Composizione di Marchas di forme geometriche. Creazione di prospettive di composizione di corpi geometrici

Scegli uno o due dei migliori schizzi e incorniciali in proporzioni che corrispondono alle proporzioni del disegno futuro. Quindi, un foglio di formato A-3 che misura 30 per 40 centimetri ha una proporzione da 3 a 4 (Fig. 172) Alla ricerca della composizione più riuscita del foglio, potrebbe essere necessario correggere il punto di vista e in alcuni casi persino apportare modifiche alla produzione stessa.

Quando componi una foglia, dovresti anche prendere in considerazione la posizione delle superfici illuminate e in ombra, nonché i confini delle ombre che cadono. Ricorda che il chiaroscuro può interrompere l'armonia compositiva della line art.

Fase 1.

Figura 173 Iniziando un disegno su un grande foglio, prova a trasferire in esso con precisione la disposizione degli oggetti registrata nel miglior schizzo. Segna la posizione di ciascun corpo geometrico con linee chiare. Ricontrolla le dimensioni dell'intera composizione, nonché la sua corrispondenza con le dimensioni del foglio. Apportare le modifiche necessarie al disegno e continuare a lavorare, specificando la dimensione di ciascun corpo geometrico in relazione agli altri corpi e all'intera composizione nel suo insieme.

Fase 2.

Figura 174. Disegna tutti i corpi geometrici in modo lineare. Nel corso del lavoro, prestare particolare attenzione alla corrispondenza della rivelazione di quadrati ed ellissi che giacciono sui piani orizzontale e verticale.

Fase 3.

Figura 175. In questa fase, è necessario rafforzare quelle linee che sono più vicine allo spettatore, quindi creerai l'effetto della profondità dello spazio già nel disegno lineare-costruttivo. Disegna linee di ombre proprie e cadenti e dipingi su tutte le ombre con un tratto leggero.

Fase 4.

Figura 176. Continuare a lavorare nelle ombre, rendendole più intense verso lo spettatore e verso la fonte di luce, e le ombre che cadono anche verso l'oggetto che proietta l'ombra. Passa gradualmente a lavorare alla luce. Modella accuratamente la forma sfruttando la conoscenza della distribuzione della luce e dell'ombra sui corpi geometrici. Crea transizioni di luce e ombra uniformi su superfici rotonde; su corpi formati da aerei - nitidi e chiari.

Confrontando i toni chiari e scuri dell'intonaco in natura, devi sforzarti di trasmettere correttamente la loro relazione nell'immagine, ma devi anche conoscere ricevimenti speciali per aiutare il disegnatore a creare un senso di spazio tridimensionale su un foglio piatto:

1. Dividere la scala tonale in parti chiare e parti in ombra: nel disegno, il punto più chiaro nell'ombra dovrebbe essere più scuro del punto più scuro nella luce, in altre parole, l'ombra dovrebbe essere sempre più scura della luce. In natura non è sempre così. Ad esempio, quando c'è una superficie sufficientemente illuminata accanto allo spettacolo, i riflessi da essa sulla posizione possono essere luminosi quanto la luce. Devono essere "oscurati" rendendoli più scuri, altrimenti nel tuo disegno distruggeranno la forma degli oggetti raffigurati.

2. "Prospettiva aerea". Questo fenomeno, di cui abbiamo già parlato, in natura può essere osservato a grandi distanze, quando oggetti notevolmente distanti dall'osservatore appaiono meno contrastati a causa dello spessore dell'aria ambiente, indebolendo le ombre e oscurando la luce. Con piccole dimensioni dell'ambiente raffigurato, questo effetto non può essere osservato. Viene creato artificialmente nel disegno: i corpi geometrici in primo piano hanno un contrasto tra luce e ombra maggiore rispetto ai corpi sullo sfondo, mentre in natura la differenza di illuminazione dei piani vicino e lontano può essere quasi impercettibile.

il compito principale disegno architettonico - non trasferendo lo stato dell'oggetto, ma, se possibile, ver
nuova immagine della forma, creazione del volume. Ecco perché, quando disegniamo, non copiamo la natura, ma proviamo
vedere, selezionare e trasferire nel nostro lavoro solo alcune caratteristiche che ci aiutano a ri-
cucire questo compito.

Fase 5.

Figura 177. Riassumi la figura. Osservate ancora una volta con attenzione la soluzione tonale delle superfici illuminate e in ombra. Nella fase finale, il pittore non lavora con un argomento a parte, dettaglio, parte dell'immagine, ma con l'intero foglio allo stesso tempo, ottenendo l'integrità dell'opera, l'armoniosa subordinazione ™ delle sue parti. Per fare ciò, se necessario, aumentare il tono delle superfici illuminate sullo sfondo e delle superfici in ombra in primo piano.

Capitolo III.

Capitolo III.

motivo in bianco e nero di solidi geometrici semplici 73

Capitolo III

Disegno lineare-costruttivo di una composizione da corpi geometrici secondo rappresentazione.

Fai uno schizzo della composizione, osservando le proporzioni specificate dei corpi geometrici (Fig. 178). Definire la natura generale composizione futura, la posizione della linea dell'orizzonte, la direzione dei bordi orizzontali, le cornici principali. Mettiamoci subito in guardia da un tipico errore che spesso viene commesso da chi lavora alla sua prima composizione su presentazione. Quando si posizionano corpi geometrici su un foglio, un disegnatore principiante posiziona abbastanza liberamente corpi rotondi (ad esempio una palla e un cono) o corpi rotondi e corpi con piani inclinati (ad esempio una palla e un prisma esagonale) accanto ad esso. L'inserimento di tali corpi l'uno nell'altro è molto complicato. Dato il tempo limitato per completare il compito di esame, sarebbe più corretto utilizzare semplici cornici nella composizione, quando corpi rotondi e corpi con superfici inclinate si intersecano con piani orizzontali e verticali.

