Abstracisismo: definizione, tipi e artisti. Composizione astratta (principi di visualizzazione delle sensazioni umane) Astractionism Esempi di dipinti
Nel secolo scorso, la direzione astratta è diventata una vera svolta nella storia dell'arte, ma piuttosto naturale - una persona ha sempre cercato nuove forme, proprietà e idee. Ma nel nostro secolo, questo stile artistico causa molte domande. Cos'è l'astrazione? Parliamo ulteriormente.
Abstractismo in pittura e arte
In stile astrattismo L'artista utilizza un linguaggio visivo di forme, contorni, linee e colori per interpretare il soggetto. Questo contrasta con forme d'arte tradizionali, che ricevono un'interpretazione più letteraria del soggetto - trasmette la "realtà". L'abstractionismo parte il più possibile dalla classica arte visiva possibile; Rappresenta il mondo soggetto per niente come nella vita reale.
L'astrazione dell'arte sfida la mente dell'osservatore, proprio come le sue emozioni - valutare appieno il lavoro dell'arte, l'osservatore deve sbarazzarsi della necessità di capire che l'artista sta cercando di dire, e deve sentire l'emozione di risposta. Tutti gli aspetti della vita sono suscettibili di interpretazione attraverso l'abstractionismo - fede, paure, passioni, una reazione alla musica o alla natura, calcoli scientifici e matematici e così via.
Questa direzione dell'arte è nata nel 20 ° secolo, insieme a cubismo, surrealismo, dadaismo e altri, sebbene il tempo esatto sia sconosciuto. I principali rappresentanti dell'estractionism di stile nella pittura, è consuetudine considerare i tali artisti come Vasily Kandinsky, Robert Delone, Kazimir Malevich, Franvios Kupka e Pete Mondrian. Stiamo parlando della loro creatività e dei dipinti importanti.
Immagini di artisti famosi: astrattismo
Vasily Kandinsky.
Kandinsky era uno dei pionieri dell'arte astratta. Ha iniziato le sue ricerche in impressionismo, e già un abstractismo è venuto allo stile. Nel suo lavoro, ha sfruttato la relazione tra il colore e la forma per creare un'esperienza estetica, che coprirebbe sia la visione che le emozioni del pubblico. Credeva che l'astrazione completa dà spazio a un'espressione profonda, trascendentale e la copia della realtà impedisce solo questo processo.
La pittura era profonda spirituale per Kandinsky. Ha cercato di trasmettere la profondità delle emozioni umane attraverso il linguaggio visivo universale di forme e colori astratti, che supererebbe i confini fisici e culturali. Lui vide astrattismo Come regime visivo ideale, che può esprimere la "necessità interna" dell'artista e trasmettere idee ed emozioni umane. Si considerava un profeta la cui missione è di condividere questi ideali con il mondo, a beneficio della società.
"Composizione IV" (1911)
Nascosto in colori vivaci e linee nere chiare raffigurano diversi cosacchi con lance, oltre a barche, numeri e castello in cima alla collina. Come in molti dipinti di questo periodo, rappresenta una battaglia apocalittica che porterà al mondo eterno.
Per facilitare lo sviluppo dello stile libero di pittura, come descritto nel suo lavoro "su spirituale nell'arte" (1912), Kandinsky riduce gli oggetti ai simboli pittogrammi. Grazie alla rimozione della maggior parte dei riferimenti al mondo esterno, Kandinsky ha espresso la sua visione a un modo più versatile, traducendo l'essenza spirituale del soggetto attraverso tutte queste forme nella lingua visiva. Molte di queste figure simboliche sono state ripetute e raffinate nel suo lavoro successivo, diventando ancora più astratto.
Kazimir Malevich.
Le idee di Malevich sulla forma e il significato nell'arte, in un modo o nell'altro, portano alla concentrazione sulla teoria dell'estracista stile. Malevich ha lavorato con diversi stili nella pittura, ma soprattutto è stato focalizzato sullo studio di forme geometriche pure (piazze, triangoli, cerchi) e il loro atteggiamento verso l'altro nello spazio visivo.
Grazie ai suoi contatti in Occidente, Malevich è stato in grado di trasmettere le sue idee sulla pittura agli artisti in Europa e negli Stati Uniti, e quindi influire profondamente sull'evoluzione dell'arte contemporanea.
"Black Square" (1915)
L'immagine di culto "Black Square" è stato il primo mostrato da Malevich alla mostra di Petrograd nel 1915. Questo lavoro incarna i principi teorici del suprematismo sviluppato da Malevich nel suo saggio "Dal cubismo e il futurismo al suprematismo: il nuovo realismo nella pittura".
Sulla rete davanti allo spettatore è una forma astratta sotto forma di un quadrato nero - è l'unico elemento della composizione. Nonostante il fatto che l'immagine sia semplice, presenta elementi tali come impronte digitali, pennellate, peeling attraverso strati di vernice nera.
Per Malevich, la piazza si riferisce ai sentimenti, e il bianco è il vuoto, niente. Vide una piazza nera come una presenza simile a Dio, un'icona, come se potesse diventare un nuovo modo sacro per un'arte impressionante. Anche in mostra, questa immagine è stata collocata sul posto dove l'icona di solito ha in una casa russa.
Pete Mondrian.
Pita Mondrian, che è uno dei fondatori del movimento olandese "De Style", riconoscere la purezza delle sue astrazioni e la pratica metodica. Ha abbastanza radicalmente semplificato gli elementi dei suoi dipinti per visualizzare ciò che ha visto, non direttamente, e in senso figurato, e creare un linguaggio estetico chiaro e universale nelle sue tele.
Nei suoi dipinti più famosi dagli anni '20, Mondrian riduce le forme a linee e rettangoli, e la tavolozza è il più semplice. L'uso di un equilibrio asimmetrico è diventato fondamentale nello sviluppo dell'arte contemporanea, e le sue opere astratte di culto conservano la loro influenza nel design e familiarità alla cultura popolare e oggi.
"Grey Tree" (1912)
"Grey Tree" è un esempio della prima transizione di Mondrian allo stile astrattismo. L'albero tridimensionale è ridotto alle linee e agli aerei più semplici, usando solo sfumature grigie e nere.
Questa immagine è una delle opere dei lavori di Mondrian creata con un approccio più realistico, dove, ad esempio, gli alberi vengono presentati naturalmente. Mentre i lavori successivi sono diventati sempre più astratti, ad esempio, le linee dell'albero sono ridotte fino a quando la forma dell'albero è appena notevole e secondaria rispetto alla composizione generale delle linee verticali e orizzontali.
Qui puoi ancora vedere l'interesse di Mondrian all'abbandono di un'organizzazione strutturata di linee. Questo passo è stato significativo per lo sviluppo di una pura astrazione di Mondriana.
Robert Delone.
Delone era uno dei primi artisti di astrazione. La sua creatività ha influenzato lo sviluppo di questa direzione, in base alla tensione compositiva, che era dovuta all'opposizione dei colori. Cadde rapidamente sotto effetti neo-impressionistici colorati e seguiti molto da vicino il sistema di lavoro del colore nello stile dell'astrattismo. Considerava il colore e la luce per essere gli strumenti principali, con l'aiuto di cui è possibile influenzare l'oggetto oggetto.
Nel 1910, Delon ha fatto il proprio contributo al cubismo sotto forma di due serie di dipinti raffiguranti cattedrali e torre Eiffel, che si uniscono a forme cubiche, dinamiche di movimento e colori vivaci. Questo nuovo modo di usare il colore Harmony ha contribuito a separare questo stile da un cubismo ortodosso, avendo ricevuto il nome dell'orfismo e ha immediatamente influenzato immediatamente gli artisti europei. Nello stesso stile, i dipinti hanno continuato a scrivere i dipinti con la moglie di Delone, l'artista Sonya Terk-delone.
Torre Eiffel (1911)
Il principale lavoro di Delone è dedicato alla Torre Eiffel - il famoso simbolo della Francia. Questo è uno dei più impressionanti da una serie di undici dipinti dedicati alla Torre Eiffel tra il 1909 e il 1911. È dipinto in un colore rosso brillante che la distingue immediatamente dalla città circostante. L'impressionante dimensione della tela aumenta inoltre la grandezza di questo edificio. Come fantasma, la torre torri sulle case circostanti, in un senso figurativo scuotendo le fondamenta del vecchio ordine stesso.
L'immagine di Delone trasmette questa sensazione di ottimismo illimitato, innocenza e freschezza del tempo, che non ha ancora assistito alle due guerre mondiali.
Franshak Kupka.
