Orchestre jazz americane del primo Novecento. Grandi orchestre jazz

03.11.2019

Caratteristiche del jazz

La sintesi di due culture musicali ha reso il jazz un fenomeno radicalmente nuovo nell'arte mondiale. Le caratteristiche specifiche di questa nuova musica sono:

Ritmi sincopati che generano poliritmia.
La pulsazione ritmica della musica è un battito.
Il complesso di deviazione del battito è uno swing.
Improvvisazione costante nelle composizioni.
Una ricchezza di armonici, ritmi e timbri.

La base del jazz, specialmente nelle prime fasi di sviluppo, era l'improvvisazione combinata con una forma ponderata (mentre la forma della composizione non era necessariamente fissata da qualche parte). E dalla musica africana, questo nuovo stile ha preso le seguenti caratteristiche:

Comprendere ogni strumento come un tamburo.
Intonazioni colloquiali popolari durante l'esecuzione di composizioni.
Una simile imitazione della conversazione quando si suonano gli strumenti.

In generale, tutte le direzioni del jazz differiscono nelle proprie caratteristiche locali, quindi è logico considerarle nel contesto dello sviluppo storico.

L'emergere del jazz, ragtime (1880-1910)

Si ritiene che il jazz sia nato tra gli schiavi neri portati dall'Africa negli Stati Uniti d'America nel XVIII secolo. Poiché gli africani in cattività non erano rappresentati da una singola tribù, dovevano trovare una lingua comune con i loro parenti nel Nuovo Mondo. Questo consolidamento ha portato all'emergere di una cultura africana unificata in America, che includeva anche la cultura musicale. Fu solo negli anni 1880 e 1890 che apparve la prima musica jazz. Questo stile è stato guidato dalla domanda mondiale di musica da ballo popolare. Poiché l'arte musicale africana abbondava di tali danze ritmiche, fu sulla base che nacque una nuova direzione. Migliaia di americani della classe media, incapaci di padroneggiare le danze classiche aristocratiche, iniziarono a ballare al pianoforte in stile ragtime. Ragtime ha portato nella musica alcune delle basi future del jazz. Quindi, il principale rappresentante di questo stile, Scott Joplin, è l'autore dell'elemento "3 contro 4" (suono incrociato di schemi ritmici con 3 e 4 unità, rispettivamente).

New Orleans (1910-1920)

Il jazz classico è apparso all'inizio del ventesimo secolo negli stati meridionali dell'America, e in particolare a New Orleans (il che è logico, perché era nel sud che la tratta degli schiavi era diffusa).

Qui hanno suonato orchestre africane e creole, che hanno influenzato la loro musica con il ragtime, il blues e le canzoni dei lavoratori neri. Dopo l'apparizione in città di molti strumenti musicali di bande militari, iniziarono ad apparire gruppi amatoriali. Anche il leggendario musicista di New Orleans, creatore della sua orchestra, King Oliver era autodidatta. Una data importante nella storia del jazz fu il 26 febbraio 1917, quando l'Original Dixieland Jazz Band pubblicò il suo primo disco per grammofono. A New Orleans sono state anche stabilite le caratteristiche principali dello stile: il ritmo degli strumenti a percussione, un assolo magistrale, l'improvvisazione vocale con sillabe - scat.

Chicago (1910-1920)

Negli anni '20, definiti dai classici i “ruggenti anni Venti”, la musica jazz è entrata gradualmente nella cultura popolare, perdendo i titoli di “vergognoso” e “indecente”. Le orchestre stanno iniziando ad esibirsi nei ristoranti, spostandosi dagli stati del sud ad altre parti degli Stati Uniti. Chicago sta diventando il centro del jazz nel nord del paese, dove le esibizioni notturne gratuite di musicisti stanno guadagnando popolarità (durante tali spettacoli, c'erano frequenti improvvisazioni e solisti di terze parti). Arrangiamenti più complessi appaiono nello stile della musica. L'icona del jazz di questo periodo era Louis Armstrong, che si trasferì a Chicago da New Orleans. Successivamente, gli stili delle due città iniziarono a essere combinati in un genere di musica jazz: Dixieland. La caratteristica principale di questo stile era l'improvvisazione di massa collettiva, che elevava l'idea principale del jazz all'assoluto.

Swing e big band (1930-1940)

L'ulteriore aumento della popolarità del jazz ha causato la richiesta di grandi orchestre che suonano brani da ballo. È così che è apparso lo swing, che rappresenta le deviazioni caratteristiche in entrambe le direzioni dal ritmo. Lo swing divenne la principale direzione stilistica di quel tempo, manifestata nel lavoro delle orchestre. L'esecuzione di composizioni di danza armoniose richiedeva un gioco più armonioso dell'orchestra. I musicisti jazz dovevano partecipare in modo uniforme, senza troppa improvvisazione (tranne il solista), quindi l'improvvisazione collettiva di Dixieland è un ricordo del passato. Negli anni '30 fiorirono tali gruppi, che furono chiamati big band. Una caratteristica delle orchestre di quel tempo era la competizione di gruppi di strumenti, sezioni. Tradizionalmente, ce n'erano tre: sassofoni, trombe, tamburi. I più famosi sono i musicisti jazz e le loro orchestre: Glenn Miller, Benny Goodman, Duke Ellington. Quest'ultimo musicista è famoso per la sua devozione al folklore negro.

Bebop (1940)

L'allontanamento dello swing dalle tradizioni del primo jazz e, in particolare, dalle melodie e dagli stili classici africani, ha causato malcontento tra gli intenditori di storia. Grandi band e artisti swing, sempre più attivi per il pubblico, iniziarono a essere contrapposti alla musica jazz da piccoli ensemble di musicisti neri. Gli sperimentatori hanno introdotto melodie super veloci, riportato una lunga improvvisazione, ritmi complessi e una padronanza virtuosa di uno strumento solista. Il nuovo stile, che si posizionava come esclusivo, iniziò a chiamarsi bebop. Gli stravaganti musicisti jazz Charlie Parker e Dizzy Gillespie divennero le icone di questo periodo. La rivolta dei neri americani contro la commercializzazione del jazz, il desiderio di restituire questa musica alla sua intimità e unicità divenne un punto chiave. Da questo momento e da questo stile inizia il conto alla rovescia della storia del jazz moderno. Allo stesso tempo, i leader delle big band vengono alle piccole orchestre, desiderosi di prendersi una pausa dalle grandi sale. In gruppi chiamati combo, tali musicisti hanno aderito a uno stile swing, ma hanno avuto la libertà di improvvisare.

Cool jazz, hard bop, soul jazz e jazz-funk (1940-1960)

Negli anni '50 un genere musicale come il jazz iniziò a svilupparsi in due direzioni opposte. I sostenitori della musica classica hanno "raffreddato" il bebop, riportando di moda la musica accademica, la polifonia e gli arrangiamenti. Il cool jazz divenne noto per la sua moderazione, aridità e malinconia. I principali rappresentanti di questa direzione del jazz furono: Miles Davis, Chet Baker, Dave Brubeck. Ma la seconda direzione, al contrario, iniziò a sviluppare le idee del bebop. Lo stile hard bop predicava l'idea di tornare alle origini della musica nera. Melodie folk tradizionali, ritmi accesi e aggressivi, assoli esplosivi e improvvisazioni sono tornati di moda. Conosciuti nello stile hard bop: Art Blakey, Sonny Rollins, John Coltrane. Questo stile si è sviluppato organicamente insieme al soul jazz e al jazz-funk. Questi stili si avvicinavano al blues, rendendo il ritmo un aspetto chiave della performance. Il funk jazz, in particolare, è stato introdotto da Richard Holmes e Shirley Scott.

