Dipinti dell'artista Vereshchagin. Appunti letterari e storici di un giovane tecnico
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Il più grande pittore di battaglie Vasily Vasilyevich Vereshchagin nacque il 14 ottobre 1842 a Cherepovets nella famiglia di un proprietario terriero. Quando il ragazzo aveva otto anni, i suoi genitori lo mandarono al Corpo dei cadetti minorili, dopo di che nel 1853 fu trasferito al Corpo dei cadetti navali di San Pietroburgo. Qui ama disegnare e gli dedica tutto il suo tempo libero. Nel 1858 Vereshchagin iniziò a frequentare la scuola di disegno della Società di San Pietroburgo per l'incoraggiamento delle arti. Le sue capacità furono elogiate dagli insegnanti e lui stesso sognava di diventare un artista.
Nel 1860, dopo essersi brillantemente diplomato nell'edificio, Vereshchagin, contro la volontà dei suoi genitori, si dimise ed entrò all'Accademia delle Arti. Indignato per l'atto di suo figlio, il padre gli ha rifiutato l'assistenza materiale. Iniziarono anni difficili di vita. Vereshchagin ha persistito nella pittura, ma il sistema accademico di istruzione, con la sua natura normativa e tradizionale, ha pesato sull'artista. La protesta del giovane pittore è stata espressa nel fatto che ha distrutto uno dei suoi dipinti - "Picchiare i corteggiatori di Penelope dall'Ulisse tornato". Nel 1863 lasciò l'Accademia e si recò nel Caucaso, affinché «in libertà e spazio per argomenti interessanti imparare. "Il suo primo lavoro indipendente c'erano numerosi disegni raffiguranti tipi popolari, scene di tutti i giorni e paesaggi del Caucaso.
Nel 1866, vivendo sulle rive dello Sheksna nel villaggio di Lyubets, Vereshchagin poté vedere il duro lavoro dei trasportatori di chiatte. Ha deciso di creare un grande quadro in cui voleva mostrare la parte senza speranza dei poveri in Russia zarista... Vereshchagin completò uno schizzo del dipinto, scrisse diversi schizzi, ma non riuscì a completare il lavoro.
Nel 1867 partì per il Turkestan, dove in quel momento si svolgevano scontri militari. "Sono andato perché volevo sapere di cosa si tratta vera guerra, di cui ho letto e sentito molto ... ", - ha scritto l'artista. Vereshchagin non è solo un testimone della guerra, ma anche il suo diretto partecipante. Nel 1868, come parte della guarnigione russa, difese la fortezza di Samarcanda dalle truppe dell'emiro di Bukhara e fu premiato per il coraggio e il coraggio Nel 1869-1870, Vereshchagin fece di nuovo un viaggio in Turkestan: conobbe questo peculiare paese, studiò i costumi e i costumi dell'Oriente feudale; di conseguenza, ha creato una grande serie di dipinti su Asia centrale.
L'esotismo del soleggiato Oriente, i costumi eleganti e luminosi non hanno oscurato la povertà dell'artista umanista e la mancanza di diritti della gente. Ecco come apparivano i dipinti: "Mendicanti a Samarcanda" (1870, Galleria statale Tretyakov), "Mangiatori d'oppio" (Museo statale delle arti della SSR uzbeka), "Vendita di un bambino schiavo" (1872, Galleria statale Tretyakov) , "Samarkand Zindan" (Museo statale delle arti della SSR uzbeka) SSR), "Una donna uzbeka a Tashkent" (1873, Galleria Tretyakov) e molti altri. L'artista è fluente nel pennello e i colori sonori e ricchi trasmettono il cielo afoso del sud, la steppa verde primaverile, la freschezza delle cime montuose coperte di neve, l'ornamento più complesso degli antichi edifici di Samarcanda. ..
Il posto centrale in questa serie è occupato dalle tele di battaglia, erano loro che avevano grande successo sia in Russia che all'estero, definendo la direzione principale del lavoro di Vereshchagin. Già nelle prime tele l'artista protestava contro le guerre di conquista, denunciando i responsabili della morte delle persone. La natura antimilitaristica delle opere è il risultato di profonde meditazioni e osservazioni di vita di Vereshchagin, che ha introdotto nella pittura di battaglia una verità audace e dura, che prima non conosceva in questo genere arte russa... Ha creato soldati, gente comune russa, gli eroi dei suoi dipinti. "I soldati di Vereshchagin", scrisse V.V. Stasov, "sono tutte le stesse persone, solo che indossano un'uniforme e una pistola".
Nel dipinto "Al muro della fortezza. Lasciali entrare" (1871, Galleria Tretyakov), i soldati russi aspettano la battaglia in sospeso. I loro volti sono severi, le loro posizioni sono fermamente risolte. Nella foto "Entrarono" - lo stesso posto nella fortezza, ma dopo la battaglia. Un certo numero di tele di battaglia sono combinate in una serie, in cui l'artista sviluppa l'idea della crudeltà dei governanti feudali, la ferocia dell'ordine, l'eroismo e il coraggio dei soldati russi: "Essi guardano fuori" (1873, Tretyakov Gallery), "Attack Unawares" (1871, Galleria Tretyakov), "Present Trophies" (1872, Galleria Tretyakov), Triumph (1872, Galleria Tretyakov) e L'apoteosi della guerra (1871-1872, Galleria Tretyakov).
Nella tela "L'apoteosi della guerra" sullo sfondo della città distrutta dalla guerra e degli alberi carbonizzati, c'è una piramide di teschi umani. Il design originale del dipinto era associato al nome del conquistatore dell'Asia centrale della fine del XIV - inizi del XV secolo Tamerlano, le cui truppe hanno lasciato dietro di sé tali piramidi. Ma l'opera è più significativa nei contenuti di uno specifico episodio storico. Rovine, teschi, deserto in ogni momento sono stati percepiti come un simbolo di morte e distruzione, e Vereshchagin fa un'iscrizione sulla cornice: "Dedicato a tutti i grandi conquistatori: passato, presente e futuro". "L'apoteosi della guerra" è una dura condanna delle guerre che portano morte e sventura.
"Non lo so", ha scritto I. N. Kramskoy su Vereshchagin, "attualmente c'è un artista uguale a lui non solo nel nostro paese, ma anche all'estero ..." lo ha accusato di aver calunniato l'esercito russo. Sperimentando seriamente accuse ingiuste, Vereshchagin ha bruciato tre dipinti: "Dimenticato", "Circondato - Perseguitato" e "Entra". Le opere di Vereshchagin erano vietate per essere esposte e riprodotte in libri, giornali e riviste. Per trent'anni, il governo zarista non ha acquisito una sola immagine del mondo artista famoso... Solo PM Tretyakov ha acquistato la maggior parte delle opere del Turkestan. Nel 1874-1876, 1882-1883 Vereshchagin fece due viaggi in India per studiare la vita, la natura e il modo di vivere del paese. Durante i suoi viaggi ha dovuto sopportare disagi, sopportare pericoli mortali: sulle cime innevate dell'Himalaya, è quasi congelato a morte; nelle condizioni del caldo soffocante tropicale si ammalò di febbre. Il risultato delle osservazioni sono stati più di centocinquanta schizzi raffiguranti la grandezza dell'architettura indiana in pietra bianca, l'azzurro del cielo meridionale e i luminosi abiti nazionali degli indiani. Tra i migliori schizzi ci sono: "Tempio buddista a Darjeeling" (1874-1875, Galleria Tretyakov), "Ghiacciaio sulla strada dal Kashmir al Ladakh" (1875, Galleria Tretyakov), "Mausoleo Taj Mahal" (1874-1876, Galleria Tretyakov ).
Vereshchagin decise di dedicare una serie di dipinti alla storia della cattura dell'India da parte degli inglesi. Ha concepito l'idea di creare un grande poema pittorico, che avrebbe dovuto raccontare il destino storico dell'India, la trasformazione di un potente paese indipendente in una colonia dell'Impero britannico. L'artista è riuscito a completare solo alcuni di questi dipinti, in particolare "Procession of the English and Native Authorities in Jaypur" (1875-1879, Victoria Memorial Museum, Calcutta).
La guerra russo-turca scoppiata nel 1877-1878 lo riportò al fronte. Con tutto il suo cuore che simpatizzava con la lotta di liberazione degli slavi contro il giogo turco, l'artista partecipò a molte battaglie. In una delle battaglie fu gravemente ferito e per poco non morì.
"Per raggiungere l'obiettivo che mi sono prefissato", ha scritto Vereshchagin, "non puoi dare alla società un'immagine di una vera guerra genuina, guardando la battaglia attraverso il binocolo da una bella distanza, ma devi sentire e fare tutto da solo, partecipare agli attacchi , assalti, vittorie, sconfitte, provare fame, malattie, ferite. Non dobbiamo aver paura di sacrificare il nostro sangue, la nostra carne, altrimenti le mie foto non saranno giuste. "
La guerra nelle tele di Vereshchagin è apparsa di nuovo in tutta la dura e coraggiosa verità, come un evento drammatico. Con dolore e amarezza, l'artista ha vissuto le enormi perdite umane in questa difficile guerra sanguinosa.
Le immagini della serie balcanica riproducono con impareggiabile veridicità la vita quotidiana della guerra, episodi di battaglie: le difficili transizioni dell'esercito russo in montagna, ospedali da campo e scene delle atrocità dei turchi. L'artista ha scoperto e rovescio guerre: ha mostrato il carrierismo e la criminalità del comando zarista, che ha condannato i soldati russi a una morte insensata. Il gruppo principale di opere è costituito da immagini dell'eroica difesa di Shipka: "Dugouts on Shipka" (Museo statale di arte russa, Kiev), "Batteries on Shipka" (Museo statale di arte russa, Kiev) "Tutto è calmo su Shipka " (1878-1879, luogo sconosciuto), "Shipka-Sheinovo" (1878-1879, Galleria Tretyakov).
