GiorgioHandel è uno dei più grandi nomi nella storia dell'arte musicale. Il grande compositore dell'Illuminismo aprì nuove prospettive nello sviluppo del genere dell'opera e dell'oratorio e anticipò le idee musicali dei secoli successivi: il dramma operistico di Gluck, il pathos civico di Beethoven, la profondità psicologica del romanticismo. È un uomo di forza interiore e convinzione.Spettacolo parlato: “Puoi disprezzare chiunque e qualsiasi cosa,ma tu non sei in grado di contraddire Händel". "... Quando la sua musica suona nelle parole 'seduto sul suo trono eterno', l'ateo è senza parole."

Georg Friedrich Handel nacque a Halle il 23 febbraio 1685. Ha ricevuto la sua istruzione primaria nella cosiddetta scuola classica. Oltre a un'istruzione così solida, il giovane Händel adottò alcuni concetti musicali dal mentore Pretorius, conoscitore di musica e compositore di diverse opere scolastiche. Oltre ai suoi compiti scolastici, è stato anche aiutato da David Poole, il direttore della banda di corte che è entrato in casa, e Christian Ritter, un organista che ha insegnato a Georg Friedrich a suonare il clavicembalo, "ad avere un gusto musicale".

I genitori hanno prestato poca attenzione alla precoce inclinazione manifestata dal figlio per la musica, classificandola come un gioco da ragazzi. Solo grazie all'incontro casuale di un giovane talento con un fan dell'arte musicale, il duca Johann Adolf, il destino del ragazzo è cambiato radicalmente. Il duca, sentendo una meravigliosa improvvisazione suonata da un bambino, convinse subito il padre a dargli un'educazione musicale. Georg divenne allievo del noto organista e compositore Friedrich Zachau a Halle. Per tre anni ha imparato non solo a comporre, ma anche a suonare liberamente il violino, l'oboe, il clavicembalo.

Suo padre morì nel febbraio 1697. Soddisfacendo i desideri del defunto, Georg si diplomò al liceo e cinque anni dopo la morte di suo padre entrò nella facoltà di giurisprudenza dell'Università di Halle.

Un mese dopo essere entrato all'università, firmò un contratto di un anno, secondo il quale "uno studente di Händel per la sua arte" fu nominato organista nella cattedrale riformata della città. Si è allenato lì per un anno esatto, "migliorando costantemente la sua agilità nel suonare l'organo". Inoltre insegnò canto nel ginnasio, ebbe allievi privati, scrisse mottetti, cantate, corali, salmi e musica per organo, aggiornando settimanalmente il repertorio delle chiese cittadine. Händel ricordò in seguito: "A quel tempo scrivevo come il diavolo".

Nel maggio 1702 iniziò la guerra di successione spagnola, che travolse tutta l'Europa. Nella primavera del 1703, dopo la scadenza del contratto, Händel lasciò Halle e si recò ad Amburgo.Il teatro dell'opera era il centro della vita musicale della città. L'opera è stata diretta dal compositore, musicista e cantante Reinhard Keizer. Handelha studiato lo stile delle composizioni d'operafamoso hamburgere l'arte di dirigere un'orchestra.Ottenne un lavoro al teatro dell'opera come secondo violinista (divenne presto il primo). Da quel momento in poi, Händel scelse il campo di un musicista laico e l'opera, che gli portò fama e sofferenza, divenne la base del suo lavoro per molti anni.

L'evento principale della vita di Händel ad Amburgo può essere considerato la prima rappresentazione della sua opera "Almira", 8 gennaio 1705. OperaHandelgiocato con successo circa 20 volte.Nello stesso anno fu messa in scena la seconda opera - "L'amore acquisito dal sangue e dalla malvagità, o Nero".

Ad Amburgo, Händel scrisse la sua prima opera di oratorio. Sono le cosiddette "Passioni" basate sul testo del famoso poeta tedesco Postel.Ben presto Händel capì che era cresciuto e Amburgo divenne per lui angusta. Dopo aver risparmiato denaro con le lezioni e la scrittura, Händel se ne andò.Amburgo deve la nascita del suo stile. In lui finiva il tempo dell'apprendistato, quiHandelsi cimentò con l'opera e l'oratorio, i generi principali della sua opera matura.

Handelandato in Italia. Dalla fine del 1706 all'aprile 1707 visse a Firenze e poi a Roma. Nell'autunno del 1708, Händel ottenne il suo primo successo pubblico come compositore. Con l'aiuto del duca Ferdinando di Toscana, mise in scena la sua prima opera italiana, Rodrigo.Gareggia anche in pubblico con il meglio del meglio a Roma, con Domenico Scarlatti che riconosce la sua vittoria. Il suo modo di suonare il clavicembalo è chiamato diabolico - un epiteto lusinghiero per Roma. Scrisse due oratori per il cardinale Ottoboni, eseguiti contemporaneamente.

Dopo il successo a Roma, Händel si affretta a sud verso l'assolata Napoli. Costante rivale di Venezia nelle arti, Napoli possedeva una propria scuola e tradizioni. Händel rimase a Napoli per circa un anno. In questo periodo scrisse l'affascinante serenata Aci, Galatea e Polifemo.L'opera principale di Händel a Napoli fu l'opera Agrippina, scritta nel 1709 e rappresentata nello stesso anno a Venezia, dove il compositore tornò di nuovo. Alla prima gli italiani, con il consueto ardore ed entusiasmo, hanno reso omaggio ad Händel. " Furono folgorati dalla grandezza e dalla grandezza del suo stile; non hanno mai conosciuto prima tutto il potere dell'armonia", - ha scritto colui che era presente alla premiere.

L'Italia ha dato un caloroso benvenuto a Handel. Tuttavia, il compositore difficilmente poteva contare su una posizione forte nell'"Impero della musica". Gli italiani non hanno dubitato del talento di Handel. Tuttavia, come più tardi Mozart, Händel era per gli italiani un peso massimo, troppo "tedesco" dall'arte. Händel partì per Hannover ed entrò al servizio dell'elettore come capobanda di corte. Tuttavia, non rimase lì a lungo. La rude morale della piccola corte tedesca, la ridicola vanità e l'imitazione dei grandi capitelli suscitarono disgustoHandel. Entro la fine del 1710, dopo aver ricevuto il congedodall'elettore, è andato a Londra.

Lì, Händel entrò immediatamente nel mondo teatrale della capitale britannica, ricevette un ordine da Aaron Hill, l'inquilino del Tidemarket Theatre, e presto scrisse l'opera Rinaldo.

sui destinipresso Handelinfluenzatodebutto nel genere della musica cerimoniale e solenne popolare per l'Inghilterra. Nel gennaio 1713, Händel scrisse il monumentale Te deum e Ode al compleanno della regina. La regina Anna era contenta della musicaOdie firmò personalmente il permesso per l'esecuzione di "Te deum". In occasione della firma del Trattato di pace di Utrecht7 luglioalla presenza della regina e del parlamentosotto gli archi della Cattedrale di St. Paul suonavasuoni solennemente maestosi del "Te Deum" di Händel.

Dopo il successo di Te Deuma, il compositore decise di intraprendere la carriera in Inghilterra.Fino al 1720 Händel era al servizio del vecchio duca di Chandos, che era sovrintendente dell'esercito reale sotto Anna. Il duca viveva a Cannon Castle, vicino a Londra, dove aveva un'eccellente cappella. Händel compose musica per lei.Questi anni si sono rivelati molto importanti: ha padroneggiato lo stile inglese. Handel dipinse inni e due maschere - una quantità modesta con la sua favolosa produttività. Ma queste cose (insieme al Te Deum) si sono rivelate decisive.

Le due maschere antiche erano in stile inglese. Händel ha poi rivisto entrambe le opere. Uno divenne un'opera inglese (Acis, Galatea e Polyphemus), l'altro divenne il primo oratorio inglese (Esther). Altema è un'epopea eroica, "Esther" è un dramma eroico basato su una trama biblica. In queste opere, Händel padroneggia già pienamente sia il linguaggio che la natura dei sentimenti espressi dagli inglesi nell'arte dei suoni.

L'influenza degli inni e dello stile operistico è chiaramente avvertita nei primi oratori di Händel, Esther (1732), e in Deborte e Atalia (1733), che furono scritti in seguito. Tuttavia, l'opera rimane il genere principale degli anni 1720 e 1730. Assorbe quasi tutto il tempo, la forza, la salute e le condizioni di Handel.Nel 1720 fu aperta a Londra un'impresa teatrale e commerciale, chiamata "Royal Academy of Music". Handel è stato incaricato di chiamare i migliori cantanti Europa, principalmente scuola italiana... Handel è diventato un libero imprenditore, un azionista. Per quasi vent'anni, a partire dal 1720, compose e mise in scena opere, reclutò o sciolse una troupe, lavorò con cantanti, un'orchestra, poeti e impresari.

Questa è la storia che è sopravvissuta. Ad una delle prove, il cantante stona. Händel fermò l'orchestra e la rimproverò. Il cantante continuava ad essere stonato. Händel iniziò ad arrabbiarsi e fece un'altra osservazione, in termini molto più forti. La falsità non si è fermata. Händel fermò di nuovo l'orchestra e disse: “ Se canti stonato ancora una volta, ti butto dalla finestra". Tuttavia, anche questa minaccia non ha aiutato. Poi l'enorme Händel afferrò la piccola cantante con una bracciata e la trascinò alla finestra. Tutti congelati. Händel mise la cantante sul davanzale della finestra ... e in modo che nessuno se ne accorgesse, le sorrise e rise, dopodiché la tolse dalla finestra e la riportò indietro. Successivamente, il cantante ha cantato in modo pulito.

Nel 1723 Handel mise in scena Otgon. Scrive facilmente, piacevolmente melodicamente, era l'opera più popolare in Inghilterra di quei giorni. Maggio 1723 - "Flavio", nel 1724 — opere: "Giulio Cesare" e "Tamerlano", nel 1725 - "Rodelinda". È stata una vittoria. L'ultima triade di opere è stata una degna corona per il vincitore. Ma i gusti sono cambiati.Erano tempi difficili per Händel. Morì il vecchio elettore, unico mecenate forte, Giorgio I. Il giovane re, Giorgio II, principe di Galles, odiava Handel, il favorito di suo padre. Giorgio II lo intrigava, invitava nuovi italiani, gli aizzava dei nemici.

Nel 1734-1735 il balletto francese era in voga a Londra. Händel scrisse opere-balletti in stile francese: Tersicore, Alcina, Ariodante e Oreste pasticho. Ma nel 1736, a causa dell'aggravarsi della situazione politica, il balletto francese fu costretto a lasciare Londra e Händel fallì. Si ammalò, era paralizzato. Il teatro dell'opera era chiuso. Gli amici gli prestarono dei soldi e lo mandarono in un resort ad Aquisgrana.Il resto è stato breve come un sogno. Si svegliò, era in piedi, la sua mano destra si mosse. È successo un miracolo.

In dicembree 1737Handelcompleta Faramondo e intraprende l'opera Serse.All'inizio 1738 il pubblico è andato volentieri al Faramondo. A febbraioluimetti pasticho "ALessandro Severo ”, e in aprile -“ Serse ”. A quel tempo, scrisse insolitamente bene: la sua fantasia era estremamente ricca, il bel materiale obbediva obbedientemente alla volontà, l'orchestra suonava espressiva e pittoresca, le forme erano perfette.

Georg Friedrich Handel compone uno dei migliori oratori "filosofici" - "Allegro, pensieroso e moderato" sulle meravigliose poesie giovanili di Milton, un po' prima - "Ode to St. Cecilia” al testo di Dryden. I famosi dodici concerti grossi sono stati scritti da lui durante questi anni. E fu in quel momento che Händel si separò dall'opera. Nel gennaio 1741 fu consegnata l'ultima, Deidamia.

Handeldopovent'anni di tenaciaconvinto che il genere sublime dell'opera-seria non avesse senso in un paese come l'Inghilterra. Nel 1740 smise di contraddire il gusto inglese - e gli inglesi lo riconobbero come un genio -Handeldivennero compositore nazionale Inghilterra.Se Händel avesse scritto solo opere, il suo nome avrebbe ancora un posto d'onore nella storia dell'arte. Ma non sarebbe mai diventato l'Handel che lo stimiamo oggi.

Handelha perfezionato il suo stile nell'opera, ha migliorato l'orchestra, l'aria, il recitativo, la forma, la voce principale, nell'opera ha trovato il linguaggio di un artista drammatico. Eppure, nell'opera, non è riuscito a esprimere le idee principali. Il significato più alto del suo lavoro erano gli oratori.

Il 22 agosto 1741 iniziò una nuova era per Händel. In questo giorno memorabile iniziò l'oratorio "Messia". Più tardi, gli scrittori premieranno Händel con l'esaltato epiteto: "il creatore del Messia". Per molte generazioni sarà sinonimo di Handel. "Messia" è un poema musicale e filosofico sulla vita e la morte di una persona, incarnato in immagini bibliche. Tuttavia, la lettura dei dogmi cristiani non è così tradizionale come potrebbe sembrare.

Handelcompletato Il Messia il 12 settembre. L'oratorio era già in corso quando Händel lasciò inaspettatamente Londra. Partì per Dublino su invito del duca di Devonshire, viceré del re inglese in Irlanda. Lì ha tenuto concerti per tutta la stagione. Il 13 aprile 1742, Handel mise in scena The Messiah a Dublino. L'oratorio è stato accolto calorosamente.

Il 18 febbraio 1743 ebbe luogo la prima rappresentazione di Sansone, un eroico oratorio su testo di Milton.è una delle migliori tragedie europee della seconda metà del XVII secolo.Il Sansone di Milton è una sintesi della trama biblica e del genere dell'antica tragedia greca.

Nel 1743 Händel mostrò i segni di una grave malattia, ma si riprese abbastanza rapidamente.10 febbraio 1744compositoremesso in scena "Semele", 2 marzo - "Joseph", ad agosto finisce "Hercules", in ottobre - "Belshazzar". In autunno, affitta Covent Garden per la stagione. Nell'inverno del 1745Handelveste Baldassarre ed Ercole. I suoi rivali stanno facendo del loro meglio per impedire il successo dei concerti, ci riescono... A marzo, Georg Handel si ammalò, si ammalò, ma il suo spirito non era spezzato.

11 agostota 1746Händel termina il suo oratorio Judas Maccabee, uno dei suoi migliori tema biblico... In tutti gli oratori eroico-biblici di Handel (e il compositore ne ha alcuni: "Saul", "Israele in Egitto", "Sansone", "Giuseppe", "Belshazzar", "Giuda Maccabeo", "Giosuè") al centro dell'attenzione - il destino storico del popolo. Il loro nucleo è la lotta. La lotta del popolo e dei suoi capi contro gli invasori per l'indipendenza, la lotta per il potere, la lotta contro gli apostati per evitare il declino. Il popolo ei suoi capi sono i protagonisti dell'oratorio. Persone come attore sotto forma di coro - proprietà di Händel. Da nessuna parte nella musica prima di lui le persone si esibivano in tali forme.

Nel 1747, Händel affitta nuovamente Covent Garden. Tiene una serie di concerti d'autore. Il 1 aprile mette su "Judas Maccabee" - è accompagnato dal successo.Nel 1747 Händel scrisse gli oratori Alexander Balus e Joshua. Mette su oratori, scrive Salomone e Susanna.

Nel 1751 la salute del compositore peggiorò. 3 maggio 1752 a luisenza successooperareocchi.Nel 1753 subentra la cecità completa. Händel si distrae con concerti, suonando per memoria o improvvisando. Ogni tanto scrive musica. Il 14 aprile 1759 se ne andò.

Un amico e contemporaneo di Händel, scrittore e musicologo Charles Burney, scrisse: “ Handel era una persona grossa, robusta e difficile da spostare. La sua espressione era solitamente imbronciata, ma quando sorrideva, sembrava un raggio di sole che irrompe tra le nuvole nere, e tutto il suo aspetto diventava pieno di gioia, dignità e grandezza spirituale.". - Questo raggio illumina e illuminerà sempre le nostre vite.

orchestraLo stile di Händel (1685-1759) appartiene alla stessa epoca nello sviluppo dell'orchestrazione dello stile del pari di Bach. Ma ha anche caratteristiche peculiari. Tessitura orchestrale di oratori, koncerts per organo e orchestra e concL'erto grosso di Handel è vicino alla trama polifonica corale. Nelle opere, dove il ruolo della polifonia è molto minore, il compositore è molto più attivo nella ricerca di nuove tecniche orchestrali. In particolare, trova flauti di piùil loro caso (moltisopra gli oboi); avendo ricevuto la libertà nel nuovo registro, diventano più mobili e indipendenti.

Il raggruppamento degli strumenti è del massimo interesse per Händel. Alternando abilmente i gruppi, opponendo archi a legni o ottoni con percussioni, il compositore ottiene una varietà di effetti. Lavorando nei teatri d'opera, Handel ha avuto casting molto più grandi e maggiori opportunità rispetto a Bach. Il suo stile di orchestrazione è più lussureggiante e decorativo.

Nato: 23 febbraio 1685
Luogo di nascita: Galle
Paese: Germania
Morto: 14 aprile 1759

Georg Friedrich Handel (tedesco Georg Friedrich H? Ndel, inglese George Frideric Hande) è un brillante compositore dell'era barocca.

Händel è nato il 23 febbraio 1685 nella città sassone di Halle. Ha ricevuto la sua istruzione primaria in una scuola secondaria, cosiddetta classica. Oltre alla sua educazione generale, il giovane Händel adottò alcuni concetti musicali dal mentore Johannes Pretorius, un conoscitore di musica e compositore di diverse opere scolastiche. Fu anche aiutato a suonare musica dal direttore di corte David Poole, che entrò in casa, e dall'organista Christian Rietter, che insegnò a Georg Friedrich a suonare il clavicembalo.

