Sztuka o Dostojewskim dla szkoły. F.M

„Niezależna gazeta”
16.11.2015

Kto widział, zapamiętał na całe życie spektakle „według Dostojewskiego”, autora, który reżyser nie puszcza. „Notatki z podziemia” grano na głównej scenie Moskiewskiego Teatru Młodzieży, „Gramy „Zbrodnia…” – w skrzydle”, K.I. ze „Zbrodni…”, której premiera odbyła się dokładnie 21 lat temu, w listopadzie 1994 roku, do dziś można oglądać w przestrzeni zatytułowanej „Gry w Białym Pokoju”. Dziś, wiele lat później, teatr ponownie otworzył scenę „Gry w skrzydle”, ponownie – spektaklem „według Dostojewskiego”, a dokładniej – ponownie na „Zbrodni i karze”. Prawykonanie odbyło się w urodziny pisarza.

Ginkas jest jednym z tych reżyserów, którzy z jakiegoś powodu przyjęli „sformułować”: powszechne stało się np. mówienie, że jego spektakle dotyczą śmierci, że konsekwentnie rozwija ten temat lub zakres tematów z nim związanych w taki czy inny sposób ze śmiercią jak bogata rasa. Reżyser popadł kiedyś nawet w spór z jedną z tych opinii - mówią nie o śmierci, ale przeciwnie, o życiu jego spektakli. Naprawdę chcę oderwać się od frazesów – w sposób, który się nie powtarza, nawiązując do tego samego „Zbrodni i kary”. Dlaczego „lubię”? Bo za każdym razem Ginkas z tego niezbyt zaludnionego tekstu wprowadza na scenę Nowa para bohaterowie. Początkowo dialog prowadzili Raskolnikow (Markus Groot) i Porfiry Pietrowicz (Wiktor Gvozditsky), a wszyscy, którzy to widzieli, wciąż drżeli ze sceny, która została przeniesiona do finału, w którym Raskolnikow siekał kapustę, a publiczność widziała - on zabijała starą rozdawczynię pieniędzy i jej siostrę, w drugim przedstawieniu bohaterką została Katerina Iwanowna Marmeladowa (), a publiczność stała się adresatem jej na wpół obłąkanych monologów, w nowym przedstawieniu, które grano po raz pierwszy na pod koniec ubiegłego tygodnia głównymi rozmówcami są Svidrigailov () i Raskolnikov (). W białej przestrzeni sceny - to była dokładnie ta sama biel wtedy, wiele lat temu, kiedy grali tu Viktor Gvozditsky i Markus Groth - wszelkie kolorowe plamy są bardzo ważne, za kolor odpowiada dwoje artystów z wypalonego teatru. nowe przedstawienie - tak nazywa się je w programie Dostojewski jednak nie protestuje, wręcz przeciwnie, dał reżyserowi niezbędne podstawy do takich kolorowych marzeń. Faktem jest, że podtytuł nowej sztuki „W drodze do…” brzmi „Rosyjskie sny według F. Dostojewskiego”. Tych artystek – dwóch dziwnych postaci kobiecych z toporami w głowach – gra Anna Kołobajewa. Bohaterowie cyrkowi swoimi występami i pasażami zdają się przerywać trudne rozmowy Raskolnikowa ze Swidrygajłowem, ale jak zwykle u Ginkasa, poszerzenie amplitudy uczuć i emocji tylko potęguje, eksponuje nerw dramatyczny, dramat ogólnie. Gdyby nie coś tak przerażającego i zabawnego, tragedia nie byłaby tak straszna, nie tak trudna.

„Umyliśmy podłogę”, pierwsza uwaga Raskolnikowa jest wymawiana prawie niewyraźnie, co sprawia, że ​​nadwyręża się uszy. Ginkas miksuje na scenie młody aktor- w tym samym wieku co Raskolnikow! - z Gordinem, na którym w ostatnich latach buduje swój repertuar. Muszę przyznać, że Gordin tylko zyskuje z wykonania na przedstawienie, w roli Swidrygajłowa w niektórych scenach po prostu urzeka obrzydliwym urokiem swojego bohatera - ta cecha, która tak bardzo przyciągała, jak się wydaje, samego pisarza w różnych łajdakach, które tak obficie zamieszkują jego powieści. Wzruszająca bezbronność miejscowego Raskolnikowa, jego strzaskane nerwy, które były dla nich zbyt silne, nazwijmy je silnymi wrażeniami, w nowym przedstawieniu zbiegają się z doświadczeniem drugiego aktora i jego bohatera Swidrygajłowa: cokolwiek by tu powiedzieć, jest śmierć, morderstwo popełnione przez Raskolnikowa, tam - dwa kroki do samobójstwa Swidrygajłowa. Cóż, porozmawiajmy o zakazach i wolności, sprawach, które dręczyły ich oboje w ciasnej przestrzeni małego pokoju, gdzie jest plac zabaw, i audytorium dla kilkudziesięciu widzów - w ulubionym, ciasnym rosyjskim życiu Dostojewskiego i ogromie pomysłów rosyjskiego umysłu. Scena „Games in the Wing” jest w sam raz do takich występów. Wydaje się, że jest to dość duże „mieszkanie”, ale wędrując po pokojach przed spektaklem, niezmiennie wpadasz na tych samych widzów. Czechow doceniał, jak wiadomo, gdy słowa są ciasne, ale myśli są przestronne, ale bohaterowie Dostojewskiego są ciasni w obu, z powodu tego ciasnego - nieuniknionego zderzenia przeciwieństw, jak pojawiają się tutaj Swidrygajłow i Raskolnikow. Obojgu obojgu bardzo trudno jest żyć.