Vereshchagin dedica una serie di tele agli eventi legati all'assalto a Plevna: "Attacco" (1881, Museo storico dell'artiglieria centrale), "Dopo l'attacco" (1881, Galleria Tretyakov). I dipinti "Vincitori" (1878-1879, Museo statale di arte russa, Kiev), "La sconfitta. Lamento funebre per i morti" (1878-1879, Galleria Tretyakov) sono dedicati alla battaglia di Telish - qui, a causa della colpa delle "persone eminenti", quasi un intero reggimento di guardacaccia fu distrutto ... Il dipinto "Winners" raffigura una terribile mascherata: turchi travestiti sul campo di battaglia nelle uniformi dei soldati russi uccisi; l'altro - "I vinti" - rappresenta un campo infinito cosparso di cadaveri di soldati. Dipinti della serie dei Balcani: si distinguono per la severa semplicità e la sobrietà della combinazione di colori. La combinazione di colori è portata all'unità necessaria dei toni cupi autunnali o invernali nuvolosi. Nel 1880 e nel 1883 questa serie fu esposta a San Pietroburgo. Per quaranta giorni la mostra ha visto la partecipazione di più di duecentomila persone, il successo ha superato ogni aspettativa.
Gli anni 1880 nella vita creativa dell'artista furono caratterizzati da un'attività straordinaria, la ricerca di nuovi temi. Andò una seconda volta in India (1882-1883) e poi in Siria e Palestina (1883-1884). Nasce così la "serie palestinese", costituita principalmente da studi e dipinti di natura documentaria ed etnografica. Opera significativa dell'artista sulla creazione della "Trilogia dell'esecuzione": "Crocifissione durante il dominio dei romani", "Esecuzione di cospiratori in Russia" (1884-1885, Museo statale della rivoluzione) e "Soppressione della rivolta indiana dagli inglesi" (circa 1884, luogo sconosciuto) ... La seconda immagine è stata ispirata dal massacro dell'autocrazia contro i rivoluzionari Narodnaya Volya il 3 aprile 1881.
Il risultato dei viaggi di Vereshchagin nel nord nel 1880-1890 fu una serie di disegni e schizzi raffiguranti monumenti antichi architettura in legno, natura nordica russa e gente comune russa. Dal 1887 al 1901 Vereshchagin lavorò a una serie di dipinti dedicati alla Guerra Patriottica del 1812. Più di venti tele sono state create da lui su questo argomento. L'artista era guidato da alti pensieri patriottici: "mostrare nei dipinti del 1812 il grande spirito nazionale del popolo russo, la loro dedizione ed eroismo nella lotta contro il nemico". L'artista è riuscito ad esprimere la liberazione, personaggio popolare guerra, per sfatare Napoleone, per privarlo del "piedistallo dell'eroe, al quale era esaltato".
La serie inizia con una scena della battaglia di Borodino, alla quale Vereshchagin dedicò due tele: "Napoleone alle alture di Borodino" (1897) e "La fine della battaglia di Borodino" (1899-1900, Stato. Museo Storico). Il soggiorno dell'esercito napoleonico a Mosca si riflette in quattordici dipinti. Tra questi: "Nella cattedrale dell'Assunta" (1887-1895), "Fuoco" (1896-1897), "Attraverso il fuoco" (1899-1900), "Sparatoria al Cremlino" (1897-1898; tutti nello Stato Museo Storico) altro. Diversi dipinti mostrano la ritirata e la sconfitta dell'esercito francese: "A Grodno, sfonda o ritirati", "Sul palco - cattive notizie dalla Francia" (1887-1895),
"Sul la grande strada... Ritiro e volo "(1887-1895)," Riposo notturno grande esercito"(1896-1897, Museo storico statale). Un grande posto nella serie è stato occupato dal tema della guerriglia popolare contro gli invasori. È anche importante notare che l'artista non ha raffigurato famosi comandanti partigiani come D. Davydov, Figner, ma ha ricreato contadini, partecipanti al movimento di liberazione popolare.
Cappucci di soffice neve bianca coprivano i rami dei pini. In un'imboscata, i contadini aspettano il nemico. Davanti a lui, guardando attentamente nel boschetto, sta un vecchio alto con un'ascia nella mano abbassata. Il nemico si sta avvicinando. Emozione e impazienza si leggono sui volti dei partigiani, ma il capo vecchio, esperto e saggio trattiene i compagni. "Non nasconderti, lasciami venire", sembra dire.
Queste parole sono il nome del dipinto (1887-1895, Museo Storico Statale). L'artista ricorre a un'interpretazione ampia e in qualche modo decorativa del paesaggio, cercando di creare un'immagine epica generalizzata della natura russa. Il dipinto "Con le braccia in mano - Spara" (1887-1895, Museo Storico Statale) raffigura la strage dei partigiani catturati dai francesi. In una delle ultime opere, "The Night Halt of the Great Army", è raffigurata la fine ingloriosa degli invasori, la completa sconfitta dell'esercito un tempo invincibile.
La grande idea patriottica alla base della serie, la profondità e la nitidezza delle trame, le immagini folk vivide, interessanti soluzioni compositive rendere quest'ultima grande opera dell'artista un degno contributo a pittura storica la fine del XIX secolo.
Fino alla fine della sua vita, l'artista non ha smesso di viaggiare. Dopo un viaggio in Siria e Palestina tra la fine degli anni '80 e l'inizio degli anni '90, visitò due volte l'America, nel 1901-1902 - nelle Filippine e a Cuba, nel 1903 - in Giappone. Le impressioni dal Giappone si riflettono in una serie di schizzi che danno un'idea del vecchio, pieno di originalità dell'architettura, costumi nazionali questo paese interessante.
La guerra russo-giapponese ha visto Vereshchagin lavorare su diversi dipinti; lasciò tutto e, secondo Repin, "volò" in Estremo Oriente per prendere nuovamente parte alle battaglie e raccontarle nelle sue opere. "Alcuni", ha scritto Vereshchagin, "diffondono l'idea del mondo con la loro parola potente e accattivante, altri avanzano vari argomenti in difesa di esso, religiosi, economici e altri, e io predico la stessa cosa attraverso i colori".
Il 31 marzo 1904, Vereshchagin, insieme all'ammiraglio S.O. Makarov, morì sulla corazzata "Petropavlovsk", che fu fatta esplodere da una mina nemica nella rada vicino a Port Arthur.
Vereshchagin è un artista dal destino e dalla gloria leggendari. Per i suoi contemporanei - sia in patria che in Europa - non è solo un pittore eccezionale, ma anche un rivoluzionario disperato, rompendo con ciò che è generalmente accettato nella vita e nel lavoro, un talento eccezionale e una natura eccezionale - forse come natura è persino più significativo, più grandioso che come talento... "Vereshchagin non è solo un artista, ma qualcosa di più", ha scritto Kramskoy dopo la prima conoscenza con la sua pittura, e pochi anni dopo ha rimarcato di nuovo: "Nonostante l'interesse delle sue collezioni d'arte, l'autore stesso è cento volte più interessante e istruttivo."
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Biografia: Pagina 1
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Vereshchagin non ha mai scritto per ordine, non si è piegato a richieste ed esortazioni, siano esse provenienti dalle autorità, dai critici o dal pubblico. Un uomo con un senso di dignità accresciuto fino al punto di indolenzimento, aveva molta paura di perdere l'indipendenza, di ciò che "seguirà quando la mia gola sarà piena di soldi", come disse una volta. Non cercava l'appoggio di chi era al potere, evitava generalmente di "scrivere e parlare con persone importanti", perché conosceva da solo la particolarità di essere impudente e perfino maleducato contro la sua volontà. Nei circoli ufficiali, lo pagavano lo stesso: lo trattavano in modo scortese, trovavano i soggetti dei suoi dipinti tendenziosi e cupi ed erano pronti a considerarlo il capo del nichilismo nell'arte russa. "Farò sempre ciò e solo ciò che trovo buono e nel modo in cui lo ritengo necessario" - Vereshchagin è stato fedele a questo principio per tutta la vita sia nella creatività, sia nelle credenze, sia nei rapporti con gli altri.
Nell'arte russa, è solo. Non ha maestri diretti e seguaci diretti. Non si vincola con l'adesione ad alcuna associazione artistica, sta al di fuori di feste e circoli, non cerca né accetta riconoscimenti di nessuno. Nel 1874, Vereshchagin rifiuta pubblicamente il titolo di professore all'Accademia delle Arti offertogli, sostenendo che considera "tutti i ranghi e le distinzioni nell'arte come indubbiamente dannosi". Questo atto riceve un'ampia risonanza: in sostanza, Vereshchagin è il primo artista russo che decide di mettersi apertamente, apertamente, con aria di sfida al di fuori dell'ordine tradizionale - fa ciò che tutti sappiamo, pensiamo e persino, forse, desideriamo; ma qui c'è non abbastanza coraggio, carattere e talvolta onestà per fare lo stesso ", - come ha commentato Kramskoy sul suo atto.
Vereshchagin è fermamente convinto che l'artista debba rivolgersi direttamente allo spettatore. Per lui è accettabile solo una forma di rivolgersi al pubblico: una mostra personale. Durante la sua vita, ce n'erano più di sessanta - in quasi tutte le capitali europee, le più grandi città della Russia e dell'America. Vereshchagin è il primo artista russo che in modo programmatico ha fatto appello non solo al pubblico domestico, ma a persone di tutti i paesi ed è stato ascoltato nel mondo. Tra i suoi ammiratori - il fiore dell'intellighenzia europea: Turgenev e Stasov, Kramskoy e Zabelin, Repin e Menzel, Liszt e Mussorgsky, Goncharov e Garshin, Brandes e Sarah Bernhardt. Ovunque si svolgessero le mostre dell'artista, attiravano sempre e invariabilmente un numero inaudito di persone, diventavano oggetto di controversie appassionate, a volte feroci, lasciavano un'impronta indelebile su di sé. "È ancora memorabile", afferma Alexander Benois, "come 20 anni fa irruppero nella mostra di Vereshchagin e quale impressione mostruosa e avvolgente producessero i suoi dipinti eterogenei e sanguinosi. Queste mostre, allestite in stanze senza luce del giorno, erano appese a strani oggetti estranei e fiancheggiata da piante tropicali Ricordiamo chiaramente come una massa impenetrabile e sempre crescente di persone si accalcasse davanti a enormi quadri illuminati brillantemente dall'elettricità. sotto un cielo scuro un intero campo di morti nudi decapitati - queste tele agivano come gravi incubi di febbre ".