Frantishak Cup - Artista cecoslovak in stile astrattismoChi si è laureato presso l'Accademia delle Arti di Praga. Come studente, lui, prima di tutto, dipinto su argomenti patriottici e scrisse composizioni storiche. I suoi primi lavori erano più accademici, tuttavia, il suo stile si sviluppò nel corso degli anni e alla fine si è trasferito in astrazione. Scritto in modo molto realistico, anche i suoi lavori primitivi, contenevano mistici argomenti e simboli surreali e simboli che conservavano e quando scrivono astrazioni.
Il colpo di stato credeva che l'artista e il suo lavoro prendano parte a lunghe attività creative, la cui natura non è limitata come assoluta.
"Amorph. FuGue in due colori "(1907-1908)
A partire dal 1907-1908, il checkout cominciò a disegnare una serie di ritratti di una ragazza in possesso di una ciotola in mano, come se stesse per giocare o ballare con lui. Poi ha sviluppato sempre più immagini schematiche, e in definitiva, ha ricevuto una serie di disegni completamente astratti. Sono stati completati in una tavolozza limitata di colori rossi, blu, in bianco e nero.
Nel 1912, nel salone autunnale, una di queste opere astratte fu per la prima volta pubblica pubblicamente a Parigi.
L'astrazione di stile non perde la sua popolarità e nella pittura del XXI secolo - gli amanti dell'arte moderna non importano di decorare la loro casa come capolavoro, e lavorare in questo stile sta volando lontano dal martello su ogni sorta di aste per le favolose quantità.
Scopri di più sull'estrazione nell'arte ti aiuterà il seguente video:
Astrattismo (lat. abstractio. - rimozione, distrazione) o arte non-pigurativa - Direzione dell'arte, rifiutata dall'immagine delle forme nella pittura e dalla scultura. Uno degli obiettivi dell'astrattismo è il raggiungimento della "armonizzazione", utilizzando l'immagine di determinate combinazioni di colori e forme geometriche, causando un senso di completezza e completamento della composizione al contemporaneo. Figure eccezionali: Vasily Kandinsky, Kazimir Malevich, Natalia Goncharov e Mikhail Larionov, Pete Mondrian.
Storia
Astrattismo (L'arte sotto il segno delle forme zero, l'arte illimitata) è una direzione artistica che si è formata nell'arte della prima metà del XX secolo, ha completamente rifiutato di riprodurre le forme del mondo reale visibile. I fondatori di abstractitismo sono considerati v. Kandinsky , P. Mondriana. eK. Malevich.
V. Kandinsky ha creato il proprio tipo di pittura astratta, liberando da tutti i segni di sostituzione delle macchie di impressionisti e "selvaggio". Pete Mondrian è venuto alla sua freness attraverso la stilizzazione geometrica della natura, iniziata da Cezanne e Kubistami. I flussi modernisti del 20 ° secolo, focalizzati sull'estractionismo, partono completamente dai principi tradizionali, negando il realismo, ma rimangono nel quadro dell'art. La storia dell'arte con l'avvento dell'astrattismo è sopravvissuta alla rivoluzione. Ma questa rivoluzione non è nata per caso, ma abbastanza naturalmente, ed è stato previsto da Platone! Nel suo lavoro tardivo, il Phyleb ha scritto sulla bellezza delle linee, delle superfici e delle forme spaziali, indipendentemente da tutta l'imitazione dei soggetti visibili, da tutta la monevesi. Questo tipo di bellezza geometrica, in contrasto con la bellezza delle forme naturali "errate", secondo Platone, non ha un carattere assoluto relativo, ma incondizionato.
20 secolo e modernità
Dopo la prima guerra mondiale, 1914-18 le tendenze dell'arte astratta si sono spesso manifestate in certe opere da rappresentanti di dadaismo e surrealismo; Allo stesso tempo, il desiderio di trovare l'uso di forme inattive in architettura, art decorrugata, il design (esperimenti di un gruppo di stile "e" Bauhaus ") è stato determinato. Diversi gruppi artistici astratti ("Arte concreta", 1930; "Circle and Square", 1930; "Astrazione e creatività", 1931), unire artisti di varie nazionalità e tendenze, originati all'inizio degli anni '30., Principale in Francia. Tuttavia, l'arte astratta non ha ricevuto un'ampia distribuzione ea metà degli anni '30. I gruppi si sono lasciati. Negli anni della seconda guerra mondiale, 1939-45 negli Stati Uniti emerse una scuola del cosiddetto espressionismo astratto (pittori J. Pollock, M. Toby Et al.), che si è sviluppato dopo la guerra in molti paesi (chiamato Tashism o "arte formale") e proclamato dal suo "puro automatismo mentale" e un'impulsività subconsciante soggettiva della creatività, del culto di colori inaspettati e combinazioni strutturali.
Nella seconda metà degli anni '50, l'arte dell'installazione, Pop Art è stata originata negli Stati Uniti, un po 'più tardi la famosa Andy Warhol con la sua infinita replicazione dei ritratti Marilyn Monroe e lattine di cibo per cani - Astrattismo del collage. Nel pittorico art degli anni '60, la forma meno aggressiva e statica di astrazione - il minimalismo è diventato popolare. Allo stesso tempo Barnet Newman., fondatore di astrazione geometrica americana, insieme a A. Lieberman, A. tenuto.e K. Noland. Impegnato con successo nell'ulteriore sviluppo delle idee del neoplasticità olandese e del suprematismo russo.
Un altro corso di pittura americana è stato chiamato astrattismo "cromatico" o "post-siblish". Rappresentanti in una certa misura spinti da Fovisma e postminlyism. Stile duro, contorni affilati enfatizzati E. Cely, J. Yungherman, F. Sustla Gradualmente inferiori al dipinto di un contemplativo magazzino malinconico. Negli anni '70 - '80, la pittura americana è tornata alla figuratività. Inoltre, la diffusione più ampia ha ricevuto una manifestazione così estrema come fotorealismo. La maggior parte degli storici dell'arte convergono sul fatto che gli anni '70 è il momento della verità per l'arte americana, perché durante questo periodo fu finalmente liberato dall'influenza europea ed era puramente americano. Tuttavia, nonostante il ritorno delle forme e dei generi tradizionali, dal ritratto al dipinto storico, non è scomparso e astrattismo.
Dipinti, le opere di arte "svantaggiate" sono state ancora create, dal momento che il ritorno al realismo negli Stati Uniti non è stato esagerato dall'abstractionismo come tale, ma la sua canonizzazione, un divieto di arte figurativa, che è stata identificata principalmente con il nostro realismo sociale e Pertanto non poteva essere considerato odioso nella società "libera democratica", un divieto di generi "bassi", sulle funzioni sociali dell'art. Allo stesso tempo, la stilistica della pittura astratta ha acquisito un po 'di morbidezza, che non ha preso prima, - razionalizzando volumi, sfocatura di contorni, la ricchezza di soluzioni a semitono, sottili ( E. Murray, St. Hephon, L. Rivers, Mr. L. Huese, A. Ballod).
Tutte queste tendenze hanno posto la fondazione per lo sviluppo del moderno astraccoismo. Non può esserci nulla di congelato nella creatività, poiché sarebbe morto per lui. Ma qualunque sia i percorsi di astrazione, non importa come si trasformasse, l'essenza di esso rimane sempre invariata. È che l'astrazione dell'arte visiva è il modo più economico e nobile per catturare l'essere personale, e nella forma, che non è né adeguata - come l'impressione di facsimile. Allo stesso tempo, l'astrazione è una realizzazione diretta della libertà.
Indicazioni
In astrazione, si possono distinguere due direzioni chiare: astrazione geometrica, basata principalmente su configurazioni ben definite (Malevich, Mondrian) e astrazione lirica in cui la composizione è organizzata da forme gratuite (Kandinsky). Anche in astrazione ci sono molte altre strade principali.
Cubismo
La direzione d'avanguardia nelle arti visive originata all'inizio del 20 ° secolo e caratterizzato dall'uso delle forme condizionate della forma geometrica, il desiderio di "schiacciare" oggetti reali per primitivi di stereotili.
Regionismo (Raysm)
Direzione in arte astratta degli anni '10, basata sulla sostituzione di spettri di luce e luce rilevanti. È caratterizzato dall'idea dell'emergenza delle forme dall'intersezione dei raggi riflessi di vari oggetti ", poiché la persona è infatti non il soggetto percepito, ma" la quantità di raggi provenienti dalla sorgente luminosa riflessa da il soggetto."
Neolasticismo
Designazione della direzione dell'arte astratta, che esisteva nel 1917-1928. In Holland e artisti uniti che stavano raggruppando attorno alla rivista "de Stijl" ("stile"). Caratterizzati chiari forme rettangolari in architettura e pittura astratta nel layout di grandi piani rettangolari, dipinti nei colori principali dello spettro.
