Sanatların her birinin, yaratıcılarının sanatsal fikirlerini giydirdiği belirli türleri vardır. Bazıları, şimdi dedikleri gibi, büyük ölçekli ve anıtsal formlar için projeler, diğerleri - samimi duyguları ifade etmek için görkemli bir düzenleme için en uygunudur. Yaratıcı için hayal kırıklığı, yanlış seçilmiş tür veya fikrini somutlaştırmak istediği biçim olabilir. Tabii ki, küçük bir form çok fazla içerik içeriyorsa harikadır. Bu gibi durumlarda, "kısalık yeteneğin kardeşidir" ya da Shakespeare'in Hamlet'te dediği gibi "kısalık zihnin ruhudur" demek adettendir, ancak tam tersine, yeterli içerik yoksa kötüdür. seçilen büyük form için ...

Alexander Maykapar

Müzik türleri: Opera

Sanatların her birinin, yaratıcılarının sanatsal fikirlerini giydirdiği belirli türleri vardır. Bazıları, şimdi dedikleri gibi, büyük ölçekli ve anıtsal formlar için projeler, diğerleri - samimi duyguları ifade etmek için görkemli bir düzenleme için en uygunudur. Yaratıcı için hayal kırıklığı, yanlış seçilmiş tür veya fikrini somutlaştırmak istediği biçim olabilir. Tabii ki, küçük bir form çok fazla içerik içeriyorsa harikadır. Bu gibi durumlarda, "kısalık yeteneğin kardeşidir" ya da Shakespeare'in Hamlet'te dediği gibi "kısalık zihnin ruhudur" demek adettendir, ancak tam tersine, yeterli içerik yoksa kötüdür. seçilen büyük form için.

Farklı sanat türlerinin bireysel türleri arasında paralellikler çizilebilir. Bu nedenle, belirli bir anlamda, bir opera bir romana veya dramatik bir çalışmaya benzer (daha sık - bir trajedi; ve ünlü trajedilerin metinlerine dayanan opera örnekleri - Shakespeare ve Verdi'nin "Othello"). Başka bir paralel, prelüd ve lirik şiirin müzik türüdür ve görsel sanatlarda - çizim. Karşılaştırmalara zorlanmadan devam edilebilir.

Burada, bu tür paralelliklerde, formların ve hatta tekniklerin benzerliği, hacimler ve kütlelerle çalışmanın kimliği olduğu gerçeğine dikkat etmemiz önemlidir: besteci için - sesler, sanatçı için - renkler. Müzik türleri üzerine önerilen deneme dizisinde, karmaşık müzik kavramlarından ve terimlerinden kaçınmaya çalışacağız, ancak yine de belirli müzikal özellikleri açıklamadan yapamayız.

Birçok klasik ve romantik opera, Lully'nin zamanından beri bale sahneleri eklemiştir. E. Degas, resminde bu tür bölümlerden birini tasvir etti. Sahnedeki geçici dansçılar, orkestranın müzisyenleri ve sanatçının arkadaşları arasında koleksiyoner Albert Hesht ve sanatçının neredeyse fotoğrafik bir doğrulukla tasvir ettiği amatör sanatçı Viscount Lepic'in de bulunduğu tezgahlardaki seyircilerle keskin bir tezat oluşturuyor. İzlenimcilik ve gerçekçilik yakından bağlantılıydı. Tüm farklılıkları için tek bir resimde birleştirilebilirler.

Verdi'nin Aida operasının Mısır teması, G. Ricordi ve C." Milano'da. Bu şirketin yayınları tüm Avrupa'ya dağıtıldı. Profesör S. Maykapar'ın Taganrog'daki müzikal gençliği hakkındaki anılarından (XIX yüzyılın 80'li yıllarının başları): İtalyan bir öğretmen olan G. Molla, “derslere ek olarak, bana gelmeyi veya beni onun yerine davet etmeyi severdi. Benimle sadece Verdi'nin yeni operalarının çıktığını öğrenmek için. Bu operaların Klaviraustsugi'sine (piyano için transkripsiyonlar) doğrudan Milano'dan Ricordi yayınevinin kendisinden abone oldu. Bu yüzden onunla "Aida", "Othello", "Falstaff" operalarını baştan sona geçtik.

Carmen'in ilk üretimi başarılı olmadı. Yazar ahlaksızlıkla suçlandı. Çaykovski, Carmen'in müziğini ilk takdir edenlerden biriydi. "Bizet'in operası," diye yazıyordu, "bir başyapıt, bütün bir çağın müzikal özlemlerini kendi içinde en güçlü şekilde yansıtmaya mahkum olan birkaç şeyden biri. On yıl içinde Carmen dünyanın en popüler operası olacak." Çaykovski'nin sözleri kehanet gibi çıktı.

Ünlü İtalyan besteci Giacomo Puccini'nin eserleri, daha önce bahsedilen G. Ricordi tarafından yayınlandı. Tosca (1900), dünyadaki tiyatrolardaki en repertuarlı operalardan biridir. En sevdiğiniz operaların temaları üzerine karışık, tefsir veya fantezi yaratmak, 18. yüzyıla kadar uzanan bir gelenektir.

"Kurt Ravine". Caspar, Max'i beklerken, hayatını sattığı şeytani avcı Samiel ile bir anlaşma yapar. Ama sonra onun yerine Max'i teklif eder. Hayalet gizemli bir şekilde "O ya da sen" diye cevap verir. Bu sırada Max tepeden vadiye iner, annesinin gölgesi tarafından tutulur, ancak Samiel Agatha'nın hayaletini çağırır ve Max biraz tereddüt ettikten sonra iner. Max, Kaspar tarafından teslim edilen malzemeden yedi sihirli mermi hazırlamaya başlar. Cehennem vizyonları onları çevreler. Son ölümcül kurşunla Samiel'in hayaleti ortaya çıkar ve her iki bekçi de dehşetten yarı ölü bir şekilde yere düşer.

A. Borodin'in opera üzerindeki çalışmaları tamamlamak için zamanı yoktu.

Bestecinin arkadaşları N. Rimsky-Korsakov ve A. Glazunov, opera sanatının bu şaheserini performans ve yayın için hazırladılar. İkincisi, operanın uvertürünü hafızadan kaydetti.

Opera, Rus hayırsever M.P. Müzik yayınevinin kurucusu Belyaev, “Edition M.P. BELAFF, Leipzig".

N. Rimsky-Korsakov'un anılarından: Milletvekili Belyaev “hayırseverdi, ama hayırsever bir usta değil, sanata kendi isteğiyle para harcıyor ve aslında onun için hiçbir şey yapmıyordu. Elbette zengin olmasaydı, sanat için yaptıklarını yapamazdı ama bu konuda hemen asil, sağlam bir zeminde durdu. Kendisi için herhangi bir kârı hesaba katmadan konserlerin girişimcisi ve Rus müziğinin yayıncısı oldu, aksine bunun için büyük paralar bağışladı, üstelik adını mümkün olan en son ölçüde gizledi.

Kısa tanım

Opera dünyası...

Kaç besteci, kaç kuşak dinleyici, kaç ülkede bu dünya cazibesiyle kendine zincirlenmiş! Bu dünya kaç tane harika şaheser içeriyor! Bu dünya insanlığa ne kadar çeşitli arsalar, biçimler, onların görüntülerinin somutlaştırılmasının yolları!

Opera açık ara en zor müzik türüdür. Kural olarak, tam bir tiyatro akşamı sürer (genellikle bir tiyatro performansında iki kez sahnelenen tek perdelik operalar olmasına rağmen). Bazı durumlarda, bestecinin tam opera fikri, her biri bir opera performansının geleneksel çerçevesini aşan birkaç akşamda somutlaşır. Dört bağımsız opera performansıyla Richard Wagner'in Der Ring des Nibelungen'inin tetralojisini (yani dört operanın bir performansı) kastediyoruz: giriş - Ren Altını, ilk gün - Valkyrie, ikinci gün - Siegfried, üçüncü gün - "Tanrıların ölümü". Michelangelo'nun Sistine Şapeli'nin tavan boyaması veya Balzac'ın İnsan Komedisi (98 roman ve kısa öykü - Etüdler) gibi insan ruhunun birçok yaratımına ölçeği açısından böyle bir yaratılışın yerleştirilmesi şaşırtıcı değildir. Ahlak üzerine).

Kendimizi çok geride bıraktığımıza göre, Wagner hakkında konuşalım. Amerikalı müzikolog Henry Simon'ın ülkemizde opera severler için çevirip yayınladığımız "Yüz Büyük Opera" adlı kitabında bu dörtleme keskin ve özlü bir şekilde söylenmektedir: "Nibelungen'in Yüzüğü" en büyük eseridir. bir kişi tarafından yaratılmış sanat, ya da - aksi halde - en muazzam can sıkıntısı, ya da - öyle olsa bile - aşırı derecede dev çılgınlığın meyvesi. Bu tetraloji sürekli olarak böyle karakterize edilir ve bu sıfatlar hiçbir şekilde birbirini dışlamaz. Bu yaratımı yaratmak - metin, müzik ve prömiyerin hazırlanması - yirmi sekiz yıl sürdü. Doğru, bu dönemde Wagner, kısmen Siegfried'in yaratılmasına düşen The Ring'deki çalışmaya ara verdi. Biraz kafa dağıtmak ve nefes almak için de bu dönemde başyapıtlarından ikisi olan "Tristan" ve "Meistersinger"ı besteledi.

Operanın tarihsel yolunu kısaca tanımlamadan önce - opera hakkında ayrıntılı bir hikaye büyük bir kitap hacmini, hatta birden fazlasını kaplar - operanın ne olduğuna, daha doğrusu neye dönüştüğünün kısa bir tanımını vermeye çalışalım. bir müzik türü olarak.

italyanca kelime opera Latince'den gelir ve geniş anlamda "eser", yani edebi ve müzikal anlamda "yaratma" - "kompozisyon" anlamına gelir. Operadan çok önce - müzik türü, bu kelime, tam olarak yayınlandığında, öncelikle felsefi ve teolojik olmak üzere edebi bir kompozisyonu belirtmek için kullanıldı - Opera omnia... Bu tür eserler en zor edebi türdü (örneğin, Thomas Aquinas'ın "The Summa of Theology"). Müzikte, böyle en karmaşık eser tam olarak operadır - müziği (vokal ve enstrümantal), şiiri, dramayı, senografiyi (görsel sanatlar) birleştiren bir sahne eseri. Böylece opera haklı olarak adını taşıyor.

Başlangıç

Bir müzik türü olarak operanın gelişimindeki aşamaları en azından noktalı bir çizgiyle özetlemeye kalksak, makalemiz bestecilerin adlarının, opera eserlerinin adlarının ve bu başyapıtların ilk kez görüldüğü tiyatroların yalnızca bir listesine dönüşecektir. sahnenin ışığı. Ve kolayca tahmin edebileceğiniz gibi isimlerden en büyüğü şöyle olurdu: Monteverdi, Pergolesi, Lully, Gluck, Mozart, Rossini, Beethoven, Meyerbeer, Wagner, Verdi, Puccini, Richard Strauss... Bunlar sadece Batılı besteciler. Ve Ruslar! Ancak, onlar hakkında daha sonra konuşacağız.

Ancak ilk opera ve böyle olduğu ortaya çıkan ilk opera bestecisi hakkında ... tesadüfen söylemek gerekiyor. Bunu yapmak için, zihinsel olarak bu müzik türünün anavatanına - İtalya'ya, daha doğrusu 16. yüzyılın sonunda Floransa'ya gitmemiz gerekiyor. Opera bu zamanda burada doğdu.

O dönemde İtalya'ya akademilere, yani filozofları, bilim adamlarını, şairleri, müzisyenleri, soylu ve aydın amatörleri birleştiren (şehir ve kilise yetkililerinden bağımsız) toplumlara karşı olağanüstü bir hayranlık hakimdi. Bu tür toplumların amacı, sanat ve bilimin tanıtılması ve geliştirilmesiydi. Akademiler (çoğu aristokrat çevrelere mensup olan) üyelerinin mali desteğinden yararlandı ve prenslik ve dukalık mahkemelerinin himayesi altındaydı. XVI-XVII yüzyıllarda. İtalya'da binin üzerinde akademi vardı. Bunlardan biri sözde Florentine Camerata idi. 1580'de Vernio Kontu Giovanni Bardi'nin girişimiyle ortaya çıktı. Üyeleri arasında Vincenzo Galilei (ünlü astronomun babası), Giulio Caccini, Jacopo Peri, Pietro Strozzi, Girolamo Mei, Ottavio Rinuccini, Jacopo Korea, Cristofano Malvezzi bulunmaktadır. Özellikle antik çağ kültürü ve antik müzik tarzının sorunları ile ilgilendiler. Bu temelde, o zamanlar henüz opera olarak adlandırılmayan opera doğdu (anlayışımızda ilk kez "opera" terimi 1639'da ortaya çıktı), ancak şu şekilde tanımlandı: müzik başına drama(kelimenin tam anlamıyla: "müzik aracılığıyla drama" veya daha doğrusu, "müzik için drama (set)" anlamında). Başka bir deyişle, Floransalı Camerata'nın bestecileri, eski Yunan müziğini ve dramasını yeniden inşa etme fikrine kapıldılar ve şimdi opera dediğimiz şeyi hiç düşünmediler. Ancak 1597 veya 1600'de böyle (sözde) bir antik drama yaratma girişimlerinden opera doğdu.

Farklı tarihler - çünkü her şey ilk opera olarak kabul edilen şeye bağlıdır: ilkinin yaratıldığı yıl, ancak kayıp veya ilk yıl ulaşıldı operadan. Kayıp olanın "Daphne" olduğu, bize ulaşanın ise "Eurydice" olduğu bilinmektedir. Marie de Medici ve Fransız kralı Henry IV'ün evliliği vesilesiyle 6 Ekim 1600'de Palazzo Pitti'de muhteşem bir şekilde sahnelendi. Dünya müzik topluluğu 2000 yılında operanın 400. yılını kutladı. Güzel sayılar! Bu karar muhtemelen haklıdır. Ayrıca, bu operaların her ikisi de - "Daphne" ve "Eurydice" - aynı besteci Jacopo Peri'ye aittir (ikincisini Giulio Caccini ile birlikte yazdı).

Tıpkı opera bestecilerinin isimlerini listeleme durumunda olduğu gibi, opera yaratıcılığının farklı türlerini ve yönlerini tanımlamak, operanın büyük yaratıcılarının her birinin getirdiği tüm yenilikleri karakterize etmek istiyorsak, bizi bekleyen sınırsız malzeme var. o. En azından ana opera türlerinden bahsetmemiz gerekecek - sözde "ciddi" opera ( opera dizisi) ve komik opera ( opera mandası). Bunlar 17.-18. yüzyıllarda ortaya çıkan ilk opera türleridir; Bunlardan daha sonra (19. yüzyılda), sırasıyla "opera-drama" ( opera) ve Romantik dönemin komik bir operası (daha sonra sorunsuz bir şekilde bir operet'e dönüştü).

Opera türlerinin bu evriminin müzisyenler için ne kadar açık ve net olduğu, esprili bir müzisyenin esprili yorumudur: üç Eylemler, bilin ki bu tiyatro büfesi amacıyla yapılır." Bu şakayı takdir etmek için, Sevilla Berberi'nin geleneklerin varisi olan komik bir opera olduğunu bilmelisiniz. opera mandası... A opera mandası ilk başta (18. yüzyılda İtalya'da) seyircilerin aralar sırasında rahatlaması için eğlenceli bir performans olarak yaratıldı. opera dizisi, Hangi o zaman her zaman üç eylemden oluşuyordu. Bu nedenle, üç perdelik performansta iki ara olduğunu görmek kolay.

Müzik tarihi bizim için ilk müziğin doğuşunun koşullarını korumuştur. opera bufa. Yazarı çok genç bir Giovanni Battista Pergolesi idi. 1733'te besteci bir sonraki "ciddi operasını" - "Gururlu Tutsak" ı yarattı. Diğer beş opera gibi seri Opera bestecisi olarak dört yıllık kariyerinde bestelediği bestesi başarılı olmadı, hatta başarısız oldu.

iki olarak intermezzo Pergolesi, dikkatsizce dedikleri gibi, sadece bir soprano ve bir bas, iyi ve bir mim oyuncusu gerektiren komik bir hikaye yazdı (böyle bir kompozisyon, bu tür aralar için geleneksel hale geldi). olarak bilinen bir müzik formu doğdu. opera mandası uzun ve onurlu bir tarihe sahip olduğu ortaya çıkan ve klasik örneği - "The Maid-Lady" - onurlu ve eşit derecede uzun bir sahne ömrüne sahipti.

Pergolesi, 1736'da yirmi altı yaşında öldü. On yıl sonra, bir İtalyan grubunun bu küçük parçasını Paris'te sahneye koymasının, Buffon Savaşı olarak bilinen bir opera savaşını tetiklediğini asla öğrenmedi. Çok saygı duyulan Rameau ve Lully, daha sonra Rousseau ve Diderot gibi entelektüellerden eleştirel eleştiriler alan görkemli ve acıklı eserler besteledi. "Handmaid Mistress" onlara kralın sevdiği resmi müzikal eğlenceye saldırmaları için bir silah verdi. Bu arada, kraliçe daha sonra müzikal isyancıları tercih etti. Bu savaşın sonucu, bu konuda başarı kazanan en az altmış broşür oldu. opera mandası Rousseau'nun kendisi "Köy Sihirbazı" olarak adlandırıldı (Mozart tarafından "Bastien ve Bastienne" için bir model oldu) ve Pergolezya başyapıtının neredeyse iki yüz performansı.

Gluck'un temel ilkeleri

Operaya, dünyanın klasik opera evleri için geleneksel sayılabilecek repertuar açısından bakarsanız, ilk satırlarında Handel gibi 18. yüzyıl klasiklerinin eserleri olmayacak. , Alessandro Scarlatti ve sayısız, aktif olarak çağdaşlar ve takipçiler yaratan, ancak bakışlarını kararlı bir şekilde sahne eyleminin dramatik gerçekliğine yönlendiren bir besteci. Bu besteci Gluck'du.

Unutulmamalıdır ki, ulusal opera okullarını karakterize ederken 18. yüzyılın ortalarındaki Almanya'dan da bahsetmek gerekir, ancak burada anılmaya değer eserlerden hangisini alırsanız alın, kesinlikle öyle olduğu ortaya çıkacaktır. ya Almanya'da çalışan bir İtalyan besteci ya da bir Alman, İtalya'da okudu ve İtalyan geleneğinde ve İtalyan dilinde yazdı. Üstelik Gluck'un ilk eserleri tam da şuydu: İtalya'da okudu ve ilk operaları İtalyan opera evleri için yazıldı. Bununla birlikte, belirli bir anda, Gluck görüşlerini keskin bir şekilde değiştirdi ve operaya, üzerinde "1600'e geri dön!" yazan yüksek bir bayrakla girdi. Başka bir deyişle, yine uzun yıllar her türlü geleneğin yetiştirilmesinden sonra opera, “ müzik başına drama».

Gluck'un temel ilkeleri (yazarın "Alceste" önsözüne dayanarak) şu şekilde özetlenebilir:

a) müzik, şiire ve dramaya tabi olmalı, onları gereksiz süslemelerle zayıflatmamalı; şiirsel bir eserle ilgili olarak, figürleri konturlarını değiştirmeden canlandırmaya yarayan, iyi ve doğru bir çizimle ilgili olarak renklerin parlaklığı ve iyi bir ışık gölge dağılımının oynadığı rolün aynısını oynamalıdır;

b) sağduyu ve adaletin protesto ettiği tüm aşırılıklar yasaklanmalıdır; oyuncu tutkulu monologunu kesmemeli, gülünç ritüelin duyulmasını beklememeli veya güzel sesini uygun bir sesli harfle göstermek için kelimeyi kesmemelidir;

c) uvertür, seyirci için eylemi aydınlatmalı ve içeriğe giriş niteliğinde bir genel bakış olarak hizmet etmelidir;

d) orkestrasyon, oyuncunun söylediği sözlerin ilgi ve tutkusuna göre değişmelidir;

e) Resitatifler ve aryalar arasında, periyodu felce uğratan ve aksiyonun güç ve parlaklıktan yoksun kalmasına neden olan uygunsuz duraklamalardan kaçınılmalıdır.

Böylece Gluck, operanın büyük reformcusu olarak karşımıza çıkıyor. O bir Almandı ve ondan Mozart aracılığıyla Weber'e, ardından Wagner'e giden operanın gelişim çizgisi geliyor.

Çift yetenek

Belki de Wagner'in en iyi özelliği, Franz Liszt'in kendisi hakkındaki sözleridir (bunları dikkate değer Rus besteci ve müzik eleştirmeni Alexander Serov'un tercümesinde alıntılıyoruz): , yazar müzik operada ve yazarda libretto, hangi olağanüstü verir birlik dramatik ve müzikal icatları.<...>Wagner'in teorisine göre tüm sanatlar tiyatroda birleştirilmeli ve böylesine sanatsal olarak dengeli bir anlaşma ile tek bir amaç için çaba sarf edilmelidir - ortak bir büyüleyici izlenim. Wagner'in müziğinde sıradan bir opera dokusu, sıradan bir arya, düet, romantizm, topluluk dağılımı aranmak isteniyorsa, tartışmak imkansızdır. Buradaki her şey ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır, dramanın organizması tarafından birleştirilir. Sahnelerin çoğunda şarkı söyleme tarzı, İtalyan aryalarının ölçülü ifadelerinden olduğu kadar rutin ezberden de uzaktır. Wagner'in çalışmasında şarkı söylemek, şiir alanında doğal bir konuşma haline gelir, dramatik eyleme müdahale etmeyen (diğer operalarda olduğu gibi) konuşma, aksine, onu kıyaslanamayacak şekilde geliştirir. Ama karakterlerin görkemle basit bir ifadeyle duygularını ifade ettikleri sırada, Wagner'in en zengin orkestrası aynı karakterlerin ruhlarının bir yankısı olarak hizmet eder, bizi tamamlar, tamamlar. duymak ve görmek sahnede".