Oczy Swidrygajłowa-Gordina, zdaje się, właśnie w tych momentach zaglądania, przepraszam za arogancję, poza próg bytu, są odciśnięte, nie można już o nich zapomnieć. Jego słodkie myśli przerażają swoją atrakcyjnością, tu Dostojewskiego, a za nim Ginkas okrutnie kpi z niewinnej publiczności.

Jak wiecie, droga do Ameryki staje się dla niego drogą do... Więc chce żyć!

11 listopada mija 197 lat od narodzin jednego z najwięksi pisarze Fiodor Michajłowicz Dostojewski, którego prace od dawna stały się nie tylko klasyką literacką, ale także teatralną. Dziś opowiemy o 5 jasnych spektaklach opartych na dziełach Dostojewskiego, które w wkrótce można oglądać w Moskwie.

1. Opera rockowa „Zbrodnia i kara” w Moskiewskim Teatrze Muzycznym
Pomysł na ekstrawagancką interpretację klasyczna powieść Dostojewski, który stał się miłym wizytówka pisarz, na czele stanął reżyser, scenarzysta, Artysta ludowy RSFSR Andriej Konczałowski. Wraz z poetą Jurijem Ryashentsevem, z udziałem Marka Rozowskiego, stworzył nie tylko Nowa edycja rock opera „Zbrodnia i kara”, napisana 35 lat temu przez kompozytora Eduarda Artemiewa, ale coś zupełnie nowego i niepodobnego do niczego innego. W musicalu zaangażowanych jest 60 osób. Czas wydarzeń jest niewyraźny. Produkcja jest bogata w różnorodne style muzyczne- słychać operę, rock operę, a także nuty romantyzmu miejskiego i ludowego. Scenografia została stworzona w Londynie na podstawie szkiców scenografa Matta Diili. Jednym z choreografów był Quinn Wharton, znany amerykański profesjonalista w tej dziedzinie. Odlew miał bardzo dużą skalę. Na przykład 1500 dziewcząt ubiegało się o rolę Sonyi Marmeladovej, z których wybrano tylko 5 artystów.
Kiedy: od 20 października do 11 listopada
Gdzie: Moskiewski Teatr Muzyczny
Cena od 500 do 10 000 rubli

2. Spektakl „Idiota” w Teatrze Narodów
Z lekka ręka reżyser Maxim Didenko, trzykrotnie nominowany do „ Złota maska”, Spektakl oparty na powieść o tym samym tytule„Idiota” Dostojewskiego otrzymał zupełnie nowe wcielenie dźwiękowe i wizualne. W spektaklu na scenie pojawia się tylko pięciu artystów: Ingeborga Dapkunaite, Evgeny Tkachuk, Artem Tulchinsky, Roman Shalyapin i Alexander Yakin. Ingeborga gra rolę księcia Myszkina. Reżyser spektaklu wyjaśnił, że dla niego najważniejsze w tej historii jest… trójkąt miłosny"Myszkin - Nastasya Filippovna - Rogozhin" i wydarzenia przekręcone w ten spisek. Według Didenko „w naszym świecie zaginęły między innymi dwie rzeczy: kultura błazeństwa i postrzeganie Dostojewskiego jako żywej ironicznej osoby”. Dlatego zdecydowano się na przedstawienie w gatunku „czarnej” klaunady.
Kiedy: 23 listopada
Gdzie: Teatr Narodów
Cena: od 1000 do 4000 rubli

