir arioso "Bak, bak ve söyle bana: acıyı daha kötü kim bilebilirdi?" - biraz "Pieta" ("Merhamet" imajına yaklaşıyor. sanatsal görüntüler haçtan çıkarma.). Bununla birlikte, bu arioso, tonlamada asil bir ifade ve kısıtlama ölçüsünün de oldukça karakteristik özelliğidir:
Largetto. G.F. Handel. Mesih. 28 numara

"Mesih"in büyük bir hayranı olan Goethe'nin bu eserin icrasındaki aşırı hassasiyet ve duygusallığı şiddetle kınaması karakteristiktir. "Zayıflık, yüzyılımızın karakteristik bir özelliğidir!" 1829'da Weimar'da bundan yakınmıştı. Ayrıca, arkaik İncil metinleri Mesih'in adını ne kadar sık ​​tekrarlasa da, Handel'in güçlü ve buyurgan müziği, duygusal olarak gerçek güzelliğiyle onları kaplar. Dev halk koroları, bireyin trajedisinin üzerine çıkar ve onu geniş ve karşı konulmaz bir şekilde hevesli hareketleriyle filme alır. Kadehi için Dua'nın g-moll korosu gibi, aralarındaki en kasvetli ve kederli olanlar bile, kaçınılmaz bir fanatik güç soluyor:
G.F. Handel. Mesih. 20 Nolu Koro

"Mesih" in kompozisyonu, zıt görüntülerin değişimine dayanmaktadır. kapatmak... Koronun gürleyen masiflerinin ortasında, Barış Elçisi insanlara nazik Sol minör Sicilya'da görünüyor. Böyle bir ortamda, Gluck'un "Orpheus" ya da "Alceste"sine yakın, saf, lirik olarak netleştirilmiş imajı, zaten kitleler tarafından döşenmiş bir yolda yürüyormuş gibi algılanır. Onlara son, belirleyici mücadele için ilham veren bir barış sembolüdür.
Do majördeki militan, figüratif koro, librettodan Mesih'e isyan eden putperestlerin vahşi bir çığlığı olarak düşünülür:
Zincirleri kırın, kırın kardeşlerim!
Saat uzun zaman önce vurdu!
Ve uzağa fırlat
Köle boyunduruğu!
Ayrıca, göklerin bu "dünyanın prenslerine" nasıl güldüğü ve "onları vurup asasıyla dağıttığı" söylenir. Ancak bu uydurma yayınlar, kelimenin tam anlamıyla öfkeli protestoların dokunaklılığıyla kaynayan güçlü müzik akışlarında boğuluyor. "Zincirleri kırın, kırın kardeşlerim!" - karşı konulmaz bir devrimci çağrıya, isyancı kitlelerin savaş çığlığına benziyor. Ve mücadele zaferle taçlandırılır. "Mesih" in ikinci bölümünü tamamlayan tüm oratoryonun genel doruk noktası, Beethoven'ın Dokuzuncu Senfonisinin finalinin D-dur "noro'sunun doğrudan öncüsü olan görkemli zafer şarkısı "Hallelujah" (D-dur) 'dir. Trajedinin sonunu ve muzaffer insanların zaferini müjdeliyor ve bu müziğin göz kamaştırıcı ışığı anavatanı İngiltere'de, bugüne kadar, seyirciler ayakta dinlemek için koltuklarından kalkıyor - sadece binlerce sıradan değil. insanlar, aynı zamanda devlet adamları, kilise rahipleri, hatta hükümdarlar bile. Handel burada gelenekleri ve Purcell'in "Marşları"ndan ve Alman demokratik şarkı yazımından gelen teknikleri devrimci bir tema üzerine organik olarak birleştirdi. Protestan halk ilahisi: "Wachet auf, ruft uns die Stim-me!" ("Uyan, ses bizi çağırıyor!").

Yirmi yıl sonra, Gluck müziğin görevini tanımladı - sözlü bir metnin şiirsel görüntülerini boyamak. O zamanlar için "büyük bir sanatçının büyük sözü" idi.