Vasily Vasilyevich Vereshchagin (1842-1904) - Pittore e scrittore russo, uno dei più famosi pittori di battaglie.
Biografia di Vasily Vereshchagin
Nato a Cherepovets il 14 (26) ottobre 1842 nella famiglia di un proprietario terriero. Nel 1850-1860 studiò al Corpo dei cadetti di San Pietroburgo, diplomandosi con il grado di guardiamarina. Navigato nel 1858-1859 sulla fregata "Kamchatka" e altre navi in Danimarca, Francia, Inghilterra.
Nel 1860 Vereshchagin entrò all'Accademia delle arti di San Pietroburgo, ma la lasciò nel 1863 insoddisfatto del sistema di insegnamento. Frequentò la bottega di Jean Leon Gerome alla Paris School of Fine Arts (1864).
Per tutta la vita Vereshchagin è stato un viaggiatore instancabile. Nel tentativo (con parole sue) "di imparare dagli annali viventi della storia del mondo", viaggiò attraverso la Russia, il Caucaso, la Crimea, il Danubio, l'Europa occidentale, visitò due volte il Turkestan (1867-1868, 1869 -1870), partecipando alle campagne coloniali delle truppe russe, due volte - in India (1874-1876, 1882). Nel 1877-1878 partecipò alla guerra russo-turca nei Balcani.
Viaggiò molto, nel 1884 visitò la Siria e la Palestina, nel 1888-1902 gli USA, nel 1901 le Filippine, nel 1902 Cuba, nel 1903 il Giappone. Le impressioni dei viaggi sono state incarnate in grandi cicli di schizzi e dipinti.
Creatività Vereshchagin
Nelle immagini della battaglia di Vereshchagin, il lato squallido della guerra viene rivelato con acutezza giornalistica, con duro realismo.
Sebbene la sua famosa "serie Turkestan" abbia un orientamento propagandistico imperiale molto definito, nei suoi dipinti una sensazione di tragica fine, enfatizzata da una colorazione opaca giallastra - marrone, veramente "desertica", gravita ovunque sui vincitori e sui vinti.
Il famoso simbolo dell'intera serie è il dipinto "L'apoteosi della guerra" (1870-1871, Galleria Tretyakov), raffigurante un mucchio di teschi nel deserto; la scritta sulla cornice: "Dedicato a tutti i grandi conquistatori: passato, presente e futuro".
La serie di dipinti "Turkestan" di Vereshchagin non è inferiore alla serie "Balkan". In essa l'artista, al contrario, lancia una sfida diretta alla propaganda ufficiale panslava, ricordando i fatali errori di calcolo del comando e il terribile prezzo che i russi pagarono per la liberazione dei bulgari dal giogo ottomano.
Particolarmente impressionante è il dipinto “La sconfitta. Requiem "(1878-1879, Galleria Tretyakov), dove sotto un cielo nuvoloso si estende un intero campo di cadaveri di soldati, coperto solo da un sottile strato di terra. Anche la sua serie "Napoleone in Russia" (1887-1900) divenne ampiamente nota.
L'artista Vereshchagin era anche uno scrittore di talento, l'autore del libro At the War in Asia and Europe. Ricordi" (1894); di grande interesse sono anche le "Selected Letters" dell'artista Vereshchagin (ristampate nel 1981).
Vereshchagin morì durante la guerra russo-giapponese, il 31 marzo (13 aprile) 1904, nell'esplosione della corazzata "Petropavlovsk" nella rada di Port Arthur.
Opere d'artista
- Serie Turkestan
- Napoleone in Russia (Vereshchagin)
- serie "Barbari": "Attento" (1873), "Attacco a sorpresa" (1871), "Circondato - inseguito ..." (1872) "Trofei presenti" (1872), "Trionfo" (1872).
- "Processione religiosa alla festa di Moharrem a Shusha" (1865)
- "Via nel villaggio di Khojagente" (1868)
- "Ex fortificazione Kosh-Tigerman" (1868)
- "Escursionismo a Zindan (prigione sotterranea) a Samarcanda" (1868)
- "Ingresso alla città di Katta-Kurgan" (1868)
- "Dopo il fallimento (The Defeated)", 1868, Museo di Stato russo
- "Rovine del teatro di Chuguchak" (1869)
- "Carri kirghisi sul fiume Chu" (1869)
- "Mendicanti a Samarcanda" (1870)
- “I politici nel negozio di oppio. Tashkent "(1870)
- “Dervisci in abiti festivi. Tashkent "(1870)
- “Coro di dervisci che chiedono l'elemosina. Tashkent "(1870)
- Apoteosi di guerra (1871), Galleria Tretyakov
- "Porte di Timur (Tamerlano)" (1871-1872), Galleria Statale Tretyakov
- "Mausoleo del Taj Mahal ad Agra" (1874-1876), Galleria Statale Tretyakov
- "Moschea delle perle ad Agra" (1874-1876), Galleria Statale Tretyakov
- Shipka-Sheinovo. Skobelev pod Shipka "(1878-1879) Galleria Statale Tretyakov
- “Dopo l'attacco. Spogliatoio vicino a Plevna "(1881), Galleria Statale Tretyakov
- "Nel defunto turco" (1881)
- "La soppressione della rivolta indiana da parte degli inglesi" (c. 1884)
- Incisione a colori "Napoleone al Cremlino" (conservata nell'appartamento-museo A. M. Gorky (Nizhny Novgorod)
introduzione
Il genere delle battaglie (dal francese Bataille - battaglia), un genere di belle arti dedicato ai temi della guerra e della vita militare. Il posto principale nel genere di battaglia è occupato da scene di battaglie (incluse quelle navali) e campagne militari del presente o del passato. Il desiderio di catturare un momento particolarmente importante o caratteristico della battaglia, e spesso di rivelare il significato storico di eventi militari, avvicina il genere battaglia al genere storico. scene Vita di ogni giorno eserciti e marine trovate nelle opere genere di battaglia, hanno qualcosa in comune con il genere della vita quotidiana. Tendenza progressiva nello sviluppo del genere di battaglia dei secoli XIX-XX. connesso con la rivelazione realistica della natura sociale delle guerre e del ruolo del popolo in esse, con l'esposizione di ingiuste guerre di aggressione, la glorificazione dell'eroismo popolare nelle guerre rivoluzionarie e di liberazione, con l'educazione dei sentimenti patriottici civili nel popolo . Nel XX secolo, nell'era delle guerre mondiali distruttive, le opere che riflettono la crudeltà delle guerre imperialiste, le innumerevoli sofferenze dei popoli e la loro disponibilità a combattere per la libertà sono strettamente legate al genere della battaglia, ai generi storici e quotidiani.
Immagini di battaglie e campagne sono note nell'arte fin dall'antichità (rilievi dell'Antico Oriente, pittura vascolare greca antica, rilievi sui frontoni e sui fregi dei templi, sugli archi di trionfo e sulle colonne dell'antica Roma). Nel Medioevo, le battaglie erano raffigurate in miniature di libri europei e orientali ("Collezione di cronache sul dritto", Mosca, XVI secolo), a volte su icone; sono note anche immagini su tessuto ("Tappeto di Bayeux" con scene di conquista dell'Inghilterra da parte dei feudatari normanni, 1073-83 circa); numerose scene di battaglia nei rilievi della Cina e della Kampuchea, dipinti indiani, pittura giapponese. Nei secoli XV-XVI, durante il Rinascimento in Italia, furono create immagini di battaglie da Paolo Uccello e Piero della Francesca. Le scene di battaglia hanno ricevuto una generalizzazione eroica e un grande contenuto ideologico in cartone per affreschi di Leonardo da Vinci ("Battaglia di Angyari", 1503-06), che ha mostrato la ferocia della battaglia, e Michelangelo ("Battaglia di Kashin", 1504-06 ), che accentuava la prontezza eroica dei guerrieri al combattimento. Tiziano (la cosiddetta "Battaglia di Cador", 1537-38) introdusse nella scena della battaglia l'ambiente reale, e Tintoretto - innumerevoli masse di guerrieri ("Battaglia dell'alba", 1585 circa). Nella formazione del genere battaglia nel 17 ° secolo. grande ruolo ha mostrato una forte esposizione della rapina e della crudeltà dei soldati nelle acqueforti del francese J. Callot, la profonda divulgazione del significato storico-sociale e del significato etico degli eventi militari da parte dello spagnolo D. Velazquez ("La resa di Breda", 1634 ), la dinamica e il dramma dei dipinti di battaglia del fiammingo PP Rubens. Più tardi, emersero pittori di battaglie professionisti (AF van der Meulen in Francia), si formarono tipi di composizione condizionatamente allegorica, esaltando il comandante, presentato sullo sfondo della battaglia (C. Lebrun in Francia), un piccolo quadro di battaglia con una spettacolare raffigurazione di scontri di cavalleria, episodi di quotidianità militare (F. Wowerman in Olanda) e scene di battaglie navali (W. van de Velde in Olanda). Nel XVIII sec. in connessione con la guerra d'indipendenza, le opere del genere della battaglia apparvero nella pittura americana (B. West, JS Copley, J. Trumbull), nacque il genere della battaglia patriottica russa - i dipinti "La battaglia di Kulikovo" e "La battaglia di Poltava" attribuito a IN Nikitin, incisioni di AF Zubov, mosaici della bottega di MV Lomonosov "La battaglia di Poltava" (1762-64), composizioni storico-battaglia di GI Ugryumov, acquerelli di MM Ivanov. La Grande Rivoluzione francese (1789-94) e le guerre napoleoniche si riflettevano nell'opera di molti artisti: A. Gro (che passò dall'essere trascinato dal romanticismo delle guerre rivoluzionarie all'esaltazione di Napoleone I), T. Gericault ( che ha creato le immagini eroiche e romantiche dell'epopea napoleonica), F. Goya (che ha mostrato il dramma della lotta del popolo spagnolo contro gli interventisti francesi). Lo storicismo e il pathos amante della libertà del romanticismo erano chiaramente espressi nei dipinti storici di battaglia di E. Delacroix, ispirati agli eventi della Rivoluzione di luglio del 1830 in Francia. I movimenti di liberazione nazionale in Europa sono stati ispirati dalle composizioni di battaglie romantiche di P. Michalovsky e A. Orlovsky in Polonia, G. Wappers in Belgio, e più tardi J. Matejko in Polonia, M. Alesha, J. Cermak nella Repubblica Ceca, e altri In Francia, in Nel dipinto ufficiale della battaglia (O. Vernet), gli effetti falso-romantici sono stati combinati con la plausibilità esterna. La pittura accademica russa di battaglia da composizioni tradizionalmente convenzionali con il comandante al centro è andata a una maggiore accuratezza documentaria del quadro generale della battaglia e dei dettagli di genere (A.I.Sauerweid, B.P. Villevalde, A.E. Kotsebue). Al di fuori della tradizione accademica del genere di battaglia, c'erano le stampe popolari di I. I. Terebenev dedicate alla guerra patriottica del 1812, "scene cosacche" nelle litografie di Orlovsky, disegni di P. A. Fedotov, G. G. Gagarin, M. Yu. Lermontov, litografie di V. F. Timma.