Non disegnare eccessivamente con attenzione uno schizzo: su piccola scala, non puoi ancora risolvere tutti i problemi compositivi. Anche uno schizzo molto dettagliato non può essere trasferito con precisione a grande foglia... Elementi di dimensioni minori e minori subiranno inevitabilmente cambiamenti piuttosto seri e quindi non dovresti prestare troppa attenzione a loro nella fase di disegno. Racchiudere il disegno in una cornice di proporzioni adeguate (3x4), apportare le necessarie modifiche alla composizione e iniziare a lavorare su un grande foglio, cercando di preservare l'idea principale, le leggi di base e i movimenti delle grandi masse definite nel disegno.

Mentre continui a lavorare sulla composizione, affina le dimensioni e le proporzioni dei corpi geometrici. Osserva la corrispondenza della rivelazione di quadrati e cerchi che giacciono sui piani orizzontale e verticale, nonché la convergenza uniforme di linee parallele in prospettiva. Inquadra con cura l'inserto di corpi geometrici, raffigurando linee di intersezione di superfici non solo visibili, ma anche invisibili allo spettatore. Lavorando su singoli elementi, cerca di subordinarli a un'idea compositiva generale, raggiungi integrità e armonia nel tuo lavoro.

Il disegno dovrebbe essere realizzato con linee chiare ed espressive e facilmente elaborato con un tono condizionale: determinare la posizione della fonte di luce e coprire con diversi strati di tratti le superfici in ombra. Consideriamo le Figure 179,180,181,182,183 per esempi di tali composizioni.

motivo in bianco e nero di semplici solidi geometrici

solidi geometrici semplici in bianco e nero 77

solidi geometrici semplici in bianco e nero 70

Capitolo 80

Capitolo IV. Disegno di dettagli architettonici

I dettagli architettonici includono profili architettonici (collo d'oca, tacco, albero, quarto di albero, filetto, scotch), geometrici e ornamenti floreali, capitelli, rosoni, vasi, elementi ionici, mensole, pietre di sostegno e chiave di archi, trabeazioni. Da tutta questa varietà per eseguire disegni educativi la sera corsi preparatori MARCHI vaso selezionato, capitello e ionico.

Quando inizi a disegnare un dettaglio architettonico, definisci prima la sua base geometrica, immagina forma complessa sotto forma di una combinazione di semplici corpi geometrici. Dopo aver raffigurato un diagramma semplificato in prospettiva su un foglio, complicarlo gradualmente, saturandolo di dettagli e studiando attentamente i singoli elementi in un disegno strutturale lineare. Schedulare volumi simmetrici accoppiati contemporaneamente, in questa condizione è più facile seguire i tagli prospettici. Se la rappresentazione di qualsiasi parte di un dettaglio architettonico ti crea qualche difficoltà, fai dei piccoli schizzi ai margini del tuo disegno - schizzi prospettici con punti diversi e proiezioni ortografiche. Completando la fase lineare, introduci un tono leggero nel disegno, avendo precedentemente delineato le linee proprie e le ombre cadenti: questo ti permetterà di chiarire le masse principali e identificare possibili errori prima di iniziare il lavoro tonale.

Anche il chiaroscuro sui dettagli architettonici è distribuito secondo le leggi del disegno di semplici corpi geometrici. Sulle superfici curve, i passaggi dalla luce all'ombra sono morbidi, graduali, sulle superfici sfaccettate, sono nitidi, chiari. Più la luce e l'ombra dell'oggetto sono vicine al dipinto e alla fonte di luce, più forte è il contrasto di interruzione e, al contrario, le parti distanti degli oggetti hanno una luce più debole e un'ombra sbiadita. Le ombre che cadono sono più sature di tono, le proprie sono evidenziate dai riflessi e quindi sono più ariose e trasparenti. E nel disegno lineare-costruttivo e nel disegno tagliato, cerca di lavorare in modo uniforme su tutto il foglio, confrontando costantemente le singole parti dell'immagine con il tutto. Nella fase finale, affina la soluzione tonale e generalizza il lavoro, cercando un senso di completezza e armonia.

Disegno di un vaso.

Come oggetto per il disegno, ti viene offerto un calco in gesso di un vaso greco (anfora) risalente al IV secolo a.C. Gli artigiani di quel tempo si distinguevano per un sorprendente senso delle proporzioni e logica costruttiva.

Inizia a disegnare un vaso, come disegnare qualsiasi dettaglio architettonico complesso, analizzandone la forma. Esaminate il vaso (fig. 184). Dividilo mentalmente in volumi separati e confrontali con semplici corpi geometrici. Il corpo del vaso ha una forma complessa a goccia, che può essere condizionatamente rappresentata come una combinazione di due sfere e un cono, quindi l'altezza del contorno del corpo del vaso può essere divisa in tre parti, ognuna delle quali ha il suo propria curvatura. Il collo del vaso è simile a un cilindro, che presenta un notevole assottigliamento al centro, ed è delimitato superiormente e inferiormente da strette mensole. Il vaso è coronato da un massiccio collo a forma di quarto di albero. La parte portante (base) del vaso è costituita da due cilindri di diverso diametro, collegati da un profilo a fiocco. Le anse del vaso hanno una complessa struttura in tre parti e si addensano nei punti di attacco al collo e al corpo del vaso.

Continuando lo studio della natura, disegna un disegno della proiezione frontale del vaso. Per fare ciò, dovrai utilizzare non solo il metodo di mira, ma anche una lunga striscia di carta e persino un righello. La proiezione dovrebbe essere abbastanza grande, solo allora sarai in grado di riflettere in essa tutte le informazioni che hai ricevuto: il rapporto proporzionale delle masse principali, le dimensioni delle singole parti in altezza e larghezza.

disegno architettonico 81

rine, la loro relazione, subordinazione e validità funzionale. Cerca di trasmettere con precisione le proporzioni del vaso, nota quante volte la sua larghezza si adatta all'altezza, quante volte il collo si adatta al corpo del vaso orizzontalmente e verticalmente, ecc. (fig. 185).