Mesih'in üçüncü bölümünün librettosunu oluşturan dini parçalar, ilahi takdire yönelik dindar övgüler, cennete şükranlardır. Handel'in yorumunda, oratoryonun finali, bir halkın özgürlük ve düşmana karşı zafer bayramıdır, "bütün bir halkın devasa, sınırsız bir zaferidir" (V.V. Stasov). Yaşamı onaylayan ilahiler yüksek sesle karanlığa, kedere ve ölümün kendisine ve ünlü Doğu arya Largetto'ya - "Kurtarıcımın yaşadığını biliyorum!" - dua değil. İçinde çok fazla hitabet pathosu, entelektüelizm ve belki de Beethoven'ın minuetlerinin sade güzelliği var.

oratoryolar-ihbarlar
Handel'in anıtsal türleri arasında hitabet-iğneler, hatip-tehditlerin özel bir yeri vardır. Müziğinin en güçlü sayfalarına aittirler. Bir tür olarak ünlü "Mısır'da İsrail" sadece bir destan değil, aynı zamanda bir anlatı anlatımıyla birleştirilen devasa müzikal fresklerden (sesli yazı) oluşan bir oratoryo-panoramadır. Bir kavram, bir fikir olarak "İsrail", insanların çektiği acıların destanından veya "Mısır infazlarının" renkli ve dekoratif bir tasvirinden daha fazlasıdır. Bu, köleliğin en açık şekilde kınanması, tutkulu, kırbaçlayıcı ve 1830'ların sonlarında İngiliz toplumu için son derece önemli görünüyordu. Biraz sonra Handel, Samson'da bu temaya zekice geri döndü. Ama daha da geniş, toplumsal olarak keskinleştirilmiş ve dramatik olarak 1959'da Halle'deki Handel kutlamalarında tesadüfen söylenmemiş olan dahice ve gerçekten cüretkar "Belshazzar"da (1744) somutlaşmıştır ve birçokları için beklenmedik bir alaka ve ikna edici bir güçtür.

lirik hatip
Handel'in kahramanca hitabetleri, ideolojileri açısından en önemli ve anıtsal olanlardır, ancak tek olanlardan çok uzaktırlar. Ayrıca pastoral hatipler (Acis ve Galatea) ve peri masalı hatipler (Semele) yazdı; oratorios-idylls ("Susanna") ve oratorios-ütopyalar ("Solomon" - Krallık-ütopyasının müzikal görüntüsü, oratoryonun üç bölümüne karşılık gelen üç düzlemde konuşlandırılmıştır: 1. Evlilik, aile 2. Adalet. 3. İnşaat.), oratoryolar - aşk dramaları ("Herkül"). Son olarak, tüm bunlarla birlikte, 1740'ta Milton metni üzerinde yaratılan, - "L" Allegro, II Pensieroso ed il Moderato ", yaklaşık olarak şu şekilde çevrilebilen, tamamen lirik bir planın bir oratoryosuna da sahiptir:" Impulse , rüya ve duyguların ölçüsü "(Kelimenin tam anlamıyla: neşeli, düşünceli ve ılımlı.).

Bu eser - bu türde Handel'de neredeyse tek eser - herhangi bir dini güdüye tamamen yabancıdır. Kavram olarak, o zamanki İngiliz ve Alman eğitim ve felsefi ve etik eğitim fikirlerine çok yakındır. Milton'ın didaktik (ahlaki) şiirlerinde, İtalyanca terimler çeşitli insan karakterlerini, ahlaki durumları ve hatta insanların bakış açısını ifade eder. Kırsal doğa ve kentsel yaşamın değişen resimlerinin pitoresk bir arka planına karşı, çeşitli yaşam durumları ve ortamlarında duygularını ve ruh hallerini, düşüncelerini ve ideallerini ifade ederler. Allegro ve Pensieroso'nun görüşleri ve kriterleri birçok yönden birbiriyle çelişiyor. Biri aceleci, değişken, uçarı ve sadece insan kargaşasında, "fırtınalar ve dış olayların girdaplarında" dolu bir hayat yaşıyor. Diğeri sonsuz dalgın bir hayalperest ve melankolik; insanlardan ve parlak ışıktan kaçınıyor, aya ve aya aşık. Bu nedenle, tamamen farklı tonlama alanları, tür bağlantıları ve bu görüntüler için çözümler: Pensieroso'ya Lament-ti, Sicilyalılar, hafif sesli pastoraller, iç çekişler, hassas tutuklamalar hakimdir.Allegro bir yürüyüşü, hızlı bir tempoyu, bir noktalı ritim, enerjik ve gürültülü figürasyon. Ve bu, şairin niyetiyle uyumludur. ”Fakat Handel'in libretto yazarı Charles Jennens, bu antiteze Milton'ın sahip olmadığı belirli bir psikolojik ve etik sentez ekledi:“ II Moderato ”her ikisinin de en iyi özelliklerini birleştirir. karşıtlar, onların aşırılıklarını reddeder ve aklın değişken duygu ve ruh halleri üzerindeki önceliğini ileri sürer. Handel ve Jennens'in çağdaşı - David Hartley'in görüşlerine yakın
(1704-1757), 18. yüzyılın en ileri İngiliz düşünürlerinden biridir.

