Historia jednego arcydzieła: „Portret Arnolfini” Jana van Eycka. Jan van Eyck - biografia i obrazy artysty z gatunku renesansu północnego - Art Challenge

Wątek

Główny urok tego obrazu polega na tym, że nie możemy z całą pewnością stwierdzić, kto jest na nim przedstawiony iw jakich okolicznościach. Jeśli nie zagłębić się w szczegóły śledztw prowadzonych przez licznych historyków sztuki, główną wersją, która ma najwięcej zwolenników, jest to, że Jan van Eyck wcielił się w postać kupca Giovanniego di Nicolao Arnolfini z żoną.

„Portret pary Arnolfini”. (wikipedia.org)

Nie wiemy też, jaki moment w życiu pary zostaje uchwycony. Według jednej wersji - małżeństwo: Giovanni złożył palce, jak to miało miejsce podczas przysięgi; w odbiciu lustra na ścianie widać dwóch - świadków ceremonii; mężczyzna i kobieta są odświętnie i bogato ubrani.

Według innej wersji portret został namalowany po śmierci kobiety. Giovanni di Nicolao poślubił 13-letnią Constantę Trentę w 1426 roku. Jej matka, Bartłomiej, w liście z 26 lutego 1433, adresowanym do Lorenza Medici, informuje o śmierci Konstancy. Zgaszona świeca w żyrandolu nad kobietą jest interpretowana jako kolejny dowód na to, że obraz powstał po śmierci kobiety.

Przeciwnicy hipotezy, że obraz przedstawia wesele, wskazują, że bohaterowie mają pierścienie na niewłaściwych rękach i na niewłaściwych palcach. Dodatkowo uścisk dłoni nie jest typowy dla ceremonii ślubnych.

Nawiasem mówiąc, istnieje hipoteza, że ​​na zdjęciu van Eyck przedstawił się ze swoją żoną Margaritą. Na korzyść tego badacze wskazują na podobieństwo portretowe przedstawianej damy i żony artysty, a także figurkę św. Małgorzaty (przedstawioną nad łóżkiem) – rzekomo wskazuje ona na imię bohaterki. Poza tym żona van Eycka urodziła w tym samym roku, w którym namalowano płótno.

Bohaterowie są bogato ubrani, Najnowsza moda Europa północna, która w drugiej ćwierci XV wieku odznaczała się sporą dozą ekstrawagancji. Weźmy na przykład kapelusze. Nie trzeba dodawać, że piękno to straszna siła.

Wygląda na to, że kobieta jest w ciąży: brzuch jest powiększony, stoi z odchylonym ciałem do tyłu i ręką na brzuchu. Jeśli jednak spojrzysz na panie na innych portretach z tamtych czasów, wydaje się, że jeśli nie każda, to połowa z nich jest w ciąży. Modne było wtedy przyjmowanie pozy, odchylanie ciała do tyłu i wysuwanie brzucha do przodu – tak zwana gotycka krzywa. A ręka leżąca na brzuchu może być symbolem kobiecej zasady.

Bohaterowie przedstawieni są w odświętnych strojach, ale w prostym wnętrzu. Ten ostatni najprawdopodobniej wymyślił van Eyck: zebrał go z fragmentów widzianych w innych domach i wymyślonych przez siebie. Rezultatem jest przestrzeń wypełniona symbolami.

Pies to znak dobrego samopoczucia, symbol lojalności i oddania. Owoce (według jednej wersji pomarańcze, według drugiej - jabłka) mogą mówić zarówno o bogactwie rodziny, jak i symbolizować czystość i niewinność. Wiśnia za oknem - pragnienie płodności w małżeństwie. Czerwona wnęka po prawej stronie jest symbolem komnaty ślubnej i klasycznym atrybutem scen Zwiastowania, Narodzenia Chrystusa i Narodzenia NMP. Kobieta stoi przy łóżku, co podkreśla jej rolę jako strażniczki paleniska. Mężczyzna jest przedstawiony przy otwartym oknie, co mówi o jego związku ze światem zewnętrznym.

Para to przedstawiciele zamożnych mieszczan, o czym świadczą ich ubrania. Suknia z tak efektownym trenem była niemożliwa do założenia bez pomocy.

Kontekst

Arnolfini byli dużą rodziną kupiecką i bankową, która w tym czasie miała filię w Brugii. A van Eyck, który mieszkał w czasie malowania, w tym samym mieście, mógł równie dobrze otrzymać ten rozkaz. I sam mógł to dać z przyjaźni. Zamożni mieszczanie i artysta mogli być przyjaciółmi.

Prawie fotograficzna dokładność jest wynikiem eksperymentów z instrumentami optycznymi. Przypuszczalnie van Eyck, za pomocą wklęsłego lustra, na podstawie obrazu kreślił odwrócone rzuty przedstawionych obiektów lub nawet nakładał farbę na projekcję. Ta hipoteza ma zarówno zwolenników (wskazujących błędy w perspektywie), jak i przeciwników (którzy zauważają, że w tamtym czasie niezwykle trudno było znaleźć urządzenie optyczne o wymaganej średnicy).

Dominika Lampsoniusa. Portret Jana van Eycka. (wikipedia.org)

Realizm jest również wspierany przez technologię. Van Eyck pracował z olejem, co było innowacją w swoim czasie. Dzięki właściwościom farb olejnych można nakładać kilka warstw i wraz z grą światła i cienia tworzyć iluzję trójwymiarowej przestrzeni.

Van Eyck był prawie pierwszym, który podpisał swój obraz. To prawda, że ​​tu też były pewne tajemnice. Po pierwsze, sygnatura jest wskazana nie skromnie w dolnym rogu, ale w wyraźnie widocznym miejscu między żyrandolem a lustrem. Zamiast klasycznej frazy „płótno zostało przez to namalowane”, artysta napisał „Tu był Jan van Eyck”, utwierdzając wersję, że jest jednym ze świadków przedstawionych w odbiciu lustra.

Losy artysty

Dokładna data urodzenia Jana van Eycka nie jest znana. Przypuszczalnie urodził się na północy Holandii pod koniec XIV wieku. Brat nauczył go trzymać pędzel w dłoni oraz podstaw rzemiosła artystycznego. Gdy przyszedł czas na zarobienie własnego chleba, Jan udał się do Hagi, gdzie zaczął budować karierę na dworze hrabiów. Muszę powiedzieć, że był bardzo ceniony i nie siedział bez rozkazów. W latach 1425-1430 van Eyck dużo podróżował po Europie, spotykał się, jak mówią, z kolegami z warsztatu. Przyzwyczajony do europejskiej wspólnoty kulturalnej van Eyck osiadł w Brugii, gdzie spędził resztę swoich dni.

„Portret pary Arnolfini” to jedno z najpopularniejszych dzieł artysty. Jednak inne jego dzieło nazywane jest wielkim - ołtarzem w Gandawie. Wyobraźcie sobie skalę: 24 panele, na nich 258 figurek, maksymalna wysokość to 3,5 metra, szerokość po rozłożeniu to 5 metrów. A wszystko dotyczy uwielbienia, apostołów, proroków, przodków, męczenników i świętych Baranka, symbolizujących Chrystusa.

