Architettura rinascimentale nei paesi tedeschi. Germania Art XVII secolo I commenti di finitura

22.04.2019

Mattias Grunevald (1470 / 1475-1528)

È stato conservato piccolo lavoro, solo circa 10. creatività Grunevald (nome reale Mattias Gothart Nidhardt.) È stato riaperto all'inizio del XX secolo. Espressionisti tedeschi che lo consideravano il loro diretto predecessore. La sua creatività ha anche influenzato i surrealisti. Mattias Grunevalda Considera l'ultimo grande artista del Gothic del Nord.
Grunevald è considerato un uomo di ampia erudizione e Adaratenza multilaterali, un tipico rappresentante dell'intelligentia del Rinascimento. Era preoccupato per i problemi di religione, filosofia e un dispositivo pubblico, così come la scienza. La sua arte è permeata da umanesimo, compassione per i greggi umani che ha visto in giro. Nei suoi occhi c'era una riforma: la prima rivoluzione in Europa, scendendo la coscienza delle persone; Ha assistito al sanguinoso scomparvero con il popolo ribelle. Moved da un'anima suscettibile, Grunevald, oltre a Bosch, ritratta nella sua arte una vera tragedia della vita dell'anima nobile e onesta di un uomo che fu sottoposto a persecuzione e insulti in un mondo crudele che ha perso una faccia umana.
Il principale lavoro di Grunevald e il capolavoro del dipinto tedesco - "Iransent Altar" (1512-1516)

Esposizione del museo

Museo Unterlinden (Colmar, Francia). Prima diligenza dell'altare

Fino al 1793, l'altare era nella Chiesa di Isaenheim. Al momento della rivoluzione francese, i dipinti e le sculture sono stati trasportati allo stoccaggio nella città distrettuale di Colmar. Le parti in legno intagliate sono rimaste a Isaenheim e dal 1860 perso. Tre deadlock dell'altare sono attualmente dimostrati a Colmar separatamente.
Sul primo addebito (esterno) raffigura la scena della crocifissione di Cristo. La crocifissione si trova spesso sulle immagini dell'altare gotico. Ma mai prima che Mattsias Grünevalda non fosse raffigurata così dolorosamente. In Calvario, Grunevald raffigurato accanto a Gesù sua madre Maria, l'Apostolo John, Maria Magdalina e Giovanni il Battista. L'intera scena con la figura esternata di Cristo, con uno scioccato, debole con la violenza e altri personaggi provoca uno stato di shock profondo.
Durante l'anno litorogeno, le alette dell'altare sono state aperte in certe date, rivelando i dipinti corrispondenti a un evento religioso. ANSENHEIM ALTAR ha tre opzioni di velocità.

La seconda diligenza dell'altare di Irangeim raffigura l'Annunciazione, Natale di Cristo ("Concerto d'angelo") e Ascensione.

La terza corsa dell'altare Isaenheim con sculture in legno di santi Anthony, Agostino e Jerome, che, come suggerendo, ha eseguito un tappeto sull'albero di Nicholas Hagenauer.

M. Grunevald "Certificato di Cristo" (1503). Vecchio Pinakotek (Monaco di Baviera)

L'artista raffigurato raramente ha incontrato la trama iconografica del Vangelo. Le guardie hanno portato Cristo alla casa del sommo sacerdote Kaiaf e mite su di lui. Mettono una benda sui suoi occhi e, colpendo la sua faccia, chiese di scoprire chi ha battuto. Grunevald raffigura Cristo nell'immagine di un uomo di eccezionale mitezza e pazienza. L'orrore del cinico abuso e disumanità è stato trasmesso da Grünevald bruscamente attraverso i toni del sapore - freddi e le loro dissonanze.
L'immagine mostra e la figura di Giuseppe da Ahrimafi, che in seguito rimuoverà il corpo senza vita di Cristo dalla croce. E ora Joseph sta cercando di persuadere le guardie a complicare su Cristo. Come se sento e taglienti suoni di flauti, colpi del tamburo, che pubblica una persona in piedi nelle profondità della sinistra.

Lucas gru senior (1472-1553)

L. gru. Autoritratto (1550). Galleria Uffizi. (Firenze)

Programma di epoca del pittore tedesco e del rinascimento, master ritratto, genere e composizioni bibliche. Nel suo lavoro ha combinato le tradizioni del gotico e dei principi di revival.
Secondo le sue convinzioni, era un sostenitore delle idee della Riforma, un amico di Luther.

Lucas Grus Senior "Ritratto di Martin Luther"

Artisti Hans Krants e Lucas Grus Younger - I suoi figli.
Gru di belle arti inizialmente studiate a suo padre. Dalla prima adolescenza, era in cerca di vocazione in Germania, Palestina, Austria, Paesi Bassi.
Più tardi ha creato un laboratorio d'arte in cui hanno lavorato gli assistenti, pubblicati libri, e poi li vendette.
Le prime opere dell'artista differiscono nell'innovazione. In loro, ha raffigurato l'incoerenza della sua epoca. Diventare l'artista della corte, ha raggiunto una grande maestria nel genere del ritratto, catturato molti dei loro famosi contemporanei. I ritratti del pennello della gru sono fatti con simpatia per modelli, ma senza la loro idealizzazione e senza molto desiderio di penetrare il loro mondo interiore.