Handel de öyleydi. Beethoven dışında, geçmişin büyük Batılı bestecilerinin hiçbiri, büyük kitlelerin hareketlerini bu kadar keskin bir kulakla yakalamamıştır.

Hayat hikayesi
Georg Friedrich Handel, 23 Şubat 1685'te Halle'de doğdu. İlköğrenimini ortaokul, sözde klasik okulda aldı. Böyle sağlam bir eğitime ek olarak, genç Handel, bir müzik uzmanı ve birkaç okul operasının bestecisi olan akıl hocası Johannes Pretorius'tan bazı müzikal kavramları benimsedi. Okul çalışmalarına ek olarak, eve giren mahkeme orkestra şefi David Poole ve Georg Friedrich'e klavikor çalmayı "iyi bir müzik yargıcı olmayı" öğreten bir orgcu olan Christian Ritter de ona yardım etti. Ebeveynler, oğullarının erken dönemde ortaya çıkan müziğe olan eğilimine çok az ilgi göstererek onu çocuk oyunu olarak sınıflandırdılar. Handels'lerin evinde gerçek müzik eğitiminden söz edilemezdi. Sadece genç bir yeteneğin bir müzik sanatı hayranı olan Duke Johann Adolf ile şans eseri buluşması sayesinde, çocuğun kaderi dramatik bir şekilde değişti. Bir çocuğun oynadığı harika bir doğaçlamayı duyan Dük, babasını ona sistematik bir müzik eğitimi vermeye hemen ikna eder. Handel, Halle'de ünlü orgcu ve besteci Friedrich Zachau'nun öğrencisi oldu. Handel, Zachau ile yaklaşık üç yıl çalıştı. Bu süre zarfında sadece beste yapmayı değil, aynı zamanda keman, obua, klavsen çalmayı da öğrendi.
Şubat 1697'de George'un babası öldü. Ölen kişinin isteklerini yerine getiren Georg, liseden mezun oldu ve babasının ölümünden beş yıl sonra Halle Üniversitesi hukuk fakültesine girdi. Üniversiteye girdikten bir ay sonra, bir yıllık bir sözleşme imzaladı ve buna göre "Sanatı nedeniyle Handel'in bir öğrencisi" şehrin Reform Katedrali'ne orgcu olarak atandı. Orada tam bir yıl eğitim gördü, sürekli olarak "org çalmadaki çevikliğini geliştirdi". Ayrıca spor salonunda şarkı söylemeyi öğretti, özel öğrencileri oldu, motetler, kantatlar, koraller, mezmurlar ve org müziği yazdı, şehir kiliselerinin repertuarını her hafta güncelledi. Handel daha sonra şöyle hatırladı: "O zamanlar şeytan gibi yazdım."
Mayıs 1702'de, tüm Avrupa'yı saran İspanyol Veraset Savaşı başladı. Ertesi yılın baharında, sözleşmenin sona ermesinden sonra Handel, Halle'den ayrıldı ve Hamburg'a gitti.
Opera binası şehrin müzik hayatının merkeziydi. Handel'in Hamburg'a gelişi için operaya besteci, müzisyen ve vokalist Reinhard Keizer başkanlık etti. Handel'in Keizer'dan öğreneceği çok şey vardı. Orkestra yönetme sanatı olan ünlü Hamburger'in opera kompozisyonlarının stilini dikkatlice inceledi.
Handel, opera binasında ikinci bir kemancı olarak bir iş buldu (kısa sürede ilk kemancı oldu). Bu mütevazı gerçek, bestecinin hareketli yaşamında belirleyici oldu. O andan itibaren Handel laik bir müzisyen alanını seçti ve ona ün ve acı getiren opera, uzun yıllar çalışmalarının temeli oldu.