Van Eyck Jan(ok. 1390-1441), malarz holenderski. Jeden z pionierów sztuki Wczesny renesans w Holandii."Bardzo główny artysta nasz wiek ”- tak Jan van Eyck został nazwany przez jego młodszego współczesnego, włoskiego humanistę Bartolomeo Fazio. Ta sama entuzjastyczna ocena została wydana po półtora wieku Malarz holenderski i biograf holenderskich artystów Karel van Mander: „To, czego nie udało się zrealizować ani Grekom, ani Rzymianom, ani innym narodom, pomimo wszystkich ich wysiłków, został zastąpiony przez słynnego Jana van Eycka, który urodził się nad brzegiem uroczego rzeka Moza, która może teraz rzucić wyzwanie prymatowi palmy z Arno, Padem i dumnym Tybrem, ponieważ takie światło wznosiło się na jego brzegu, że nawet Włochy, kraj sztuki, były zdumione jego blaskiem. przeżył o życiu i twórczości artysty. Jan van Eyck urodził się w Maaseik między 1390 a 1400 rokiem. W 1422 r. Van Eyck wstąpił na służbę Jana Bawarskiego, władcy Holandii, Zelandii i Genegau. Dla niego artysta pracował dla pałacu w Hadze, w latach 1425-1429 był nadwornym malarzem księcia burgundzkiego Filipa Dobrego w Lille. Książę cenił Jana jako mądrego, wykształcona osoba, jak powiedział książę, „niezrównany w sztuce i wiedzy”. Często Jan van Eyck na polecenie Filipa Dobrego wykonywał skomplikowane zadania dyplomatyczne, a informacje, które podają ówcześni kronikarze, mówią o artyście jako o człowieku wszechstronnie uzdolnionym. Wspomniany już Bartolomeo Fazio napisał w „Księdze sławnych ludzi”, że Jan entuzjastycznie zajmował się geometrią, stworzył swego rodzaju mapa geograficzna... Eksperymenty artysty z zakresu technologii farb olejnych mówią o wiedzy z zakresu chemii. Jego obrazy świadczą o gruntownej znajomości świata roślin i kwiatów twórcza biografia Jana. Najważniejsza jest relacja Jana z jego starszym bratem Hubertem van Eyckiem, z którym studiował iz którym wykonywał szereg prac. Poszczególne obrazy artysty toczą się spory: o ich treść, technikę malowania.Praca Jana i Huberta van Eycków wiele zawdzięcza twórczości ilustratorów braci Limburg i ministranta Melchiora Bruderlama, który pracował na dworze burgundzkim na początku XV wieku w stylu malarstwa syjonistycznego z XIV wieku. Yang rozwinął ten styl, tworząc na jego podstawie nowy styl bardziej realistyczny i indywidualny, zwiastujący decydujący zwrot w malarstwie ołtarzowym w Europie Północnej.Najprawdopodobniej Jan zaczynał karierę od miniatury. Niektórzy badacze przypisują kilka najlepsze prześcieradła(„Nabożeństwo pogrzebowe” i „Wzięcie Chrystusa pod opiekę”, 1415-1417), tzw. księga godzin Turyno-Mediolan, wykonywana dla księcia Berry. Jedna z nich przedstawia św. Juliana i św. Martę niosących Chrystusa przez rzekę. Prawdziwe obrazy różnych zjawisk rzeczywistości znajdowały się w miniaturach holenderskich jeszcze przed van Eyckiem, ale wcześniej żaden artysta nie umiał połączyć poszczególnych elementów z taką sztuką w holistyczny obraz... Van Eyck przypisuje się również autorstwo niektórych wczesnych ołtarzy, takich jak Ukrzyżowanie.W 1431 van Eyck osiadł w Brugii, gdzie został malarzem dworskim, a także artystą miejskim. Rok później artysta ukończył swoje arcydzieło - Ołtarz Gandawski, duży poliptyk składający się z 12 dębowych drzwi. Jego starszy brat rozpoczął pracę nad ołtarzem, ale Hubert zmarł w 1426 roku, a Jan kontynuował swoją pracę.

Madonna kanclerza Rolen 1435, Luwr, Paryż "Madonna kanclerza Rolena" (1435) - jedna z najlepsze prace gospodarz. „Kamienie lśnią, brokat lśni kolorami, a każdy puch i każda zmarszczka na twarzy jest nie do odparcia. Jakże wyraziste, jak znaczące są rysy klęczącego kanclerza Burgundii! Co może być wspanialszego niż jego szaty? Wydaje się, że dotykasz tego złota i tego brokatu, a sam obraz pojawia się przed Tobą albo jako biżuteria, albo jako majestatyczny pomnik. Nie bez powodu na dworze burgundzkim takie obrazy przechowywano w skarbcach obok złotych szkatułek, księgi godzin z błyszczącymi miniaturami i cennych relikwii. Zajrzyj we włosy Madonny - co na świecie może być bardziej miękkie niż to? W koronę, którą trzyma nad nią anioł - jak ona świeci w cieniu! A za głównymi postaciami i za cienką kolumnadą płynie w zakręcie rzeka i średniowieczne miasto, w którym niesamowity obraz Vaneika błyszczy w każdym szczególe ”.

" Madonna kanclerza Rolena”, szczegóły

Artystę w równym stopniu interesuje zarówno człowiek w całej jego niepowtarzalnej indywidualności, jak i otaczający go świat. W jego kompozycjach portrety, pejzaże, wnętrza i martwa natura pojawiają się jako równe sobie i tworzą harmonijną całość. Niezwykła staranność i jednocześnie uogólnienie malarstwa ujawniają wartość i piękno każdego przedmiotu, który w twórczości van Eycka nabiera realnego ciężaru i objętości, charakterystycznej faktury powierzchni. Szczegóły i całość pozostają w organicznej relacji: elementy architektoniczne, meble, kwitnące rośliny, luksusowe tkaniny zdobione drogocennymi kamieniami niejako ucieleśniają cząstki nieskończonego piękna wszechświata: panoramiczny krajobraz pełen światła i powietrza w „Madonnie Kanclerza Rolena” jest postrzegany jako zbiorowy wizerunek Wszechświat.

Portret pary Arnolfini 1434, Galeria Narodowa, Londyn.Podwójny „Portret pary Arnolfini” (1434), wraz z Ołtarzem Gandawskim, jest najważniejszym dziełem van Eycka. Z założenia nie ma analogów w XV wieku. Włoski kupiec, przedstawiciel domu bankowego Medici w Brugii, przedstawiony w komnacie małżeńskiej ze swoją młodą żoną Giovanną Chenami.

Madonna z Dzieciątkiem, 1433

Madonna z Lukki , 1430, Stadel Institute of the Arts, Frankfurt nad Menem

Madonna kanon van der Palais 1436, Galeria Sztuki, Brugia

Stygmatyzowanie św. Franciszka 1429 Ten mały obraz został namalowany w Hiszpanii w latach 1428-29.
W Galerii Sabauda w Turynie we Włoszech znajduje się późniejsza kopia (około 1450 r.) Po przejściu na emeryturę na górę Alverna w 1224 r. Franciszek podczas modlitwy ujrzał wizję, która według Tomasza Chelansky'ego przedstawiała człowieka takiego jak Serafin z sześć skrzydeł, jego ramiona były wyciągnięte, a nogi stały „w kształcie krzyża”. Kontemplując to, Franciszek odkrył znaki ran Chrystusa, które pojawiły się na jego ciele (na ramionach, nogach i klatce piersiowej) i pozostały na nim aż do śmierci, która nastąpiła dwa lata później..