Rus okulu

19. yüzyılda Rus opera okulu olgunluğa ve bağımsızlığa ulaştı. Bu zamanda çiçeklenmesi için harika bir toprak hazırlandı. 18. yüzyılın sonunda ortaya çıkan ilk Rus operaları, ağırlıklı olarak yol boyunca müzik bölümleri olan dramatik parçalardı. O zamanın Rus bestecileri tarafından İtalyanlardan ve Fransızlardan çok şey ödünç alındı. Ancak Rusya'yı ziyaret edenler, çalışmalarında Rus müzik yaşamının çoğunu algıladı ve özümsedi.

Rus opera klasiklerinin kurucusu M.I. Glinka. Operalarından ikisi - Çar için tarihi ve trajik Yaşam (Ivan Susanin, 1836) ve inanılmaz epik Ruslan ve Lyudmila (1842) - Rus müzikal tiyatrosunda iki ana eğilimin temelini attı: tarihi opera ve büyülü epik opera.

Glinka'nın ardından Alexander Dargomyzhsky opera alanına girdi. Bir opera bestecisi olarak yolu, V. Hugo'dan (1847'de sahnelenen) sonra Esmeralda operasıyla başladı. Ancak ana sanatsal başarıları "Deniz Kızı" (1855) ve "Taş Konuk" (1866-1869) operalarıydı. "Denizkızı", ilk Rus günlük lirik ve psikolojik operasıdır. Wagner gibi Dargomyzhsky de geleneklerden kurtulmak ve müzik ile dramatik aksiyonun tam bir kaynaşmasını sağlamak için operada reform yapma ihtiyacı hissetti. Ancak, büyük Alman'dan farklı olarak, çabalarını canlı insan konuşmasının tonlamalarının vokal melodisinde en doğru düzenlemeyi bulmaya odakladı.

Rus opera tarihinde yeni bir aşama - 1860'lar. Bu, "Mighty Handful" olarak bilinen Balakirev çevresi bestecilerinin ve Çaykovski'nin eserlerinin Rus sahnesinde göründüğü zamandır. Balakirev çevresinin üyeleri A.P. Borodin, M.P. Mussorgsky, N.A. Rimsky-Korsakov. Bu bestecilerin opera eserleri, Rus ve dünya opera sanatının altın fonunu oluşturmaktadır.

Yirminci yüzyıl - hem Rusya'da hem de Batı'da - opera türlerine önemli bir çeşitlilik getirdi, ancak kabul edilmelidir ki, operanın varlığının dördüncü yüzyılında olduğu kadar büyük eserler ve bollukla övünemez. önceki yüzyıllar. Bakalım beşinci yüzyılda neler olacak...

Opera nasıl başlar...

Belirli bir opera hangi sanatsal yöne ait olursa olsun, her zaman bir uvertürle açılır. Kural olarak, ikincisi operanın temel müzik fikirlerini, ana motiflerini içerir, karakterlerini tamamen orkestral yollarla karakterize eder. Uvertür, operanın "arama kartı" dır. Opera hakkındaki söyleşimizi, operanın nasıl başladığına dair bir tartışmayla sonlandırıyoruz. Ve sözü en esprili bestecilere veriyoruz - Gioacchino Rossini.

Genç bir besteci ona bir opera yazmadan önce mi yoksa tamamlandıktan sonra mı bir uvertür yazmanın daha iyi olduğunu sorduğunda, Rossini uvertür yazdığı altı yolu sıraladı:

1. Othello uvertürü, en acımasız tiyatro yönetmenlerinden biri olan Barbaria tarafından bir tabak makarna ile kapatıldığım küçük bir odada yazdım; beni ancak uvertürün son notası yazıldıktan sonra bırakacağını söyledi.

2. Hırsız Saksağan'a operanın galasının yapıldığı gün Milano'daki La Scala Tiyatrosu'nun perde arkasındaki uvertürü yazdım. Yönetmen beni, alt kattaki orkestra çukurundaki yazmanlara tek tek atmakla görevlendirilen dört sahne işçisinin korumasına aldı. El yazması sayfa sayfa yeniden yazıldığından, müziği prova eden şefe gönderildi. Müziği belirlenen saatte besteleyemeseydim, gardiyanlarım çarşaflar yerine beni yazıcılara atarlardı.

3. Hiç yazmadığım Sevilla Berberi'ne yapılan uvertürde yolumu daha kolay buldum; Bunun yerine çok ciddi bir opera olan Elizabeth operam için uvertür kullandım, Seville Berberi ise komik bir opera.

4. Ülkesindeki politik durum hakkında durmadan gevezelik eden bir İspanyol müzisyenle balık tutarken "The Count of Ori"nin uvertürünü besteledim.

5. William Tell uvertürünü Boulevard Montmartre'daki bir apartman dairesinde besteledim, orada gece gündüz insan kalabalığı sigara içiyor, içki içiyor, konuşuyor, şarkı söylüyor ve ben müzik üzerinde çalışırken kulaklarımda çınlıyordu.

6. Musa operam için hiçbir uvertür bestelemedim; ve bu, tüm yolların en kolayıdır.

Ünlü opera bestecisinin bu esprili ifadesi, doğal olarak bizi, dikkate değer örnekler sunan bir müzik türü olan uvertür hakkında daha ayrıntılı bir açıklamaya götürdü. Bununla ilgili bir hikaye, döngünün bir sonraki taslağındadır.

02/2009 sayılı "Sanat" dergisinin materyallerine dayanmaktadır.

Posterde: Ferruccio Furlanetto rolünde Boris Godunov. Damir Yusupov'un fotoğrafı

Opera, vokal müzikal ve dramatik sanatın bir türüdür. Edebi ve dramatik temeli librettodur (sözlü metin). 18. yüzyılın ortalarına kadar. libretto'nun kompozisyonunda, müzikal ve dramatik görevlerin tekdüzeliği nedeniyle belirli bir şema hakim oldu. Bu nedenle, aynı libretto birçok besteci tarafından sıklıkla kullanılmıştır. Daha sonra, libretto, libretto yazarı tarafından besteci ile işbirliği içinde yaratılmaya başlandı ve bu da eylem, söz ve müziğin birliğini daha tam olarak sağlıyor. 19. yüzyıldan beri. bazı bestecilerin kendileri operaları için librettolar yarattılar (G. Berlioz, R. Wagner, M. P. Mussorgsky, 20. yüzyılda S. Prokofiev, K. Orff ve diğerleri).

Opera, çeşitli sanat türlerini tek bir tiyatro eyleminde birleştiren sentetik bir türdür: müzik, drama, koreografi (bale), görsel sanatlar (manzara, kostümler).

Operanın gelişimi, insan toplumu kültürünün tarihi ile yakından ilgilidir. Zamanımızın akut sorunlarını yansıtıyordu - sosyal eşitsizlik, ulusal bağımsızlık mücadelesi, vatanseverlik.

Opera, 16. yüzyılın sonunda özel bir sanat türü olarak ortaya çıktı. İtalya'da, İtalyan Rönesansının hümanist fikirlerinin etkisi altında. İlki, 6 Ekim 1600'de Floransalı Pitti Sarayı'nda sahnelenen besteci J. Peri'nin operası "Eurydice" olarak kabul edilir.

Çeşitli opera türlerinin kökeni ve gelişimi, İtalyan ulusal kültürü ile ilişkilidir. Bu, koro ve bale olmadan, solo sayıların baskın olduğu, kahramanca-mitolojik veya efsanevi-tarihi bir arsa üzerine yazılmış bir opera-seriye (ciddi opera). A. Scarlatti böyle bir operanın klasik örneklerini yarattı. Opera-buffa (komik opera) türü 18. yüzyılda ortaya çıktı. demokratik sanatın bir biçimi olarak gerçekçi komedilere ve türkülere dayanmaktadır. Opera buffa, operalarda vokal formları önemli ölçüde zenginleştirdi, çeşitli aryalar ve topluluklar, resitatif, genişletilmiş finaller ortaya çıktı. Bu türün yaratıcısı J. B. Pergolesi'dir ("The Maid-Lady", 1733).

Alman ulusal müzikal tiyatrosunun gelişimi, şarkı söyleme ve dansın sözlü diyaloglarla değiştiği Alman komik operası - singspiel ile ilişkilidir. Viyana Singspiel, müzikal formların karmaşıklığı ile ayırt edildi. Klasik bir şarkı sözü örneği, WA Mozart'ın Saraydan Kaçırma operasıdır (1782).

Fransız müzikal tiyatrosu 20'li yılların sonunda dünyaya verdi. XIX yüzyıl. sözde "büyük opera" - tarihi bir arsa, pathos, dramayı dış dekorasyon ve sahne efektleriyle birleştiren anıtsal renkli bir opera. Fransız operasının iki geleneksel dalı - lirik komedi ve komik opera - zorbalıkla mücadele fikirleri, yüksek bir göreve bağlılık ve 1789-1794 Büyük Fransız Devrimi'nin fikirleriyle doluydu. Şu anda Fransız tiyatrosu için, bale sahnelerinin vokal olanlara eşdeğer olduğu "opera-bale" türü tipikti. Rus müziğinde, böyle bir performansın bir örneği, N. A. Rimsky-Korsakov'un (1892) "Mlada" dır.

R. Wagner, G. Verdi, G. Puccini'nin çalışmaları, opera sanatının gelişimi üzerinde büyük bir etkiye sahipti (bkz. 17.-20. yüzyıl Batı Avrupa müziği).

İlk operalar 70'lerde Rusya'da ortaya çıktı. XVIII yüzyıl İnsanların hayatını doğru bir şekilde tasvir etme arzusunda ifade edilen fikirlerin etkisi altında. Operalar müzik bölümleri olan parçalardı. 1790'da K. Canobbio, J. Sarti ve V. A. Pashkevich'in müzikleriyle "Oleg'in İlk Yönetimi" başlıklı bir performans gerçekleşti. Bir dereceye kadar, bu performans, gelecekte bu kadar yaygın olan bir müzikal-tarihsel türün ilk örneği olarak kabul edilebilir. Rusya'da opera demokratik bir tür olarak kuruldu, müzikte günlük tonlamalar ve türküler büyük ölçüde kullanıldı. Bunlar MM Sokolovsky'nin "The Miller - the Sorcerer, the Deceiver and the Matchmaker" operaları, MA Matinsky ve VA Pashkevich'in "The St. Petersburg Guest House", EI Fomin'in "Coachmen on a Set-up", "The St. Petersburg Guest House" operalarıdır. Cimri" , "Vagon talihsizliği" (sosyal eşitsizlik sorunlarına değinilen ilk Rus operalarından biri) Pashkevich, "Falcon" DS Bortnyansky, vb. (bkz. 18. yüzyılın Rus müziği - 20. yüzyılın başlarında) .

30'lardan beri. XIX yüzyıl. Rus operası klasik dönemine giriyor. Rus opera klasiklerinin kurucusu Mikhail Glinka, halk-yurtsever opera Ivan Susanin'i (1836) ve peri masalı destanı Ruslan ve Lyudmila'yı (1842) yarattı ve böylece Rus müzikal tiyatrosunda iki ana eğilimin temelini attı: tarihi opera ve sihir epik. A. Dargomyzhsky, Rusya'da (1855) ilk sosyal ve günlük opera "Rusalka"yı yarattı.

60'ların dönemi. 11 operayı kaleme alan Mighty Handful'ın bestecileri PI Tchaikovsky'nin çalışmalarıyla ilişkilendirilen Rus operasında daha fazla artışa neden oldu.

XIX yüzyılda Doğu Avrupa'daki kurtuluş hareketinin bir sonucu olarak. ulusal opera okulları kuruldu. Ayrıca, devrim öncesi Rusya'nın bir dizi halkı arasında da ortaya çıkıyorlar. Bu okulların temsilcileri şunlardı: Ukrayna'da - S. Gulak-Artemovsky ("Tuna'nın ötesinde Zaporozhets", 1863), N. V. Lysenko ("Natalka Poltavka", 1889), Gürcistan'da - M. A. Balanchivadze ("Darejan sinsi "1897), içinde Azerbaycan - U. Hacıbeyov (" Leyli ve Med-zhnun ", 1908), Ermenistan'da - AT Tigranyan (" Anuş ", 1912). Ulusal okulların gelişimi, Rus opera klasiklerinin estetik ilkelerinin olumlu etkisi altında devam etti.

Tüm ülkelerin en iyi bestecileri, gerici eğilimlere karşı mücadelede her zaman demokratik temelleri ve opera yaratıcılığının gerçekçi ilkelerini savundular. Besteci-epigonların, natüralizmin ve ideoloji eksikliğinin eserlerinde tepeye ve şematizme yabancıydılar.

Operanın gelişim tarihinde özel bir yer, Büyük Ekim Sosyalist Devrimi'nden sonra şekillenen Sovyet opera sanatına aittir. İdeolojik içeriği, temaları ve görüntüleri açısından Sovyet operası, dünya müzik tiyatrosu tarihinde niteliksel olarak yeni bir olgudur. Aynı zamanda geçmişin opera sanatının klasik geleneklerini geliştirmeye devam ediyor. Sovyet besteciler eserlerinde hayatın gerçeğini göstermeye, insanın manevi dünyasının güzelliğini ve zenginliklerini ortaya çıkarmaya, zamanımızın ve tarihi geçmişin büyük temalarını sadakatle ve çeşitlendirilmiş bir şekilde somutlaştırmaya çalışıyorlar. Sovyet müzikal tiyatrosu çok uluslu bir tiyatro olarak şekillendi.

30'larda. sözde "şarkı" yönü belirir. Bunlar, II Dzerzhinsky'nin "Sessiz Don"u, TN Khrennikov ve diğerlerinin "Fırtınanın İçinde"dir.Sovyet operasının olağanüstü başarıları arasında "Semyon Kotko" (1939) ve "Savaş ve Barış" (1943, yeni baskı - 1952 ) bulunur. Prokofiev, “Mtsensk Bölgesinden Leydi Macbeth” (1932, yeni baskı - “Katerina Izmailova”, 1962) DD Shostakovich tarafından. Ulusal klasiklerin canlı örnekleri yaratılmıştır: Z. P. Paliashvili'nin "Daisi" (1923), AA Spendiarov'un "Almast" (1928), Hajibeyov'un "Kor-ogly" (1937).

1941-1945 Büyük Vatanseverlik Savaşı sırasında Sovyet halkının kahramanca mücadelesi Sovyet operasına yansıdı: DB Kabalevsky'nin "Taras Ailesi" (1947, 2. baskı - 1950), Yu. S. Meitus (1947, 2. baskı - 1950), Prokofiev'in "Gerçek Bir Adamın Öyküsü" (1948), vb.

Sovyet operasına önemli bir katkı besteciler R.M. Glier, V. Ya-Shebalin, V. I. Muradeli, A.N. Kholminov, K.V. Molchanov, S.M. Slonimsky, Yu.A. Shaporin, R.K. Shchedrin, OV Taktakishvili, EA Kapp, NG Zhiganov, TT Tulebaev ve diğerleri.

Çok yönlü bir eser olarak opera, çeşitli performans bileşenlerini içerir - orkestra bölümleri, kalabalık sahneler, korolar, aryalar, resitatifler, vb. Aria, bir operada veya büyük bir vokal ve enstrümantal eserde yapı ve formda tamamlanmış bir müzikal sayıdır - bir oratoryo, kantat , kitle, vb. Müzikal tiyatrodaki rolü dramatik bir performanstaki role * ve monologa benzer, ancak aryalar, özellikle operada çok daha sık duyulur, operadaki karakterlerin çoğunun bireysel bir aryası vardır, çünkü ana karakterler besteci çoğunlukla bunlardan birkaçını oluşturur.

Aşağıdaki arya türleri vardır. Bunlardan biri - arietta ilk olarak Fransız çizgi roman operasında ortaya çıktı, daha sonra yaygınlaştı ve çoğu operada ses çıkardı. Arietta, melodinin sadeliği ve şarkı karakteri ile ayırt edilir. Arioso, serbest bir sunum biçimi ve bir bildiri-şarkı karakteri ile karakterize edilir. Cavatina en çok lirik-anlatı karakteri ile karakterize edilir. Cavatinaların şekli farklıdır: The Snow Maiden'dan Berendey'in cavatina'sı gibi basit olanların yanı sıra, daha karmaşık olanlar da vardır, örneğin Lyudmila'nın Ruslan ve Lyudmila'dan cavatinası.

Cabaletta bir tür hafif aryadır. V. Bellini, G. Rossini, Verdi'nin eserlerinde bulunur. Sürekli tekrar eden ritmik bir desene, ritmik bir figüre sahiptir.

Melodisi olan enstrümantal bir parçaya bazen arya denir.

Resitatif, melodik melodik anlatıma yakın, kendine özgü bir şarkı söyleme şeklidir. Konuşma tonlamalarına, vurgulara, duraklamalara dayalı olarak artan ve azalan seslere dayanır. Halk ozanlarının destansı ve şiirsel eserleri icra etme tarzlarıyla başlar. Resitatifin ortaya çıkışı ve aktif kullanımı, operanın gelişimi ile ilişkilidir (XVI-XVII yüzyıllar). Resitatif melodi özgürce oluşturulur ve büyük ölçüde metne bağlıdır. Operanın, özellikle İtalyanca'nın gelişim sürecinde, iki tür resitatif tanımlandı: kuru resitatif ve eşlik etti. İlk resitatif, serbest bir ritimde bir “konuşma” ile icra edilir ve orkestrada ayrı sürekli akorlarla desteklenir. Bu alıntı genellikle diyaloglarda kullanılır. Eşlik eden anlatım daha melodiktir ve net bir ritimde icra edilir. Orkestra eşliki oldukça gelişmiştir. Bu tür alıntılar genellikle aryadan önce gelir. Resitatifin ifadesi, klasik ve modern müzik türlerinde - opera, operet, kantat, oratoryo, romantizm - yaygın olarak kullanılmaktadır.

İyi çalışmalarınızı bilgi tabanına gönderin basittir. Aşağıdaki formu kullanın

Bilgi tabanını çalışmalarında ve çalışmalarında kullanan öğrenciler, yüksek lisans öğrencileri, genç bilim adamları size çok minnettar olacaktır.

Yayınlanan http://www.allbest.ru/

Rusya Federasyonu Eğitim Bakanlığı

Magnitogorsk Devlet Üniversitesi

Okul Öncesi Eğitim Fakültesi

Ölçek

"Müzik sanatı" disiplininde

Bir müzik sanatı türü olarak opera

Gerçekleştirilen:

Manannikova Yu.A.

Magnitogorsk 2002

1. TÜRÜN KÖKENİ

Bir müzik türü olarak opera, iki büyük ve eski sanatın - tiyatro ve müziğin - kaynaşmasından ortaya çıktı.

“... Opera, müzik ve tiyatronun karşılıklı sevgisinden doğan bir sanattır” diye yazar zamanımızın seçkin opera yönetmenlerinden B.A. Pokrovsky. - Müzikle ifade edilen tiyatroya benzer. "

Müzik eski zamanlardan beri tiyatroda kullanılmasına rağmen, opera bağımsız bir tür olarak yalnızca 16. - 17. yüzyılların başında ortaya çıktı. Türün adı - opera - 1605 civarında ortaya çıktı ve bu türün önceki adlarını hızla değiştirdi: "müzik yoluyla drama", "müzik yoluyla trajedi", "melodrama", "trajikomedi" ve diğerleri.

Bu tarihsel anda, operaya hayat veren özel koşullar gelişti. Her şeyden önce, Rönesans'ın hayat veren atmosferiydi.

Apeninler'de Rönesans kültür ve sanatının ilk kez geliştiği, Dante, Michelangelo ve Benvenuto Cellini'nin yola çıktığı Floransa, operanın doğum yeri oldu.

Yeni bir türün ortaya çıkışı, antik Yunan dramasının gerçek anlamıyla yeniden canlanmasıyla doğrudan ilişkilidir. İlk opera bestelerinin müzikal dramalar olarak adlandırılması tesadüf değildir.

16. yüzyılın sonunda, aydınlanmış hayırsever Kont Bardi'nin etrafında yetenekli şairler, aktörler, bilim adamları ve müzisyenlerden oluşan bir çevre oluştuğunda, hiçbiri sanatta ve hatta müzikte herhangi bir keşif düşünmedi. Floransalı meraklıların kendilerine koyduğu asıl amaç, Aeschylus, Euripides ve Sophocles'in dramalarını canlandırmaktı. Ancak, eski Yunan oyun yazarlarının eserlerini sahnelemek için müzik eşliğinde gerekliydi ve bu tür müziklerin hiçbir örneği günümüze ulaşmadı. O zaman (yazarın hayal ettiği gibi) antik Yunan dramasının ruhuna uygun olarak kendi müziğimi bestelemeye karar verildi. Böylece, eski sanatı yeniden yaratmaya çalışırken, sanat tarihinde belirleyici bir rol oynamaya mahkum olan yeni bir müzik türü keşfettiler - opera.

Floransalılar tarafından atılan ilk adım, küçük dramatik pasajları müziğe dönüştürmek oldu. Sonuç olarak, monodi(tek sesli bir müzik kültürü alanına dayanan herhangi bir tek sesli melodi), yaratıcılarından biri, eski Yunan kültürünün iyi bir uzmanı, besteci, ud oyuncusu ve matematikçi, parlak astronom Galileo Galilei'nin babası Vincenzo Galilei idi. .

Zaten Floransalıların ilk girişimleri, kahramanların kişisel deneyimlerine ilginin yeniden canlanmasıyla karakterize edildi. Bu nedenle, polifoni yerine, müzikal bir görüntünün ana taşıyıcısının tek bir sesle gelişen ve harmonik (akor) bir eşlik eşliğinde bir melodi olduğu eserlerinde homofonik-harmonik bir tarz hakim olmaya başladı.