Handel'in Hamburg'daki hayatının ana olayı, operası Almira'nın 8 Ocak 1705'teki ilk performansı olarak kabul edilebilir. Handel için bir sınavdı. Operanın başarısı sağlamdı ve yaklaşık yirmi kez oynandı.
Aynı yılın 25 Şubat'ında ikinci opera sahnelendi - "Kan ve kötülük veya Nero tarafından kazanılan aşk". Bu opera üç performanstan sağ çıktı.
Handel ilk oratoryo çalışmasını Hamburg'da yazdı. Bunlar, ünlü Alman şair Postel'in metnine dayanan sözde "Tutkular".
Kısa süre sonra Handel, Hamburg'da yapacak başka bir şeyi olmadığını anladı. Büyüdü ve Hamburg ona dar geldi. Dersler ve yazı yazarak biraz para biriktiren Handel, beklenmedik bir şekilde herkes için ayrıldı.
Handel, tarzının doğuşunu Hamburg'a borçlu. Burada çıraklık dönemi sona erdi, burada genç besteci, olgun eserinin önde gelen türleri olan opera ve oratoryoda elini denedi.
Handel İtalya'ya gitti. 1706 sonundan Nisan 1707'ye kadar Floransa'da yaşadı ve ardından Roma'ya gitti. 1708 sonbaharında, Handel bir besteci olarak ilk halk başarısını elde etti. Toskana Dükü Ferdinand'ın yardımıyla ilk İtalyan operası Rodrigo'yu sahneledi.
Ayrıca, Domenico Scarlatti'nin zaferini kabul etmesiyle birlikte, Roma'nın en iyilerinin en iyileriyle halk arasında rekabet ediyor. Klavsen çalmasına şeytani denir - Roma için çok gurur verici bir sıfat. Kardinal Ottoboni için aynı anda icra edilen iki oratoryo yazdı.
Roma'daki başarısının ardından, Handel güneye, güneşli Napoli'ye gider. Sanatta Venedik'in sürekli rakibi olan Napoli, kendi okuluna ve geleneklerine sahipti. Handel yaklaşık bir yıl Napoli'de kaldı. Bu süre zarfında büyüleyici bir serenat "Acis, Galatea ve Polyphemus" yazdı, aynı ruhta birkaç şey daha, ancak daha küçük boyutta.
Handel'in Napoli'deki ana eseri, 1709 yazında yazılan ve aynı yıl bestecinin tekrar geri döndüğü Venedik'te sahnelenen Agrippina operasıydı. Prömiyer 26 Aralık'ta gerçekleşti. İtalyanlar, her zamanki şevk ve coşkularıyla genç Alman besteciye saygılarını sundular. “Üslubunun görkemi ve görkemi karşısında şaşkına dönmüşlerdi; Daha önce hiç bilmiyorlardı ki, uyumun tüm gücü ”diye yazdı galasında bulunanlardan biri.
İtalya, Handel'i sıcak bir şekilde karşıladı. Bununla birlikte, besteci "Müzik İmparatorluğu" nda güçlü bir konuma pek güvenemezdi. İtalyanlar, Handel'in yeteneğinden şüphe etmediler. Ancak, daha sonra Mozart gibi, Handel de İtalyanlar için ağır bir sikletti, sanattan çok “Alman”dı.
Handel, Hannover'e gitti ve bir mahkeme orkestra şefi olarak Hanoverli seçmenin hizmetine girdi. Ama orada bile uzun süre kalamadı. Küçük Alman sarayının kaba ahlakı, absürt kibri ve İtalya'dan sonra büyük başkentleri itaatkar taklidi, yalnızca Handel'in tiksinti uyandırabilirdi.
1710'un sonunda, Seçmen'den resmi bir izin alan Handel, Londra'ya gitti.
Hemen İngiliz başkentinin tiyatro dünyasına girdi, Tidemarket Tiyatrosu'nun kiracısı Aaron Hill'den bir sipariş aldı ve kısa süre sonra Rinaldo operasını yazdı.
İngiltere'de çok popüler olan tören ve ciddi müzik türündeki ilk çıkış, Handel'in kaderini kesin olarak etkiledi. Ocak 1713'te Handel, Kraliçe'nin Doğum Günü için anıtsal Te deum ve Ode'yi yazdı. Ode 6 Şubat'ta yapıldı. Kraliçe Anne müzikten memnun kaldı ve Te Deum'u kendi eliyle gerçekleştirme iznini imzaladı. 7 Temmuz'da, Utrecht Barış Antlaşması'nın imzalanması vesilesiyle, Kraliçe ve Parlamento'nun huzurunda, Handel'in "Te Deum"unun ciddi, görkemli sesleri St. Paul Katedrali'nin tonozlarını duyurdu.