I genitori hanno prestato poca attenzione alla precoce inclinazione manifestata dal figlio per la musica, classificandola come un gioco da ragazzi. Solo grazie a un incontro casuale con un fan dell'arte musicale, il duca Johann Adolf, il destino del ragazzo è cambiato radicalmente. Il Duca, sentendo una meravigliosa improvvisazione suonata da un bambino, convince subito il padre a dargli un'educazione musicale sistematica. Händel divenne allievo del noto organista e compositore Friedrich Zachau a Halle. Händel ha studiato con Zachau per circa tre anni. Durante questo periodo imparò non solo a comporre, ma anche a suonare liberamente il violino, l'oboe, il clavicembalo.

Nel febbraio 1697, il padre di Händel morì. Soddisfacendo i desideri del defunto, Georg si diplomò al liceo e cinque anni dopo la morte di suo padre entrò nella facoltà di giurisprudenza dell'Università di Halle. Un mese dopo essere entrato all'università, ha firmato un contratto di un anno, in base al quale è stato nominato organista nella cattedrale riformata della città. Inoltre insegnò canto nel ginnasio, ebbe allievi privati, scrisse mottetti, cantate, corali, salmi e musica per organo, aggiornando settimanalmente il repertorio delle chiese cittadine.

Nella primavera dell'anno successivo, dopo la scadenza del contratto, Händel lasciò Halle e si recò ad Amburgo. Il teatro dell'opera era il centro della vita musicale della città. Per l'arrivo di Handel ad Amburgo, l'opera era diretta dal compositore, musicista e cantante Reinhard Keizer. Händel ha studiato attentamente lo stile delle composizioni d'opera del famoso musicista, la sua arte di dirigere un'orchestra. Händel trovò lavoro al teatro dell'opera come secondo violinista (divenne presto il primo violinista). Da quel momento in poi, l'opera divenne la base del suo lavoro per molti anni.

L'evento principale della vita di Händel ad Amburgo può essere considerato la prima rappresentazione della sua opera "Almira" l'8 gennaio 1705. Il 25 febbraio 1705 fu messa in scena la seconda opera, "Amore acquisito dal sangue e dalla malvagità, o Nero". Ad Amburgo, Händel scrisse la sua prima opera di oratorio. Questa è la cosiddetta "Passione" sul testo del famoso poeta tedesco Postel.

Ad Amburgo si concluse il periodo del suo apprendistato, e qui il giovane compositore si cimentò nell'opera e nell'oratorio, generi portanti della sua opera matura.

Nel 1706-1709 il compositore viaggiò e studiò in Italia, dove divenne famoso come maestro dell'opera italiana.

Dalla fine del 1706 all'aprile 1707 visse a Firenze, per poi recarsi a Roma. Nell'autunno del 1708, con l'assistenza del duca Ferdinando di Toscana, Händel mise in scena la sua prima opera italiana, Rodrigo. Scrisse due oratori per il cardinale Ottoboni, eseguiti contemporaneamente.

Dopo il successo a Roma, Händel si reca a Napoli, che possedeva una propria scuola e tradizioni nell'arte. Händel rimase a Napoli per circa un anno. Durante questo periodo scrisse un'affascinante serenata "Aci, Galatea e Polifemo", diverse altre opere nello stesso spirito, ma di dimensioni inferiori.

L'opera principale di Händel a Napoli fu l'opera Agrippina, scritta nell'estate del 1709 e rappresentata a Venezia lo stesso anno.

L'Italia ha dato un caloroso benvenuto a Handel. Tuttavia, il compositore difficilmente poteva contare su una posizione forte nell'"impero della musica", il suo stile era troppo pesante per gli italiani.

Nel 1710 divenne maestro di cappella alla corte dell'elettore di Hannover Giorgio I, che, secondo la legge del 1701, sarebbe diventato re di Gran Bretagna. Nello stesso 1710 Händel si recò a Londra.

Entrò subito nel mondo teatrale della capitale britannica, ricevette un ordine da Aaron Hill, inquilino del Tidemarket Theatre, e presto compose l'opera Rinaldo. Nel gennaio 1713, Händel scrisse il monumentale Te deum e Ode al compleanno della regina. Il 7 luglio, in occasione della firma del Trattato di pace di Utrecht alla presenza della Regina e del Parlamento, i suoni solenni e maestosi del "Te Deum" di Händel hanno annunciato le volte della cattedrale di St. Paul.

Fino al 1720 Händel era al servizio del duca di Chandos. Il duca viveva a Cannon Castle, vicino a Londra, dove aveva un'eccellente cappella. Händel compose musica per lei. Questi anni si sono rivelati molto importanti: ha padroneggiato lo stile inglese. Inni dipinti di Handel e due maschere. Due maschere, due spettacoli nello spirito dell'antichità erano in stile inglese. Händel ha poi rivisto entrambe le opere. Uno di essi divenne un'opera inglese (Acis, Galatea e Polyphemus), l'altro divenne il primo oratorio inglese (Esther).

Dal 1720 al 1728 Handel fu direttore della Royal Academy of Music. Il 12 gennaio 1723 Handel mise in scena l'opera "Otgon", scrisse facilmente, melodicamente piacevolmente, era l'opera più popolare in Inghilterra di quei giorni. Nel maggio 1723 - "Flavio", nel 1724 - due opere - "Giulio Cesare" e "Tamerlano", nel 1725 - "Rodelinda".

Nel 1734 - 1735 Il balletto francese era in voga a Londra. Händel scrisse opere-balletti in stile francese: Tersicore, Alcina, Ariodante e Oreste pasticho. Ma nel 1736, a causa dell'aggravarsi della situazione politica, il balletto francese fu costretto a lasciare Londra

Nel dicembre 1737 completò l'opera "Faramondo" e riprese nuova opera"Serse". Nel febbraio 1738 Handel mise in scena il pastiche "Alessandro Severo". In questo momento scrive insolitamente bene: il materiale bello obbedisce obbedientemente alla volontà del compositore, l'orchestra suona espressiva e pittoresca, le forme sono perfezionate.

Dal 1740, gli oratori hanno occupato il posto principale nella sua opera. Compone uno dei suoi migliori oratori "filosofici" - "Allegro, pensieroso e temperato" sulle belle poesie giovanili di Milton, un po' prima - "Ode a Santa Cecilia" sul testo di Dryden. I famosi dodici concerti grossi furono da lui scritti in quegli anni. E fu in quel momento che Händel si separò dall'opera. Nel gennaio 1741 fu consegnata l'ultima, "Deidamia".

Il 22 agosto 1741, il compositore iniziò a creare l'oratorio del Messia. Per molte generazioni, "Messia" sarà sinonimo di Händel. "Messia" è un poema musicale e filosofico sulla vita e la morte umana, incarnato in immagini bibliche. Händel completò The Messiah il 12 settembre. E già il 18 febbraio 1743 ebbe luogo la prima rappresentazione di "Samson" - un eroico oratorio basato sul testo di Milton. Il Sansone di Milton è una sintesi della trama biblica e del genere dell'antica tragedia greca. Handel ha una sintesi dramma musicale e le tradizioni corali dell'oratorio.

Il 10 febbraio 1744 mise in scena l'oratorio Semele, il 2 marzo - Giuseppe, in agosto terminò Ercole, in ottobre - Baldassarre.

L'11 agosto 1746 Händel terminò il suo oratorio Judas Maccabee, uno dei suoi migliori oratori sul tema biblico.

Nel 1747 Händel scrisse gli oratori Alexander Balus e Joshua. Nella primavera del prossimo anno, mette su nuovi oratori e in estate ne scrive altri due: "Solomon" e "Susanna". Aveva 63 anni.

A cavallo degli anni 1750, la vista del compositore si deteriorò. Il 3 maggio 1752 gli furono operati gli occhi. Senza successo. La malattia sta progredendo.

Nel 1753 subentra la cecità completa. Händel morì il 14 aprile 1759 a Londra. Sepolto nell'Abbazia di Westminster.

Caratteristiche della creatività di Handel

Caratteristiche della creatività

"Sono arrivati ​​tempi difficili per Händel: tutto era contro di lui ... Giorgio II lo ha incuriosito, invitando nuovi italiani, gli ha fatto dei nemici. Il pubblico non è andato alle opere di Händel. Ogni anno veniva sconfitto, ogni anno vedeva più o meno lo stesso immagine: una sala silenziosa, disattenta, vuota ... Alla fine, Händel fallì. Alcuni soldi e mandò in un resort ad Aquisgrana ". (Samin, 1999, p. 58.)

"Lavorò alle sue opere con una velocità eccezionale. L'opera" Rinaldo "è stata scritta da lui in due settimane, una delle sue opere migliori, l'oratorio "Messia", - in 24 giorni. (Mirkin, 1969, p. 56.)

(1751) "... Durante il lavoro sul suo ultimo oratorio, Ievphi, Händel divenne cieco, ma continuò comunque a partecipare all'esecuzione di oratori come organista." (Ibid., pag. 55.)

GEORG FRIEDRICH HENDEL (1685-1759)
Händel è tra gli eccezionali artisti tedeschi che hanno incarnato l'idea dell'"Uomo".
Händel è un grande umanista. Il suo umanesimo era estraneo alla filantropia astratta così diffusa in Germania a quel tempo, che rimase solo in ambiti ideali, lontani dalla realtà. La sua opera era, al contrario, quanto più possibile in quel momento, veritiera, concreta ed efficace. Non era solo un contemporaneo, ma per molti aspetti e una persona simile a Lessing, che una volta disse: "L'uomo è stato creato per agire e non per ragionare".

Come ogni grande artista, Händel era poliedrico, il suo interesse curioso era suscitato dal grande e dal piccolo, dall'eroico e dal quotidiano, dall'ordinario, dal quotidiano. "Messia" - e "Musica sull'acqua"; "Judas Maccabee" - e le variazioni per clavicembalo "Harmonic Blacksmith" - questi i poli del suo lavoro. Ma il nucleo, il centro tematico naturale di tutta la sua musica sono le immagini delle persone che soffrono, schiavizzate, ma potenti, che spezzano le catene della schiavitù e avanzano irresistibilmente verso il futuro - verso la luce, la pace e la libertà:
Che l'inimicizia tra i popoli finisca! Possano la pace, la libertà e la felicità delle persone regnare da un bordo all'altro, e le guerre e la schiavitù cadranno per sempre! (Belshazzar, coro finale del secondo atto.)

Le persone di Handel sono inseparabili dalla verità artistica della sua musica. Nel periodo culminante del suo lavoro, non si concentrò affatto sul genere monumentale dell'oratorio perché vi fu spinto da intriganti di corte come il Duca di Marlborough o gli schernitori patriottici dell'Opera del mendicante. Si trovò finalmente nell'oratorio e si sviluppò in questo genere in tutta la sua estensione, perché solo forme ampie e maestose, disinibite dalla dipendenza corte-teatrale, in bilico sul "pubblico d'oro" e sui suoi claqueters, potevano accogliere le sue titaniche immagini di popoli - combattenti per la libertà, contro l'oppressione e l'oscurità spirituale.

Ma altri generi "periferici" della sua musica, persino l'opera, nonostante le sue convenzioni e i lussuosi eccessi barocchi, che lei peccò, illuminarono ripetutamente la luce di grandi idee che esprimevano le care aspirazioni delle masse. Qua e là, hanno sfondato con forza la trama leggende mitologiche e accessori per palcoscenici di corte. Händel è spesso forte nella caratterizzazione individuale dell'eroe, e, peraltro, non solo in quella operistica. Il feroce Baldassarre e l'asceta Sansone, l'insidiosa Dalila e il diretto Nitokris, il tranquillo e scaltro Salomone, l'impetuoso avventato Sesto - tutti loro sono rappresentati nella musica di Shakespeare in modo sfaccettato. Ma caratteristica individuale e la situazione particolare non si è costituita lato forte Il talento di Handel. I suoi personaggi principali sono le masse nei loro movimenti, azioni, sentimenti, per così dire, cumulativi, sommari. Pertanto, come è stato a lungo riconosciuto da tutti, il più potente e irresistibile Händel nei cori dell'oratorio - gli affreschi della sua musica. Qui il suo Uomo si incarna in tutta grandezza e bellezza. Quali sono i mezzi di Handel di questa incarnazione?
È risaputo che lo stile di Händel è uno stile eroico. La situazione è più complicata con la natura nazionale di questo stile. Le aspirazioni a definirlo esclusivamente tedesco, figuriamoci puramente inglese, sono unilaterali. I tentativi di considerare Händel come una sorta di "cittadino del mondo" extra-nazionale (si sono verificati non solo nella letteratura straniera, ma anche nella nostra letteratura) sono completamente falsi e distorcono l'immagine reale della sua musica. Handel è il figlio del popolo tedesco, cresciuto e cresciuto nella cultura democratica tedesca. Le intonazioni del canto protestante si sentono spesso nei suoi oratori. Come polifonista e virtuoso dell'organo, è l'erede dei maestri tedeschi XVII secolo... I suoi concerti d'organo sono molto vicini a Bach, e alcune delle caratteristiche prefigurano Beethoven. Le sue suite di clavicembalo sono scritte nello stile della scuola della Germania meridionale piuttosto che dei virginalisti inglesi. E dopo il passaggio alla cittadinanza inglese nel 1726, Händel continuò a mantenere legami successivi con la musica tedesca. Soprattutto negli oratori di argomento biblico, è direttamente vicino a Schütz, ai suoi recitativi e ai cori a cappella. Il popolo tedesco lo considera giustamente il suo artista nazionale. Ma per non cadere nello schematismo, dobbiamo tener conto di due circostanze.

Primo. Händel è il creatore dell'arte non solo tedesca, ma mondiale, di significato universale. Perché inevitabilmente divenne l'erede non solo della musica tedesca, ma di tutta la musica dell'Europa occidentale, padroneggiandone efficacemente e armoniosamente i tesori. Ha ampiamente fatto riferimento all'opera italiana, al concerto, alla sonata come generi, ma li ha risolti nel suo stile originale. Le sue connessioni erano multinazionali, ma lui stesso e la sua musica non sono diventati "non nazionali" da questo.
Secondo. Fatto storico che per il compositore tedesco Handel l'Inghilterra era la seconda patria e gli inglesi, come i tedeschi, la considerano loro. Non si può negare, infatti, che la sua attività creativa e performativa, almeno dai primi anni '20 del XVIII secolo, sia diventata il centro di tutta la vita musicale inglese. Negli inni, in parte concerti d'organo e oratori, Händel è l'unico erede legittimo di Purcell, il più grande compositore inglese. Gli oratori "Messiah", "Judas Maccabee" e altri sono stati scritti principalmente per il popolo inglese in relazione agli eventi della loro vita e della loro lotta. Alcune delle arie di Händel sono diventate canzoni popolari inglesi. Händel mantenne il suo caratteristico stile tedesco, che sintetizzava anche le migliori caratteristiche della cultura musicale inglese e italiana.

Nessuno stile artistico- individuo in particolare - non appare immediatamente pienamente sviluppato e maturo e non rimane per sempre invariabilmente uguale a se stesso. Un biografo francese di Mozart (Emmanuel Buenzo) lo definì "un genio senza incubazione". Ma anche con questo musicista di formazione insolitamente precoce, lo stile operistico maturò pienamente solo all'età di venticinque anni (Idomeneo, re di Creta, 1781). Le tecniche di Beethoven tipiche del suo stile maturo sfondano spesso nelle sonate per pianoforte della metà degli anni '90, che erano ancora lontane dalla maturità creativa.

Lo stile del compositore passa inevitabilmente attraverso un proprio processo di formazione e sviluppo, e per ognuno procede in modo peculiare. Allo stesso tempo, alcuni sono stilisticamente più uniformi e costanti; altri, tra cui artisti eccezionali, - lo stile, al contrario, è più suscettibile di cambiamenti e transizioni a fasi qualitativamente nuove. Nonostante tutta la potenza della sua individualità artistica e integrità di stile, Händel apparteneva piuttosto alla seconda categoria. Ciò è dimostrato dal suo percorso di vita, che ha contribuito proprio a tale formazione della sua personalità creativa.

Halle
L'infanzia e l'adolescenza ad Halle (1685-1703) crearono per lui una solida base che rimase per tutta la sua vita artistica: lievito democratico (padre - barbiere, nonno - caldaio), operosità, buon senso pratico, autostima e volontà, temperato dalla giovinezza nella lotta contro gli ostacoli sulla via della musica, che i suoi parenti non apprezzavano e non capivano. Accadde così che, a differenza di Bach, Haydn, Mozart, trovò dalla parte dell'aristocrazia sassone e prussiana gli scopritori ei propagandisti del suo talento. Ma le aspirazioni e gli obiettivi erano diversi. Quando invecchiava, suonava musica in modo infantile e egoistico, e da bambino si stava seriamente impegnando per l'arte come lavoro della sua vita. Presso le corti si coltivava un repertorio prevalentemente straniero; Händel, sotto la guida del suo primo ed eccellente maestro V. Tsakhov, fu anche ampiamente coinvolto in musica tedesca(G. Albert, J. Froberger, IK Kerl, I. Kuhnau e altri), le sue origini popolari. Inoltre, è sotto questa influenza che ha mosso i suoi primi passi nel campo del compositore e si è sviluppato come direttore di coro, virtuoso del clavicembalo, oboe e soprattutto come organista. Infine, a Halle, entrò nell'università, fondata lì dal governo prussiano solo otto anni prima, nel 1694, ma che era già riuscita a trasformarsi in un importante centro del pensiero scientifico. Durante il XVIII secolo, figure della cultura tedesca come Chr. Tomasio, Cr. Lupo, Baumgarten, I. Winkelmann. All'inizio del 700, la facoltà teologica dell'università (Handel studiava legge) era una roccaforte della direzione teologica, che cercava di far rivivere la dottrina luterana del XVI secolo nel quadro della tolleranza religiosa e in opposizione alla chiesa dominante.
Il rappresentante più importante di questa tendenza, che ricevette il nome di pietismo, fu Chr. Thomasius, le cui aspirazioni democratiche ed educative erano contraddittorie in questo periodo combinate con una visione profondamente religiosa e un'esaltazione franca della monarchia prussiana. Ma c'era un'altra direzione radicale all'università, ideologicamente connessa con l'educazione francese e inglese (Pierre Baile, Shaftesbury e altri). Nella lotta delle tendenze, sono state toccate anche questioni d'arte. Non abbiamo materiali che ci permettano di giudicare direttamente l'impatto di tutta questa atmosfera sul punto di vista di Händel. In ogni caso, possiamo dire con certezza che non divenne né pietista, né radicale, né tanto più ateo, ma la sua religiosità fu più superficialmente tradizionale, forse anche in parte "applicata" che devotamente devota o
carattere pedantemente teologico.
Tuttavia, se nel campo della filosofia, dell'etica, del diritto - Halle poteva dare qualcosa, allora la sua vita musicale era ancora povera di provincia e l'umiltà o la ricerca di consolazione in un'impresa morale non erano in alcun modo peculiari della natura di Händel. Pertanto, essendo diventato più forte, uscì facilmente da questo circolo ristretto e andò ad Amburgo. Questo accadde nel 1703.