Lo sviluppo del realismo nella seconda metà del XIX - inizio XX secolo. ha portato al rafforzamento del paesaggio, del genere, a volte degli inizi psicologici nel genere della battaglia, dell'attenzione alle azioni, delle esperienze, della vita dei soldati ordinari (A. Menzel in Germania, J. Fattori in Italia, W. Homer negli Stati Uniti, M. Gerymsky in Polonia, N. Grigorescu in Romania, J. Veshin in Bulgaria). Una rappresentazione realistica degli episodi della guerra franco-prussiana del 1870-71 è stata data dai francesi E. Detail e A. Neuville. In Russia fiorisce l'arte della pittura di battaglie navali (IK Aivazovsky, A.P. Bogolyubov), compaiono dipinti di battaglie (P.O.Kovalevsky, V.D. Con spietata sincerità, V.V. Vereshchagin ha mostrato la dura vita quotidiana della guerra, denunciando il militarismo e catturando il coraggio e la sofferenza della gente. Il realismo e il rifiuto degli schemi convenzionali sono anche inerenti al genere di battaglia degli Itineranti - I.M.Pryanishnikov, A.D. Kivshenko, V.I. Il più grande maestro del panorama bellico fu F.A. Roubaud. Nel XX sec. sociale e liberazione nazionale rivoluzione, senza precedenti guerre distruttive ha cambiato radicalmente il genere di battaglia, ampliandone i confini e il significato artistico. In molte opere del genere battaglia, questioni storiche, filosofiche e sociali, problemi di pace e guerra, fascismo e guerra, guerra e società umana e altri Nei paesi della dittatura fascista, la forza bruta e la crudeltà erano glorificate in forme senz'anima, falso-monumentali.
In contrasto con l'apologia del militarismo, il belga F. Maserel, gli artisti tedeschi K. Kollwitz e O. Dix, l'inglese F. Brangwin, il messicano HK Orozco, il pittore francese P. Picasso, i pittori giapponesi Maruka Iri e Maruki Toshiko e altri, protestando contro il fascismo, le guerre imperialiste, la brutale disumanità, hanno creato immagini simboliche e luminose della tragedia popolare.
Nell'arte sovietica, il genere della battaglia era molto sviluppato, esprimendo l'idea di proteggere la patria socialista, l'unità dell'esercito e del popolo, rivelando la natura di classe delle guerre. I pittori di battaglia sovietici hanno evidenziato l'immagine del soldato-patriota sovietico, la sua fermezza e coraggio, l'amore per la Patria e la volontà di vittoria.
Il genere della battaglia sovietica si è formato nella grafica del periodo Guerra civile 1918-20, e poi nei dipinti di M. B. Grekov, M. I. Avilov, F. S. Bogorodsky, P. M. Shukhmin, K. S. Petrov-Vodkin, A. A. Deineka, G. K. Savitsky, N. S. Samokish, R. R. Franz; ha sperimentato una nuova ondata durante la Grande Guerra Patriottica del 1941-45 e negli anni del dopoguerra - in manifesti e finestre TASS, grafica di prima linea, cicli grafici di D. A. Shmarinov, A. F. Pakhomov, B. I. Prorokov e altri. , dipinti di Deineka, Kukryniksy, membri dello Studio of War Artists intitolato a MB Grekov (PA Krivonogov, BM Nemensky, ecc.), nella scultura di YJ Mikenas, EV Vuchetich, M. K Anikushina, A. P. Kibalnikov, V. E. Tsigalya e altri.
Nell'arte dei paesi socialisti e nell'arte progressista dei paesi capitalisti, opere del genere battaglia sono dedicate alla rappresentazione di battaglie antifasciste e rivoluzionarie, i principali eventi della storia nazionale (K. Dunikovsky in Polonia, J. Andreevich-Kuhn, GA Kos e P. Lubard in Jugoslavia, J. Salim in Iraq), la storia della lotta di liberazione dei popoli (M. Lingner nella DDR, R. Guttuso in Italia, D. Siqueiros in Messico).
L'artista di Vereshchagin combatte la guerra
Parte principale
Vasily Vasilyevich Vereshchagin (1842-1904) è stato un eccezionale pittore russo di battaglie, che ha guadagnato fama mondiale durante la sua vita.
Vasily Vereshchagin era l'autore di una serie di dipinti che riflettevano fedelmente e con profondo dramma le guerre combattute dalla Russia, catturavano la crudele vita quotidiana della guerra, la severità e l'eroismo della causa militare. Vasily Vereshchagin ha creato dipinti del ciclo di battaglia sui temi della guerra patriottica del 1812, della campagna del Turkestan e della guerra nei Balcani. In centinaia di generi, dipinti di paesaggi Vereshchagin rifletteva le sue impressioni di viaggio nei paesi dell'Est. Viaggiando molto, l'artista ha dominato il genere della pittura documentario-etnografica.
Vasily Vereshchagin è uno di quei relativamente pochi artisti russi della seconda metà del XIX secolo che hanno raggiunto la fama mondiale durante la loro vita. Le sue mostre sono state ripetutamente tenute in Europa occidentale e in America. Solo negli ultimi dieci anni della sua vita ha realizzato più di trenta mostre personali, la metà delle quali all'estero. Spesso le sue mostre erano vietate, spesso accompagnate da scandali, sulla stampa Vereshchagin veniva sgridato o chiamato genio. Sia la provincia russa che le capitali europee erano ugualmente interessate al suo lavoro.
Vereshchagin era più attento all'esposizione dei suoi dipinti rispetto ad altri artisti russi, introducendo molte cose nuove in quest'area: alle sue mostre, accanto ai dipinti, si potevano mostrare oggetti e armi esotiche per la casa, collezioni di minerali e animali imbalsamati, la musica suonava: un pianoforte, un organo, un armonium. In effetti, le mostre furono forse il vero ambiente dei suoi dipinti, anche se, ovviamente, in seguito finirono nelle collezioni dei musei. Ma non la collezione di un amante dell'arte, non le pareti di un ricco salone, come avrebbe potuto essere nel XVIII e all'inizio del XIX secolo, erano il loro vero rifugio, ma la visione pubblica, l'incontro con grande quantità spettatori, influenza attiva sulle menti e sui cuori delle "masse". La caratteristica più importante della pittura del XIX secolo - il desiderio per l'attualità della trama, per l'acutezza giornalistica della posizione dell'artista - si è manifestata in Vereshchagin quasi nella sua forma estrema. L'attualità della trama era per lui uno dei criteri principali della creatività. L'artista ha visto il suo compito nel dimostrare vari fenomeni negativi nella vita dell'umanità che ostacolano il progresso: gli orrori della guerra, le ingiustizie, i costumi obsoleti. L'utilità artistica di un quadro è quindi necessaria per il pieno valore delle prove in esso contenute, ma la creatività stessa è soggetta a una necessità che esula dall'ambito dell'arte stessa. Sforzandosi di trascendere puramente compiti artistici- anche una caratteristica essenziale dell'arte russa di questo tempo. E in questo, oltre che nel pathos educativo della sua opera, Vereshchagin è la figura più caratteristica della pittura russa della seconda metà dell'Ottocento.
Tuttavia, Vereshchagin rimase una figura a parte nell'arte russa, principalmente per il fatto che non si unì mai agli Itineranti. Ha ripetutamente motivato il suo rifiuto dal fatto che i suoi dipinti dovrebbero "dire qualcosa", mentre altre tele avrebbero solo distratto l'attenzione da loro, "... ho sviluppato la mia tecnica, ho molte cose interessanti da dire e ho insegnato alla società che non c'è menzogna e falsità; verranno sempre a guardarmi - perché ho bisogno di compagnia? " - non senza orgoglio scrisse a V.V. Stasov.
La biografia di Vereshchagin dal suo lato movimentato è piuttosto pittoresca. Nacque in una povera famiglia di proprietari terrieri, si laureò, su insistenza dei suoi genitori, presso il Corpo dei cadetti navali di San Pietroburgo. Non sentendo il desiderio di diventare un ufficiale, Vereshchagin, essendo una persona estremamente determinata e orgogliosa fin dall'infanzia, si diploma al corpo come primo studente, nonostante il fatto che da quel momento si sia seriamente impegnato nel disegno. Dopo essersi dimesso, ha studiato all'Accademia delle Arti per tre anni, ma poi l'ha lasciata, notando questo fatto bruciando un cartone approvato dalle autorità su un tema di mitologia antica... In futuro, Vereshchagin brucerà le sue opere più di una volta - questa diventerà per lui una delle forme di protesta, difendendo il suo diritto all'indipendenza. Buttare via l'Accademia. L'artista va nel Caucaso. dove riempie tre grossi album di acquerelli e disegni, poi a Parigi. Lì studiò per tre anni all'Accademia Jerome. Alla fine degli anni Sessanta era già un artista completamente formato.