3. Spektakl „Delikatny” w Centrum Teatralnym „Na Strastnom”
Jeden z ostatnie prace Dostojewski, opowiadanie „Łagodne”, stało się powodem przedstawienia jednoosobowego spektaklu w reżyserii Pawła Safonowa i aktora Jewgienija Stychkina. Mroczna opowieść o przemijaniu życia, miłosnych ranach i duchowych gehennach bohatera ma przypominać widzom o konieczności podejmowania ryzyka, walki z poczuciem własnej ważności i poświęcenia dla zachowania bliskich. Biedna młoda dziewczyna bez miłości poślubia lichwiarza, który zaraz po ślubie zaczyna karać żonę nieznośnym milczeniem. Historia opowiedziana jest z perspektywy lichwiarza, który nie wyjaśnia, dlaczego jest tak okrutny dla swojej żony. W jednej z końcowych scen bohater prosi żonę o przebaczenie i przysięga, że ​​kocha tylko ją samą. Ale ta spowiedź nie pomaga mu uratować dziewczyny i zostaje wyrzucona przez okno.
Kiedy: 15 listopada 4
Gdzie: Centrum teatralne„Na pasji”
Cena: od 200 do 1000 rubli

4. Spektakl „Czyjaś żona i mąż pod łóżkiem” w Teatrze. Wachtangowa
Na scenie Pierwszego Tetra Studio im. Wachtangow, reżyserka Ekaterina Sonnenstral postanowiła opowiedzieć widzom historię o odwiecznych motywach „Dostojewskiego”: miłości, namiętności i zazdrości, które potrafią doprowadzić człowieka do szaleństwa. W spektaklu nie ma dekoracji – w końcu nic nie powinno odwracać uwagi widzów od gry aktorów. Według reżysera, w jego wczesna praca Dostojewski kpił z popularności wodewilu w tamtych czasach. Opowieść „Inna żona i mąż pod łóżkiem”, opracowana przez autora z dwóch prac „Inna żona” i „ Zazdrosny mąż", napisane łatwy język tkwiące w Dostojewskim w wczesny okres jego kreatywność.
Kiedy: 9 listopada
Gdzie: Pierwsze studio Teatru. Wachtangowa
Cena: od 800 do 1000 rubli

5. Spektakl „Brat Alosza” w Nowym Moskiewskim Teatrze Dramatycznym
Bawić się słynny dramaturg„Brat Alosza” Wiktora Rozowa został napisany na podstawie powieści Dostojewskiego „Bracia Karamazow”. Do scenicznej wersji tej opowieści Rozov wybrał tylko jednego bohatera - najmłodszego z braci Karamazow, który próbuje znaleźć wyjście z impasu, w jaki weszły relacje międzyludzkie. Rozov wyraźnie maluje obraz, na którym pokazuje, że brat Alosza nie poddaje się i wierzy, że można przejść przez wszystkie próby tylko „ręka w rękę”. Spektakl wyreżyserowała Tatiana Rozova.
Kiedy: 6 listopada
Gdzie: Nowy Moskiewski Teatr Dramatyczny
Cena: 500 rubli

Kiedy teraz mówią, że moda na Dostojewskiego zaczęła się w kinie lekką ręką Władimira Bortko, który zrealizował znakomitą filmową adaptację Idioty, jakoś zapominają, że na początku XX wieku na scenie moskiewskiego Teatr artystyczny były spektakle „Bracia Karamazow” i „Demony”, które wywołały burzę sprzecznych recenzji.

Maksym Gorki był kategorycznym przeciwnikiem teatralnych interpretacji Dostojewskiego. W 1913 r. zadeklarował: „Niezaprzeczalne i niewątpliwie: Dostojewski jest geniuszem, ale to jest nasz zły geniusz. Poczuł się niesamowicie głęboko, zrozumiał i z przyjemnością przedstawił dwie choroby wychowane w jego rosyjskim brzydka historia, ciężkie i obraźliwe życie: sadystyczne okrucieństwo we wszystkim zawiedzionego nihilisty i - jego przeciwieństwo - masochizm uciśnionej, zastraszonej istoty, zdolnej do cieszenia się swoim cierpieniem, nie bez przechwalania się jednak przed wszystkimi i przed sobą. Był bity bezlitośnie, czym się chwali... Dostojewski - sam wielki dręczyciel i człowiek o chorym sumieniu - uwielbiał pisać właśnie tę mroczną, zdezorientowaną, obrzydliwą duszę... Czas pomyśleć o tym, jak to jezioro trucizny wpłynie na zdrowie przyszłych pokoleń. Po „Braciach Karamazow” Teatr Artystyczny wystawił „Demony” – dzieło jeszcze bardziej smutne i bolesne… Oferuję wszystkim duchowo zdrowi ludzie, wszystkim, którzy rozumieją potrzebę poprawy rosyjskiego życia - w proteście przeciwko inscenizacji dzieł Dostojewskiego na deskach teatrów...”

Aktorzy Teatru Artystycznego odpowiedzieli pisarzowi list zbiorowy, w którym odrzucili jego roszczenia do wystawienia powieści Dostojewskiego. Sztuka „Demony” po 107 próbach została wystawiona przez Władimira Niemirowicza-Danczenkę i została wystawiona 45 razy.