Amburgo
Il periodo di Amburgo fu molto breve, ma fu molto importante per l'ulteriore formazione della visione del mondo e dello stile artistico del compositore. Händel si stabilì dapprima in una città molto grande, con uno stile di vita, tradizioni e una vasta gamma di eccellenti musicisti professionisti della scuola tedesca (I. Teile, I. Matteson, R. Kaiser). L'impatto di queste nuove conoscenze è stato grande. Il legame con lo stile melodico dei Kaiser si fece sentire fino agli anni '50. L'estetica di Matteson e del suo socio G. Telemann è stata un'intera rivelazione per Händel. L'idea che la musica di qualsiasi paese sia un'arte originale, che dovrebbe servire gli ideali patriottici e istruire mentalmente le persone, esprimendo i loro stati mentali, divenne una delle idee guida del suo lavoro. La creazione di John Passion (1704) è stata anche un omaggio a una tradizione tedesca risalente al XVI secolo. Ma la cosa più importante e nuova che Händel ha trovato ad Amburgo è il teatro dell'opera, nella cui vita si è immerso per la prima volta. Come già accennato, il teatro era artisticamente molto irregolare, eclettico, ma innegabilmente luminoso. Per quanto era già possibile a quel tempo, possedeva caratteristiche nazional-tedesche ed era organizzato su una base relativamente democratica. Qui per Händel era ampiamente aperta quell'area di genere, che da allora è diventata decisiva per lui: l'area musica drammatica... Ad Amburgo le sue prime opere furono scritte su libretto in tedesco. Nell'unico sopravvissuto di quegli anni "Almira" - sta già cercando il proprio stile operistico, sebbene sia ancora molto lontano dall'obiettivo ed è fortemente influenzato dal Kaiser. Tuttavia, dopo le cantate e i mottetti del periodo Halle, la partecipazione a una grande impresa comune - la creazione di un'opera tedesca in stile nazionale e nella lingua madre - era un fatto di capitale importanza. Inoltre, ad Amburgo, il virtuoso Händel è apparso per la prima volta in un pubblico molto più ampio e democratico di quello che ha incontrato durante i concerti a Weissenfels o Berlino. Infine, Amburgo è la prima seria scuola di acuta rivalità artistica (Matteson, Kaiser), che da allora lo accompagnò per quarant'anni e divenne per lui una sorta di "forma di esistenza".

Italia
Il periodo italiano (1706-1710) è affatto notevole per ciò che gli viene spesso attribuito - per l'"italianizzazione" di Händel. Le opere Agrippina e Rodrigo, come le cantate romane del 1708-1709, erano infatti scritte in stile italiano, che padroneggiava alla perfezione. Inoltre, conobbe ampiamente il folklore italiano, introdusse i suoi generi (soprattutto il siciliano) nella sua musica e si avvicinò a molti musicisti eccezionali che si unirono poi in Arcadia (Corelli, Alessandro e Domenico Scarlatti e altri). Ma scrisse anche canzoni in stile francese a quel tempo, e la sua cantata per voce solista con chitarra testimonia l'interesse per lo stile spagnolo. La prima edizione dell'oratorio "Il trionfo del tempo e della verità" e la serenata "Aci, Galatea e Polifemo" (1708-1709) non furono scritte in uno stile puramente italiano: molto deriva dalle loro tecniche di scrittura, individualmente caratteristiche. L'Italia per Händel è stato il suo ingresso nell'arena internazionale o europea e un'introduzione molto più ampia all'arte mondiale. Gli anni del peregrinare divennero, allo stesso tempo, anni di studio, quando lo stile prese forma non tanto in opposizione a tutta questa ricchezza di valori e impressioni musicali ed estetici, ma attraverso lo sviluppo insolitamente rapido e la subordinazione molto graduale di loro alla propria individualità artistica.

Hannover-Londra
Tendiamo a volte a sottovalutare il periodo Hannover, o, come è più esattamente chiamato, il periodo Hannover-Londra, tra il 1710 e il 1716. Questo fu un periodo di radicale cambiamento nella vita del compositore, quando tornò in patria e due volte si recò a Londra (nel 1710 e nel 1712), fece una scelta tra Germania e Inghilterra, prima di stabilirsi definitivamente in quest'ultima. Fu Hannover, con il suo teatro dell'opera e la magnifica cappella, che divenne il centro culturale dove d'ora in poi, Handel's Collegamenti tedeschi... È venuto qui da Londra; qui furono scritte cantate tedesche, Concerti per oboe, probabilmente Sonate per flauto e, infine, nel 1716-Passioni su libretto di Broches - opera irregolare, ma in cui c'è già molto del tipico Händel. Nello stesso periodo Rinaldo e Teseo, quasi del tutto originali nello stile, andarono in scena a Londra con un trionfale successo.
Amadis di Gallia e la famosa musica dell'acqua. Questa è stata la soglia della maturità dell'artista, che è arrivata a lui proprio nel momento in cui si è finalmente stabilito in Inghilterra. Questo paradosso storico più di una volta ha causato rimproveri al compositore per il suo presunto atto antipatriottico nei confronti del suo paese natale (KF Krizander e altri). Questi rimproveri sono infondati. Non si può essere d'accordo con l'affermazione di Romain Rolland che "Handel era completamente privo di patriottismo tedesco".

Lasciò la Germania e attraversò lo Stretto di Dover non perché non amasse la sua terra natale, ma perché, con la sua natura artistica, gli interessi di genere e l'allora struttura e livello della vita sociale e musicale tedesca, non aveva un posto dove girarsi sul Saxon -Terra del Brandeburgo. Ha conservato con cura le origini tedesche della sua musica e l'ha mantenuta fino alle ultime opere. Ciò è stato ottenuto in una sintesi molto particolare con elementi di genere e intonazione, che ha appreso in comunicazione con la cultura italiana, inglese e rielaborati in modo abbastanza organico nel suo stile.

Inghilterra
Gli anni 1717-1720 trascorsero sotto il segno di questa revisione, penetrazione profonda e globale nello spirito creativo e nelle varie forme di esistenza dell'arte inglese. Può sembrare strano che durante questo periodo la linea operistica ampiamente sviluppata sembri troncare per un po', e il compositore si dedicò principalmente a generi di culto: Antemas per la cappella del Duca di Chandos e Esther, il primo oratorio in lingua inglese modo sulla trama dell'Antico Testamento. In effetti, non era solo una sorta di scuola per padroneggiare la musica inglese nei suoi migliori esempi epico-drammatici, ma anche istintivamente, e forse con prudenza, una perfetta apertura verso il futuro - all'opera oratoria degli anni '30 e '40. Handel sapeva cosa e come ascoltare nell'eredità inglese e cosa scegliere per se stesso come punto di partenza.

Accademia reale

Quando la padronanza della tradizione inglese fu in gran parte completa, tornò all'opera, rilevò il teatro della Royal Academy e dai primi anni '20, a trentacinque anni, entrò in un apice insolitamente produttivo come compositore d'opera. Le sue vette sono "Radamisto" (1720), "Otto" (1723), "Giulio Cesare" (1724), "Rodelinda" (1725). A quel tempo, la vita musicale inglese e in particolare il suo teatro dell'opera conobbero un periodo di declino senza precedenti. Dopo la rappresentazione nel 1704, "Dido and Aeneas" di Purcell, l'unica brillante creazione dell'opera inglese, fu consegnata all'oblio per più di duecento anni. La semi-opera King Arthur nasce da una rielaborazione inventiva ma arbitraria del talentuoso Thomas Arne (1710-1778). L'opera italiana regnava sul grande palcoscenico, che agli occhi degli ambienti democratici divenne una sorta di simbolo teatrale delle aspirazioni antipatriottiche della corte reale, dell'aristocrazia terriera e di quella parte della grande borghesia che si faceva guidare dalle tradizioni e dai gusti di il “grande mondo”. Di qui - critiche e, per di più, una feroce campagna contro Händel, aperta dalla destra, da chi vedeva in lui non tanto un "compositore reale ufficiale" quanto un audace violatore dei consueti canoni e tradizioni estetiche ed etiche di classe. Quindi - gli intrighi di Burlington, Marlborough e altri influenti aristocratici, intrighi che hanno incitato all'antagonismo, alla competizione e hanno cercato di opporsi a Handel, come un maestro innovatore tedesco, agli italiani "tradizionali" e innocui - DB Bononcini, e più tardi - Porpora e Gasse.

"L'opera del mendicante"
Allo stesso tempo, sulla scena teatrale inglese emerse un nuovo fenomeno: la "ballad opera" del XVIII secolo era un genere inglese del tutto nazionale. Era un'arte democratica pensata per il grande pubblico, vicina alla vita. Essendo un fattore di un certo progresso per il teatro musicale, non divenne, tuttavia, un nuovo palcoscenico nella creatività del compositore: di solito un'opera ballata non era altro che una performance comica con musica di canzoni popolari di tutti i giorni adattate a nuovi testi inglesi. Una prima versione, oltre che satirica, di questo genere fu The beggar "s opera", messa in scena a Londra nel 1728 dal poeta John Gay e dal compositore John Christophe Pepush sul tema di J. Swift. circoli guidati dal potente Robert Walpole, contro la loro morale e i loro gusti, non sfuggì all'opera di corte, in particolare al "Rinaldo" di Händel. facile virtù. Al posto delle arie da capo, nelle strade e nelle piazze venivano cantate canzoni popolari - "melodie selvagge, rudi e spesso volgari", come loro contemporanee - il famoso storico della musica Charles Burney. Il libretto era scritto in un ricco dialetto vernacolare, e non senza ragione un certo signore consigliò a Gay di tradurre dall'inglese all'italiano in modo che l'udienza di corte potesse... potrei capirlo! Ad esempio, l'aria comica della gelosia con testi volutamente banali, cantata da una delle ragazze, la figlia della guardia carceraria Lucy, è stata scritta sulla melodia attraente e fresca della popolare ballata popolare South Sea Ballad.
È interessante notare che tra queste canzoni di tutti i giorni, introdotte da Pepush e Gay nella "Beggar's Opera", ci sono tre brani composti da Purcell. Quanto a Händel, la sua musica (aria e marcia) vi appare solo sotto forma di una caustica parodia dello stile operistico italiano. Tutta questa impresa - audace e provocatoria - ha creato scalpore, ha attirato la simpatia delle menti più importanti d'Europa (ad esempio, Jonathan Swift in Inghilterra, Melchior Grimm in Francia), ha irritato la burocrazia e fatto arrabbiare la corte. Il re bandì l'Opera del mendicante, ma riuscì a resistere a molti spettacoli, ottenne fama paneuropea ed è esistita nel repertorio fino al XX secolo compreso. A quel tempo, l'enorme successo di questa operetta-pamphlet assunse il carattere di una "manifestazione nazionale" (Romain Rolland). La Royal Academy ha subito un duro colpo, è stata temporaneamente chiusa. possedere
natura estremamente attiva e volitiva, Händel, nel mezzo di una dura lotta, ha continuato a lavorare instancabilmente per migliorare la sua idea e per un breve periodo ha ripristinato l'impresa fallita.
Dopo un crollo secondario nel 1731, da vero stratega, spostò il campo di battaglia e si trasferì nel più democratico teatro di balletto di Covent Garden. Per lui furono scritti meravigliosi balletti d'opera: "Ariodant", "Alcina" (1735), "Atalanta" (1736). Poi scoppiarono due nuove catastrofi quasi contemporaneamente: il compositore rimase paralizzato, il teatro andò in bancarotta, molti amici lo abbandonarono. Con la sua guarigione, riprese a lavorare all'opera, sforzandosi in avanti, versandovi nuovi succhi freschi. Nelle ultime opere della fine degli anni '30 - primi anni '40, il ricco flusso di canzoni di tutti i giorni, l'esperienza creativamente padroneggiata del continente opera buffa... Come è stato giustamente notato in letteratura, Atalanta (1736), Giustino (1737), Serse (1738), Deidamia (1741) nell'interpretazione del genere e dello stile operistico (piccole arie di un canto-personaggio quotidiano) sono già più vicini a Mozart che ai maestri italiani del Seicento.
Anche questa può sembrare una contraddizione. Più lo stile di Händel diventava chiaro e forte, più pienamente si incarnava in esso la qualità della monumentalità. Nel frattempo, la sua opera degli anni '30 si è evoluta piuttosto nella direzione opposta. Ciò è spiegato dal fatto che l'ulteriore sviluppo di uno stile già maturo ha richiesto nuove soluzioni di genere e si è verificato un raggruppamento di generi.

Oratori degli anni 30-40
La linea principale di Händel dalla seconda metà degli anni '30 fu l'oratorio: "La festa di Alessandro" (1736), "Saul", "Israele in Egitto" (1738-1739), "L" Allegro, il Pensieroso ed il Moderato” (1740) L'oratorio spinse l'opera in secondo piano e, alla fine, la assorbì completamente. Ma la lotta continuò, il suo fronte si allargò. Il clero si unì ora all'aristocrazia, che si era alzata sulle zampe posteriori a causa della presunta trattamento blasfemo, ma in effetti libero, delle scritture da parte del compositore.In questa lotta, la volontà di vittoria dell'artista divenne sempre più irremovibile e il suo potenziale creativo era in costante crescita.Poi tali capolavori di monumentale stile eroico e nobile civile nacquero pathos, come il “Messia” (1742), che fu accolto con entusiasmo a Dublino (Irlanda), come “Samson” (1743) e “Belshazzar” (1744). Quando un anno dopo la ribellione degli Stuart scosse l'Inghilterra e
le sue forze progressiste si radunarono per respingere il nemico che stava avanzando dalla Scozia alla capitale, il compositore amante della libertà si trovò proprio al centro di queste forze. Inno ispiratore "Stand round, my brave boys" ("Stand around, brave boys!"), oratori patriottici "In case" e "Judas Maccabee" (1746) - per la prima volta dopo le prime dell'opera del 1711-1712 e il concerto i trionfi delle prestazioni hanno conquistato tutti i circoli della società inglese e hanno fatto vincere a Handel un vero riconoscimento nazionale. Questo fu il culmine generale della sua carriera.

L'anno scorso
Il decennio successivo è stato caratterizzato da opere ancora belle e potenti. Tra questi ci sono l'innovativo saggio "Salomone", che prefigura Gluck "Alcesta", l'allegra "Musica dei fuochi d'artificio", dove le immagini luminose sono ricreate con altri mezzi, i Concerti grossi del 1739 e l'ultima revisione dell'oratorio giovanile "Trionfo di Tempo e Verità", miracolosamente eseguita già nel periodo della cecità. A ciò si devono aggiungere le quasi infinite esecuzioni concertistiche all'organo, che hanno continuato ad emozionare il pubblico con la sua grandezza, temperamento, inesauribile fantasia dell'improvvisatore e perfetta padronanza di tutte le risorse dello strumento. Händel si estinse al settantacinquesimo anno di vita il 14 aprile 1759 e fu sepolto nell'Abbazia di Westminster come il grande artista nazionale d'Inghilterra, di cui riprese la cittadinanza nel 1726. Ma non ruppe i legami con la sua prima patria e lo visitò meno di dieci anni prima della sua morte, nel 1750. Un'analisi delle sue ultime opere testimonia che, come il leggendario Anteo, sentiva il bisogno vitale di cadere ancora e ancora terra natia e bere dalle sue fonti. L'elemento tedesco rimase la parte più importante del suo stile fino alla fine dei suoi giorni.