Lucas Grus Senior "malinconia" (1532). Scheda, olio. 51x97 Vedi Museum of Arts (Copenaghen)

L'immagine mostra tre bambini nudi che stanno cercando di rotolare una grande palla attraverso il telaio con l'aiuto di bastoncini. La donna alata colpisce l'asta, forse, andando a fare un altro cerchio. Questo è malinconico. Sembra penalmente giocando a bambini. Secondo l'epoca rinascimentale, il mondo intero è basato sulle analogie. La malinconia in quel momento era associata a Saturno, un cane, un falegname. Il salto della strega nella nuvola nera si riferisce a queste analogie.

Lucas Grus Senior "" Madonna con un bambino (Madonna in vigna) "(circa 1520). Museo di Stato di Belle Arti. COME. Pushkin (Mosca)

Hans Golbien Jr. (1497-1543)

Uno dei più grandi artisti tedeschi. Il rappresentante più famoso di questo cognome. Pittura studiata a suo padre - Hans Golbien senior.

Hans Golbien Junior. Autoritratto (1542). Galleria degli Uffizi (Firenze)

Con un fratello, Ambrosius Golbeyn, due anni lavorati a Basel (Svizzera) nel laboratorio di H. Herbister, dove ha incontrato molti umanisti e scienziati di questo periodo, inclusa l'erosione di Rotterdam, illustrata il suo lavoro "lode stupidità".

Hans Golbien Jr. "Ritratto di Erasmus Rotterdam"

Golbien ha illustrato altri libri, ha partecipato alla creazione della traduzione tedesca della Bibbia Martin Luther. Come suo padre, ha creato il vetro macchiato e ha scritto ritratti.
Le opere più importanti del periodo di Basel del Golbein sono il ritratto della Bonifacea di Amerbach; Dieci dipinti delle passioni del Signore; Gli affreschi nel nuovo municipio, porte d'organo nella cattedrale locale, le alette dell'altare pieghevoli per la cattedrale di Friburgo, le immagini della natività di Cristo e del culto dei Magi; Madonna con santi per la città di Zolled; La famosa "famiglia di Madonna Meyer", ritratti di Erasmus Rotterdam, Dorota Offenburg, oltre a disegni all'Antico Testamento (91 fogli) e "Dance of Death" (58 fogli), incisa su un albero di Letticburger.

Hans Golbaine Jr. Darmstadt Madonna (Madonna Meyer Family) (1526)

L'immagine è scritta da un Golbein sotto l'influenza del dipinto religioso italiano dell'arte rinascimentale e del ritratto dei vecchi maestri olandesi. Nel centro dell'immagine raffigurato vergine Maria con un bambino Gesù circondato da Mayer, il suo primo improprio e la seconda mogli e figlia. Chi sono altri due personaggi a sinistra, è affidabile sconosciuto. Darmstadt Madonna è una dimostrazione dell'impegno della religione cattolica del Burgomista Mayer. Un inquadratura insolita dell'immagine è spiegata dalla sua destinazione per la Cappella Personale della famiglia Meyer nel Palazzo di Gundeldyen.
Nel 1526-1528. L'artista era in Inghilterra, dove incontrò Thomas Maorm. Nella prima visita in Inghilterra, così come nel secondo (1532-1543), scrisse prevalentemente ritratti ed era persino un pittore del tribunale King Henry VIII.

Hans Holbien Jr. "Ritratto di Heinrich VIII"

Le opere pittoresche dell'Holbain sono caratterizzate da modello espressivo, plastica, pensata di modellazione, trasparenza dell'illuminazione, luminosità e larghezza del pennello. I suoi disegni sono pieni di osservazione, a volte non privi di sarcasmo caustico, stupita la bellezza della forma e della decorazione. Ha sofferto in Germania rebirth italianoMa non ha perso il loro carattere nazionale.

Hans Golbien Jr. "Ritratto di Christina Danish" (1538). Galleria nazionale di Londra.

Artisti della Danubio Scuola di Pittura

"Danubio dipinto schonico" - la direzione del tedesco Belle Art I Mezzo XVI secolo. (1500-1530)
Alle opere degli artisti della scuola del Danubio apparve nuovo genere - Scenario.
Nella questione dell'origine della scuola non c'è unità: secondo la maggior parte degli autori, i suoi creatori erano le giovani gru senior di Lucas, l'anziano del fratello di Yorg, così come il nativo della regione del Danubio Rusta Rusta, Jr.
Altri ritengono che la scuola sia nata sul suolo locale, e la consacrazione di riscasioni e raglio, viaggiando lungo il Danubio, era sotto la sua influenza.

Wolf Gruber "Danubio paesaggio vicino Krems" (1529). Incisioni dell'armadio (Berlino)

Il dipinto della scuola del Danubio si distingueva per la fantasia artistica, la luminosa emotività, la favolosa percezione della natura, l'interesse nei paesaggi della foresta e del fiume, nello spazio e della luce, della lettera dinamica della scrittura, del modello espressivo e dell'intensità del colore.

Lucas Grus Senior "Hunt for Deer Kurfürst Friedrich III Wise" (1529)

Germania all'inizio del XVI secolo. Era frammentato per molti stati nani. Era il momento di collisione degli interessi di varie classi, tempeste religiose. La fioritura della cultura in Germania non era così organica come in Italia. Non c'era la propria eredità antica, l'antichità è diventata già conosciuta nella lavorazione degli italiani. In contrasto con l'Italia è la tangenziale di Areaning, in Germania, la religiosità non diminuisce, i teologi umanisti sono sostenuti per il rinnovamento della Chiesa cattolica.