Jazz- un tipo di arte musicale che è apparsa tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo come risultato della miscelazione della cultura musicale africana degli schiavi neri e dell'europea. Dalla prima cultura, questo tipo di musica ha preso in prestito l'improvvisazione, il ritmo, la ripetizione ripetuta del motivo principale e dalla seconda l'armonia, che suona in minore e maggiore. Vale la pena notare che tali elementi del folklore degli schiavi africani portati in America come danze rituali, canti operai e religiosi e blues si riflettono anche nelle melodie jazz.

Le controversie sul luogo di origine del jazz sono ancora in corso. È noto che si diffuse in tutto il mondo dagli Stati Uniti, e la sua direzione classica ebbe origine a New Orleans, dove il 26 febbraio 1917, la "Original Dixieland Jazz Band" incise il primo disco di grammofono jazz.

Nel primo decennio del XX secolo, gli ensemble musicali che eseguivano improvvisazioni originali sui temi del blues, del ragtime e delle canzoni europee iniziarono a godere di particolare popolarità negli stati meridionali degli Stati Uniti. Erano chiamati "jazz-band", motivo per cui è nata la parola "jazz". Questi gruppi includevano musicisti che suonavano una varietà di strumenti, tra cui: tromba, clarinetto, trombone, banjo, tuba, contrabbasso, batteria e pianoforte.

Il jazz ha diverse caratteristiche che lo distinguono da altri generi musicali:

ritmo;
oscillazione;
strumenti che imitano il linguaggio umano;
una sorta di "dialogo" tra gli strumenti;
voci specifiche, che ricordano intonativamente una conversazione.

Il jazz è diventato parte integrante dell'industria musicale, diffondendosi in tutto il mondo. La popolarità delle melodie jazz ha portato alla creazione di un numero enorme di ensemble che le eseguono, nonché all'emergere di nuove direzioni di questo genere musicale. Oggi sono note più di 30 di queste direzioni, tra le quali le più popolari sono blues, soul, ragtime, swing, jazz-rock, jazz sinfonico.

Per chi volesse padroneggiare le basi di questo tipo di arte musicale, la decisione di acquistare un clarinetto, tromba, banjo, trombone o qualsiasi altro strumento jazz sarà un ottimo inizio nel percorso di padronanza di questo genere. Successivamente, un sassofono è stato incluso nella composizione di orchestre ed ensemble jazz, che oggi possono essere acquistati anche nel negozio online. Oltre a quelli elencati, anche gli strumenti musicali etnici possono far parte di un gruppo jazz.

Il Jazz (Jazz inglese) è una forma d'arte musicale sorta all'inizio del XX secolo negli Stati Uniti come risultato della sintesi delle culture africane ed europee e successivamente diffusasi.

Il jazz è musica straordinaria, dal vivo, in continua evoluzione, che assorbe il genio ritmico dell'Africa, i tesori dell'arte millenaria del tamburo, dei rituali, dei canti rituali. Aggiungi il canto corale e solista delle chiese battiste e protestanti: le cose opposte si sono fuse insieme, dando al mondo un'arte straordinaria! La storia del jazz è insolita, dinamica, piena di eventi straordinari che hanno influenzato il processo musicale mondiale.

Cos'è il jazz?

Tratti specifici:

poliritmia basata su ritmi sincopati,
bit - increspatura regolare,
swing: una deviazione dal ritmo, una serie di tecniche per eseguire una trama ritmica,
improvvisazione,
gamma armonica e timbrica colorata.

Questa direzione della musica è emersa all'inizio del XX secolo come risultato della sintesi delle culture africana ed europea come un'arte basata sull'improvvisazione in combinazione con una forma di composizione precedentemente pensata, ma non necessariamente registrata. Diversi artisti possono improvvisare contemporaneamente, anche se la voce solista si sente chiaramente nell'ensemble. L'immagine artistica finita dell'opera dipende dall'interazione dei membri dell'ensemble tra loro e con il pubblico.

L'ulteriore sviluppo della nuova direzione musicale è avvenuto grazie allo sviluppo di nuovi modelli ritmici e armonici da parte dei compositori.

Oltre allo speciale ruolo espressivo del ritmo, sono state ereditate altre caratteristiche della musica africana: l'interpretazione di tutti gli strumenti come percussioni, ritmiche; la predominanza delle intonazioni colloquiali nel canto, l'imitazione del discorso colloquiale quando si suona la chitarra, il pianoforte, gli strumenti a percussione.

La storia del jazz

Le origini del jazz risiedono nelle tradizioni della musica africana. I suoi fondatori possono essere considerati i popoli del continente africano. Gli schiavi portati nel Nuovo Mondo dall'Africa non provenivano dallo stesso clan, spesso non si capivano. La necessità di interazione e comunicazione ha portato all'unificazione, alla creazione di un'unica cultura, compresa la musica. È caratterizzato da ritmi complessi, danze con calpestio, schiaffi. Insieme ai motivi blues, hanno dato una nuova direzione musicale.

La commistione tra la cultura musicale africana ed europea, che ha subito importanti cambiamenti, è avvenuta a partire dal XVIII secolo e nel XIX ha portato all'emergere di una nuova direzione musicale. Pertanto, la storia mondiale del jazz è inseparabile dalla storia del jazz americano.

La storia dello sviluppo del jazz

La storia del jazz ha origine a New Orleans, nel sud americano. Questo palcoscenico è caratterizzato dall'improvvisazione collettiva di diverse versioni della stessa melodia da parte del trombettista (voce principale), clarinettista e trombonista sullo sfondo dell'accompagnamento in marcia di ottoni basso e batteria. Un giorno significativo - 26 febbraio 1917 - poi nello studio di New York della compagnia Victor, cinque musicisti bianchi di New Orleans registrarono il primo disco di grammofono. Prima dell'uscita di questo disco, il jazz è rimasto un fenomeno marginale, folklore musicale, e dopo - in poche settimane ha stordito e scosso l'intera America. La registrazione apparteneva alla leggendaria Original Dixieland Jazz Band. È così che il jazz americano ha iniziato la sua fiera marcia in tutto il mondo.

Negli anni '20 furono trovate le caratteristiche principali degli stili futuri: pulsazione uniforme del contrabbasso e delle percussioni, che promuovevano lo swing, assoli virtuosistici, un modo di improvvisazione vocale senza parole usando sillabe separate ("scat"). Il blues ha preso un posto significativo. Successivamente, entrambe le fasi - New Orleans, Chicago - sono combinate con il termine "Dixieland".

Nel jazz americano degli anni '20 nacque un sistema armonioso che fu chiamato "swing". Lo swing è caratterizzato dall'emergere di un nuovo tipo di orchestra: la big band. Con l'aumento dell'orchestra, fu necessario abbandonare l'improvvisazione collettiva, per passare all'esecuzione di arrangiamenti registrati su note. L'arrangiamento divenne una delle prime manifestazioni dell'inizio del compositore.

La big band è composta da tre gruppi di strumenti - sezioni, ognuna può suonare come uno strumento polifonico: sezioni di sassofono (poi con clarinetti), sezione "rame" (trombe e tromboni), sezione ritmica (pianoforte, chitarra, contrabbasso, batteria) .

Apparve un'improvvisazione solista basata su "square" ("chorus"). "Square" è una variazione uguale in durata (numero di misure) al tema, eseguita sullo sfondo dello stesso accompagnamento di accordi del tema principale, a cui l'improvvisatore adatta nuove svolte melodiche.

Negli anni '30, il blues americano divenne popolare, la forma della canzone di 32 misure si diffuse. Nello swing, il "riff" è ampiamente utilizzato: una linea ritmicamente flessibile di due quattro battute. Viene eseguito dall'orchestra mentre il solista improvvisa.