Prima di tutto, Handel è un melodista geniale e un melodista di un tipo speciale. Lo stile della sua melodia è pienamente coerente con la natura creativa del predicatore appassionato e deciso - protestante, i cui discorsi ispirati sono rivolti a un vasto pubblico.
Le sue creazioni poetiche - oratori, opere - non solo raccontano, ma provano anche - appassionatamente, "chiaramente e distintamente". Non è un caso che lo stesso Händel una volta abbia detto: "Volevo rendere i miei ascoltatori persone migliori" ("Ich wunschte sie besser zu machen"). Nel linguaggio delle immagini musicali, ha parlato con la gente, moltissima gente. E il principale "strumento della parola" per lui era la melodia.

melos
La melodia di Handel, se parliamo delle sue caratteristiche più generali, è energica, maestosa, ha uno schema ampio, acuto, chiaro. Lei gravita più verso ritmi semplici, "allineati" e costruzioni metricamente bilanciate e chiuse con cadenze perfette disegnate a rilievo. Un'eccezione è, ovviamente, il recitativo accompagnato. Tuttavia, nonostante la completa natura organica dello stile, questa melodia si distingue per un'ampia varietà di strutture e motivi di intonazione. Troviamo in lui le "linee rette" di un rigoroso contorno di accordi, caratteristici del canto "nuovo tedesco" dell'epoca, e sontuosi schemi figurativi di tipo operistico-colaratura; onde sonore ampie, salite impetuose, avvallamenti ripidi e movimenti vincolati in un intervallo ristretto; pura diatonica - e saturazione cromatica; dolce, melodioso ad intervalli consonanti - e intonazioni nettamente tese - settimi, tritoni, concentrati nelle fasi culminanti del movimento melodico. Questa diversità di melodia non parla solo dell'ingegnosità del compositore. Rivela uno dei tratti fondamentali del suo stile: la concretezza, la visibilità plastica dell'immagine melodica, la sua capacità di riprodurre nel movimento della melodia l'aspetto di una persona, i suoi gesti, il carattere; per ricreare la situazione sul palcoscenico, i dettagli del paesaggio o anche per incarnare l'essenza di un concetto filosofico in un'immagine fittizia.
"La gente che vaga nell'oscurità": la melodia intonazionalmente tesa del tipo "avvolgente", a zigzag:
(G. F. Handel. Messia. Aria n. 11)

"Nemico sconfitto" - "Fanfara diretta verso il basso". La linea melodica si scompone plasticamente e cade in ottave, settimi, quinte: (G. F. Handel. Judas Maccabee. Chorus No. 26)

Ecco un'immagine melodica di un movimento fluttuante e scorrevole completamente diverso:
Il tempo sta dormendo; la gente la pensa così.
Ma guarda bene: è vero?
Impercettibilmente, fugacemente
Il tempo scorre veloce, scivolando via
(GF Handel. Trionfo del tempo e della verità. Aria F-dur Larghetto)

Il giardino è sonnolento prima dell'alba, i fiori si piegano sul ruscello (Rodelinda); la melodia gocciola assonnata su ripetizioni e balbetta in motivi punteggiati:
(G. F. Handel. Rodelinda. Atto III. Scena in giardino)

In tutta questa scrittura sonora melodica (a volte simbolismo sonoro) non c'è nulla di inverosimile, freddamente sofisticato o esteriormente decorativo, come di solito accadeva nell'arte del barocco. Il metodo creativo di Handel coniuga la plasticità quasi scenica dell'immagine melodica con la rivelazione del significato profondo dei fenomeni. In questo è congeniale a Monteverdi e Vivaldi. La nazionalità e la fedeltà alla verità artistica lo proteggevano dall'essere portato via dal "decoro". Le stesse origini del genere e dell'intonazione della sua melodia sono molto popolari. I suoi minuetti e siciliani, sarabande e gige risalgono al folklore - canzoni tedesche, inglesi, italiane. Come sai, si è rivolto a melodie e intonazioni popolari autentiche: grida di strada, melodie, canzoni.
L'aria-lamento di Almirena da "Rinaldo" rimane ancora una delle canzoni popolari preferite dell'Inghilterra, come, ad esempio, in Austria, "Lipa" di Schubert. Questa è la più alta gloria e felicità per un artista.

Ma la socievolezza nella musica è diversa dalla socievolezza. A volte Händel ha melodie di natura intima e reattiva, ma non dominano in lui. La sua melodia chiama più spesso dei sussurri; ordini, che implora. Ci sono quindi due lati, o tendenze, del suo metodo, sintetizzati insieme: uno è l'ampio dispiegamento della melodia con un grande respiro, la portata, la scala del suo contorno; l'altro è una combinazione melodica di brevi frasi coniate con energia, ognuna delle quali è molto pesante e nettamente delineata. Questi lati crescono insieme e interagiscono: grazie al culmine comune che unisce queste frasi, la melodia è insieme lunga e discontinua, laconica e ampia. È caratteristico che i classici russi - Glinka, Rachmaninov - apprezzassero particolarmente le melodie di Händel di questo tipo:
Aria "Darkness Around Me" di GF Handel Samson.

Sia più tardi in Beethoven che in Händel, un lato espressivo e formativo estremamente attivo della melodia è la "cornice" metrica della costruzione, nettamente delineata nel basso, e la figura ritmica ostinata che trattiene il flusso del movimento melodico. Il più delle volte ballabile nelle sue origini o motorio-dinamico, questa figura determina l'aspetto di genere della melodia e contribuisce all'emergere di quelle associazioni che danno all'immagine caratteristiche visibili.

Armonia
Beethoven ha esortato i musicisti: “Handel è il maestro incomparabile di tutti i maestri. Vai da lui e impara a creare grandi cose con mezzi così semplici! " Questo, in particolare, può essere correlato all'armonia, che completa l'immagine melodica, ne rivela la struttura modale, la colora emotivamente. È esteticamente logico che, mentre creava le sue epopee musicali, destinate a un pubblico molto vasto e mirate ai più alti obiettivi morali ed educativi, Händel non provava attrazione per armonie sofisticate, volutamente pallide o molto sottilmente sfumate. L'immersione concentrata nelle profondità psicologiche non era il suo elemento. Il lavoro con un grande tratto richiedeva colori diversi, più chiari e più chiari. In armonia, si relaziona a Bach più o meno come Beethoven a Mozart. La sua sfera armonica è molto più diatonica di quella di Bach, evita, nelle parole di Laroche, "cromatismo lussuoso e fantastico", sebbene Händel lo padroneggi perfettamente e lo applichi in occasioni speciali - il più delle volte in recitativi acutamente drammatici accompagnato e cori, in particolare , quelli in cui gli strati striscianti offuscano armonie con modulazioni enarmoniche dipingevano immagini di oscurità, nulla, morte. In questo contesto figurativo e poetico si armonizza il recitativo di Sansone alla fine della prima parte dell'oratorio:
Lasciami in pace! Perché tirare fuori la mia palpebra? La doppia oscurità presto chiuderà il tuo sguardo. La vita sta morendo, la speranza vola via e sembra che la natura stessa sia stanca di se stessa in me ... Questo monologo (qui Milton è vicino a Shakespeare) è un minuto di debolezza umana nell'eroe - con frasi brevi e brusche e un'intonazione stanca e stanca (la melodia "si trasforma in pietra" in suoni lunghi e ripetitivi) - dispiegata nel piano tonale D-fis-b-as-ge. Queste successioni si armonizzano espressivamente con la melodia e il testo.
Il capolavoro del "cromatismo fantastico" è l'ottavo coro di "Israele in Egitto" ("Egyptian Darkness"), dove il colore è ricreato in parte dal timbro, ma principalmente per via armonica: C-f-Es-C-f-Es-es-b-C -da- HeE, con modulazioni enarmoniche (deviazioni) attraverso un accordo di settima diminuita.
Tuttavia, ripetiamo, è molto più caratteristico dello stile di Handel avere armonie diatoniche elementari “visibili” nelle loro funzioni principali, tuttavia, superbamente affilate e colorate saturando il tessuto con suoni non accordi. Nella scena finale di Rodelinda (Giardino di notte), l'illuminazione morale del tiranno Grimwald è catturata nell'aria siciliana triste e ingenuamente mite:
Un pastorello, custode dei miei pascoli, Dorme spensierato nel prato sotto un alloro. Allora perché io, il potente sovrano, non conosco nel lusso della pace reale?
Musicalmente, questa scena è una delle creazioni veramente shakespeariane di Händel. L'immagine di Grimwald è vicina a Riccardo II. La melodia di Sicilian è meravigliosamente buona. Nell'immagine di un pastorello, un pastorale elegiaco si presenta allo sguardo del tiranno come luminosa antitesi di una vita diversa, migliore.

Il rimorso di coscienza lo ha tormentato a lungo, e ora la bellezza sublime e calma della natura è entrata improvvisamente nella sua anima, l'ha purificata e scossa. La musica te lo fa credere. Il suo canto è commovente e sincero, il ritmo si calma tranquillamente (Grimwald sta davvero sognando in questo momento). Nel quartetto d'archi, che accompagna la voce cantata, il movimento delle linee melodiche forma una catena di vincoli sensibili, conferendo alla musica una sfumatura malinconica inesprimibilmente gentile: GF Handel. Rodelinda. Scena di Grimwald in giardino.
Presentatori famosi di Handel - integrale componente le sue cadenze, che conferisce loro quella sfumatura di categorismo, l'orgogliosa dignità dell'intonazione, con cui si può quasi infallibilmente identificare il compositore.

Struttura. L'armonizzazione delle melodie di Handel corrisponde alla trama da lui sviluppata, che è avara, "economica" e allo stesso tempo rivela ogni intonazione, figura ritmica e successione di accordi con il massimo rilievo. Tra le sue tecniche strutturate prevalgono due voci, unisono, raddoppio d'ottava al basso, quattro voci armoniche di tipo corale tedesco. È caratteristico che anche i concerti d'organo, che sembrerebbero essere il genere più brillante a fianco, si distinguono per la loro consistenza modesta - niente di superfluo. E in questo senso Händel è anche lontano dall'estetica del barocco. È molto più vicino all'ideale di Michelangelo: “Getta la statua dalla montagna. Ciò che si stacca è superfluo". L'eccezione è, tuttavia, alcuni dei suoi cori. Qui è inesauribilmente diverso in termini di composizione dell'ensemble e modalità di presentazione. Alcuni dei cori sono "muratura" di accordi pesanti, altri galleggiano in strati leggeri e trasparenti, come creste di nuvole sonore. A volte la trama corale trova una soluzione di un piano puramente verticale (colonnato che sostiene la melodia). A volte, un ricco schema figurativo è generosamente diffuso in tutto lo spazio sonoro, e poi profonde armonie galleggiano in superficie. Ci sono cori con un tessuto intessuto di linee di contrappunto che riecheggiano imitando - voci, ci sono anche quelle puramente omofoniche. Handel dipinse cori in un grazioso piano da camera, ma amava anche i cori lussuosi, scintillanti e "tuonanti", nell'appropriata espressione di NM Karamzin sul "Messia".
Nello stile corale di Händel, la magnifica sintesi e l'equilibrio a cui ha condotto, contemporaneamente a Bach, l'omofonia e la polifonia della scrittura libera, sono stati particolarmente ampiamente e chiaramente incarnati. Tuttavia, il suo principio omofonico-armonico si manifesta più efficacemente nel tematismo e nella trama, ed è piuttosto questo principio che domina nella sua musica. Questo è abbastanza naturale per un compositore che si è formato sull'opera, con una spiccata teatralità come principio di creatività e struttura immaginativa. Händel l'omofonista si erge sul sentiero che porta dai maestri italiani del XVII - inizi del XVIII secolo a Classici viennesi... V generi strumentali concerto, ouverture, vecchia sonata, nell'interpretazione della forma di rappresaglia a due voci, è ancora molto vicino ai precedenti modelli tedeschi, italiani, francesi (Corelli, Vivaldi, Alessandro Scarlatti). Ma rivolgiti agli oratori, ai loro cori - e lì ascolterai temi omofonico-armonico di un nuovo tipo, con una nuova struttura, espressività e contrasti interiori: G. F. Handel. Israele in Egitto. Coro n. 12 Grave e staccato
Questa costruzione di 8 battute rappresenta un periodo modulante (C-dur-g-moll) estremamente dinamico nello schema a-in-a1-b1, probabilmente concepito in connessione poetica ed espressiva con le parole del testo: E ordinò il mare profondo, e subito si prosciugò. Ciascuna delle due frasi di 4 battute è una simmetria di due frasi di uguale volume. Il primo (coro a otto voci e orchestra tutti fortissimo) simboleggia un inizio attivo e imperativo. Sonorità potente, armonia chiusa (maggiore), intonazione brusca ("pausa acuta" dopo il primo accordo). In questo contesto, anche una cadenza così ordinaria e imperfetta acquista un'espressione speciale (in attesa di una risposta). Entrambe le frasi di risposta sono in netto contrasto con le precedenti: contengono un simbolo sonoro dell'elemento rassegnato. Pertanto, tutta la loro struttura dell'intonazione è passiva, affoga, si annulla: il coro a cappella sulla sonorità del pianoforte, un netto restringimento della gamma e degli intervalli, nell'armonia c'è una deviazione in minore, e nella frase finale del periodo - una cadenza perfetta completa in sol minore. L'insieme crea l'effetto di "evaporazione", o coagulazione, dell'immagine. Così, il periodo tematico contiene un "doppio contrasto" di principi attivi e passivi. Se qui divaghiamo dal testo verbale, allora la musica è già vicina allo stile di Beethoven.
Secondo i principi dello sviluppo tematico, Handel è il finalizzatore delle acquisizioni del XVII e dell'inizio del XVIII secolo. Ma il tema stesso, in particolare il tema eroico del nuovo magazzino omofonico-armonico e dei contenuti figurativi-contrastanti, è frutto delle lunghe ricerche del maestro, grande acquisizione del suo genio e dell'intera cultura musicale europea dell'inizio della modernità volte. Sta guardando verso la fine della sua età.

Polifonia. La polifonia del XVII secolo per la prima volta violò ampiamente le norme di uno stile rigoroso, creando nuovi temi, nuovi principi di combinazione contrappuntistica di voci, una nuova base armonica, formazione della forma e catturò tutto questo ritrovato - in una fuga. Tuttavia, le fughe di Frescobaldi, Alessandro Scarlatti, Corelli, Pachelbel furono primi audaci esperimenti, innovativi "sfondamenti" nella polifonia di domani. Händel, insieme a Bach, lo ha brillantemente confermato domani. Ciò che era una scoperta, una scoperta e talvolta una ricerca nel loro lavoro, divenne la nuova norma della scrittura polifonica.

Nelle numerose fughe di Handel - strumentali e soprattutto corali - lo svolgersi lineare del melo, il contrappunto e la realizzazione delle leggi armoniche della musica si fondono in uno. Fu in questa sintesi che ulteriormente passo importante dopo Frescobaldi e Buchstehude. Händel, facendo leva sull'esperienza dei predecessori tedeschi e italiani, "armava" innanzitutto intonativamente e strutturalmente il suo tema per il successivo sviluppo polifonico, ne arricchì le possibilità armoniche e ne acuì i contrasti interni: intonazioni, direzioni di movimento melodico, figure ritmiche. Ciò ha portato a una concretizzazione espressiva e semantica del tema, e talvolta ha perseguito un obiettivo pittorico: evocare associazioni visivo-figurative. Il quarto coro dell'oratorio "Israele" è un'incarnazione pittorica di una delle "esecuzioni egiziane": l'acqua si è trasformata in sangue, la gente non può berla, è sfinita dalla sete. Il tema stravagante e pungente della fuga disegna qualcosa di terribile, insolito.
La figura di controparte morbida e fluida rimuove momentaneamente questa visione, quindi riappare in risposta tonale attraverso il contorno arrotondato della sequenza discendente. Non c'è solo il contrasto del rilievo e dello sfondo dell'immagine o l'abile tecnica del raggruppamento ritmico. Il compositore ottiene un effetto psicologico: stai cercando di scacciare il terribile, di allontanarti da esso - ti segue alle calcagna. In combinazione con il testo, questo crea un effetto quasi teatrale.

I maestri dello stile rigoroso si sono avvicinati solo occasionalmente a tecniche simili (ad esempio Palestrina) e, naturalmente, non in un contesto così figurativo e semantico. L'innovazione del polifonista Händel risiede non solo nella tematizzazione delle sue numerose fughe, ma anche in un nuovo tipo di sviluppo polifonico. Prendendo come esempio Buchstehude, vedremmo quanto le leggi armoniche di questa forma non siano state ancora da lui difese. Händel non creò il principio in quarto-quinto come principio armonico fondamentale della fuga: i veneziani lo sapevano. Ma è merito di Händel che ha consolidato questo principio e gli ha dato il significato dell'universale. Le sue esposizioni, dispiegate in termini di opposizione tonico-dominante, irradiano un'energia tremenda. Sono pieni di vita e di movimento. Parallelamente a Bach, “ricostruì” la parte mediana della fuga, il suo sviluppo e le diede armonicamente quel piano mobile e “disperso”, che costituiva l'antitesi artistica dello schema strettamente costruttivo dell'esposizione. È vero, qui non ha raggiunto la ricchezza bachiana della frammentazione motivazionale, delle deviazioni in tonalità lontane e dell'ingegno nell'applicazione delle tecniche di un contrappunto mobile orizzontalmente e doppiamente mobile (conduzione diritta).
In generale, va notato che la polifonia di Bach è più lineare, il suo sviluppo dinamico è diretto principalmente lungo il movimento orizzontale del flusso sonoro delle sue voci. In Handel, con tutta la ricchezza della melodia, tutto il lato armonico della polifonia è espresso più attivamente che in Bach, le sue costruzioni polifoniche si basano più ampiamente e più intensamente sulla verticale dell'accordo. A parità di altre condizioni, è sempre più omofonico di Bach e in questo senso è più vicino alla seconda metà del XVIII e persino al XIX secolo. Aggiungiamo che, cedendo a Bach nell'espressione lirica e nella profonda concentrazione di immagini, a volte lo superava nella magnifica qualità dell'immagine della sua polifonia, nella sua potenza sonora, nella ricchezza delle combinazioni timbriche e dei contrasti (coro, orchestra). Queste qualità sono particolarmente ampiamente rivelate nella doppia (due-oscura) fuga di Händel. Lì, la sua arte della polifonia contrastante del piano teatrale non aveva eguali.
È difficile negare che nel campo della figurazione ritmica - la sua congestione e rarefazione, nei raggruppamenti ritmici e nelle loro combinazioni - Bach fosse più ricco, più inventivo, diremmo, più sofisticato di Händel, che preferiva formule ritmiche più orecchiabili, univoche . Händel era invece più propenso alla libera variazione delle conduzioni tematiche, ai troncamenti tematici e alla mescolanza di strati di registro di tessuto in voci incrociate. È possibile che questa diversità abbia stimolato meno la sua attività negli intermezzi: non sono così contrastanti, sfaccettati e ricchi come quelli di Bach. Apparentemente, non aveva bisogno di tali tipi e qualità.

In una lettera a uno dei suoi amici, MI Glinka scrisse: "Per il concerto (musica): Händel, Händel e Händel". Queste parole non solo contengono un'alta valutazione, ma definiscono anche una delle qualità più brillanti nell'opera del grande compositore tedesco. L'eccezionale talento esecutivo virtuoso di Handel, in particolare come solista all'organo e al clavicembalo, si rifletteva qui.