Orfismo
Direzione in pittura francese degli anni '10. Gli artisti orferi hanno cercato di esprimere le dinamiche del movimento e della musicalità dei ritmi usando i "modelli" della interpenetrazione dei colori di base dello spettro e dell'interconnessione delle superfici curvilinee.
Suprematismo
La direzione nell'arte all'avanguardia, fondata negli anni '90. Malevich. Era espresso in combinazioni di piani multicolori dei contorni geometrici più semplici. La combinazione di figure geometriche multicolori costituisce una bilanciata composizioni suprematiche asimmetriche penetrate dal movimento interno.
Tashismo
Il flusso del 1950-60 nell'estractionismo dell'Europa occidentale, che ha ricevuto la più grande distribuzione negli Stati Uniti. Si tratta di punti dipinti che non ricreare le immagini della realtà, ma esprimono l'attività inconscia dell'artista. Le macchie, le linee e le macchie di Tashizm sono applicate ai movimenti rapidi della tela della mano senza un piano predeterminato.
Espressionismo astratto
Il movimento degli artisti, disegnando rapidamente e su tele grosse, utilizzando tratti non geomeometrici, grandi spazzole, a volte gocciolando con vernici in tela, per la massima identificazione delle emozioni. Il metodo espressivo della pittura qui spesso ha lo stesso valore del disegno stesso.
Abstricionalità nell'interno
Recentemente, l'abstractionism iniziò a muoversi con dipinti da artisti in un accogliente interno domestico, rinnovandolo. Stile minimalista con forme chiare, a volte piuttosto insolite, rende la stanza inusuale e interessante. Ma è molto semplice esagerare con il colore. Considera una combinazione di colore arancione in tale stilista dell'interno.
Bianco Best Dilui Arancione saturato e quanto è bello. Il colore dell'arancia fa diventare la stanza più calda, quindi un po '; non prevenire. L'attenzione deve essere sui mobili o progettarlo, ad esempio, copriletto arancione. In questo caso, le pareti bianche atterieranno la luminosità del colore, ma lascerà la stanza colorata. In questo caso, i dipinti della stessa gamma serviranno come aggiunta eccellente - la cosa principale non è esagerare, altrimenti ci saranno problemi con il sonno.
La combinazione di colori arancioni e blu è indulgente per qualsiasi stanza, se non riguarda il vivaio. Se scegli le sfumature non brillanti, si armonizzeranno con successo, aggiungendo gli stati d'animo e non influenzano negativamente i bambini iperattivi.
L'arancione è perfettamente combinata con verde, creando un effetto albero mandarino e una tinta di cioccolato. Brown - Colore, che varia da caldo al freddo, così perfettamente normalizza la temperatura totale della stanza. Inoltre, una tale combinazione di colori è adatta per la cucina e il soggiorno, dove è necessario creare un'atmosfera, ma non sovraccaricare l'interno. Posizionare le pareti nei colori bianco e al cioccolato, è possibile mettere in sicurezza una sedia arancione o appendere un'immagine luminosa con un ricco mandarino. Mentre sei in una stanza del genere, avrai uno stato d'animo meraviglioso e il desiderio di rendere il più possibile il più possibile.
Immagini di famosi artisti di astrazione
Kandinsky era uno dei pionieri dell'arte astratta. Ha iniziato le sue ricerche in impressionismo, e già un abstractismo è venuto allo stile. Nel suo lavoro, ha sfruttato la relazione tra il colore e la forma per creare un'esperienza estetica, che coprirebbe sia la visione che le emozioni del pubblico. Credeva che l'astrazione completa dà spazio a un'espressione profonda, trascendentale e la copia della realtà impedisce solo questo processo.
La pittura era profonda spirituale per Kandinsky. Ha cercato di trasmettere la profondità delle emozioni umane attraverso il linguaggio visivo universale di forme e colori astratti, che supererebbe i confini fisici e culturali. Lui vide astrattismo Come regime visivo ideale, che può esprimere la "necessità interna" dell'artista e trasmettere idee ed emozioni umane. Si considerava un profeta la cui missione è di condividere questi ideali con il mondo, a beneficio della società.
Nascosto in colori vivaci e linee nere chiare raffigurano diversi cosacchi con lance, oltre a barche, numeri e castello in cima alla collina. Come in molti dipinti di questo periodo, rappresenta una battaglia apocalittica che porterà al mondo eterno.
Per facilitare lo sviluppo dello stile libero di pittura, come descritto nel suo lavoro "su spirituale nell'arte" (1912), Kandinsky riduce gli oggetti ai simboli pittogrammi. Grazie alla rimozione della maggior parte dei riferimenti al mondo esterno, Kandinsky ha espresso la sua visione a un modo più versatile, traducendo l'essenza spirituale del soggetto attraverso tutte queste forme nella lingua visiva. Molte di queste figure simboliche sono state ripetute e raffinate nel suo lavoro successivo, diventando ancora più astratto.
Kazimir Malevich.
Le idee di Malevich sulla forma e il significato nell'arte, in un modo o nell'altro, portano alla concentrazione sulla teoria dell'estracista stile. Malevich ha lavorato con diversi stili nella pittura, ma soprattutto è stato focalizzato sullo studio di forme geometriche pure (piazze, triangoli, cerchi) e il loro atteggiamento verso l'altro nello spazio visivo. Grazie ai suoi contatti in Occidente, Malevich è stato in grado di trasmettere le sue idee sulla pittura agli artisti in Europa e negli Stati Uniti, e quindi influire profondamente sull'evoluzione dell'arte contemporanea.
"Black Square" (1915)
L'immagine di culto "Black Square" è stato il primo mostrato da Malevich alla mostra di Petrograd nel 1915. Questo lavoro incarna i principi teorici del suprematismo sviluppato da Malevich nel suo saggio "Dal cubismo e il futurismo al suprematismo: il nuovo realismo nella pittura".
Sulla rete davanti allo spettatore è una forma astratta sotto forma di un quadrato nero - è l'unico elemento della composizione. Nonostante il fatto che l'immagine sia semplice, presenta elementi tali come impronte digitali, pennellate, peeling attraverso strati di vernice nera.
Per Malevich, la piazza si riferisce ai sentimenti, e il bianco è il vuoto, niente. Vide una piazza nera come una presenza simile a Dio, un'icona, come se potesse diventare un nuovo modo sacro per un'arte impressionante. Anche in mostra, questa immagine è stata collocata sul posto dove l'icona di solito ha in una casa russa.
Pete Mondrian.
Pita Mondrian, che è uno dei fondatori del movimento olandese "De Style", riconoscere la purezza delle sue astrazioni e la pratica metodica. Ha abbastanza radicalmente semplificato gli elementi dei suoi dipinti per visualizzare ciò che ha visto, non direttamente, e in senso figurato, e creare un linguaggio estetico chiaro e universale nelle sue tele. Nei suoi dipinti più famosi dagli anni '20, Mondrian riduce le forme a linee e rettangoli, e la tavolozza è il più semplice. L'uso di un equilibrio asimmetrico è diventato fondamentale nello sviluppo dell'arte contemporanea, e le sue opere astratte di culto conservano la loro influenza nel design e familiarità alla cultura popolare e oggi.
"Grey Tree" è un esempio della prima transizione di Mondrian allo stile astrattismo. L'albero tridimensionale è ridotto alle linee e agli aerei più semplici, usando solo sfumature grigie e nere.
Questa immagine è una delle opere dei lavori di Mondrian creata con un approccio più realistico, dove, ad esempio, gli alberi vengono presentati naturalmente. Mentre i lavori successivi sono diventati sempre più astratti, ad esempio, le linee dell'albero sono ridotte fino a quando la forma dell'albero è appena notevole e secondaria rispetto alla composizione generale delle linee verticali e orizzontali. Qui puoi ancora vedere l'interesse di Mondrian all'abbandono di un'organizzazione strutturata di linee. Questo passo è stato significativo per lo sviluppo di una pura astrazione di Mondriana.
Robert Delone.
Delone era uno dei primi artisti di astrazione. La sua creatività ha influenzato lo sviluppo di questa direzione, in base alla tensione compositiva, che era dovuta all'opposizione dei colori. Cadde rapidamente sotto effetti neo-impressionistici colorati e seguiti molto da vicino il sistema di lavoro del colore nello stile dell'astrattismo. Considerava il colore e la luce per essere gli strumenti principali, con l'aiuto di cui è possibile influenzare l'oggetto oggetto.