Te Deuma'nın başarısından sonra besteci nihayet İngiltere'de bir kariyer yapmaya karar verdi.
1720 yılına kadar Handel, kraliyet ordusunun başkomiseri Anna'nın altında olan eski Chandos Dükü'nün hizmetindeydi. Dük, Londra yakınlarındaki Cannon Kalesi'nde yaşadı ve burada mükemmel bir şapeli vardı. Handel onun için müzik besteledi.
Bu yılların çok önemli olduğu ortaya çıktı - İngiliz stiline hakim oldu. Handel, marşlar ve iki maske çizdi - muhteşem üretkenliği ile mütevazı bir miktar. Ancak bu şeylerin (Te Deum ile birlikte) belirleyici olduğu ortaya çıktı.
Antik çağın ruhuna uygun iki maske, iki performans İngiliz tarzındaydı. Handel daha sonra her iki eseri de revize etti. Biri İngiliz operası (Acis, Galatea ve Polyphemus), diğeri ilk İngiliz oratoryosu (Esther) oldu. Marşlar bir kahramanlık destanıysa, o zaman "Esther" İncil'deki bir arsaya dayanan kahramanca bir dramadır. Handel, bu eserlerde, İngilizlerin ses sanatında ifade ettiği duyguların hem diline hem de doğasına zaten tam olarak hakimdir.
Marşların ve opera tarzının etkisi, Handel'in ilk oratoryolarında - "Esther" (1732), sonraki "Deborte", "Atalia" (1733'te bestelendi) açıkça hissedilir. Bununla birlikte, opera 1720'lerin - 1730'ların ana türü olmaya devam ediyor. Handel'in neredeyse tüm zamanını, gücünü, sağlığını ve durumunu emer.
1720'de Londra'da 20.000 sterlin sermayeli bir tiyatro ticari işletmesi açıldı. Kraliyet Müzik Akademisi olarak adlandırıldı. Handel'e Avrupa'nın en iyi şarkıcılarını, özellikle de İtalyan okulunu akademinin grubuna dahil etmesi talimatı verildi.
Handel özgür bir girişimci, hissedar oldu. 1720'den başlayarak neredeyse yirmi yıl boyunca operalar besteledi ve sahneledi, bir topluluk topladı veya dağıttı, şarkıcılar, orkestra, şairler ve impresario ile çalıştı.
Yeni vatan, Handel'i iyilikle şımartmadı. Uzun bir süre, halk onu hiç tanımadı. Sınırlı bir çevre tarafından biliniyordu. İngilizler, İtalyan operasına ve yazarı Signor Bononcini'ye daha düşkündü. "Kolay ve hoş" - Bononcini'nin sloganı, hayatının ve sanatının anlamı.
12 Ocak 1723'te Handel, Otgon'u sahneledi. Bu sefer rakibinin tekniklerini kullanır, kolay, melodik hoş bir şekilde yazar, o günlerin İngiltere'sinde en popüler operaydı. Bu esprili karşı saldırıdan sonra Handel saldırıya geçti. Mayıs 1723'te - "Flavio", 1724'te iki opera - "Julius Caesar" ve "Tamerlane". 1725'te - "Rodelinda". Bu bir zaferdi. Operaların son üçlüsü kazanana layık bir taçtı.
Ama kader adil değildi. Zevkler değişmişti ve şimdi İngilizler İtalyan operasına, İtalyan operalarının yazarı Handel'e, İtalyanları mağlup eden Handel'e gülüyorlardı.
Handel için zor zamanlar geldi - her şey ona karşıydı. Eski seçmen, tek güçlü patron I. George öldü. Genç kral, Galler Prensi II. George, babasının gözdesi Handel'den nefret ediyordu. George II onun ilgisini çekti, yeni İtalyanları davet etti, ona düşmanlar kurdu. Seyirci Handel'in operalarına gitmedi.
Böyle bir ortamda Handel, opera yazmayı ve sahnelemeyi bırakmadı - inatçılığı deliliği andırıyordu. Her yıl yenildi, her yıl aşağı yukarı aynı resmi gördü: sessiz, dikkatsiz, boş bir salon.