Il ciclo "Seasons" includeva sei dipinti, ognuno dei quali è stato dedicato a due mesi. "Vendemmia", "Senokos", "Giornata estiva", "Snow Hunters" e "ritorno dei tre"
La Germania, essendo nel centro dell'Europa, è stata esposta a influenze esterne. Sviluppare nella direzione generale del Rinascimento europeo, l'arte tedesca ha in gran parte avanzato a modo suo. Nell'arte della Germania, i secoli XV-XVI. Reminiscenza gotica manifestata. Le tradizioni locali avevano importanti per lo sviluppo dell'arte tedesca. Scrittori-mistici XIII-XIV secoli. Hanno dato un ricco materiale agli artisti dei prossimi due secoli.
L'arte del revival tedesco è stata formata in uno dei periodi più drammatici della storia della Germania. Nel 1453, Vizantiya è caduto. Insegnamenti eretici riconducibili. La fine del mondo è stata prevista nel 1500.

Albrecht Durer (1471-1528). La rinascita in Germania è chiamata l'epoca di Durera. Duer è il primo artista tedesco la cui popolarità era un paneuropeo già nella vita.
Albrecht Durer, come molti creatori del Rinascimento, è stata una personalità versatile. Il suo talento si è sviluppato ugualmente in incisione, pittura, teoria dell'arte. Il suo credo creativo è espresso nel trattato "Quattro libri sulle proporzioni" in cui ha scritto, rivolgendosi all'artista: "Non spostare dalla natura nella speranza che tu possa trovare il meglio e me stesso, perché tu sarai ingannato, per , Veramente, l'arte è conclusa in natura: chi sa come rilevarlo, li possiede. "

Durer è nato a Norimberga in Semen Jeweler nel 1471. Era un terzo figlio in una grande famiglia. Albrecht ha ricevuto le prime abilità di disegno nel laboratorio del Padre, ha studiato Mikhael Volhemut nel più grande workshop della città per tre anni. Il 1 ° dicembre 1489, Duer si è laureato dalla formazione e secondo le regole del workshop è andata a viaggiare attraverso le città della Germania. I flussi sono durati 4 anni. Nel 1493, Duer ha realizzato il suo primo autoritratto, rappresentando un giovane sognante con un fiore in mano. Nella primavera del 1494, suo padre ha chiamato Dürer a Norimberga, dove sposò la figlia dell'influente Burger di Norimberga, Meccanica e Musicista Hans Freya, Agnes di 15 anni.
Poco dopo il matrimonio, l'artista è andato in Italia. Durante il suo soggiorno in Italia, Dürer ha pagato molta attenzione all'immagine di un corpo nudo. Tornando da Venezia a Norimberga, Duer ha catturato le montagne alpine e sdraiata sulla sua strada della città in numerosi acquerelli ("Tipo di Innsbruck" 1495, "Tipo di Trento").

Woodography (da Greco. Xylon - albero e grapografia - scrittura) - Incisione su un albero Quando la forma stampata viene pulita con un metodo di stampa elevato - con una superficie piana di una tavola di legno, coperta di vernice.
1495-1500. - L'inizio delle attività indipendenti, quando, tornando dall'Italia, l'artista ha iniziato allo stesso tempo a provare se stesso nella pittura, incisione su un albero e incisione di rame. Duer ha creato incisioni su terreni mitologici, domestici e letterari. Funziona sulle immagini dell'altare, dando loro una precisione realistica. I ritratti di Duer deposero l'inizio di questo genere in pittura tedesca. Entro la fine degli anni '90. Il suo nome diventa famoso non solo in Germania, ma anche in Europa, principalmente a causa della popolarità dell'incisione. Il principale per Durera in quel momento era incisi sull'albero. Si rivolse a un'incisione di un bordo comune su un albero, nel tempo, si è trasferito alla creazione di una serie di incisioni collegate sotto forma di un libro allentato con il testo di accompagnamento sul fatturato dei fogli. Nella seconda metà degli anni '90. Durer procede a una nuova tecnica: introduce una schiusa sotto forma di linee di piegatura, si applica tratti incrociati che danno ombre profonde. Tra i migliori familiari di questo periodo - "St. Ekaterina "1498, serie di incisioni" Apocalypse ". Le descrizioni delle descrizioni dei disastri e della morte dell'umanità furono tenute nell'apocalisse in quel momento una forte impressione. Illustrazioni Dürer riflettono gli stati d'animo di riforma. Babylon è una Roma papale, e i personaggi sono vestiti in moderni costumi tedeschi e veneziani. La serie è composta da 15 incisioni, che successivamente si sono unite a Dürer pagina del titolo. Fogli precedenti - "Apertura del settimo sigillo", "Adorazione del padre" differiscono in abbondanza di figure, in seguito - "Sette lampade" - le figure sono ingrandite, le forme vengono interpretate più in generale. Nel foglio finale "Heavenly Gerusalemme" mostrato, poiché un angelo blocca il satana sconfitto negli inferi. Un altro angelo mostra John Heavenly Gerusalemme, simile a una città medievale con enormi porte e numerose torri.

La seconda serie di incisioni sull'albero è chiamata "grandi passioni". È stato completato solo nel 1510-1511. I primi 7 fogli sono narrati dagli episodi più tragici della vita di Cristo ("Milizione della ciotola", "Bache", "Cee Man", "Missing Cross", "lutto" e "posizione nella bara"). Uno dei fogli più popolari della serie era il "trasporto di una croce", in cui Duer ha presentato Cristo incrociato sotto la gravità della croce.
Le incisioni a tema su rame sono diverse. Queste sono trame mitologiche, letterarie e domestiche. Una delle più lavoro famoso - "Figliol prodigo". Tra i Genere Immagini - "Tre contadini".