Il suo stile di suonare il clavicembalo, a quanto pare, si distingueva per forza, brillantezza, pathos, densità del suono, che erano considerati irraggiungibili su questo strumento prima di lui. Evitò l'asciutta durezza del colpo. Il famoso musicologo inglese Charles Burney, che ascoltava Händel nei concerti, dice: "Le sue dita erano così piegate mentre suonava e così poco separate l'una dall'altra che era impossibile notare i movimenti della mano e in parte anche delle dita". Questo posizionamento della mano è naturalmente associato al gioco morbido, anche, probabilmente, se possibile, coerente. Lo stile di esecuzione dell'organo era dominato da solennità festosa, pienezza, contrasti di chiaroscuro, temperamento enorme e cadenze improvvisate, combinati con intelligenza e sicurezza incomparabili, come dice un altro testimone oculare.
Qui interessa e l'importanza suprema, che in quell'epoca acquisì il concerto, come principio democratico dell'arte del festoso, elegante, emozionante, destinato a un pubblico molto vasto. In Händel, il concertismo come tratto di stile si oppone in modo dimostrativo all'aristocrazia leziosa e fragile, all'austera affettazione dell'arte di corte o alla puritana rinuncia ecclesiastica-religiosa all'allegria e alla bellezza decorativa del suono. Non è un caso che tra tutto il patrimonio strumentale del maestro, siano i concerti - solista e grossolano, e le suite da concerto orchestrale di un piano festoso e di intrattenimento ad aver conservato il posto più ampio e duraturo.
Nel lavoro al clavicembalo di Handel, le forme polifoniche non sono diventate la linea di genere principale, come il "clavicembalo ben temperato" di JS Bach. Il posto centrale qui era occupato dalla sua suite omofonica (Lezione di inglese). Le suite per clavicembalo di Handel sono state pubblicate in tre raccolte che hanno coinciso con il periodo di massimo splendore della sua creatività operistica(20-30 anni). Tuttavia, alcune di queste 19 opere furono probabilmente scritte anche prima.
La prima raccolta, pubblicata nel 1720, è valutata con polemiche. Durante lo studio di queste opere, alcuni musicologi (M. Seifert, O. Fleischer, K. Krysander e altri) si sono indebitamente concentrati sulla ricerca di influenze straniere, in particolare italiane, che qui hanno interessato. Questi piccoli cicli di Händel in quattro, cinque o sei parti sono infatti costruiti in parte in modo italiano. Le tradizionali allemande, rintocchi, sarabande e gighe vengono sostituite nell'alternanza di movimenti contrastanti, dimensioni e figure ritmiche che plasticamente si esaltano o si completano a vicenda. Qui vengono catturate anche immagini tipiche, principalmente di un piano poetico e quotidiano, e le parti lente melodiose si collocano compositivamente al centro del ciclo come suo culmine lirico.

Eppure, dalla partita italiana al clavicembalo come la famosa "Frescobalda" o dai brani per il solo Pasquini, le suite di Scarlatti - Händel differiscono estremamente nello stile. Ma a ragione indicano la loro successiva connessione con lo stile dei maestri tedeschi del XVII - inizi del XVIII secolo: Froberger, Kerl, Fischer, Krieger, Pachelbel, Muffat, Kuhnau.

Fondamentalmente, la suite Clavier di Handel è una suite tedesca. La sua struttura e composizione sono molto individuali: oltre ai soliti pezzi di danza, contiene preludi, fughe, ouverture, variazioni. Dal punto di vista tematico sono molto significativi, e vi troviamo pezzi scritti non solo con brillantezza concertistica, su larga scala e in un piano dinamico (un'aria con variazioni nella suite in mi maggiore), ma anche cose di grande espressione e serietà di progettazione. Tale è la Sarabanda con variazioni nella suite in re minore e, in particolare, la Passacaglia in sol minore - un'immagine di alto pathos, quasi incompatibile con i confini del suono del clavicembalo, che prefigura Beethoven in alcune caratteristiche. Ma dove Handel include una fuga nella suite, è lei che diventa l'opera principale del ciclo, la più significativa nel contenuto figurativo, la più efficace, impulsiva nello sviluppo del materiale tematico. La trama delle suite è brillante, varia e
la massiccia ciaccona in sol maggiore è giustamente considerata un'intera enciclopedia della tecnica del clavicembalo; è diretto verso le capacità dinamicamente promettenti dello strumento.

Le opere di Händel per ensemble da camera sono divise in due grandi gruppi a seconda del tempo di creazione e dello stile. Una sono le composizioni giovanili, dove la personalità del compositore non è stata ancora determinata; non li elencheremo qui. Notiamo solo che fin dalla sua adolescenza, Händel ha mostrato interesse per gli strumenti a fiato. Troviamo già qui sonate per due oboi e basso continuo, per flauto e basso continuo. Un altro gruppo è costituito da composizioni abbastanza mature e magistrali scritte a Londra negli anni '30 e nei primi anni '40. Questo include principalmente 15 sonate solistiche, op. 1 (per lo più nella forma del vecchio ciclo in quattro parti da chiesa 2) per violino o flauto, o oboe - e basso continuo. Circa la metà delle opere di questa raccolta costituisce ormai parte integrante del repertorio pedagogico violinistico. Scritti in un magazzino in due parti, che Handel amava immensamente, hanno subito un ammodernamento ingiustificato nelle edizioni successive.
Non si può non riconoscere in questa prima opera la forte influenza di Corelli (Sonate solistiche, op. 5).
Più organiche per lo stile individuale di Händel sono le trisonate per due violini (o oboi, o flauti) e il basso continuo, pubblicate in due raccolte: op. 2 (9 sonate) e op. 5 (7 sonate). Le sonate della seconda opera sono quasi tutte scritte in un magazzino in tre parti e in uno schema da chiesa in quattro parti. Nella quinta opera predominano i cicli di suite da ballo. Tematicamente, le trio sonate sono ampiamente associate alle opere e agli oratori di quegli anni. Soprattutto la seconda opera è ricca di melodie melodiose plastico-espressive: GF Handel. Trio Sonata n. 8, Larghetto.
Nonostante tutto il suo merito artistico, la sonata non divenne per Händel, anche in ambito puramente strumentale, il centro di genere che avevano Corelli o Domenico Scarlatti: il concerto ne prese il posto centrale.

Handel e Johann Sebastian Bach furono i più grandi organisti del loro tempo. A quanto detto sullo stile esecutivo virtuosistico di Händel, va aggiunto che era solito recitare nella sala del teatro di Covent Garden, improvvisando negli intervalli, tra l'esecuzione delle singole parti dei suoi oratori. Queste improvvisazioni, brillanti, capricciose, intelligibili, riscossero un grande successo presso il grande pubblico. “Quando Händel iniziò a suonare”, testimonia Gaukins, “regnava il silenzio, tutti sedevano con il fiato sospeso e la vita stessa sembrava congelarsi”. 4 (1738) e 7 (postumo, nel 1760), sei concerti ciascuno.
Parlando della festività di questo genere in Händel, bisogna proteggersi dallo schematismo: difficilmente sarebbe corretto definire monumentale lo stile dei concerti d'organo. Più precisamente, caratterizzalo come energico, vivace, allegro, con melodie ben delineate, contrasti luminosi e un'abbondanza di ritmi di danza. Nella sua esauriente e preziosa monografia "Georg Friedrich Handel", Walter Sigmund-Schulze ci ricorda che

Covent Garden aveva solo un organo positivo, che offriva all'esecutore modeste opportunità. D'altra parte, è naturale supporre che, quando si mette in scena un oratorio monumentale, gli intervalli siano stati volutamente riempiti con musica più leggera, più fluida, divertissement, che donasse all'ascoltatore un po' di relax. Non va inoltre dimenticato che i concerti di Händel sono stati scritti per organo con un solo manuale (tastiera). Per quanto riguarda la trama, possiamo giudicarla solo molto provvisoriamente, poiché la parte solista è stata improvvisata dal concertista, e il testo musicale scritto spesso costituisce piuttosto solo un diagramma o un contorno per il tessuto musicale, come avrebbe dovuto suonare nell'interpretazione dell'autore.

Quindi, davanti a noi non ci sono grandiosi gruppi scultorei, ma piuttosto luminosi "pannelli musicali" del XVIII secolo, che soddisfano l'orecchio con la loro bellezza e non richiedono nulla di più alto dal pubblico. Compositivamente, il concerto d'organo è un ciclo di tre o quattro parti con contrasti ravvicinati: I. Solenne Largo; II. Allegro energetico; III. Andante lirico; IV. Allegro-finale, legato al genere più con la musica di tutti i giorni, indirettamente con la danza. Un'altra sequenza: I. Allegro energetico; II. Andante lirico; III. Breve introduzione al tipo Adagio; IV. L'Allegro finale del piano solenne e inno. Terza Sequenza: I. Solenne Largo (Larghetto); II. Allegro energetico; III. Genere-lirico Andante con variazioni.
Il primo Largo è un'impressionante introduzione al ciclo. Il primo Allegro - fuga o magazzino omofonico-figurativo - contiene un'immagine più attiva in termini di sviluppo tematico. Questa è una specie di nucleo di una grande composizione. Lyric Andante rivela il regno dei sentimenti e dei motivi soggettivi. I secondi Allegro (finali) sono molto diversi nel loro ruolo nei cicli concertistici: a volte è il climax-apoteosi finale, a volte è un genere, a volte è una danza.

Ci sono anche altri tipi di connessioni e relazioni cicliche nella quarta opera.
Concerti op. 7 sono più diversi nel genere: qui compaiono le caratteristiche della suite - passacaglia e burré nel Primo Concerto, il minuetto nel Terzo, e nel Quinto - la ciaccona, il minuetto e la gavotta. Seguendo il percorso di Frescobaldi, Händel andò molto oltre - approvò finalmente l'organo come strumento completamente laico - in termini di forme di fare musica, stile esecutivo, generi e contenuto figurativo della letteratura organistica. Questa è stata una grande conquista della musica democratica.
L'apice della creatività strumentale di Händel sono i suoi Concerti grossi. Insieme a sei concerti brandeburghesi di J. S. Bach e innumerevoli creazioni di Vivaldi - “ Grandi concerti»Handel appartiene ai grandi tesori musica orchestrale XVIII secolo. Sono racchiusi in due opus. Prima - op. 3 (1734) - sei cosiddetti "Concerti per oboe". Questo nome è estremamente impreciso: gli oboi (come flauti, fagotti) appaiono qui come strumenti che raddoppiano le parti degli archi. Inoltre, sono state trovate voci di oboe per concerti della sesta opera, che in precedenza erano considerati puramente archi nella composizione.

Operazione. 6 comprende dodici Concerti grossi, pubblicati nel 1739. Per quanto riguarda l'interpretazione del genere, Händel è qui più vicino a Corelli. Rispetto ai concerti d'organo, i concerti orchestrali sono più semplici, più rigorosi nella melodia e nella trama, più laconici nella composizione. E qui le parti (o episodi) “sviluppanti” dell'Allegro sono ricche di frammentazione motivazionale e lavoro di modulazione, aprendo la strada a una classica sonata-sinfonia di tipo mannheimiano o viennese.
Nelle contrastanti alternanze di concertino e tutti, si sono realizzati strati di un magazzino omofonico e finto-polifonico, magnifici effetti di chiaroscuro, o una sorta di pulsazione ritmica del tessuto orchestrale. Va tenuto presente che i Concerti grossi sono ancora prevalentemente omofonici in termini di musica. Anche la composizione dell'orchestra è vicina a Corelli, seppur rafforzata da ripieni 2 in grosso, da strumenti a fiato - secondo la tradizione tedesca - in concertino. La struttura del ciclo di concerti di Handel è varia. Ci sono concerti a due, tre, quattro, cinque, sei parti. Alcuni (ad esempio op. 6 n. 7, si maggiore) hanno i tratti di una vecchia sonata ciclica: altri (ad esempio op. 6 n. 9 con minuetto e giga) sono più vicini alla suite. Le parti del ciclo sono in rilievo giustapposte tra loro o in contrasto tra loro. A Handel piace sovrapporre uno schema di sonata o ouverture con numeri di suite separati: danza o canto. Operazione. 6 n. 8, do minore, si apre con allemand. Nel n. 6 g-moll - l'intermezzo pastorale "Musette" è vicino all'Angelus "e al concerto di Natale di Corelli. Il quinto concerto in re maggiore" della stessa opera piace con un accentuato minuetto quotidiano, "pre-Haydn", come se umoristicamente saltato attraverso la "lente d'ingrandimento del tempo" (Un poco larghetto). Al concerto in e-moll, op. 6 n. 3, è stata introdotta una brillante polacca secondo la tradizione sassone-Turingia. In d-moll, la decima della stessa opera, l'ouverture e l'aria francesi enfatizzano le connessioni operistiche dei Concerti grossi, e sono ampie: temi ari (nelle parti lente liriche), temi di ouverture (in apertura Grave, Largo) suonano Inoltre, Händel introdusse direttamente i numeri d'opera nei Concerti grossi (ad esempio, l'ouverture di Amadis di Gallico al Quarto Concerto per oboe), e alcune parti dei concerti nelle opere (ad esempio, lo spartito di Otto). Lo ha fatto perché la teatralità plastica del suo tematismo disponeva naturalmente a questi "trapianti" musicali.

Ogni concerto è caratterizzato da speciali connessioni di genere, uno speciale aspetto figurativo-poetico e un tono emotivo dell'affermazione.
Il concerto è basato su Fa maggiore, op. 6 № 2, - pastorale di genere ripensato: GF Handel. Andante dal Concerto grosso op.6 n.2
È difficile non ascoltare il precursore della "Pathetique Sonata" di Beethoven nel Largo dell'eroico "concerto in h-minore", op. 6 n. 12: GF Handel. Concerto grosso op. 6 n. 12
Questo aspetto dominante, o il tono del ciclo, è solitamente sfumato, a volte drammaticamente approfondito dal fenomeno delle immagini di un piano contrastante. Nel celebre concerto in sol minore op.6, dopo il malinconico Larghetto e la cupa, “spinosa” fuga, c'è un pastorale solare e tenero, e in mezzo alle immagini solennemente cupe del concerto in do minore (n. 8) - la più bella per iscritto, Mozart - lirica siciliana.
Nonostante tutta la severità classica e, di regola, la moderazione della scrittura, i Concerti grossi ottennero rapidamente un'immensa popolarità tra il grande pubblico, specialmente in Inghilterra e Germania. Durante la vita di Handel, venivano spesso suonati nei parchi di Londra.

In nessun'altra area della musica strumentale Händel era così democratico e perspicace come nei "generi plein air" da lui creati. In essi, ha particolarmente concentrato e sensibilmente generalizzato le caratteristiche e le intonazioni del genere che esistevano nella vita quotidiana delle persone del suo tempo. Queste opere dimostrano quel genere di generosità e reattività anche alle richieste più modeste di ampi circoli sociali, che è sempre stato un tratto caratteristico dei grandi classici dell'arte musicale. Questa è musica leggera e divertente in il miglior senso le parole. Naturalmente, lo stesso modo di vivere musicale in Inghilterra dopo la rivoluzione borghese - un modo più democratico, aperto, socievole -, a sua volta, ha contribuito alla nascita di queste opere.
I generi plein air di Handel includono i suoi doppi concerti. Uno di questi - in fa maggiore, composto negli anni '40 (più precisamente, l'ora non è stata stabilita), è una suite a nove voci con un'imponente passacaglia al centro dell'intera composizione. Il concerto è destinato a una grande orchestra composta da un ensemble d'archi e due gruppi di ottoni. È musica pubblica divertente, accogliente ed energica. Un altro doppio concerto B-dur in sette movimenti, creato da Händel intorno al 1750, è concepito in modo interessante ed eseguito magistralmente. È notevole per il suo culmine - un nuovo arrangiamento orchestrale del maestoso primo coro dell'oratorio "Messia" - "Perché lo splendore si avvererà" (Derm die Herrlichkeit). Fino ad oggi, "Water Music" è un successo immutabile tra il grande pubblico composto da Händel, probabilmente intorno al 1715-1717 per il festoso corteo reale sul Tamigi, ma indirizzato con le sue immagini e il suo discorso musicale non tanto alla corte quanto alle grandi masse della popolazione. Questa è una serenata orchestrale, o una suite di divertissement per archi, fiati e clavicembalo - da oltre venti piccoli pezzi. Tra di loro ci sono danze allegre e graziosamente finite - burrés, minuetti, tradizionale cornamusa inglese1; ci sono anche numeri di canzoni sensibili dello stile folk (Adagio). Tutto è preceduto da una solenne ouverture, e le singole parti sono incorniciate da brillanti rotoli di fanfara di trombe e corni. L'attività degli strumenti a fiato è caratteristica in "Musica sull'acqua". Flauto, ottavino, oboe, fagotto, corno francese sono assoli. Dal 1740, la "Musica dell'acqua" è stata ampiamente inserita nei programmi dei concerti in giardino e poi accademici.
La suite Firework Music è ancora più grande e dettagliata, destinata a una grande celebrazione a Green Park il 27 aprile 1749, in occasione della fine della guerra di successione austriaca e della conclusione della pace ad Aquisgrana, in Germania. Su larga scala, è più modesto di "Music on the Water", progettato specificamente per un suono di lunga durata. Ci sono sei parti in Fireworks: ouverture festiva in ritmo di marcia, burra, programma Largo alia siciliana (Pace), programma Allegro (Gioia) e due minuetti. Questo pezzo su un tema politico contemporaneo è forse il più decorativo dell'opera strumentale di Händel; non per niente i singoli pezzi sono stati eseguiti durante vari spettacoli pirotecnici e la musica è stata accompagnata da colpi di cannone. banda di ottoni composto da 24 oboi, 12 fagotti, 9 corni, 9 trombe (tutte divise per parti) e 3 timpani. Successivamente, Händel introdusse un gruppo d'archi nell'orchestra dei fuochi d'artificio, e poi l'ensemble crebbe fino a quasi un centinaio di strumenti. È stato qualcosa di completamente inedito e ha portato grande fama al compositore, nonostante la celebrazione a Green Park sia stata offuscata dal disastro e dal panico: un tempio allegorico eretto nel parco è crollato, incendiato dai fuochi d'artificio.