1734 ve 1735'te Fransız balesi Londra'da modaydı. Handel, Fransız tarzında opera-baleler yazdı: Terpsichore, Alcina, Ariodante ve Orestes pasticho. Ancak 1736'da ağırlaşan siyasi durum nedeniyle Fransız balesi Londra'yı terk etmek zorunda kaldı.
Sonunda, Handel iflas etti. Hastalandı, felç oldu. Opera binası kapatıldı. Arkadaşları ona biraz para verdi ve onu Aachen'deki bir tatil köyüne gönderdi.
Gerisi bir rüya kadar kısaydı. Uyandı, ayağa kalktı, sağ eli hareket etti. Bir mucize oldu. Sağlık Handel'e döndü.
Aralık 1737'de Faramondo'yu tamamladı ve yeni bir Xerxes operası aldı. 1738, Handel için iyi bir yıldı. Başarı güneşi ona sıcaklık verdi.
Yılın başında seyirci isteyerek Faramondo'ya gitti. Şubat'ta Handel, Alessandro Severe'i ve Nisan'da Xerxes'i sahneledi. Mart ayında arkadaşları onun onuruna bir konser verdi. İşlerini iyileştirdi, en acil borçları ödedi. İhtiyaç azaldı.
Önümüzdeki yıl yine hayal kırıklığı. İş yine ihmal edildi, tiyatro boş, yine müzik ihmal edildi.
Ve bu sırada alışılmadık derecede iyi yazdı: fantezi son derece zengindi, güzel malzeme iradeye itaatkar bir şekilde itaat etti, orkestra etkileyici ve pitoresk geliyordu, formlar mükemmeldi.
En iyi "felsefi" hatiplerinden birini - Milton'ın harika gençlik şiirleri üzerine "Neşeli, dalgın ve ılımlı", biraz daha önce - "Ode to St. Cecilia ”Dryden'ın metnine. Ünlü on iki konser grosiyesi o yıllarda onun tarafından yazılmıştır.
Ve bu sırada Handel opera ile yollarını ayırdı. Ocak 1741'de sonuncusu Deidamia teslim edildi.
Handel'in yirmi yıllık mücadelesi sona erdi. O, opera dizisinin yüce çizgisinin İngiltere gibi bir ülkede bir anlam ifade etmediğine ikna oldu. Handel yirmi yıl direndi. 1740'ta İngiliz zevkiyle çelişmeyi bıraktı - ve İngilizler onu bir dahi olarak tanıdı. Handel artık ulusun ruhunun ifadesine karşı çıkmadı - İngiltere'nin ulusal bestecisi oldu.
Handel sadece opera yazsaydı, adı sanat tarihinde yine onurlu bir yer alacaktı. Ama asla bugün ona değer verdiğimiz Handel olamazdı.
Handel'in operaya ihtiyacı vardı. Onu büyüttü, sanatının laik doğasını tanımladı. Handel onun içinde stilini parlattı, orkestra, arya, resitatif, form, ses yönlendirmesini geliştirdi. Operada dramatik bir sanatçının dilini buldu. Yine de operada ana fikirlerini ifade edemedi. Çalışmalarının en yüksek anlamı, en yüksek yararı oratoryolardı.
İngiltere'de geçirilen uzun yıllar, Handel'in zamanını, epik, felsefi kategorilerini yeniden düşünmesine yardımcı oldu. Şimdi bütün bir halkın varlığının tarihi hakkında endişeliydi. İngiliz modernitesini ulusun kahramanca bir durumu, bir yükseliş çağı, en iyilerin, mükemmel güçlerin, insanların zekası ve yeteneğinin gelişmesi olarak hayal etti.
Handel, yeni bir düşünce ve duygu yapısını ifade etme ihtiyacı hissetti. Ayrıca Püriten ulusunun en popüler kitabı olan İncil'e başvurur.
Besteci, görkemli İncil destanlarında-oratoryolarda, fetheden insanların iyimserliğini, neşeli özgürlük duygusunu, kahramanların özveriliğini somutlaştırmayı başardı.
Bu tür konuların seçimi, oratoryo tarzının seçimi Handel'in hayatında önemli olduğu ortaya çıktı. Besteci, eserinin ilk döneminden itibaren yeni bir aşamaya geçmiştir.