Incisione "malinconia" 1514 è una delle opere più misteriose di Durera. Raffigura una donna seduta solitaria in una corona di alloro, personifica il genio creativo. Dal fondo ha un fascio di chiavi e portafoglio, in ginocchio - un libro chiuso, nella mano destra della circola - un simbolo di geometria e arte della costruzione. Sul muro dietro la donna appende le scale, clessidra, Bell e Magic Square. L'eroe principale di Dürer è un uomo che l'artista posiziona nel centro dell'universo. Durens crea un tipo di generalizzazione di un uomo del Rinascimento nel "autoritratto".
Incisione (p. Eai Fort - Lettere, Vodka forte, I.E. Acido nitrico) - Vista dell'incisione sul metallo, dove gli elementi del modulo stampati approfonditi sono creati mediante incisione con acidi. Le recessi graffiate riempiono la vernice e coprono la tavola con carta inumidita, ottenere un'impressione su una macchina speciale.

1500, ritratto di uno sconosciuto 1504, ritratto di PIRKHEIMER 1524. In un Auto-Portraight del 1500, Durens raffigurati sotto forma di Cristo. Duer ha posto i suoi autoritratti in molti dipinti, ha firmato nome e cognome Quasi tutte le loro opere capitali, metti un monogramma sulle incisioni e persino nei disegni. In Poppista, l'influenza della scuola olandese influenza la completezza dei dettagli, per i ritratti è caratteristica di una straordinaria espressività.
Duer ha anticipato l'emergere dello scenario dell'umore, credeva che in natura tutto fosse decente di catturare - un pezzo di erba, coniglio.
Nel film "Four Apostoles" Duer ha creato figure monumentali di persone, sentimenti della propria dignità, fiduciosi nella loro forza.
Nelle loro opere teoriche, Duer ha diviso l'artigianato, che si basa su abilità e arte basata sulla teoria. Nel 1525, Durer rilascia "una guida alla misurazione di una circolazione e una linea", un anno dopo - "istruzioni per rafforzare città, castelli e fortezze", dopo la morte di Dürer, che seguirono nel 1528, il suo lavoro "quattro libri sulle proporzioni dell'uomo ".

Lucas Grus Senior (1472-1553) è nata nella famiglia dell'artista nella parte superiore della Franconia, ha studiato a suo padre, poi sistemato in Turingia, diventando un pittore di corte del Sassone Kurfürst. Le gru erano familiari
Con Lutero, illustrato i suoi scritti. Nelle prime opere di Kranakh, drammatico e lirico sono combinate. Nei paesaggi tutto è scritto amorevolmente e attentamente. Nelle composizioni di altare monumentali ("Altar of St. Catherine", "Principalmente Altar"), l'artista utilizza motivi di genere. La sua "Maria con un bambino", Venere è vicino ai campioni italiani, con * che stava bene a conoscenza. In ritratti dei loro contemporanei, le gru cercavano di trasferire dettagliate tutti i dettagli dell'aspetto.

Nell'ultimo periodo di creatività, i maestri prevalnano i terreni mitologici e favolosi, appaiono le caratteristiche del manierismo.
Altrecht Altdorfer (circa 1480-1538), capo della scuola del Danubio. Ha lavorato nel sud della Germania e in Austria. Temi dei suoi dipinti biblici e mitologici.
I disegni Altdorfer sono opere d'arte a pieno titolo. Nel 1510, il "paesaggio della foresta con la battaglia di St. George, "in cui il desiderio di pittura tonale è pienamente espresso. L'inizio della maturità del Maestro è stato notato dalla creazione dell'altare del monastero di San Floriano vicino alla città austriaca di Linz nel 1516-1518. Altezza dell'alto 2 m 70 cm, 16 dipinti si trovano su di esso. Con la ghisa chiusa, 4 dipinti sono visibili con scene della leggenda di St. Sebastian. Quando è stata aperta il primo paio di telaio, lo spettatore ha visto otto dipinti con immagini delle passioni di Cristo.

Grullati e Lutero erano familiari, nel 1522 le gru per i loro soldi hanno rilasciato un saggio di Luther "Gemospello settembre", fornendolo con incisioni. All'esterno degli steli, le quinte "posizione nella bara" e "resurrezione" sono state scritte. La riga superiore consisteva in scene notturne e "artigli di Cristo". Il fondo ha acceso la scena durante l'illuminazione luminosa del giorno. In tutte le composizioni, la linea dell'orizzonte è passata allo stesso livello. Tutte le scene sono permeate da passioni bollenti, quindi nascoste, quindi rompendo. La drammatica esacerbità è particolarmente manifestata in quasi Bosshovsky Grottesque. In tutte le scene, Cristo è un sacrificio progettato da Dio per un mutuo. La colorazione è la caratteristica più meravigliosa del dipinto dell'altare. Nella "pregando per l'arco", gli elicotteri rossi sono scritti su uno sfondo di oro puro. Maggior parte lavoro fantastico Altdorofer "Battaglia di Alessandro con Darim" 1529; In esso, l'azione si svolge contro lo sfondo del grande scenario mostrato in cima.