Çeşitli besteciler tarafından yaratılan ilk opera örnekleri arasında üçünün aynı arsa üzerine yazılmış olması oldukça karakteristiktir: Yunan efsanesi Orpheus ve Eurydice'ye dayanıyordu. İlk iki opera (her ikisi de Eurydice olarak adlandırılır) besteciler Peri ve Caccini'ye aittir. Bununla birlikte, bu müzikal dramaların her ikisi de, Claudio Monteverdi'nin 1607'de Mantua'da ortaya çıkan Orpheus operasıyla karşılaştırıldığında çok mütevazı deneyler olduğu ortaya çıktı. Rubens ve Caravaggio, Shakespeare ve Tasso'nun çağdaşı olan Monteverdi, opera tarihini gerçekten başlatan bir eser yarattı.

Floransalıların sadece ana hatlarını çizdiklerinin çoğunu Monteverdi eksiksiz, yaratıcı bir şekilde inandırıcı ve uygulanabilir kıldı. Örneğin, ilk kez Peri tarafından tanıtılan resitatifte durum buydu. Karakterlerin bu özel müzikal ifadesi, yaratıcısına göre, konuşma diline mümkün olduğunca yakın olmalıdır. Bununla birlikte, yalnızca Monteverdi'de, alıntılar psikolojik güç, canlı imgeler kazandı ve yaşayan insan konuşmasına gerçekten benzemeye başladı.

Monteverdi bir tür arya yarattı - ağıt -(acı bir şarkı), bunun parlak bir örneği, aynı adı taşıyan operadan terk edilmiş Ariadne'nin şikayetiydi. "Ariadne'nin Şikayeti", tüm bu çalışmadan günümüze ulaşan tek fragmandır.

"Ariadne kadın olduğu için dokundu, Orpheus basit bir adam olduğu için... Ariadne bende gerçek ıstırap uyandırdı, Orpheus ile birlikte merhamet için dua ettim ..." Bu sözlerle Monteverdi sadece yaratıcı inancını değil, aynı zamanda müzik sanatında yaptığı bu keşiflerin özünü de aktardı. "Orpheus" un yazarının kendisinin haklı olarak belirttiği gibi, besteciler ondan önce "yumuşak", "ılımlı" müzik bestelemeye çalıştılar; Her şeyden önce "ajitasyonlu" bir müzik yaratmaya çalıştı. Bu nedenle, asıl görevinin yaratıcı alanın maksimum genişlemesi ve müziğin ifade olanakları olduğunu düşündü.

Yeni tür - opera - henüz kendini kurmamıştı. Ancak bundan sonra, vokal ve enstrümantal müziğin gelişimi, opera binasının başarılarıyla ayrılmaz bir şekilde bağlantılı olacaktır.

2. OPERA TÜRÜ: OPERA SERİSİ VE OPERA BUFFA

İtalyan aristokrat ortamında ortaya çıkan opera, kısa sürede tüm büyük Avrupa ülkelerine yayıldı. Fransız kralının, Avusturya imparatorunun, Alman seçmenlerinin, diğer hükümdarların ve soylularının mahkemelerinde mahkeme şenliklerinin ve favori eğlencelerinin ayrılmaz bir parçası oldu.

Parlak gösteri, opera performansının özel şenliği, o sırada operada var olan hemen hemen tüm sanatların birleşiminden dolayı etkileyici, sarayın ve toplumun zirvesinin karmaşık tören ve günlük yaşamına mükemmel bir şekilde uyar.

18. yüzyılda opera giderek daha demokratik bir sanat haline gelmiş ve büyük şehirlerde saray mensuplarının yanı sıra halka açık opera binaları da halka açılmış olsa da, opera eserlerinin içeriğini bir yıldan fazla bir süredir belirleyen şey aristokrasinin beğenileri olmuştur. Yüzyıl.

Saray ve aristokrasinin şenlikli yaşamı, bestecileri çok yoğun bir şekilde çalışmaya zorladı: her kutlamaya ve bazen sadece seçkin konukların başka bir resepsiyonuna kesinlikle bir opera prömiyeri eşlik etti. Müzik tarihçisi Charles Bernie, "İtalya'da", "zaten duyulmuş bir opera geçen yılın takvimine benziyor." Bu koşullar altında, operalar birbiri ardına "pişirildi" ve genellikle en azından arsada birbirine benzer olduğu ortaya çıktı.

Örneğin, İtalyan besteci Alessandro Scarlatti yaklaşık 200 opera yazmıştır. Bununla birlikte, bu müzisyenin değeri, elbette, yaratılan eserlerin sayısında değil, esas olarak, 17. yüzyılın - 18. yüzyılın başlarındaki opera sanatının önde gelen türü ve biçimlerinin nihayet kristalleştiği eserinde olduğu gerçeğindedir - ciddi opera(opera-dizi).

adının anlamı opera dizisi Bu dönemin sıradan İtalyan operasını hayal edersek anlamak kolaylaşır. Çeşitli etkileyici efektlerle görkemli, olağanüstü derecede görkemli bir performanstı. Sahne, "gerçek" savaş sahnelerini, doğal afetleri veya efsanevi kahramanların olağanüstü dönüşümlerini tasvir ediyordu. Ve kahramanların kendileri - tanrılar, imparatorlar, komutanlar - öyle davrandılar ki, tüm performans izleyicide önemli, ciddi, çok ciddi olaylar hissi bıraktı. Opera karakterleri olağanüstü kahramanlıklar sergilediler, düşmanları ölümcül savaşlarda ezdiler, olağanüstü cesaretleri, haysiyetleri ve büyüklükleriyle hayran kaldılar. Aynı zamanda, sahnede çok olumlu bir şekilde sunulan operanın ana karakterinin, emriyle operanın yazıldığı yüksek rütbeli bir asilzadeyle alegorik karşılaştırması o kadar açıktı ki, her performans bir methiyeye dönüştü. asil müşteri.

Genellikle aynı konular farklı operalarda kullanılmıştır. Örneğin, yalnızca Ariosto'nun "Öfkeli Roland" ve Tasso'nun "Kudüs Kurtarıldı" adlı iki eserin temaları üzerine - düzinelerce opera oluşturuldu.

Popüler edebi kaynaklar Homer ve Virgil'in yazılarıydı.

Opera-serinin en parlak döneminde, sesin güzelliğine ve sesin virtüözik kontrolüne dayanan özel bir vokal performans tarzı oluştu - bel canto. Ancak bu operaların olay örgülerinin cansızlığı, karakterlerin davranışlarının yapaylığı müzikseverler arasında pek çok eleştiriye neden oldu.

Bu opera türü, performansın dramatik aksiyondan yoksun statik yapısına karşı özellikle savunmasızdı. Bu nedenle dinleyiciler, şarkıcıların seslerinin güzelliğini, virtüöz becerilerini sergiledikleri aryaları büyük bir zevk ve ilgiyle dinlediler. İsteği üzerine, sevdikleri aryalar "bir encore" için tekrar tekrar tekrarlanırken, "yük" olarak algılanan resitatifler dinleyicileri o kadar fazla ilgilendirmedi ki, resitatif performansı sırasında yüksek sesle konuşmaya başladılar. Zaman öldürmenin başka yolları da icat edildi. 18. yüzyılın "aydınlanmış" müzik severlerinden biri şu tavsiyede bulundu: "Satranç, uzun resitatiflerin boşluğunu doldurmak için çok uygundur."

Opera, tarihinin ilk krizini yaşıyordu. Ama o anda opera-diziden daha az (daha fazla değilse!) Sevilen yeni bir opera türü ortaya çıktı. Bu komik bir opera (opera - bufa).

Tam olarak Napoli'de, opera-seria'nın anavatanında ortaya çıkması karakteristiktir; dahası, aslında en ciddi operanın derinliklerinde ortaya çıktı. Kökenleri, performansın eylemleri arasındaki aralıklarla oynanan komik aralardı. Genellikle bu komik aralar, opera olaylarının parodileriydi.

Resmi olarak, opera buffa'nın doğuşu, Giovanni Battista Pergolesi'nin operası "The Maid-Lady" ilk kez Napoli'de icra edildiğinde 1733'te gerçekleşti.

Opera-buffa, opera-seria'dan tüm ana ifade araçlarını miras aldı. "Ciddi" operadan farklıydı, çünkü efsanevi, doğal olmayan kahramanlar yerine, prototipleri gerçek hayatta var olan karakterler opera sahnesine geldi - açgözlü tüccarlar, çapkın hizmetçiler, cesur, becerikli askerler, vb. Bu yüzden opera buffa, Avrupa'nın her köşesindeki en geniş demokratik halk tarafından hayranlıkla karşılandı. Dahası, yeni türün Rus sanatı üzerinde hiçbir şekilde opera dizisi gibi felç edici bir etkisi olmadı. Aksine, Rus geleneklerine dayanan bir tür ulusal komik operaya hayat verdi. Fransa'da komik bir operaydı, İngiltere'de bir balad operasıydı, Almanya ve Avusturya'da bir singspieldi (kelimenin tam anlamıyla: "şarkı söyleyerek oynamak").

Bu ulusal okulların her biri opera türünün dikkate değer temsilcilerini yetiştirmiştir: İtalya'da Pergolesi ve Piccini, Fransa'da Gretri ve Rousseau, Avusturya'da Haydn ve Dittersdorf.

Özellikle burada Wolfgang Amadeus Mozart'ı hatırlamak gerekiyor. İlk şarkı sözü Bastien et Bastien ve hatta daha fazlası Saraydan Kaçırma, opera-buffa tekniklerinde kolayca ustalaşan parlak bestecinin gerçekten ulusal bir Avusturya müzikal dramasının örneklerini yarattığını gösterdi. Saraydan Kaçırma, ilk klasik Avusturya operası olarak kabul edilir.

Opera sanatı tarihinde çok özel bir yer, Mozart'ın İtalyan metinlerinde yazılmış olan Figaro ve Don Giovanni'nin Evliliği adlı olgun operaları tarafından işgal edilmiştir. İtalyan müziğinin en yüksek örneklerinden daha düşük olmayan müziğin parlaklığı, ifadesi, opera binasının daha önce bilmediği fikir ve drama derinliği ile birleştirilir.

Mozart, Le Nozze di Figaro'da, müzikal yollarla kahramanların bireysel ve çok canlı karakterlerini yaratmayı, onların ruh hallerinin çeşitliliğini ve karmaşıklığını aktarmayı başardı. Ve tüm bunlar, komedi türünün ötesine geçmeden öyle görünüyor. Besteci Don Juan operasında daha da ileri gitti. Libretto için eski bir İspanyol efsanesini kullanan Mozart, komedi unsurlarının ayrılmaz bir şekilde ciddi opera özellikleriyle iç içe geçtiği bir eser yaratıyor.

Avrupa başkentlerinde muzaffer yürüyüşünü gerçekleştiren komik operanın parlak başarısı ve en önemlisi Mozart'ın kreasyonları, operanın gerçeklikle organik olarak bağlantılı bir sanat olabileceğini ve olması gerektiğini, oldukça gerçek karakterleri ve durumları gerçekçi bir şekilde tasvir edebildiğini gösterdi. , onları sadece komik olarak değil, aynı zamanda ciddi bir açıdan da yeniden yaratıyor.

Doğal olarak, başta besteciler ve oyun yazarları olmak üzere farklı ülkelerden önde gelen sanatçılar, kahramanlık operasını yenilemeyi hayal ettiler. Birincisi, çağın yüksek ahlaki hedeflere yönelik çabasını yansıtacak ve ikincisi, sahnede müzik ve dramatik eylemin organik kaynaşmasını öne çıkaracak eserler yaratmayı hayal ettiler. Bu zor görev, kahramanlık türünde Mozart'ın vatandaşı Christoph Gluck tarafından başarıyla çözüldü. Reformu, opera dünyasında gerçek bir devrim haline geldi ve nihai anlamı, Alceste, Aulis'te Iphigenia ve Tauris'te Iphigenia operalarının Paris'te sahnelenmesinden sonra netleşti.

Besteci, “Alceste” için müzik yaratmaya başlayarak, reformunun özünü açıklayarak, “Kendimi şiire daha yeni ifade gücü vermek, ayrı anları arsa yapmak olan müziği gerçek hedefine getirme hedefini belirledim. daha fazla kafa karıştırıcı, eylemi kesintiye uğratmadan veya gereksiz süslemelerle onu cesaretlendirmeden. "

Operayı reforme etmek için belirli bir hedef belirlemeyen Mozart'ın aksine, Gluck kasıtlı olarak kendi opera reformuna geldi. Ayrıca tüm dikkatini kahramanların iç dünyasını tespit etmeye odaklar. Besteci, aristokrat sanattan herhangi bir taviz vermedi. Ciddi ve komik opera arasındaki rekabetin doruğa ulaştığı bir zamanda oldu ve opera buffa'nın kazandığı açıktı.

Ciddi opera türlerinin, Lully ve Rameau'nun lirik trajedilerinin içerdiği en iyileri eleştirel bir şekilde yeniden düşünen ve özetleyen Gluck, bir müzikal trajedi türü yaratır.

Gluck'un opera reformunun tarihsel önemi çok büyüktü. Ancak, opera dünyasının en verimli dönemlerinden biri olan çalkantılı 19. yüzyıl geldiğinde operalarının bir anakronizm olduğu da ortaya çıktı.

3. XIX YÜZYIL BATI AVRUPA OPERA

Savaşlar, devrimler, sosyal ilişkilerdeki değişiklikler - 19. yüzyılın tüm bu önemli sorunları opera temasına yansıyor.

Opera türünde çalışan besteciler, karmaşık, çok yönlü yaşam çarpışmalarına tam olarak cevap verecek karakterler arasındaki ilişkileri opera sahnesinde yeniden yaratmaya, kahramanlarının iç dünyasına daha da derinlemesine girmeye çalışırlar.

Böyle bir figüratif ve tematik kapsam, kaçınılmaz olarak opera sanatında bir sonraki reformlara yol açtı. 18. yüzyılda geliştirilen opera türleri modernite sınavını geçmiştir. Opera serisi 19. yüzyılda neredeyse ortadan kayboldu. Komik operaya gelince, sarsılmaz bir başarının tadını çıkarmaya devam etti.

Bu türün canlılığı Gioacchino Rossini tarafından parlak bir şekilde doğrulandı. Onun "Seville Berberi" 19. yüzyıl komedi sanatının gerçek bir başyapıtı haline geldi.

Besteci tarafından özetlenen karakterlerin parlak melodisi, doğallığı ve canlılığı, arsanın sadeliği ve uyumu - tüm bunlar opera için gerçek bir zafer sağladı ve yazarını uzun süre “Avrupa'nın müzikal diktatörü” yaptı. Bir opera buffa'nın yazarı olarak Rossini, Sevilla Berberi'ndeki aksanları kendi tarzında belirliyor. İçeriğin içsel önemiyle, örneğin Mozart'tan çok daha az ilgilendi. Ve Rossini, bir operadaki müziğin asıl amacının eserin dramatik fikrini ortaya çıkarmak olduğuna inanan Gluck'tan çok uzaktı.

Besteci, Sevilla Berberi'ndeki her aryada, her cümlede müziğin neşe, güzellikten zevk almak için var olduğunu ve içindeki en değerli şeyin büyüleyici melodi olduğunu hatırlatıyor.

Bununla birlikte, Puşkin'in Rossini'nin dediği gibi "Avrupa'nın sevgilisi Orpheus", dünyada meydana gelen olayların ve her şeyden önce anavatanı İtalya'nın (İspanya, Fransa ve Avusturya tarafından ezilen) bağımsızlık mücadelesinin onu gerektirdiğini hissetti. ciddi bir konuya yönel. "Wilhelm Tell" operası fikri bu şekilde doğdu - opera türünün kahramanca-vatansever bir temadaki ilk eserlerinden biri (arsaya göre, İsviçreli köylüler baskıcılarına karşı ayaklanıyor - Avusturyalılar) .

Ana karakterlerin canlı, gerçekçi karakterizasyonu, etkileyici kalabalık sahneleri, insanları koro ve toplulukların yardımıyla boyamak ve en önemlisi, 19. yüzyılın en iyi opera drama eserlerinden biri olarak "William Tell" ün kazandı. .

"Welhelm Tell"in popülaritesi, diğer avantajların yanı sıra operanın tarihi bir arsa üzerine yazılmış olmasıyla açıklandı. O dönemde Avrupa opera sahnesinde tarihi operalar yaygınlaştı. Böylece, William Tell'in galasından altı yıl sonra, Giacomo Meyer-ber'in 16. yüzyılın sonunda Katolikler ve Huguenotlar arasındaki mücadeleyi anlatan The Huguenots operasının yapımı sansasyon yarattı.

19. yüzyıl opera sanatı tarafından fethedilen bir başka alan da muhteşem ve efsanevi olaylardı. Özellikle Alman bestecilerin eserlerinde yaygındı. Mozart'ın peri masalı operası Sihirli Flüt'ün ardından Karl Maria Weber, The Free Shooter, Euryanthe ve Oberon operalarını yaratır. Bunlardan ilki en önemli eser, hatta ilk Alman halk operasıydı. Bununla birlikte, efsanevi temanın en eksiksiz ve büyük ölçekli düzenlemesi olan halk destanı, en büyük opera bestecilerinden biri olan Richard Wagner'in eserinde bulundu.

Wagner, müzik sanatında bütün bir dönemdir. Opera onun için bestecinin dünyaya konuştuğu tek tür oldu. Wagner sadıktı ve ona operalar için planlar veren edebi kaynak eski bir Alman destanı oldu. Karakter karakterlerindeki bu efsanevi, parlak, kabartma Wagner'in ilk operaları "The Wanderer Sailor", "Tannhäuser" ve "Lohengrin"in kahramanları oldu.

Richard Wagner - opera türünde bireysel arsaları değil, insanlığın ana sorunlarına adanmış bütün bir destanı somutlaştırmayı hayal etti. Besteci bunu dört operadan oluşan bir döngü olan Der Ring des Nibelungen'in görkemli konseptinde yansıtmaya çalıştı. Bu tetraloji aynı zamanda eski Germen destanından gelen efsaneler üzerine inşa edilmiştir.

Böyle sıra dışı ve görkemli bir fikir (besteci hayatının yaklaşık yirmi yılını uygulanmasına harcadı), doğal olarak, özel, yeni yollarla çözülmesi gerekiyordu. Ve doğal insan konuşmasının yasalarını takip etmeye çalışan Wagner, bir opera eserinin arya, düet, resitatif, koro, topluluk gibi gerekli unsurlarını reddediyor. Şarkıcıların ve orkestranın öncülüğünde, sayıların sınırlarıyla kesintiye uğramayan tek bir müzikal aksiyon-anlatı yaratıyor.

Wagner'in bir opera bestecisi olarak reformu başka bir şekilde yansıtıldı: operaları bir leitmotifler sistemi üzerine inşa edildi - belirli karakterlere veya ilişkilerine karşılık gelen canlı melodiler-görüntüler. Ve müzikal dramalarının her biri - ve tıpkı Monteverdi ve Gluck gibi, operalarını çağırdı - bir dizi ana motifin gelişimi ve etkileşiminden başka bir şey değil.

"Lirik tiyatro" olarak adlandırılan başka bir yön de daha az önemli değildi. "Lirik tiyatro"nun doğum yeri Fransa'ydı. Bu yönü oluşturan besteciler - Gounod, Thomas, Delibes, Massenet, Bizet - hem inanılmaz egzotik arsalara hem de günlük hayata başvurdular; ama bu onlar için ana şey değildi. Bu bestecilerin her biri, kahramanlarını doğal, hayati ve çağdaşlarının karakteristik özelliklerine sahip olacak şekilde tasvir etmeye çalıştı.

Georges Bizet'nin Prosper Mérimée'nin romanına dayanan Carmen'i bu opera hareketinin parlak bir örneğidir.

Besteci, sadece Carmen imajı örneğinde en açık şekilde görülen kahramanları karakterize etmek için tuhaf bir yöntem bulmayı başardı. Bizet, kahramanının iç dünyasını alışılageldiği gibi bir aryada değil, şarkı ve dansta ortaya koyuyor.

Tüm dünyayı fetheden bu operanın kaderi ilk başlarda çok dramatikti. Prömiyeri başarısızlıkla sonuçlandı. Bizet'in operasına karşı bu tutumunun temel nedenlerinden biri, sıradan insanları kahraman olarak sahneye çıkarmasıydı (Carmen bir tütün fabrikasında işçi, Jose bir asker). Bu tür karakterler 1875'te aristokrat Paris halkı tarafından kabul edilemedi (o zaman Carmen'in galası gerçekleşti). "Türün yasaları" ile uyumsuz olduğu düşünülen opera gerçekçiliği tarafından itildi. O zamanki yetkili Opera Sözlüğü'nde Puzhen, Carmen'in yeniden yapılması gerektiğini, "bir opera için uygun olmayan gerçekçiliği zayıflattığını" söyledi. Tabii ki, bu, hayatın gerçekleriyle dolu gerçekçi sanatın, doğal kahramanların opera sahnesine oldukça doğal bir şekilde geldiğini ve herhangi bir bestecinin kaprisinde olmadığını anlamayan insanların bakış açısıydı.

Opera türünde çalışmış en büyük bestecilerden biri olan Giuseppe Verdi, tam anlamıyla gerçekçi olanın yolundan yürüdü.

Verdi, operadaki uzun kariyerine kahramanca ve vatansever operalarla başladı. 1940'larda kurulan Lombardlar, Hernani ve Attila, İtalya'da ulusal birlik çağrısı olarak algılandı. Operalarının prömiyerleri kitlesel halk gösterilerine dönüştü.

Verdi'nin 1950'lerin başında yazdığı operaları tamamen farklı bir rezonansa sahipti. Rigoletto, Troubadour ve La Traviata, Verdi'nin olağanüstü melodik armağanını dahi bir besteci-oyun yazarının armağanıyla mutlu bir şekilde birleştirdiği üç opera tuvalidir.