Nel 1910, Delon ha fatto il proprio contributo al cubismo sotto forma di due serie di dipinti raffiguranti cattedrali e torre Eiffel, che si uniscono a forme cubiche, dinamiche di movimento e colori vivaci. Questo nuovo modo di usare il colore Harmony ha contribuito a separare questo stile da un cubismo ortodosso, avendo ricevuto il nome dell'orfismo e ha immediatamente influenzato immediatamente gli artisti europei. Nello stesso stile, i dipinti hanno continuato a scrivere i dipinti con la moglie di Delone, l'artista Sonya Terk-delone.
Il principale lavoro di Delone è dedicato alla Torre Eiffel - il famoso simbolo della Francia. Questo è uno dei più impressionanti da una serie di undici dipinti dedicati alla Torre Eiffel tra il 1909 e il 1911. È dipinto in un colore rosso brillante che la distingue immediatamente dalla città circostante. L'impressionante dimensione della tela aumenta inoltre la grandezza di questo edificio. Come fantasma, la torre torri sulle case circostanti, in un senso figurativo scuotendo le fondamenta del vecchio ordine stesso. L'immagine di Delone trasmette questa sensazione di ottimismo illimitato, innocenza e freschezza del tempo, che non ha ancora assistito alle due guerre mondiali.
Franshak Kupka.
Frantishak Cup - Artista cecoslovak in stile astrattismoChi si è laureato presso l'Accademia delle Arti di Praga. Come studente, lui, prima di tutto, dipinto su argomenti patriottici e scrisse composizioni storiche. I suoi primi lavori erano più accademici, tuttavia, il suo stile si sviluppò nel corso degli anni e alla fine si è trasferito in astrazione. Scritto in modo molto realistico, anche i suoi lavori primitivi, contenevano mistici argomenti e simboli surreali e simboli che conservavano e quando scrivono astrazioni. Il colpo di stato credeva che l'artista e il suo lavoro prendano parte a lunghe attività creative, la cui natura non è limitata come assoluta.
"Amorph. FuGue in due colori "(1907-1908)
A partire dal 1907-1908, il checkout cominciò a disegnare una serie di ritratti di una ragazza in possesso di una ciotola in mano, come se stesse per giocare o ballare con lui. Poi ha sviluppato sempre più immagini schematiche, e in definitiva, ha ricevuto una serie di disegni completamente astratti. Sono stati completati in una tavolozza limitata di colori rossi, blu, in bianco e nero. Nel 1912, nel salone autunnale, una di queste opere astratte fu per la prima volta pubblica pubblicamente a Parigi.
Abstrasti moderni
Dall'inizio del XX secolo, gli artisti, tra cui Pablo Picasso, Salvador Dali, Casemir Malevich, Vasily Kandinsky - sperimentare con le forme di oggetti e la loro percezione, e ha anche messo in discussione i canoni esistenti dell'art. Abbiamo preparato una selezione dei famosi stessi artisti di Abstation Modern che hanno deciso di spingere i loro confini di conoscenza e creare la propria realtà.
Artista tedesco David Schnel. (David Schnell) piace girovagare sui luoghi, in cui la natura regnava, e ora sono rigorose per gli edifici delle persone - dai parchi giochi alle fabbriche e alle fabbriche. Memorie di queste passeggiate e danno alla luce i suoi splendidi paesaggi astratti. Dare la volontà alla sua immaginazione e memoria, non fotografie e video, David Schnele crea immagini che assomigliano alla realtà virtuale del computer o allustrazioni per i libri di fiction.
Creando i loro dipinti astratti su larga scala, un artista americano Kristin Baker. (Kristin Baker) disegna ispirazione dalla storia delle arti e dalle corse di NASCAR e della Formula 1. Sale dà il suo volume di lavoro, sovrapponendo diversi strati di pittura acrilica e scuotere sagome con scotch. Poi Christine lo ostacolano ordinatamente, che ti permette di vedere gli strati inferiori della vernice e rende la superficie dei suoi dipinti simili a un collage multicolore multicolore multistrato. Nella recente fase del lavoro, ribalta tutte le irregolarità, rendendo i loro dipinti come le sensazioni sulla radiografia.
Nelle loro opere, un artista di origine greca da Brooklyn, New York, Eleanna Anagnes. (Eleanna Anagnos) esplora aspetti della vita di tutti i giorni, che spesso sfuggono alla vista delle persone. Nel corso del suo "Dialogo con tela", i concetti ordinari acquisiscono nuovi significati e bordi: lo spazio negativo diventa positivo e le forme piccole aumentano di dimensioni. Cercando di inalare "la vita nelle nostre immagini", ho cercato di risvegliare la mente umana che ha smesso di fare domande ed essere aperto a qualcosa di nuovo.
Dare alla luce spruzzi luminosi e lodge di vernice, un artista americano Sara Spitler.(Sarah Spitler) cerca di mostrare nel suo lavoro caos, catastrofe, squilibrio e pasticcio. È attratto da questi concetti, in quanto non sono suscettibili di controllare da umani. Pertanto, la loro forza distruttiva rende opere astratte di Sarah Spitler potenti, energici ed eccitanti. Inoltre. L'immagine risultante di inchiostro, vernici acriliche, matite in grafite e smalto enfatizza l'etherismo e la relatività di ciò che sta accadendo attorno alla tela.
Disegno ispirazione dal campo dell'architettura, artista da Vancouver, in Canada, Jeff Dapner. (Jeff Depner) crea modelli astratti multistrato costituiti da forme geometriche. Nel "caos" artistico creato da lui, Jeff sta cercando armonia a colori, forma e composizione. Ognuno degli elementi dei suoi dipinti è associato l'uno con l'altro e conduce al successivo: "Il mio lavoro sta investigando la struttura compositiva [immagini] attraverso la relazione tra i colori nella tavolozza selezionata ...". Secondo l'artista, i suoi dipinti sono "segni astratti", che dovrebbero rimandare il pubblico per un nuovo livello inconscio.
Motivo a livello singolo, William Morris
"Abstractionism", chiamato anche "arte inespugnabile", "non fuggitivo", "non residente", "astrazione geometrica" \u200b\u200bo "arte specifica", è un termine piuttosto sfocato per qualsiasi oggetto di pittura o scultura che non viene visualizzata oggetti o scene riconoscibili. Tuttavia, come vediamo, non vi è alcun consenso chiaro rispetto alla definizione, ai tipi o al valore estetico dell'arte astratta. Picasso pensava che un tale concetto non esista affatto, mentre alcuni storici dell'arte credono che tutta l'arte sia astratta - perché, ad esempio, nessun dipinto può contare per essere qualcosa di grande di un curriculum grossolano che veda l'artista. Inoltre, c'è una scala mobile di astrazione: dal semi-astratto a completamente astratto. Pertanto, sebbene la teoria sia relativamente chiara - l'arte astratta viene rimossa dalla realtà - il compito pratico di separare l'abstract da opere non astratte può essere molto più problematico.
Qual è l'idea dell'arte astratta?
Iniziamo con un esempio molto semplice. Prendi il disegno cattivo (non redditizio) di qualcosa. Esecuzione L'immagine lascia molto a desiderare, ma se i suoi colori sono belli, il disegno può colpirlo. Questo mostra come la qualità formale (colore) può sovrascrivere il rappresentante (disegno).
D'altra parte, un'immagine fotorealistica, ad esempio, a casa può dimostrare un'eccellente grafica, ma il soggetto stesso, la combinazione di colori e la composizione totale possono essere assolutamente noiosi.
La conferma filosofica della valutazione delle qualità formali artistiche deriva dall'approvazione di Platone che: "linee rette e cerchi ... non solo bellissime ... ma eternali e assolutamente belli."
Convergenza, Jackson Pollock, 1952
In sostanza, il refunzione di Platone significa che le immagini non naturalistiche (cerchi, piazze, triangoli, ecc.) Hanno bellezza assoluta e invariata. Pertanto, la pittura può essere stimata solo alla sua linea e al colore, non ha bisogno di ritrarre l'oggetto naturale o la scena. Artista francese, Lithogran e Teorica d'Art Maurice Denis (1870-1943) significava la stessa cosa quando scriveva: "Ricorda che l'immagine è prima di diventare un cavallo militare o una donna nuda ... essenzialmente una superficie piana ricoperta di colore raccolto per colore in un certo ordine. "
Frank Stella.
Tipi di astrazione
In modo che tutto sia semplice, possiamo dividere l'arte astratta per sei tipi principali:
- Curvilineo
- Fondazione su colori o luce
- Geometrico
- Emotivo o intuitivo
- Gestual.
- Minimalista
Alcuni di questi tipi sono meno astratti di altri, ma sono tutti collegati con il ramo dell'arte dalla realtà.