Vereshchagin ha viaggiato molto, ha partecipato a molte guerre, il suo destino era quasi un'avventura. "Per dare alla società un'immagine di una guerra vera, genuina. - Non puoi guardare la battaglia attraverso il binocolo da una bella distanza, ma devi sentire e fare tutto da solo, partecipare ad attacchi, assalti, vittorie, sconfitte, provare la fame, freddo, malattia, ferite... Non devi aver paura di sacrificare il tuo sangue, la tua carne, altrimenti i dipinti non saranno "giusti", scriveva l'artista. Per la prima volta alle ostilità prese parte nel 1867-1970, quando fu assegnato come volontario all'esercito russo di stanza al confine russo-cinese.Partecipando alle battaglie, Vereshchagin mostrò un coraggio e una risolutezza straordinari, "in tutte le sortite che era davanti", come riferiscono i suoi contemporanei, era spesso sul punto di la morte da un intero distaccamento di abitanti della steppa, che si è poi riflesso nei film "Attacco di sorpresa" e "Circondato - perseguitato". (che nelle condizioni delle ostilità potrebbe costargli la vita), è stato insignito della Croce di San Giorgio per il coraggio personale - e questo è stato l'unico premio che non ha rifiutato in tutta la sua vita.
Sulla base delle impressioni del Turkestan, in seguito, durante il suo soggiorno a Monaco, Vereshchagin creò una serie di dipinti. Insieme a loro, ci sono studi che differiscono quasi nella stessa misura di completezza. Vereshchagin era caratterizzato da lavori in serie, ognuno dei quali gli sembrava una sorta di "poema epico". Le immagini sono state spesso create da lui come accoppiate: "Dopo la fortuna (vincitori)" e "Dopo il fallimento (sconfitto)", "Al muro della fortezza. Lasciali entrare" e "Al muro della fortezza. Entrato". Tutto ciò ha cambiato le idee tradizionali sull'immagine, così come il fatto che le tele di Vereshchagin erano spesso accompagnate da iscrizioni sulla cornice, che spiegavano e commentavano il contenuto dell'immagine. Quindi, la cosa centrale Serie Turkestan- "L'Apoteosi della Guerra" (1871) - dotato del testo: "Dedicato a tutti i grandi conquistatori, passati, presenti e futuri". Ciò conferisce al quadro un pathos che va oltre la descrizione di un fatto storico specifico (in origine il quadro doveva chiamarsi "L'Apoteosi di Tamerlano") e lo trasforma in un'accusa allegorica della guerra in generale.
Vereshchagin, quindi, ha scelto la guerra come soggetto della sua rappresentazione proprio perché ha combattuto la guerra come manifestazione di disumanità, innaturalità e malvagità. La posizione dell'illuminatore si manifesta in questo in modo abbastanza coerente e convincente. Lo stesso Vereshchagin era un uomo coraggioso e coraggioso. Prendendo parte alle ostilità, ha più volte eseguito imprese, audaci sortite, per le quali ha ricevuto premi. Il suo coraggio si estendeva alla creatività, manifestandosi in una schietta esibizione dei disastri della guerra, la severità della vita di un soldato. Per questo Vereshchagin fu perseguitato, sottoposto a pubblica condanna, costretto a distruggere le sue opere. Tuttavia, l'artista, da vero illuminatore, continuò coraggiosamente il suo lavoro, trascurando il pericolo. Possedeva la vera verità del documento. Vereshchagin non ha inventato un singolo dettaglio dalla sua testa, non una singola situazione militare, che ha riprodotto nella foto, non è stata inventata. Tutto è stato controllato da lui nei minimi dettagli, testato sulla propria esperienza. Ha portato una testimonianza viva e affidabile della guerra. Ed era proprio questa la garanzia del suo successo.
Il compito stesso della performance pubblicitaria contro la guerra con l'aiuto della pittura ha determinato il sistema pittorico sviluppato da Vereshchagin e il metodo di lavoro che ha usato. Erano anche la ragione della differenza tra Vereshchagin e altri artisti realisti della seconda metà del XIX secolo, che predeterminava l'indipendenza delle sue esibizioni al di fuori delle mostre itineranti. Vereshchagin ha lavorato su intere serie di dipinti e ha esposto in mostre. Il lavoro su ogni episodio si è protratto a volte per diversi anni. E a volte è stato rinviato a causa del fatto che è stato interrotto da una guerra iniziata da qualche parte. Di solito, l'artista si recava subito sul teatro delle operazioni militari e, quando possibile, partecipava personalmente alla guerra (è stato il caso dell'Asia centrale alla fine degli anni '60 e sul fronte russo-turco nel 1876-1877). Dopo aver raccolto ampio materiale di studio direttamente durante la guerra, si ritirò nel suo studio (ad eccezione della Russia, Vereshchagin lavorò a Monaco e Parigi) e dipinse quadri, creò serie. Dopo essersi diplomato, ha esposto i suoi dipinti sia in Russia che all'estero, ha accompagnato lui stesso le sue mostre in tutto il mondo, spiegando i principi del suo lavoro e il significato delle sue opere. Alla prima così grande mostra dedicata al Turkestan, l'artista ha mostrato non solo dipinti e schizzi, ma anche oggetti per la casa, armi delle popolazioni locali. La mostra acquista così un sapore etnografico e storico. Per una delle successive mostre dedicate alla Guerra Patriottica del 1812, l'artista scrisse uno speciale saggio storico, spiegando il suo punto di vista su questa guerra, la sua natura, forze motrici eccetera. Tutti questi documenti e principi di visualizzazione sono completamente subordinati all'attuazione dei compiti educativi stabiliti dall'artista.
È significativo che le grandi serie, che consistevano in diverse decine o addirittura centinaia di reperti, contenessero piccole serie "in se stesse". Una serie così piccola era una storia su uno scontro di soldati russi e truppe del Turkestan, che consisteva in una dozzina di tele, o un "trittico" "Tutto è calmo su Shipka" da una serie di opere dedicate alla guerra russo-turca. I piccoli episodi erano una sorta di "storie di continuazione". Nessuno dei Vagabondi usava una tale tecnica. A Vereshchagin, per così dire, mancava un'immagine. Non poteva inserire in un'immagine una storia lunga e complessa su un evento militare. Espandendo il lasso di tempo, questa tecnica ha liberato Vereshchagin dalla necessità di concentrare sia l'azione che lo stato psicologico dei personaggi in una situazione. Questa era un'altra ragione per la libertà dell'artista dallo psicologismo, di cui Kramskoy si lamentava.
Le attività di Vereshchagin si sono sviluppate molto intensamente per quattro decenni. L'artista nacque a Cherepovets in una famiglia nobile nel 1842 e morì nel 1904 durante la guerra russo-giapponese a Port Arthur durante l'esplosione della corazzata Petropavlovsk - morì insieme all'ammiraglio Makarov. Vereshchagin entrò all'Accademia di San Pietroburgo nel 1860, contro la volontà dei suoi genitori. In precedenza, ha studiato presso il corpo dei cadetti. Dopo aver studiato per diversi anni in Accademia con A.E. Beideman, Vereshchagin la lasciò e andò a Parigi da solo, dove studiò all'accademia e prese anche lezioni da famoso pittore senso accademico Girolamo. L'attività indipendente di Vereshchagin iniziò a metà degli anni '60. Già prima della campagna del Turkestan riuscì a compiere due viaggi nel Caucaso e a realizzare diverse opere tipiche degli anni '60. I più significativi sono il disegno "Processione religiosa alla festa di Makharem a Shusha" (1865) e schizzi e studi per il dipinto "Barge Haulers" (metà degli anni '60). L'ultimo dei due temi è abbastanza comune nell'arte e nella letteratura russa. Gli schizzi di Vereshchagin rivelano una serie di opere create prima dei famosi Barge Haulers di Repin sul Volga. Questa serie è composta da dipinti di P.O. "Trazione a rimorchio sul fiume Izhora" di Kovalevsky (1868) e A.K. Savrasov "Trasportatori di chiatte sul Volga" (1871). Vereshchagin, per così dire, dà il tono a questa linea. La trama di "Burlakov" è stata scelta in tutti questi casi per obiettivi critici. Gli artisti hanno denunciato il fatto di un delitto contro le persone, paragonato a animali da tiro. In Vereshchagin, questa tendenza è forse più pronunciata che nei suoi contemporanei. I suoi trasportatori di chiatte sono emaciati, esausti; riescono a malapena a muovere le gambe. Lo stesso illuminante pathos riempie il suddetto disegno raffigurante una processione religiosa di fanatici. La denuncia delle tenebre delle persone, dei loro pregiudizi religiosi, va di pari passo con la critica delle ingiustizie sociali. Vereshchagin, come tutti gli altri anni Sessanta, usava ogni scusa per denunciare. Nella "Processione religiosa" si dovrebbe evidenziare un'altra caratteristica degli anni '60: l'etnografia, che ha dato un colore speciale all'arte del decennio dell'Illuminismo. In quegli anni, i pittori di genere si recavano in diversi paesi o in angoli remoti della Russia per catturare scene vita popolare... Un numero piuttosto elevato di opere etnografiche di questo tipo è stato riprodotto nel "Foglio d'arte" pubblicato da V.F. Tim nel 1851-1862. Quindi, Vereshchagin è già all'inizio attività artisticheè riuscito a sintetizzare nel suo lavoro diverse caratteristiche dell'arte contemporanea. Per implementare le sue posizioni, ha usato il generalmente accettato in quel momento in pittura europea il linguaggio del realismo un po' accademico. Come abbiamo visto in precedenza, questa lingua è stata il punto di partenza per molti degli anni Sessanta. Ma da Vereshchagin acquisì alcune caratteristiche rispetto ai suoi contemporanei russi, poiché l'artista subì una certa influenza da Girolamo e da altri pittori francesi.