Le quattro opere principali qui nominate non erano le uniche in questo genere. Si potrebbero nominare altre ouverture e danze “sinfoniche” più piccole, come la “Hornpipe” nazionale composta per il concerto di Voxhall” e altre.
La creatività strumentale di Handel rifletteva la sua epoca, il suo paese e i suoi contemporanei. Per la sua natura artistica potente e democratica, fu un vero servizio alla sua arte. Ma ha creato incomparabilmente di più nei generi vocali e strumentali.

È difficile essere d'accordo con Romain Rolland, che afferma che Händel, "non importa quanto lontano sia andato lungo tutti i percorsi di sviluppo dell'opera, non ha ancora aperto un nuovo percorso". Händel ha scoperto nuovi percorsi e lungo questi percorsi si sono mossi in direzioni diverse. Gluck solo tre anni dopo, Mozart - vent'anni dopo la morte dell'autore di "Tamerlano" e "Deidamia". È innegabile, però, che riforma dell'opera Händel non è stato portato alla fine da lui: nel suo periodo migliore, è passato a una linea di genere diversa e, cosa più importante, negli anni '30 i tempi per una riforma completa non erano ancora maturi.

Generi, trame.
Le opere di Handel sono diverse per genere e design tematico. Ha scritto opere storiche (la migliore è Giulio Cesare), opere fiabesche (la migliore è Alcina), opere basate su trame della mitologia antica (ad esempio Arianna) o l'epopea cavalleresca medievale (il magnifico Orlando). Il suo percorso operistico era irregolare: c'erano potenti e coraggiosi aumenti su di esso, ma a volte venivano create opere più ordinarie dello stile della serie livellata. L'opera di Händel era più lontana dalla vita, più condizionata di un oratorio o di un concerto. I gusti di corte, lo splendore del barocco, l'influenza della routine, a volte anche i motivi leali (ad esempio, in "Riccardo I") la colpirono. I suoi personaggi sono tutti gli stessi monarchi, capi militari, conquistatori, maghe, cavalieri del Medioevo. Il popolo, salvo rare eccezioni (ad esempio in "Giulia Cesare"), non solo tace, ma anche assente. Eppure il principale
una tendenza innovativa è stata definita con assoluta chiarezza.

Idee. Il compositore gravitava chiaramente verso temi significativi e caratteri forti, la musica li illuminava con la luce di idee elevate. In Admet, questa è l'idea dell'eroico sacrificio di sé, e in questo senso è il diretto predecessore dell'Alceste di Gluck, scritta quasi quarant'anni dopo. Tamerlano e Rodelinda condannano inequivocabilmente la tirannia. In "Radamisto" la fine della tragedia è portata da una rivolta che rovescia il re armeno Tiridate. L'eroe di "Arianna" Teseo agisce come il liberatore dei giovani e delle ragazze ateniesi ridotti in schiavitù dal re cretese e destinati alla preda del mostro sanguinario Minotauro. Non Handel, ma gli antichi greci hanno creato questo mito, nascondendo un piano amante della libertà. Ma Handel e il suo librettista Francis Colman non lo hanno scelto a caso. "Arianna" è stata scritta poco prima di "Israele in Egitto", che aveva già esposto direttamente e apertamente la schiavitù.

Conflitto. Queste idee nobili determinarono le tendenze ei motivi contrastanti dell'opera di Händel. Quasi ovunque sul palco ci sono schieramenti contrapposti: egiziani e romani in (Cesare, greci e indiani a Por, armeni e traci a Radamisto, le forze del bene e del male ad Alcina o Amadis della Gallia. Ma e nel mondo spirituale del eroi si svolgono conflitti violenti. In Cleopatra, questo è l'antagonismo della regina d'Egitto e la donna che si innamorò dell'arrogante romano - il conquistatore del suo paese. La regina dei Longobardi di Rodelinda ha un conflitto d'amore materno e il dovere di fedeltà al marito e alla patria (matrimonio disonorevole o omicidio del figlio prediletto) la famosa opera-leggenda storica "Por" (1731) su libretto di Metastasio - Alessandro Magno è presentata come un eroe che alternativamente si trasforma in un severo conquistatore, poi in un umano e illuminato marito dello stato. "Nathan il Saggio") e Mozart (Pasha in "Rapimento dal serraglio"). Nell'opera "armeno" di Händel "Radamisto", Tsarevich Tigran esita tra il crudele decreti mio padre comandante e ardente simpatia per il coraggio degli avversari traci.
Si potrebbe obiettare che tali conflitti di per sé non sono così nuovi in ​​Händel; che si erano incontrati più di una volta nell'opera seria italiana ("Mitridate Eupator" di Al. Scarlatti) o nella tragedia lirica francese. Questo è davvero il caso. Ma era Handel che aveva conflitti e. contraddizioni di questo tipo trovarono per la prima volta un'incarnazione musicale senza precedenti, ampia e forte.

In un'altra occasione si è già detto della magnifica scena "shakespeariana" del tiranno Grimwald nel terzo atto di "Rodelinda". È vero, non si può dire che Händel abbia evitato del tutto la "maschera" operistica; anche la convenzione era caratteristica di lui. Ma spesso il compito dell'incarnazione artistica, più sottile, differenziata, lo trascinava, e su questa strada ottenne risultati notevoli. Secondo i ristretti concetti di quel tempo, l'errore di calcolo dell'artista avrebbe potuto suonare una melodia ampia, nobile e sincera nell'aria d'amore in sol minore di Tamerlano. Tuttavia, sarebbe più corretto presumere il contrario: incarnando l'immagine di un eroe, sfrenato nei suoi impulsi, il compositore non voleva affatto privarlo delle sue caratteristiche umane, e la musica a volte riscalda il suo aspetto, ancora più acutamente dispotismo sfumato.

Forme vocali
La linea vocale dell'opera di Händel è spesso, come negli oratori, uno stile alquanto strumentale - non solo aggraziato, plastico, brillante nel suono, ma emotivamente naturale: rivela l'immagine dell'eroe, il suo stato d'animo e, inoltre, , in questa posizione scenica. Nelle sue migliori creazioni, Händel ha superato lo schematismo che spesso peccano nelle arie d'opera italiane di tipo seria. Ha lottato per la vera incarnazione della vita, delle persone, delle loro passioni e sentimenti in varie combinazioni, piani dinamici, e spesso ci è riuscito splendidamente. Arie adiacenti della stessa scena operistica di solito contrastano tra loro; lo hanno fatto sia Monteverdi che Alessandro Scarlatti. Ma Händel porta anche un inizio fresco e luminoso di contrasto all'aria di da capo, che ancora preferiva ad altre forme operistiche.

La forma operistica, che perfezionò e avanzò molto avanti, era anche il recitativo accompagnato. Nelle opere del periodo inglese, il ruolo drammatico e l'espressività dei suoi recitativi possono essere paragonati solo a quelli di Purcell, e i campioni italiani sono rimasti indietro. Il recitativo di Händel, flessibile, intonazionalmente pieno, che suona sull'accompagnamento armoniosamente ricco, spesso pittorico e figurativo dell'orchestra, cessa di essere una narrazione di eventi che non possono o sono scomodi da mostrare in scena. Al contrario, i recitativi recitano gli eventi e, per di più, nel culmine del dramma.

Scene "Fusione"
Sforzandosi di drammatizzare il recitativo, all'armonia artistica della musica e dell'azione scenica, Händel in molti casi giunge a un metodo innovativo, che fu poi ereditato e sviluppato da Gluck e Mozart nelle loro opere riformiste: alla fusione compositiva di recitativo e aria in una scena drammatica di continuo, continuo sviluppo. Così è stata scritta la scena del mare di Giulio Cesare. Innanzitutto, l'introduzione orchestrale disegna l'immagine delle onde che si infrangono, quindi il monologo dell'eroe si apre con il recitativo accompagnato. Il recitativo si fonde nell'aria, accompagnato dalla musica delle onde nell'orchestra, e nel mezzo della sua forma a tre voci (da capo) riappare il recitativo. Secondo il principio dell'"azione end-to-end sulla musica", una scena ampia e drammaticamente drammatica della morte di Bayazet in "Tamerlane" è stata risolta: il recitativo secco va in accompagnato, seguito dall'arioso dell'eroe, dopo di che un altro accompagnatore termina con un climax lirico - la canzone d'addio del morente, e il tempestoso Presto annuncia una svolta - la confusione dei sentimenti e il pentimento del formidabile Tatar Khan. Scene "continue", o "attraverso", culminanti di alto tono drammatico si trovano anche in altre opere di Händel - in Orlando (scena di follia), Arianna (Teseo nel labirinto, il suo singolare combattimento con il Minotauro), Rodelinda, Admete ” ,“ Deidamia ”(fusione di arie e arioso con secco - recitativo nella seconda immagine dell'opera).
È un errore pensare che Händel non abbia fatto altro che scrivere "opere di situazioni" sul modello italiano. In effetti, le sue opere operistiche del periodo amburghese e italiano furono scritte in questo modo. In "Almira" (1705) ci sono una cinquantina di arie, ma non rivelano coerentemente i caratteri degli eroi. Ovviamente, quindi il giovane compositore non si è posto un compito così artistico. Tuttavia, sarebbe sbagliato estendere questa valutazione a tutta l'opera operistica del nostro maestro. In alcune delle sue migliori opere degli anni '20 e '30, Händel non solo aspirava consapevolmente a questo obiettivo, ma lo raggiungeva in un modo davvero innovativo: le immagini dei suoi eroi cambiano, trasformandosi in nuovi lati prima non rivelati su grandi linee dinamiche di sviluppo che a volte si estende a tutta l'opera.

Duetti, ensemble.

Händel era meno generoso e inventivo nei duetti e negli ensemble, sebbene avesse ottenuto risultati notevoli in queste forme operistiche. Buoni sono i suoi duetti-conflitti, scontri di antagonisti, in cui ogni gioco è disegnato e suona completamente individuale, "al contrario di". Così sono scritti i duetti di Rinaldo e Armida, Amadis e Melissa, Arianna e Teseo (va a battaglia con il Minotauro, lei cerca di trattenerlo; lui, fiducioso nelle sue capacità, canta un'ampia melodia, anche lei si oppone a lui con brevi ed espressive osservazioni). Ma Händel è magnifico anche nei duetti consenzienti, specialmente quelli che interpretano il ruolo di climax lirico. Per loro creò alcune delle sue melodie più belle (ad esempio, il duetto finale di Rodelinda e Bertarich nel secondo atto dell'opera, e altri).

Coro.
Ensemble - terzine, quartetti sono meno comuni; ma ancor più rari sono i cori. Soprattutto rispetto agli oratori, l'opera rivela qui i limiti delle sue risorse, forme e persino il concetto stesso: di regola, non c'è immagine delle persone in essa .. Tuttavia, dove Händel si è rivolto al coro, ha attaccato esso ad un significato drammatico più attivo di Lullio o dei maestri della scuola romana. Così, in Julia Caesar, il coro del popolo, inquadrando l'opera, ricrea il quadro generale eventi storici e, allo stesso tempo, partecipa direttamente all'azione (il trionfo dell'eroe). I cori dei marinai in Justin e dei cacciatori in Deidamia sono vicini al dramma di Purcell. Il famoso coro finale "Tamerlano" è un canto funebre per il defunto Bayazet, ma allo stesso tempo è anche un inno di riconciliazione, incarnando una grande risoluzione del tragico conflitto. Le soluzioni specifiche dei "numeri" corali sono varie, soprattutto nelle scene finali, dove sono abilmente combinati a volte con parti solistiche, a volte con la danza (ad esempio, nel primo e terzo atto di "Ariodanta" o nel finale dell'Atalanta).

Orchestra dell'Opera.
L'orchestra oler di Handel (flauto, oboe, fagotti, corni francesi, trombe, percussioni, arpe, archetto e cembalo) è leggera e brillante, colorata e dinamica. Rodrigo "," Theseus "," Atalanta "). Alcuni sono eseguiti in un piano pittorico, in armonia con la trama dell'opera (il mare in "Riccardo I. ", e in recitativi accompagnato-momenti pittorici. L'orchestra di Händel non solo è superbamente organizzata ritmicamente, ma anche molto più cannabis di quella francese di Lully. Ricorda che , secondo la tradizione della seria italiana, ogni aria è preceduta da un'introduzione: il tema viene prima suonato da un'orchestra (a volte con uno strumento solista), e solo dopo entra in gioco la voce che canta. Colorata e dinamica per l'epoca episodi orchestrali risuonano lungo il caccia, fantastico, paesaggio e altri. Qui Handel ha avuto notevoli reperti, che sono stati successivamente masterizzati da compositori d'opera di epoche successive, in particolare Mozart in Don Juan. Così, all'inizio del secondo atto di Cesare (festa nel palazzo reale), suonano due orchestre: una grande davanti al palco e una da camera sul palco. Questo crea un effetto teatrale unico e vitale.Nell'orchestra di Giulio Cesare ci sono quattro corni francesi. Dei vecchi strumenti, Händel usa in diversi casi la tiorba e la viola da gamba.

Per quanto riguarda la musica del balletto, qui Händel si eleva al di sopra dei piani decorativi della tragedia lirica francese e delle maschere inglesi. Il suo balletto è drammaticamente motivato e rigorosamente sostenuto nel modello e nei colori appropriati. Le danze degli spiriti in "Admet" sono i predecessori del secondo atto dell'"Orfeo" di Gluck. I balletti d'opera degli anni '30: "Ariodant", "Alcina" - brillano ancora nel repertorio concertistico con musica coreografica, piena di grazia, temperamento, bellezza teatrale e plastica.

Tali erano le ricerche ei risultati di Händel nel campo della creatività operistica. Ripetiamo: non ha creato qui, come Gluck e Mozart, un concetto unico, totalizzante e armonico. Ma la sua innovativa audacia, la sua passione appassionata per il teatro musicale della verità artistica, "il calcolo ingegnoso per le corde più drammatiche della voce umana" (A. N. Serov) hanno dato i loro frutti.

Una vera grande arte riflette sempre la vita reale del suo tempo: da questa vita ha origine il suo contenuto e la forma artistica è determinata dal contenuto. Per incarnare grandi eventi, problemi, idee: gli artisti del passato, come oggi, si sono spesso rivolti a generi monumentali, forme su larga scala e di grandi dimensioni. Nella musica della prima metà del XVIII secolo, questa non poteva ancora essere una sinfonia: i presupposti estetici, musicali e tecnologici per essa non erano allora maturi. Ma non poteva più essere l'opera, o soprattutto l'opera: le condizioni storico-sociali per questo erano state superate. Il teatro dell'opera era ormai troppo lontano dalla vita, vincolato dalle convenzioni e dipendente da circoli che ostacolavano il progresso sociale e artistico. Poi l'oratorio passò alla ribalta della grande arte civile e Händel ne divenne il grande riformatore. Senza strapparlo affatto alla trama religiosa, vi ha infuso un alto pathos patriottico e sociale e lo ha dotato di mezzi espressivi di tale potenza che le creazioni belle, ma troppo dolcissime del celebre Giacomo Carissimi - questo Guido Reni di Musica italiana del XVII secolo - sbiadita davanti a lei.

L'aspirazione ideologica generale e lo stile in ciascuno degli oratori di Händel trovano un'originale soluzione tematica e di genere. Quindi, "Samson" o "Saul" sono drammi eroici con arie, recitativi, ensemble di tipo quasi operistico molto diversi. Non c'è scena in loro, ma c'è azione e, inoltre, attiva, quasi visibile, quando, ad esempio, in una violenta "sinfonia rumorosa di g-moll, il gigante disinibito Sansone abbatte le volte del loro tempio sui nemici , o quando il popolo seppellisce solennemente e orgogliosamente il suo eroe. Il fenomeno accattivante di Dalila o quello minacciosamente ammaliante della maga Endor in "Saule" sono ricreati con una plasticità sorprendente. Vedi nella musica l'aspetto di questi personaggi, la loro andatura, il linguaggio, le espressioni facciali. Tutta la drammaticità di queste opere è teatrale, respira con il pathos della scena. In un modo completamente diverso - "Judas Maccabee" - un'epopea patriottica, alimentata dalle fiamme delle battaglie e coronata da un trionfo di vittoria, pari a quello che non era stato creato prima dell'eroica sinfonia di Beethoven. Ma non ci sono immagini con caratteristiche delineate individualmente e imparerai gli eventi solo dalle bocche dei messaggeri o dalle linee del coro.