Astrattismo curvilineo.
Honeysuckle, William Morris, 1876
Questo tipo è fortemente associato all'arte celtica, che utilizza una serie di motivi astratti, compresi i nodi (otto tipi principali), modelli e spirali interlacciati (incluso triskel o triscelion). Questi motivi non sono stati inventati dai Celti, molte altre culture precoci utilizzavano questi ornamenti celtici nel corso dei secoli. Tuttavia, è giusto dire che i progettisti celtici respiravano una nuova vita in questi modelli, rendendoli più intricati e complessi. Più tardi, tornarono durante il XIX secolo e si manifestano soprattutto nelle coperture del libro, tessuti, wallpapering e sortazioni, simili a William Morris (1834-96) e Arthur Mcsuzurdo (1851-1942). L'astrazione curvilinea è anche caratterizzata da un tale concetto come una "immagine infinita" - una caratteristica diffusa dell'arte islamica.
Astrattismo basato su colore o luce
Acqua Lily, Claude Monet
Questo tipo è illustrato nelle opere di Turner e Monet, che utilizzano il colore (o la luce) in modo tale da separare il lavoro dell'arte dalla realtà, poiché l'oggetto si dissolve nel vortice del pigmento. Esempi possono servire da giglio d'acqua di Claude Monet (1840-1926), Talismano (1888, Musee d'Orsay, Parigi), Paul Seruzier (1864-1927). Molti dei dipinti espressionisti di Kandinsky scritti nel loro tempo con der Blaue Reiter sono molto vicini all'astrazione. L'astrazione del colore è apparsa di nuovo alla fine degli anni '40 e '50 sotto forma di pittura colorata sviluppata da Mark Rotko (1903-70) e Barnett Newman (1905-70). Negli anni '50, in Francia, è apparsa una varietà parallela di pittura astratta relativa al colore, conosciuta come astrazione lirica.
Talismano, pavimento seru
Astrazione geometrica.
Bougie-wgos su Broadway, Pete Mondriana, 1942
Questo tipo di arte astratta intellettuale è apparsa da circa il 1908. Una prima forma rudimentale era un cubismo, in particolare cubismo analitico, che ha respinto la prospettiva lineare e l'illusione della profondità spaziale nella pittura per concentrarsi sui suoi aspetti bidimensionali. L'astrazione geometrica è anche nota come arte specifica e impresa art. Come dovrebbe essere previsto, è caratterizzato da immagini non naturalistiche, di regola, forme geometriche, come cerchi, piazze, triangoli, rettangoli, ecc. In un certo senso, non contengono assolutamente alcun riferimento al mondo naturale e non Essere collegati con esso, l'astrazione geometrica è la forma più pulita di astrazione. Si può dire che l'arte concreta per l'arte astratta è la stessa del veganness per il vegetarianismo. L'astrazione geometrica è rappresentata da un cerchio nero (1913, il museo russo di stato, San Pietroburgo), scritto da Casimir Malevich (1878-1935) (il fondatore del suprematismo); Bogi-Vui su Broadway (1942, Moma, New York) Pete Mondriana (1872-1944) (fondatore di Neoplastic); E composizione VIII (la mucca) (1918, Moma, New York) Teo Van Lebourg (1883-1931) (fondatore di stile e elemento). Altri esempi includono lavori appello a Josef Albers Square (1888-1976) e op-art creato da Viktor Vazareli (1906-1997).
Nero Circle, Kazimir Malevich, 1920
Composizione VIII, TEO Van Brick
Arte astratta emotiva o intuitiva
Questo tipo di arte copre una combinazione di stili, il cui argomento totale è una tendenza naturalistica. Questo naturalismo si manifesta sotto forma di forme e colori usati. In contrasto con l'astrazione geometrica, che è quasi anti-natura, l'astrazione intuitiva spesso descrive la natura, ma meno rappresentativa. Due fonti importanti per questo tipo di arte astratta sono: astrazione organica (chiamata anche astrazione biomorfa) e surrealismo. Forse l'artista più famoso specializzato in questa forma d'arte è nato in Russia Mark Rotko (1938-70). Altri esempi includono le tele di Kandinsky, come la composizione n. 4 (1911, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen) e composizione VII (1913, Galleria Tretyakov); Donna (1934, collezione privata) Joan Miro (1893-1983) e una divisione indefinita (1942, una galleria d'arte AllBright-Knox, Buffalo) Yves Tangi (1900-55).
Dividità incerta, Yves Tangi
Gesturing (gesto) Arte astratta
Untitled, D. Pollock, 1949
Questa è la forma di espressionismo astratto, quando il processo di creazione dell'immagine diventa più importante del solito. Ad esempio, la vernice viene applicata in modo insolito, le macchie sono spesso molto allentate e veloci. Famosi esponenti americani di pittura gesticolanti includono Jackson Pollock (1912-56), l'inventore della pittura d'azione e sua moglie Lee Krasner (1908-84), che l'ha ispirato per l'invenzione della propria tecnologia, la cosiddetta "pittura a goccia" ; Villem de Cuning (1904-97), noto per il suo lavoro in una serie di una donna; E Robert Motherwell (1912-56). In Europa, questa forma è rappresentata dal gruppo Cobra, in particolare con Karel Appel (1921-2006).
Arte astratta minimalista
Training Disegno, Ed Reinhardt, 1939
Questo tipo di astrazione era una sorta di arte avanguardia, priva di tutti i riferimenti e le associazioni esterne. Questo è ciò che vedi - e nient'altro. Spesso prende una forma geometrica. In questa direzione, gli scultori sono dominati, sebbene includa anche alcuni grandi artisti, come Ed Reinhardt (1913-67), Frank Stella (1936), i cui dipinti di larga scala e includono cluster di forma e colori; Sean Scully (1945) artista irlandese-americana, le cui forme rettangolari sembrano imitare le forme monumentali di strutture preistoriche. E Joe nudo (1929. (1930). 
Elsuworth Kelly.
Frank Stella.
Per definizione, concordato con Wikipedia, astrattismo (lat. mabstractio.n - rimozione, distrazione) o non-pigurativoo In modo liberodirezione dell'arte, rifiutata da un'immagine della forma in pittura, grafica e scultura.
L'aspetto del concetto estetico dei primi astrattori era un rifiuto di una forma reale, che richiede il pubblico di erudizione e comprensione logica, a favore di un'espressione almeno un invio emotivo netto. Poiché il massimo si presumeva che la creatività artistica riflette i modelli dell'universo, nascosti dietro i fenomeni esterni e apparenti della realtà. Questi modelli, intuitivamente comprendendo dall'artista, sono stati espressi attraverso il rapporto tra forme astratte (punti di colore, linee, volumi, forme geometriche).
Fico. 1. V. V. Kandinsky. Primo acquerello astratto. 1910.
Una composizione astratta a termine ampiamente utilizzata cresce dalla portata dell'istruzione, dove definisce la formulazione dell'esercizio di apprendimento. La parola "composizione" non è utilizzata nel significato della preparazione, ma nell'aspetto del lavoro completato. Piuttosto, ovviamente, parla della composizione nell'arte astratta. Come l'arte di un'esperienza "personale", l'astrazione in diversi periodi di esistenza ha scioccato lo spettatore, era un'avanguardia d'arte, poi ridicolo, è stata sottoposta a condanna e censura, come arte che non ha senso e degenerativo. Tuttavia, ora l'Abstractismo esiste alla pari con tutte le altre forme di arte e, inoltre, si tratta di posizioni speciali dei compiti dei test introduttivi al momento dell'ammissione alle istituzioni educative per le specialità architettoniche e di design. Come ispezione di capacità creative del richiedente, il test di astrazione è molto produttivo. Identifica vivacemente il pensiero creativo, la conoscenza composita e la capacità di esprimere l'argomento nelle complicate condizioni di divieto per forme riconoscibili del mondo circostante. Dopotutto, storicamente, lavorando con gli elementi primari del linguaggio dell'arte (quelle forme geometriche possono essere ottenute con l'affettatura dell'eccesso in arte figurativa, si possono ottenere gli oggetti del mondo visivo), gli astrattori hanno attratto il composito Principi comuni. Non sorprende che gli abstrasti siano stati utilizzati dalle loro forme inattive in estetica industriale (design), design artistico, architettura (attività del gruppo di stile nei Paesi Bassi e scuola Bauhauss in Germania; il lavoro di Kandinsky Vagamutemia; architetture e progetti di progettazione Malevich; "Mobile" Alexander Kolder; i disegni di Vladimir Tatlin, il lavoro di Nauma Gabo e Antoine Pevzner). Le attività degli astrattori hanno contribuito alla formazione di architettura moderna, arte decorativa e applicata, design.