Nel lavoro di artisti della scuola del Danubio, ma non solo hanno l'unità dell'uomo con la natura. Il supporto per l'antichità era noioso nel rinascita tedesco. Gli artisti hanno preso volentieri trame di storia antica e mitologia. Ma le antiche storie greche e romane non sono risolte nell'antico spirito.
Grunevald, quindi erroneamente dal XVII secolo. Cominciarono a chiamare il più grande pittore tedesco, l'architetto Mattias Nithardtt (circa 1470-1528). Nithardt ha lavorato a Francoforte sul Meno, Mainz, era un pittore di corte
Arcivescovo e Kurfürst. Il lavoro dell'artista è stato più pienamente espresso dallo spirito nazionale, la sua globlity è strettamente popolare, le immagini religiose sono interpretate nello spirito dell'eresy mistica. Il modo creativo di Grunevald è inerente al dramma e all'espressione, il rapporto speciale di colore e luce. Il lavoro più famoso di Grünevalda - "Iengeim Altar" era una composizione monuuminale di nove notti, l'aggiunta della scultura in legno dipinta è stata completata. Nel centro della composizione - ha eseguito la tragedia profonda, la trasmissione di farina e scena del dolore del crocifisso di Cristo.

Griffel d'argento dà linee incolore e dissponsabili
Su carta innescata o tonica. La figura argento lama non consente le macchie.
Lugarne (fr. Lucarne) - Apertura della finestra di varie forme nello scapito del tetto o della cupola.
Hotel (P. Cortile con un ingresso anteriore dalla strada. Il giardino si trova dietro l'edificio principale.

Hans Golbien Jr. (circa 1497-1543), più giovane di Düreir in un quarto di secolo, in quanto l'artista è stato formato nell'era della maturità del Rinascimento, diventando la sua figura più brillante. Golbaine da tutti gli artisti tedeschi era più vicino al revival italiano. La vita dell'artista è nota solo nelle caratteristiche più comuni. Nella casa del padre di Hans Golbien senior, pittore famoso.Comprende le basi della pittura. È nella qualità dell'apprendista, nelle opere di età adulta in Francia, nei Paesi Bassi, dal 1532 rimane di vivere in Inghilterra, dove Thomas Mor e Heinrich VIII lo sostengono. Le parti più forti del tag Golbein stavano disegnando e ritratto. I primi ritratti di Golbien sono creati nella tecnica della matita d'argento, dopo il 1522 il Maestro più spesso ricorre a materiali più morbidi - matite di gesso nero e colorato. L'artista disegna i suoi ritratti tardivi sulla carta rosa, che dona il calore al volto umano.

Tra i paesi dell'Europa occidentale, che ha sviluppato un sistema feudale sviluppato di relazioni, in Germania, l'uscita degli oscuri medievali è stata la via più carica e complicata.

In economico e politicamente, la Germania ha sviluppato contraddizione e difficile; Non meno contraddittorio era la cultura spirituale, e in particolare la sua arte.

Al risultato del Medioevo in Germania, gli stessi processi si sono verificati come in altri paesi europei: il ruolo delle città è stato intensificato, il burgerismo e i commercianti sono diventati sempre più importanti, il sistema medievale del workshop è stato disintegrato. Shifts simili sono stati eseguiti nella cultura e nella visione del mondo: l'autocoscienza di una persona è stata risvegliata e aumentata, il suo interesse è stato cresciuto allo studio della realtà reale, il desiderio di possedere conoscenze scientifiche, la necessità di trovare il loro posto nel mondo; C'era una graduale prudenza della scienza e dell'arte, la liberazione di loro dalla vecchia autorità della Chiesa. Le città dell'umanismismo sono nate nelle città. Il popolo tedesco apparteneva a una delle più grandi conquiste culturali dell'Epoch - il maggior contributo allo sviluppo della tipografia. Tuttavia, i turni spirituali si sono svolti in Germania più lentamente e con grandi deviazioni rispetto a paesi come l'Italia e i Paesi Bassi.

A turno dei secoli XIV e XV. Nelle terre tedesche, non solo non avevano le tendenze verso la centralizzazione del paese, ma, al contrario, la sua frammentazione è aumentata, promuovendo la sopravvivenza degli oscuri feudali. La nascita e lo sviluppo in alcune industrie della crescita delle relazioni capitaliste non hanno portato all'unificazione della Germania. Era una varietà di grandi e piccoli principati e città imperiali indipendenti, che sentono un'esistenza quasi indipendente e ha cercato di mantenere un tale stato di cose. Le contraddizioni dello sviluppo sociale della Germania si riflettevano nell'architettura tedesca del XV secolo. Come nei Paesi Bassi, non c'era nessuna svolta decisiva a un nuovo contenuto a forma di mano e un nuovo linguaggio di forme architettoniche, che caratterizza l'architettura dell'Italia. Sebbene gotico come uno stile architettonico dominante fosse già sul risultato, le sue tradizioni erano ancora molto forti; La stragrande maggioranza dei servizi XV B. In un modo o nell'altro porta un'impronta del suo impatto.