Mimo, że Dostojewski sceptycznie podchodził do próby przerobienia jego dzieł na scenę, teatr Dostojewskiego istnieje zarówno w naszym kraju, jak i za granicą. Od 1992 r. gościła Rosja Międzynarodowy festiwal spektakle kameralne oparte na twórczości F.M.Dostojewskiego, mające na celu dzielenie się doświadczeniem wcielenia scenicznego i zrozumienie dziedzictwa literackiego wielkiego rosyjskiego pisarza.

Organizatorami festiwalu są: Agencja federalna o kulturze i kinematografii Federacja Rosyjska, Komitet Kultury i Turystyki Obwodu Nowogrodzkiego, Nowogrodzki Akademicki Teatr Dramatyczny im F. M. Dostojewski. Wśród uczestników festiwalu m.in różne lata były znane zespoły z Moskwy, Sankt Petersburga, Omska, Archangielska, Tweru, Smoleńska, Riazania, Wielkiego Nowogrodu, Japonii, Finlandii, Serbii, Ukrainy, Białorusi. Na festiwalu odbyły się premierowe i legendarne wykonania, kompozycje w pełni reprezentujące środowisko akademickie dziedzictwo literackie FM Dostojewski, a także spektakle oparte na faktach z biografii pisarza. W 1996 roku festiwal uzyskał status Międzynarodowego, a od 2001 roku in Staraja Russa odbywa się corocznie. [Patrz: 24].

Marina Brusnikina, dyrektor Moskiewskiego Teatru Artystycznego. Czechow wyjaśnia swoje zainteresowanie twórczością Dostojewskiego: „Wszystko, co jest związane z Dostojewskim, jest dla mnie nieskończenie interesujące. Tego pisarza odkryłem dość późno. I muszę powiedzieć, kiedy to się stało, zdałem sobie sprawę, że wystarczy zmusić wszystkich do przeczytania tego autora i kompletna kolekcja eseje. Ponieważ jest niesamowity efekt akumulacji. Zaczynasz współczuć ludziom, problemom, ludzkim problemom. Szczególnie w naszych czasach, kiedy żyjemy zupełnie inaczej: nie chcemy myśleć, słyszeć o problemach, o złych rzeczach. Wszyscy staramy się być szczęśliwi ludzie... A Dostojewski robi z duszą coś niesamowitego. Wydaje mi się, że jeśli młodzi ludzie czytają Dostojewskiego w duża liczba wtedy będzie im trudno dorosnąć źli ludzie» .

Dużo wystawiają według Dostojewskiego, nie sposób wymienić wszystkich przedstawień, nie sposób przywołać wszystkich reżyserów w ramach jednego dzieła. Dlatego warto zwrócić uwagę nie tylko i nie tyle na klasyczne produkcje dzieł Dostojewskiego, które ściśle podążają za fabułą. Interesuje nas niecodzienne spojrzenie na Dostojewskiego, reżyserską wizję jego dzieł.

Jak zauważył Niemirowicz-Danczenko, Dostojewski zawsze „pisał jak powieściopisarz, ale czuł się jak dramaturg”. Pisarz nie napisał ani jednej sztuki, ale nowoczesny teatr nie można sobie wyobrazić bez Dostojewskiego. Położyli go najlepsi reżyserzy- Boris Livanov, Yuri Lyubimov, Georgy Tovstonogov, Anatoly Efros. Dostojewski jest wystawiany do dziś.

Teraz tylko w Moskwie teatry idą kilkanaście sztuk opartych na Dostojewskim. A coraz więcej z nich to interpretacje nietypowe, niekiedy dochodzące do szoku. Jedną z najgłośniejszych premier był wiersz Śmieszny, w którym na scenie pojawia się Wielki Inkwizytor z Braci Karamazow. Reżyser spektaklu, Kama Ginkas, przeniósł akcję ze średniowiecznej Hiszpanii do naszych czasów na dno nowoczesny świat- z jego bezdomnymi i thelemanią. Czytając recenzje o tym spektaklu, możemy wyciągnąć następujący wniosek: w spektaklu teatr zamienia się w spektakl – ale według obserwatorki teatralnej Mariny Gaikowicz „to tylko opakowanie, w którym reżyser próbował ukryć odwieczne pytania Dostojewskiego. W centrum spektaklu Kamy Ginkas znajduje się Iwan Karamazow. Wymyślił, jak sam to nazywa, absurdalny wiersz o Wielkim Inkwizytorze, zadaje najbardziej tragiczne i godne potępienia pytania, a brat Alosza milczy. I wydaje się, że nie ma wyjścia, że ​​człowiek jest skazany, że nie ma Boga i wszystko jest dozwolone. Spektakl rozpoczyna się nieoczekiwanie, gdy główne słowo powieści Dostojewskiego nie zostało jeszcze wypowiedziane. Brzmi w innym spektaklu – „Chłopcy”, pierwsza produkcja nowego teatru „Studio sztuka teatralna”. To zupełnie inne spojrzenie na Dostojewskiego. Reżyser Siergiej Zhenovach wziął za podstawę inną fabuła„Bracia Karamazow”. główny pomysł performance - przemiana duszy ludzkiej. Uczniowie liceum, którzy w pierwszej scenie otruli Ilyę Snegirev, okazują się zdolni do współczucia i miłości ”.