Personalmente, l'autore è interessante per la composizione astratta solo dal fatto che sull'esempio delle forme astratte condizionate è più facile capire le leggi psico-fisiologiche della percezione dell'immagine dello spettatore e metterle in armamento quando il pensiero dell'autore è in il lavoro. Dopotutto, per rendere le loro idee con intersperseribili per lo spettatore, è logico comunicare sulla lingua visiva che è chiara per lo spettatore e l'artista, che ho scritto un dottore-storico dell'arte a Stepanov G.P. (Composizione Problemi della sintesi d'arte, 1984). Nella lingua dei Gestat Universali della Psiche R. Arnheim (arte e percezione visiva. 1974), tenendo conto della fisiologia della visione e della lavorazione vista dal cervello, che riassunto per artisti nel suo libro G.I. Panksenov (pittura. Forma, colore, immagine, 2007). Questo argomento è descritto in dettaglio dall'autore negli articoli "" e "", che aumenterà la comprensione di questo articolo. Anche quando le prime idee del soggetto (genere o scena, scena, scena, associativa-surrealistica, decorativa, ecc.) La composizione si basano sulle composizioni *, tutti gli oggetti in esso sono pianificati con macchie o masse condizionali, che poi il "cut-off" Il metodo è regolato a forme riconoscibili. La teoria della composizione detta in modo univoco che era nelle masse condizionali di un grande e piccolo, buio e leggero nella fase dei primi schizzi impliciti, interazione, armonia, un centro composito, un mezzo di espressività e delicatamente conservati al dovrebbe essere trovato la fine del lavoro sul lavoro.
Fico. 2. Schizzi di dipinti. a) I.I. Levitan. Piattaforma. Avvicinamento del treno. Schizzo. 1879. GTG. b) Spiridonov v.m. Composizione multifigure. Schizzo dello stato di Chuvash del 1941. Museo. nel)
Kiparisov P. G. Marchi Go. Schizzi per l'immagine "Quando i fiori lilla". Stato di Chuvash. Museo.
Questo approccio riguarda tutta l'ipostasi della composizione (genere, associativo astratto, decorativo, ecc.). Naturalmente, in astrazione, possiamo più vicino allo spettatore solo a qualsiasi esperienza psicologica, umore, sentimento, ma non è molto piccolo per un pezzo di lavoro e una natura sostanziale. Pertanto, la comprensione della composizione in astrazione espanderà orizzonti e artisti di direzioni figurative nell'art. Viene da queste posizioni che propone un'ipotesi che la comprensione della comunicazione di psicologica con il Visual dovrebbe essere il principio di base di esprimere determinate sensazioni nella conoscenza composita. Ciò consentirà all'artista di esprimere più accuratamente la sua idea e creare un impatto emotivo più potente sullo spettatore nel lavoro di natura figurativa e non figurativa.
Tuttavia, se tutti gli ufficiali di disegno comprendono i principi di visualizzare determinate sensazioni, una particolare associazione, l'umore in una composizione libera, con quale lingua codificata l'autore e lo spettatore dovrebbero essere scontrati attraverso un'immagine?
* Tutta l'arte visiva può essere divisa in sostanziale e gratis. Entrambe e l'altra sezione può essere rappresentata come una serie di aree di arte, ad esempio, in arte astratta, due grandi direzioni sono astrazioni geometriche, basate principalmente su configurazioni ben definite (Malevich, Mondrian) e astrazione lirica, in cui la composizione è organizzato da forme gratuite (Kandinsky). Nel loro quadro, si possono distinguere flussi più stretti, ad esempio, il Tashism (pittura da macchie, che esprimono l'attività inconscia dell'artista), il suprematismo (combinazioni di piani multicolori dei contorni geometrici più semplici), neoplastico (pittura nel Layout di ampi piani rettangolari, dipinti nei colori principali dello spettro) e .. Nel quadro del soggetto, vari approcci all'immagine della forma più realistica, delle azioni, del tempo, dello spazio sono interferd. Ad esempio, la composizione realistica del genere, I.e. Riflettendo un genere specifico di arte (ritratto, natura morta, paesaggio, animale, storico, battaglia, famiglia o simili), aderisce chiaramente all'aristotele unità - tempo, luoghi, azioni. In tale arte, alcuni attori in un certo punto dello spazio reale sono combinati con un'azione. Tuttavia, in materia art ha sviluppato storicamente tali aree come surrealismo, cubismo, futurismo e altre correnti d'avanguardia "soggetto", dove gli oggetti del mondo con un significativo grado di stilizzazione (deformazione, semplificazione, complicazioni, ecc.) O senza di esso non sono rappresentati in termini di mondo fisico reale e come se nel flusso di riflessi associativi dell'autore. In altre parole, ci sono oggetti reali, ma i tempi, gli spazi possono essere miscelati, il colore è interpretato condizionalmente, e la forma è fortemente deformata. "Già un periodo di grafico protoanant del XIX secolo dei secoli XIX-XX è caratterizzato come uno strato, la transizione dall'estetica classica di Aristotele, mimiis alla tradizione non classica e antiaristylene". Ma, con tutto, le leggi, le regole, i principi, i mezzi di espressività sono uniti a tutte le manifestazioni e producono un impatto su tutte le versioni dell'immagine sostanziale o senza precedenti.
Lo scopo di questo articolo è un tentativo di descrivere principi adeguati per i quali vengono rilevate le sensazioni umane nella composizione astratta e allo stesso tempo spiega il metodo di riflessione sull'espressione nella composizione delle sensazioni di vita sull'esempio di standard per le attività di apprendimento Sulla composizione e formazione di tattili, gusto, vestibolare, ecc. Sensazioni. Per il quale analizziamo le caratteristiche della composizione in arte astratta e forniamo alcuni esempi con illustrazioni.
Per esprimere le statiche nella caratteristica della composizione:
Il fondo pesante e leggero è un'anticipazione psicologica (in attesa) dell'allineamento delle forze in un foglio, che è dovuto alle realtà fisiche della vita. In altre parole, l'abitudine di sentire un sostegno affidabile sotto i piedi, e sopra il cielo della testa. Pertanto, il centro di composizione è meglio deporre un po 'più basso del centro geometrico del foglio per rafforzare il fondo, attirare la composizione alla piattaforma implicita. Associativamente sentito al bordo inferiore del foglio L'area di supporto è necessaria ampia a causa della legge fisica che il grande aereo dà una maggiore forza di attrito. In connessione con l'esperienza di vita della ricerca di stati stabili di equilibrio, è necessario sottolineare verticale e orizzontalmente come chiave composito o il principio dominante nella composizione. Non mettere nulla all'angolo. Persino i triangoli nelle composizioni che portano in diagonale alle loro parti dovrebbero essere messi su una base ampia, tende a un triangolo altrettanto incantevole e rettangolare. Il colore sulle sensazioni vestibolari del parere dell'autore non influisce.
Per esprimere gli altoparlanti nella caratteristica della composizione:
In connessione con il gestato "Arnheim" stabilito della psiche si sentono sopra la testa di un cielo leggero, spesso se visto dal piano visivo, gli oggetti collocati nella parte superiore del foglio sembrano volare o cadere. Pertanto, il centro composito nelle composizioni dinamiche è meglio deporre un po 'più alto del centro geometrico del foglio per spostare l'accento per il visualizzatore come lo era, così com'era, "nel cielo". Rishosk rischiaremo che gli oggetti scuri e grandi, che sono associativamente associati ai pesi sembrano cadere, e leggeri e luminosi, per analogia con occuazione, neve, traghetto, ecc., Sembra volare. Il quadrato di supporto nel bordo inferiore del foglio non è assolutamente necessario. A differenza delle statistiche, la struttura della composizione dinamica è più spesso una diagonale. Può essere una spirale, ma con un'impressione a spirale della rimozione costante e del volo è necessario "vivere" con un ritmo e una scala. Si prega di notare che sotto la dinamica è implicita non un movimento caotico, ma un vettore diretto, come se con una determinata accelerazione. In altre parole, gli oggetti raffigurati dovrebbero sembrare volare (abbandonato con forza) a uno scopo particolare. Tali forme statiche come vari rettangoli dovrebbero essere messe in diagonale, in diagonale. Il principale mezzo di espressività - ritmo. Cambiando la distanza da un oggetto disegnato all'altro, l'artista può creare una sensazione di overclocking o rallentando, a seconda di quanto è lontano possibile saltare fuori dalla vista da un oggetto all'altro. Allo stesso tempo, l'effetto della promettenti riduzione delle strutture di volo sarà un buon aiuto. Il colore sulle sensazioni vestibolari, secondo l'autore, non influenza.