Dopo aver raffigurato la facciata del vaso, noterai che in questa proiezione il collo del vaso sembra troppo spesso, il corpo è più massiccio, la base è più leggera e aggraziata che in natura. La prospettiva è la più vicina alla vita reale di tutti i modi di raffigurare. occhio umano... Una proiezione ortogonale di un oggetto è sempre diversa dalla sua percezione in natura. Ma sono le proiezioni ortogonali, per la loro accuratezza e il loro contenuto informativo, che ti aiuteranno ora il modo migliore studia una forma architettonica complessa e in futuro diventerà un mezzo conveniente e naturale della tua comunicazione professionale.

Torniamo alla natura. Come avrai già notato, il volume principale del vaso è di forma simmetrica. Tutte le sue sezioni orizzontali sono cerchi di diverso diametro con il centro che giace sulla stessa verticale (l'asse del vaso). In un disegno prospettico, questi cerchi sono rappresentati come ellissi. misure differenti e divulgazione. Gli assi minori di queste ellissi coincidono con l'asse del vaso, e quelli maggiori sono perpendicolari ad esso.

Modificando verticalmente la propria posizione rispetto alla natura (e, quindi, il livello della linea dell'orizzonte), si segue la riduzione delle dimensioni verticali dei singoli elementi e dell'intero vaso, nonché come alcune parti del vaso si sovrappongono ad altre.

Scegli un punto dal quale le contrazioni verticali prospettiche saranno trascurabili (ad esempio, quando la linea dell'orizzonte è leggermente al di sopra del collo di un vaso o al di sotto della sua base). La posizione in cui la linea dell'orizzonte attraversa il corpo del vaso è sconsigliata a causa di alcune difficoltà che un pittore alle prime armi può avere nel determinare l'apertura delle ellissi. Inoltre, questa posizione è la meno riuscita per creare un disegno espressivo.

capitolo 82

Fase 1.

Figura 186. Determinare le dimensioni del vaso sul foglio, segnare il suo asse al centro del foglio. Rompere la dimensione verticale totale in segmenti corrispondenti alle grandi parti del vaso: collo, collo, corpo, base. Evidenzia la larghezza di questi elementi.

Fase 2.

Figura 187. Indicare la posizione e le dimensioni nella figura piccole parti vasi.

Fase 3.

Figura 188. Disegna il contorno del vaso in proiezione ortografica. Tale contorno non tiene conto dei cambiamenti futuri, ma è una chiara base costruttiva per ulteriori lavori.

Fase 4.

Figura 189. Disegna ellissi sugli assi orizzontali, in luoghi di sezioni caratteristiche. Ricorda che l'apertura dell'ellisse è tanto maggiore quanto più è lontana dalla linea dell'orizzonte. Collega le ellissi con archi tangenti dove una forma incontra un'altra. Delinea le maniglie del vaso, generalizzandole in una semplice forma rettangolare, e solo dopo esserti assicurato che le relazioni di base siano corrette, elabora i loro dettagli.

Fase 5.

Figura 190. L'ultimo stadio è lo studio tonale. Inizia come al solito definendo le tue linee d'ombra e rilascia. Per fare ciò, usa la natura e le conoscenze già acquisite sulla natura del chiaroscuro su semplici corpi geometrici. Le proprie ombre sul collo del vaso, le cinture, i ripiani di base e le maniglie sono simili alle ombre su un cilindro; l'ombra sul collo è come l'ombra su una palla; L'ombra sul corpo del vaso può essere pensata come una complessa combinazione di ombra su due sfere e un cono. Osserva da vicino le ombre che cadono sul vaso. Analizza le forme da cui cadono le ombre sul collo del vaso, sul suo corpo, sulla base, sui manici. A volte è conveniente farlo con una matita. Se muovi lentamente la punta della matita lungo la linea della propria ombra sul vaso, anche l'ombra della punta della matita si sposterà lungo la linea dell'ombra che cade, fissando in ogni momento di questo movimento una certa coppia: un punto e un ombra da esso.

Dopo aver determinato la posizione delle linee dell'ombra naturale e discendente, continuare il disegno tonale nella consueta sequenza. Per prima cosa, accumula abbastanza forza nelle ombre separandole dalla luce. Quindi è necessario migliorare le proprie ombre verso lo spettatore e la fonte di luce e le ombre che cadono, anche verso la fonte dell'ombra che cade. Continuando a lavorare nell'ombra, passa gradualmente alla semina, creando transizioni di luce e ombra lisce su superfici sferiche e cilindriche. Quando si completa il disegno, generalizzare la relazione di interruzione, cercando di subordinare armoniosamente tutti gli elementi dell'immagine al concetto tonale generale.

La messa in scena proposta dell'opera non è casuale: contiene regola importante, obbligatorio per tutti, e specialmente per i disegnatori principianti: attingere dal generale al particolare e dal particolare al generale. Inizia sempre il tuo disegno con la massa totale e solo dopo procedi con i dettagli. Ma non esaminare subito uno dei dettagli. Guida il disegno attraverso l'intero foglio, spostandoti da una parte all'altra, controllando le parti con il generale, fissando costantemente il tutto. Questa regola è vera sia per il modello lineare costruttivo che per quello cut-off.

Naturalmente, il tuo desiderio è vedere il risultato finale il più rapidamente possibile, per saltare alla fase successiva senza finire quella precedente. Se vuoi - prova a farlo - e vedrai come il lavoro logico e calmo si trasformerà in un caotico lancio da un dettaglio all'altro nel tentativo di mettere insieme un disegno che si "sgretola" davanti ai tuoi occhi.