Madonna z kartuzskim mnichem

Ołtarz Marii Panny 1437

Centralny panel małego ołtarza przedstawia Madonnę z Dzieciątkiem w kościele, lewy panel przedstawia św. Jerzego i darczyńcę (tego, który zamówił tryptyk), prawy panel - św. Katarzynę. Zwiastowanie przedstawione jest zamknięte na drzwiach tryptyku.

Madonna z Dzieciątkiem, 1439

Jan van Eyck był także wybitnym innowatorem w dziedzinie portretu. Jako pierwszy zastąpił typ klatki piersiowej typem pasa, a także wprowadził obrót o trzy czwarte. Położył podwaliny pod tę metodę portretową, w której artysta skupia się na wyglądzie człowieka i widzi w nim określoną i niepowtarzalną osobowość. Przykładami są Timothy (1432), Portret mężczyzny w czerwonym kapeluszu (1433), Portret jego żony, Marguerite van Eyck (1439), Portret Baudouina de Lannoya.

Portret mężczyzny w turbanie, 1433 (według jednej wersji - autoportret artysty)

Portret żony Margrethe van Eyck, 1439

Portret kardynała Albergatiego, 1432

Portret Baudouina de Lanoy, 1435

Timofey 1420

Portret mężczyzny z Garofano 1435

Portret Jana de Leeuw 1436

Portret Giovanniego Arnolfini 1435

Portret jubilera (mężczyzna z pierścionkiem) 1430

św. Barbary 1437, olej na drewnie, 31 x 18 cm3 Królewskie Muzeum Sztuk Pięknych 1437, Antwerpia

Praca ta jest przedmiotem długiej debaty wśród uczonych, którzy nie doszli do konsensusu, czy jest to kompletny rysunek, czy nienapisany obraz. Srebrzysty rysunek został wykonany najdelikatniejszym pędzlem na zagruntowanej desce (wygląda jak marmur) wstawionej w autorską ramę z napisem: "John van Eyck zrobił mnie w 1437". Za plecami pięknej dziewicy siedzącej na wzgórzu z księgą i gałązką palmową męczennika w rękach budowana jest wieża, która jest jej atrybutem, ale interpretowana przez van Eycka w kluczu gatunkowym z wizerunkiem masa epizodów porodowych.

Święty Hieronim

Madonna w kościele 1422-1425

Nie później niż w 1426 roku napisano „ Madonna w kościele„- jedno z wczesnych dzieł Van Eycka. Podobnie jak większość jego prac, obraz wydaje się świecić od środka, wywołując uczucie wzniosłej radości. Ten efektowny efekt wewnętrznego blasku został osiągnięty przez nakładanie warstwa po warstwie farby olejnej na biały podkład gipsowy, starannie przeszlifowany i polakierowany. Asymetryczną kompozycję, niezwykłą dla Van Eycka, tłumaczy fakt, że jest to lewe skrzydło dyptyku. Drugie skrzydło stracone, ale kopie z tamtych czasów to potwierdzają.

Zwiastowanie1420

Zwiastowanie 1435

Te dwa panele pokazują „ Ukrzyżowanie" oraz " Ostatni sąd Zakłada się, że płyciny były skrzydłami tryptyku, którego centralna grupa jest utracona. Jednak zgodnie z tematyką obrazów nie można powiedzieć, czy pierwotnie pomyślany był jako dyptyk, czy tryptyk. Te dwa małe obrazy można oglądać długo i z zainteresowaniem.Każdy szczegół jest napisany starannie i szczegółowo.- z alpejskiego pejzażu, subtelne ciało Chrystus i uczucia na twarzach ludzi przed scenami piekła i raju Napisy u góry paneli to powiedzenia z Biblii.

Kinkiet tya Jan i Hubert van Eyck Ghent Ołtarz zwinięty z zamkniętymi okiennicami

Van Eyck od dawna uważany jest za wynalazcę farb olejnych. Jednak w rzeczywistości po prostu je ulepszył. Odkryta przez artystę recepta na wykonanie farb okazała się na tyle skuteczna, że ​​wkrótce malarstwo olejne mocno zadomowiło się w sztuce holenderskiej, a następnie rozprzestrzeniło się w całej Europie, zajmując dominującą pozycję w sztuce niderlandzkiej. Malarstwo europejskie i utrzymuj to do późny XIX v. Pomimo farby olejne były używane już w XIV wieku, ale van Eyck najprawdopodobniej stworzył nową mieszankę farb, być może temperę z olejem, dzięki której osiągnął niespotykaną jasność, a także lakier, który nadaje obrazowi nieprzepuszczalność i połysk. Był jednym z pierwszych, którzy opanowali możliwości plastyczne. obraz olejny za pomocą cienkich, półprzezroczystych warstw farby, nakładanych jedna na drugą (flamandzki sposób wielowarstwowego półprzezroczystego pisma). Ta mieszanka umożliwiła również zmiękczenie i zniuansowanie kolorów. W sztuce van Eycka nowa technika służyła jako wyjątkowo przemyślana kompozycja, pozwalająca oddać jedność przestrzeni. Artysta posiadał obraz perspektywiczny i łącząc go z transmisją światła stworzył nieosiągalny wcześniej efekt plastyczny Van Eyck uważany jest za jednego z najważniejszych artystów swoich czasów. Położył podwaliny pod nową wizję świata, której wpływ wykracza daleko poza jego epokę.Artysta zmarł w Brugii w 1441 roku. W epitafium van Eycka jest napisane: „Tu spoczywa Jan, chwalebny ze swoich niezwykłych cnót, w którym jego miłość do malarstwa była niesamowita; malował obrazy ludzi oddychających życiem, ziemi z kwitnącymi ziołami i wszystkich żywych istot, które gloryfikował swoją sztuką ... ”

(około 1390 - 1441)

Dziełem Jana van Eycka, holenderskiego malarza XV wieku, ukształtowanie się zasad renesansu w Północna Europa... Pokonując tradycje sztuki średniowiecznej, polegał na żywej obserwacji rzeczywistości, dążył do obiektywnego odtworzenia życia. Daleki od naukowego rozwijania problemów perspektywy i anatomii, nie znając starożytnego dziedzictwa, artysta ten, w przeciwieństwie do włoskich mistrzów, polegał bardziej na własnym doświadczeniu. Dokładnie przestudiował strukturę obiektywny świat uchwycenie osobliwości każdego przedmiotu, krajobrazu lub środowiska wewnętrznego. Specjalne znaczenie artysta podał wizerunek osoby, starał się przekazać niepowtarzalny wygląd każdej z postaci na swoich obrazach.

Prace Jana van Eycka wyróżnia nasycenie barw, staranne, wręcz biżuteryjne detale oraz pewna organizacja integralnej kompozycji. Tradycja kojarzy nazwisko artysty także z doskonaleniem techniki malarstwa olejnego - wielokrotnym nakładaniem cienkich, przezroczystych warstw farb, co pozwala na osiągnięcie dużej intensywności każdego koloru.