Il primo successo di Vereshchagin fu associato alla serie del Turkestan (1868-1873), che mostrava l'abilità matura dell'artista. A differenza di quella balcanica, questa serie è, per così dire, divisa tra soggetti etnografici e militari. Vereshchagin inizia con il primo (ad esempio, "Opiumoedy", 1868), subordinandoli ai compiti della critica sociale. V ulteriore artista crea molte altre immagini di questo tipo: "The Sale of a Slave Child" (1871-1872), "Samarkand Zindan" (1873). Questi dipinti recano ancora evidenti tracce degli anni Sessanta. Ma accanto a loro - anche al di fuori delle trame puramente di battaglia - ci sono già opere che mostrano altre tendenze. Tali opere includono, ad esempio, "Un ricco cacciatore del Kirghizistan con un falco" (1871). In questa composizione a una figura si fa sentire un nuovo approccio, caratteristico di molti artisti degli anni '70: un interesse per il fenomeno in quanto tale. L'atteggiamento fiero del cacciatore che tiene un bel falco sulla mano alzata verso l'alto, la vivacità cromatica della tela, che la distingue dai dipinti degli anni '60 - più secchi e di colore scarno, testimoniano anche la nota ammirazione dell'artista per il soggetto dell'immagine. È vero, il "protocollo" di Vereshchagin, che si manifesta anche in quest'opera, limita la capacità dell'artista di rivelare la sua relazione con l'oggetto. Ma l'oggetto stesso esprime chiaramente la propria connotazione positiva.
Appartengono a opere di tipo nuovo anche altri due dipinti che testimoniano gli interessi etnografici dell'artista - "Le porte di Tamerlano" (1872-1873) e "Alle porte della moschea" (1873). Questi dipinti sono collegati tra loro. principi generali composizione e interpretazione pittorica, oggetti dell'immagine. Ma uno è scritto su una trama storica e l'altro su una trama moderna. Vereshchagin è riuscito a trasmettere questa differenza dalla struttura stessa dei dipinti. Il primo di essi ricrea espressivamente l'immagine della simmetria orientale medievale, dell'immobilità, della rigidità monumentale. Due guerrieri, vestiti con abiti magnifici, le loro armi - archi, frecce, scudi e lance, ombre dure che cadono sul pavimento e sui muri e sembrano avere figure inchiodate allo stipite della porta - tutto è in un certo torpore e testimonia forza, potenza, tradizione, cultura rituale. I modi di Vereshchagin: l'accurata rifinitura di ogni dettaglio (porta intagliata, vestiti), uguale in tutte le parti, la "colorazione" intensa di tutti gli oggetti risulta adatta a tale immagine storica oriente medievale. Nella seconda immagine, le figure interpretate dal genere di due viaggiatori che sono venuti alle porte della moschea e si riposano vicino a loro, danno all'intera scena una sfumatura di vita quotidiana.
La base della serie del Turkestan è costituita da composizioni di battaglia, che, come le due opere sopra menzionate, sono combinate tra loro: a volte in coppia ("Dopo la fortuna", "Dopo il fallimento" (entrambi 1868), "Al muro della fortezza. Lasciali entrare", "Al muro della fortezza. Entrato "(entrambi 1871)), e talvolta in grandi gruppi. Al centro dell'intera esposizione del Turkestan c'era una serie di dipinti intitolati "I barbari", che mostravano coerentemente l'episodio della morte dei soldati del distaccamento russo, colti di sorpresa dalla cavalleria dell'emiro di Bukhara. Come nel cinema, Vereshchagin cambia la scena e gli osservatori raffigurati della scena più volte durante la serie. Per prima cosa vengono mostrati gli esploratori di Bukhara, che stanno cercando le posizioni dei russi, per poi attaccarli inaspettatamente. Questa immagine offre una vista dal punto di vista e dalla posizione di questi esploratori di Bukhara, quasi coincidendo con il punto di vista di chi guarda l'immagine. Nelle immagini seguenti, lo spettatore diventa l'unico osservatore: vede una scena di un attacco inaspettato della cavalleria di Bukhara e dei soldati russi in difesa. Poi - nella scena successiva - l'inseguimento di questi soldati. Successivamente, la scena dell'azione viene trasferita al campo del nemico: all'emiro vengono presentati trofei: le teste mozzate dei soldati russi, quindi queste teste, piantate su pali alti, vengono mostrate alle persone vicino alla moschea. La serie si conclude con il dipinto "L'apoteosi della guerra" (1871-1872), in cui lo spettatore vede una montagna di teschi che formano un'intera piramide sullo sfondo di un deserto bruciato e una città abbandonata in rovina. È come una scena senza tempo; è associato a guerre e conquiste di portata grandiosa che hanno avuto luogo nel territorio del Turkestan ai vecchi tempi. Allo stesso tempo, è dedicato, come si evince dall'iscrizione dell'artista stesso, "a tutti i grandi conquistatori, passati, presenti e futuri". Come puoi vedere, la serie di Vereshchagin non è solo una storia sequenziale per immagini, è piuttosto un montaggio che prevede e luoghi differenti azioni, e diverse posizioni dell'osservatore, e anche la differenza di tempo a cui appartiene la scena mostrata.
Le trame scelte da Vereshchagin sono estremamente efficaci. Appartengono alle situazioni più acute, agli episodi più "sanguinosi", testimoniando eloquentemente gli orrori della guerra e la barbarie dei vincitori. La scelta degli episodi è uno dei mezzi più importanti con cui un artista raggiunge l'espressività e l'efficacia dei suoi dipinti. L'artista cerca di utilizzare, prima di tutto, ciò che la realtà stessa dà, ed è attraverso questo che ottiene un effetto.
Per quanto riguarda le caratteristiche psicologiche dei personaggi, questo compito è ristretto nei dipinti di Vereshchagin. Un ruolo significativo nei suoi dipinti è giocato dall'identificazione dell'originalità di figure e pose, che, per così dire, sostituisce le espressioni facciali. L'artista cattura pose e gesti con precisione quasi fotografica. A questo proposito, un'immagine è particolarmente caratteristica, non inclusa nella serie "I barbari", ma che occupò un posto importante nell'esposizione generale del Turkestan - "Il ferito mortale" (1873). A differenza della maggior parte degli altri dipinti in questo avvicinamento, - come se accanto allo spettatore fosse raffigurato un soldato, che lancia una pistola a terra e si preme le mani sul petto, dove ha colpito un proiettile nemico. Corre, apparentemente facendo i suoi ultimi passi prima di cadere morto. Questa corsa meccanica di morte, il gesto delle mani che tengono la ferita, sono visti dall'artista in modo nitido, preciso e convincente. Ritroviamo le stesse tecniche nei dipinti della serie "Barbari".
La composizione dei dipinti della serie non è costruita "dall'interno" mediante la lavorazione di materiale naturale, ma è accostata alla tecnica del "ritagliamento" della natura. Ma questo "ritaglio" avviene in modo tale che nello stesso pezzo di realtà catturato dall'artista (anche se a volte questa scena non era davanti ai suoi occhi), esiste già una certa simmetria, o almeno un equilibrio generale di parti. Indicativo a questo proposito è il dipinto "Trionfo" (1871-1872), dove la base della composizione è la facciata della moschea, vicino alla quale sono raffigurate le persone, che formano naturalmente una figura di per sé equilibrata. Lo stesso si può dire della composizione "Apoteosi della guerra", dove il centro è accentuato, segnato da una piramide di teschi, ai lati della quale si dispiega un paesaggio che si estende in lontananza. Un tale sistema compositivo ricorda il movimento itinerante. Tuttavia, Vereshchagin ha un elemento più forte della natura, mentre i Vagabondi cambiano ancora in gran parte la natura, costruendo una composizione e non solo accontentandosi dell'opportunità di trovare la composizione "nella cornice".
Le differenze tra Vereshchagin e gli Itineranti sono evidenti anche nell'interpretazione dei colori dei dipinti della serie Turkestan. Negli anni '70, la pittura realistica russa si è separata dal sistema del cut-off e si è trasformata in tonal per prendere presto la via del plein air. Vereshchagin, che ha preso l'esperienza non solo della pittura russa, ma anche francese, forse prima di altre, si è dedicata ai compiti del sistema tonale e plein air. Dipinge scene in piena luce solare, cerca di combinare tutti i colori, avvicinandoli l'uno all'altro e trovandoli in grigio e fiori gialli quella base della composizione pittorica, che permette di unire la tela pittorica nel suo insieme. Tuttavia, allo stesso tempo Vereshchagin non porta a termine il vero plein air. È più soddisfatto dell'effetto esterno: gli piace proiettare ombre spesse dagli oggetti sul terreno, creando l'aspetto dell'illuminazione; in lontananza, indebolisce piuttosto i colori, ma non li modifica; l'interazione di luce e colore è ostacolata dai contorni chiari di oggetti e figure. Il colore degli oggetti è trasmesso dall'artista in modo accurato, ma in una certa misura fotografica. Solo poche opere - come il bozzetto dal vero "Carri kirghisi nella valle del fiume Chu" (1869-1870) - fanno eccezione a questa regola. In "Kibitki", nonostante alcuni dettagli siano scritti in primo piano, vengono interpretati in modo più libero e complesso secondo i rapporti pittoreschi dei colori blu, bianco-rosa, viola. Quest'opera testimonia le grandi possibilità dell'artista nel campo del plein air, che non sono state utilizzate nel suo lavoro futuro. Nel 1874 Vereshchagin andò in India. Questo viaggio non era legato alla guerra. Piuttosto, è stato suscitato dagli interessi etnografici di Vereshchagin. Ma l'artista non si è fermato solo ai compiti etnografici. Eseguì anche una serie di dipinti storici (scritti, tuttavia, in seguito), interpretati in un progetto edificante, in cui i piani illuministici dell'artista furono ulteriormente sviluppati. Il ciclo indiano si divise così in due parti. Uno consisteva in dipinti, schizzi, paesaggi, cioè opere a grandezza naturale. L'altro è da scene storiche composte dall'artista. La prima parte è stata creata principalmente durante il suo soggiorno in India - nel 1874-1876. Il secondo era appena iniziato in questi anni, proseguito a cavallo degli anni '70-'80 (dopo il ritorno dell'artista dal fronte balcanico), e terminato dopo il secondo viaggio in India, avvenuto nel 1882-1883.
Va detto subito che questi dipinti storici, con poche eccezioni, non hanno funzionato per l'artista. Essendosi prefissato l'obiettivo di rappresentare la storia della "sequestro dell'India da parte degli inglesi" (come lo stesso artista ha affermato), Vereshchagin si è rivelato troppo istruttivo, dimostrativo nel genere storico. Inoltre, i suoi dipinti sembrano immaginari e ingombranti. L'unica eccezione è il quadro generale - "La soppressione della rivolta indiana da parte degli inglesi" (1884), che ha incluso in un'altra serie - "La trilogia delle esecuzioni", creata a metà degli anni '80. Vereshchagin in questa immagine raffigurava i sepoy indù ribelli, legati con la schiena alle bocche dei cannoni e in attesa di un colpo alla schiena. Anche qui viene scelta una trama tagliente, si trova un momento che fa rabbrividire e orrore allo spettatore.