La proporzione di monumenti dell'architettura di culto in Germania XV secolo. Era maggiore che nei Paesi Bassi. La costruzione dei grandiosi consigli gotici avviata nei secoli precedenti (ad esempio, la cattedrale dell'UL) ha continuato. Nuovi edifici del tempio, tuttavia, non più differiti da un ambito simile. Queste erano chiese più semplici, prevalentemente a livello; L'olio della stessa altezza in assenza di un transpacco (che è caratteristico di questo periodo) ha contribuito alla fusione del loro spazio interno in un unico intero prevedibile. Un'attenzione particolare è stata rivolta alla decisione decorativa degli archi: prevaleva volte di mesh e altri disegni complessi. L'UNIFICATO HARSHEST è caratterizzato da un'estensione al vecchio. Le forme architettoniche stesse hanno acquisito maggiori complicazioni e adorazione nello spirito di "fiammeggiante" gotico. Ancora più importante, tuttavia, questo è il posto crescente nell'architettura tedesca del XV secolo. I monumenti dell'architettura laica stanno cominciando ad occupare, in cui, da una parte, la continuazione delle preziose tradizioni dell'architettura gotica civile dei secoli precedenti si trova, e d'altra parte, trovano un terreno favorevole per il loro sviluppo nuovo, tendenze progressive. Questo è, prima di tutto, edifici comunali urbani, che sono già evidenti, meno di prima, dipendenza dalle forme di architettura della Chiesa.

Nell'architettura degli edifici residenziali dei rappresentanti del patrizio urbano in Germania, come nei Paesi Bassi, non c'è ancora stato un colpo di stato, che ha segnato l'aspetto nelle città del Monumentale Palazzo, appartenente ai cognomi più ricchi, ma in c . Eravenia con innovazioni medievali sono evidenti - layout più complesso e libero., L'applicazione sulle facciate è riccamente decorata Fondate e lanterne-erkers, e nei cortili - Gallerie coperte.

L'arte visiva tedesca nel XV secolo era ancora strettamente legata alla chiesa. L'indebolimento della sua dipendenza dalla chiesa era dovuta solo al fatto che le opere di pittura e sculture in una certa misura sono state rilasciate dal coodor architettonico della chiesa. Immagini separate dalle pareti e focalizzate in un posto all'interno della cattedrale, nella costruzione monumentale dell'altare. Pertanto, la pittura e la scultura sono stati in grado di esistenza relativamente indipendente.

Uno dei risultati dell'arte tedesca XV secolo. C'era un aumento della pittura, sviluppato debolmente in Germania nel tempo precedente. Ma dipinti a macchina È stato creato durante questo periodo ancora poco. Il posto principale era occupato dall'immagine dell'altare. Storia della pittura tedesca XV secolo. È principalmente la storia dei singoli altari principali, di solito includeva una serie di composizioni relative alla generalità del design tematico.

La vita artistica della Germania è stata distinta da una grande fragilità. La disunità delle singole regioni del paese ha portato all'emergere di una pluralità di focolai locali d'arte. Tuttavia, l'arte tedesca nel suo insieme ha ancora una famosa comunità. La cosa più importante era che l'immagine religiosa perse la sua natura spiritualista distratta e con tutta la certezza si avvicinava alla vita. L'enfasi principale è stata posticipata all'inizio narrativo e all'espressione nel grafico religioso dei sentimenti umani viventi. Ma tutte queste innovazioni non hanno ancora unito l'unità delle viste estetiche. Anche all'interno di un lavoro, spesso non sentiva l'integrità. Gli stessi artisti non avevano un certo criterio nella valutazione e nella percezione del mondo.

Pochissimi che sono venuti da noi con lavori affidabili di artisti, consentono ancora di fare un'idea dell'individualità creativa di ciascuno di essi. Questo testimonia, a proposito, sulla nuova posizione dell'artista, che il sistema medievale della creatività, lavare gli individui artistici dei singoli maestri, era ora entrata nel passato. L'artista ha preso un posto più onorevole nella società, proveniente da ora in poi non un ordinario negozio di artigianato, ma con la testa del laboratorio e un hamburger rispettato.

Per la prima metà del XV secolo. La figura centrale della pittura tedesca e del presente innovatore stava lavorando in costante e Basel Konrad Vic (1400/10-1445 / 47), che per la prima volta la ricerca realistica prende una natura coerente in una certa misura. VIC è il primo dei pittori tedeschi per risolvere il problema del rapporto di figure umane con un ambiente - paesaggio o interno, iniziando a interpretare l'immagine come una costruzione tridimensionale profonda. A quel tempo, questi paesaggi erano una grande innovazione. La nuova cosa era che la natura è proposta qui in primo luogo, e le figure sono incluse nel paesaggio. L'artista sta cercando di dare un suggerimento di una lunghezza spaziale dal primo piano di profondità. Uno degli elementi vincolanti nei dipinti del Vita diventa colore. Nonostante il solito per il XV secolo. Il dominio delle sfumature locali, l'artista spesso introduce qualsiasi tono dominante, per esempio colore grigio Pareti negli interni che collegano tutti gli altri colori tra loro. Conosce l'uso di mezzitoni, sporgendo di solito nell'ombra. Tutto ciò non interferisce, tuttavia, la vitza secondo la usanza di quel tempo in alcuni casi in alcuni casi, negli sfondi delle aree d'oro o per circondare la testa dei santi con il nimbami dorato.

La stessa linea stilistica continua nella seconda metà del XV secolo. Alto Adige Master Michael Pachel da Brunico (OK. 1435-1498) - Pittore e scultore, in legno. Due altari del suo lavoro sono ampiamente conosciuti - l'altare di St. Wolfgang (finito nel 1481, nella Chiesa della città di San Wolfgang) e l'altare dei Padri della Chiesa (rifiniti ca. 1483 g. Monaco di Baviera). La ricerca, segnato nelle opere di Vita, nel lavoro di Pacher, trovare una continuazione, aumentando ad un passo più alto e prendendo forme più chiari.