Artysta studiował u swojego starszego brata Huberta, z którym pracował przy wykonaniu słynnego Ołtarza Gandawskiego (1426-1432, Katedra św. Bawona, Gandawa). Jeśli jednak w obrazach Huberta jest jeszcze namacalny związek z tradycją średniowieczną, to Jan dąży do czegoś nowego: interpretuje tematy religijne jako konkretne obrazy rzeczywistości. Każdy motyw żywego i wizualnego, pięknego i wielobarwnego świata jest dla niego cenny. W miniaturach turyńsko-mediolańskiej Księgi godzin artysta po mistrzowsku maluje pejzaże pełne powietrza i światła. Realistyczne tendencje w twórczości Jana van Eycka szczególnie wyraziście przejawiały się w formującym się wówczas samodzielnym gatunku portretu. Najważniejsze dla artysty jest duchowy świat człowieka, indywidualny charakter modela. Jednym z arcydzieł portretowych Jana van Eycka jest Portret pary Arnolfini (1434, National Gallery, Londyn). Po raz pierwszy w historii portretu europejskiego portret towarzysza... Artysta przedstawia na tle salonu wybitnego włoskiego kupca z żoną. Starannie oddaje całą atmosferę mieszczańskiej rezydencji, każdy szczegół. Miękkie światło wypełnia wnętrze. W samych postaciach, ukazanych na wysokość, jest wiele celowej reprezentatywności, ale jednocześnie żywe, prawdziwe nabiera indywidualnego charakteru przedstawionych osób. Ten, podobnie jak w innych portretach Jana van Eycka, ucieleśniał nową ideę człowieka, jego miejsca w świecie.

Kreatywność tego wybitny artysta, który zapoczątkował tradycję realistyczną malarstwo holenderskie, - jasna karta w historii sztuki światowej.

- (Eusk), holenderski malarz; patrz Van Eyck Yang. (Źródło: „Encyklopedia sztuki popularnej”. Encyklopedia sztuki

W Wikipedii są artykuły o innych osobach o tym nazwisku, patrz Eyck. Jacob van Eyck Pełne imię i nazwisko nether. Jacob van Eyck Data urodzenia 1590 (1590) ... Wikipedia

Eyck Jan van (ok. 1390 ≈ 1441), malarz holenderski; zobacz Van Eycka I ... Wielka radziecka encyklopedia

Dominika Lampsoniusa. Portret Jana van Eycka Jan van Eyck (starszy) (holender Jan van Eyck, ok. 1385 lub 1390 1441) Flamandzki malarz wczesnego renesansu, mistrz portretu, autor ponad 100 kompozycji o tematyce religijnej, jeden z pierwszych malarzy , ... ... Wikipedia

Eyck, Jan van- (Eyck, Jan van) Ok. 1390, Maaseik, niedaleko Maastricht 1441, Brugia. Malarz holenderski. Twórca stylu wczesnorenesansowego w malarstwie renesansu północnego. Studiował być może ze swoim starszym bratem Hubertem van Eyckiem. Malarz dworski ... ... Sztuka europejska: malarstwo. Rzeźba. Grafika: Encyklopedia

Eyck (niemiecki Eick, holenderski. Eijk, Eyck)) nazwisko. Wybitne media: Malarze Eyck, Hubert van (1370 1426) Flamandzki malarz, starszy brat Jana van Eycka. Eyck, Jan van (1385 lub 1390 1441) Flamandzki malarz wczesnego ... ... Wikipedia

Yang, patrz van Eik Yang. (Źródło: „Art. Modern Illustrated Encyclopedia” pod redakcją prof. AP Gorkina; Moskwa: Rosmen; 2007.) ... Encyklopedia sztuki

Zobacz Van Eycka ... Wielki słownik encyklopedyczny

- (eyck) Jan van (ok. 1390, Maaseik, niedaleko Maastricht - 1441, Brugia), holenderski artysta, jeden z twórców sztuki północnego renesansu. Uczył się prawdopodobnie ze swoim starszym bratem Hubertem. Dzielenie się artystycznym dziedzictwem braci to ... ... Encyklopedia sztuki

Książki

• Jan van Eyck. Miłośnikom sztuki oferujemy wybór obrazów ośmiu najlepszych obrazów znanych artystów, którzy zdobyli chwałę światowego malarstwa. Wykonane na wysokim poziomie poligraficznym staną się...
• Jana van Eycka. Album,. Album zawiera 22 obrazy Jana van Eycka. Wielki holenderski artysta Jan van Eyck stał u początków powstania malarstwa narodowego. Jego kreacje religijne i portrety ...

Holenderski malarz Jan van Eyck

Wstęp

Van Eyck Jan (około 1390-1441), holenderski malarz. Główny przedstawiciel i jeden z twórców sztuki wczesnego renesansu w Holandii. W latach 1422-24 pracował przy dekoracji zamku hrabiowskiego w Hadze, od 1425 nadworny malarz księcia burgundzkiego Filipa Dobrego. W 1427 odwiedził Hiszpanię, w latach 1428-29 Portugalię. Około 1430 osiadł w Brugii.

Bardzo główna praca Van Eyck - słynny „Ołtarz Gandawski” (poliptyk w katedrze św. Bawona w Gandawie). Według późniejszej inskrypcji na ołtarzu, rozpoczął ją malarz Hubert van Eyck, który ukończył w 1432 roku Jan (Hubert, starszy brat Jana, pracował w latach 20. XIV wieku w Gandawie, gdzie zmarł w 1426 roku).

Kwestia twórczości Huberta van Eycka i jego udziału w pracach nad „Ołtarzem Gandawskim” pozostaje kontrowersyjna. Według większości badaczy Hubert mógł rozpocząć jedynie prace nad centralnymi częściami ołtarza, ale generalnie ołtarz wykonał Jan Van Eyck. Pomimo obecności archaicznych elementów w wielu scenach, „Ołtarz Gandawski” otwiera nową erę w historii sztuki holenderskiej. Symbolika religijna przekształca się w nim w konkretne, żywe, przekonujące i namacalne obrazy. Na ołtarzu przedstawione są nagie postacie Adama i Ewy z niezwykłą realistyczną śmiałością i pozbawioną ozdób prawdą; postacie aniołów śpiewających i grających muzykę na bocznych panelach wyróżniają się wolumetryczną i plastyczną namacalnością; tła krajobrazowe w scenach kultu Baranka wyróżniają się subtelną poezją i umiejętnością oddania przestrzeni i lekkiego otoczenia.

Zwieńczeniem twórczości Van Eycka są monumentalne kompozycje ołtarzowe (Madonna kanclerza Rolena, ok. 1436, Luwr; Madonna Canon van der Palais, 1436, Miejska Galeria Sztuki, Brugia). Rozwijając i wzbogacając dorobek swoich poprzedników (R. Kampen i inni), Van Eyck przekształca tradycyjną scenę kultu bóstw w majestatyczny i barwny obraz widzialnego, realnego świata, wypełnionego spokojną kontemplacją. Van Eyck jest w równym stopniu zainteresowany zarówno człowiekiem w całej jego niepowtarzalnej indywidualności, jak i otaczającym go światem. W kompozycjach Van Eycka istotną i równą rolę odgrywają portrety, pejzaże, wnętrza i martwa natura. Niezwykła staranność i jednocześnie śmiałe uogólnianie malarstwa ujawniają osobliwości i piękno każdego przedmiotu, który nabiera rzeczywistego ciężaru i objętości, charakterystycznej faktury powierzchni. Detale i całość pozostają w organicznej relacji: detale architektoniczne, wyposażenie, kwitnące rośliny, szlachetne kamienie i tkaniny, które zdobią szaty Matki Bożej i oddające Jej cześć postaci, jakby ucieleśniały cząstkę nieskończonego piękna wszechświata; Panoramiczny pejzaż wypełniony światłem i powietrzem w Madonnie kanclerza Rolena postrzegany jest jako zbiorowy, harmonijny obraz Wszechświata.