Spektakl Walerego Fokina „Podwójny” na podstawie powieści F.M. Dostojewski. Petersburg zwrócił uwagę reżysera Walerego Fokina. "Chociaż mieszkam w mieście nad Newą od półtora roku, już czułem jego osobliwość. Zrozumiałem, że to miasto ma swój wewnętrzny kod" - zauważa reżyser. I chociaż historia Dostojewskiego „Podwójny” od dawna martwi reżysera, złożona praca zdecydował dopiero w północna stolica... Jedną z głównych postaci opowieści, według Walerego Fokina, jest przestrzeń Petersburga. Ten motyw jest wyraźnie widoczny w produkcji „The Double”. Podkreślił, że metafizyczny klimat miasta Petra starał się oddać w swoich dwóch ostatnich spektaklach – „Płaszcz” i „Główny inspektor”. Premiera sztuki Walerego Fokina odbyła się w Teatr Aleksandryjski... Opinia krytyczki teatralnej Jekateriny Efremovej: „Po Dublerze Walerego Fokina nie chcę już niczego: ani życia, ani miłości, ani pracy. Można się tylko zniechęcić. Ze sceny na widownię spada taka monstrualna lawina ludzkiego bólu, psychicznej udręki i depresyjnej śledziony, że mimowolnie zapomina się o wszystkim na świecie: o Petersburgu, o Dostojewskim i tytularnym doradcy Goladkinie. Autorzy tej pierwszej transpozycji petersburskiego wiersza Dostojewskiego w: język sceniczny Chciałbym wprost zacytować Fiodora Michajłowicza: „Goladkin skorzystał tylko z mojej śledziony”.

Petersburg artysty Aleksandra Borowskiego jest groźnie niepokojący: lustrzane ściany-drzwi, przez które można wejść i wyjść, odbicia światła żyrandoli, odrapane ściany domów, otwarte okna piwniczne i geometrycznie regularne kraty nasypu, przypominające tor kolejowy. Jeśli chodzi o Dostojewskiego, to, jak wiadomo, nazwał siebie „prawdziwym Goladkinem”. Podczas pierwszego czytania Turgieniew ledwo mógł w połowie wysłuchać poematu petersburskiego, pochwalił go i wyszedł, widocznie gdzieś w pośpiechu, Bieliński nie krył podziwu, powtarzając, że „tylko Dostojewski może dojść do tak zdumiewających szczegółów psychologicznych”.

Jeśli chodzi o zadziwiające szczegóły psychologiczne, Viktor Gvozditsky nie ma w nich równych sobie: w jego interpretacji rzeczywistość życiowa Goladkina bardzo powoli i szczegółowo przekształca się w bolesne pozory rzeczywistości, w której pojawia się sobowtór (Alexey Devotchenko). Goladkin mieszka z nim, jak mówią, od duszy do duszy: „Patrzę na wszystko dokładnie tak samo jak ty” - i nie jest takim „szmacianym człowiekiem”, jak chce się wydawać, i niewątpliwie ma do tego prawo ten świat (na godny pogrzeb). Szczerze mówiąc, w sztuce nie jest jasne, jak zinterpretować sobowtóra: albo przyjaciela serca, albo lustrzane odbicie, albo anioła stróża. Wiadomo, że tłumaczenie ustne jest problemem tłumacza.

Z drugiej strony bohater Wiktora Gvozditsky'ego początkowo trochę oszalał: to, co się dzieje, wydaje się bardziej wytworem jego chorej wyobraźni. Fokine wymyślił bardzo dowcipną mise-en-scène: na scenie, niczym „półkule”, występują dwie grupy chóru, z których każda z kolei śpiewa trochę motywy muzyczne... „Tak, to dwie półkule mózgu rozmawiają” – zażartowała mieszkanka sąsiedniego krzesła, dobrze, że jej poczucie humoru nie zawiodło na tym przedstawieniu. Może miała rację; w tym przedstawieniu nie ma rozdwojenia jaźni, takiego, jak wiecie, zgodnie z kanonami podręcznika psychiatrii. Z drugiej strony jest żartobliwy, prześmiewczy początek: złożone, złożone teatralne zdanie, godne rozszyfrowania na różnych poziomach intelektualnych.