Ricorda anche che il design è al centro di ogni forme. Errori di costruzione non possono essere nascosti dalla più virtuosa elaborazione tonale. Pertanto, gli errori di costruzione e proporzioni scoperti durante i lavori devono essere immediatamente corretti.

disegno architettonico 83

capitolo 86

disegno architettonico 87

capitolo 88

Disegno del capitello dorico.

Il capitello è la parte superiore della colonna, che a sua volta fa parte dell'architettura dell'ordine delle gambe. Ordine - rigorosamente verificato sistema artistico, esprimendo l'essenza del lavoro della struttura post-and-beam. Il nome dell'ordine deriva dal latino "ordo" - ordine, ordine. Ordini classici - Dorico e Ionico - formati in antica grecia... Qualche tempo dopo, nell'architettura di Roma, ricevettero il loro ulteriori sviluppi... L'ordine è costituito da elementi portanti e portanti, il carico viene trasferito dagli elementi sovrastanti a quelli situati sotto. Dalla trabeazione (parte portata) alla colonna (portante), il carico si trasmette attraverso il capitello, che diventa una delle componenti più importanti dell'intera composizione dell'ordine.

Come oggetto per il disegno, ti viene offerto un capitello dell'ordine dorico romano. Gli ordini romani sono un po' più asciutti nelle loro forme rispetto a quelli greci, tuttavia, come tutti i sistemi di ordini, si distinguono per una rigida logica di modellatura, proporzioni corrette e semplicità. L'ordine dorico è il più laconico, severo e coraggioso di tutti. Un architetto alle prime armi deve imparare a capire e sentire la logica del lavoro della struttura, espressa in forma artistica, che in architettura si chiama tettonica. Provate a sentire nel disegno del capitello, come cambia la forma dalle parti superiori, quadrate in pianta, a quelle inferiori, rotonde, poiché ciascuno dei profili è progettato per sostenere gli elementi posti sopra e trasferire la pressione dall'alto verso l'alto. parte inferiore.

Inizia il tuo disegno analizzando la forma dei maiuscoletti (Figura 191). La parte superiore del capitello è quadrata nella pianta dell'abaco (abaco) - un piatto con un tacco e una mensola. Echin è un quarto dell'asta e si accoppia con il collo della colonna attraverso tre cinghie in successione decrescente. L'astragalo, costituito da un rullo e da un ripiano, passa nel fusto della colonna attraverso un filetto. Il tronco della colonna è decorato con venti lunghi solchi semicircolari - flauti con estremità semicircolari.

Disegna una proiezione frontale del capitello. Il disegno dovrebbe essere abbastanza grande da rendere chiaramente visibili i dettagli. Nella foto, firma i nomi di tutte le parti del maiuscoletto. In questo modo sarà più facile ricordarli. Analizza le proporzioni principali del capitello, scegli l'altezza totale dell'echino e delle cinture come unità di misura. Confronta il tuo disegno con il disegno 192.

Mentre continui a studiare la forma, cammina intorno al capitello ed esaminalo da diverse angolazioni. Noterai che il volume principale, circolare e simmetrico, rimane invariato. Cambia solo la posizione dell'abaco quadrato. Scegli un punto di vista per il disegno in modo che un lato dell'abaco si riveli di più per te e l'altro di meno. Il rapporto ottimale è 1 / 2-1 / 3. La linea dell'orizzonte dovrebbe passare appena sotto il capitello, quindi le sue proporzioni saranno vicine all'ortogonale. Disegnare, se necessario, per definire meglio la composizione del foglio.

disegno di dettagli architettonici

Palcoscenico 1.

Figura 193. Posiziona l'immagine futura sul foglio, definendone le dimensioni verticale e orizzontale. Segna gli angoli dell'abaco, l'asse principale, e determina anche le dimensioni corrispondenti alle parti principali del capitello. È molto importante in questa fase del disegno della linea trovare il corretto rapporto tra l'apertura dell'ellisse dell'echino superiore e il quadrato dell'abaco. Tradizionalmente, i disegnatori disegnano prima un abaco e poi hanno notevoli difficoltà a inserirvi un'ellisse. Fai diversamente: dopo aver deciso la dimensione e l'apertura dell'ellisse, disegnala. Quindi disegna un quadrato attorno all'ellisse, confrontando le direzioni dei suoi lati con la natura. Fase 2.

Figura 194. Segna tutte le parti dei capitelli verticalmente e determina le loro dimensioni orizzontali. Disegna le masse principali tenendo conto dei tagli prospettici. Quando si raffigurano le ellissi delle cinture, del collo, dell'astragalo e del taglio inferiore della colonna, correlare le loro aperture tra loro e con l'ellisse dell'echino superiore già disegnata. Fase 3.

Figura 195. Disegna flauti. Il piano del tronco della colonna ti aiuterà a rappresentarli correttamente. Se non riesci a posizionare il piano sul disegno stesso, appunta un foglio di carta aggiuntivo al tuo lavoro. I punti trasferiti dalla pianta all'immagine prospettica renderanno il disegno accurato e convincente. In questa fase, il disegno è principalmente lineare, ma nel chiarire gli elementi principali, è possibile utilizzare un tono che aiuta a rivelare graficamente il "movimento" delle superfici principali. In questo caso il tono dovrebbe essere molto leggero, suggerendo un ulteriore studio costruttivo della forma. Fase 4.

Figura 196. Rivela la forma del capitello usando luci e ombre. Un'idea chiara della posizione relativa nello spazio della sorgente luminosa, dell'oggetto e del dipinto, consente di comprendere la geometria delle ombre proprie e cadenti, nonché di identificare i rapporti tonali di base. Determinare le linee delle ombre proprie e cadenti, utilizzare la conoscenza sulla natura della luce e dell'ombra in modo semplice Forme: dividi mentalmente il capitello in volumi separati e confrontali con i corpi geometrici a te già noti.