Sztuka Van Eycka jest przesiąknięta głębokim zrozumieniem logicznych praw wszystkiego, co istnieje, czego wyrazem jest surowa, przemyślana, a zarazem witalna naturalna konstrukcja kompozycji, pełna subtelnego poczucia przestrzennej proporcjonalności. Rozwiązanie zaproponowane przez Van Eycka problemy twórcze wymagał opracowania nowego środki artystyczne.

Van Eyck był jednym z pierwszych, którzy opanowali plastik i ekspresyjne możliwości obraz olejny, nakładany cienkimi, przezroczystymi warstwami farby, jedna na drugą (tzw. flamandzki sposób wielowarstwowego przezroczystego pisma). Ta malarska metoda pozwoliła Van Eyckowi osiągnąć wyjątkową głębię, bogactwo i świetlistość koloru, a także subtelność odcięcia i kolorowych przejść. Brzmiące, intensywne, czyste odcienie kolorów w obrazach Van Eycka są jakby przesiąknięte powietrzem i światłem i łączą się w jedną harmonijną kolorową całość. Malarskie odkrycia Van Eycka odegrały ważną rolę w historii malarstwa światowego.

Van Eyck był jednym z pierwszych wielkich mistrzów w Europie malarstwo portretowe... W twórczości Van Eycka portret wyróżniał się jako niezależny gatunek. W popiersiu portrety stworzone przez Van Eycka (zwykle w rozkładzie trzech czwartych), charakteryzujące się ścisłą prostotą i wyrafinowaniem środków (Tymoteusz, 1432, Mężczyzna w czerwonym nakryciu głowy, 1433, oba w National Gallery w Londynie; portret żona artysty Margaret Van Eyck, 1439, Miejska Galeria Sztuki, Brugia), bezstronnie wierne i staranne przeniesienie zewnętrznych cech osoby podporządkowane jest wnikliwemu i wnikliwemu ujawnieniu głównych cech jego postaci. Obrazy portretowe artysta odzwierciedla głęboką świadomość godności i wartości osoby ludzkiej. Van Eyck stworzył pierwszy portret pary w malarstwie europejskim, przedstawiający kupca G. Arnolfini z żoną pośrodku małego pokoju mieszczańskiego, pełnego miękkiego światła i komfortu (1434, National Gallery, Londyn).

Praca Van Eycka, oparta w dużej mierze na przekonania religijne, odzwierciedlała jednocześnie świadomość piękna, różnorodności i wartości prawdziwego życia i pod wieloma względami służyła jako punkt wyjścia dla rozwoju realizmu w historii malarstwa europejskiego. W dużej mierze określił ścieżki dalszy rozwój Malarstwo holenderskie, zakres jego zainteresowań i problemów. Silny wpływ sztuki Van Eycka odczuli nie tylko mistrzowie holenderscy, ale także włoscy (Antonello da Messina i inni).

Biografia

"Najważniejszy artysta naszego stulecia" - tzw. Jan van Eyck<#"justify">Interesujące fakty

· W historii sztuki „Portret pary Arnolfini<#"justify">Od XV wieku nie było zwyczaju podpisywania swoich obrazów.

Istnieje kilka teorii próbujących wyjaśnić nagłe przejście do realizmu<#"justify">Kompozycja liryzmu malarza Eycka

Opis obrazów

Jednym z etapów ewolucji portretu twórczości Jana van Eycka jest tzw. portret „Timofey”. W przeciwnym razie ten obraz nazywa się „Portretem młodzieńca”. Obraz został namalowany przez artystę w 1432 roku olejem na płycie. To połówkowy obraz brzydkiej, cichej osoby, która wpatruje się w przestrzeń, pozbawiona zdecydowanego wyrazu. Jednak trwałość, czystość, zamyślenie i niestałość tego spojrzenia sprawiają, że czuje się, iż portretowana osoba jest pełna skromności i pobożności, szczerze otwarta na świat. Spojrzenie Timothy'ego ustanawia pewną relację między nim a światem zewnętrznym. Jest dwojaki; można powiedzieć, że świat zewnętrzny, przenikający oczami Tymoteusza, przekształca się w nową jakość – w wewnętrzną sferę człowieka. A jednocześnie, jak promień złapany w inne medium i przez nie załamany, nie traci swojej natury. Pogląd Tymoteusza potwierdza zarówno zaangażowanie jego wszechświata, jak i obecność w nim głębokiego życia duchowego. Nie wiemy o niej nic konkretnego, ale ją czujemy i nieprzypadkowo oczy na portretach van Eycka mają często nierozwiązalny dla widza cień tajemnicy.

Na obrazie van Eycka, portrecie mężczyzny w turbanie, wykonanym w 1433 roku (Londyn, National Gallery), wyraz twarzy staje się bardziej aktywny. Portretowana osoba znajduje się blisko krawędzi obrazu, jego oczy są zwrócone na nas (choć nadal nie można powiedzieć, że patrzy na Ciebie). Jego spojrzenie, bardziej skupione niż u Tymoteusza, ma pewien posmak goryczy, to znaczy jego emocjonalne zabarwienie jest bardziej specyficzne. W tych portretach nie ma ani rozwiniętej cechy, ani pewności ruchy umysłowe... Zastępuje je przedłużona, ponadczasowa kontemplacja. A kontemplacja dla van Eycka nie jest indywidualną własnością modelu. Dla niego jest to raczej cecha, która określa miejsce człowieka w świecie (w przypadku portretów włoskich taką cechą była umiejętność działania, aktywnego manifestowania swojej wewnętrznej energii). A indywidualny początek w portretach van Eycka odzwierciedla się wyłącznie w tym, jak człowiek kontempluje świat, jak jest do świata zwrócony. W rzeczywistości wartością człowieka jest dla van Eycka zdolność odczuwania jego nierozerwalnego połączenia, zespolenia ze światem. Ogólny stan z tego rodzaju percepcją jest jeden - rodzaj ponurego smutku. Ale zgadywanie o jego konkretnej treści jest daremne. Dowiadujemy się tylko, że Timofey spogląda na świat z cichą liryczną zadumą, a mężczyzna w turbanie jest bardziej suchy i zgorzkniały. Orientacja psychologiczna w obu przypadkach jest taka sama, ale jej ton, jej zabarwienie emocjonalne jest inne.