Dla pesymistów reżyser buduje luksusowy balet ostatnia scena: kobiety w czarnych sukniach żałobnych - "kwietniki" iz czerwonymi różami w dłoniach (po lewej) oraz mężczyźni w białych frakach z zielonymi wiankami, ozdobionymi białymi wstążkami na szyi (po prawej); a nawet naczelnika wydziału w uroczystym mundurze ze złotym haftem (z jakiegoś powodu bez rozkazów widać, że rzeczywistość teatralna jest jeszcze nieco inna od życia) i z białym ptaszkiem w rękach (niewątpliwie zwierzęta preferujące społeczeństwo zrozpaczonych ludzi, którzy nie wiedzą, co robią). Goladkin pojawia się w białym kaftanie bezpieczeństwa, pyta: „Czy nie ma w tym nic nagannego?” - i wskakuje do dołu pod sceną, kobiety rzucają za nim róże, mężczyźni - wieńce, albo żałobne, albo odświętne: albo gra się historię samobójstwa, albo wyjścia na scenę, albo coś innego, czego nie rozumiem.

The Double to dzieło zaskakująco postmodernistyczne. Spektakl wyraźnie „rozpada się” na swój sposób. przemówienie artystyczne na inne języki Wydaje się, że zbiorowy fundament twórczości, który deklaruje, nie jest spajany wolą jednego reżysera, a jego elementy wciąż są zbyt eklektyczne. Możliwe, że z biegiem czasu spektakl połączy się ”.

Dość niezwykłą, na swój sposób nawet wyjątkową produkcję przywiózł do Moskwy w 2005 roku Permski Akademicki Teatr Dramatyczny - musical, podstawa literacka dla których stało się dzieło Dostojewskiego „Poniżani i znieważeni”. Obserwator teatralny, dziennikarz Alexander Zhurbin, opowiada o swoich wrażeniach z przedstawienia: „ Dyrektor artystyczny Trwała ondulacja teatr akademicki dramat Boris Milgram chętnie opowiada o musicalu: „Plac Władimirski” to spektakl wyjątkowy. To prawdziwy przykład rosyjskiego musicalu. Kiedy poważna literatura zostanie przełożona na język poezji i muzyki, powstaje fantastyczny spektakl muzyczno-dramatyczny. Ale Dostojewskiego nie można po prostu śpiewać. Historię, którą napisał, trzeba opowiedzieć w taki sposób, aby rozbrzmiewała w duszy naszego widza. „Plac Władysława po raz pierwszy ukazał się na początku lutego tego roku w Permie. prawdziwa miłość: wiosną 2005 roku przedstawienie, które zostało pozycjonowane jako „opera dla teatr dramatyczny”, udał się na X festiwal teatru rosyjskiego w Marsylii. Później wzruszony dyrektor festiwalu, sławny francuski aktor a reżyser Richard Martin powiedział, że „występ” Plac Władimirski „był w stanie uchwycić serce wyrafinowanej francuskiej publiczności”. Musical wystawiony przez petersburskiego reżysera Władysława Paziego zbudowany został na kontrastach: sceny liryczne przeplatane scenami burzliwej zabawy. Niektóre sceny zdumiewały, a nawet oburzyły skupieniem się na sukcesie z zachodnią publicznością – rodzaj stereotypowych rosyjskich gadżetów: Cyganie, śmiały alkohol…. Cały czas się spodziewano, kiedy na scenie zostanie narysowany brązowy niedźwiedź spokojnie spacerując ulicami miasta ... Ale jednocześnie jedno jest jasne, że przy odpowiedniej pracy „Plac Władimirski” może stać się hitem ”. Według Aleksandra Żurbina, gdyby Fiodor Michajłowicz zobaczył spektakl, to by mu się spodobał. Dziennikarz zadaje jednak pytanie – dlaczego w produkcji musicalu, który podobno cieszy się ogromnym sukcesem, jego twórcy „dręczą” wielkie dzieło rosyjskich klasyków?

Andrzej Wajda wystawił sztukę Nikołaj Stawrogin w 2004 roku. Obserwator teatralny „Wieczernej Moskwy” Piotr Kuźmenok, po wizycie na premierze sztuki, podzielił się swoimi wrażeniami na łamach gazety: „... Nikołaj Stawrogin (Vladislav Vetrov) pojawia się z szarej mgły i rozpoczyna spowiedź jego zboczona dusza prosto do sali. Najpierw na sumieniu miał na sumieniu śmierć dziewczynki Matrioszy, a potem, w swojej pasji pogrążania się w złu, nie znał żadnych ograniczeń ani psychicznej udręki. Opętany przez tego demona ujarzmia słabe dusze ludzi opętanych pychą, chciwością i drobnymi namiętnościami. Jest głównym siewcą i kustoszem diabelstwa...

Na próżno we wszystkich wywiadach telewizyjnych przed premierą Galina Borisovna Volchek ostrzegała, że ​​w przedstawieniu Waidy publiczność pogrąży się w głębinach psychologia człowieka, lekkomyślnie przygotowując publiczność do spotkania z nieprzeniknioną nudą. Moim zdaniem gra Waidy jest dobra właśnie dlatego, że za kulisami pozostawia kopanie w zakamarkach psychologii bohaterów. Widzimy już wynik - ustalone typy postaci. Dlatego śledzisz ich działania, działania, w końcu nawet zaczynasz interesować się fabułą.