Tra le prime grandi band c'erano orchestre guidate da famosi musicisti jazz: Fletcher Henderson, Count Basie, Benny Goodman, Glen Miller, Duke Ellington. Quest'ultimo, già negli anni '40, si rivolse a grandi forme cicliche basate sul negro, folklore latinoamericano.

Il jazz americano negli anni '30 fu commercializzato. Pertanto, tra i dilettanti e gli intenditori della storia dell'origine del jazz, è sorto un movimento per il revival di stili precedenti e autentici. Il ruolo decisivo è stato svolto da piccoli ensemble negri degli anni '40, che hanno scartato tutto ciò che è stato progettato per un effetto esterno: pop, dance, song. Il tema era suonato all'unisono e quasi mai suonato nella sua forma originale, l'accompagnamento non richiedeva più la regolarità della danza.

Questo stile, che apre l'era moderna, è chiamato "bop" o "bebop". Gli esperimenti di talentuosi musicisti e artisti jazz americani - Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk e altri - hanno effettivamente posto le basi per lo sviluppo di una forma d'arte indipendente, solo superficialmente associata al genere pop e dance.

Dalla fine degli anni '40 alla metà degli anni '60 lo sviluppo si è svolto in due direzioni. Il primo includeva stili cool e della costa occidentale. Sono caratterizzati da un ampio uso dell'esperienza della musica seria classica e moderna - forme di concerto sviluppate, polifonia. La seconda direzione includeva stili "hardbop" - "hot", "energy" e vicino a lui "soul-jazz" (tradotto dall'inglese "soul" - "soul"), combinando i principi del vecchio bebop con le tradizioni del folklore negro , ritmi temperamentali e intonazioni spiritualiste.

Entrambe queste direzioni hanno molto in comune nel desiderio di eliminare la divisione dell'improvvisazione in quadrati separati, così come il valzer swing e le dimensioni più complesse.

Sono stati fatti tentativi per creare opere di grande forma: jazz sinfonico. Ad esempio, "Rhapsody in blues tone" di J. Gershwin, una serie di opere di I.F. Stravinskij. Dalla metà degli anni '50. gli esperimenti sulla combinazione dei principi del jazz e della musica moderna si sono nuovamente diffusi, già sotto il nome di "terza tendenza", anche tra gli interpreti russi ("Concerto per orchestra" di A.Ya. Eshpai, opere di M.M. Kazhlaev, 2° concerto per pianoforte con il orchestra di RKSchedrin, 1a sinfonia di AG Schnittke). In generale, la storia dell'emergere del jazz è ricca di esperimenti, strettamente intrecciati con lo sviluppo della musica classica, le sue direzioni innovative.

Dall'inizio degli anni '60. esperimenti attivi iniziano con l'improvvisazione spontanea, non limitata nemmeno a un tema musicale specifico - Freejazz. Tuttavia, il principio modale è ancora più importante: ogni volta che viene selezionato di nuovo un numero di suoni: il mod e i quadrati non chiaramente distinguibili. Alla ricerca di tali modalità, i musicisti si rivolgono alle culture dell'Asia, dell'Africa, dell'Europa, ecc. Negli anni '70. arrivano gli strumenti ei ritmi della musica rock giovanile, basati su una suddivisione del ritmo più fine che mai. Questo stile viene prima chiamato "fusion", ad es. "lega".

Insomma, la storia del jazz è una storia di ricerca, unità, sperimentazioni audaci, amore ardente per la musica.

I musicisti e gli amanti della musica russi sono sicuramente curiosi della storia dell'emergere del jazz in Unione Sovietica.

Nel periodo prebellico, il jazz nel nostro paese si sviluppò all'interno delle orchestre pop. Nel 1929 Leonid Utyosov organizzò un'orchestra pop e chiamò il suo collettivo "Tea-Jazz". Gli stili Dixieland e Swing sono stati praticati nelle orchestre di A.V. Varlamova, N.G. Minha, A.N. Tsfasman e altri. Dalla metà degli anni '50. iniziano a svilupparsi piccoli collettivi amatoriali ("Eight Central House of Arts", "Leningrad Dixieland"). Molti artisti di spicco hanno iniziato la loro vita in loro.

Negli anni '70, è iniziata la formazione presso i dipartimenti di varietà delle scuole di musica, sono stati pubblicati sussidi didattici, spartiti e dischi.

Dal 1973 pianista L.A. Chizhik ha iniziato a esibirsi con "serate di improvvisazione jazz". Ensemble sotto la direzione di I. Bril, "Arsenal", "Allegro", "Kadans" (Mosca), D.S. Goloshchekina (Leningrado), gruppi di V. Ganelin e V. Chekasin (Vilnius), R. Raubishko (Riga), L. Vintskevich (Kursk), L. Saarsalu (Tallinn), A. Lyubchenko (Dnepropetrovsk), M. Yuldybaeva ( Ufa), orchestra O.L. Lundstrem, i collettivi di K.A. Orbelyan, A.A. Kroll ("Contemporaneo").

Il jazz nel mondo moderno

Il mondo della musica di oggi è vario, in via di sviluppo dinamico, stanno emergendo nuovi stili. Per potervi navigare liberamente, per comprendere i processi in corso, è necessario conoscere almeno una breve storia del jazz! Oggi assistiamo al mescolamento di un numero crescente di culture mondiali, avvicinandoci costantemente a quella che, in sostanza, sta già diventando "world music". Il jazz di oggi incorpora suoni e tradizioni provenienti da quasi ogni angolo del globo. Compreso il ripensamento e la cultura africana, con cui tutto è cominciato. Lo sperimentalismo europeo con sfumature classiche continua a influenzare la musica di giovani pionieri come Ken Vandermark, un sassofonista d'avanguardia noto per il suo lavoro con importanti contemporanei come i sassofonisti Mats Gustafsson, Evan Parker e Peter Brotzmann. Altri giovani musicisti più tradizionali che continuano a cercare la propria identità includono i pianisti Jackie Terrasson, Benny Green e Braid Meldoa, i sassofonisti Joshua Redman e David Sanchez e i batteristi Jeff Watts e Billy Stewart. L'antica tradizione del suono continua ed è attivamente supportata da artisti come il trombettista Winton Marsalis, che lavora con un'intera squadra di assistenti, suona nelle sue piccole bande e dirige la Lincoln Center Orchestra. Sotto i suoi auspici i pianisti Marcus Roberts ed Eric Reed, il sassofonista Wes "Warmdaddy" Anderson, il trombettista Marcus Printup e il vibrafonista Stephen Harris sono cresciuti come grandi maestri.

Il bassista Dave Holland è anche un grande scopritore di giovani talenti. Tra le sue numerose scoperte ci sono i sassofonisti Steve Coleman, Steve Wilson, il vibrafonista Steve Nelson e il batterista Billy Kilson.

Altri grandi mentori di giovani talenti includono il leggendario pianista Chick Corea, il compianto batterista Alvin Jones e la cantante Betty Carter. Il potenziale per l'ulteriore sviluppo di questa musica è ora grande e vario. Ad esempio, il sassofonista Chris Potter sta pubblicando una versione mainstream con il proprio nome e sta registrando contemporaneamente con un altro grande batterista d'avanguardia, Paul Motian.

Dobbiamo ancora goderci centinaia di meravigliosi concerti ed esperimenti audaci, per assistere all'emergere di nuove direzioni e stili - questa storia non è ancora stata completata!