Fase 5.

Figura 197 Elaborare in dettaglio le forme in ombra e in luce, generalizzare il rapporto di cut-off

immagini, subordinandole armonicamente l'una all'altra, tenendo conto prospettiva aerea.

Capitolo 92 IV

disegno architettonico 93

capitolo 94

disegno di dettagli architettonici 95

Disegno ionico.

Ionico è un elemento ornamentale architettonico costituito da un taglio a forma di uovo dall'alto, incorniciato da una "conchiglia", un rullo profilato, e foglie appuntite rivolte verso il basso. In architettura, gli ionici trovano largo impiego su capitelli e cornici degli ordini ionico e corinzio. Ionico ha due assi di simmetria, uno dei quali corre a forma ovoidale, l'altro al centro di una foglia di lancetta. Studiando la forma, realizza una pianta, una facciata e una facciata laterale (Fig. 198). Questo ti aiuterà a capire meglio la struttura dello ionico e faciliterà anche notevolmente l'ulteriore lavoro sul disegno.

Fase 1.

Figura 199. Segna le dimensioni dell'immagine futura sul foglio. Disegna una vista prospettica della lastra rettangolare che è la base per lo ionico.

Fase 2.

Figura 200. Disegna le diagonali della piastra di base ionica e disegna una linea centrale verticale, l'asse principale di simmetria. Immagina la forma generalizzata dell'ionico sotto forma di un solido quarto d'albero con una parte superiore smussata, a cui confina un piccolo rullo dal basso. Disegna la sua pianta sulla superficie superiore dello ionico, separa il volume centrale a forma di uovo dai volumi laterali, delinea gli assi di simmetria passanti per il centro delle foglie lanceolate e specifica l'asse principale. In questa fase, prestare particolare attenzione alla riduzione prospettica di segmenti orizzontali di uguale lunghezza.

Fase 3.

Figura 201. Disegna i dettagli: uova, conchiglie, rullo profilato, foglie. Quando dipingi le foglie, falle nei campi ampia vista davanti (fig. 202). Questo ti aiuterà a disegnare correttamente le foglie in prospettiva.

Fase 4.

Figura 203. Disegna linee di ombre proprie e cadenti. Inizia come al solito con le zone d'ombra e ombreggiale più volte, separandole dalla luce. Quindi è necessario esaltare le ombre che cadono verso l'oggetto che proietta l'ombra, lo spettatore e la fonte di luce. Rinforza le linee allo stesso tempo proprie ombre, formando zone riflesse. In questa fase, non lasciarti trasportare dai dettagli, "scolpire" la forma generale secondo la legge della prospettiva aerea e i principi di base della distribuzione di luci e ombre su semplici corpi geometrici.

Fase 5.

Figura 204. Continuando a lavorare, vai alla grande rivettatura alla luce e poi ai dettagli. Completa il disegno con una generalizzazione della forma, subordinazione armonica di tutte le sue parti.

capitolo 98

disegno della testa in gesso 99

Disegno di una testa in gesso

La testa umana è la struttura naturale più complessa. Ciò è dovuto alla sua complessa funzione nel corpo umano. Puoi iniziare a disegnare una testa solo se hai una rappresentazione spaziale sufficientemente sviluppata, una conoscenza approfondita disposizioni generali disegno e buone pratiche nel disegnare forme più semplici.

La parte pratica "Disegno di una testa di gesso" inizia con uno studio della sua forma esterna nel "disegno introduttivo". Questa prima esperienza diventerà la base per ulteriori, più analisi dettagliata... Nel disegno del cranio viene analizzata la struttura della base ossea della testa. Il disegno ekorche di Houdon esamina la posizione e la funzione dei muscoli principali, così come il tessuto cartilagineo. Per un esame dettagliato del cranio e dei muscoli sarà opportuno fare riferimento agli atlanti e manuali anatomici. Nelle immagini seguenti, viene prestata particolare attenzione ai dettagli principali della testa: naso, labbra, occhi e orecchio. E, infine, tornando al disegno di una testa in gesso ad un nuovo livello di comprensione della sua architettura (cioè il rapporto tra la struttura interna e la forma esterna), potrai consolidare e migliorare gradualmente le tue abilità nel disegno dei calchi in gesso da sculture antiche: Cesare, Afrodite, Dorifor, Diadumenes, Socrate, Antinoo e Apoxyomenos, tradizionalmente proposti per attingere esami d'ammissione presso l'Istituto di architettura di Mosca.

Disegnare "antiquariato" è una continuazione delle antiche tradizioni accademiche. La perfezione plastica della scultura classica, la sua staticità e la straordinaria espressività ti permetteranno di comprendere rapidamente la struttura volumetrico-spaziale generale della testa, di comprenderne i dettagli e le proporzioni di base.

24. Disegno introduttivo. La testa di Dorifor.

La scultura del Doriforo fu realizzata nel V secolo aC dallo scultore greco Policleto, rappresentante della scuola del Peloponneso. Policleto non era solo uno scultore, ma anche un teorico dell'arte. Ha creato un trattato "Canon", dove ha sviluppato in grande dettaglio proporzioni ideali corpo umano... La figura di Dorifor - un giovane guerriero oplita (lanciere) - era l'incarnazione di questo canone. Allo stesso tempo, doveva diventare la personificazione del cittadino ideale della polis greca: una persona simile agli dei immortali, uguale bel corpo e spirito, coraggioso protettore città natale... Il volto di Dorifor è schematico, è privo di lineamenti ed espressività individuali, motivo per cui la testa di Dorifor viene proposta per il primo lavoro "introduttivo", a seguito del quale si otterrà un'idea iniziale, ampiamente semplificata, della forma del testa.