Tra le opere naturali create in India, spiccano schizzi come "Kuli" (1875), che sono morbidi nella pittura e profondi nella loro interpretazione della figura e della testa di un indiano. In alcuni paesaggi ("Il tempio principale del monastero di Tassiding", 1875) l'artista ha continuato la tradizione del plein-air di opere come "Kibitki". Ma nella maggior parte delle opere della natura si avvertono altre tendenze: il desiderio di ricchezza, intensità e varietà di colori. Questa tendenza è stata vividamente espressa da opere come "Il Taj Mahal ad Agra" (1874-1876) e "Il cavaliere a Jaipur" (1881-1882). Nel Taj Mahal, l'artista contrappone nettamente il colore blu uniforme del cielo, quasi ripetuto nel blu dell'acqua, con i colori bianco e rosso dell'architettura. Il riflesso degli edifici nell'acqua conserva quasi completamente questo contrasto e ammorbidisce solo leggermente la nitidezza dei contorni e la chiarezza delle linee che vengono utilizzate nella caratterizzazione plastica dell'architettura. La luminosità di Vereshchagin non gli apre la strada all'aria aperta, ma, al contrario, lo allontana da esso. Allo stesso tempo, questo lavoro non può essere negato nell'efficienza e nell'accuratezza del trasferimento della natura. Quanto a The Horseman in Jaipur, questo studio, più di ogni altra opera dell'artista, rifletteva l'influenza della pittura del salotto francese.
Alla fine degli anni '70 cade il tempo per la realizzazione di una serie di dipinti dedicati alla guerra russo-turca. Forse in queste opere Vereshchagin si avvicinò di più agli Itineranti, che in quegli anni stavano vivendo il loro periodo di massimo splendore. I dipinti balcanici non formano più serie estese come i dipinti del Turkestan e l'enfasi è spostata su un dipinto separato. Solo poche trame sono realizzate in pochi film. Questi includono il trittico "Tutto è calmo su Shipka" (1878-1879), che raffigura un episodio della morte di un soldato-sentinella russo, gradualmente coperto di neve. In altri casi, anche quando si combinano le immagini in una serie, ognuna di esse sembra più indipendente, contenente in sé significato principale... Questo si può dire di due tele: "Prima dell'attacco" e "Dopo l'attacco" (entrambe del 1881). Non esiste più il vecchio principio del "racconto con continuazione". La prima delle immagini mostra il coraggio e la concentrazione dei soldati russi, la loro prontezza alla battaglia. La seconda mostra il difficile destino di un soldato, gli orrori della guerra. Entrambi potrebbero esistere separatamente. Lo stesso si può dire di un'altra "coppia" di dipinti: "The Winners" (1878-1879) e "The Vanquished" (1877-1879). Quest'ultimo è uno dei migliori lavori della serie. Raffigura un prete del reggimento che esegue un requiem per i morti, i cui cadaveri mutilati sono sparsi su un campo coperto di neve. Sullo sfondo di questo campo e del cielo grigio sono disegnate due figure maschili. Le loro pose, il paesaggio grigio e opaco, la sua desolazione: tutto ciò crea una scena terrificante delle vittime della guerra, la morte insensata di centinaia di persone.
Rispetto alle immagini del ciclo del Turkestan, quelle balcaniche sono aumentate di dimensioni. Non c'è vistosità accattivante in loro; la gamma cromatica è più modesta, cosa sicuramente spiegata non solo dall'evoluzione del maestro, ma anche dalla natura dei Balcani. Il soggetto stesso dell'immagine ha contribuito a quei cambiamenti che hanno avvicinato l'artista al genere itinerante. I dipinti di Vereshchagin iniziarono ad assomigliare in molti modi alle composizioni "corali" di Myasoedov o Savitsky, pur mantenendo lo stesso documentario, veridicità e accuratezza della guerra. Queste caratteristiche sono state più pienamente manifestate nel dipinto "Shipka-Sheinovo. Skobelev pod Shipka" (1878-1879). Sullo sfondo, l'artista ha mostrato il momento solenne della sfilata delle truppe in occasione della vittoria. I soldati alzano i berretti, salutando Skobelev, che passa di corsa su un cavallo bianco. Sul primo piano gli uccisi sono raffigurati, ancora una volta con la stessa crudele veridicità e incrollabile accuratezza. I corpi dei morti mentono come può essere solo nella realtà: alcuni sono contorti, altri sono stranamente piegati e altri ancora sono con le mani alzate. Cantando al soldato russo, Vereshchagin simpatizza con lui con tutto il cuore. La composizione del dipinto sembra costruita in modo più ponderato rispetto ai lavori precedenti. Non c'è una simmetria completa in esso, ma c'è un equilibrio generale dei lati.
I percorsi di sviluppo creativo hanno avvicinato sempre più Vereshchagin al genere storico. Dagli anni '80 genere storico non solo ha "equiparato" i suoi diritti al genere della vita quotidiana, ma ha anche avuto l'opportunità di esprimere idee che il genere della vita quotidiana non poteva realizzare. Il quadro storico è diventato un modo per il pensiero pubblico di comprendere l'originalità storica del popolo, le vie della Russia e il suo futuro. Questa nuova tendenza si è manifestata in modo più coerente nell'opera di Surikov. In misura minore, ha colpito altri artisti, in particolare Vereshchagin. Ciò è stato evidenziato dalla sua "serie di esecuzioni", che includeva la sopra descritta "Soppressione della rivolta indiana da parte degli inglesi", "Crocifissione da parte dei romani" (1887) e "Esecuzione di cospiratori in Russia" (1884-1885) . L'ultimo quadro è dedicato ai Primi Martiri, ma allo stesso tempo il tema che tanto preoccupava la società russa è nascosto per così dire dalla "ricerca" dei tipi di esecuzione.
L'ultimo grande ciclo di dipinti di Vereshchagin fu la serie "1812. Napoleone in Russia", a cui lavorò dalla fine degli anni '70 fino alla sua morte. Creando questa serie, l'artista ha viaggiato in tutta la Russia, ha selezionato modelli per i suoi dipinti, ha studiato i russi, i loro personaggi e ha realizzato numerosi ritratti-studi. Nella serie "Anno 1812" l'esperienza di un pittore di battaglie è stata combinata con l'interesse per il quadro storico. Vero, in questi lavori recenti Vereshchagin non ha ottenuto un successo notevole. Un monumentalismo esagerato e un tocco di scenografia si fanno sentire nelle tele di grandi dimensioni. La serie è più interessante per concept, scelta degli episodi, caratterizzazione del ruolo dei partigiani contadini, che per qualità artistiche. L'aspirazione alla spettacolarità delle situazioni rappresentate, che abbiamo notato sopra nella serie del Turkestan, è qui assente. Ma con l'abbandono della vistosità scompare anche l'espressività dei dipinti di Vereshchagin, perché al posto del precedente, costruito sugli effetti, non ne è venuto uno nuovo, basato sui rapporti psicologici dei personaggi, sui metodi di composizione plastica .
Conclusione
Gli anni '70, l'epoca della creazione della serie Turkestan e dei Balcani, furono il periodo di massima fioritura nell'opera di Vereshchagin. A quel tempo, le basi educative della sua visione del mondo, che furono poste negli anni '60, e i nuovi compiti dell'arte proposti dagli storici e sviluppo artistico Russia. Ma più Vereshchagin si è allontanato dagli anni '70, più complesso, nonostante il successo esterno, si è rivelato essere il rapporto tra il suo lavoro e l'arte di altri artisti realisti russi.
Vereshchagin era artista eccezionale un pittore di battaglie, direi anche uno dei migliori del suo tempo, e ogni sua opera era un capolavoro, e fu uno dei pochi artisti che divenne famoso durante la sua vita. E da un lato andava bene per un pittore di battaglie, ma dall'altro le continue persecuzioni e critiche non gli permettevano di vivere in pace, e questo artista viaggiava sempre e vedeva con i propri occhi tutti gli eventi militari, e mi sembra che sia per questo che le sue opere fossero così realistiche, perché proprio l'autore sperimentava tutto su di sé e solo dopo disegnava.
- ·uno. Lebedev A.K.V.V. Vereshchagin. Vita e arte. M., 1972.
- · 2. Lebedev A.K.V.V. Vereshchagin. Vita e arte. - M., 1958.
- · 3. Vereshchagin V.V. Memorie del figlio dell'artista. - L.: Artista della RSFSR, 1978
- ·4. Lebedev A.K., Solodovnikov A.V. Vasily Vasilievich Vereshchagin. - L.: Artista della RSFSR, 1987
- · 6. Elenco delle illustrazioni
L'apoteosi della guerra. 1871<#"176" src="doc_zip2.jpg" />
Prima dell'attacco. Vicino a Plevna. 1881 V.V. Vereshchagin
Dopo il fallimento. 1868<#"justify">
Nella Mosca conquistata (Incendiari o Fucilazione al Cremlino). 1897-1898<#"164" src="doc_zip5.jpg" />
Sosta notturna del grande esercito. 1896-1897<#"182" src="doc_zip6.jpg" />
Con le armi in mano - spara. 1887-1895
Vasily Vasilyevich Vereshchagin si distingue tra gli artisti russi della seconda metà del XIX secolo per il suo destino e le sue attività insolite. Guardi i suoi dipinti e sembra che tu abbia intrapreso un viaggio affascinante, imparando molte cose nuove e interessanti. Questo è successo prima alle mostre di Vereshchagin, in cui l'artista ha mostrato non solo dipinti portati da viaggi in paesi stranieri e regioni sconosciute della Russia, ma anche le più ricche collezioni di vestiti, armi, articoli per la casa e arte popolare... Un visitatore delle sue mostre sembrava trovarsi in un Turkestan finora sconosciuto. I pavimenti sono ricoperti di tappeti del Turkestan, lungo le pareti sono collocati gli oggetti per la casa, alle pareti sono le armi, e la natura del paese, la sua gente, l'architettura, le scene di vita quotidiana, che rivelano usi e costumi, il passato storico e presenti di questa regione, sono presentati nei dipinti e nei bozzetti.