Per lo sviluppo di tendenze realistiche della pittura tedesca nella seconda metà del XV secolo. Un certo significato si trova in questo momento la connessione dei singoli maestri con più mirati nelle loro conquiste avanzate dall'arte olandese. Nel lavoro di questi artisti, una tendenza all'integrità figurativa, all'ordinatezza compositiva, la subordinazione dei dettagli individuali di tutto il dettaglio appare.

I più grandi maestri di questo tipo erano il pittore e il grafico di Martin Schongauer (circa 1435-1491), noto nella storia dell'arte principalmente come un incisore eccezionale. Il miglior lavoro del pittore di Schongauer è "Madonna in un gazebo rosa" (1473). Questa immagine è una delle opere più significative del primo rinascimento tedesco. L'artista raffigura un motivo simbolico qui una persona amata qui (il gazebo rosa era un simbolo del paradiso), ma nella sua interpretazione questo motivo non contiene nulla ingenuo-idilliaco, come, ad esempio, a Lochan. L'immagine è priva di armonia del Madonn italiano; Sembra irrequieto e angolare. Tale incongruenza conclusa all'interno di un lavoro è tipica di tutto il revival tedesco, costituiva una delle sue caratteristiche principali.

Schongauer occupa un posto importante nella storia dell'incisione del Rinascimento tedesco. La fioritura del taglio dell'incisione sul rame è iniziata con la metà del XV secolo. Anche prima, ha ricevuto la diffusione dell'incisione sull'albero. L'incisione era in Germania il tipo di arte più democratica, che ha effettuato le funzioni più diverse dell'ordine religioso e puramente laico. Aveva la diffusione più ampia e godeva di persone molto popolari. Incisione su un albero nel XV secolo. Era ancora abbastanza artigianale. Nella seconda metà del secolo, un'altezza artistica significativa ha raggiunto incisioni di rame. Il maestro più presto eccezionale in questo campo dell'arte è stato un maestro anonimo di carte da gioco (40s. XV secolo). In alcuni manoscritti, diverse copie sono state conservate dalle sue carte; Inoltre, diverse incisioni più incise sono note per argomenti religiosi che non sono privati \u200b\u200bdella ben nota grazia e grazia.

Come primo maestro davvero importante, che ha svolto un ruolo decisivo nell'ulteriore sviluppo delle incisioni tedesche, è Schongauer. Fino al nostro tempo, aveva più di cento incisioni It su rame. Come nell'immagine sopra descritta, in incisione argomenti religiosi PA, Schongauer è riuscito a creare una serie di immagini significative che entrano in seminazioni e dignità. Gli elementi realistici sono molto aumentati in loro, vengono utilizzate molte impressioni dal vivo. Vediamo da Schongauer un nuovo uso molto più diversificato di un colpo lineare, con il quale raggiunge la profondità e la trasparenza delle ombre usando sfumature sottili e dolci. Hanno creato una serie di eccellenti incisioni sui temi della vita di Cristo e Maria ("Natale di Cristo", "Adorazione dei Magi", "attraversando la croce", ecc.).

Nella seconda metà del XV secolo. La scuola d'arte di Norimberga si sta sviluppando. Insegnante Durer Michael Wolgemouth (1434-1519) si trovava alla testa del laboratorio, che ha prodotto un numero enorme di altari registrati. Come personalità creativa, non è molto interessante. Le migliori opere di WolgeMut appartengono a periodo precoce (Altare Hoferovsky, 1405).

Il suo completamento e allo stesso tempo una transizione in una nuova fase di pittura tedesca XV secolo. Trova nel lavoro dell'Arience della School of the Augsburg della Hansburg della scuola maggiore (circa 1465-1524), un artista che può essere incluso nella storia del XVI secolo, con lo stesso diritto. Primi lavori Holbean Style Style è interamente adiacente al dipinto tedesco XV secolo. (Altare della Cattedrale di Augsburg, 1493; Altare di St. Paul, 1508, Augsburg). Come nuove funzionalità, è possibile notare gli elementi di certa calidità e chiarezza, che sono estremamente rafforzati nelle cose tardive dell'artista, creato già nell'orbita di nuove tendenze. Nelle prime cose dei toni più grandi, più anziani e profondi sono dominati; Più tardi, il sapore diventa più leggero e freddo. Il suo lavoro più famoso è l'altare di St. Sebastian (1510, Monaco), creato durante il periodo di massimo splendore della creatività di Durer. Figure correttamente costruite, calma, espressione chiara di persone, ordini spaziali, forme di plastica morbide, motivi classici nell'ambiente architettonico e ornamentici tollerano questo lavoro in nuovo mondo Arte dell'alta rinascita.

Un posto significativo nell'arte del XV secolo tedesco. occupa la scultura. Il suo carattere generale, oltre che passò da esso nel XV secolo. Il percorso di sviluppo è vicino alla pittura tedesca di questo tempo. Ma nella scultura, vengono sentiti anche le tradizioni gotiche; Lo sviluppo di elementi realistici si incontra qui per ancora più resistenza alle vecchie rappresentazioni medievali. Il simbolismo astratto delle immagini religiose è ancora dominante qui, il sistema di gesti condizionali e attributi, espressione condizionale, nettamente sottolineata di persone persiste. Queste caratteristiche gotiche continuano ad esistere durante l'intero XV secolo., Spesso completamente subordinando il lavoro di singoli artisti, specialmente nelle regioni fatali della Germania.