Victor Hugo'nun The King Amuses adlı oyununa dayanan Rigoletto operası, 16. yüzyılın olaylarını anlatıyor. Operanın ortamı, insan onuru ve onuru, kaprisiyle, sonsuz zevk arzusuyla karşılaştırıldığında hiçbir şey olmayan Mantua Dükü'nün avlusudur (Saray soytarısı Rigoletto'nun kızı Gilda onun kurbanı olur). Görünüşe göre, yüzlerce olan mahkeme hayatından başka bir opera. Ancak Verdi, müziğin derinliğinin, karakterlerinin duygularının derinliğine ve doğruluğuna tamamen karşılık geldiği gerçek bir psikolojik drama yaratır.

"La Traviata" çağdaşlar arasında gerçek bir şok yarattı. Operanın galasının amaçlandığı Venedik seyircisi onu yuhaladı. Yukarıda Bizet'in Carmen'inin başarısızlığından bahsetmiştik, ancak La Traviata neredeyse çeyrek yüzyıl önce (1853) prömiyer yaptı ve sebep aynıydı: tasvir edilenin gerçekçiliği.

Verdi, operasının başarısızlığına çok üzüldü. "Belirleyici bir fiyaskoydu" diye yazdı prömiyerden sonra, "Artık La Traviata'yı hatırlamayacağız.

Çok canlı bir adam, nadir bir yaratıcı potansiyele sahip bir besteci olan Verdi, Bizet gibi halkın çalışmalarını kabul etmemesi gerçeğinden kırılmadı. Daha sonra opera sanatının hazinesini oluşturan daha birçok opera yaratacaktır. Bunların arasında Don Carlos, Aida, Falstaff gibi şaheserler var. Olgun Verdi'nin en yüksek başarılarından biri opera Othello idi.

Opera sanatında önde gelen ülkelerin - İtalya, Almanya, Avusturya, Fransa - görkemli başarıları, diğer Avrupa ülkelerinden - Çek Cumhuriyeti, Polonya, Macaristan - bestecilere kendi ulusal opera sanatlarını yaratmaları için ilham verdi. Polonyalı besteci Stanislav Moniuszko'nun "Çakıllar"ı, Çek Berdjich Smetana ve Antonin Dvorak'ın operaları ve Macar Ferenc Erkel'in "Çakıl Taşları" böyle doğdu.

Ancak genç ulusal opera okulları arasında önde gelen yer, 19. yüzyılda Rusya tarafından haklı olarak işgal edilmiştir.

4. RUS OPERA

27 Kasım 1836'da St. Petersburg Bolşoy Tiyatrosu sahnesinde, ilk klasik Rus operası olan Mikhail Ivanovich Glinka'nın "Ivan Susanin" in galası gerçekleşti.

Bu eserin müzik tarihindeki yerini daha iyi anlamak için Batı Avrupa ve Rus müzikal tiyatrosunda o dönemde gelişen durumu kısaca özetlemeye çalışalım.

Wagner, Bizet, Verdi henüz sözlerini söylemediler. Nadir istisnalar dışında (örneğin, Meyerbeer'in Paris'teki başarısı), Avrupa opera sanatı boyunca, İtalyanlar hem yaratıcılıkta hem de performans tarzında trend belirleyicilerdir. Ana opera "diktatör" Rossini'dir. İtalyan operasının yoğun bir ihracatı var. Venedik, Napoli, Roma'dan besteciler kıtanın her yerine seyahat ediyor ve farklı ülkelerde uzun süre çalışıyor. İtalyan operasının biriktirdiği paha biçilmez tecrübeyi sanatlarıyla birlikte getirerek, aynı zamanda ulusal operanın gelişimini de engellediler.

Rusya'da da durum böyleydi. Sumarokov'un orijinal Rusça metniyle Rus melodik malzeme üzerinde bir opera yaratmaya çalışan ilk kişi olan Cimarosa, Paisiello, Galuppi, Francesco Araya gibi İtalyan besteciler tarafından ziyaret edildi. Daha sonra, St. Petersburg müzik yaşamında gözle görülür bir iz, Glinka - "Çar için Bir Yaşam" ("Ivan Susanin") ile aynı adı taşıyan bir opera yazan Venedikli Katerino Cavos'un etkinliğiyle kaldı.

İtalyan müzisyenlerin daveti üzerine Rusya'ya gelen Rus mahkemesi ve aristokrasi, onları mümkün olan her şekilde destekledi. Bu nedenle, birkaç nesil Rus besteci, eleştirmen ve diğer kültürel şahsiyetler kendi ulusal sanatları için savaşmak zorunda kaldı.

Bir Rus operası yaratma girişimleri 18. yüzyıla kadar uzanıyor. Yetenekli müzisyenler Fomin, Matinsky ve Pashkevich (son ikisi “St. Petersburg Gostiny Dvor” operasının ortak yazarlarıydı) ve daha sonra olağanüstü besteci Verstovsky (bugün “Askold'un Mezarı” yaygın olarak biliniyor) - her biri çözmeye çalıştı bu sorun kendi tarzında. Ancak bu fikrin gerçekleşmesi için Glinkovsky'ninki gibi güçlü bir yetenek gerekiyordu.

Glinka'nın olağanüstü melodik armağanı, melodisinin Rus şarkısına yakınlığı, ana karakterleri karakterize etmedeki sadeliği ve en önemlisi, kahramanca-vatansever arsaya yapılan itiraz, bestecinin büyük bir sanatsal gerçek ve güç eseri yaratmasına izin verdi.

Glinka'nın dehası, masal operası Ruslan ve Lyudmila'da farklı bir şekilde ortaya çıktı. Burada besteci, kahramanlık ilkesini (Ruslan'ın görüntüsü), fantastik (Chernomor krallığı) ve komikliği (Farlaf'ın görüntüsü) ustaca birleştirir. Böylece, Glinka sayesinde ilk kez Puşkin'in doğurduğu görüntüler opera sahnesine çıktı.

Rus toplumunun önde gelen kesimi tarafından Glinka'nın çalışmalarının coşkulu değerlendirmesine rağmen, yenilikçiliği, Rus müziği tarihine olağanüstü katkısı evde gerçekten takdir edilmedi. Çar ve çevresi onu İtalyan müziğine tercih etti. Glinka'nın operalarını ziyaret etmek, bir tür gardiyan olan suçlu memurlar için bir ceza oldu. opera müzikal vokal libretto

Glinka, mahkemenin, basının ve tiyatroların liderliğinin çalışmalarına karşı böyle bir tutumdan dolayı çok üzüldü. Ancak Rus ulusal operasının kendi yolunu izlemesi, kendi halk müziği kaynaklarından beslenmesi gerektiğinin kesinlikle farkındaydı.

Bu, Rus opera sanatının sonraki tüm gelişim süreci tarafından doğrulandı.

Glinka'nın batonunu ilk alan Alexander Dargomyzhsky idi. Ivan Susanin'in yazarının ardından opera müziği alanını geliştirmeye devam ediyor. Onun hesabında birkaç opera var ve en mutlu kader "Deniz Kızı" na düştü. Puşkin'in eserinin bir opera için mükemmel bir malzeme olduğu ortaya çıktı. Prens tarafından aldatılan köylü kızı Natasha'nın hikayesi çok dramatik olaylar içeriyor - kahramanın intiharı, babasının deliliği, değirmenci. Kahramanların en karmaşık psikolojik deneyimlerinin tümü, besteci tarafından İtalyan tarzında değil, Rus şarkı ve romantizm ruhuyla yazılmış aryalar ve topluluklar yardımıyla çözülür.

Judith, Rogneda ve Düşmanın Gücü operalarının yazarı A. Serov'un opera yaratıcılığı, 19. yüzyılın ikinci yarısında (AN Ostrovsky'nin oyununun metnine dayanarak) büyük bir başarı elde etti. ) Rus ulusal sanatının gelişimi ile uyumluydu.

Glinka, besteciler M. Balakirev, M. Mussorgsky, A. Borodin, N. Rimsky-Korsakov ve C. Cui için ulusal Rus sanatı mücadelesinde gerçek bir ideolojik lider oldu. Mighty Bunch. Lideri M. Balakirev hariç, çemberin tüm üyelerinin çalışmalarında opera en önemli yeri işgal etti.

"Mighty Handful" un kurulduğu zaman, Rusya tarihindeki son derece önemli olaylarla çakıştı. 1861'de serflik kaldırıldı. Sonraki yirmi yıl boyunca, Rus entelijansiyası, otokrasinin köylü devriminin güçleri tarafından devrilmesini gerektiren popülizm fikirlerine kapıldı. Yazarlar, sanatçılar, besteciler özellikle Rus devletinin tarihi ve özellikle çar ve halk arasındaki ilişki ile ilgili olaylarla ilgilenmeye başlıyor. Bütün bunlar, "Kuchkistler" in kaleminden çıkan operaların çoğunun temasını belirledi.

Milletvekili Musorgsky, operası Boris Godunov'u "Halk Müziği Draması" olarak adlandırdı. Gerçekten de operanın konusu Çar Boris'in insanlık trajedisine odaklansa da, halk operanın gerçek kahramanı haline geldi.

Mussorgsky aslında kendi kendini yetiştirmiş bir besteciydi. Bu, müzik besteleme sürecini çok daha zorlaştırdı, ancak aynı zamanda müzik kurallarını hiçbir şekilde sınırlamadı. Bu süreçteki her şey, bestecinin kendisinin kısa bir cümleyle ifade ettiği eserinin ana sloganına tabiydi: "Gerçeği istiyorum!"

Sanatta gerçek, sahnede olan her şeyde nihai gerçekçilik Mussorgsky, tamamlamaya vakti olmadığı diğer operası Khovanshchina'da da aradı. En büyük Rus opera bestecilerinden Rimsky-Korsakov tarafından Mussorgsky'nin meslektaşı tarafından The Mighty Handful'da tamamlandı.

Opera, Rimsky-Korsakov'un yaratıcı mirasının temelini oluşturur. Mussorgsky gibi, Rus operasının ufkunu açtı, ancak tamamen farklı alanları. Operatik araçlarla besteci, eski Rus ritüellerinin özgünlüğü olan Rus muhteşemliğinin cazibesini iletmek istedi. Bu, bestecinin eserlerine verdiği operanın türünü belirten alt yazılardan açıkça görülmektedir. "The Snow Maiden" ı bir "bahar peri masalı", "Noel'den önceki Gece" - "gerçek bir şarkı", "Sadko" - "destansı bir opera" olarak adlandırdı; opera-masallar ayrıca "Çar Saltan'ın Masalı", "Ölümsüz Kashchei", "Görünmez Kitezh Şehri ve Kız Fevronia Efsanesi", "Altın Horoz". Rimsky-Korsakov'un destansı ve peri masalı operalarının şaşırtıcı bir özelliği var: muhteşemlik unsurları, fantezi, canlı gerçekçilik ile içlerinde birleşiyor.

Rimsky-Korsakov, her eserde çok net bir şekilde hissedilen bu gerçekçilik, doğrudan ve çok etkili araçlarla elde edildi: opera çalışmasında geniş çapta halk melodileri geliştirdi, eserin dokusuna ustaca dokundu, gerçek eski Slav ritüelleri, "antikliğin derin gelenekleri. "

Diğer "Kuchkistler" gibi, Rimsky-Korsakov da tarihi opera türüne döndü ve Korkunç İvan dönemini tasvir eden iki olağanüstü eser yarattı - "Pskov Kadını" ve "Çar'ın Gelini". Besteci, o uzak zamanın Rus yaşamının zor atmosferini, çarın Pskov özgür adamlarına karşı acımasız misillemelerinin resimlerini, Grozni'nin kendisinin çelişkili kişiliğini ("Pskovite Kadını") ve evrensel despotizm ve insan baskısı atmosferini ustaca boyar. kişilik ("Çar'ın Gelini", "Altın Horoz");

V.V.'nin tavsiyesi üzerine. Bu çevrenin en yetenekli üyelerinden The Mighty Handful'ın ideolojik ilham kaynağı Stasov - Borodin, asil Rusya'nın hayatından bir opera yaratıyor. Bu eser "Prens İgor" idi.

"Prens Igor", Rus epik operasının bir modeli oldu. Eski bir Rus destanında olduğu gibi, operada, eylem yavaş yavaş, sakin bir şekilde ortaya çıkıyor, Rus topraklarının birleşmesini, düşmana karşı ortak direniş için dağılmış beylikleri anlatıyor - Polovtsy. Borodin'in eseri Mussorgsky'nin Boris Godunov veya Rimsky-Korsakov'un Pskov'un Kadını kadar trajik değil, ancak operanın konusu aynı zamanda devletin liderinin karmaşık imajına odaklanıyor - yenilgisini yaşayan Prens Igor, karar vermeye karar veriyor. esaretten kaçmak ve nihayet düşmanı anavatanları adına ezmek için ekip toplamak.

Rus müzik sanatında bir başka eğilim de Çaykovski'nin opera eseridir. Besteci, kariyerine operada tarihi bir arsa üzerine eserler vererek başladı.

Çaykovski, Rimsky-Korsakov'un ardından Oprichnik'te Korkunç İvan dönemine dönüyor. Fransa'daki Schiller trajedisinde anlatılan tarihi olaylar, "Orleans Maid of Orleans" librettosunun temelini oluşturdu. Puşkin'in Peter I'in zamanlarını anlatan "Poltava" sından Çaykovski, operası "Mazepa" için bir komplo aldı.

Aynı zamanda, besteci hem lirik hem de komedi operaları ("Demirci Vakula") ve romantik ("Enchantress") yaratır.

Ancak opera yaratıcılığının dorukları - ve sadece Çaykovski'nin kendisi için değil, aynı zamanda 19. yüzyılın tüm Rus operası için - lirik operaları Eugene Onegin ve Maça Kızı idi.

Puşkin'in başyapıtını opera türünde somutlaştırmaya karar veren Çaykovski, ciddi bir sorunla karşı karşıya kaldı: "ayette roman" ın çeşitli olaylarından hangisi operanın librettosunu oluşturabilirdi. Besteci, Eugene Onegin'in nadir ikna edicilik ve etkileyici sadelikle aktarmayı başardığı kahramanların duygusal dramasını göstermeyi bıraktı.

Fransız besteci Bizet gibi, Onegin'deki Çaykovski de sıradan insanların dünyasını, ilişkilerini göstermeye çalıştı. Bestecinin nadir melodik armağanı, Puşkin'in eserinde anlatılan yaşamın özelliği olan Rus romantizminin tonlamalarının ince kullanımı - tüm bunlar, Çaykovski'nin son derece erişilebilir ve aynı zamanda karmaşık psikolojik durumlarını tasvir eden bir eser yaratmasına izin verdi. kahramanlar.

Maça Kızı'nda Çaykovski, yalnızca sahne yasaları konusunda keskin bir anlayışa sahip dahi bir oyun yazarı olarak değil, aynı zamanda senfonik gelişim yasalarına göre eylem inşa eden büyük bir senfonist olarak görünür. Opera çok yönlüdür. Ancak psikolojik karmaşıklığı, parlak melodi, çeşitli topluluklar ve korolarla dolu büyüleyici aryalarla tamamen dengelenmiştir.

Bu opera ile neredeyse aynı anda, Çaykovski inanılmaz derecede büyüleyici bir peri masalı operası "Iolanta" yazdı. Bununla birlikte, Maça Kızı, Eugene Onegin ile birlikte, 19. yüzyılın eşsiz Rus opera başyapıtları olmaya devam ediyor.

5. ÇAĞDAŞ OPERA

Yeni XX yüzyılın ilk on yılı, opera sanatında ne kadar keskin bir dönem değişiminin gerçekleştiğini, geçen yüzyılın ve gelecek yüzyılın operasının ne kadar farklı olduğunu göstermiştir.

1902'de Fransız besteci Claude Debussy, Pelléas et Mélisande (Maeterlinck'in dramasına dayanan) operasını izleyicilere sundu. Bu parça olağanüstü hassas ve zarif. Ve aynı zamanda, Giacomo Puccini, son operası Madame Butterfly'ı (prömiyeri iki yıl sonra gerçekleşti) 19. yüzyılın en iyi İtalyan operalarının ruhuyla yazdı.

Opera sanatında bir dönem böyle biter, diğeri böyle başlar. Hemen hemen tüm büyük Avrupa ülkelerinde gelişen opera okullarını temsil eden besteciler, eserlerinde yeni dönemin fikir ve dilini daha önce geliştirilmiş ulusal geleneklerle birleştirmeye çalışırlar.

Opera buffa "Spanish Hour" ve fantastik opera "Child and Magic" gibi olağanüstü eserlerin yazarı K. Debussy ve M. Ravel'in ardından Fransa'da yeni bir müzik dalgası ortaya çıkıyor. 1920'lerde burada bir grup besteci ortaya çıktı ve müzik tarihine “” olarak geçti. Altı". L. Durey, D. Millau, A. Honegger, J. Auric, F. Poulenc ve J. Tayfer'i içeriyordu. Tüm bu müzisyenler ana yaratıcı ilke ile birleştirildi: sahte pathoslardan yoksun, günlük yaşama yakın, süslemek değil, tüm nesirleri ve günlük yaşamı ile ne olduğunu yansıtan eserler yaratmak. Bu yaratıcı ilke, Six'in önde gelen bestecilerinden biri olan A. Honegger tarafından açıkça ifade edildi. "Müzik," dedi, "karakterini değiştirmeli, gerçekçi, basit, geniş bir adımın müziği olmalı."

Yaratıcı ortaklar, Altı'nın bestecileri farklı yollar izledi. Dahası, üçü - Honegger, Millau ve Poulenc - opera türünde verimli bir şekilde çalıştı.

Poulenc'in mono-operası "İnsan Sesi", görkemli gizemli operalardan farklı olarak alışılmadık bir kompozisyon haline geldi. Yaklaşık yarım saat süren eser, sevgilisi tarafından terk edilmiş bir kadının telefonda yaptığı konuşmadır. Böylece operada sadece bir karakter var. Geçmiş yüzyılların opera yazarları böyle bir şeyi hayal edebilir miydi?

1930'larda Amerikan ulusal operası doğdu, bunun bir örneği D. Gershwin'in "Porgy and Bess"idir. Bu operanın ve bir bütün olarak Gershwin'in tüm tarzının ana özelliği, cazın etkileyici araçları olan Negro folklorunun unsurlarının yaygın kullanımıydı.

Rus besteciler de dünya opera tarihinde birçok harika sayfa yazdılar.

Örneğin, Shostakovich'in N. Leskov'un aynı adlı öyküsüne dayanan Mtsensk Bölgesi'nden Lady Macbeth (Katerina Izmailova) operası hararetli tartışmalara yol açtı. Operada “tatlı” bir İtalyan melodisi yoktur, geçmiş yüzyılların operasına aşina olan gür, muhteşem topluluklar ve diğer renkler yoktur. Ancak dünya opera sanatı tarihini gerçekçilik için, sahnede gerçekliğin gerçek bir tasviri için bir mücadele olarak düşünürsek, o zaman Katerina Izmailova şüphesiz opera sanatının zirvelerinden biridir.

Yerli opera yaratıcılığı çok çeşitlidir. Y. Shaporin (Decembristler), D. Kabalevsky (Cola Brunion, Taras Ailesi), T. Khrennikov (Fırtınada, Anne) tarafından önemli eserler yaratıldı. S. Prokofiev'in eseri dünya opera sanatına büyük katkı yaptı.

Bir opera bestecisi olarak Prokofiev, ilk çıkışını 1916'da The Gambler (Dostoyevski'den sonra) operasıyla yaptı. Zaten bu erken çalışmada, el yazısı, bir süre sonra ortaya çıkan ve büyük bir başarı elde eden "Üç Portakal İçin Aşk" operasında olduğu gibi açıkça hissedildi.

Bununla birlikte, Prokofiev'in bir opera oyun yazarı olarak olağanüstü yeteneği, V. Kataev'in "Ben çalışan bir halkın oğluyum" hikayesinden sonra yazılan "Semyon Kotko" operalarında ve özellikle arsa olan "Savaş ve Barış" da tamamen ortaya çıktı. L. Tolstoy'un aynı adlı destanı olan ...

Daha sonra, Prokofiev iki opera eseri daha yazacak - "Gerçek Bir Adamın Hikayesi" (B. Polevoy'un hikayesine dayanarak) ve 18. yüzyıl opera tutkunu ruhuyla büyüleyici komik opera "Manastırda Nişan".

Prokofiev'in eserlerinin çoğunun kaderi zordu. Müzik dilinin parlak özgünlüğü, çoğu durumda, onları gerçek değerinde hemen takdir etmeyi zorlaştırdı. Tanıma gecikmeli geldi. Piyanoda ve bazı orkestral bestelerinde de öyleydi. Benzer bir kader opera Savaş ve Barış'ı da bekliyordu. Ancak yazarın ölümünden sonra gerçekten takdir edildi. Ancak bu eserin yaratılmasının üzerinden yıllar geçtikçe, dünya opera sanatının bu olağanüstü yaratımının ölçeği ve ihtişamı daha derin ortaya çıktı.

Son yıllarda, modern enstrümantal müziğe dayalı rock operaları en popüler hale geldi. Bunlar arasında "Juno ve Avos" N. Rybnikov, "Jesus Christ Superstar."

Son iki veya üç yılda, Victor Hugo'nun ölümsüz eseri hakkında Luc Rlamont ve Richard Cauchinte'nin Notre Dame de Paris gibi olağanüstü rock operaları yaratıldı. Bu opera daha şimdiden müzik sanatı alanında sayısız ödül almış ve İngilizceye çevrilmiştir. Bu yaz bu operanın prömiyeri Moskova'da Rusça olarak gerçekleşti. Opera ayrıca şaşırtıcı derecede güzel karakteristik müziği, bale performanslarını ve koro şarkılarını birleştirdi.

Bence bu opera, opera sanatına yeni bir bakış atmamı sağladı.

6. OPERA ÇALIŞMASININ YAPISI

Herhangi bir sanat eserinin yaratılmasında hareket noktası olan kavramdır. Ancak opera söz konusu olduğunda, kavramın doğuşunun özel bir anlamı vardır. Birincisi, operanın türünü önceden belirler; ikincisi, gelecekteki bir opera için edebi bir tuval olarak nelerin hizmet edebileceğini önerir.

Bestecinin başladığı birincil kaynak genellikle bir edebi eserdir.