Fico. 3. Esempi di immagini di statica e altoparlanti in una composizione astratta geometrica. a) Yuldasheva E. b) Lazareva V. c) Lazareva V.
Per esprimere il massiccio nella composizione caratteristica:
Per esprimere la gravità su un foglio, il centro composito è meglio posare appena sotto il geometrico. Il formato è fortunato a scegliere orizzontale, come se "atterrato". In casi particolari, per la massima capacità, dovrebbe essere l'area di supporto, e più, meglio è (compreso il totale di diversi oggetti severi) a causa del fatto che la massa pesante è più forte attrae a terra. È necessario premere l'immagine sul bordo inferiore del foglio. Tuttavia, possono essere trovati vari compiti artistici, in cui il massiccio non dovrebbe essere associato alla terra, allora vale la pena limitata a quest'ultima scala nel foglio e al tono scuro. La struttura pronunciata per la creazione di massicce composizioni non è probabilmente, ma è interessante aumentare la sensazione di gravità, immorosità e pressione dovuta al fatto che è possibile morseggiare graficamente o premere il piccolo oggetto con grande, per analogia con le aste. Prova a rappresentare gli oggetti stretti, senza visibili tra loro. Per le sensazioni di peso, un valore molto maggiore è influenzato dal tono: luce o scuro, - piuttosto che colore. Quindi per identificare la sensazione di massimabilità per aiutare dovrebbe venire toni scuri. Ciò è dovuto all'esperienza di vita, che collega l'associazione toni pesanti con la gravità che si aspettava di sperimentare (a priori). Compreso figurativamente l'oscurità si lega ai gravi stati emotivi della persona. E così dal corso della scienza dei fiori, è noto che ogni colore è possibile scegliere la forza tono appropriata, quindi naturalmente per le massicce fit colori scuri colori marrone, blu, viola, verde scuro, bordi scuri e altre sfumature scure dei colori. Il mezzo principale di espressività è la scala. Ciò è dovuto di nuovo con l'esperienza della vita, che lega l'associazione di dimensioni enormi con il peso atteso dell'oggetto.
Per creare una sensazione di leggerezza nella caratteristica della composizione:
Per una composizione leggera, il centro di composizione è meglio progettare un po 'più alto del centro geometrico del foglio per associare la cosa più importante nella composizione con qualcosa di versato, sublime. Anche il formato è più probabile che sceglie la verticale. In casi particolari associati alla statica o alla stabilità, saranno necessari i punti del supporto, ma per una maggiore espressione di strutture luminose, devono essere punti (non solidi), supporti visivamente sottili, indipendentemente dall'area di supporto. Tuttavia, si possono trovare vari compiti artistici, dinamici. Quindi vale la pena limitata all'espressione di idee usando la scala e il tono della luce. La struttura pronunciata della composizione da allocare qui è priva di significato, ma è interessante rafforzare la sensazione di leggerezza da un'abbondanza di "aria" tra oggetti nell'immagine. Allo stesso tempo, il cosiddetto "disegno attraverso" o "attraverso il soggetto" diventerà un'eccellente tecnica artistica per enfatizzare, creando l'impressione della trasparenza degli oggetti rappresentati. Anche ben descritti oggetti con cavo, facilitando la loro massa. Per identificare la sensazione di facilità per analogia con la vitalità, i toni della luce sono adatti, per analogia con la schiuma, la neve, il traghetto, ecc. E così dal corso della scienza dei fiori, è noto che ogni colore può scegliere il tono appropriato, è naturalmente leggero con sfumature leggere di colori: giallo, rosa, arancione, blu, verde chiaro. Il mezzo principale di espressività è la scala. Ciò è dovuto all'esperienza di vita, che collega associativamente una piccola dimensione con la leggerezza ovviamente nota dell'oggetto.
Fico. 4. Esempi dell'immagine del solido e della luce nella composizione astratta geometrica. a) Belyaeva E., B) Lazareva V., c) Yuldasheva E.
Per creare un senso di stabilità e instabilità nella composizione, è importante:
Questi due argomenti sono inestricabilmente legati con l'idea umana del piano della Terra, Paolo, Podio, supporti. Naturalmente, questi piani non dovrebbero essere disegnati, ma possono implicare e sottolineare la concentrazione di linee. Sostenibile differisce dalla statica solo con la sensazione che il secolo pesante statico e la resistenza del fenomeno è borbottante. Se la statica, come abbiamo capito, sono difficili da compito, allora il costante crollo con un leggero sforzo. Per prestare preliminare la sensazione di stabilità nel design grafico, l'area di supporto (incluso il totale di diversi oggetti) potrebbe non essere grande, ma la proiezione totale del centro composito dell'intero design sul piano del presunto "piano" dovrebbe cadere nell'area di supporto. Al contrario, se la proiezione del centro di gravità va oltre l'area di sostegno, allora c'è una sensazione di collasso, caduta, distruzione. Il formato è consigliato per scegliere verticale. PERla lampada è sopra geometrica.
Fico. 5. Esempi dell'immagine del resistente e instabile nella composizione geometrica astratta. a) Lazareva V., b) Yuldasheva E.
Per esprimere le sensazioni del gusto di acido per la composizione, è importante:
Secondo l'autore per esprimere le sensazioni del gusto, il colore gioca un ruolo enorme. I colori vivaci di limone, calce, ananas, pompelmo, ecc. Sono associati ad acido dal vivo dalla vita. Pertanto, siamo adatti a tutte le sfumature a sangue freddo di giallo, verde, smeraldo, blu, blu, viola. Naturalmente, i colori elencati potrebbero non essere sufficienti per l'idea dell'autore-compositore. Allo stesso tempo, non si dovrebbe eliminare la sua composizione con i colori elencati. Solo una regola dovrebbe essere ricordata - 75% dei colori acidi freddi e del 25% altrimenti. Dovrebbe essere chiaramente compreso, più si inserisce nella composizione di elementi da sensazioni opposte, appaiono le associazioni più estranee, che contraddice i principi di integrità della composizione, quando ciascun elemento dovrebbe funzionare sull'espressione dell'idea generale dell'autore. La formazione nella composizione si verifica di nuovo a causa di immagini della vita reale. NELaffondare i tuoi sentimenti dal limone da mangiare. La cavità orale sembra essere tagliata, rotolata, pinlet, quindi, le forme nella composizione dovrebbero essere utilizzate da ictus, ago, acuto, spazzolato.
Per l'espressione delle sensazioni del gusto del dolce per la composizione, è importante:
Associativi dalla vita con tonalità dolci di giallo, verde, allo stesso tempo arancione, rosso, marrone. Altri colori sono validi esattamente la stessa regola: 75% della percentuale del gusto dolce associato a un sapore dolce e al 25% di altri colori. Per formare la forma di oggetti nella composizione, ricorda i tuoi sentimenti dal mangiare dolce, fino al fondo dolce. Le curve morbide e conferenze, i tamburi, le forme di caduta vengono in mente immediatamente, le associazioni con si spremano marmellate, con strati di crema fluenti tra i torrenti multi-strato Korzh, possono verificarsi. Solo bisogno di iniziare ad analizzare e convertire i tuoi ricordi nella linea e nella linea distratta.
Fico. 6. Esempi di espressioni in una composizione lirica astratta di sensazioni acide e dolci a) in grafica in bianco e nero, B) di colore. ICONNIKOVA E.
Come esprimere gioia e tristezza nella composizione
Tristezza Nella figura - questi sono scuri, spessi acromatici o lottanti per la vernice acromatica, qualche disconposizione o noia pronunciata da forme monotoni e le stesse distanze tra loro, ritmi verticali, curve conferenze, la creazione degli effetti di "seccatura", nebulose con speciale tecniche, come il Powel. Gioia - Questa è una composizione dinamica, asimmetrica, i ritmi cambiano costantemente, come una scala. Tutti gli articoli eseguono il loro lavoro: le forme medie relative al formato, di regola, trasportano il carico semantico di base e creano un'azione di base, in elementi di grandi dimensioni nella composizione c'è una proprietà per combinare la media al sistema, per coene Elementi sparsi, piccoli sono "uvetta" di ogni composizione. Frasi di plastica premurose decorano la composizione, come una piccola decorazione nel guardaroba. Ancora una volta, ricorda gli attributi della vacanza e includono linee di punti simili a fuochi d'artificio, pioggia, coriandoli, nastri, cotone, flash, ecc. I colori, rispettivamente, dovrebbero essere aperti luminosi.