La testa ha parti cerebrali e facciali. La sua plastica esterna è riconosciuta con l'aiuto di una serie di punti anatomici: nodi (punti di ancoraggio o fari) e linee. Quindi, sulla testa sono chiaramente visibili: i tubercoli del mento, la linea della mascella inferiore, gli angoli della bocca, le linee che delimitano l'area della bocca, la linea di taglio delle labbra, il filtro, la base, la punta e le ali del naso, la canna nasale, zigomi, arcate zigomatiche, bordi orbitali, strappi, arcate sopracciliari, linee che limitano le arcate sopracciliari, tubercoli frontali, linee temporali, corona, orecchie, aperture uditive, processi mastoidei delle ossa temporali, parietali e tubercoli occipitali, linea nucale, margine del collo e del mento, fossa giugulare e protrusione della settima vertebra cervicale. Trova tutti questi punti e linee nelle Figure 205 e 206, e poi sulla testa di gesso.

Conoscendo i punti anatomici - fari e linee caratteristiche, non ti confonderai mai nei dettagli e sarai sempre in grado di distinguere il principale dall'incidente. Per una migliore comprensione delle relazioni spaziali esterne dei punti della testa, viene spesso utilizzato un diagramma semplificato, che rappresenta la sua struttura sotto forma di un poliedro irregolare. Tuttavia, non si dovrebbe abusare di tali schemi nel disegno. Sono necessari solo come aiuti visuali per un'immagine competente e convincente della testa di una persona.

Capitolo 100

disegno architettonico 101

Sfondare dal disegno di P.I. Churilin

a partire dal Guida allo studio"La struttura della testa umana"

Capitolo 102

Esci dal disegno di Pichurilin

dal tutorial "La struttura della testa umana"

È anche consuetudine studiare la testa umana analizzando le sue sezioni in tre piani reciprocamente perpendicolari: sagittale, orizzontale e frontale (Fig. 207).

Il piano sagittale è il piano di simmetria del corpo. Il suo nome deriva dal latino "sagttta" - freccia. Un'incisione in questo piano ci dà una linea mediana, che è la base della linea professionale del viso ed è molto importante per il disegno della testa.

Il piano orizzontale passa attraverso la base dell'occipite e la base del naso.

Frontale aereo perpendicolare alle prime due e "seziona" la testa nel punto più largo. Passa attraverso il vertice, i tubercoli parietali e i punti di appoggio del cranio sulla colonna vertebrale. Studiare questi tagli, così come le proiezioni ortogonali della testa: aiuterà le viste anteriore, posteriore, laterale e dall'alto a te capire meglio la plastica esterna della testa e trasmetterla più accuratamente nel disegno.

disegno della testa in gesso 103

Il compito del disegno "introduttivo" - buona composizione sul foglio, il volume totale correttamente trasmesso, nonché l'esatta posizione e dimensione di ciascun dettaglio della testa.

Fase 1.

Figura 208. All'inizio del lavoro, determinare la posizione della linea dell'orizzonte e la prospettiva. Per fare questo, chiudi mentalmente la tua testa in un cubo. Trova le dimensioni generali e posiziona l'immagine futura sul foglio usando brevi grazie. Ricorda che se stai disegnando una testa di fronte - gli spazi a sinistra e a destra dovrebbero essere uguali in modo che l'immagine non "ricada", se stai disegnando una testa di profilo, in 3/4 o 7/8 - lo spazio del lenzuolo davanti alla testa (dalla faccia laterale) dovrebbe essere maggiore che dalla parte posteriore della testa. Usa linee chiare per delineare il contorno della testa (contorno).

Fase 2.

Figura 209. Disegna le parti grandi principali: separa la massa della testa dal collo, delinea la parte anteriore, il suo piano anteriore e disegna facilmente la linea del profilo centrale. Affinando la linea del profilo, individua i punti caratteristici adagiati su di essa: la punta della sommità della fronte (all'attaccatura dei capelli), il punto tra le sopracciglia, la punta della base delle ali del naso e il punto di frattura del mento. Questi punti determinano i rapporti proporzionali canonici di base delle parti della testa. Secondo il canone classico greco, le distanze tra questi punti devono essere uguali. Disegna linee orizzontali attraverso questi punti (nell'immagine che vanno al punto di fuga all'orizzonte) e segna su di esse, rispettivamente, la larghezza della fronte, la base del naso e il mento. Per selezionare correttamente le direzioni di queste linee, utilizzare il metodo di puntamento.

Secondo il canone antico, la testa antica è divisa in due parti uguali lungo la linea degli occhi: dalla corona alla linea degli occhi e dalla linea degli occhi alla base del mento. Il segmento dagli archi sopraccigliari (punti tra le sopracciglia) alla base delle ali del naso è diviso in tre parti uguali: la linea degli occhi corre lungo la linea di divisione superiore e la base e le ali del naso sono separate lungo la linea inferiore. Anche il segmento compreso tra il punto di base delle ali del naso e la frattura del mento è diviso in tre parti uguali. La linea mediana della bocca corre lungo la linea di divisione superiore, che è anche chiamata linea di incisione del labbro, la linea inferiore divide il mento a metà. La distanza tra gli occhi è uguale alla lunghezza dell'occhio, ad es. anche la linea degli occhi è divisa in tre parti uguali. L'altezza dell'orecchio è uguale alla lunghezza del naso.

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Data di creazione della pagina: 2016-02-13

Tema: Regolarità di contrasto, sfumatura come mezzo per organizzare gli elementi in un unico sistema stabile (p. 1.2.8).

La sequenza del compito:

Il foglio è convenzionalmente diviso in due parti. Nella prima parte della scheda:

1. Eseguire la composizione in grafica in bianco e nero sovrapponendo elementi semplici ( forme geometriche) uno sopra l'altro utilizzando il contrasto di dimensioni e forma.