Aynı zamanda Verdi'nin Troubadour'u gibi kesin edebi kaynakları olmayan operalar da vardır.

Ancak her iki durumda da operadaki çalışma beste yapmakla başlar. libretto.

Gerçekten etkili olması, sahne yasalarına uyması ve en önemlisi bestecinin kendi içinde duyduğu gibi bir performans oluşturmasına ve her opera karakterini "kalıplandırmasına" izin vermesi için bir opera librettosu oluşturmak kolay bir iş değildir.

Operanın başlangıcından bu yana, şairler neredeyse iki yüzyıldır librettonun yazarları olmuştur. Bu, opera libretto metninin ayette sunulduğu anlamına gelmiyordu. Burada başka bir şey önemlidir: libretto şiirsel olmalı ve zaten metinde olmalıdır - aryaların, resitatiflerin, toplulukların edebi temeli - gelecekteki müzik kulağa hoş gelmelidir.

19. yüzyılda, besteciler, gelecekteki operaların yazarları genellikle librettoyu kendileri bestelediler. En çarpıcı örnek Richard Wagner'dir. Onun için, görkemli tuvallerini yaratan reformcu bir sanatçı - müzikal dramalar, söz ve ses ayrılmazdı. Wagner'in fantezisi, yaratıcılık sürecinde edebi ve müzikal etle "büyümüş" sahne görüntülerini doğurdu.

Ve bestecinin kendisinin libretto yazarı olduğu durumlarda bile, libretto edebi açıdan kaybetti, ancak yazar hiçbir şekilde kendi genel fikrinden, bir bütün olarak çalışma fikrinden sapmadı.

Böylece besteci, emrinde bir libretto bulunan gelecekteki operayı bir bütün olarak hayal edebilir. Sonra bir sonraki aşama gelir: yazar, operanın planındaki belirli dönüşleri gerçekleştirmek için hangi operatik biçimleri kullanması gerektiğine karar verir.

Kahramanların duygusal deneyimleri, duyguları, düşünceleri - tüm bunlar biçimlendirilir aryalar... Operada arya çalmaya başladığı anda, eylem donuyor gibi görünüyor ve aryanın kendisi, kahramanın durumunun, itirafının bir tür "anlık fotoğrafı" haline geliyor.

Benzer bir amaç - bir opera karakterinin iç durumunun aktarılması - bir operada gerçekleştirilebilir. türkü, romantik veya arioso... Bununla birlikte, arioso, arya ile bir başka en önemli opera formu arasında bir ara yer işgal eder - ezberci.

Rousseau'nun Müzik Sözlüğü'ne dönelim. Büyük Fransız düşünür, "Resitatif", "sadece dramanın konumunu bağlamaya, arya'nın anlamını paylaşmaya ve vurgulamaya, işitme yorgunluğunu önlemeye hizmet etmelidir ..."

19. yüzyılda, çeşitli bestecilerin çabalarıyla, opera performansındaki birlik, bütünlük için çabalayan resitatif, pratik olarak ortadan kalkarak, amaç olarak resitatife benzeyen, ancak müzikal düzenlemede aryalara yaklaşan büyük melodik bölümlere yol açar.

Yukarıda söylediğimiz gibi, Wagner'den başlayarak, besteciler operanın aryalara ve resitatiflere bölünmesini terk ederek tek bir bütünleyici müzikal konuşma yaratırlar.

Aryalar ve resitatiflere ek olarak, operada önemli bir yapıcı rol oynar. topluluklar... Eylem sırasında, genellikle opera kahramanlarının aktif olarak etkileşime girmeye başladığı yerlerde ortaya çıkarlar. Çatışma, düğüm durumlarının meydana geldiği parçalarda özellikle önemli bir rol oynarlar.

Besteci çoğu zaman önemli bir ifade aracı olarak kullanır ve Koro- son sahnelerde veya arsa gerektiriyorsa halk sahnelerini göstermek için.

Dolayısıyla aryalar, resitatifler, topluluklar, koro ve bazı durumlarda bale bölümleri bir opera performansının en önemli unsurlarıdır. Ama genellikle ile başlar uvertürler.

Uvertür seyirciyi harekete geçirir, onları müzikal imgelerin, sahnede oynayacak karakterlerin yörüngesine dahil eder. Genellikle uvertür, operada çalınan temalara dayanır.

Ve şimdi, nihayet, büyük bir çalışmanın arkasında - besteci bir opera yarattı, daha doğrusu skorunu veya klavieri yaptı. Ama notalara müzik yerleştirmekle onu icra etmek arasında çok büyük bir mesafe var. Bir operanın olağanüstü bir müzik parçası da olsa ilginç, canlı, heyecan verici bir performans olabilmesi için büyük bir ekibin çalışmasına ihtiyaç vardır.

Operanın prodüksiyonu, yönetmen tarafından desteklenen şef tarafından yönetilir. Her ne kadar drama tiyatrosunun büyük yönetmenleri bir opera sahnelese de, şefler onlara yardım etti. Müzikal yorumlama ile ilgili her şey - orkestra tarafından nota okumak, şarkıcılarla çalışmak - şeflik alanıdır. Performansın sahne çözümünü gerçekleştirmek - mizanseni inşa etmek, bir oyuncu olarak her rolü çözmek yönetmenin yetkinliğidir.

Bir prodüksiyonun başarısının çoğu, sahneyi ve kostümleri çizen sanatçıya bağlıdır. Buna bir koro şefinin, koreografın ve elbette şarkıcıların çalışmalarını ekleyin ve onlarca insanın yaratıcı çalışmalarını bir araya getirmenin, sahnede bir opera sahnelemenin ne kadar zor olduğunu, ne kadar çaba, yaratıcı hayal gücü, ne kadar zor olduğunu anlayacaksınız. Bu en büyük müzik festivalini, tiyatro festivalini, opera denen bir sanat festivalini yaratmak için azim ve yeteneğin uygulanması gerekir.

KAYNAKÇA

1. Zilberkvit M.A. Müzik Dünyası: Deneme. - M., 1988.

2. Müzik kültürünün tarihi. Cilt 1. - M., 1968.

3. Kremlev Yu.A. Müziğin sanatlar arasındaki yeri hakkında. - M., 1966.

4. Çocuklar için ansiklopedi. Cilt 7. Sanat. Bölüm 3. Müzik. Tiyatro. Sinema / Böl. ed. V.A. Volodin. - M.: Avanta +, 2000.

Allbest.ru'da yayınlandı

...

benzer belgeler

Opera türünün sosyal öneminin özellikleri. Almanya'da opera tarihini incelemek: ulusal romantik operanın ortaya çıkmasının ön koşulları, Avusturya ve Alman şarkılarının oluşumundaki rolü. Weber'in "Kurt Vadisi" operasının müzikal analizi.

dönem ödevi, 28/04/2010 eklendi


P.I. "Mazepa" operasının bestecisi olarak Çaykovski, hayatının kısa bir özeti, yaratıcı gelişimi. Bu eserin yazılış tarihi. Opera librettosunun yazarı olarak V. Burenin. Ana karakterler, koro bölümlerinin aralıkları, yönetmenlik zorlukları.

yaratıcı çalışma, 11/25/2013 eklendi


N.A.'nın çalışmalarında oda operalarının yeri. Rimsky-Korsakov. "Mozart ve Salieri": bir opera librettosu olarak edebi bir kaynak. Müzikal drama ve opera dili. "Pskovite" ve "Boryn Vera Sheloga": L.A. Mayıs ve libretto N.A. Rimsky-Korsakov.

tez, eklendi 09/26/2013


Purcell Londra Kültürü: İngiltere'de Müzik ve Tiyatro. "Dido ve Aeneas" operasının üretiminin tarihsel yönü. İçinde gelenek ve yenilik. Naum Tate'in Aeneid yorumu. Dramanın benzersizliği ve "Dido ve Aeneas" operasının müzik dilinin özgüllüğü.

dönem ödevi, eklendi 02/12/2008


A. Puşkin'in Rus müzik sanatının oluşumundaki önemi. A. Puşkin "Mozart ve Salieri" trajedisindeki ana karakterlerin ve önemli olayların açıklaması. N. Rimsky-Korsakov'un "Mozart ve Salieri" operasının özellikleri, metne karşı dikkatli tutumu.

dönem ödevi, eklendi 09/24/2013


Gaetano Donizetti, Bel canto heydayının İtalyan bestecisidir. Yaratılış tarihi ve "Don Pasquale" operasının bir özeti. Norina'nın cavatina'sının müzikal analizi, vokal ve teknik performansının özellikleri ve müzikal ve ifade araçları.

özet eklendi 13/07/2015


R. Shchedrin'in "Ölü Canlar" operasının analizi, Shchedrin'in Gogol'un karakterlerini yorumlaması. Opera bestecisi olarak R. Shchedrin. Manilov ve Nozdryov imajının müzikal düzenlemesinin özelliklerinin özellikleri. Chichikov'un vokal kısmının dikkate alınması, tonlaması.

22.05.2012 tarihinde eklenen rapor


N.A.'nın Biyografisi Rimsky-Korsakov - besteci, öğretmen, şef, halk figürü, müzik eleştirmeni, Mighty Handful üyesi. Rimsky-Korsakov, peri masalı opera türünün kurucusudur. "Altın Horoz" operasına çarlık sansürünün iddiaları.

sunum eklendi 03/15/2015


Çaykovski'nin hayatından kısa bir biyografik not. 1878'de "Eugene Onegin" operasının yaratılması. Opera "iç tutkuyla yazılmış mütevazı bir eser" olarak. Operanın Nisan 1883'teki ilk performansı, imparatorluk sahnesinde "Onegin".

29.01.2012 tarihinde eklenen sunum


Rus müzik kültüründe romantizm türünün tarihinin incelenmesi. Sanatsal türün genel özellikleri ile müzik türünün özelliklerinin oranı. N.A.'nın eserlerinde romantizm türünün karşılaştırmalı analizi. Rimsky-Korsakov ve P.I. Çaykovski.

Hedef:

• türün özellikleri kavramı.
• operanın özü
• çeşitli müzik türlerinin çeşitli düzenlemeleri

Görevler:

• eğitici:
  tür kavramını pekiştirmek için: opera.
• Geliştirme:
  operada esas olan insan karakterleri, duyguları ve tutkuları, müzikle ortaya çıkarılabilen çarpışmalar ve çatışmalardır.
• Geliştirmek farklı dönemlerden bestecilerin müziklerini ve eserlerini yansıtabilme.
• eğitici:öğrencilerin türe olan ilgisini uyandırmak - opera, onu sadece sınıfta değil, dışında da dinleme arzusu.

Dersler sırasında

1. Müzik sesleri. JB Pergolesi. ”Stabat Mater dolorosa”

Pirinç. 1

Sayısız mucize arasında
Bize doğanın kendisi tarafından verilenler,
Bir tane var, hiçbir şeyle kıyaslanamaz,
Herhangi bir yıl boyunca solmayan, -

Aşkın titrek zevkini veriyor
Ve ruhu yağmurda ve soğukta ısıtır,
Bize tatlı günler dönüyor
Her nefes umutla dolduğunda.

Ondan önce hem dilenci hem de kral var -
Şarkıcının kaderi, kendinden vazgeçmek, yanmaktır.
Tanrı tarafından iyilik yapmak için gönderildi -
Ölümün güzellik üzerinde hiçbir gücü yoktur!
İlya Korop

“18. yüzyıl bir güzellik yüzyılıydı, 19. yüzyıl bir duygu yüzyılıydı ve 20. yüzyılın sonu saf bir dürtü yüzyılıydı. Ve seyirci tiyatroya bir konsept için değil, fikirler için değil, enerji ile beslenmek için geliyor, bir şoka ihtiyacı var. Bu nedenle, pop kültürüne böyle bir talep var - akademik kültürden daha fazla enerji var. Cecilia Bartoli bana rock müziği gibi opera söylediğini söyledi - ve bu harika şarkıcının fantastik enerjisinin bilmecesini anladım. Opera her zaman bir halk sanatı olmuştur, İtalya'da neredeyse bir spor olarak gelişmiştir - şarkıcıların yarışması. Ve popüler olmalı." Valery Kichin

Edebiyatta, müzikte ve diğer sanatlarda varlıkları sırasında çeşitli türlerde eserler gelişmiştir. Edebiyatta bu, örneğin bir roman, bir hikaye, bir hikayedir; şiirde - bir şiir, sonnet, balad; görsel sanatlarda - manzara, portre, natürmort; müzikte - opera, senfoni ... Bir sanattaki eserlerin türüne Fransızca kelime türü (tür) denir.

5. Şarkıcılar. 18. yüzyıl boyunca. virtüöz şarkıcı kültü gelişti - önce Napoli'de, sonra Avrupa'da. Şu anda, operadaki ana karakterin bir kısmı bir erkek soprano - hadım, yani doğal değişimi hadım tarafından durdurulan bir tını tarafından gerçekleştirildi. Kastre edilmiş şarkıcılar, seslerinin menzilini ve hareketliliğini mümkün olanın sınırlarına kadar zorladılar. Hikayelerine göre soprano, trompet sesini güç olarak aşan hadım Farinelli (K. Broski, 1705-1782) gibi opera yıldızları veya çekebileceği söylenen mezzo-soprano F. Bordoni dünyadaki diğer tüm şarkıcılardan daha uzun olan ses, müziğini icra ettikleri bestecilerin yeteneklerine tamamen bağlıydı. Bazıları kendileri opera besteledi ve opera topluluklarını (Farinelli) yönetti. Bestecinin bestelediği ezgileri, operanın olay örgüsüne uygun olsun ya da olmasın şarkıcıların kendi doğaçlama süslemeleriyle süslemeleri doğaldı. Herhangi bir ses türünün sahibi, hızlı pasajlar ve triller yapmak için eğitilmelidir. Örneğin, Rossini'nin operalarında tenor, koloratur tekniğinde sopranodan daha kötü olmayan ustalaşmalıdır. 20. yüzyılda bu tür sanatların yeniden canlanması. Rossini'nin çeşitli opera yaratıcılığına yeni bir hayat vermesine izin verildi.

Ses aralığına göre, opera şarkıcıları genellikle altı türe ayrılır. Yüksekten alçağa üç kadın sesi türü - soprano, mezzo-soprano, kontralto (ikincisi bu günlerde nadirdir); üç erkek - tenor, bariton, bas. Her türün içinde, sesin kalitesine ve şarkı söyleme tarzına bağlı olarak birkaç alt tür olabilir. Lirik-koloratur soprano, hafif ve son derece hareketli bir sesle ayırt edilir, bu tür şarkıcılar virtüöz pasajlar, hızlı ölçekler, triller ve diğer süslemeler yapabilirler. Lirik-dramatik (lirico spinto) soprano - büyük parlaklık ve güzelliğin sesi.

Dramatik soprano'nun tınısı zengin, güçlüdür. Lirik ve dramatik sesler arasındaki ayrım, tenorlar için de geçerlidir. Bas iki ana türe sahiptir: “ciddi” parçalar için “şarkı söyleyen bas” (basso cantante) ve komik (basso buffo).

Öğrencilere atama. Hangi tür sesin performans gösterdiğini belirleyin:

• Peder Frost bölümü - bas
• Yay parçası - mezzosoprano
• Snegurochka parçası - soprano
• Lelya parçası - mezzosoprano veya kontralto
• Mizgir'in parçası - bariton

Operadaki koro farklı şekillerde yorumlanır. Ana hikaye ile ilgili olmayan bir arka plan olabilir; bazen ne olup bittiğine dair bir tür yorumcu; sanatsal yetenekleri, kahraman ve kitleler arasındaki ilişkiyi ortaya çıkaran halk yaşamının anıtsal resimlerini göstermeye izin verir (örneğin, M. P. Mussorgsky "Boris Godunov" ve "Khovanshchina" nın halk müzikal dramalarında koronun rolü).

Hadi dinle:

• Giriş Ilk resim. M.P. Mussorgsky "Boris Godunov"
• İkinci sahne. M.P. Mussorgsky "Boris Godunov"

Öğrencilere atama. Kimin kahraman, kimin kitle olduğunu belirleyin.

Buradaki kahraman Boris Godunov. Kitleler halktır. Puşkin'in tarihi trajedisine dayanan bir opera yazma fikri "Boris Godunov" (1825) Mussorgsky'ye önde gelen bir tarihçi olan arkadaşı Profesör V. V. Nikolsky tarafından önerildi. Mussorgsky, çar ile halk arasındaki, kendi dönemiyle son derece alakalı olan ilişki konusunu, operanın ana kahramanı olarak insanları ortaya çıkarmak için tercüme etme fırsatından son derece etkilenmişti. "İnsanları tek bir fikirle hareket eden harika bir insan olarak anlıyorum. Bu benim görevim. Operada çözmeye çalıştım."

6. Orkestra. Operanın müzikal dramasında orkestraya önemli bir rol verilir; senfonik ifade araçları, görüntülerin daha eksiksiz bir şekilde ifşa edilmesine hizmet eder. Opera ayrıca bağımsız orkestra bölümleri içerir - uvertür, ara (bireysel eylemlere giriş). Bir opera performansının diğer bir bileşeni, plastik görüntülerin müzikal olanlarla birleştirildiği bale, koreografik sahnelerdir. Opera performansında şarkıcılar öndeyse, orkestral kısım çerçeveyi, eylemin temelini oluşturur, ileriye taşır ve dinleyicileri yaklaşan etkinliklere hazırlar. Orkestra, şarkıcıları destekler, doruğa vurgu yapar, librettodaki boşlukları veya sahnenin değiştiği anları sesiyle doldurur ve sonunda perde kapandığında operanın sonunda sahne alır. Rossini'nin komedi The Berber of Seville'e uvertürünü dinleyin . "Bağımsız" opera uvertürünün biçimi çürümeye yüz tutmuştu ve Tosca ortaya çıkana kadar Puccini'nin (1900) uvertürü sadece birkaç açılış akoru ile değiştirilebilir. 20. yüzyılın bir dizi operasında. sahne eylemi için hiçbir müzikal hazırlık yoktur. Ancak operanın özü şarkı söylemek olduğundan, dramanın en yüksek anları, müziğin ön plana çıktığı arya, düet ve diğer geleneksel formların tamamlanmış formlarına yansır. Arya bir monolog gibidir, düet bir diyalog gibidir, üçlü genellikle karakterlerden birinin diğer iki katılımcıyla ilgili çelişkili duygularını somutlaştırır. Daha fazla karmaşıklıkla, farklı topluluk formları ortaya çıkar.

Hadi dinle:

• Aria, Gilda'dan “Rigoletto”, Verdi'den. Eylem 1. Yalnız bırakılan kız, gizemli hayranının adını tekrarlar ("Caro nome che il mio cor"; "Kalp neşe dolu").
• Gilda ve Rigoletto Düeti “Rigoletto” Verdi. Eylem 1. ("Pari siamo! Io la lingua, egli ha il pugnale"; "Onunla eşitiz: Sözün sahibi benim ve o hançer").
• Verdi'nin Rigoletto'sunda Dörtlü. Eylem 3. (Dörtlüsü "Bella figlia dell" amore ";" Ey genç güzellik ").
• Donizetti'nin "Lucia di Lammermoor" adlı şarkısında altılı

Bu tür biçimlerin tanıtılması, bir (veya daha fazla) duygunun gelişmesine yer açmak için genellikle eylemi durdurur. Sadece bir toplulukta birleşmiş bir grup şarkıcı, meydana gelen olaylar hakkında aynı anda birkaç bakış açısı ifade edebilir. Bazen koro, opera kahramanlarının eylemleri hakkında yorumcu olarak hareket eder. Temel olarak, opera korolarındaki metin nispeten yavaş telaffuz edilir, içeriği dinleyici için anlaşılır kılmak için ifadeler genellikle tekrarlanır.

Tüm operalar, resitatif ve arya arasında net bir çizgi çizemez. Örneğin Wagner, sürekli olarak müzikal eylemi geliştirmek için eksiksiz ses formlarını terk etti. Bu yenilik, birkaç besteci tarafından çeşitli modifikasyonlarla ele alındı. Rus topraklarında, sürekli bir “müzikal drama” fikri, Wagner'den bağımsız olarak, ilk olarak AS Dargomyzhsky tarafından “The Stone Guest” de ve MP Mussorgsky tarafından “The Marriage” de test edildi - buna “sözlü opera” dediler. "opera diyaloğu.

7. Opera evleri.

• Paris Operası (Rusya'da Grand Opera adı sabitti) canlı bir gösteri için tasarlandı (incir. 2).
• Bavyera'nın Bayreuth kasabasındaki Festspielhaus, 1876'da Wagner tarafından epik müzikal dramalarını sahnelemek için kuruldu.
• New York'taki Metropolitan Opera binası (1883), dünyanın en iyi şarkıcıları ve saygın box aboneleri için bir vitrin olarak tasarlandı.
• Olimpico (1583), Vicenza'da A. Palladio tarafından yaptırılmıştır. Barok toplumunun mikro kozmosunun bir yansıması olan mimarisi, kutu katmanlarının merkezden - kraliyet kutusu - dışarı çıktığı karakteristik at nalı şeklindeki bir plana dayanmaktadır.
• Teatro alla Scala (1788, Milano)
• "San Carlo" (1737, Napoli)
• Covent Garden (1858, Londra)
• Brooklyn Müzik Akademisi (1908) Amerika
• San Francisco'daki opera binası (1932)
• Chicago'daki opera binası (1920)
• New York Lincoln Center'daki yeni Metropolitan Opera binası (1966)
• Sidney Opera Binası (1973, Avustralya).

Pirinç. 2

Böylece opera tüm dünyaya hükmetti.

Monteverdi döneminde opera, İtalya'nın büyük şehirlerini hızla fethetti.

İtalya'da romantik opera

İtalyan etkisi İngiltere'ye bile ulaştı.

Erken İtalyan operası gibi, 16. yüzyılın ortalarındaki Fransız operası. Antik Yunan tiyatro estetiğini canlandırma arzusundan yola çıktı.

Fransa'da gösteri ön plandaysa, o zaman Avrupa'nın geri kalanında - arya. Napoli bu aşamada operasyonel faaliyetin merkezi haline geldi.