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Come un tipo di musica sviluppato a cavallo tra il XIX e il XX secolo. come risultato della sintesi di elementi di due culture musicali: europea e africana. Degli elementi africani, si può notare la poliritmicità, la ripetizione multipla del motivo principale, l'espressività vocale, l'improvvisazione, che è penetrata nel jazz insieme alle forme comuni del folklore musicale negro - danze rituali, canti di lavoro, spiritual e blues.

Parola "Jazz", originariamente "Banda jazz", iniziò ad essere utilizzato a metà del I decennio del XX secolo. negli stati del sud per riferirsi alla musica creata da piccoli ensemble di New Orleans (tromba, clarinetto, trombone, banjo, tuba o contrabbasso, batteria e pianoforte) nel processo di improvvisazione collettiva su temi di blues, ragtime e canzoni popolari europee e balli.

Per conoscenza, puoi ascoltare e Cesaria Evora, e, e molti altri.

Quindi, cos'è Jazz acido? Questo è uno stile musicale funky con elementi incorporati di jazz, funk anni '70, hip-hop, soul e altri stili. Può essere campionato, può essere "vivo" e può essere una miscela degli ultimi due.

Soprattutto, Jazz acido si concentra sulla musica, non sul testo/parole. Questa è musica da club che mira a farti muovere.

Primo singolo in grande stile Jazz acido era "Federico mente ancora", autore Galliano... Era una cover del pezzo Curtis Mayfield "Freddie" è morto" dal film "Supervolare".

Grande contributo alla promozione e al sostegno dello stile Jazz acido introdotto Gilles Peterson chi era il DJ di KISS FM. È stato uno dei primi a stabilire Jazz acido etichetta. Tra la fine degli anni '80 e l'inizio degli anni '90, sono apparsi molti artisti Jazz acido che sono stati presentati come comandi "live" - , Galliano, Jamiroquai, Don Cherry e progetti in studio - PALm Skin Productions, Mondo GroSSO, Outside, e Organizzazione futura unita.

Naturalmente, questo non è uno stile jazz, ma un tipo di ensemble strumentale jazz, ma tuttavia è stato incluso nella tabella, perché qualsiasi jazz eseguito da una "big band" si distingue molto fortemente sullo sfondo dei singoli artisti jazz e dei piccoli gruppi.
Il numero di musicisti nelle big band di solito varia da dieci a diciassette persone.
Formata alla fine degli anni '20, è composta da tre gruppi orchestrali: sassofoni - clarinetti(Rulli), ottoni(Ottoni, furono distinti gruppi successivi di trombe e tromboni), sezione ritmica(Sezione ritmica - pianoforte, contrabbasso, chitarra, strumenti musicali a percussione). La fioritura della musica grandi band, iniziata negli Stati Uniti negli anni '30, è associata a un periodo di entusiasmo di massa per lo swing.

Successivamente, fino ai giorni nostri, le big band si sono esibite ed eseguono musica di un'ampia varietà di stili. Tuttavia, in sostanza, l'era delle big band inizia molto prima e risale ai tempi dei teatri dei menestrelli americani della seconda metà del XIX secolo, che spesso aumentavano il numero di attori a diverse centinaia di attori e musicisti. Ascolta L'originale Dixieland Jazz Band, la Creole Jazz Band di King Oliver, l'orchestra di Glenn Miller e la sua orchestra e apprezzerai tutta la bellezza del jazz eseguito da big band.

Uno stile jazz che è emerso all'inizio - metà degli anni '40 del 20 ° secolo e ha aperto l'era del jazz moderno. È caratterizzato da un ritmo veloce e improvvisazioni complesse basate su un'armonia mutevole, non sulla melodia.
Il ritmo super veloce della performance è stato introdotto da Parker e Gillespie per tenere fuori i non professionisti dalle loro nuove improvvisazioni. Tra le altre cose, un comportamento oltraggioso è diventato un segno distintivo di tutti i membri del Bebop. La tromba curva "Dizzy" di Gillespie, il comportamento di Parker e Gillespie, i cappelli ridicoli di Monk, ecc.
Nato come reazione alla diffusa diffusione dello swing, il bebop ha continuato a sviluppare i suoi principi nell'uso dei mezzi espressivi, ma allo stesso tempo ha scoperto una serie di tendenze opposte.

A differenza dello swing, che è principalmente la musica di grandi gruppi di danza commerciali, il bebop è un movimento creativo sperimentale nel jazz, associato principalmente alla pratica di piccoli ensemble (combo) e anti-commerciale nella sua attenzione.
Il palcoscenico del bebop è stato un significativo cambiamento di enfasi nel jazz dalla musica dance popolare alla "musica per musicisti" più altamente artistica, intellettuale, ma meno mainstream. I musicisti bop preferivano improvvisazioni complesse basate sull'esecuzione di accordi anziché su melodie.
I principali mandanti della nascita furono: sassofonista, trombettista, pianista Bud Powell e Thelonious Monaco, batterista Max scarafaggio... Se vuoi essere bop Ascoltare , Michel Legrand, Joshua Redman Elastic Band, Jan Garbarek, Modern Jazz Quartet.

Uno degli stili del jazz moderno, formato a cavallo degli anni '40 - '50 del XX secolo sulla base dello sviluppo delle conquiste dello swing e del bop. L'origine di questo stile è principalmente associata al nome del sassofonista swing negro L. Young, che sviluppò il modo “freddo” di produzione del suono, opposto all'ideale sonoro dell'hot jazz (il cosiddetto suono di Lester); ha anche introdotto per la prima volta il termine “kul”. Inoltre, i presupposti del cool jazz si trovano nel lavoro di molti musicisti bebop, come, ad esempio, C. Parker, T. Monk, M. Davis, J. Lewis, M. Jackson e altri.

Allo stesso tempo bel jazz ha differenze significative da bop... Ciò si è manifestato in un allontanamento dalle tradizioni dell'hot jazz seguito dal bop, nel rifiuto dell'eccessiva espressività ritmica e dell'instabilità dell'intonazione, dall'enfasi deliberata di un sapore specificamente negro. Questo stile è stato interpretato da: , Stan Getz, Modern Jazz Quartet, Dave Brubeck, Zoot Sims, Paul Desmond.

Con il graduale declino dell'attività musicale rock a partire dai primi anni '70, con il decrescente flusso di idee dal mondo del rock, la musica fusion è diventata più semplice. Allo stesso tempo, molti iniziarono a rendersi conto che il jazz elettrico poteva diventare più commerciale, i produttori e alcuni musicisti iniziarono a cercare tali combinazioni di stili per aumentare la commerciabilità. Hanno davvero creato con successo un tipo di jazz più accessibile all'ascoltatore medio. Negli ultimi due decenni sono emerse molte combinazioni diverse, per le quali promotori e pubblicisti amano usare l'espressione "Jazz contemporaneo", usata per descrivere la "fusione" del jazz con elementi di pop, rhythm and blues e "world music".

Tuttavia, la parola "crossover" denota più accuratamente l'essenza della questione. Crossover e fusion raggiunsero il loro obiettivo e aumentarono il pubblico per il jazz, soprattutto grazie a chi era stufo di altri stili. In alcuni casi, questa musica merita attenzione, sebbene per lo più il contenuto del jazz in essa contenuto sia ridotto a zero. Esempi di stile crossover vanno da (Al Jarreau) e voce (George Benson) a (Kenny G), "Spyro Gira" e " " ... C'è un'influenza jazz in tutto questo, ma, ciò nonostante, questa musica si inserisce nel regno della pop art, che è rappresentato da Gerald Albright, George Duke, sassofonista Bill Evans, Dave Grusin,.