L'oratorio "On a Chance", scritto nei giorni critici per l'Inghilterra nel 1746, è una sorta di proclama musicale, che fa appello alle masse in uno stile quasi raduno, estremamente generalizzato, deciso, mobilitante, severo, persino imperativo nel linguaggio.
Il famoso "Messia" è stato creato nel bel mezzo di una brutale collisione del compositore con il "top" londinese. Pertanto, questo lavoro fu eseguito per la prima volta a Dublino (Irlanda), che ospitava Handel, nel 1742. "Messia" potrebbe essere definito un enorme elogio eroico. Questa "Vita di un eroe" del XVIII secolo è incarnata compositivamente sotto forma di un trittico musicale, simile a quelli che furono scritti su motivi religiosi dai maestri del Rinascimento: I. Nascita, infanzia (primi 19 numeri), II . Feat (23 numeri), III. Trionfo (9 numeri).
La trama di The Messiah (libretto di Charles Jennens e dello stesso Händel basato sui testi biblici) è essenzialmente la stessa di The Passion of Christ (Passions), ma la sua interpretazione non è affatto la stessa. E qui gli eventi non sono mostrati e quasi non raccontati, e le immagini dell'oratorio sono in relazione ad essi solo su una certa linea tangente: si tratta piuttosto di un ciclo di inni lirico-epici, nati dall'impresa dell'eroe, una riflessione della leggenda nella coscienza popolare.
Il Messia di Händel somiglia poco all'umile e umile portatore di passione delle Passioni tedesche. Al contrario, questa è una figura potente, persino guerriera, che ricorda piuttosto le immagini iperboliche di Rubens o Michelangelo. Inoltre, è così fuso con le masse del popolo, dissolto in esso, che in realtà (cioè nella musica) non è più tanto lui quanto il popolo stesso diventa il proprio messia. Nessuna meraviglia che la parte solista di Gesù sia assente nell'oratorio. Cori profondamente folkloristici (21 dei 52 numeri dell'ululante composizione) ne costituiscono il principale contenuto musicale e, come un imponente colonnato, sorreggono l'enorme edificio.
L'orchestra "Messia" non differisce nella varietà timbrica e nel gioco dei colori che sono caratteristici della tavolozza di Händel nei generi puramente strumentali e in alcuni generi sintetici ("Concerti grossi", "Giulio Cesare", l'oratorio "L"Allegro "e altri) . Messiah" è di solito pubblicato ed eseguito nell'arrangiamento di Mozart. È di per sé altamente artistico, per alcuni aspetti si discosta dall'originale. Mozart ha mantenuto inalterate tutte le parti delle voci cantate e strumenti a corda, ad eccezione dei violini e delle viole aggiuntivi. Per quanto riguarda gli strumenti a fiato "obbligati" e i cosiddetti accompagnatori (organo, clavicembalo, liuto, arpa), qui sono grandi le modifiche e le aggiunte apportate da Mozart. In alcuni punti, ha sviluppato le voci di accompagnamento in parti obbligate e ha ristrumentato quelle obbligate, introducendo, ad esempio, flauti e clarinetti al posto degli oboi. In alcuni punti, singole brevi frasi melodiche vengono sviluppate in costruzioni estese e ad esse vengono aggiunti deliziosi contrappunti di uno stile puramente mozartiano. Gli arrangiamenti degli oratori di Händel: "Acis e Galatea", "Messia", "La festa di Alessandro", "Odi di Cecilia" - furono realizzati da Mozart nel 1788-1790.
L'ouverture in mi minore al "Messia" nello stile di una "sinfonia" operistica di quel tempo (massiccio Grave e fuga Allegro) è cupa, ma estremamente energica e evoca l'immagine di una danza maestosa piuttosto che la soglia per la contemplazione religiosa di la "passione del Signore". I primi nove numeri vocali - tre volte alternati e tematicamente correlati recitativi accompagnati, arie e cori - sono scritti come una sorta di introduzione ciclica al magazzino narrativo. Le intonazioni qui sono davvero dominate dall'epico e riflessivo, lo schema ritmico è quasi uniforme e calmo ovunque, il movimento della melodia è molto spesso tranquillo, calmo. Solo a volte questa distesa epica esplode con una tempesta di suoni che prefigurano una futura tragedia. Come se da tempo immemorabile si odano voci arcaiche - detti su certi avvenimenti importanti, e il primo recitativo di mi maggiore (consolazione ai "sofferente e gravati") di tipo completamente pre-betho-viennese - predice significativamente l'imminente fine del potere ingiusto. Poi, proprio nel bel mezzo del movimento, la chiara sfera maggiore si offusca in si minore (recitativo e aria nn. 10-11), e, come echi di antica antichità, emergono maestose immagini antica leggenda: un popolo che vaga nelle tenebre vede davanti a sé una luce brillante e la luce suscita una grande speranza nelle loro anime.
L'"infanzia d'oro" dell'eroe appare sotto forma di un intero ciclo pastorale nello spirito degli ideali dell'"Accademia dell'Arcadia":
G. F. Handel. Messia. Sinfonia pastorale. Andante. Handel, mentre era in Italia, partecipò ad "Arcadia" insieme a Corelli, Marcello e Al. Scarlatti. La somiglianza del dato qui " Sinfonia pastorale"Da "Messia" con il finale del concerto di Natale di Corelli (Angelus) - e davvero suggestivo.

Händel segue la tradizione poetica ingenuo del Rinascimento: proprio come nella "Notte Santa" di Correggio, gli angeli celesti accorrono alla mangiatoia e coprono con le loro ali l'idillio pacifico del pastore:
Andante G.F. Handel. Messia. Recitativo n. 14. Cantano il tradizionale Natale "Gloria in excelsis" (Gloria nel più alto).

Se questa prima parte dell'oratorio è ancora vicina alla trama della fonte biblica, già però ripensata in termini di azione popolare, allora nella seconda la leggenda religiosa viene gradualmente adombrata da motivi di tutt'altra natura, civile. Qui sta il nucleo tragico dell'intera opera e il suo drammatico culmine: la tortura, la sofferenza e il martirio dell'eroe. Le immagini musicali sono immerse in un oscuro sapore "Rembrandt" (una serie di cori minori: g-moll, f-moll, f-moll e numeri solisti: b-moll, c-moll, h-moll, e-moll, d -moll, g -moll, e-moll, a-moll). A volte, la loro melodia patetica è incatenata da ostinati appuntiti e ritmici. Davanti a noi ci sono figure di nemici - tiranni, giudici ingiusti, carnefici, detrattori con scherno e sofismi sulle labbra (ricordo il "Denario di Cesare" di Tiziano), episodi dei loro intrighi, torture, rabbia selvaggia. Non c'è dubbio che Händel diresse il suo " verso di ferro intriso di amarezza e rabbia". Ma forse la cosa più notevole è che è in questa fase culminante della tragedia che non c'è né la tradizionale crocifissione, né il rito funebre, né il pianto della madre ai piedi della croce, né "lacrime e sospiri" in generale. Solo un piccolo arioso di 15 battute in e-moll "Guarda, guarda e dimmi: chi conosceva peggio la sofferenza?" - si avvicina in qualche modo all'immagine di "Pietà" ("Compassione". immagini artistiche rimozione dalla croce). Tuttavia, questo arioso è anche altamente caratteristico di una nobile misura di espressione e moderazione nell'intonazione:
Larghetto. G.F. Handel. Messia. Arioso numero 28

È caratteristico che Goethe, che era un grande estimatore del "Messia", condannò con forza l'eccessiva tenerezza e sentimentalismo nell'esecuzione di quest'opera. "La debolezza è una caratteristica del nostro secolo!" Si lamentò di questo a Weimar nel 1829. Inoltre, non importa quante volte i testi biblici arcaici ripetono il nome del Messia, la musica di Händel, potente e imperiosa, li copre con la sua bellezza emotivamente veritiera. Enormi cori popolari si elevano al di sopra della tragedia dell'individuo e la filmano nel loro movimento ampio e irresistibilmente ambizioso. Anche i più cupi e tristi tra loro, come il coro g-moll di Prayer for the Chalice, emanano un inevitabile potere fanatico:
G. F. Handel. Messia. Coro n. 20

La composizione di "Messia" si basa sull'alternanza di immagini contrastanti in avvicinamento... In mezzo ai massicci tonanti del coro, il Messaggero della Pace appare al popolo nel dolce sol minore siciliano. In tale ambiente, la sua immagine pura, liricamente chiarita, vicina a "Orfeo" o "Alceste" di Gluck, è percepita come se camminasse lungo un sentiero già lastricato dalle masse. È un simbolo di pace, che li ispira all'ultima, decisiva lotta.
Il coro militante e figurativo in do maggiore è concepito dal libretto come un grido selvaggio dei pagani che si ribellano a Cristo:
Spezzate le catene, spezzatele, fratelli!
L'ora è suonata molto tempo fa!
E butta lontano
Giogo schiavo!
Inoltre, si dice di come il celeste ridesse di questi "principi del mondo" e "li colpì e li disperse con il suo scettro". Ma queste trasmissioni apocrife sono annegate in potenti flussi di musica, letteralmente ribollenti del pathos della protesta rabbiosa. "Spezzate le catene, spezzatele, fratelli!" - suona come un irresistibile appello rivoluzionario, un grido di battaglia delle masse insorte. E la lotta è coronata dalla vittoria. Il culmine generale dell'intero oratorio, che conclude la seconda parte del "Messia", è il grandioso canto di gloria "Alleluia" (re maggiore) - il diretto predecessore del re maggiore "noro del finale della Nona sinfonia di Beethoven". Preannuncia l'epilogo della tragedia e il trionfo del popolo vittorioso e alla luce abbagliante di questa musica nella sua terra natale, in Inghilterra, fino ad oggi, il pubblico si alza dai propri posti per ascoltarla in piedi - non solo migliaia di gente comune, ma anche uomini di stato, prelati di chiesa, persino monarchi. Händel ha unito organicamente tradizioni e tecniche provenienti dagli inni di Purcell e dal cantautorato democratico tedesco su un tema rivoluzionario. "Nel potente unisono di Alleluia, l'antico canto del canto popolare protestante scorre :“ Wachet auf, ruft uns die Stim-me! ” ("Svegliati, la voce ci sta chiamando!").

Vent'anni dopo, Gluck ha definito il compito della musica: dipingere immagini poetiche di un testo verbale. Per quel tempo era "la grande parola di un grande artista".
I frammenti religiosi che compongono il libretto della terza parte de Il Messia sono pie lodi alla provvidenza, ringraziamento al cielo. Nell'interpretazione di Händel, il finale dell'oratorio è una festa popolare di libertà e vittoria sul nemico, "un colossale, sconfinato trionfo di un intero popolo" (V.V. Stasov). Gli inni che affermano la vita sfidano a gran voce l'oscurità, il dolore e la morte stessa, e la famosa aria in mi maggiore Lretto - "So che il mio salvatore vive!" - non una preghiera. C'è troppo pathos oratorio, intellettualismo e forse l'austera bellezza dei minuetti di Beethoven.

Oratorio-denunce
Gli oratori-invettive, gli oratori-denuncia occupano un posto speciale tra i generi monumentali di Händel. Appartengono alle pagine più potenti della sua musica. Il famoso "Israele in Egitto" come genere non è solo un'epopea, ma anche un oratorio-panorama, costituito da giganteschi affreschi musicali (scrittura sonora), uniti da un recitativo narrativo. Come concetto, come idea, "Israele" è qualcosa di più di un'epopea della sofferenza delle persone o di una descrizione colorata e decorativa delle "esecuzioni egiziane". Questa è la denuncia più inequivocabile della schiavitù, appassionata, flagellante e suonata estremamente significativa per la società inglese della fine degli anni '30. Poco dopo, Händel è tornato brillantemente su questo tema in Sansone. Ma in un modo ancora più ampio, socialmente affilato e drammaticamenteè incarnato nell'ingegnoso e veramente audace "Belshazzar" (1744), che non a caso fu suonato alle celebrazioni di Händel nel 1959 ad Halle con inaspettata attualità e forza persuasiva per molti.

Oratorio lirico
Gli eroici oratori di Handel sono i più significativi e monumentali nella loro ideologia, ma sono tutt'altro che gli unici. Scrisse anche oratori pastorali (Aci e Galatea) e oratori fiabeschi (Semele); oratori-idilli ("Susanna") e oratori-utopie ("Salomone" - L'immagine musicale del regno-utopia è distribuita su tre piani, che corrispondono a tre parti dell'oratorio: 1. Matrimonio, famiglia. 2. Giustizia. 3. Costruzione.), oratori - drammi d'amore ("Ercole"). Infine, insieme a tutto ciò, possiede anche un oratorio di impianto puramente lirico, realizzato nel 1740 su testo di Milton, - "L" Allegro, II Pensieroso ed il Moderato", che si può tradurre approssimativamente così: "Impulso , sogno e misura dei sentimenti” (Letteralmente: allegro, meditabondo e moderato.).

Questo lavoro - quasi l'unico di Händel in questo genere - è completamente estraneo a qualsiasi motivo religioso. In termini di concetto, è molto vicino alle idee dell'allora educazione inglese e tedesca e all'educazione filosofica ed etica. Nelle poesie didattiche (moralizzanti) di Milton, i termini italiani denotano vari caratteri umani, stati morali o persino la prospettiva delle persone. Esprimono i loro sentimenti e stati d'animo, pensieri e ideali in varie situazioni e ambienti di vita, su uno sfondo pittoresco di immagini mutevoli della natura rurale e della vita urbana. I punti di vista ei criteri di Allegro e Pensieroso si contraddicono in molti modi. L'uno è impetuoso, mutevole, frivolo e vive una vita piena solo nell'agitazione umana, nelle «tempeste e vortici di eventi esterni. L'altro è un eternamente pensieroso sognatore e malinconico; rifugge le persone e la luce splendente, è innamorato della luna e i propri sogni tranquilli. Quindi, per queste immagini, sfere di intonazione, connessioni di genere e soluzioni completamente diverse: Pensieroso è dominato da Lamen-ti, Siciliani, pastorali dal suono leggero, sospiri, arresti sensibili. Allegro preferisce una marcia, un ritmo veloce, un ritmo punteggiato, figurazione energica e rumorosa. E questo è in consonanza con l'intenzione del poeta. "Ma il librettista di Händel Charles Jennens ha aggiunto a questa antitesi una certa sintesi psicologica ed etica, che Milton non ha avuto:" II Moderato "combina le migliori caratteristiche di entrambi antagonisti, rifiuta i loro estremi e afferma il primato della ragione sull'elemento mutevole dei sentimenti e degli stati d'animo. Così, idee mentali superiori derivano da idee sensoriali inferiori, ma necessariamente precedenti. vicino alle opinioni di un contemporaneo di Handel e Jennens - David Hartley
(1704-1757), uno dei pensatori inglesi più avanzati del XVIII secolo.

Tale era Händel. Nessuno dei grandi compositori occidentali del passato, ad eccezione di Beethoven, ha colto i movimenti di grandi masse con un orecchio così attento.