Bir diğer opera türü ise opera - diziye doğal bir tepki olarak ortaya çıkan Napoli - opera - buffa kaynaklıdır. Bu tür bir opera tutkusu hızla Avrupa şehirlerini süpürdü - Viyana, Paris, Londra. Fransa'da romantik opera.

Ballad operası, Alman komik operasının - singspiel'in oluşumunu etkiledi. Almanya'da romantik opera.

Romantizm çağının Rus operası.

“Çek operası”, iki zıt sanatsal yön anlamına gelen geleneksel bir terimdir: Slovakya'da Rus yanlısı ve Çek Cumhuriyeti'nde Alman yanlısı.

Öğrenciler için ev ödevi. Her öğrenciye, operanın geliştiği bestecinin (seçerek) eserini tanıma görevi verilir. Yani: J. Peri, C. Monteverdi, F. Cavalli, G. Percell, J.B. Lully, J.F. Ramo, A. Scarlatti, G.F. Handel, G.B. Pergolesi, J. Paisiello, KV Gluck, WA Mozart, G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, G. Verdi, R. Leoncavallo, G. Puccini, R. Wagner, KM Weber, L. Van Beethoven, R. Strauss, J. Meyerbeer, G. Berlioz, J. Bizet, C. Gounod, J. Offenbach, C. Saint-Saens, L. Delibes, J. Massenet, C. Debussy, MP Mussorgsky, MP Glinka, NA Rimsky-Korsakov, AP Borodin, PITchaikovsky, SS Prokofiev, DD Shostakovich, Antonin Dvorak, Bedrich Smetana , Leos Janacek, B. Britten , Karl Orff, F. Poulenc, I.F. Stravinsky

8. Ünlü opera sanatçıları.

• Gobby, Tito, Domingo, Placido
• Callas, Maria (Şekil 3) .
• Caruso, Enrico, Corelli, Franco
• Pavarotti, Luciano, Patti, Adeline
• Scotto, Renata, Tebaldi, Renata
• Chaliapin, Fedor İvanoviç, Schwarzkopf, Elizabeth

Pirinç. 3

9. Operanın talebi ve modernliği.

Opera, doğası gereği oldukça muhafazakar bir türdür. Bunun nedeni, performansın teknik yetenekleri nedeniyle asırlık bir geleneğin olmasıdır. Bu tür, uzun ömürlülüğünü, kendi başlarına bir izlenim bırakabilen çeşitli sanatların sentezi yoluyla dinleyici üzerinde yarattığı büyük etkiye borçludur. Öte yandan, opera son derece kaynak yoğun bir türdür, Latince'den çevrilen “opera” kelimesinin kendisinin “iş” anlamına gelmesi sebepsiz değildir: tüm müzik türleri arasında en uzun süreye sahiptir, yüksek gerektirir. - sahneleme için kaliteli sahne, performans için şarkıcıların maksimum becerisi ve kompozisyonun yüksek düzeyde karmaşıklığı. Dolayısıyla opera, mevcut tüm kaynakları kullanarak halk üzerinde maksimum izlenim bırakmak için sanatın çaba gösterdiği sınırdır. Bununla birlikte, türün muhafazakarlığı nedeniyle, bu kaynak kümesi genişlemeye çok az katkıda bulunur: senfoni orkestrasının kompozisyonunun son on yılda hiç değişmediği söylenemez, ancak tüm temel aynı kalmıştır. Sahnede bir opera icra ederken büyük güce ihtiyaç duyulması nedeniyle vokal tekniği de çok az değişmiştir. Müziğin hareketi bu kaynaklarla sınırlıdır.

Bu anlamda sahne performansı daha dinamiktir: klasik bir operayı, notadaki tek bir notayı değiştirmeden avangard tarzda sahneleyebilirsiniz. Opera genellikle müzikle ilgili olarak kabul edilir ve bu nedenle orijinal senografi bir başyapıtı mahvedemez. Ancak, bu genellikle bu şekilde çalışmaz. Opera sentetik bir sanattır ve senografi önemlidir. Müziğin ve olay örgüsünün ruhuna uymayan bir yapım, esere yabancı bir içerme olarak algılanır. Bu nedenle klasik opera, müzikal tiyatro sahnesinde modern ruh halini ifade etmek isteyen yönetmenlerin ihtiyaçlarını çoğu zaman karşılamaz ve yeni bir şeye ihtiyaç duyulur.

Bu sorunun ilk çözümü bir müzikaldir.

İkinci seçenek çağdaş operadır.

Müzik içeriğinde sanatın üç derecesi vardır.

• Eğlence . Bu seçenek ilginç değil, çünkü uygulanması için, özellikle modern opera gereksinimlerini karşılamadığından, hazır kuralları kullanmak yeterlidir.
• Faiz. Bu durumda eser, sanatsal bir sorunu çözmenin özgün ve en etkili yolunu bulan bestecinin yaratıcılığı sayesinde dinleyiciye zevk verir.
• Derinlik. Müzik, dinleyiciye iç uyum sağlayan yüksek duyguları ifade edebilir. Burada modern operanın zihinsel duruma zarar vermemesi gerektiği gerçeğiyle karşı karşıyayız. Bu çok önemlidir, çünkü yüksek sanatsal değerine rağmen müzik, dinleyicinin iradesini fark edilmeden boyun eğdiren özellikler içerebilir. Bu nedenle, Sibelius'un depresyon ve intihar eğilimlerini ve Wagner - içsel saldırganlığı desteklediği yaygın olarak bilinmektedir.

Modern operanın önemi, tam olarak modern teknoloji ve taze sesin, genel olarak operanın yüksek sanatsal liyakat özelliği ile birleşiminde yatmaktadır. Bu, sanatta modern ruh hallerini ifade etme arzusunu klasiklerin saflığını koruma ihtiyacı ile uzlaştırmanın yollarından biridir.

Kültürel köklere dayanan ideal bir vokal, kendi bireyselliğinde halk şarkı söyleme okulunu yansıtır ve belirli sanatçılar için yazılmış modern operaların eşsiz sesinin temeli olarak hizmet edebilir.

Hiçbir teoriye uymayan ama kulağa harika gelen bir şaheser yazabilirsiniz. Ancak bunun için yine de algının gereklerini yerine getirmesi gerekir. Bu kurallar, diğerleri gibi, kırılabilir.

Öğrenciler için ev ödevi. Rus besteciler, Batı Avrupa ve çağdaş bestecilerin eserlerinin bestecinin tarzının karakteristik özelliklerine hakim olmak. Müzik eserlerinin analizi (örneğin opera).

Kullanılmış Kitaplar:

1. Malinina E.M.Çocukların ses eğitimi. - M., 1967.
2. Kabalevsky D.B. Kapsamlı bir okulda müzik programı. - M., 1982.
3. Gerçek R."Büyük Bestecilerin Hayatları" dizisi. POMATUR LLP. M., 1996.
4. Makhrova E.V. Yirminci yüzyılın ikinci yarısında Almanya kültüründe opera binası. SPb, 1998.
5. Simon G.W. Yüz büyük opera ve entrikaları. M., 1998.
6. Yaroslavtseva L.K. Opera. Şarkıcılar. İtalya, Fransa, 17. - 20. yüzyıl Almanya'sının vokal okulları. - "Yayınevi" Altın Post ", 2004
7. Dmitriev L.B. Teatro alla Scala'nın vokal sanatı üzerine solistleri: Şarkı söyleme tekniği üzerine diyaloglar. - M., 2002.

makalenin içeriği

OPERA, müzik seti drama veya komedi. Operada dramatik metinler söylenir; şarkı söyleme ve sahne performansına neredeyse her zaman enstrümantal (genellikle orkestral) eşlik eşlik eder. Birçok opera, orkestra aralarının (girişler, sonuçlar, aralar, vb.) ve bale sahneleriyle dolu arsa aralarının varlığı ile de karakterize edilir.

Opera, aristokrat bir eğlence olarak doğdu, ancak kısa süre sonra genel halk için eğlence haline geldi. İlk kamu opera binası, türün doğuşundan sadece kırk yıl sonra, 1637'de Venedik'te açıldı. Sonra opera hızla Avrupa'ya yayıldı. Halk eğlencesi olarak en yüksek gelişimine 19. ve 20. yüzyılın başlarında ulaşmıştır.

Opera, tarihi boyunca diğer müzik türleri üzerinde güçlü bir etkiye sahip olmuştur. Senfoni, 18. yüzyıl İtalyan operalarına enstrümantal bir girişten doğdu. Piyano konçertosunun virtüöz pasajları ve kadansları birçok yönden klavyeli enstrümanın dokusundaki opera vokal virtüözlüğünü yansıtma girişiminin meyvesidir. 19. yüzyılda. R. Wagner'in görkemli "müzikal drama" için yarattığı armonik ve orkestral yazı, bir dizi müzik formunun ve hatta 20. yüzyılda daha da gelişmesini belirledi. birçok müzisyen Wagner'in etkisinden kurtulmayı yeni müziğe doğru hareketin ana akımı olarak gördü.

Opera formu.

Sözde içinde. opera türünün günümüzdeki en yaygın biçimi olan büyük bir opera, metnin tamamı söylenir. Komik operada şarkı söylemek genellikle konuşulan sahnelerle değişir. "Komik opera" adı (Fransa'da opéra comique, İtalya'da opera buffa, Almanya'da Singspiel) büyük ölçüde keyfidir, çünkü bu türdeki tüm eserler komik içeriğe sahip değildir ("komik opera"nın karakteristik bir özelliği konuşma diyaloglarının varlığıdır). ). Paris ve Viyana'da yaygınlaşan hafif, duygusal komik opera türü operet olarak bilinir hale geldi; Amerika'da buna müzikal komedi denir. Broadway'de ün kazanmış müzikli oyunlar (müzikaller) genellikle içerik olarak Avrupa operetlerinden daha ciddidir.

Tüm bu opera çeşitleri, müziğin ve özellikle şarkı söylemenin metnin dramatik ifadesini geliştirdiği inancına dayanmaktadır. Doğru, bazen diğer unsurlar operada eşit derecede önemli bir rol oynadı. Böylece belirli dönemlerin Fransız operasında (ve Rusça'da - 19. yüzyılda) dans ve eğlence tarafı çok önemli bir önem kazanmıştır; Alman yazarlar genellikle orkestra bölümünü eşlik eden bir bölüm olarak değil, eşdeğer bir vokal bölüm olarak gördüler. Ancak opera tarihi boyunca şarkı söylemek hala baskın bir rol oynadı.

Opera performansında şarkıcılar öndeyse, orkestral kısım çerçeveyi, eylemin temelini oluşturur, ileriye taşır ve dinleyicileri yaklaşan etkinliklere hazırlar. Orkestra, şarkıcıları destekler, doruğa vurgu yapar, librettodaki boşlukları veya sahnenin değiştiği anları sesiyle doldurur ve sonunda perde kapandığında operanın sonunda sahne alır.

Çoğu opera, dinleyicilerin algılarını ayarlamaya yardımcı olacak enstrümantal girişlere sahiptir. 17. ve 19. yüzyıllarda. böyle bir girişe uvertür denirdi. Uvertürler, özlü ve bağımsız konser parçalarıydı, tematik olarak opera ile ilgisizdi ve bu nedenle kolayca değiştirilebilirdi. Örneğin, trajedinin uvertürü Aurelian, Palmira'da Rossini daha sonra bir komedi uvertürüne dönüştü sevilla berberi... Ancak 19. yüzyılın ikinci yarısında. besteciler, ruh halinin birliği ve uvertür ile opera arasındaki tematik bağlantı üzerinde çok daha fazla etki yaratmaya başladılar. Örneğin Wagner'in geç dönem müzikal dramalarında, operanın ana temalarını (leitmotiflerini) içeren ve doğrudan oyuna getiren bir giriş biçimi (Vorspiel) ortaya çıkmıştır. "Özerk" opera uvertürünün biçimi çürümeye yüz tutmuştu ve zamanla özlem Puccini'nin (1900) uvertürü sadece birkaç açılış akoru ile değiştirilebilir. 20. yüzyılın bir dizi operasında. sahne eylemi için hiçbir müzikal hazırlık yoktur.

Böylece, opera eylemi orkestra ortamında gelişir. Ancak operanın özü şarkı söylemek olduğundan, dramanın en yüksek anları, müziğin ön plana çıktığı arya, düet ve diğer geleneksel formların tamamlanmış formlarına yansır. Arya bir monolog gibidir, düet bir diyalog gibidir, üçlü genellikle karakterlerden birinin diğer iki katılımcıyla ilgili çelişkili duygularını somutlaştırır. Daha fazla karmaşıklıkla, çeşitli topluluk formları ortaya çıkar - örneğin bir dörtlü Rigoletto Verdi veya altılı Lucia di Lammermoor Donizetti. Bu tür biçimlerin tanıtılması, bir (veya daha fazla) duygunun gelişmesine yer açmak için genellikle eylemi durdurur. Sadece bir toplulukta birleşmiş bir grup şarkıcı, meydana gelen olaylar hakkında aynı anda birkaç bakış açısı ifade edebilir. Bazen koro, opera kahramanlarının eylemleri hakkında yorumcu olarak hareket eder. Temel olarak, opera korolarındaki metin nispeten yavaş telaffuz edilir, içeriği dinleyici için anlaşılır kılmak için ifadeler genellikle tekrarlanır.

Arias kendi başına opera oluşturmaz. Klasik opera türünde, olay örgüsünün ve eylemin gelişiminin halka iletilmesinin ana yolu resitatiftir: basit akorlarla desteklenen ve doğal konuşma tonlamalarına dayanan serbest bir ölçüyle hızlı bir melodik açıklama. Komik operalarda, alıntı genellikle diyalog ile değiştirilir. Resitatif, konuşulan metnin anlamını anlamayan dinleyiciler için sıkıcı görünebilir, ancak genellikle operanın içerik yapısında vazgeçilmezdir.

Tüm operalar, resitatif ve arya arasında net bir çizgi çizemez. Örneğin Wagner, sürekli olarak müzikal eylemi geliştirmek için eksiksiz ses formlarını terk etti. Bu yenilik, birkaç besteci tarafından çeşitli modifikasyonlarla ele alındı. Rus topraklarında, sürekli bir "müzikal drama" fikri, Wagner'den bağımsız olarak, ilk olarak A.S. Dargomyzhsky tarafından test edildi. taş misafir ve M.P. Mussorgsky Evlilik- bu forma "konuşan opera", opera diyalogu dediler.

Bir drama olarak opera.

Operanın dramatik içeriği sadece librettoda değil, aynı zamanda müziğin kendisinde de vücut bulur. Opera türünün yaratıcıları, eserlerini dramma per musica - "müzikle ifade edilen drama" olarak adlandırdı. Opera, eklenen şarkılar ve danslarla dolu bir oyundan daha fazlasıdır. Dramatik oyun kendi kendine yeterlidir; müziksiz opera, dramatik birliğin yalnızca bir parçasıdır. Bu, sözlü sahneleri olan operalar için bile geçerlidir. Bu tür eserlerde - örneğin, manon lescaut J. Massenet - müzikal sayılar hala önemli bir rol oynamaktadır.

Bir opera librettosunun sahnede dramatik bir parça olarak icra edilmesi son derece nadirdir. Dramanın içeriği kelimelerle ifade edilse ve karakteristik sahne teknikleri mevcut olsa da, müzik olmadan önemli bir şey kaybolur - sadece müzikle ifade edilebilecek bir şey. Aynı nedenden dolayı, karakter sayısında önceden azalma, olay örgüsü ve ana karakterlerde sadeleştirme yapılmadan, yalnızca ara sıra dramatik oyunlar libretto olarak kullanılabilir. Müziğin nefes alması, tekrar etmesi, orkestral bölümler oluşturması, dramatik durumlara göre ruh halini ve rengini değiştirmesi için yer bırakmalıyız. Şarkı söylemek hala kelimelerin anlamlarını anlamayı zorlaştırdığından, libretto metni şarkı söylerken algılanabilecek kadar açık olmalıdır.

Böylece opera, iyi bir dramatik oyunun biçiminin sözcük zenginliğini ve inceliğini boyun eğdirir, ancak bu hasarı doğrudan dinleyicilerin duygularına hitap eden kendi dilinin olanaklarıyla telafi eder. Yani edebi kaynak Bayan kelebek Puccini - D. Belasco'nun bir geyşa ve bir Amerikan deniz subayı hakkında bir oyunu umutsuzca modası geçmiş ve Puccini'nin müziğinde ifade edilen aşk ve ihanet trajedisi zamanla hiç solmadı.

Opera müziği bestelerken, çoğu besteci belirli kuralları takip etti. Örneğin, yüksek ses kayıtlarının veya enstrümanların kullanılması "tutku" anlamına gelirken, uyumsuz armoniler "korku" anlamına geliyordu. Bu tür gelenekler keyfi değildi: insanlar genellikle endişe duyduklarında seslerini yükseltirler ve fiziksel korku duygusu uyumsuzdur. Ancak deneyimli opera bestecileri, müzikteki dramatik içeriği ifade etmek için daha incelikli araçlar kullandılar. Melodik çizgi, üzerinde bulunduğu kelimelere organik olarak karşılık gelmek zorundaydı; armonik yazının duyguların gelgitlerini yansıtması gerekiyordu. Hızlı okuma sahneleri, görkemli topluluklar, aşk düetleri ve aryalar için farklı ritmik kalıplar yaratmak gerekiyordu. Farklı enstrümanlarla ilişkili tınılar ve diğer özellikler de dahil olmak üzere orkestranın ifade yetenekleri de dramatik hedeflerin hizmetine sunuldu.

Ancak dramatik anlatım, müziğin operadaki tek işlevi değildir. Opera bestecisi birbiriyle çelişen iki görevi çözer: dramanın içeriğini ifade etmek ve seyirciyi memnun etmek. Birinci amaca göre müzik dramaya hizmet eder; ikincisine göre, müzik kendi kendine yeterlidir. Birçok büyük opera bestecisi - Gluck, Wagner, Mussorgsky, R. Strauss, Puccini, Debussy, Berg - operadaki etkileyici, dramatik başlangıcı vurguladı. Diğer yazarlarla birlikte opera daha şiirsel, ölçülü, oda görünümü kazandı. Sanatları, yarı tonların inceliği ile işaretlenir ve genel zevklerdeki değişikliklere daha az bağımlıdır. Lirik besteciler şarkıcılar tarafından sevilir, çünkü bir opera sanatçısı bir dereceye kadar bir aktör olsa da, asıl görevi tamamen müzikaldir: müzik metnini doğru bir şekilde yeniden üretmeli, sese gerekli rengi vermeli ve güzel bir şekilde ifade etmelidir. Lirik yazarları arasında 18. yüzyıl Napolitenleri, Handel, Haydn, Rossini, Donizetti, Bellini, Weber, Gounod, Masnet, Tchaikovsky ve Rimsky-Korsakov bulunmaktadır. Monteverdi, Mozart, Bizet, Verdi, Janacek ve Britten gibi çok az yazar dramatik ve lirik unsurların neredeyse mutlak dengesine ulaşmıştır.

Opera repertuarı.

Geleneksel opera repertuarı esas olarak 19. yüzyıl eserlerinden oluşmaktadır. ve 18. yüzyılın sonları ve 20. yüzyılın başlarından bir dizi opera. Romantizm, yüce eylemlere ve uzak diyarlara olan çekimiyle, Avrupa çapında opera yaratıcılığının gelişmesine katkıda bulunmuştur; orta sınıfın büyümesi, halk unsurlarının opera diline nüfuz etmesine yol açtı ve operaya geniş ve minnettar bir seyirci sağladı.

Geleneksel repertuar, operanın tüm tür çeşitliliğini çok geniş iki kategoriye indirgeme eğilimindedir - "trajedi" ve "komedi". Birincisi genellikle ikincisinden daha geniş sunulur. Bugün repertuarın temelini İtalyan ve Alman operaları, özellikle de "trajediler" oluşturuyor. "Komedi" alanında, İtalyan operası baskındır veya en azından İtalyanca (örneğin, Mozart'ın operaları). Geleneksel repertuarda az sayıda Fransız operası vardır ve bunlar genellikle İtalyanlar tarzında icra edilir. Hemen hemen her zaman çeviride gerçekleştirilen birkaç Rus ve Çek operası repertuarda yerlerini alıyor. Genel olarak, büyük opera grupları, orijinal dilde eser yapma geleneğine bağlı kalır.

Repertuarın ana düzenleyicisi popülerlik ve modadır. Bazı operalar (örneğin yardımcı Verdi) genellikle gerekli seslerin mevcut olup olmadığı dikkate alınmadan gerçekleştirilir (ikincisi daha yaygındır). Virtüöz koloratur bölümleri ve alegorik olay örgüleri olan operaların modasının geçtiği bir çağda, yapımlarının uygun tarzına çok az insan önem verirdi. Örneğin Handel'in operaları, ünlü şarkıcı Joan Sutherland ve diğerleri onları icra etmeye başlayana kadar ihmal edildi. Ve mesele sadece bu operaların güzelliğini keşfeden “yeni” halkta değil, aynı zamanda sofistike opera bölümleriyle başa çıkabilen yüksek vokal kültürüne sahip çok sayıda şarkıcının ortaya çıkmasıdır. Aynı şekilde, Cherubini ve Bellini'nin yeniden canlanması, operalarının parlak performanslarından ve daha eski eserlerin "yeniliklerinin" keşfinden ilham aldı. Erken Barok besteciler, özellikle Monteverdi ve Peri ve Scarlatti de aynı şekilde unutulmaktan kurtarıldı.