Dixielandè la più ampia designazione per lo stile musicale dei primi musicisti jazz di New Orleans e Chicago che hanno registrato dischi dal 1917 al 1923. Questo concetto si applica anche al periodo del successivo sviluppo e revival del jazz di New Orleans - Il risveglio di New Orleans che continuò dopo gli anni '30. Alcuni storici attribuiscono Dixieland solo alla musica delle bande bianche che suonano lo stile jazz di New Orleans.

A differenza di altre forme di jazz, il repertorio di opere teatrali dei musicisti Dixieland rimase piuttosto limitato, offrendo infinite variazioni di temi all'interno delle stesse melodie composte durante il primo decennio del XX secolo e includevano ragtime, blues, onestep, two-step, march e melodie popolari. Per uno stile performante Dixieland caratteristico era il complesso intreccio delle singole voci nell'improvvisazione collettiva dell'intero ensemble. Il solista di apertura e gli altri solisti che hanno continuato a suonare sembravano resistere al "riffing" del resto dei fiati, fino alle frasi finali, che di solito vengono eseguite alla batteria sotto forma di ritornelli a quattro tempi, che, a loro volta, hanno avuto risposta l'intero ensemble.

I principali rappresentanti di questa epoca erano L'originale Dixieland Jazz Band, Joe King Oliver e la sua famosa orchestra, Sidney Bechet, Kid Ory, Johnny Dodds, Paul Mares, Nick LaRocca, Bix Beiderbecke e Jimmy McPartland... I musicisti di Dixieland stavano essenzialmente cercando un revival del classico jazz di New Orleans del passato. Questi tentativi ebbero molto successo e, grazie alle generazioni successive, continuano ancora oggi. Il primo revival della tradizione Dixieland ebbe luogo negli anni '40.
Ecco alcuni dei jazzisti che hanno suonato Dixieland: Kenny Ball, Lu Watters Yerna Buena Jazz Band, Turk Murphys Jazz Band.

Una nicchia separata nella comunità degli stili jazz è stata occupata da un'azienda tedesca dai primi anni '70. ECM (Edizione di Musica Contemporanea- Casa Editrice di Musica Contemporanea), che divenne via via il centro di un'associazione di musicisti che professavano non tanto un attaccamento all'origine afroamericana del jazz, quanto la capacità di risolvere un'ampia varietà di problemi artistici, non limitandosi a un certo stile, ma in linea con il processo di improvvisazione creativa.

Nel tempo, tuttavia, si è sviluppato un certo volto dell'azienda, che ha portato alla separazione degli artisti di questa etichetta in una direzione stilistica su larga scala e pronunciata. L'orientamento del creatore dell'etichetta, Manfred Eicher, a unire una varietà di idiomi jazz, folklore mondiale e nuova musica accademica in un unico suono impressionistico, ha reso possibile con l'aiuto di questi mezzi rivendicare la profondità e la comprensione filosofica dei valori della vita.

Lo studio di registrazione principale dell'azienda con sede a Oslo è chiaramente correlato al ruolo di primo piano nel catalogo dei musicisti scandinavi. Prima di tutto, questi sono norvegesi Jan Garbarek, Terje Rypdal, Nils Petter Molvaer, Arild Andersen, Jon Christensen... Tuttavia, la geografia dell'ECM abbraccia il mondo intero. Ecco gli europei Dave Holland, Tomasz Stanko, John Surman, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Mikhail Alperin e rappresentanti di culture extraeuropee Egberto Gismonti, Flora Purim, Zakir Hussain, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem e molti altri. L'American Legion non è meno rappresentativa - Jack DeJohnette, Charles Lloyd, Ralph Towner, Redman Dewey, Bill Frisell, John Abercrombie, Leo Smith... L'impulso rivoluzionario iniziale delle pubblicazioni dell'azienda si è trasformato nel tempo in un suono meditativo e distaccato di forme aperte con strati sonori accuratamente levigati.

Alcuni degli aderenti al mainstream negano il percorso scelto dai musicisti di questa direzione; tuttavia, il jazz, come cultura mondiale, si sta sviluppando nonostante queste obiezioni e sta dando risultati molto impressionanti.

In contrasto con la raffinatezza e la freddezza dello stile cool, la razionalità del progressive sulla costa orientale degli Stati Uniti, i giovani musicisti nei primi anni '50 hanno continuato a sviluppare lo stile bebop apparentemente esausto. L'aumento dell'autocoscienza degli afroamericani, caratteristico degli anni '50, ha svolto un ruolo significativo in questa tendenza. È stata nuovamente attirata l'attenzione sul rimanere fedeli alle tradizioni di improvvisazione afroamericane. Allo stesso tempo, tutti i risultati del bebop sono stati preservati, ma molti dei risultati del kul sono stati aggiunti a loro sia nel campo dell'armonia che nel campo delle strutture ritmiche. I musicisti della nuova generazione, di regola, avevano una buona educazione musicale. Questa corrente, che ha ricevuto il nome "hard-bop" si è rivelato piuttosto numeroso. I trombettisti si sono uniti a Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown, Donald Byrd, pianisti Thelonious Monk, Horace Silver, batterista Blake d'arte, sassofonisti Sonny Rollins, Hank Mobley, Cannonball Edderly, contrabbassista Paul Chambers e molti altri.

Per lo sviluppo del nuovo stile, un'ulteriore innovazione tecnica si è rivelata essenziale, consistente nella comparsa di dischi di lunga durata. Ora puoi registrare lunghi assoli. Per i musicisti, questa è diventata una tentazione e una prova difficile, dal momento che non tutti sono in grado di esprimersi in modo completo e succinto per molto tempo. Il primo di questi vantaggi è stato sfruttato dai trombettisti, che hanno modificato lo stile di Dizzy Gillespie in un modo più calmo ma profondo. I più influenti erano Grassi Navarro e Clifford Brown... L'attenzione principale di questi musicisti non era rivolta ai passaggi virtuosistici ad alta velocità nel registro superiore, ma alle linee melodiche ponderate e logiche.

L'hot jazz è considerato la musica dei pionieri di New Orleans della seconda ondata, la cui più alta attività creativa ha coinciso con l'esodo di massa dei musicisti jazz di New Orleans verso il nord, principalmente a Chicago. Questo processo, iniziato poco dopo la chiusura di Storyville a seguito dell'ingresso degli Stati Uniti nella prima guerra mondiale e la dichiarazione di New Orleans come porto navale per questo motivo, ha segnato la cosiddetta era di Chicago nella storia del jazz. Il principale rappresentante di questa scuola era Louis Armstrong. Mentre si esibiva ancora nell'ensemble King Oliver, Armstrong apportò cambiamenti rivoluzionari nel concetto di improvvisazione jazz in quel momento, passando dagli schemi tradizionali di improvvisazione collettiva all'esecuzione di singole parti soliste.

Il nome stesso di questo tipo di jazz è legato all'intensità emotiva caratteristica del modo in cui vengono eseguite queste parti soliste. Il termine Hot era originariamente sinonimo di improvvisazione jazz da solista per evidenziare le differenze nell'approccio all'assolo che si verificavano nei primi anni '20. Successivamente, con la scomparsa dell'improvvisazione collettiva, questo concetto iniziò ad essere associato al modo di eseguire materiale jazz, in particolare a un suono speciale che determina lo stile strumentale e vocale dell'esecuzione, la cosiddetta intonazione volente o calda: un insieme di metodi speciali di ritmizzazione e caratteristiche di intonazione specifiche.

Forse il movimento più controverso nella storia del jazz è sorto con l'emergere del "free jazz". Sebbene gli elementi "Jazz libero" esisteva molto prima della comparsa del termine stesso, in "esperimenti" Coleman Hawkins, Pee Wee Russell e Lenny Tristano, ma solo verso la fine degli anni '50 grazie agli sforzi di pionieri come il sassofonista e il pianista Cecil Taylor, questa direzione ha preso forma come uno stile indipendente.