22 Ağustos 1741'de Handel için yeni bir dönem başladı. Bu unutulmaz günde, "Mesih" oratoryosuna başladı. Daha sonra, yazarlar Handel'i yüce bir sıfatla ödüllendirecekler - "Mesih'in yaratıcısı". Birçok nesil için "Mesih" Handel ile eş anlamlı olacaktır.
"Mesih", bir kişinin yaşamı ve ölümü hakkında, İncil'deki görüntülerde somutlaşan müzikal ve felsefi bir şiirdir. Bununla birlikte, Hıristiyan dogmalarının okunması ilk bakışta göründüğü kadar geleneksel değildir.
Handel, Mesih'i 12 Eylül'de tamamladı. Handel beklenmedik bir şekilde Londra'dan ayrıldığında oratoryo zaten prova ediliyordu. İrlanda'daki İngiliz kralının vekili Devonshire Dükü'nün daveti üzerine Dublin'e gitti. Orada bütün sezon konserler verdi. 13 Nisan 1742'de Handel, Dublin'de Mesih'i sahneledi. Oratoryo sıcak karşılandı ve tekrarladı. Ağustos ayında Handel Londra'ya döndü. Ve 18 Şubat 1743'te, Milton'ın metnine dayanan kahramanca bir oratoryo olan "Samson" un ilk performansı gerçekleşti.
Milton'ın Samson'u, 17. yüzyılın ikinci yarısının en iyi Avrupa trajedilerinden biridir. Handel'in Samson'u, 18. yüzyılın ilk yarısının en iyi müzikal ve dramatik eserlerinden biridir.
Milton'ın Samson'u, İncil'deki olay örgüsünün ve antik Yunan trajedisi türünün bir sentezidir. Handel, müzikal drama ve oratoryo koro geleneklerinin bir sentezine sahiptir.
1743'te Handel ciddi bir hastalık belirtileri gösterdi. Doğru, oldukça çabuk iyileşti.
Sonraki iki yıl içinde Handel'in hisseleri tekrar düştü. Avrupa'da savaş uzadı. İngiliz halkı hoşnutsuzluk gösterdi, "vatanseverler" öfkelendi, parlamentoda ordudan daha fazla savaşlar yapıldı, sonunda Başbakan Carteret istifa etti ve 1745'te Stuart ailesinin sonuncusu olan "romantik" Prens Edward İskoçya'ya indi. . Londra'nın Handel'e ayıracak zamanı yoktu.
Ve besteci oratoryolar yazdı ve yazdı. 10 Şubat 1744'te Semele'yi, 2 Mart'ta Joseph'i sahneledi - Ağustos'ta Herkül'ü bitirdi, Ekim'de - Belshazzar. Sonbaharda, sezon için Covent Garden'ı kiralar. 1745 kışında Belşatsar ve Herkül'ü sahneledi. Rakipleri konserlerin başarısını engellemek için her türlü çabayı gösteriyorlar, başarılı oluyorlar - Handel yine yıkımın eşiğinde. Martta hastalandı, hastalandı ama ruhu kırılmadı.
11 Ağustos 1746'da Handel, İncil konulu en iyi hatiplerinden biri olan Judas Maccabee oratoryosunu bitirdi. Handel'in tüm kahramanca-İncil oratoryolarında (ve bestecinin bir numarası vardır: "Saul", "Mısır'da İsrail", "Samson", "Joseph", "Belshazzar", "Judas Maccabees", "Joshua" ve diğerleri) odak noktası insanların tarihi kaderidir. Onların özü mücadeledir. Halkın ve liderlerinin işgalcilere karşı bağımsızlık mücadelesi, iktidar mücadelesi, gerilemeyi önlemek için mürtedlere karşı mücadele. Halk ve liderleri, oratoryonun ana karakterleridir. Koro şeklinde bir karakter olarak insanlar Handel'in malıdır. Ondan önceki müzikte hiçbir yerde insanlar böyle bir kılıkta performans göstermedi.
1747'de Handel bir kez daha Covent Garden'ı kiralar. Bir dizi imza konseri veriyor. 1 Nisan'da "Judas Maccabee" giyiyor - ona başarı eşlik ediyor. Yeni oratoryo beş kez daha yapılır. Handel yine kazandı, yine zirvede.