Tüm bu canlandırmalar, özellikle enstrümantasyonu ve dinamik ilkeleri hakkında kesin bir bilgiye sahip olmadığımız 17. yüzyıl yazarlarının eserleri olmak üzere yorumlanmış baskıları gerektirir. Sözde sonsuz tekrarlar. Napoliten okulunun operalarındaki ve Handel'deki da capo aryaları zamanımızda oldukça yorucu - sindirim zamanı. Modern dinleyici, 19. yüzyıl Fransız büyük operasının bile dinleyicilerinin tutkusunu paylaşamaz. (Rossini, Spontini, Meyerbeer, Halevy) bütün akşamı alan eğlenceye (örneğin, operanın tam puanı) Fernando Cortez Spontini, aralar hariç 5 saat oynanır). Bir orkestra şefinin veya sahne yönetmeninin, partisyondaki karanlık yerler ve boyutlarının kesme, sayıları yeniden düzenleme, eklemeler yapma ve hatta çoğu zaman o kadar beceriksiz ki parçanın yalnızca uzak bir akrabası olacak kadar beceriksizce yeni parçalar yazmanın cazibesine kapılması alışılmadık bir durum değildir. programda görünen halkın önüne çıkar.

Şarkıcılar.

Ses aralığına göre, opera şarkıcıları genellikle altı türe ayrılır. Yüksekten alçağa üç kadın sesi türü - soprano, mezzo-soprano, kontralto (ikincisi bu günlerde nadirdir); üç erkek - tenor, bariton, bas. Her türün içinde, sesin kalitesine ve şarkı söyleme tarzına bağlı olarak birkaç alt tür olabilir. Lirik-koloratur soprano, hafif ve son derece hareketli bir sesle ayırt edilir, bu tür şarkıcılar virtüöz pasajlar, hızlı ölçekler, triller ve diğer süslemeler yapabilirler. Lirik-dramatik (lirico spinto) soprano - büyük parlaklık ve güzelliğin sesi. Dramatik soprano'nun tınısı zengin, güçlüdür. Lirik ve dramatik sesler arasındaki ayrım, tenorlar için de geçerlidir. Baslar iki ana türe ayrılır: "ciddi" parçalar için "şarkı söyleyen bas" (basso cantante) ve komik (basso buffo).

Yavaş yavaş, belirli bir rol için şarkı söyleyen bir tını seçme kuralları oluşturuldu. Ana karakterlerin ve kadın kahramanların bölümleri genellikle tenorlara ve sopranolara atandı. Genel olarak, karakter ne kadar yaşlı ve deneyimliyse, sesi o kadar alçak olmalıdır. Masum bir genç kız - Gilda gibi Rigoletto Verdi bir lirik soprano ve Saint-Saens operasındaki sinsi baştan çıkarıcı Delilah Samson ve Delilah- mezzosoprano. Mozart'ın enerjik ve esprili kahramanı Figaro'nun bir parçası Figaro düğünleri ve Rossinievsky Sevilla Berberi her iki besteci tarafından bariton için yazılmıştır, ancak Figaro'nun rolü ana karakter olarak ilk tenor'a atanmalıydı. Köylüler, büyücüler, olgun yaştaki insanlar, yöneticiler ve yaşlılar genellikle bas-baritonlar (örneğin, Mozart'ın operasında Don Juan) veya baslar (Mussorgsky'de Boris Godunov) için yaratılmıştır.

Sosyal beğenilerdeki değişimler, opera vokal tarzlarının oluşmasında rol oynamıştır. Ses üretme tekniği, vibrato ("hıçkırarak ağlama") tekniği yüzyıllar boyunca değişti. J. Peri (1561-1633), şarkıcı ve kısmen korunmuş en eski operanın yazarı ( Defne), muhtemelen beyaz sesle - nispeten eşit, değişmeyen bir tarzda, çok az veya hiç vibrato ile - sesin Rönesans'ın sonuna kadar moda olan bir enstrüman olarak yorumlanmasına uygun olarak şarkı söyledi.

18. yüzyıl boyunca. virtüöz şarkıcı kültü gelişti - önce Napoli'de, sonra Avrupa'da. Şu anda, operadaki ana karakterin bir kısmı bir erkek soprano - hadım, yani doğal değişimi hadım tarafından durdurulan bir tını tarafından gerçekleştirildi. Kastre edilmiş şarkıcılar, seslerinin menzilini ve hareketliliğini mümkün olanın sınırlarına kadar zorladılar. Hikayelerine göre soprano, trompet sesini güç olarak aşan hadım Farinelli (K. Broski, 1705-1782) gibi opera yıldızları veya çekebileceği söylenen mezzo-soprano F. Bordoni dünyadaki diğer tüm şarkıcılardan daha uzun olan ses, müziğini icra ettikleri bestecilerin yeteneklerine tamamen bağlıydı. Bazıları kendileri opera besteledi ve opera topluluklarını (Farinelli) yönetti. Bestecinin bestelediği ezgileri, operanın olay örgüsüne uygun olsun ya da olmasın şarkıcıların kendi doğaçlama süslemeleriyle süslemeleri doğaldı. Herhangi bir ses türünün sahibi, hızlı pasajlar ve triller yapmak için eğitilmelidir. Örneğin, Rossini'nin operalarında tenor, koloratur tekniğinde sopranodan daha kötü olmayan ustalaşmalıdır. 20. yüzyılda bu tür sanatların yeniden canlanması. Rossini'nin çeşitli opera yaratıcılığına yeni bir hayat vermesine izin verildi.

18. yüzyılın sadece bir şarkı söyleme tarzı. bugüne kadar neredeyse hiç değişmedi - komik bas stili, çünkü basit efektler ve hızlı gevezelik, bireysel yorumlar, müzikal veya sahne için çok az yer bırakıyor; Belki de D. Pergolesi'nin (1749-1801) kare komedileri şimdi 200 yıldan daha az sıklıkta yapılmamaktadır. Konuşkan, çabuk sinirlenen yaşlı adam, opera geleneğinde çok saygı duyulan bir figür, bas için favori bir rol, vokal palyaçoluğuna eğilimli.

18. yüzyılın sonları ve 19. yüzyılın ilk yarısının Mozart, Rossini ve diğer opera bestecileri tarafından çok sevilen bel canto'nun saf, yanardöner şarkı söyleme tarzı, 19. yüzyılın ikinci yarısında. yavaş yavaş daha güçlü ve dramatik bir şarkı söyleme tarzına yol açtı. Modern armonik ve orkestral yazının gelişimi, orkestranın operadaki işlevini yavaş yavaş değiştirdi: bir eşlikçiden bir baş karaktere dönüştü ve bu nedenle, şarkıcıların seslerinin enstrümanlar tarafından boğulmaması için daha yüksek sesle şarkı söylemeleri gerekiyordu. Bu eğilim Almanya'da ortaya çıktı, ancak İtalyanca da dahil olmak üzere tüm Avrupa operalarını etkiledi. Alman "kahramanlık tenoru" (Heldentenor) açıkça Wagner'in orkestrasıyla düello çalabilecek bir sese duyulan ihtiyaçtan doğmuştur. Verdi'nin daha sonraki besteleri ve takipçileri tarafından operaları "güçlü" (di forza) tenorlar ve enerjik dramatik (spinto) sopranolar gerektirir. Romantik operanın istekleri bazen bestecinin dile getirdiği niyetlere ters düşen yorumlara bile yol açar. Böylece R. Strauss, aynı adlı operasında Salome'yi “Isolde'nin sesine sahip 16 yaşında bir kız” olarak düşünmüştür. Bununla birlikte, operanın enstrümantasyonu o kadar yoğun ki, ana kısmı gerçekleştirmek için olgun şarkıcılar-matronlara ihtiyaç var.

Geçmişin efsanevi opera yıldızları arasında E. Caruso (1873-1921, belki de tarihin en popüler şarkıcısı), J. Farrar (1882-1967, New York'ta her zaman hayranları tarafından takip edilen), FI Chaliapin vardır. (1873 –1938, güçlü bas, Rus gerçekçiliğinin ustası), K. Flagstad (1895–1962, Norveç'ten kahraman soprano) ve diğerleri. Bir sonraki nesilde bunların yerini M. Callas (1923-1977), B. Nilsson (d. 1918), R. Tebaldi (1922-2004), J. Sutherland (d. 1926), L. Price (d. . 1927) ), B. Sills (d. 1929), C. Bartoli (1966), R. Tucker (1913-1975), T. Gobbi (1913-1984), F. Corelli (d. 1921), C. Siepi (d. 1923), J. Vickers (d. 1926), L. Pavarotti (d. 1935), S. Milns (d. 1935), P. Domingo (d. 1941), H. Carreras (d. 1946) .

Opera evleri.

Bazı opera binaları belirli bir opera türüyle ilişkilendirilir ve bazı durumlarda, gerçekten de tiyatronun mimarisi bir veya başka tür opera performansı tarafından belirlendi. Bu nedenle, Paris Operası (Rusya'da Büyük Opera'nın adı sabitti), mevcut binası 1862-1874'te (mimar Charles Garnier) inşa edilmeden çok önce canlı bir gösteri için tasarlandı: bale sahneleri ve muhteşem alaylarla rekabet edecekti. bu sahnede gerçekleşti. Bavyera'nın Bayreuth kasabasındaki Festspielhaus, 1876'da Wagner tarafından epik müzikal dramalarını sahnelemek için kuruldu. Antik Yunan amfi tiyatrolarının sahnelerini örnek alan sahnesi büyük bir derinliğe sahiptir ve orkestra orkestra çukurunda bulunur ve seyirciden gizlenir, böylece ses yayılır ve şarkıcının sesini fazla uzatmasına gerek kalmaz. New York'taki orijinal Metropolitan Opera binası (1883), dünyanın en iyi şarkıcıları ve saygın box aboneleri için bir vitrin olarak tasarlandı. Salon o kadar derin ki, “elmas at nalı” kutuları ziyaretçilere nispeten sığ bir sahneden daha fazla birbirlerini görme fırsatı sunuyor.

Opera evlerinin ayna gibi görünümü, operanın tarihini bir toplumsal yaşam olgusu olarak yansıtır. Kökenleri, aristokrat çevrelerde antik Yunan tiyatrosunun yeniden canlanmasında yatmaktadır: bu dönem, A. Palladio tarafından Vicenza'da inşa edilen, hayatta kalan en eski opera binası olan Olimpico'ya (1583) tekabül etmektedir. Barok toplumunun mikro kozmosunun bir yansıması olan mimarisi, kutu katmanlarının merkezden - kraliyet kutusu - dışarı çıktığı karakteristik at nalı şeklindeki bir plana dayanmaktadır. Teatro alla Scala (1788, Milano), La Fenice (1792, 1992'de yandı, Venedik), San Carlo (1737, Napoli), Covent Garden (1858, Londra ) binalarında da benzer bir plan korunmuştur. Daha az kutuyla, ancak çelik destekler sayesinde daha derin katmanlarla bu plan, Brooklyn Müzik Akademisi (1908), San Francisco'daki (1932) ve Chicago'daki (1920) opera evlerinde kullanılır. New York'taki Lincoln Center'daki (1966) ve Sidney Opera Binası'ndaki (1973, Avustralya) yeni Metropolitan Opera binasında daha modern çözümler gösteriliyor.

Demokratik bir yaklaşım Wagner'in özelliğidir. Seyirciden maksimum konsantrasyon istedi ve hiçbir kutunun olmadığı ve koltukların monoton sürekli sıralar halinde düzenlendiği bir tiyatro inşa etti. Bayreuth'un sade iç mekanı sadece Münih "Prince Regent Tiyatrosu"nda (1909) tekrarlandı; İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra inşa edilen Alman tiyatroları bile daha eski örneklere dayanıyor. Bununla birlikte, Wagner'in fikri, görünüşe göre, arena kavramına doğru harekete katkıda bulundu, yani. bazı modern mimarlar tarafından önerilen sahne önü olmayan tiyatro (prototip antik Roma sirkidir): opera kendini bu yeni koşullara uyarlamaya bırakılmıştır. Verona'daki Roma Amfitiyatrosu, aşağıdakiler gibi anıtsal opera performanslarını sahnelemek için çok uygundur. yardım Verdi ve Wilhelm Tell Rossini.

Opera festivalleri.

Wagner'in opera kavramının önemli bir unsuru, Bayreuth'a yapılan yaz hac ziyaretidir. Fikir ortaya çıktı: 1920'lerde Avusturya'nın Salzburg şehri, ağırlıklı olarak Mozart'ın operalarına adanmış bir festival düzenledi ve projeyi uygulamak için yönetmen M. Reinhardt ve şef A. Toscanini gibi yetenekli insanları davet etti. 1930'ların ortalarından bu yana, Mozart'ın opera çalışmaları Glyndebourne'daki İngiliz festivalini şekillendirdi. İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra, Münih'te esas olarak R. Strauss'un çalışmalarına adanmış bir festival ortaya çıktı. Floransa, hem erken hem de modern operaları kapsayan çok geniş bir repertuarın icra edildiği "Floransa Müzikali Mayıs"ına ev sahipliği yapar.

TARİH

Operanın kökenleri.

Opera türünün günümüze ulaşan ilk örneği, Eurydice J. Peri (1600), Fransa Kralı IV. Henry ile Maria de Medici'nin düğünü vesilesiyle Floransa'da yapılmış mütevazı bir eserdir. Beklendiği gibi, mahkemeye yakın olan genç bir şarkıcı ve madrigalist, bu ciddi olay için müzik yapması emredildi. Ancak Peri, pastoral bir tema üzerine sıradan bir madrigal döngü sunmadı, tamamen farklı bir şey sundu. Müzisyen, bilim adamları, şairler ve müzik severlerden oluşan bir çevre olan Florentine Camerata'nın bir üyesiydi. Yirmi yıl boyunca Camerata üyeleri, antik Yunan trajedilerinin nasıl gerçekleştirildiği sorusunu araştırdılar. Yunan aktörlerin metni, konuşma ve gerçek şarkı söyleme arasında bir geçiş olan özel bir bildiri tarzında telaffuz ettiği sonucuna vardılar. Ancak unutulmuş bir sanatın yeniden canlandırılması üzerine yapılan bu deneylerin gerçek sonucu, "monodi" adı verilen yeni bir tür solo şarkıydı: monodi, en basit eşlikle serbest bir ritimde icra edildi. Bu nedenle Peri ve libretto yazarı O. Rinuccini, Orpheus ve Eurydice'nin hikayesini yedi enstrümandan oluşan bir topluluktan ziyade küçük bir orkestranın akorlarıyla desteklenen bir resitatifte anlattılar ve parçayı Florentine Palazzo Pitti'de sundular. Bu, Camerata'nın ikinci operasıydı; ilk puan, Defne Peri (1598), günümüze ulaşmamıştır.

Erken operanın öncülleri vardı. Yedi yüzyıl boyunca kilise, ayinle ilgili dramalar geliştirmiştir. Daniel oyunu, solo şarkıya çeşitli enstrümanlar eşliğinde eşlik edildi. 16. yüzyılda. diğer besteciler, özellikle A. Gabrieli ve O. Vecchi, laik koroları veya madrigalleri arsa döngülerinde birleştirdi. Ama yine de, Peri ve Rinuccini'den önce monodik bir seküler müzikal-dramatik form yoktu. Çalışmaları, antik Yunan trajedisinin yeniden canlanması olmadı. Daha fazlasını getirdi - yeni, uygulanabilir bir tiyatro türü doğdu.

Bununla birlikte, Florentine Camerata tarafından öne sürülen dramma per musica türünün olanaklarının tam olarak ifşa edilmesi, başka bir müzisyenin çalışmasında gerçekleşti. Peri gibi, C. Monteverdi (1567-1643) asil bir aileden gelen eğitimli bir adamdı, ancak Peri'nin aksine profesyonel bir müzisyendi. Cremona'nın yerlisi olan Monteverdi, Mantua'daki Vincenzo Gonzaga mahkemesinde ünlendi ve yaşamının sonuna kadar St. Venedik'te Mark. yedi yıl sonra Eurydice Peri, Orpheus efsanesinin kendi versiyonunu besteledi - Orpheus Efsanesi... Bu eserler birbirinden ilginç bir deneyin bir başyapıttan farklı olması gibi farklıdır. Monteverdi orkestranın kompozisyonunu beş kat artırdı, her karaktere kendi enstrüman grubunu verdi ve operaya bir uvertür ile başladı. Resitatifi sadece A. Strigio'nun metnini seslendirmekle kalmadı, aynı zamanda kendi sanatsal yaşamını da yaşadı. Monteverdi'nin uyumlu dili dramatik zıtlıklarla doludur ve bugün bile cesurluğu ve pitoreskliği ile etkileyicidir.

Monteverdi'nin sonraki hayatta kalan operaları arasında Tancred ve Clorinda Düellosu(1624) bir sahneye göre Kurtarılmış Kudüs Torquato Tasso - Haçlılar hakkında epik bir şiir; Ulysses'in memleketine dönüşü(1641), eski Yunan efsanesi Odysseus'a kadar uzanan bir arsa üzerinde; Poppea'nın taç giyme töreni(1642), Roma imparatoru Nero zamanından. Son eser, besteci tarafından ölümünden sadece bir yıl önce yaratıldı. Bu opera, kısmen vokal bölümlerinin virtüözlüğü, kısmen de enstrümantal yazının ihtişamı nedeniyle, çalışmalarının zirvesi haline geldi.

Operanın yayılması.

Monteverdi döneminde opera, İtalya'nın büyük şehirlerini hızla fethetti. Roma, operasını 1647'de Paris'te sahneleyen opera yazarı L. Rossi'ye (1598-1653) verdi. Orpheus ve Eurydice Fransız ışığını fethetmek. Venedik'te Monteverdi'de şarkı söyleyen F. Cavalli (1602-1676), 30'a yakın opera besteledi; MA Chesti (1623-1669) ile birlikte Cavalli, 17. yüzyılın ikinci yarısında İtalyan operasında önemli bir rol oynayan Venedik okulunun kurucusu oldu. Venedik okulunda, Floransa'dan gelen monodik üslup, resitatif ve arya gelişiminin yolunu açtı. Arias yavaş yavaş daha geniş ve daha karmaşık hale geldi ve virtüöz şarkıcılar, kural olarak, hadımlar, opera sahnesine hakim olmaya başladı. Venedik operalarının olay örgüsü hâlâ mitolojiye ya da romantikleştirilmiş tarihi bölümlere dayanıyordu, ancak şimdi ana aksiyonla hiçbir ilgisi olmayan burlesk aralarla ve şarkıcıların virtüözlüklerini sergiledikleri muhteşem bölümlerle süslenmişti. Onur Operası'nda altın Elma(1668), o dönemin en karmaşıklarından biri, 50 karakter, 67 sahne ve 23 sahne değişikliği var.

İtalyan etkisi İngiltere'ye bile ulaştı. I. Elizabeth'in saltanatının sonunda, besteciler ve librettistler sözde yaratmaya başladılar. maskeler - resitatifleri birleştiren, şarkı söyleyen, dans eden ve fantastik arsalara dayanan mahkeme performansları. Bu yeni tür, 1643'te müziğe başlayan H. Laws'ın eserlerinde önemli bir yer aldı. komus Milton ve 1656'da ilk gerçek İngiliz operasını yarattı - Rodos Kuşatması... Stuarts'ın restorasyonundan sonra, opera yavaş yavaş İngiliz topraklarında bir yer edinmeye başladı. J. Blow (1649-1708), Westminster Katedrali'nin orgcusu, 1684'te bir opera besteledi. Venüs ve Adonis, ancak işe yine de maske deniyordu. Bir İngiliz tarafından yaratılan tek gerçek opera, Dido ve Aeneas G. Purcell (1659-1695), bir öğrenci ve Blow'un halefi. İlk kez 1689'da bir kadın kolejinde sahnelenen bu küçük opera, şaşırtıcı güzelliğiyle dikkat çekiyor. Purcell hem Fransız hem de İtalyan tekniğinde uzmandı, ancak operası tipik bir İngiliz eseridir. Libretto dido, N. Tait'e ait, ancak besteci dramatik özelliklerin ustalığı, olağanüstü zarafet ve aryaların ve koroların içeriği ile işaretlenmiş müziğiyle yeniden canlandı.

Erken Fransız operası.

Erken İtalyan operası gibi, 16. yüzyılın ortalarındaki Fransız operası. Antik Yunan tiyatro estetiğini canlandırma arzusundan yola çıktı. Aradaki fark, İtalyan operasının şarkı söylemeye odaklanması, Fransızların ise o zamanın Fransız sarayında en sevilen tiyatro türü olan baleden doğmasıydı. İtalya'dan gelen yetenekli ve hırslı bir dansçı olan JB Lully (1632-1687), Fransız operasının kurucusu oldu. Beste tekniğinin temelleri de dahil olmak üzere müzik eğitimini Louis XIV mahkemesinde aldı ve ardından mahkeme bestecisi olarak atandı. Molière'in bir dizi komedisi için müziğinde kendini gösteren sahneyi mükemmel bir şekilde anladı. Asaletteki esnafa(1670). Fransa'ya gelen opera topluluklarının başarısından etkilenen Lully, kendi grubunu kurmaya karar verdi. Lully'nin "lirik trajediler" dediği operaları (trajediler lirikleri) , özel bir Fransız müzikal ve tiyatro stili sergiler. Konular antik mitolojiden veya İtalyan şiirlerinden alınmıştır ve librettolar, kesin olarak tanımlanmış boyutlardaki ciddi mısraları ile Lully'nin büyük çağdaşı, oyun yazarı J. Racin'in üslubu tarafından yönlendirilir. Lully'nin olay örgüsünün gelişimi, aşk ve ün üzerine uzun söylemlerle serpiştirilmiştir ve olay örgüsünün önsözlerinde ve diğer noktalarında, danslar, korolar ve muhteşem manzaralar içeren sahneler gibi sapmalar ekler. Bestecinin eserinin gerçek ölçeği, operalarının performanslarına yeniden başlandığında bugün netleşiyor - alcesta (1674), Hatice(1676) ve Ordular (1686).