W 1434 r. Jan van Eyck namalował portret, zwykle uważany za przedstawiający włoskiego kupca z Lukki, reprezentującego interesy rodu Medici w Brugii, Giovanniego Arnolfini i jego żony Joanny (Londyn, National Gallery). Ten portret nie tylko uchwycił obu Arnolfinich, ale także przedstawia ich w pewnej fabule i codziennej sytuacji: mistrz przedstawił moment ślubu. Małżonkowie są w pokoju. Giovanni Arnolfini trzyma rękę Joanny (lub Giovanny) Chenani, jego młodej narzeczonej. Mały piesek, kapcie, owoce na parapecie, pojedyncza świeczka, różaniec wiszący na gwoździu, deski podłogowe i dywan - wszystko wypisane z jubilerską precyzją. Być może obraz został zamówiony przez artystę, aby to uwiecznić? szczęśliwy związek i, niczym świadek na ceremonii zaślubin, podpisał na przeciwległej ścianie: Johannes de Eyk fuit hic (był tu Jan van Eyck). W lustrze pod napisem od tyłu odbija się para nowożeńców i trzecia postać, przypuszczalnie artysta, świadek zdarzenia. Wizerunek Giovanniego interpretuje się podobnie jak portrety Tymoteusza i mężczyzny w turbanie. Ale mistrz spuścił wzrok - i nie cofa się już w kosmos. Świat duchowy jest niejako zamknięty w samej osobie i świeci już własnym światłem, a nie odbitym światłem wszechświata. Van Eyck nie wymienia cech portretowanej osoby. Wydaje się jednak, że jest posłuszny swojemu wzorowi, pisze go w „charakterze”, który mu odpowiada, a styl malowania uderza chłodną i błyskotliwą pewnością siebie, niezwykłą dla van Eycka, ale tak odpowiadającą istocie Arnolfini. Z wnikliwą i uważną obserwacją zauważa wąskie, zapadnięte skronie, podbródek wycięty przez zapadnięte, nieco krzywe usta i wyjątkowo długi owal twarzy, a także długi, chrząstkowaty nos z finezyjnie zakrzywionymi nozdrzami, chłodne, jasne oczy zakryte powiekami i lekki rumieniec na bladych policzkach. Wąska dłoń Giovanniego, z nieruchomo zgiętym małym palcem, zawisła w powietrzu - nie ruszając się ani nie zatrzymując, dłoń o niewyrażonym, a nawet ukrytym charakterze. A dłoń Giovanny jest otwarta na jej spotkanie – również chuda, ale zupełnie inna w swoim delikatnym niedorozwoju. Giovanni stoi z niemal modlitewną koncentracją. Nie jest tyle warta, ile ma być. Ale my, prowadzeni do jego ruchu błogosławieństwa i ostrzeżenia, postrzegamy go jako wyraz surowości, powagi Arnolfini. Wręcz przeciwnie, bierne podporządkowanie gestu Giovanny gestowi męża, mniejsza koncentracja spojrzenia i pewna idealizacja nadają jej wzruszające i miękkie rysy uległości. Gładką, emaliowaną powierzchnię malarską uzyskuje się poprzez zastosowanie pigmentu zmieszanego z olej lniany, liczne warstwy glazury. Następnie obraz został polakierowany. Jan van Eyck i jego brat Hubert, którzy stosowali tę technikę, byli tradycyjnie uważani za „wynalazców” malarstwa olejnego. Styl Van Eycka był często naśladowany, ale nigdy nie można go było prześcignąć.

W ołtarzu „Madonna kanclerza Rolena” metoda artysty staje się bardziej skomplikowana. Obraz „Madonna kanclerza Nicolasa Rolena” (Muzeum Luwr, Paryż) został stworzony przez Jana van Eycka w 1435 roku. Niezbyt duży (0,66x0,62 m), wydaje się większy niż jego rzeczywisty rozmiar. Obrazy są mocniejsze i bardziej zdefiniowane. Niekończąca się panorama otwiera się uroczyście przez trzy łukowe przęsła. Część architektoniczno-krajobrazowa nie tworzy lirycznej i harmonijnej jedności z ludźmi, ale pełni rolę ważnego, niezależnego obrazu: Rollen przeciwstawia się pejzażowi z budynkami mieszkalnymi, Maria przeciwstawia się panoramie kościołów, a linie odległego most usytuowany wzdłuż osi centralnej z poruszającymi się po nim postaciami pieszych i jeźdźców, co miałoby łączyć Rolene z gestem błogosławieństwa Dzieciątka Chrystus. Rosnąca pewność obrazów (Rolene jest jednym z najostrzejszych obrazów van Eycka) i świadome podkreślanie jedności człowieka ze wszechświatem wskazują, że (jak w portrecie pary Arnolfinich) artysta staje przed koniecznością dalszego rozwoju lub zmodyfikować swój system malarski.

W rzeczywistości obraz „Madonna Canon Van der Palais” został zamówiony przez kanonika Georga van der Palais. Wdrożenie tych nowych trendów miało miejsce około 1436 roku. W każdym razie w 1436 r. mistrz stworzył kompozycję ołtarzową, pod wieloma względami odmienną od jego wcześniejszych dzieł - „Madonnę kanonika van der Palais” (Brugia, Muzeum). Rytmy i formy stały się tu większe, cięższe i bardziej zmierzone. Jan van Eyck w obrazie „Madonna of Canon van der Palais” zdołał stworzyć wyraźną dominację ducha niewzruszonej i statycznej równowagi. Uczestników sceny cechuje reprezentatywność, bezwarunkowa godność, która nie wymaga manifestacji.

W porównaniu z poprzednimi bohaterami van Eycka ci nie tyle obserwują siebie, ile pozwalają widzowi obserwować ich gładkie półkole. Nie boją się już zaciemniać krajobrazu ani zamykać perspektywy. Młode, nie jak matki, ale starsze siostry Madonn z poprzednich lat, zostały zastąpione przez inną - majestatyczną, spokojnie zajmującą Głównym elementem Postacie czterech uczestników sceny (Madonny, św. Domicjana, św. Jerzego i ofiarodawcy Pale) nabrały zwiększonej masy materialnej. Przęsła łukowe nie otwierają odległych przestrzeni ani skomplikowanych aspektów architektonicznych. Jan van Eyck przybliżył nam bohaterów swojego obrazu i ograniczył do nich nasze pole widzenia. Zamknęła się perspektywa Madonny kanclerza Rolena, zamknęło się okno drezdeńskiego tryptyku.

Ale Jan van Eyck poszedł jeszcze dalej. Mimo całego swojego znaczenia, kanclerz Rolen (we wspomnianym ołtarzu) nie jest głównym bohaterem. Jego wizerunek jest równy wizerunkowi Madonny i ustępuje artystycznej działalności panoramy pejzażowej. W Madonnie van der Pal artysta uczynił darczyńcę niemal główną twarzą kompozycji. W obrazie dominuje klęczący van der Palé. Zarówno Maryja, jak i św. Domicjan są zwróceni ku niemu, jego nadwaga w białych szatach przyciąga naszą uwagę, a pełen wdzięku patron kanonika św. Ten sam mężczyzna, zdejmując okulary i kładąc palec na niezbędnych stronach modlitewnika, podniósł posępne, ciężkie, zamyślone spojrzenie. Nie kontempluje, ale zastanawia się. I w tym przestawieniu nacisku z przekształcenia człowieka w świat na jego zanurzenie w sobie - antycypacja kolejnych tendencji sztuki holenderskiej. Tutaj również kolor podnosi obraz na pewien wyższy poziom. Ale jego aktywność i jednocześnie gęstość są wyjątkowe. Aksamitne szaty św. Domicjana nabierają niesamowitego brzmienia kolorów. Jego nasłonecznione fałdy są bardziej niebieskie niż możliwy jest rzeczywisty kolor. A w połączeniu z czerwienią – szatą Maryi – i bielą – kanonem – tworzą potężny, lśniący akord. Ale właśnie z powodu ograniczenia tego akordu pojawiają się w nim cechy nowego - samowystarczalna aktywność kolorystyczna, niemożliwa w tych pracach, w których mistrz całkowicie podporządkował swoją sztukę idei wszechświata.