Riso. 29. Organizzazione dell'aereo utilizzando elementi simili

Riso. 30. Organizzazione dell'aereo utilizzando elementi simili

Riso. 31. Regolarità del metro e del ritmo come mezzi per organizzare gli elementi in un unico sistema stabile

Riso. 32. Regolarità del metro e del ritmo come mezzi per organizzare gli elementi in un unico sistema stabile

Riso. 33. Regolarità del metro e del ritmo come mezzi per organizzare gli elementi in un unico sistema stabile

2. Eseguire la composizione in grafica in bianco e nero sovrapponendo gli elementi uno sopra l'altro utilizzando relazioni sfumate in termini di dimensioni e forma.

Sulla seconda parte del foglio: creare una composizione figurativa utilizzando l'applicazione del contrasto o della sfumatura utilizzando il metodo applique. La composizione dovrebbe avere un carattere distinto. Esempi di questo lavoro sono mostrati in (Fig. 34, 35, 36, 37).

Errori tipici:

contrasto o sfumatura non sono espressi in modo sufficientemente coerente. La composizione è di natura borderline;

non c'è equilibrio delle forme.

Materiali: Formato foglio A-3, carta colorata, colla vinilica, inchiostro, liner per inchiostro, forbici.

Riso. 34. Organizzazione del piano utilizzando relazioni contrastanti e sfumate

Riso. 35. Organizzazione del piano mediante rapporti contrastanti e sfumati

Riso. 36. Organizzazione del piano utilizzando relazioni contrastanti e sfumate

Riso. 37. Organizzazione del piano mediante rapporti contrastanti e sfumati

La prospettiva della composizione viene eseguita secondo un incarico individuale. Numero incarico individuale corrisponde al numero ordinale secondo l'elenco nel registro del gruppo. Compiti individuali nella tabella numero 3

Tavolo #

Istruzioni per l'implementazione della SCHEDA 1

Prima di eseguire un'immagine prospettica di una composizione di corpi geometrici, è necessario innanzitutto comporre la composizione stessa, ovvero determinare la posizione relativa degli oggetti, la loro posizione rispetto alla linea principale dell'immagine e la distanza dal piano dell'immagine . A seconda della composizione composta, è possibile scegliere la posizione del punto di vista (altezza e distanza del punto di vista). La gamma del punto di vista è scelta pari a una dimensione della composizione. L'altezza del punto di vista viene scelta leggermente inferiore o leggermente maggiore dell'altezza dell'oggetto più alto.

In un'attività individuale, vengono determinate la forma degli oggetti, la loro dimensione, l'angolo di rotazione rispetto al piano dell'immagine e la distanza dal piano dell'immagine. È necessario costruire una prospettiva della composizione dello spirito dei corpi sfaccettati, uno dei quali si trova frontalmente rispetto al piano del quadro, l'altro con un dato angolo di rotazione rispetto al quadro e un corpo di rivoluzione.

Quando si esegue un'immagine prospettica di una composizione di corpi geometrici, ha senso eseguire lavori preparatori - per costruire un piano per la composizione futura. Questo piano può essere semplicemente disegnato o, ritagliando i contorni dei piani dei corpi geometrici dalla carta e spostandoli lungo il piano, scegliere la migliore soluzione compositiva, nonché determinare la posizione degli oggetti sul piano dell'oggetto e la distanza tra loro. Allo stesso tempo, risulterà chiara la dimensione complessiva complessiva della composizione, che determinerà la posizione dell'altezza del punto di vista e la distanza (distanza dall'osservatore all'immagine).

Un esempio di FOGLIO 1 - un'immagine prospettica di una composizione di corpi geometrici è mostrata in ( Riso. 91)

Prospettiva interna

L'interno si chiama vista interna locale nel suo insieme o nelle sue singole parti. Nella pratica della costruzione di interni sono noti vari modi di raffigurare gli interni, a seconda del compito che l'artista si pone. Questo tutorial esamina uno dei modi per costruire un interno utilizzando le scale prospettiche. A seconda della posizione delle pareti della stanza rispetto all'immagine, l'immagine degli interni può essere frontale o angolare. Se una delle pareti della stanza è parallela all'immagine, tale immagine viene chiamata prospettiva frontale dell'interno. Se le pareti della stanza sono inclinate rispetto al piano del cielo, tale immagine viene chiamata prospettiva angolare dell'interno.

Qualsiasi disegno inizia con il posizionamento compositivo delle immagini su un foglio di carta. L'impressione generale del disegno dipende in gran parte da come è composta questa o quell'immagine. È necessario studiare il principio di posizionare gli oggetti su un piano.

Parola composizione tradotto dal latino, significa letteralmente comporre, collegare, unire parti. La costruzione di un'opera d'arte, per il suo contenuto, natura e scopo, ne determina in larga misura la percezione. La composizione è il momento organizzativo più importante di una forma artistica, dando un'opera di unità e integrità, subordinando i suoi elementi l'uno all'altro e al tutto. Nel processo di creazione di una composizione decorativa, il posizionamento e la distribuzione degli elementi pittorici avviene secondo un certo schema in una sequenza logica stabilita dall'autore. Aiuti visuali e le caratteristiche di stile devono essere coerenti, subordinate all'insieme, senza dimenticare i dettagli che giocano un ruolo molto importante.

In altre parole, la composizione è la corretta distribuzione degli oggetti sul foglio: la selezione dell'oggetto principale, il riempimento dell'intero piano del foglio, l'equilibrio dei bordi destro e sinistro, la presenza di un concetto o un'idea generale. Prima di disegnare qualsiasi cosa, l'artista deve inventarselo.

1° consiglio:

Per creare una composizione emotiva e fantasiosa, devi osservare e vedere eventi, personaggi, motivi e diversi stati di natura interessanti nella vita intorno a te. Tutto ciò consente di costruire composizioni interessanti e originali.