Cosa hanno fatto questi due musicisti insieme ad altri, compreso John Coltrane, Albert Eulero e comunità come Sun ra orchestra e un gruppo chiamato The Revolutionary Ensemble consisteva in vari cambiamenti nella struttura e nell'atmosfera della musica.
Tra le novità introdotte con fantasia e grande musicalità c'era il rifiuto della progressione di accordi, che permetteva alla musica di muoversi in qualsiasi direzione. Un altro cambiamento fondamentale è stato riscontrato nell'area del ritmo, dove lo "swing" è stato rivisto o ignorato del tutto. In altre parole, pulsazione, metro e groove non erano più essenziali per questa lettura del jazz. Un altro componente chiave era l'atonalità. Ora l'enunciazione musicale non era più basata sul consueto sistema tonale.

Note stridule, latranti e convulse riempirono completamente questo nuovo mondo sonoro. Il free jazz continua ad esistere oggi come forma di espressione praticabile, e infatti non è più uno stile così controverso come era accettato all'alba del suo inizio.

Forse il movimento più controverso nella storia del jazz è nato con l'emergere del "free jazz".

Una tendenza di stile moderno emersa negli anni '70 sulla base del jazz-rock, sintesi di elementi di musica accademica europea e folklore extraeuropeo.
Le composizioni jazz-rock più interessanti sono caratterizzate dall'improvvisazione, combinata con soluzioni compositive, l'uso di principi armonici e ritmici della musica rock, l'incarnazione attiva della melodia e del ritmo dell'Oriente, l'introduzione di mezzi elettronici di elaborazione e sintesi del suono nella musica.

In questo stile, si è ampliato il campo di applicazione dei principi modali, l'insieme dei vari modi, anche esotici. Negli anni '70, il jazz-rock divenne incredibilmente popolare, i musicisti più attivi si unirono ad esso. Il jazz-rock, più sviluppato in relazione alla sintesi di vari mezzi musicali, fu chiamato "fusion" (fusion, fusion). Un ulteriore impulso alla "fusion" fu il prossimo (non il primo nella storia del jazz) inchino alla musica accademica europea.

In molti casi, la fusion diventa in realtà una combinazione di jazz con pop regolare e rhythm and blues leggero; incrociato. L'ambizione della musica fusion per la profondità e l'empowerment musicale è rimasta insoddisfatta, anche se in rare occasioni la ricerca continua, ad esempio in gruppi come Tribal Tech e Chick Corea ensemble. Ascolta: Weather Report, Brand X, Mahavishnu Orchestra, Miles Davis, Spyro Gyra, Tom Coster, Frank Zappa, Urban Knights, Bill Evans, da New Niacin, Tunnels, CAB.

Moderno funky appartiene agli stili popolari del jazz degli anni '70 e '80, in cui gli accompagnatori suonano nello stile del black pop soul, mentre le improvvisazioni solistiche sono più creative e di natura jazz. La maggior parte dei sassofonisti di questo stile usa il proprio set di frasi semplici, che consistono in grida e gemiti blues. Si basano su una tradizione presa dagli assoli di sassofono nelle registrazioni vocali rhythm and blues come King Curtis su Coasters. Junior Walker con i gruppi vocali dell'etichetta Motown, David Sanborn con "Blues Band" di Paul Butterfield. Una figura di spicco in questo genere - che spesso suonava da solista con stile Hank Crawford con accompagnamento funky. Gran parte della musica , e i loro studenti stanno usando questo approccio. funzionano anche in stile "funk moderno".

Il termine ha due significati. In primo luogo, è un mezzo espressivo nel jazz. Un tipo caratteristico di pulsazione basato su deviazioni costanti del ritmo dai lobi di riferimento. Questo crea l'impressione di una grande energia interna in uno stato di equilibrio instabile. In secondo luogo, lo stile del jazz orchestrale che si sviluppò a cavallo tra gli anni '20 e '30 come risultato della sintesi di stili di musica jazz negri ed europei.

Definizione iniziale "jazz rock" era il più chiaro: una combinazione di improvvisazione jazz con l'energia ei ritmi della musica rock. Fino al 67, i mondi del jazz e del rock esistevano quasi separatamente. Ma a questo punto il rock diventa più creativo e complicato, il rock psichedelico, appare la musica soul. Allo stesso tempo, alcuni musicisti jazz iniziarono ad annoiarsi con il puro hardbop, ma non volevano suonare musica d'avanguardia difficile da ascoltare. Di conseguenza, due diversi idiomi hanno iniziato a scambiarsi idee e ad unire le forze.

Dal 1967 chitarrista Larry Coryell, suonatore di vibrafono Gary Burton, nel 1969 batterista Billy Cobham con il gruppo "Dreams", in cui suonavano i fratelli Brecker, iniziarono a padroneggiare nuovi spazi di stile.
Alla fine degli anni '60, Miles Davis aveva il potenziale per passare al jazz rock. È stato uno dei fondatori del jazz modale, sulla base del quale, utilizzando il ritmo 8/8 e strumenti elettronici, fa un nuovo passo, registrando gli album "Bitches Brew", "In a Silent Way". Insieme a lui in questo momento c'è una brillante galassia di musicisti, molti dei quali diventeranno poi le figure fondamentali di questa direzione - (John McLaughlin), Joe Zawinul(Joe Zawinul), Herbie Hancock... L'ascetismo, il laconicismo, la contemplazione filosofica, caratteristici di Davis, si rivelarono molto utili nel nuovo stile.

All'inizio degli anni '70 jazz rock aveva il suo volto distinto come stile jazz creativo, sebbene fosse ridicolizzato da molti puristi del jazz. I principali gruppi della nuova direzione erano "Ritorno all'eternità", "Rapporto meteo", "The Mahavishnu Orchestra", vari ensemble Miles Davis... Suonavano jazz rock di alta qualità che combinava una vasta gamma di tecniche sia dal jazz che dal rock. Asian Kung-Fu Generation, Ska - Jazz Foundation, John Scofield Uberjam, Gordian Knot, Miriodor, Trey Gunn, trio, Andy Summers, Erik Truffaz- dovresti assolutamente ascoltare per capire quanto sia diversa la musica progressive e jazz-rock.

Stile jazz-rapè stato un tentativo di fondere la musica afroamericana degli ultimi decenni con una nuova forma dominante del presente, che rendesse omaggio e infondesse nuova vita al primo elemento di questa fusione, oltre ad ampliare gli orizzonti del secondo. I ritmi jazz-rap sono stati completamente presi in prestito dall'hip-hop, e i campioni e la trama sonora provenivano principalmente da stili musicali come il cool jazz, il soul-jazz e l'hard bop.

Questo stile era il più cool e famoso tra gli altri stili hip-hop, e molti artisti hanno mostrato una coscienza politica afro-centrista, aggiungendo accuratezza storica a questo stile. Dato il pregiudizio intellettuale di questa musica, non sorprende che il jazz-rap non sia mai diventato uno dei preferiti per strada; ma poi nessuno ci ha pensato.

Gli stessi rappresentanti del jazz-rap si definivano sostenitori di un'alternativa più positiva al movimento hardcore / gangsta, che ha estromesso il rap dalle posizioni di primo piano nei primi anni '90. Miravano a diffondere l'hip-hop agli ascoltatori che non possono accettare o comprendere la crescente aggressività della cultura musicale urbana. Così, il jazz-rap ha trovato la maggior parte dei suoi fan nei dormitori degli studenti, ed è stato anche supportato da una serie di critici e fan del rock alternativo bianco.