Wszystkie prace Jana van Eycka po 1436 roku niosą w sobie echo patosu obiektywizmu, który w tak ostrej formie objawił się w obrazie „Madonna kanonika van der Palais”. Ale samoistne znaczenie obrazu łączy się w nich z pewną prozaiczną interpretacją. Przedstawione przez artystę twarze stają się bardziej konkretne, bardziej charakterystyczne. Portret Jana de Leeuw, mimo bardzo niewielkich rozmiarów, wydaje się monumentalny: model w takim stopniu podkreśla solidność wyglądu i surową bezpośredniość wewnętrznego świata. Jan de Leeuw nie patrzy na świat, ale na nas. Obok niego Timothy i mężczyzna w turbanie wydają się oddaleni i poza zasięgiem kontaktu na żywo. Wzrost konkretności i realności wizerunku osoby w późniejsze prace Jan van Eyck jest niezwykle szybki i przejawia się na różne sposoby. W niedokończonej Świętej Barbarze (1437; Antwerpia, Muzeum) jest to zauważalne w interpretacji drugiego i trzeciego planu, gdzie szczegółowo przedstawiona jest budowa świątyni, a odległe wzgórza otrzymują jasne i uporządkowane rozwiązanie. W obrazie Madonna przy fontannie (1439; Antwerpia, Muzeum) widać to w chęci zneutralizowania działania perspektywicznej konstrukcji tła (za pomocą postaci aniołów trzymających zasłonę i kwiaty) i skupienia się na wizerunek osoby. Obrazowe rozwiązanie podkreśla nie tyle piękno wszechświata, ile dekoracyjne bogactwo obrazu. Barwa nabiera siły, bogactwa, niespotykanej jeszcze potęgi dźwięku, ale za nią nie czujemy już dawnego – wzruszającego i nieśmiałego – zachwytu artysty Jana van Eycka.

Najbardziej konsekwentnie nowe cechy metody ucieleśnia ostatni portret mistrza - portret jego żony Margrethe van Eyck. Tu za specyfiką wygląd zewnętrzny zaczyna się pojawiać analiza charakteru. Jeśli w portretach Tymoteusza i mężczyzny w czerwonym turbanie wizerunek portretowanych był tylko częścią ogólnego wizerunku (obrazu osoby jako części wszechświata), to tutaj tworzenie indywidualnego wizerunku wyczerpuje artystę. zamiar. Van Eyck nigdy nie stworzył tak obiektywnych portretów. I nigdy nie zwrócił się do tak niezwykle cienkiej, a jednocześnie bardziej wyrafinowanej niż głęboka gama: tkaniny czerwonej z fioletowym odcieniem - szare futro - szaroróżowa twarz z bardzo bladymi ustami. Obraz artysty „Portret żony Margrethe van Eyck” zamyka pierwszy etap holenderskiego renesansu i świadczy o wejściu van Eycka w charakterystyczną już dla lat czterdziestych XIV wieku nową fazę rozwoju sztuki holenderskiej. Jego śmierć w 1441 roku przerwała dalszą działalność. Bracia Jan i Hubert van Eyck zajmują wyjątkowe miejsce w swojej sztuce współczesnej. Ale nie byli sami. Równolegle z nimi w północnej Flandrii pracowali inni malarze, stylistycznie iw problematycznym stosunku do nich.

poliptyk ghent przez braci van Eyck (katedra św Bawona, Gandawa) - centralny kawałek sztuka renesansu północnego. Jest to okazała, wieloczęściowa konstrukcja o wymiarach 3.435 metrów na 4.435 metrów. Wieloskrzydłowy ołtarz pierwotnie przeznaczony był do bocznej kaplicy Jana Chrzciciela w Saint-Bavo w Gandawie. Dokładna analiza ołtarza pozwoliła wyróżnić w nim dzieło obu braci – Huberta i Jana. Hubert, który rozpoczął pracę, zmarł w 1426 roku, ale ołtarz ukończył w 1432 roku Jan, który wykonał płyciny stanowiące zewnętrzną stronę ołtarza i w dużej mierze wewnętrzne strony płycin bocznych (jednakże Ręka Jana widoczna jest również w wielu scenach malowanych przez Huberta, a ogólna integralność poliptyku świadczy o wiodącej roli starszego brata). Porównując procesję po wewnętrznej stronie paneli bocznych ze sceną kultu baranka, można zauważyć, że u Jana postacie są pogrupowane bardziej swobodnie. Jan przywiązuje większą wagę do osoby niż Hubert. Malowane przez niego postacie są bardziej harmonijne, bardziej konsekwentnie, równomiernie odsłaniają cenną naturę człowieka i świata.

W święta drzwi były rozrywane. Jasna, przewiewna scena w pokoju Maryi ujawniła się - dosłownie iw przenośni - w samej swej istocie. Ołtarz staje się dwukrotnie większy (dzięki otwartym drzwiom), nabiera szerokiego i uroczystego polifonicznego brzmienia. Rozświetla się głęboką, kolorową poświatą. Przezroczystą świetlistą scenę Zwiastowania zastępuje majestatyczny i wspaniały rząd postaci. Podlegają specjalnym prawom. Każda figura jest jak ekstrakcja, koncentracja rzeczywistości. I każdy podlega radosnej, triumfującej hierarchii, na czele której stoi Bóg. Jest centralnym punktem całego systemu. Jest największy ze wszystkich, odepchnięty i wzniosły, jest nieruchomy i jedyny odwrócony poza ołtarz. Jego twarz jest poważna. Kieruje wzrok w przestrzeń, a jego opanowany gest pozbawiony jest przypadkowości. To błogosławieństwo, ale i afirmacja najwyższej konieczności. Jest w kolorze - w czerwonym płonącym kolorze, który wszędzie się rozlewa, który rozpala się w najbardziej ukrytych zakamarkach poliptyku i dopiero w fałdach jego ubrania nabiera najwyższego spalania. Od postaci ojca chrzestnego, jak od początku, jak od punktu wyjścia, hierarchia wyłania się uroczyście.

Maria i Jan Chrzciciel, przedstawiony obok niego, są mu podporządkowani; są też wysublimowane, pozbawione stabilnej symetrii. W nich plastik nie zostaje pokonany przez kolor, a niekończące się, głębokie dźwięczenie koloru nie zamienia się w intensywne, płonące spalanie. Są bardziej materialne, nie zlewają się z tłem. Anioły są reprezentowane dalej. Oni są jak młodsze siostry Maryjo. A kolor w tych drzwiach blednie i staje się cieplejszy. Ale jakby w celu zrekompensowania osłabionej aktywności barwnej, przedstawia się je śpiewając. Dokładność ich mimiki sprawia, że ​​ton i przejrzystość dźwięku ich śpiewów jest czytelna dla widza, jakby rzeczywiście była postrzegana. A tym silniejsza i bardziej materialna manifestacja Adama i Ewy. Ich nagość jest nie tylko wskazana, ale przedstawiona w całej jej oczywistości. Stoją wysokie, wypukłe, prawdziwe. Widzimy, jak różowieje skóra na kolanach i rękach Adama, jak obracają się postacie Ewy.