"Çek operası", iki zıt sanatsal yön anlamına gelen geleneksel bir terimdir: Slovakya'da Rus yanlısı ve Çek Cumhuriyeti'nde Alman yanlısı. Çek müziğinde tanınan bir figür Antonín Dvořák'tır (1841-1904), ancak operalarından yalnızca biri derin duygu yüklüdür. Deniz Kızı- dünya repertuarına yerleşmiştir. Çek kültürünün başkenti Prag'da Bedřich Smetana (1824-1884) opera dünyasının baş figürüydü. satılan gelin(1866), genellikle Almanca'ya çevrilen repertuara hızla girdi. Komik ve karmaşık olmayan arsa, bu çalışmayı Smetana'nın mirasında en erişilebilir hale getirdi, ancak o iki ateşli vatansever operanın daha yazarı olmasına rağmen - dinamik bir "kurtuluş operası" Dalibor(1868) ve pitoresk destansı Libuşa(1872, 1881'de sahnelendi), Çek halkının bilge bir kraliçenin yönetimi altında birleşmesini tasvir ediyor.

Slovak okulunun resmi olmayan merkezi, Mussorgsky ve Debussy'nin ruhuyla müzikte doğal resitatif tonlamaların çoğaltılmasının bir başka ateşli destekçisi olan Leoš Janáček'in (1854–1928) yaşadığı ve çalıştığı Brno şehriydi. Janacek'in günlükleri birçok müzikal konuşma notaları ve doğal ses ritimleri içerir. Opera türünde birkaç erken ve başarısız deneyden sonra, Janáček önce operadaki Moravyalı köylülerin yaşamının çarpıcı trajedisine döndü. Yenüfe(1904, bestecinin en popüler operası). Daha sonraki operalarda, farklı arsalar geliştirdi: aile baskısını protesto etmek için yasadışı bir aşk ilişkisine giren genç bir kadının draması ( Katya Kabanova, 1921), doğanın hayatı ( Cantharellus cibarius hile, 1924), doğaüstü olay ( Makropulos anlamına gelir, 1926) ve Dostoyevski'nin ağır işlerde geçirdiği yıllara ilişkin anlatımı ( Ölü bir evden notlar, 1930).

Janáček Prag'da başarının hayalini kurdu, ancak "aydınlanmış" meslektaşları operalarını - hem bestecinin yaşamı boyunca hem de ölümünden sonra - küçümsedi. Mussorgsky'nin editörlüğünü yapan Rimsky-Korsakov gibi, Janacek'in meslektaşları, notlarının nasıl olması gerektiğini yazardan daha iyi bildiklerine inanıyorlardı. Janacek'in uluslararası tanınırlığı daha sonra John Tyrrell ve Avustralyalı şef Charles McKeras'ın restorasyon çabalarının bir sonucu olarak geldi.

20. yüzyılın operaları

Birinci Dünya Savaşı, romantik çağa son verdi: romantizmin karakteristik duygularının yükselmesi, savaş yıllarının şoklarından kurtulamadı. Yerleşik opera biçimleri de düşme eğilimindeydi, bu bir belirsizlik ve deney zamanıydı. Orta Çağ'a duyulan özlem, özel bir güçle ifade edildi. Parsifal ve Pelleaz, gibi çalışmalarda son flaşları verdi Üç kralın aşkı(1913) Italo Montemezzi (1875-1952), Ekebu Şövalyeleri(1925) Riccardo Zandonai (1883-1944), Semirama(1910) ve Alev(1934) Ottorino Respighi (1879-1936). Franz Schrecker (1878-1933; uzak ses, 1912; damgalanmış, 1918), Alexander von Zemlinsky (1871-1942; Floransalı trajedisi;Cüce- 1922) ve Erik Wolfgang Korngold (1897-1957; Ölü şehir, 1920; Heliana'nın Mucizesi, 1927), maneviyatçı fikirlerin veya patolojik zihinsel fenomenlerin sanatsal çalışması için ortaçağ motiflerini kullandı.

Wagner'in mirası, Richard Strauss tarafından devralındı, daha sonra sözde geçti. yeni Viyana okulu, özellikle operaları bir tür anti-romantik tepki olan A. Schoenberg (1874-1951) ve A. Berg (1885-1935) için: bu hem geleneksel müzik dilinden bilinçli bir ayrılmada ifade edilir, hem de özellikle uyumlu ve "Zalim" arsa seçiminde. Berg'in ilk operası Wozzeck(1925) - Mutsuz, ezilen bir askerin hikayesi - alışılmadık derecede karmaşık, son derece entelektüel formuna rağmen nefes kesici derecede güçlü bir dramadır; bestecinin ikinci operası, Lulu(1937, yazar F. Cerchoi'nin ölümünden sonra tamamlandı) ahlaksız bir kadın hakkında eşit derecede etkileyici bir müzikal dramadır. Bir dizi küçük akut psikolojik operadan sonra, aralarında en ünlüsü beklenti(1909), Schoenberg tüm hayatı boyunca arsa üzerinde çalıştı Musa ve Harun(1954, opera bitmedi) - dili bağlı peygamber Musa ile İsraillileri altın buzağıya tapmaya ikna eden belagatli Aaron arasındaki çatışmanın İncil'deki hikayesine dayanmaktadır. Kompozisyonun aşırı karmaşıklığının yanı sıra herhangi bir teatral sansürü kızdırabilecek seks partisi, yıkım ve insan kurban etme sahneleri, opera binasındaki popülaritesini engellemektedir.

Wagner'in etkisiyle çeşitli ulusal okulların bestecileri ortaya çıkmaya başladı. Böylece, Debussy'nin sembolizmi, Macar besteci B.Bartók'un (1881-1945) psikolojik meselini yaratması için bir itici güç olarak hizmet etti. Duke Bluebeard'ın Kalesi(1918); bir başka Macar yazar, Z. Kodai, operada Hari Janos(1926) folklor kaynaklarına yönelmiştir. Berlin'de F. Busoni, operalardaki eski olayları yeniden yorumladı alacalı(1917) ve Doktor Faust(1928, bitmemiş kaldı). Bahsedilen tüm eserlerde Wagner ve takipçilerinin her yeri saran senfonisi, yerini monodinin hakimiyetine varan çok daha özlü bir üsluba bırakıyor. Bununla birlikte, bu nesil bestecilerin opera mirası nispeten küçüktür ve bu durum, tamamlanmamış eserler listesiyle birlikte, opera türünün dışavurumculuk ve yaklaşan faşizm çağında yaşadığı zorluklara tanıklık eder.

Aynı zamanda, savaşın harap ettiği Avrupa'da yeni akımlar ortaya çıkmaya başladı. İtalyan komik operası son kaçışını G. Puccini'nin küçük bir şaheserinde verdi. Gianni Schicchi(1918). Ama Paris'te, M. Ravel ölmekte olan bir meşaleyi kaldırdı ve harika meşalesini yarattı. İspanyol saati(1911) ve sonra çocuk ve büyü(1925, Collet tarafından librettoya). Opera İspanya'da da ortaya çıktı - Kısa hayat(1913) ve maestro Pedro'nun gösterisi(1923) Manuel de Falla.

İngiltere'de opera, yüzyıllardır ilk kez gerçek bir rönesans yaşıyordu. En eski örnekler ölümsüz saat(1914) Rutland Boughton (1878-1960), Kelt mitolojisinden bir arsa üzerine, hainler(1906) ve Boatswain'in karısı(1916) Ethel Smith (1858-1944). Birincisi pastoral bir aşk hikayesi, ikincisi ise fakir bir İngiliz sahil köyüne yerleşen korsanlarla ilgili. Smith'in operaları, özellikle Frederick Delius'un (1862-1934) olduğu kadar Avrupa'da da bir miktar popülerlik kazandı. Romeo ve Juliet Köyü(1907). Ancak Delius, doğası gereği çatışma dramasını (hem metinde hem de müzikte) somutlaştıramadı ve bu nedenle onun statik müzikal dramaları nadiren sahnede ortaya çıkıyor.

İngiliz besteciler için yanan sorun, rekabetçi bir arsa arayışıydı. savitri Gustav Holst, Hint destanının bölümlerinden birine dayanarak yazılmıştır. mahabharata(1916) ve sürücü Hugh R. Voan-Williams (1924) halk şarkılarıyla zengin bir pastoraldir; Vaughan Williams'ın operasında da durum aynı Sör John aşık Shakespeare'e göre Falstaff.

B. Britten (1913-1976) İngiliz operasını yeni zirvelere çıkarmayı başardı; ilk operası başarılı oldu Peter Grimes(1945) - ana karakterin, mistik deneyimlerin insafına kalmış, insanlar tarafından reddedilen bir balıkçı olduğu deniz kıyısında geçen bir drama. komedi-hiciv kaynağı Albert Ringa balığı(1947), Maupassant tarafından kısa bir öykü haline geldi ve Billy Budd Melville'in alegorik hikayesi, iyilik ve kötülük hakkında tedavi edilir (tarihsel arka plan Napolyon savaşları dönemidir). Bu opera genellikle Britten'in başyapıtı olarak kabul edilir, ancak daha sonra "büyük opera" türünde başarılı bir şekilde çalıştı - örnekler şunları içerir: Gloriana I. Elizabeth'in saltanatının çalkantılı olaylarını anlatan (1951), ve Bir yaz gecesinde bir rüya(1960; Shakespeare'e dayanan libretto, bestecinin en yakın arkadaşı ve işbirlikçisi - şarkıcı P. Pearce tarafından yaratıldı). 1960'larda Britten, benzetme operalarına çok dikkat etti ( çulluk nehri – 1964, mağara eylemi – 1966, müsrif oğul- 1968); ayrıca bir televizyon operası yarattı Owen Wingrave(1971) ve oda operaları Vidayı döndürmek ve Lucretia'ya saygısızlık... Bestecinin opera yaratıcılığının mutlak zirvesi, bu türdeki son eseriydi - Venedik'te Ölüm(1973), olağanüstü ustalığın büyük samimiyetle birleştirildiği yer.

Britten'in opera mirası o kadar önemlidir ki, Peter Maxwell Davis'in (d.1934) ünlü opera başarısından bahsetmeye değer olsa da, gelecek neslin İngiliz yazarlarından çok azı onun gölgesinden çıkmayı başardı. meyhane(1972) ve Harrison Birtwistle'ın operaları (d.1934) Gawain(1991). Diğer ülkelerden bestecilere gelince, bu tür eserlerden bahsedebiliriz. Anaara(1951) İsveçli Karl-Birger Blomdahl (1916-1968), eylemin gezegenler arası bir gemide gerçekleştiği ve elektronik sesler veya bir opera döngüsü kullandığı Işık olsun(1978–1979) Alman Karlheinz Stockhausen tarafından (döngünün altyazısı vardır Yedi gün yaratılış ve bir hafta içinde yürütülmek üzere tasarlanmıştır). Ancak, elbette, bu tür yenilikler geçici niteliktedir. Daha önemli olan Alman besteci Karl Orff'un (1895-1982) operalarıdır - örneğin, Antigone(1949), çileci eşlik (çoğunlukla vurmalı çalgılar) arka planına karşı ritmik açıklama kullanan antik Yunan trajedisi modeli üzerine inşa edilmiştir. Parlak Fransız besteci F. Poulenc (1899-1963) mizahi bir opera ile başladı meme lastikleri(1947) ve ardından doğal konuşma tonlaması ve ritmini ön planda tutan bir estetiğe yöneldi. En iyi operalarından ikisi bu damarda yazılmıştır: mono-opera İnsan sesi Jean Cocteau (1959; libretto, kahramanın telefon konuşması olarak kurgulanmıştır) ve opera tarafından Karmelit Diyalogları Fransız Devrimi sırasında bir Katolik tarikatının rahibelerinin çektiği acıları anlatan . Poulenc'in armonileri aldatıcı bir şekilde basit ve aynı zamanda duygusal olarak etkileyicidir. Poulenc'in eserlerinin uluslararası popülaritesine, bestecinin operalarının mümkün olduğunda yerel dillerde yapılması şartı da yardımcı oldu.

Farklı tarzlarda bir sihirbaz gibi hokkabazlık yapan IF Stravinsky (1882–1971) etkileyici sayıda opera yarattı; aralarında - Diaghilev'in romantik girişimi için yazılmış Bülbül G.H. Andersen (1914), Mozartian'ın hikayesine dayanan Bir tırmık maceraları Hogarth'ın (1951) gravürlerine ve antik frizleri anımsatan statik Kral Oidipus(1927), tiyatro ve konser sahnesi için eşit olarak tasarlanmıştır. Alman Weimar Cumhuriyeti döneminde K. Weil (1900-1950) ve B. Brecht (1898-1950) Dilenci operası John Gay daha da popüler Üç kuruşluk opera(1928), dokunaklı bir hiciv arsa üzerinde şimdi unutulmuş bir opera besteledi Mahagoni şehrinin yükselişi ve düşüşü(1930). Nazilerin iktidara gelmesi bu verimli işbirliğine son verdi ve Amerika'ya göç eden Weill, Amerikan müzikali türünde çalışmaya başladı.

Arjantinli besteci Alberto Ginastera (1916-1983), dışavurumcu ve açıkça erotik operalarının ortaya çıktığı 1960'lar ve 1970'lerde büyük bir modaydı. Don Rodrigo (1964), Bomarzo(1967) ve Beatrice Cenci(1971). Alman Hans Werner Henze (d. 1926) 1951'de operasının sahnelenmesiyle ün kazandı. bulvar yalnızlığı Manon Lescaut'un hikayesine dayanan Greta Weill'in librettosu; eserin müzikal dili caz, blues ve 12 ton tekniğini bir araya getiriyor. Henze'nin sonraki operaları arasında: Genç Aşıklar için Elegy(1961; aksiyon karlı Alplerde geçiyor; ksilofon, vibrafon, arp ve celesta'nın sesi müziklere hakim), genç efendi kara mizahla aşılanmış (1965), Bassarids(1966; sonra bakchae Euripides, Charles Callman ve W.H. Auden'in İngiliz librettosu), anti-militarist nehre geleceğiz(1976), çocuk masal operası polen ve ihanete uğramış deniz(1990). Büyük Britanya'da, Michael Tippett (1905-1998) ) : Yaz Ortası Gecesi Düğün(1955), Labirent bahçesi (1970), Buz kırıldı(1977) ve bilim kurgu operası Yeni yıl(1989) - hepsi bestecinin librettosunda. Avangard İngiliz besteci Peter Maxwell Davis, bahsi geçen operanın yazarıdır. meyhane(1972; 16. yüzyıl bestecisi John Taverner'ın hayatından bir olay örgüsü) ve Pazar (1987).

Ünlü opera sanatçıları

Björling, Jussi (Johan Yunatan)(Björling, Jussi) (1911-1960), İsveçli şarkıcı (tenor). Stockholm'deki Kraliyet Opera Okulu'nda okudu ve ilk çıkışını 1930'da orada küçük bir rolle yaptı. manon lescaut... Bir ay sonra, Ottavio şarkı söyledi. Don Juan... 1938'den 1960'a kadar, savaş yılları dışında Metropolitan Opera'da şarkı söyledi ve İtalyan ve Fransız repertuarında özel bir başarı elde etti.
Galli-Curchi Amelita .
Gobi, Tito(Gobbi, Tito) (1915-1984), İtalyan şarkıcı (bariton). Roma'da okudu ve orada Germont olarak ilk çıkışını yaptı. La Traviate... Londra'da ve 1950'den sonra New York, Chicago ve San Francisco'da - özellikle Verdi'nin operalarında - yoğun bir şekilde sahne aldı; İtalya'daki büyük tiyatrolarda şarkı söylemeye devam etti. Gobby, yaklaşık 500 kez seslendirdiği Scarpia bölümünün en iyi sanatçısı olarak kabul ediliyor. Birçok kez opera filmlerinde rol aldı.
Domingo, Placido .
Callas, Maria .
Caruso, Enrico .
Corelli, Franko- (Corelli, Franco) (d. 1921-2003), İtalyan şarkıcı (tenor). 23 yaşında Pesaro Konservatuarı'nda bir süre okudu. 1952'de Roma Operası'nın direktörünün onu Spoletto Deneysel Tiyatrosu'nda bir teste davet ettiği Floransalı Müzikal Mayıs festivalinin vokal yarışmasına katıldı. Kısa süre sonra bu tiyatroda Don Jose rolünde sahne aldı. carmen... 1954 yılında La Scala sezonunun açılışında Maria Callas ile birlikte şarkı söyledi. Vesta Spontini. 1961'de Metropolitan Opera'da Manrico olarak ilk kez sahneye çıktı. Ozan... En ünlü partileri arasında Cavaradossi yer almaktadır. Toske.
Londra, George(Londra, George) (1920-1985), Kanadalı şarkıcı (bas-bariton), gerçek adı George Bernstein. Los Angeles'ta okudu ve Hollywood'daki ilk çıkışını 1942'de yaptı. 1949'da Viyana Operası'na davet edildi ve burada Amonasro olarak ilk çıkışını yaptı. yardımcı... Metropolitan Opera'da (1951-1966) şarkı söyledi ve 1951'den 1959'a kadar Bayreuth'ta Amfortas ve Uçan Hollandalı olarak sahne aldı. Don Juan, Scarpia ve Boris Godunov'un rollerini mükemmel bir şekilde seslendirdi.
Milnes, Cheryl .
Nilsson, Birgit(Nilsson, Birgit) (1918-2005), İsveçli şarkıcı (soprano). Stockholm'de okudu ve orada Agatha olarak ilk çıkışını yaptı. serbest nişancı Weber. Uluslararası ünü 1951'de Electra'yı söylediği zamana kadar uzanıyor. imam hatip Mozart, Glyndebourne Festivali'nde. 1954/1955 sezonunda Münih Operası'nda Brunhilde ve Salome seslendirdi. İlk çıkışını Londra Covent Garden'da (1957) Brunhilde ve Metropolitan Opera'da (1959) Isolde olarak yaptı. Turandot, Tosca ve Aida başta olmak üzere diğer partilerde de başarılı oldu. 25 Aralık 2005'te Stockholm'de öldü.
Pavarotti, Luciano .
Patti, Adeline(Patti, Adelina) (1843-1919), İtalyan şarkıcı (koloratur soprano). İlk çıkışını 1859'da New York'ta Lucia di Lammermoor, 1861'de Londra'da (Amina olarak) yaptı. somnambul). 23 yıl boyunca Covent Garden'da şarkı söyledi. Muhteşem bir sese ve parlak bir tekniğe sahip olan Patti, gerçek bel canto tarzının son temsilcilerinden biriydi ancak müzisyen ve oyuncu olarak çok daha zayıftı.
Fiyat, Leontina .
Sutherland, Joan .
Skipa, Tito(Schipa, Tito) (1888-1965), İtalyan şarkıcı (tenor). Milano'da okudu ve 1911'de Vercelli'de Alfred ( La traviata). Milano ve Roma'da düzenli olarak sahne aldı. 1920-1932'de Chicago Operası ile bir nişanı vardı ve 1925'ten itibaren San Francisco'da ve Metropolitan Opera'da (1932–1935 ve 1940–1941) sürekli şarkı söyledi. Don Ottavio, Almaviva, Nemorino, Werther ve Wilhelm Meister'ın bölümlerini mükemmel bir şekilde seslendirdi. minyon.
Scotto, Renata(Scotto, Renata) (d. 1935), İtalyan şarkıcı (soprano). İlk çıkışını 1954'te Teatro New Naples'da Violetta olarak yaptı ( La traviata), aynı yıl ilk kez La Scala'da şarkı söyledi. Bel canto repertuarında uzmanlaştı: Gilda, Amina, Norina, Linda de Chamouny, Lucia di Lammermoor, Gilda ve Violetta. Mimi olarak Amerika'daki ilk çıkışı bohemler 1960 yılında Chicago Lirik Operası'nda yer aldı, 1965 yılında Metropolitan Operası'nda Cio-cio-san adıyla ilk kez sahneye çıktı. Repertuarında Norma, La Gioconda, Tosca, Manon Lescaut ve Francesca da Rimini rolleri de yer alıyor.
Siepi, Cesare(Siepi, Cesare) (d. 1923), İtalyan şarkıcı (bas). İlk çıkışını 1941'de Venedik'te Sparafucillo olarak yaptı. Rigoletto... Savaştan sonra La Scala ve diğer İtalyan opera evlerinde sahne almaya başladı. 1950'den 1973'e kadar Metropolitan Opera'da özellikle Don Giovanni, Figaro, Boris, Gurnemanz ve Philippe'i seslendirdiği önde gelen bas sanatçısıydı. Don Carlos.
Tebaldi, Renata(Tebaldi, Renata) (d. 1922), İtalyan şarkıcı (soprano). Parma'da okudu ve 1944'te Rovigo'da Elena ( Mefistofeles). Toscanini, La Scala'nın (1946) savaş sonrası açılışında sahne alması için Tebaldi'yi seçti. 1950 ve 1955'te Londra'da sahne aldı, 1955'te Metropolitan Opera'da Desdemona olarak ilk kez sahneye çıktı ve 1975'te emekli olana kadar bu tiyatroda şarkı söyledi. En iyi rolleri arasında Tosca, Adriana Lecouvreur, Violetta, Leonora, Aida ve diğer dramatik roller yer alıyor. Verdi'nin operalarından roller.
Farrar, Geraldine .
Chaliapin, Fedor İvanoviç .
Schwarzkopf, Elizabeth(Schwarzkopf, Elisabeth) (d. 1915), Alman şarkıcı (soprano). Berlin'de okudu ve 1938'de Berlin Operası'nda ilk kez Berlin'deki çiçek bakirelerinden biri olarak sahneye çıktı. Parsifal Wagner. Viyana Operası'ndaki birkaç performansın ardından başrolleri üstlenmeye davet edildi. Daha sonra Covent Garden ve La Scala'da da şarkı söyledi. 1951'de Venedik'te Stravinsky'nin operasının galasında Bir tırmık maceraları Anna rolünü 1953'te La Scala'da seslendirdi, Orff'un sahne kantatının galasına katıldı. Afrodit'in Zaferi... 1964 yılında Metropolitan Opera'da ilk kez sahne aldı. 1973 yılında opera sahnesinden ayrıldı.

Edebiyat:

Makhrova E.V. Yirminci yüzyılın ikinci yarısında Almanya kültüründe Opera Binası... SPb, 1998
Simon G.W. Yüz Büyük Opera ve Konuları... M., 1998