2° consiglio:

Quando si sceglie un formato di composizione, è necessario tenere in considerazione che:

Il formato esteso verso l'alto renderà l'immagine slanciata e sublime;

Il formato orizzontale trasmette un senso di panoramica, ampiezza e vastità dello spazio;

Il formato quadrato è meglio utilizzato per composizioni equilibrate e statiche;

Il formato ovale viene utilizzato per raffigurare un ritratto di una persona, poiché la sua configurazione è facilmente correlata all'ovale del viso o al contorno del busto;

In un formato rotondo, una composizione di fiori o piante è ben combinata.

3° consiglio:

Evita i seguenti errori:

Non mettere nulla sul bordo stesso del foglio, l'eccezione è un oggetto che parte dal bordo del foglio ed è fatto a frammenti;

Gli oggetti non devono toccare i bordi laterali e superiori del foglio;

Non dipingere tutto troppo piccolo;

Non trasportare oggetti troppo grandi.

4° consiglio:

Ricorda le leggi della prospettiva. L'oggetto che ci è più vicino in prospettiva è raffigurato sul piano del foglio sottostante. E quello più lontano da noi è più alto. Così, più vicino - più basso, più lontano - più alto.

5° consiglio:

Quando lavori a colori, pensa alle leggi della prospettiva aerea. Evidenzia il centro della composizione con spot e colore. Lavora in dettaglio sugli oggetti in primo piano ed evidenziali con colori più luminosi e vividi, ma non più forti del centro della composizione. Più vicino alla linea dell'orizzonte, più la luminosità e il temperamento del colore si indeboliscono, diventa più freddo e più trasparente. Scrivi piani a lungo raggio nei colori bluastro, viola, blu, grigio, argento.

6° consiglio:

Scendendo a l'ultima tappa opera - generalizzazione, dai un'occhiata:

Se il centro della composizione è evidenziato nel colore o nel tono;

Se il primo piano è stato elaborato in dettaglio;

Se il primo piano è evidenziato;

Qualcosa esce dal disegno generale della composizione;

Entrambe le parti del foglio composito sono bilanciate?

Se le leggi della prospettiva aerea sono state seguite;

La composizione attira l'attenzione, è piacevole da guardare.

Una composizione correttamente costruita non può suscitare dubbi e sentimenti di incertezza. Dovrebbe avere una chiarezza di rapporti e proporzioni che lenisca l'occhio.

Molto spesso nel mondo degli artisti ci sono dipinti che sono largamente diversi dalle tele ad olio e pastello. Ricordano più disegni, modelli, schizzi e sono completamente incomprensibili per un comune spettatore. Ora parleremo di composizioni di forme geometriche, discuteremo di cosa sono, quale carico portano e perché generalmente occupano un posto così onorevole nell'arte del disegno e della pittura.

Composizioni semplici

Ogni maestro del pennello che ha iniziato il suo viaggio con scuola d'arte, ti risponderà che le linee esatte e le loro combinazioni - questa è la prima cosa che viene insegnata lì. È così che funzionano la nostra visione e il nostro cervello, che se inizialmente impari a combinare armoniosamente tra loro forme semplici, quindi disegna ulteriormente immagini complesse sarà più semplice. Le composizioni di forme geometriche ci consentono di sentire l'equilibrio dell'immagine, determinarne visivamente il centro, calcolare l'incidenza della luce e determinare le proprietà dei suoi componenti.

Vale la pena notare che, nonostante la chiarezza e la semplicità di tali immagini, sono disegnate esclusivamente a mano, senza righelli e altri oggetti ausiliari. I parametri delle figure sono misurati usando le proporzioni, che possono essere localizzate in una dimensione bidimensionale (immagine piatta), e possono andare in prospettiva, ad un unico punto di fuga di tutte le linee.

Gli artisti alle prime armi disegnano composizioni di forme geometriche in due dimensioni. Per tali dipinti, viene scelto uno dei lati: un piano o una facciata. Nel primo caso, tutte le figure sono raffigurate in una "vista dall'alto", cioè il cono e il cilindro diventano un cerchio, il prisma acquisisce la forma della sua base. Se le figure sono raffigurate nella facciata, viene mostrato uno dei loro lati, il più delle volte la parte anteriore. Nell'immagine vediamo triangoli, quadrati, parallelogrammi e così via.

Quadri tridimensionali

Per sviluppare un senso della prospettiva, gli artisti imparano a rappresentare composizioni di figure geometriche volumetriche che entrano in prospettiva. Tale immagine è considerata tridimensionale e, per trasferirla su carta, è necessario immaginare chiaramente tutto. Tali tecniche di disegno sono rilevanti nelle università di costruzione e architettura, sono utilizzate come esercizi. Tuttavia, gli studenti spesso ne ricavano di veri da questi "schizzi pittoreschi" disegnando incredibili figure incastonate, sezionando composizioni con piani e semipiani, raffigurando immagini in sezione trasversale.

In generale, possiamo dire che la chiarezza, la linearità sono le proprietà principali che possiede qualsiasi composizione di forme geometriche. Il disegno allo stesso tempo può essere statico o dinamico: dipende dal tipo di figure raffigurate e dalla loro posizione. Se nella foto ci sono principalmente coni, prismi triangolari, sfere, allora sembra "volare" - questa è sicuramente una dinamica. Cilindri, quadrati, prismi tetraedrici sono statici.

Esempi in pittura

Le forme geometriche hanno trovato il loro posto nella pittura, insieme al romanticismo e ad altre tendenze. Un ottimo esempio a questo è l'artista Juan Gris e il suo quadro famoso"Un uomo in un caffè", che, come un mosaico, è composto da triangoli, quadrati e cerchi. Un altro composizione astratta da figure geometriche - tela "Pierrot", artista B. Kubisht. Un quadro luminoso, chiaro e molto caratteristico.