Typy psychologiczne podane są w przedstawieniu w stanie skupienia, esencji istota ludzka... Vaida zostawia aktorom wąski korytarz - grają szczerze, a jednocześnie przesadnie chwytliwi. Dlatego nerwowe napięcie Eleny Jakowlewy, która gra Lebiadkina, tak nieprzyjemnie pali. Dostała za mało czasu na scenę, by zagrać szaleństwo, mądrość, posłuszeństwo losowi i bunt ducha. Czasami jej aktorstwo jest tak groteskowe, że za chwilę stanie się karykaturą. Ale przekonuje o autentyczności, realności swojej bohaterki. Siergiej Garmash w roli kapitana Lebyadkina jest wspaniały - hojny w kolorach, zaraźliwy dla swojej zamiłowania, gry przebiegłości i bystrego umysłu. Ktoś już powiedział: no cóż, to wygrana dla aktora! W porządku. Igor Kvasha - Stepan Trofimovich Verkhovensky i Tamara Degtyareva - Praskovya Ivanovna są wspaniali. W sztuce po prostu interesujące staje się obserwowanie, jak mistrzowski Kvasha czyni swojego bohatera czasem śmiesznym, czasem śmiesznym, dziecinnie bezradnym; jak bohaterka Degtyareva stara się być rozsądna i surowa, albo nagle popada w zalotną urazę i starczą kapryśność.

Mówię o aktorach, bo bardziej żywo oddają swoisty eklektyzm spektaklu. Vaida otwiera każdy odcinek dużego literackiego płótna, przetworzonego na scenę, własnym kluczem stylistycznym. Zebranie rewolucyjnych liberałów zostało przez niego przedstawione jako prześmiewcza karykatura, sceny z Lizą (Olga Drozdova) przypominają melodramat kina indyjskiego, są codzienne szkice, są elementy niemal epickie. Antystyl tego reżysera z powodzeniem wpisuje się w projekt (scenografia i kostiumy Kristiny Zachvatovic, żony Andrzeja Wajdy): stalowoszare niebo z burzowymi chmurami, błyskami świtu i zmierzchu; szare, zaorane pole bez źdźbła trawy i źdźbła trawy z przebłyskami kałuż; ekrany, które realizują i aranżują „stewardesy” – ich twarze zasłaniają kaptury, a mundury przypominają film science fiction o kosmitach.

Nie ma sensu porównywać spektakli Waidy z tym, co ma Dostojewski lub z tym, co naszym zdaniem chciał powiedzieć Fiodor Michajłowicz – wciąż leżą na różnych płaszczyznach czasowych i materialno-artystycznych. Musimy się liczyć z tym, co widziały „Demony” świetny reżyser... Widział Dostojewskiego bez udręki i cierpienia drogiego rosyjskiemu sercu. A jego bohaterami są ludzie z obsesją: niektórzy z własnymi super pomysłami, niektórzy z ich nieszczęściami i dobrocią, a niektórzy z kultywowaniem zła w sobie i otaczających ich ludziach. Widział ich niemiłych. Nie to, czego chce większość z nas. I okazało się przekonujące ”(Wieczór Moskwa, 22 marca 2004 r.).