Fico. 7. Esempi dell'immagine nella composizione astratta A) tattile, b) tattile, c) uditivo e altre sensazioni. ICONNIKOVA E.
Abbiamo fatto un grande lavoro che è quasi impossibile da fare perfettamente in connessione con la percezione individuale. Non abbiamo riguardato le associazioni culturali, religiose e sociali delle persone, solo fisico e fisiologico - generale, forse, per l'intera popolazione del globo. Qui era più importante anche presentare un metodo di ragionamento, che in futuro può essere applicato a tali compiti, come esprimere calore e freddo, belling e sordità, aggressività o pacifica, eccitazione e calma, ecc. L'articolo influisce sull'importante Punti di conoscenza composita, poiché. In allenamento le professioni del ciclo architettonico e artistico dei compiti per l'espressione delle sensazioni in astrazione, c'è un fatto che l'autore non conosce il fatto della presenza di una chiara teoria del supporto. Pertanto, è stato fatto un tentativo di dare una base dagli sviluppi personali dell'autore per la riflessione individuale, per cercare i diritti d'autore degli artisti dei principianti. Prestare attenzione al lettore del fatto che l'articolo presenta i principi di base che sono certamente compresi dai professionisti con esperienza e pensiero analitico. E dal momento che uno dei principi della composizione della novità (non nel senso che qualsiasi sviluppo dell'autore, che in precedenza non esisteva in sé, nuovo, e nel senso che dovrebbe distinguersi drammaticamente dai singoli risultati della massa monotona) , quindi a questa base ogni autore deve cercare il suo lavoro individuale. Resta per dire che il concetto dell'autore rappresentato non è la verità nell'ultima istanza, impara dalla tua esperienza, analizza, sintetizza. Ascolta la voce interiore, stranamente, è molto importante quanto sia importante e analizzare questa risposta e cerca di capire come risolvere ciò che non mi piace, o come non rovinare ciò che mi piace. Quindi i ricevimenti e i reperti associati a una risposta positiva negli anni per tracciare un enorme bagaglio professionale, che è anche chiaro da campioni infruttuosi relativi a esperienze personali negative e feedback degli insegnanti.
COME. Chuvasov.
Bibliografia:
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Una delle direzioni principali dell'arte dell'avanguardia. Il principio principale dell'arte astratta è quello di rifiutare di imitare la realtà visibile e di funzionarla con elementi nel processo di creazione di un lavoro. L'oggetto dell'arte anziché le realtà del mondo diventa il toolkit della creatività artistica - colore, linea, forma. La trama viene sostituita con un'idea di plastica. Il ruolo di un inizio associativo nel processo artistico aumenta molte volte, e la possibilità di esprimere i sentimenti e gli stati d'animo del creatore in immagini astratte e purificate, che possono concentrare l'inizio spirituale dei fenomeni ed essere i suoi vettori (lavori teorici di VV Kadinsky ).
Gli elementi casuali di astrazione possono essere rivelati nell'arte mondiale per tutto il suo sviluppo, partendo da vernici a tremante. Ma la nascita di questo stile dovrebbe essere ricercata nel dipinto di impressionisti che tentavano di decomporre il colore su singoli elementi. Il formism ha sviluppato consapevolmente questa tendenza, "rilevando" il colore, enfatizzando la sua indipendenza e facendo un oggetto immagine. Franz Mark e Henri Maiss.s (sintomatico Le sue parole: "Ogni arte astratta") si avvicinò all'astrazione (sintomatica: "Tutto è astratto"), anche i cubidi francesi si muovevano lungo questo percorso (in particolare l'Alber Glez e Jean Metsenznaya) e i futuristi italiani (Gino Severini Gino). Ma nessuno di loro per superare il confine della figuratività non poteva o non lo desiderava. "Riconosciamo, tuttavia, che un ricordo di moduli esistenti non dovrebbe essere espulso completamente, almeno al momento presente" (Aglez, J.metzenge. A proposito di cubismo, SPC., 1913. P.14).
Le prime opere astratte apparvero alla fine del 1900 - inizi del 1910 nella creatività di Kandinsky durante il lavoro sul testo "sullo spirituale nell'arte", e la sua "immagine con un cerchio" (1911. NMG) è considerato il primo abstract immagine. A questo punto appartiene il suo ragionamento: "<...> Solo quella forma è corretta, che<...> Mantiene rispettivamente il contenuto. Qualsiasi considerazione laterali e tra cui la conformità con la forma della cosiddetta "natura", cioè. La natura è esterna, insignificante e dannosa, poiché sono distratti dall'unico problema della forma - incarnazione del contenuto. La forma è l'espressione materiale del contenuto astratto "(contenuto e forma. 1910 // Kandinsky 2001. T. 1. P.84).
In una fase iniziale, arte astratta di fronte al colore assoliato Kandinsky. Nello studio del colore, pratico e teorico, Kandinsky ha sviluppato gli insegnamenti sul colore di Johann Wolfgang Goethe e gettò le fondamenta della teoria dei colori nella pittura (tra artisti russi, MV Mathin, G. Klutsis, Ivplutin e altri erano impegnati il colore del colore.
In Russia nel 1912-1915, furono creati sistemi astratti pittoreschi dei pittoreschi (M. F. Marionov, 1912) e il suprematismo (K.S. Malevich, 1915), in molti aspetti che identificano l'ulteriore evoluzione dell'arte astratta. La rappatura con arte astratta può essere trovata nel cubettouturismo e un alogombismo. La svolta per l'astrazione è stata l'immagine del N.S. Thrusharova "vuoto" (1914. GTG), ma questo argomento non ha trovato ulteriori sviluppi nell'artista dell'artista. Un altro aspetto non convinto dell'astrazione russa è una colorazione O.V. Rosanova (vedi: arte illimitata).
Con i propri modi per l'astrazione pittoresca per gli stessi anni, Ceca Ceca Frantios Cup, francese Robert Delone e Jacques Viyon, Dutchman Pete Mondrian, americani Stanton McDonald destra e Morgan Russell. Le prime strutture spaziali astratte erano contro-rilievi v.e. tatlin (1914).
Il rifiuto dell'isomorfismo e dell'appello per l'inizio spirituale ha dato motivo di legare l'arte astratta con teosofia, antroposofia e persino con occulto. Ma gli artisti stessi alle prime fasi dello sviluppo di arte astratta di tali idee non hanno espresso.
Dopo la prima guerra mondiale, la pittura astratta conquista gradualmente posizioni dominanti in Europa e diventa un'ideologia artistica universale. Questo è un potente movimento artistico, che nelle loro aspirazioni va ben oltre i problemi pittoreschi-plastici e dimostra la capacità di creare sistemi estetici-filosofici e risolvere i compiti sociali (ad esempio, in base ai principi della risoluzione "Città suprematica" Malevich). Negli anni '20, sulla base della sua ideologia, tali istituti di ricerca sorgono come Bauhauss o Gingukhuk. Anche l'astrazione è cresciuta costruttivismo.
La versione russa dell'astrazione ha il nome di senza arte libera.
Molti dei principi e tecniche di arte astratta, che divennero un classico nel ventesimo secolo, sono ampiamente utilizzati nel design, nell'arte teatrale e decorativa, nel cinema, nella televisione e nella grafica computerizzata.
Il concetto di arte astratta è cambiata nel tempo. Fino agli anni '80, questo termine è stato usato rispetto alla pittura, dove le forme sono state raffigurate generalizzate e semplificate, cioè. "Abstract", rispetto ad un'immagine più dettagliata o naturalistica. In questo senso, il termine è stato principalmente applicato all'arte decorativa o alle composizioni composite.
Ma già con gli anni '10 "Abstract" Works Works, dove la forma o la composizione è raffigurata ad un angolo che l'oggetto iniziale cambia quasi in irricligonobilità. Molto spesso, questo termine indica lo stile dell'arte che si basa esclusivamente sulla disposizione degli elementi visivi - forme, colori, strutture, e non è affatto necessario che abbiano un'immagine iniziata nel mondo materiale.
Il concetto di significato in arte astratta (in entrambi i suoi valori - in anticipo e successivi) è una domanda difficile costantemente discussa. Le forme astratte possono anche relazionarsi con fenomeni non fisici, come l'amore, la velocità o le leggi della fisica, associati a un derivato dell'essenza ("essenziale"), con un modo immaginario o altro modo di separarsi da un dettagliato, dettagliato e insignificante, casuale. Nonostante la mancanza di un soggetto rappresentativo, un'espressione enorme può accumularsi in lavori astratti e elementi semanticamente riempiti, come ritmo, moltipiantatrici e simbolici del colore, indicano il coinvolgimento in idee o eventi specifici al di fuori dell'immagine stessa.
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