Storia di vita
Georg Friedrich Handel nacque a Halle il 23 febbraio 1685. Ha ricevuto la sua istruzione primaria in una scuola secondaria, cosiddetta classica. Oltre a un'istruzione così solida, il giovane Händel adottò alcuni concetti musicali dal mentore Johannes Pretorius, conoscitore di musica e compositore di diverse opere scolastiche. Oltre ai suoi compiti scolastici, è stato anche aiutato da David Poole, il direttore della banda di corte che è entrato in casa, e Christian Ritter, un organista che ha insegnato a Georg Friedrich a suonare il clavicembalo, "ad avere un gusto musicale". I genitori hanno prestato poca attenzione alla precoce inclinazione manifestata dal figlio per la musica, classificandola come un gioco da ragazzi. In casa Handel non si poteva parlare di vera formazione musicale. Solo grazie all'incontro casuale di un giovane talento con un fan dell'arte musicale, il duca Johann Adolf, il destino del ragazzo è cambiato radicalmente. Il Duca, sentendo una meravigliosa improvvisazione suonata da un bambino, convince subito il padre a dargli un'educazione musicale sistematica. Händel divenne allievo del noto organista e compositore Friedrich Zachau a Halle. Händel ha studiato con Zachau per circa tre anni. Durante questo periodo imparò non solo a comporre, ma anche a suonare liberamente il violino, l'oboe, il clavicembalo.
Nel febbraio 1697, il padre di George morì. Soddisfacendo i desideri del defunto, Georg si diplomò al liceo e cinque anni dopo la morte di suo padre entrò nella facoltà di giurisprudenza dell'Università di Halle. Un mese dopo essere entrato all'università, firmò un contratto di un anno, secondo il quale "uno studente di Händel per la sua arte" fu nominato organista nella cattedrale riformata della città. Si è allenato lì per un anno esatto, "migliorando costantemente la sua agilità nel suonare l'organo". Inoltre insegnò canto nel ginnasio, ebbe allievi privati, scrisse mottetti, cantate, corali, salmi e musica per organo, aggiornando settimanalmente il repertorio delle chiese cittadine. Händel ricordò in seguito: "A quel tempo scrivevo come il diavolo".
Nel maggio 1702 iniziò la guerra di successione spagnola, che travolse tutta l'Europa. Nella primavera dell'anno successivo, dopo la scadenza del contratto, Händel lasciò Halle e si recò ad Amburgo.
Il teatro dell'opera era il centro della vita musicale della città. Per l'arrivo di Handel ad Amburgo, l'opera era diretta dal compositore, musicista e cantante Reinhard Keizer. Handel aveva molto da imparare da Keizer. Ha studiato attentamente lo stile delle composizioni operistiche del famoso Hamburger, la sua arte di dirigere un'orchestra.
Händel trovò lavoro al teatro dell'opera come secondo violinista (divenne presto il primo violinista). Questo fatto modesto si è rivelato decisivo nella vita movimentata del compositore. Da quel momento, Händel scelse il campo di un musicista laico e l'opera, che gli portò fama e sofferenza, divenne la base del suo lavoro per molti anni.
L'evento principale della vita di Händel ad Amburgo può essere considerato la prima rappresentazione della sua opera Almira l'8 gennaio 1705. Era un esame per Händel. Il successo dell'opera è stato solido ed è stato eseguito una ventina di volte.
Il 25 febbraio dello stesso anno andò in scena la seconda opera: "L'amore acquisito dal sangue e dalla malvagità, o Nero". Questa opera è sopravvissuta a tre spettacoli.
Ad Amburgo, Händel scrisse la sua prima opera di oratorio. Sono le cosiddette "Passioni" basate sul testo del famoso poeta tedesco Postel.
Ben presto Händel capì che non aveva nient'altro da fare ad Amburgo. È cresciuto e Amburgo è diventata angusta per lui. Avendo risparmiato un po' di soldi con le lezioni e la scrittura, Händel se ne andò inaspettatamente per tutti.
Handel deve la nascita del suo stile ad Amburgo. Qui terminò il periodo di apprendistato, qui il giovane compositore si cimentò nell'opera e nell'oratorio, generi portanti della sua opera matura.
Händel è andato in Italia. Dalla fine del 1706 all'aprile 1707 visse a Firenze e poi a Roma. Nell'autunno del 1708, Händel ottenne il suo primo successo pubblico come compositore. Con l'aiuto del duca Ferdinando di Toscana, mise in scena la sua prima opera italiana, Rodrigo.
Gareggia anche in pubblico con il meglio del meglio a Roma, con Domenico Scarlatti che riconosce la sua vittoria. Il suo modo di suonare il clavicembalo è chiamato diabolico - un epiteto molto lusinghiero per Roma. Scrisse due oratori per il cardinale Ottoboni, eseguiti contemporaneamente.
Dopo il successo a Roma, Händel si affretta a sud verso l'assolata Napoli. Costante rivale di Venezia nelle arti, Napoli possedeva una propria scuola e tradizioni. Händel rimase a Napoli per circa un anno. Durante questo periodo, scrisse un'affascinante serenata "Aci, Galatea e Polifemo", molte altre cose nello stesso spirito, ma di dimensioni più ridotte.
L'opera principale di Händel a Napoli fu l'opera Agrippina, scritta nell'estate del 1709 e rappresentata a Venezia lo stesso anno, dove il compositore tornò. La prima è avvenuta il 26 dicembre. Gli italiani, con il consueto ardore ed entusiasmo, hanno reso omaggio al giovane compositore tedesco. “Sono rimasti folgorati dalla grandezza e dalla grandezza del suo stile; non avevano mai saputo prima che tutto il potere dell'armonia ", ha scritto uno dei presenti alla premiere.
L'Italia ha dato un caloroso benvenuto a Handel. Tuttavia, il compositore difficilmente poteva contare su una posizione forte nell'"Impero della musica". Gli italiani non hanno dubitato del talento di Handel. Tuttavia, come più tardi Mozart, Händel era per gli italiani un peso massimo, troppo "tedesco" dall'arte.
Händel partì per Hannover ed entrò al servizio dell'elettore di Hannover come capobanda di corte. Ma anche lì non rimase a lungo. La rude morale della piccola corte tedesca, la sua assurda vanità e la sottomessa imitazione delle grandi capitali dopo l'Italia non potevano che suscitare il disgusto di Händel.
Alla fine del 1710, dopo aver ricevuto un permesso ufficiale dall'Elettore, Händel si recò a Londra.
Entrò subito nel mondo teatrale della capitale britannica, ricevette un ordine da Aaron Hill, inquilino del Tidemarket Theatre, e presto scrisse l'opera Rinaldo.
L'esordio nel genere della musica cerimoniale e solenne, molto popolare in Inghilterra, influenzò decisamente il destino di Händel. Nel gennaio 1713, Händel scrisse il monumentale Te deum e Ode al compleanno della regina. L'ode è stata eseguita il 6 febbraio. La regina Anna fu soddisfatta della musica e firmò il permesso di eseguire il Te Deum con le proprie mani. Il 7 luglio, in occasione della firma del Trattato di pace di Utrecht alla presenza della Regina e del Parlamento, i suoni solenni e maestosi del "Te Deum" di Händel hanno annunciato le volte della cattedrale di St. Paul.
Dopo il successo di Te Deuma, il compositore decise finalmente di intraprendere la carriera in Inghilterra.
Fino al 1720 Händel era al servizio del vecchio duca di Chandos, che era sotto Anna, sovrintendente dell'esercito reale. Il duca viveva a Cannon Castle, vicino a Londra, dove aveva un'eccellente cappella. Händel compose musica per lei.
Questi anni si sono rivelati molto importanti: ha padroneggiato lo stile inglese. Handel dipinse inni e due maschere - una quantità modesta con la sua favolosa produttività. Ma queste cose (insieme al Te Deum) si sono rivelate decisive.
Due maschere, due spettacoli nello spirito dell'antichità erano in stile inglese. Händel ha poi rivisto entrambe le opere. Uno di essi divenne un'opera inglese (Acis, Galatea e Polyphemus), l'altro divenne il primo oratorio inglese (Esther). Se gli inni sono un'epopea eroica, allora "Esther" è un dramma eroico basato su una trama biblica. In queste opere, Händel padroneggia già pienamente sia il linguaggio che la natura dei sentimenti espressi dagli inglesi nell'arte dei suoni.
L'influenza degli inni e dello stile operistico è chiaramente avvertita nei primi oratori di Handel - "Esther" (1732), nella successiva scritta "Deborte", "Atalia" (composta nel 1733). Tuttavia, l'opera rimane il genere principale degli anni 1720 - 1730. Assorbe quasi tutto il tempo, la forza, la salute e le condizioni di Handel.
Nel 1720 fu aperta a Londra un'impresa commerciale teatrale con un capitale di 20.000 sterline. Si chiamava Royal Academy of Music. Händel ricevette l'incarico di reclutare nella troupe dell'Accademia i migliori cantanti d'Europa, principalmente della scuola italiana.
Handel è diventato un libero imprenditore, un azionista. Per quasi vent'anni, a partire dal 1720, compose e mise in scena opere, reclutò o sciolse una troupe, lavorò con cantanti, un'orchestra, poeti e impresari.
La nuova patria non viziava Händel con favore. Per molto tempo, il grande pubblico non lo ha riconosciuto affatto. Era conosciuto da una cerchia ristretta. Gli inglesi erano più affezionati all'opera italiana e al suo autore, il signor Bononcini. "Facile e piacevole" - Il motto di Bononcini, il senso della sua vita e della sua arte.
Il 12 gennaio 1723 Handel mise in scena Otgon. Questa volta usa le tecniche del suo avversario, scrive facilmente, piacevolmente melodicamente, era l'opera più popolare in Inghilterra di quei tempi. Dopo questo arguto contrattacco, Händel è passato all'offensiva. Nel maggio 1723 - "Flavio", nel 1724 due opere - "Giulio Cesare" e "Tamerlano". Nel 1725 - "Rodelinda". È stata una vittoria. L'ultima triade di opere è stata una degna corona per il vincitore.
Ma il destino non è stato giusto. I gusti erano cambiati, e ora gli inglesi ridevano dell'opera italiana, di Händel, lo scrittore di opere italiane, di Händel, che aveva sconfitto gli italiani.
Sono arrivati ​​tempi difficili per Händel: tutto era contro di lui. Morì il vecchio elettore, unico mecenate forte, Giorgio I. Il giovane re, Giorgio II, principe di Galles, odiava Handel, il favorito di suo padre. Giorgio II lo intrigava, invitava nuovi italiani, gli aizzava dei nemici. Il pubblico non è andato alle opere di Händel.
In un tale ambiente, Händel non smise di scrivere e mettere in scena opere: la sua testardaggine assomigliava alla follia. Ogni anno veniva sconfitto, ogni anno vedeva all'incirca la stessa immagine: una sala silenziosa, disattenta, vuota.
Nel 1734 e nel 1735 il balletto francese era in voga a Londra. Händel scrisse opere-balletti in stile francese: Tersicore, Alcina, Ariodante e Oreste pasticho. Ma nel 1736, a causa dell'aggravarsi della situazione politica, il balletto francese fu costretto a lasciare Londra.
Alla fine, Händel ha fallito. Si ammalò, era paralizzato. Il teatro dell'opera era chiuso. Gli amici gli prestarono dei soldi e lo mandarono in un resort ad Aquisgrana.
Il resto è stato breve come un sogno. Si svegliò, era in piedi, la sua mano destra si mosse. È successo un miracolo. La salute è tornata a Händel.
Nel dicembre 1737 completò Faramondo e assunse una nuova opera Serse. Il 1738 fu un buon anno per Händel. Il sole del successo gli dava calore.
All'inizio dell'anno il pubblico si è recato volentieri al Faramondo. A febbraio, Händel ha messo in scena Alessandro Severe, e ad aprile, Serse. A marzo, gli amici hanno tenuto un concerto in suo onore. Ha migliorato i suoi affari, ha pagato i debiti più urgenti. Il bisogno è diminuito.
L'anno successivo è di nuovo una delusione. Gli affari sono di nuovo trascurati, il teatro è vuoto, di nuovo l'abbandono della sua musica.
E in quel momento scrisse insolitamente bene: la fantasia era estremamente ricca, il bel materiale obbediva obbedientemente alla volontà, l'orchestra suonava espressiva e pittoresca, le forme erano perfette.
Compone uno dei suoi migliori oratori "filosofici" - "Allegro, pensieroso e moderato" sulle meravigliose poesie giovanili di Milton, un po' prima - "Ode to St. Cecilia” al testo di Dryden. I famosi dodici concerti grossi furono da lui scritti in quegli anni.
E fu in quel momento che Händel si separò dall'opera. Nel gennaio 1741 fu consegnata l'ultima, Deidamia.
La lotta ventennale di Händel terminò. Si convinse che la linea sublime dell'opera-seria non aveva senso in un paese come l'Inghilterra. Händel resistette per vent'anni. Nel 1740 cessò di contraddire il gusto inglese e gli inglesi lo riconobbero come un genio. Händel non si oppose più all'espressione dello spirito della nazione: divenne il compositore nazionale d'Inghilterra.
Se Händel avesse scritto solo opere, il suo nome avrebbe ancora un posto d'onore nella storia dell'arte. Ma non sarebbe mai diventato l'Handel che lo stimiamo oggi.
Händel aveva bisogno dell'opera. Lo ha allevato, ha definito la natura laica della sua arte. Händel ha perfezionato il suo stile in esso, ha migliorato l'orchestra, l'aria, il recitativo, la forma, la voce principale. Nell'opera ha trovato il linguaggio di un artista drammatico. Eppure, nell'opera, non è riuscito a esprimere le sue idee principali. Il significato più alto, la più alta opportunità del suo lavoro erano gli oratori.
Molti anni trascorsi in Inghilterra hanno aiutato Händel a ripensare il suo tempo, le categorie epiche, filosofiche. Ora era preoccupato per la storia dell'esistenza di un intero popolo. Immaginava la modernità inglese come uno stato eroico della nazione, un'era di ascesa, la fioritura delle forze migliori, perfette, l'intelligenza e il talento del popolo.
Händel sentiva il bisogno di esprimere una nuova struttura di pensieri e sentimenti. E si rivolge anche alla Bibbia, il libro più popolare della nazione puritana.
Il compositore è riuscito nei grandiosi epici-oratori biblici a incarnare l'ottimismo del popolo conquistatore, la gioiosa sensazione di libertà, l'altruismo degli eroi.
La scelta di tali soggetti, la scelta dello stile oratorio si è rivelata significativa nella vita di Händel. Il compositore è entrato in una nuova fase fin dal primo periodo del suo lavoro.
Una nuova era iniziò per Händel il 22 agosto 1741. In questo giorno memorabile, iniziò l'oratorio "Messia". Più tardi, gli scrittori premieranno Händel con l'esaltato epiteto: "il creatore del Messia". Per molte generazioni, "Messia" sarà sinonimo di Händel.
"Messia" è un poema musicale e filosofico sulla vita e la morte di una persona, incarnato in immagini bibliche. Tuttavia, la lettura dei dogmi cristiani non è così tradizionale come potrebbe sembrare a prima vista.
Händel completò The Messiah il 12 settembre. L'oratorio era già in corso quando Händel lasciò inaspettatamente Londra. Partì per Dublino su invito del duca di Devonshire, viceré del re inglese in Irlanda. Lì ha tenuto concerti per tutta la stagione. Il 13 aprile 1742, Handel mise in scena The Messiah a Dublino. L'oratorio fu accolto calorosamente, e lo ripeté. Ad agosto, Händel è tornato a Londra. E il 18 febbraio 1743 ebbe luogo la prima rappresentazione di "Samson", un eroico oratorio basato sul testo di Milton.
Il Sansone di Milton è una delle migliori tragedie europee della seconda metà del XVII secolo. Il Sansone di Handel è una delle migliori opere musicali e drammatiche della prima metà del XVIII secolo.
Il Sansone di Milton è una sintesi della trama biblica e del genere dell'antica tragedia greca. Händel ha una sintesi tra il dramma musicale e le tradizioni corali dell'oratorio.
Nel 1743 Händel mostrò i segni di una grave malattia. È vero, si è ripreso abbastanza rapidamente.
Nei due anni successivi, le azioni di Händel crollarono di nuovo. La guerra in Europa si trascinava. Il popolo inglese si mostrò scontento, i "patrioti" si indignarono, le battaglie furono combattute più che i militari in parlamento, infine, il primo ministro Carteret si dimise e nel 1745 il "romantico" principe Edoardo, l'ultimo della famiglia Stuart, sbarcò in Scozia . Londra non aveva tempo per Händel.
E il compositore scriveva e scriveva oratori. Il 10 febbraio 1744 mise in scena Semele, il 2 marzo - Giuseppe, in agosto terminò Ercole, in ottobre - Baldassarre. In autunno, affitta Covent Garden per la stagione. Nell'inverno del 1745 mise in scena Baldassarre ed Ercole. I suoi rivali stanno facendo ogni sforzo per impedire il successo dei concerti, ci riescono - Händel è di nuovo sull'orlo della rovina. A marzo si ammalò, si ammalò, ma il suo spirito non fu spezzato.
L'11 agosto 1746 Händel terminò il suo oratorio Judas Maccabee, uno dei suoi migliori oratori sul tema biblico. In tutti gli oratori eroico-biblici di Handel (e il compositore ne ha alcuni: "Saul", "Israele in Egitto", "Sansone", "Giuseppe", "Belshazzar", "Giuda Maccabei", "Giosuè" e altri) al centro dell'attenzione è sul destino storico del popolo. Il loro nucleo è la lotta. La lotta del popolo e dei suoi capi contro gli invasori per l'indipendenza, la lotta per il potere, la lotta contro gli apostati per evitare il declino. Il popolo ei suoi capi sono i protagonisti dell'oratorio. Le persone come personaggio in forma di coro sono di proprietà di Händel. Da nessuna parte nella musica prima di lui le persone si sono esibite in una tale veste.
Nel 1747, Händel affitta nuovamente Covent Garden. Tiene una serie di concerti d'autore. Il 1 aprile mette su "Judas Maccabee" - è accompagnato dal successo. Il nuovo oratorio viene eseguito altre cinque volte. Händel trionfa ancora, è di nuovo in vetta.
La fine del 1740 fu un successo per Händel. L'Inghilterra ha apprezzato i suoi meriti, gli ha reso omaggio. Nel 1747 Händel scrisse gli oratori Alexander Balus e Joshua. Nella primavera del prossimo anno, mette su nuovi oratori e in estate ne scrive altri due: "Solomon" e "Susanna". Aveva 63 anni.
Nel 1751 la salute del compositore peggiorò. Il 3 maggio 1752 gli furono operati gli occhi. Senza successo. La malattia sta progredendo.
Nel 1753 subentra la cecità completa. Händel si distrae con concerti, suonando per memoria o improvvisando. Ogni tanto scrive musica. Sabato 14 aprile 1759 se ne andò.

Händel Georg Friedrich (1685 - 1759)

Handel è nato a Halle (Germania). Suo padre era barbiere a corte. Sognava di dare a suo figlio un'istruzione come avvocato, ma non prestò molta attenzione alle capacità musicali del ragazzo. Ma il talento di Georg è stato notato dall'Elettore di Halle - Duca di Sassonia e ha insistito sul fatto che il padre desse ancora suo figlio nelle mani del miglior musicista della città F. Tsakhov, che per diversi anni ha instillato in Gandel un gusto musicale, lo ha presentato a diversi stili musicali, e pratica la tecnica di composizione. Vedeva in lui un grande potenziale. E lo studente non lo ha deluso. All'età di undici anni era già noto nel paese come musicista e compositore. Ma doveva ancora adempiere alla volontà del suo defunto padre: diventare un avvocato. Il giovane entrò all'Università della Gallia (1702) e studiò legge. Ma allo stesso tempo presta servizio come organista in chiesa, compone musica, insegna canto. È attratto dall'opera e si reca ad Amburgo, che ha un teatro dell'opera che rivaleggia con il francese e teatri italiani, entra nell'orchestra, dove suona diversi strumenti musicali. Eccolo nel suo elemento. Il regista teatrale - R. Kaiser - un compositore d'opera, I. Mattezon - un cantante, compositore e scrittore - nota il giovane di talento, collabora con lui, aiuta e ha una grande influenza sulla formazione del futuro grande compositore. Le prime opere Almira e Nero furono, ovviamente, rappresentate ad Amburgo (1705).

Ispirato dal successo, si reca in Italia (il Teatro Kaiser è stato chiuso per bancarotta), dove visita i teatri di Firenze, Napoli, Venezia, studia, assorbendo le suggestioni dell'arte operistica italiana. Pochi mesi dopo aveva già studiato per sé questo nuovo stile tanto che scrisse l'opera Rodrigo (1707) e la mise in scena al Teatro fiorentino. Due anni dopo, la sua seconda opera italiana Agrippina fu lanciata con successo a Venezia. Gli italiani più esigenti accettano con entusiasmo le opere del compositore. È così che diventa famoso. Viene ammesso all'Accademia Arcadica, dove è alla pari con luminari come A. Corelli, B. Marcello, A. Scarlatti, aristocratici italiani in competizione tra loro che danno ordini al musicista per i loro home theater. Nel 1710 il maestro fu invitato in Inghilterra, dove ricevette la cittadinanza inglese e visse fino alla fine dei suoi giorni. È qui che inizia la vera fioritura del suo talento e della sua fama. L'opera del genio eleva la musica inglese a una straordinaria altezza mondiale.

Nel 1720, il compositore tedesco divenne il capo dell'Accademia dell'Opera italiana e della London Opera House, dove vengono messi in scena i suoi nuovi capolavori in stile italiano: Radamist (1720), Otto (1723), Giulio Cesare (1724), Tamerlano ( 1724), Rodelina (1725), Admet (1726). La nobiltà delle immagini, l'intensa tragedia dei climax, lo psicologismo dei personaggi - tutto ha superato lo stile finora noto dell'opera italiana.