1740'ların sonu Handel için başarılı oldu. İngiltere onun değerlerini takdir etti, ona haraç ödedi. 1747'de Handel, Alexander Balus ve Joshua oratoryolarını yazdı. Gelecek yılın baharında yeni oratoryolar düzenler ve yaz aylarında iki tane daha yazar - "Solomon" ve "Susanna". 63 yaşındaydı.
1751'de bestecinin sağlığı kötüleşti. 3 Mayıs 1752'de gözleri ameliyat edildi. Başarısızca. Hastalık ilerliyor.
1753'te tam körlük başlar. Handel, konserler vererek, hafıza için çalarak veya doğaçlama yaparak dikkatini dağıtıyor. Bazen müzik yazar. 14 Nisan 1759 Cumartesi günü gitmişti.

Handel Georg Friedrich (1685 - 1759)

Handel, Halle'de (Almanya) doğdu. Babası sarayda berberdi. Oğluna bir avukat olarak eğitim vermeyi hayal etti, ancak çocuğun müzikal yeteneklerine fazla dikkat etmedi. Ancak Georg'un yeteneği Halle Seçmeni - Saksonya Dükü tarafından fark edildi ve babanın oğlunu hala birkaç yıl boyunca Gandel'e müzikal bir tat aşılayan şehrin en iyi müzisyeni F. Tsakhov'un eline vermesi konusunda ısrar etti. farklı müzik tarzları ve uygulamalı besteleme teknikleri. Kendisinde büyük bir potansiyel gördü. Ve öğrenci onu hayal kırıklığına uğratmadı. On bir yaşında, ülkede müzisyen ve besteci olarak tanınmaya başlamıştı bile. Ama yine de merhum babasının iradesini yerine getirmek zorunda kaldı - avukat olmak için. Genç adam Galya Üniversitesi'ne (1702) girdi ve hukuk okudu. Ama aynı zamanda kilisede orgculuk yapıyor, müzik besteliyor, şarkı söylemeyi öğretiyor. Operaya çekilir ve Fransız ve Fransızlara rakip olan bir opera binasına sahip olan Hamburg'a gider. İtalyan tiyatroları, birkaç müzik aleti çaldığı orkestraya girer. İşte onun elementinde. Tiyatro yönetmeni - R. Kaiser - bir opera bestecisi, I. Mattezon - bir şarkıcı, besteci ve yazar - yetenekli genç adamı fark eder, onunla işbirliği yapar, yardım eder ve geleceğin büyük bestecisinin oluşumu üzerinde büyük bir etkiye sahiptir. İlk operalar Almira ve Nero, elbette, Hamburg'da (1705) sahnelendi.

Başarıdan ilham alarak İtalya'ya seyahat eder (Kaiser Tiyatrosu iflas nedeniyle kapatıldı), burada Floransa, Napoli, Venedik tiyatrolarını ziyaret eder, İtalyan opera sanatının izlenimlerini emer. Birkaç ay sonra, bu yeni stili kendisi için o kadar çok inceledi ki, Rodrigo (1707) operasını yazdı ve Floransa Tiyatrosu'nda sahneledi. İki yıl sonra, ikinci İtalyan operası Agrippina Venedik'te başarıyla piyasaya sürüldü. Zeki İtalyanlar, bestecinin operalarını coşkuyla kabul ederler. Bu şekilde ünlü olur. A. Corelli, B. Marcello, A. Scarlatti, birbirleriyle yarışan İtalyan aristokratlar gibi armatürlerle eşit düzeyde olduğu Arcadian Akademisi'ne kabul edilir, müzisyene ev sinemaları için sipariş verir. 1710'da maestro, İngiliz vatandaşlığı aldığı ve günlerinin sonuna kadar yaşadığı İngiltere'ye davet edildi. Yeteneğinin ve şöhretinin gerçek çiçeklenmesinin başladığı yer burasıdır. Dehanın eseri, İngiliz müziğini olağanüstü bir dünya yüksekliğine yükseltiyor.

1720'de Alman besteci, İtalyan tarzındaki yeni başyapıtlarının sahnelendiği İtalyan Opera Akademisi ve Londra Opera Binası'nın başı oldu: Radamist (1720), Otto (1723), Julius Caesar (1724), Tamerlane ( 1724), Rodelina (1725), Admet (1726). Görüntülerin asaleti, dorukların yoğun trajedisi, karakterlerin psikolojisi - her şey şimdiye kadar bilinen İtalyan opera stilini aştı.