Comando Lingue native (afrika bambaataa)- questo gruppo rap afroamericano con sede a New York è diventato una potente forza che rappresenta lo stile jazz-rap e include gruppi come A Tribe Called Quest, De La Soul e The Jungle Brothers... Quelli che presto hanno iniziato il loro lavoro Pianeti Digabili e Gang star acquisito anche notorietà. A metà della fine degli anni '90, il rap alternativo ha iniziato a disgregarsi in un gran numero di sottostili e il jazz-rap è diventato raramente un elemento di un nuovo suono.

Essendo una delle forme d'arte musicale più venerate in America, il jazz ha gettato le basi per un'intera industria, rivelando al mondo numerosi nomi di geniali compositori, strumentisti e cantanti e generando una vasta gamma di generi. I 15 musicisti jazz più influenti sono responsabili di un fenomeno globale che si è verificato nell'ultimo secolo nella storia del genere.

Il jazz si è sviluppato alla fine del XIX secolo e all'inizio del XX come una direzione che combina suoni classici europei e americani con motivi folk africani. I brani sono stati eseguiti con un ritmo sincopato, dando impulso allo sviluppo, e successivamente alla formazione di grandi orchestre per la sua esecuzione. La musica ha fatto un grande passo avanti dal ragtime al jazz moderno.

L'influenza della cultura musicale dell'Africa occidentale è evidente in ciò che la musica viene scritta e come viene eseguita. Poliritmia, improvvisazione e sincope sono ciò che caratterizza il jazz. Nel secolo scorso, questo stile è cambiato sotto l'influenza dei contemporanei del genere, che hanno contribuito con la loro esibizione all'essenza dell'improvvisazione. Cominciarono ad apparire nuove direzioni: bebop, fusion, jazz latinoamericano, free jazz, funk, acid jazz, hard bop, smooth jazz e così via.

15 Arte Tatum

Art Tatum è un pianista jazz e virtuoso che era praticamente cieco. È conosciuto come uno dei più grandi pianisti di tutti i tempi, che ha cambiato il ruolo del pianoforte nell'ensemble jazz. Tatum si è dato da fare per creare il suo stile di gioco unico, aggiungendo ritmo swing e fantastica improvvisazione. Il suo atteggiamento nei confronti della musica jazz ha cambiato radicalmente l'importanza del pianoforte a coda nel jazz come strumento musicale rispetto alle caratteristiche precedenti.

Tatum ha sperimentato le armonie della melodia, influenzando la struttura dell'accordo e ampliandola. Tutto ciò ha caratterizzato lo stile del bebop, che è noto per diventare popolare dieci anni dopo, quando sono apparse le prime registrazioni di questo genere. I critici hanno anche notato la sua tecnica di esecuzione impeccabile: Art Tatum è stato in grado di suonare i passaggi più difficili con una tale facilità e velocità che sembrava che le sue dita toccassero a malapena i tasti bianchi e neri.

14 Thelonious Monaco

Alcuni dei suoni più complessi e diversi possono essere trovati nel repertorio del pianista e compositore, uno dei rappresentanti più importanti dell'era dell'emergere del bebop e del suo successivo sviluppo. La sua stessa personalità di musicista eccentrico ha contribuito a rendere popolare il jazz. Monk, sempre vestito con abito, cappello e occhiali da sole, ha espresso apertamente il suo atteggiamento libero nei confronti della musica improvvisata. Non accettò regole rigide e formò il suo approccio alla scrittura di saggi. Alcune delle sue opere più brillanti e famose sono Epistrophy, Blue Monk, Straight, No Chaser, I Mean You e Well, You Needt't.

Lo stile di gioco di Monk si basava su un approccio innovativo all'improvvisazione. Le sue opere si distinguono per passaggi percussivi e pause brusche. Molto spesso, proprio durante le sue esibizioni, saltava in piedi dal pianoforte e ballava mentre gli altri membri della band continuavano a suonare la melodia. Thelonious Monk rimane uno dei musicisti jazz più influenti nella storia del genere.

13 Carlo Mingus

L'acclamato virtuoso del contrabbasso, compositore e band leader è stato uno dei musicisti più straordinari della scena jazz. Ha sviluppato un nuovo stile musicale, combinando gospel, hard bop, free jazz e musica classica. I contemporanei chiamavano Mingus "l'erede di Duke Ellington" per la sua fantastica capacità di scrivere opere per piccoli ensemble jazz. Nelle sue composizioni, tutti i membri della squadra hanno dimostrato l'abilità di suonare, ognuno dei quali non era solo talentuoso, ma era caratterizzato da uno stile di gioco unico.

Mingus selezionava accuratamente i musicisti che componevano la sua band. Il leggendario contrabbassista era noto per la sua irascibilità e una volta ha persino preso a pugni in faccia il trombonista Jimmy Knepper, facendogli perdere un dente. Mingus soffriva di un disturbo depressivo, ma non era pronto a sopportare il fatto che ciò avesse in qualche modo influenzato la sua attività creativa. Nonostante questo disturbo, Charles Mingus è una delle figure più influenti nella storia del jazz.

12 Arte Blakey

Art Blakey era un famoso batterista americano e leader della band che ha fatto un tuffo nello stile e nella tecnica delle batterie. Ha combinato swing, blues, funk e hard bop - uno stile che si sente oggi in ogni composizione jazz moderna. Insieme a Max Roach e Kenny Clarke, ha inventato un nuovo modo di suonare il bebop alla batteria. Per più di 30 anni, la sua band The Jazz Messengers ha dato il via al grande jazz a molti artisti jazz: Benny Golson, Wayne Shorter, Clifford Brown, Curtis Fuller, Horace Silver, Freddie Hubbard, Keith Jarrett, ecc.

I Jazz Ambassadors non si limitavano a creare musica fenomenale: erano una sorta di "campo di allenamento musicale" per giovani musicisti di talento come la band di Miles Davis. Lo stile di Art Blakey ha cambiato il suono stesso del jazz, diventando una nuova pietra miliare musicale.

11 Dizzy Gillespie

Il trombettista jazz, cantante, compositore e leader della band è diventato una figura di spicco ai tempi del bebop e del jazz moderno. Il suo stile di tromba ha influenzato lo stile di Miles Davis, Clifford Brown e Fats Navarro. Dopo aver trascorso del tempo a Cuba, al ritorno negli Stati Uniti, Gillespie è stato uno dei musicisti che ha promosso attivamente il jazz afro-cubano. Oltre alla sua inimitabile esibizione su una tromba distintamente curva, Gillespie era riconoscibile dai suoi occhiali con la montatura di corno e dalle guance incredibilmente grandi mentre suonava.

Il grande improvvisatore jazz Dizzy Gillespie, come Art Tatum, innovò l'armonia. Le composizioni di Salt Peanuts e Goovin 'High erano ritmicamente completamente diverse dai lavori precedenti. Rimanendo fedele al bebop per tutta la sua carriera, Gillespie è ricordato come uno dei trombettisti jazz più influenti.

10 Max scarafaggio

Tra i primi dieci musicisti jazz più influenti nella storia del genere c'è Max Roach, un batterista noto come uno dei pionieri del bebop. Lui, come pochi altri, ha influenzato la batteria moderna. Roach era un attivista per i diritti civili e ha collaborato con Oscar Brown Jr. e Coleman Hawkins nell'album We Insist! - Freedom Now, dedicato al centenario della firma del Proclama di Emancipazione. Max Roach è un uomo dallo stile di esecuzione impeccabile, capace di suonare lunghi assoli per tutto il concerto. Assolutamente ogni pubblico è stato deliziato dalla sua consumata abilità.