Kolejna, moim zdaniem, najbardziej nieoczekiwana produkcja - Dostojewski in Teatr kukiełkowy: w 2001 roku w Nowokuźnieckim Teatrze Lalek odbyła się premiera sztuki „Bobok” opartej na historii Fiodora Dostojewskiego o tym samym tytule. Ta produkcja utrwaliła sławę „dorosłego przedstawienia lalek” dla teatru. Recenzent teatralny i krytyk z Nowokuźniecka Piotr Kuzniecow, opowiadając o spektaklu, mówi: „Wybór tego egzotycznego spektaklu do teatru lalek nie jest przypadkowy. Podstawą są ramy tematyczne festiwalu teatralnego Kuzbass, poświęconego 180. rocznicy Fiodora Michajłowicza. Historia „Bobok” jest znana niewielu. Nawet najbardziej oddani wielbiciele Dostojewskiego mogą znaleźć to dzieło tylko w pierwszych wydaniach dzieł klasyka. Ale jak dotąd nikt nie odważył się zrobić z tej historii nawet tradycyjnej (z żywymi aktorami) inscenizacji. Ale dla głównego reżysera teatru lalek Jurija Samojłowa taka produkcja była starym marzeniem. „Pomysł wystawienia„ Bobki ”na scenie teatru lalek dojrzał dla mnie podczas moich lat studiów w szkoła teatralna, 20 lat temu - wspomina Jurij. - W przeciwieństwie do innych, nie uważam tej historii za pozbawioną fabuły. Tutaj, moim zdaniem, nie ma filozofii typowej dla Dostojewskiego. Wszystko jest dość proste i proste. Punktem kulminacyjnym spektaklu jest znakomity humor autora. Nikt poza Dostojewskim nie potrafi tak żartować. To prawda, że ​​nie wszyscy widzowie rozumieją ten humor. Ale to wcale nie znaczy, że przedstawienie pozostało niezrozumiałe. Właśnie stanęliśmy przed zadaniem wyrażenia niektórych odcinków sztuki w najbardziej żywy sposób ”. Podobno artystom się to udało. Drobne zamieszanie, tradycyjnie „zapinane” na początku spektaklu, zostało zastąpione stanowczą, wręcz przerażającą ciszą. Fabuła nie jest ekscytująca. Jej zarys opiera się na fakcie, że nierozpoznany pisarz, wypełniając duchową pustkę pijaństwem, trafia do czyśćca, doliny między niebem a piekłem. Tam jego dusza obserwuje komunikację innych mieszkańców, podczas gdy on sam pozostaje za kulisami. Kilka postaci mija się po sobie przed widzem: generał dywizji, guwernantka, radca dworski, hrabia i inni. Wszyscy opowiadają swoje historie z dotychczasowego życia i jednocześnie wyznają swoje grzechy. Następnie, jeden po drugim, niektórzy idą do nieba, inni do piekła. Pojawieniu się każdej postaci towarzyszą dźwięki „B-Ba-Bo-B” - to ostatnia rzecz, jaką człowiek wypowiada przed śmiercią. Stąd nazwa – „Bobok”. Innymi słowy, to ten, którego dusza opuszcza ciało i idzie do czyśćca. Tak więc odwieczne pytanie – czy istnieje życie po śmierci – zostało poprzedzone jednym z dwóch możliwe opcje odpowiedź: tak. Według jednego z bohaterów tylko tam można znaleźć spokój i poznać prawdę. Bo „życie na ziemi i niekłamanie jest niemożliwe, bo życie i kłamstwo są synonimami”. „Doprowadzą cię tam do szaleństwa”, narzeka inny, „i nie uczynią nikogo mądrzejszym”. Jeśli mówimy o śmierci, to nie ma to nic wspólnego z Dostojewskim, a raczej z jego pracą. W przeciwnym razie nie przetrwałaby aktualność tez, które napłynęły do ​​nas z XIX wieku: „Wykształceni głodują, kupcy tuczą. Dlatego nauka jest nikomu bezużyteczna „albo „najmądrzejszy jest ten, kto raz w tygodniu nazywa siebie głupcem”. Wszystko to jest całkiem zgodne z naszą erą…”.

Wielu reżyserów próbuje wystawić Dostojewskiego. Czy Film fabularny czy to spektakl - aktorzy i reżyserzy przedstawiają nam swojego Dostojewskiego tak, jak go rozumieją, jak widzą jego bohaterów, wyjaśniają psychologię swoich działań. To, w co wlewa się ta wizja - tragedia, komedia czy farsa - zależy od zadania, jakie stawia sobie reżyser, od tego, jaką ideę chce wysunąć na pierwszy plan. Ale, jak powiedział Lew Anninsky, „z Dostojewskim jest zawsze tak: idziesz się bawić, ale znajdujesz się na Sądzie Ostatecznym”.

Twórca „Karamazowów” i „Idioty” jest dziś najważniejszym autorem teatralnym. Jego prace najczęściej pojawiają się na scenie różne gatunki- od koncertu po polityczną farsę. Wybraliśmy najgłośniejsze występy.

"Kretyn"

Główną grudniową intrygą, związaną z Dostojewskim, jest premiera w Teatrze Narodów. Reżyser Maxim Didenko, autor przebojowych spektakli „Kawaleria” (Centrum im. Vs. Meyerholda) i „Kharms. Myr ”(„ Centrum Gogola ”) wystawił Idiotę. Wybrana estetyka - czarna klauna, groteska. Na pierwszym planie: trójkąt miłosny Myshkin - Nastasya Filippovna - Rogozhin. Sam Didenko mówi, że „w naszym świecie zatracono postrzeganie Dostojewskiego jako żywej ironicznej osoby”. Choć sceniczna wersja powieści obejmuje 20 postaci, w spektaklu bierze udział tylko czterech wykonawców - razem z Ingeborgą Dapkunaite, która zagra księcia Myszkina (!), Evgeny Tkachuk, Pavel Chinarev, Roman Shalyapin i Alexander Yakin wyjdą na scenę. Wszystkie wydarzenia będą rozgrywać się w przestrzeni stworzonej przez artystę Pavla Semchenko z radykalnego teatru AKHE, co oznacza, że ​​czekają na nas złożone video mappingi i fantastyczne kostiumy.