V.V. Vereshchagin è nato e ha trascorso la sua infanzia in piccola città Cherepovets. Suo padre predisse una carriera navale per suo figlio e lo mandò a studiare presso il Corpo navale di San Pietroburgo. Ma il giovane Vereshchagin non era attratto dalla scienza navale. Dopo essersi diplomato al corpo navale, si ritirò, rompendo irrevocabilmente con il servizio navale. Tutto suo tempo libero Vereshchagin si dedicò all'arte. Entrò prima nella scuola di disegno della Società per l'incoraggiamento delle arti e poi, nel 1860, all'Accademia delle arti di San Pietroburgo, dove studiò per diversi anni. Tuttavia, non si è laureato all'Accademia. L'arte accademica imitativa non era di suo gradimento. stavo finendo il mio educazione artistica Vereshchagin a Parigi. Tuttavia, voleva qualcosa di nuovo, insolito, e alla prima occasione partì per un viaggio nel Caucaso, dove iniziò a dipingere "libero".
Successivamente, per tutta la vita Vereshchagin ha seguito la regola: non stare fermo, ma conoscere costantemente la vita in diverse parti del mondo, cercare nuovi temi e nuove immagini. Ha visitato l'India, viaggiato in America, Cuba, Filippine e Giappone.
Un enorme archivio di impressioni di vita è servito come base per la creatività multiforme e a tutto tondo di Vereshchagin. Dipinse ritratti, paesaggi, nature morte e, cosa più importante, divenne un brillante maestro della pittura di battaglie. In questo genere di pittura, Vereshchagin ha fatto una vera rivoluzione. I dipinti di battaglia creati prima di lui sono stati creati per decorare ricchi soggiorni ed erano battaglie spettacolari, glorificando i generali e proclamando la guerra come un'epopea eroica.
Vereshchagin è stato il primo tra i pittori di battaglie a mostrare che la guerra è, prima di tutto, ferite terribili, freddo, fame, crudele disperazione e morte. L'artista ha mostrato nelle sue opere l'essenza spietata della guerra, di cui lui stesso è stato testimone. Non aveva eguali nell'arte russa in termini di potere di rappresentare la terribile verità della guerra e la passione con cui l'ha sfatata.
Vereshchagin ha reso la pittura di battaglia non solo realistica, ma anche completamente nuova nei contenuti. Ha mostrato l'eroe principale della guerra non comandanti e generali, ma soldati ordinari, la loro vita, spesso non ha rappresentato la battaglia stessa, ma prima o dopo la battaglia.
Avendo trascorso tutta la sua vita vagando, inattivo per 12-14 ore su un cavalletto, Vereshchagin morì con un pennello in mano, facendo schizzi dalla natura sulla scena delle ostilità. Non appena nel 1904 scoppiò la guerra russo-giapponese, l'artista sessantaduenne partì per l'Estremo Oriente. Qui scrisse sulla corazzata "Petropavlovsk", che fu fatta esplodere da una mina giapponese. Così, al lavoro, è finita la vita di un artista meraviglioso.
Una scena colorata e romantica della vita quotidiana che Vereshchagin ha osservato in Turkestan, insieme ad altri, mostrando la povertà e l'impotenza dei poveri.
Il maestoso passato storico non poteva non interessare Vereshchagin.
Di grande interesse sono le uniformi dei guerrieri indiani, un lussuoso mantello da tappeto a cavallo.
Nei dipinti di Vereshchagin, il grande passato dell'India ha preso vita: antichi templi, palazzi lussuosi, maestose tombe.
Affascinato dal bellissimo mausoleo del Taj Mahal, costruito dal Great Mogul Shah Jahan sulla tomba della sua amata moglie, Vereshchagin crea una tela incredibilmente colorata. L'edificio, magico nella sua bellezza, si armonizza nella foto con la stessa bellissima natura meridionale. "Non c'è niente in Europa che possa superare il Taj, è un luogo che respira solenne tranquillità", ha scritto Vereshchagin, pieno di ammirazione.
La scena che precede l'assalto è piena di languida attesa, di tesa prontezza. Un grande distaccamento di soldati russi si bloccò davanti al massiccio muro di merli. I primi ranghi si accucciarono contro il varco nel muro, i fucili pronti, in attesa di un attacco. L'ufficiale, camminando piano verso la breccia, fa segno con la mano di tacere. I soldati tacciono, il tamburo tace, gli alberi chiari con i nidi degli uccelli sono immobili. Nella fortezza regna il silenzio, ma il silenzio inganna, teso, pronto a scatenarsi in battaglia ogni minuto. La tensione si fa sentire nel muro scuro, nel gruppo di soldati illuminati, nelle loro pose immobili, nei loro occhi, che guardano in faccia la morte. Tutta la semplicità dell'uomo russo e la grandezza della sua anima, non ostentata, ma vero coraggio, si sono rivelate a Vereshchagin proprio in un tale momento di pericolo mortale, agonizzante inazione, tesa attesa. Questo vero umile eroismo e fermezza del soldato russo sono il contenuto principale dell'immagine. Non come le persone combattono, ma come si comportano in guerra, come si manifestano nelle prove difficili, quali aspetti della loro anima vengono rivelati.
Questa è una terribile immagine della morte, che suona una dura condanna della guerra e un formidabile avvertimento.
Il dipinto raffigurante un mucchio di teschi umani in un deserto bruciato si basa su un fatto storico reale. "Timur o Tamerlano, che inondò di sangue tutta l'Asia e parte dell'Europa ed è ora considerato un grande santo tra tutti i maomettani dell'Asia centrale, eresse ovunque monumenti simili alla sua grandezza".
L'orrore è evocato dalla fantastica piramide di teschi sbiancati dal sole e dai venti. Questo è tutto ciò che rimane delle persone che un tempo vivevano qui e furono uccise, distrutte dalla guerra. Della città che qui si stava espandendo non restavano che rovine, gli alberi appassiti dal caldo senza che una mano umana si allontanasse. Là, dove prima era fiorita la vita, sorse un deserto morto. Solo il corvo nero, l'ospite tenebroso della morte, volteggia sui teschi, in cerca di cibo. Vuoto e morto dove è avvenuta la guerra. E l'inquietante piramide di teschi - con buchi neri di orbite morte, con un terribile ghigno delle loro bocche - sotto il cielo sereno e pacifico agisce come un terribile simbolo di guerra, portando sventura, desolazione, morte.
Creato durante la sanguinosa guerra franco-prussiana, questo quadro storico è diventato in sintonia con l'umore del suo periodo turbolento. Ha ricordato alla gente le innumerevoli calamità che la guerra porta con sé. Vereshchagin ha fatto un'iscrizione al titolo del dipinto: "Dedicato a tutti i grandi conquistatori, passati, presenti e futuri".
L'immagine si basa sulla scena vista da Vereshchagin durante la guerra. È raffigurato il cortile della fortezza di Samarcanda. Nella foschia afosa si possono vedere figure di soldati con fucili puntati contro il muro. La vita sta andando come al solito, e nessuno di quelli a guardia della cittadella sa se un proiettile vagante colpirà il nemico o lo passerà. Ma poi la morte improvvisamente colse il soldato. Solo un minuto fa, come i suoi compagni, era in piedi con un fucile pronto e ora, afferrandolo convulsamente al fianco, in un impeto di paura e disperazione, si precipitò a correre. La sua corsa incerta, la sagoma spigolosa tagliente della figura, l'inclinazione del corpo cadente, la piccola ombra scura ai suoi piedi mostrano in modo convincente che è condannato a morte. Passerà un altro minuto, un altro, e crollerà a terra accanto ad altri corpi senza vita.
E di nuovo nella cittadella tutto andrà come prima, di nuovo gli assediati nella fortezza staranno di guardia, e chissà, forse ancora una volta il proiettile ben puntato del nemico colpirà inaspettatamente uno di loro. Un'amara riflessione sull'insensatezza di questi sacrifici e sulla loro inevitabilità permea il quadro.
Catturare. la schiavitù e la rapina dell'India hanno causato all'artista un sentimento di profonda indignazione, che gli ha fatto dipingere questo quadro.
Davanti a noi c'è un'immagine minacciosa dell'esecuzione: sparare dai cannoni. Terra bruciata dal sole, cielo senza nuvole. In primo piano c'è un vecchio alto, con la barba bianca, legato a una pistola. La sua testa è gettata all'indietro, le sue labbra morte sono semiaperte, le sue gambe indebolite sono piegate. La sofferenza mentale e l'orrore lo indebolirono. Per questo vecchio, così come per tutti gli altri che stanno nella stessa fila con lui, non è la morte fisica che è terribile, ma un oltraggio sul corpo umano, che sarà fatto a pezzi da un proiettile di cannone. Questa è un'immagine della brutale verità, questa è una dura accusa del regime criminale coloniale.
Con l'inizio della guerra russo-turca, Vereshchagin andò sul campo di battaglia. Prese parte a tutte le battaglie decisive, fu durante il famoso assalto a Plevna, fece il passaggio invernale attraverso i Balcani, prese parte alla battaglia di Sheinovo, che fu l'esito decisivo della guerra.
Molte migliaia di vite furono rovinate dagli ufficiali zaristi in questa guerra. Una foresta continua di croci si estendeva sui campi di battaglie perdute. L'assalto a Plevna fu un grandioso fallimento, non preparato dagli ufficiali in comando ed eseguito solo in onore del compleanno dello zar. Questo assalto valeva le innumerevoli morti umane avvenute davanti al re, che osservava con calma tutto ciò dal cosiddetto "snack bar" della montagna, dove in quel momento stava banchettando con il suo seguito. "Non posso esprimere la gravità dell'impressione", ha scritto Vereshchagin, "queste sono masse continue di croci ... Ovunque ci sono cumuli di frammenti di granate, ossa di soldati dimenticati durante la sepoltura. Tappi e cocci di bottiglie di champagne sono in giro . .."