9 Billie Holiday

Lady Day è la preferita di milioni. Billie Holiday ha scritto solo poche canzoni, ma quando cantava avvolgeva la sua voce fin dalle prime note. La sua performance è profonda, personale e persino intima. Il suo stile e la sua intonazione sono ispirati al suono degli strumenti musicali che ha ascoltato. Come quasi tutti i musicisti sopra descritti, è diventata l'ideatrice di uno stile nuovo, ma già vocale, basato su lunghe frasi musicali e sul tempo del loro canto.

Il famoso Strange Fruit è il migliore non solo nella carriera di Billie Holiday, ma nell'intera storia del jazz grazie alla performance piena di sentimento della cantante. È stata insignita postuma di prestigiosi premi e inserita nella Grammy Hall of Fame.

8 John Coltrane

Il nome di John Coltrane è associato alla tecnica esecutiva virtuosistica, al superbo talento per la composizione musicale e alla passione per l'esplorazione di nuove sfaccettature del genere. Sulla soglia delle origini dell'hard bop, il sassofonista ha ottenuto un enorme successo ed è diventato uno dei musicisti più influenti nella storia del genere. La musica di Coltrane era dura e suonava con grande intensità e dedizione. Era in grado sia di suonare da solo che di improvvisare in un ensemble, creando parti soliste di durata impensabile. Suonando il sassofono tenore e soprano, Coltrane è stato in grado di creare composizioni melodiche nello stile dello smooth jazz.

John Coltrane è l'autore di una sorta di "reboot del bebop", che incorpora armonie modali. Rimanendo la principale figura attiva nell'avanguardia, è stato un compositore molto prolifico e non ha smesso di pubblicare CD, avendo registrato circa 50 album come leader della band durante la sua carriera.

7 Conte base

Il rivoluzionario pianista, organista, compositore e leader della band Count Basie ha guidato una delle band di maggior successo nella storia del jazz. In 50 anni, la Count Basie Orchestra, che comprende musicisti incredibilmente famosi come Sweets Edison, Buck Clayton e Joe Williams, si è guadagnata la reputazione di una delle big band più ricercate d'America. Vincitore di nove Grammy Awards, Count Basie ha instillato l'amore per il suono orchestrale in più di una generazione di ascoltatori.

Basie ha scritto molte composizioni che sono diventate degli standard jazz, come April in Paris e One O'Clock Jump. I colleghi hanno parlato di lui come pieno di tatto, modesto e pieno di entusiasmo. Se non fosse stato nella storia dell'orchestra jazz di Count Basie, l'era delle big band sarebbe suonata in modo diverso e probabilmente non sarebbe stata così influente come lo è stata con questo eccezionale leader della band.

6 Coleman Hawkins

Il sassofono tenore è un simbolo del bebop e di tutta la musica jazz in generale. E grati per questo, possiamo essere Coleman per Hawkins. L'innovazione di Hawkins fu vitale per lo sviluppo del bebop a metà degli anni Quaranta. I suoi contributi alla popolarità di questo strumento potrebbero aver plasmato le future carriere di John Coltrane e Dexter Gordon.

La composizione Body and Soul (1939) divenne lo standard per suonare il sassofono tenore per molti sassofonisti. Altri strumentisti furono influenzati da Hawkins: il pianista Thelonious Monk, il trombettista Miles Davis, il batterista Max Roach. La sua capacità di improvvisazione straordinaria ha portato alla rivelazione di nuovi lati jazz del genere, che non sono stati toccati dai suoi contemporanei. Questo spiega in parte perché il sassofono tenore è diventato parte integrante dell'ensemble jazz moderno.

5 Benny Goodman

Apre cinque dei 15 musicisti jazz più influenti nella storia del genere. Il famoso King of Swing guidava quasi l'orchestra più popolare dell'inizio del XX secolo. Il suo concerto alla Carnegie Hall nel 1938 è riconosciuto come uno dei più importanti concerti dal vivo nella storia della musica americana. Questo spettacolo dimostra l'inizio dell'era del jazz, il riconoscimento di questo genere come forma d'arte indipendente.

Nonostante Benny Goodman fosse il cantante principale di una grande orchestra swing, ha anche partecipato allo sviluppo del bebop. La sua orchestra è diventata una delle prime a riunire musicisti di razze diverse. Goodman era un convinto oppositore della legge Jim Crow. Ha persino rifiutato un tour nel sud a sostegno dell'uguaglianza razziale. Benny Goodman è stato un attivo attivista e riformatore non solo nel jazz, ma anche nella musica popolare.

4 Miles Davis

Una delle figure centrali del jazz del XX secolo, Miles Davis, è stato all'origine di molti eventi musicali e ne ha curato lo sviluppo. È considerato il pioniere dei generi di bebop, hard bop, cool jazz, free jazz, fusion, funk e techno. Alla costante ricerca di un nuovo stile musicale, ha sempre avuto successo ed è stato circondato da musicisti brillanti, tra cui John Coltrane, Cannoball Adderly, Keith Jarrett, JJ Johnson, Wayne Shorter e Chick Corea. Durante la sua vita, Davis ha ricevuto 8 Grammy Awards ed è stato inserito nella Rock and Roll Hall of Fame. Miles Davis è stato uno dei musicisti jazz più attivi e influenti del secolo scorso.

3 Charlie Parker

Quando pensi al jazz, pensi a un nome. Conosciuto anche come Bird Parker, è stato un pioniere del sassofono contralto jazz, musicista bebop e compositore. Il suo modo di suonare veloce, il suono chiaro e il talento di improvvisatore hanno avuto un impatto significativo sui musicisti di quel tempo e sui nostri contemporanei. Come compositore, ha cambiato gli standard per scrivere musica jazz. Charlie Parker divenne il musicista che coltivò l'idea che i jazzisti fossero artisti e intellettuali, non solo uomini di spettacolo. Molti artisti hanno cercato di copiare lo stile di Parker. Le sue famose tecniche di esecuzione possono essere rintracciate alla maniera di molti dei musicisti alle prime armi di oggi, che prendono come base la composizione Bird, che è in consonanza con il soprannome di alt-sacosophist.

2 Duke Ellington

Era un grandioso pianista, compositore e uno dei più importanti direttori dell'orchestra. Sebbene sia conosciuto come un pioniere del jazz, eccelleva anche in altri generi, tra cui gospel, blues, musica classica e popolare. È Ellington a cui è attribuito il merito di aver trasformato il jazz in una forma d'arte separata. Con innumerevoli premi e riconoscimenti, il primo grande compositore jazz non ha mai smesso di migliorare. Ha ispirato le generazioni successive di musicisti, tra cui Sonny Stitt, Oscar Peterson, Earl Hines, Joe Pass. Duke Ellington rimane un acclamato genio del pianoforte a coda jazz come strumentista e compositore.

1 Louis Armstrong

Indiscutibilmente il musicista jazz più influente nella storia del genere - noto come Sachmo - trombettista e cantante di New Orleans. È conosciuto come il creatore del jazz e ha svolto un ruolo chiave nel suo sviluppo. Le straordinarie capacità di questo artista hanno permesso di trasformare la tromba in uno strumento jazz solista. È il primo musicista a cantare e divulgare lo stile scat. Era impossibile non riconoscere il suo basso timbro di voce "tonante".

L'adesione di Armstrong ai propri ideali ha influenzato il lavoro di Frank Sinatra e Bing Crosby, Miles Davis e Dizzy Gillespie. Louis Armstrong ha influenzato non solo il jazz, ma l'intera cultura musicale, dando al mondo un nuovo genere, uno stile di canto unico e uno stile di suonare la tromba.