W ten sposób górna kondygnacja ołtarza rozwija się jako hierarchia rzeczywistości uderzająca w jej kolejnej przemianie. Dolna kondygnacja, przedstawiająca kult baranka, jest wyznaczona w inny sposób i przeciwstawia się górnej. Rozświetlona, ​​pozornie ogromna, rozciąga się od pierwszego planu, gdzie widoczna jest struktura każdego kwiatu, do nieskończoności, gdzie smukłe piony cyprysów i kościołów przeplatają się w dowolnej kolejności. Ta warstwa ma właściwości panoramiczne. Jego bohaterowie nie jawią się jako pojedyncze byty, ale jako części mnóstwa: z całej ziemi w miarowym ruchu gromadzą się w procesjach kapłani i pustelnicy, prorocy i apostołowie, męczennicy i święte żony. W ciszy lub śpiewie otaczają świętego baranka – symbol ofiarnej misji Chrystusa. Ich uroczyste wspólnoty przechodzą przed nami, ziemskie i niebiańskie przestrzenie otwierają się w całej okazałości, a krajobraz nabiera ekscytującego i nowego znaczenia - więcej niż tylko daleki widok, przekształca się w rodzaj ucieleśnienia wszechświata. Dolna kondygnacja reprezentuje inny aspekt rzeczywistości niż górna, ale obie stanowią jedność. W połączeniu z przestronnością „Worship”, kolor ubrań Ojca Boga płonie jeszcze głębiej. Jednocześnie jego okazała postać nie tłumi otoczenia - wznosi się, jakby promieniując z siebie zasadami piękna i rzeczywistości, wieńczy i obejmuje wszystko. I jako środek równowagi, jako punkt dopełniający wszystko konstrukcja kompozycyjna, umieszczona pod jego postacią, drogocenna ażurowa korona opalizująca na wszystko, co można sobie wyobrazić, wielobarwność. Nietrudno dostrzec w Ołtarzu Gandawskim zasady miniatur z lat 20. XV wieku, ale w poliptyku są one wyniesione do pełnego systemu artystycznego, ideologicznego.

Zamknięty Ołtarz Gandawski jest kompozycją dwupoziomową, której dolną kondygnację zajmują wizerunki dwóch posągów Jana - Chrzciciela i Ewangelisty, po obu stronach których klęczą klienci - Jodokus Wade i Elżbieta Burlut; górna kondygnacja poświęcona jest scenie „Zwiastowania”, którą wieńczą postacie sybilli i proroków, uzupełniając kompozycję. Dolna kondygnacja ołtarza dzięki obrazowi prawdziwi ludzie a naturalność, namacalność posągów, bardziej niż górna, wiąże się z otoczeniem, w którym znajduje się widz. Kolorystyka tego poziomu wydaje się być gęsta i ciężka. Wręcz przeciwnie, „Zwiastowanie” wydaje się bardziej oderwane, jego kolorystyka jest jasna, a przestrzeń nie jest zamknięta. Artysta spycha bohaterów - anioła ewangelizującego i dziękczyniącą Maryję - na skraj sceny. I uwalnia całą przestrzeń pokoju, wypełnia ją światłem. To światło, jeszcze bardziej niż w Madonnie w Kościele, ma dwojaką naturę – wprowadza wzniosłą zasadę, ale też upoetyzuje czystą wygodę codzienności.

I jakby na dowód jedności tych dwóch aspektów życia – uniwersalnego, wzniosłego i rzeczywistego, codzienności – centralne panele Zwiastowania przyporządkowane są widokowi dalekiej perspektywy miasta i przedstawieniu wzruszający szczegół przedmiotów gospodarstwa domowego - umywalka z wiszącym obok ręcznikiem. Artysta pilnie unika ograniczonej przestrzeni. Światło, nawet świetliste, ciągnie się na zewnątrz pomieszczenia, za oknami, a tam, gdzie nie ma okna, jest zagłębienie lub nisza, a tam, gdzie nie ma niszy, światło pada jak promień słońca, powtarzając cienkie ramy okienne na Ściana. Cała zewnętrzna część poliptyku podporządkowana jest idei Zwiastowania, czyli zapowiedzi przyjścia na świat Chrystusa i powinna, zgodnie z planem artystów, poprzedzać temat odkupienia. Odpowiadając temu zadaniu, zamknięty ołtarz kryje w sobie radosne niedopowiedzenie i oczekiwanie. Na całą uroczystość "Zwiastowania" - to tylko jedna scena, odcinek. Tylko wewnętrzne części ołtarza – reprezentujące zadośćuczynienie za ludzkie grzechy – niosą poczucie wzniosłego i ekscytującego spełnienia. Nietrudno dostrzec w Ołtarzu Gandawskim zasady miniatur z lat 20. XV wieku, ale w poliptyku są one wyniesione do pełnego systemu artystycznego, ideologicznego.

Chęć odzwierciedlenia w każdej scenie, każdej osobie i przedmiocie głównie piękna wszechświata miała silny wpływ na interpretację przestrzeni. Zachowując przestronność i zwiewność miniatur z lat 20. XV wieku, Ołtarz Gandawski nadaje tym cechom programowe przywiązanie do zasad, ideologiczne znaczenie. Tam człowiek połączył się z wszechświatem w rodzaj pejzażowej jedności. Tutaj zarówno krajobrazowy dystans, jak i osoba, oraz detal obiektu mają tak podkreśloną ekspresję, że w pewnym stopniu pozbawiając scenę jej codziennej naturalności, czyniąc ją bardziej „martwa natura”, nadaje jej ogromna moc wpływ artystyczny i emocjonalny. Zasady zawarte w ołtarzu w Gandawie nie były jednakowo widoczne we wszystkich obrazach. W ten sposób w Ołtarzu Gandawskim genialne znaleziska autora miniatur z turyńskiej Księgi Godzin dały ogromne rezultaty. I rzeczywiście, nawet stosunkowo powolność i oryginalność renesansowego rozwoju Niderlandów, brak kultu jasnej, heroicznej indywidualności, która była tak ważna we Włoszech, przyniosła tu nieoczekiwanie cenne owoce.

Obraz „Zwiastowanie” namalował malarz Jan van Eyck w okresie rozkwitu jego talentu. Zasadniczo scena jest rozumiana zarówno jako wydarzenie, jak i nadchodząca akcja. Na obrazie artysta przedstawia anioła ewangelizującego i modlącą się Maryję, na którą zstępuje Duch Święty. Obraz artysty Jana van Eycka przepełniony jest subtelnym liryzmem: cichą radością anioła, emocjonalnym dreszczem i podnieceniem Maryi. Wielobarwny połysk szkła, połysk metalu, głęboka gra aksamitu i połysk emalii nieba, bardziej niż cokolwiek innego, oddają piękno, którym wypełniony jest świat, wyjątkowość, cenność każdego szczegółu i cały wszechświat jako całość.

Korepetycje

Potrzebujesz pomocy w zgłębianiu tematu?

Nasi eksperci doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Wyślij zapytanie ze wskazaniem tematu już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.