Tuttavia, nonostante la vitalità delle tradizioni gotiche e nella scultura tedesca del XV secolo. Quei grandi e profondi cambiamenti nella coscienza umana stanno iniziando a influenzare ciò che il Rinascimento ha portato con loro. Queste modifiche si riflettono principalmente nelle due caratteristiche più importanti. Il primo di questi è che le forme vecchie gotiche diventano deliberate ed esagerate, come se in un desiderio nato, al fine di preservare l'ex piene e ingenua fede esaltata. Tuttavia, a causa del fatto che le viste medievali in questo momento sono già ampiamente indebolite, una volta acquisite le forme organiche del gotico medievale acquisite mediante ombra meccanica, artificiale, spesso trasformando in tecniche decorative puramente esterne, sofisticate e non ritardate.

La seconda e la più importante caratteristica della scultura della Germania XV secolo è che è decollare (principalmente entro la fine del secolo), le singole manifestazioni del sentimento umano diretto, l'attenzione dell'artista alla realtà circostante e alla vita persona di una persona. Il significato artistico della scultura tedesca del XV secolo. Ma si è concluso che era in questo inizio la distruzione del vecchio sistema artistico medievale, sull'invasione della routine morta dell'arte della Chiesa dei primi scorci timidi della sincero affermazione della vita, i primi segni dell'espressione dei sentimenti umani e desideri che riducono l'arte dal cielo alla terra.

Il primo terzo del XVI secolo è stato per la Germania un periodo di periodo di massimo splendore della cultura rinascimentale, avvenuta nella situazione di una lotta rivoluzionaria tesa. In risposta alla pressione dei principi e dei nobili sui contadini aumentati nella seconda metà del 20 ° secolo, la popolazione rurale della Germania è aumentata per proteggere i loro interessi. I disordini dei contadini, a cui i fondi della città si sono uniti, entro la fine del primo quarto del XVI secolo. Terra in un potente movimento rivoluzionario, afferrando ampi spazi delle terre tedesche sud-occidentali. In una serie di rivolte, gli stati d'animo dell'opposizione del cavaliere e la popolazione burgher delle città hanno trovato il risultato. Ci sono stati giorni in cui il popolo tedesco unito in un fruscio della lotta contro i nemici comuni - l'autorità principesca del cattolicesimo romano.

In queste condizioni, le famose tesi di Lutero contro la Chiesa feudale, che videro la luce nel 1517, "avevano un effetto infiammazione, simile a un fulmine in un barile di polvere". L'ascensore rivoluzionario ha proposto un numero di personalità meravigliose. Con i nomi del capo eroico della rivoluzione contadina di Thomas Münzer, i leader delle rivolte del cavaliere di Franz von Zikkingen e Ulrich von Gutten, il capo della riforma tedesca di Martin Luther è collegata da una delle pagine più brillanti della storia tedesca .

L'inizio del XVI secolo in Germania è stato notato dal fiorente dell'umanesimo e della scienza laica diretta contro i resti della cultura feudale. Aumentare l'interesse per l'antichità, le lingue antiche. Tutti questi fenomeni hanno preso forme peculiari in Germania. Non c'era quella sequenza di opinioni filosofiche, che nei pensatori italiani portò alla fede incondizionata nella mente umana. Lo stesso di fronte a noi e all'arte tedesca del XVI secolo. Ciononostante, la frattura è sentita in tutto con tutto il potere. Separare importanti individui creativi audacemente messi e consentono nuovi compiti artistici. L'arte nei suoi migliori campioni diventa indipendente, area indipendente Cultures, uno dei mezzi di conoscenza del mondo, manifestazione di attività libere della mente umana. Come negli altri paesi dell'Europa occidentale, in Germania dall'inizio del XVI secolo. Il ruolo principale è iniziato a suonare l'architettura laica. Mansion urbano residenziale, municipio o casa commerciale - quelli dominanti in questa epoca dei tipi di edifici. Nelle grandi città dello shopping tedesco, che hanno sperimentato il loro fiorente all'inizio del XVI secolo, è stata condotta una grande costruzione.

Nonostante la diversità delle forme dell'architettura tedesca del Rinascimento, associata alla frammentazione del paese e alla presenza di molte aree più o meno separate, alcuni principi generali sono chiaramente pronunciati nell'architettura tedesca. Le tradizioni dell'architettura medievale gotica non muoiono nell'architettura tedesca nel corso del secolo, sovrapponendo il segno sul sistema figurativo delle strutture rinascimentali in Germania.

La base della costruzione del Rinascimento tedesco si basa su due principi: la fattibilità utilitaristica nell'organizzazione di spazi interni e possibilmente maggiore espressività e pittura di forme esterne. Pianifica come l'inizio dell'organizzazione in cui lo scopo dello scopo dell'architetto dell'architetto trova la sua forma di realizzazione; È formato come uno spontaneamente a seconda delle esigenze del proprietario e della destinazione a casa. Le protrusioni delle pareti, varie nella forma e le dimensioni della torre, le frontoni, i denti, gli archi, le scale, le finestre, le finestre uditive, i portali ornati ornati, gli altoparlanti di sollievo, le finestre bruscamente delineate, le pareti policromee creano un pittoresco completamente peculiare ed estremamente pittoresco impressione. Un'attenzione particolare è pagata alla progettazione di interni, che nel suo spirito corrisponde aspetto edificio. Eleganti caminetti ornamentati, soffitti knock riccamente progettati, fiancheggiati da legno e pareti spesso dipinti danno alle stanze interne delle case tedesche che la pittura, che già in questa era prefigura un ampio sviluppo sulla base della Germania in un interno più tardi.

In un periodo critico storia tedescaAlla fine del XV secolo, il più grande artista della Germania Albrecht Duer inizia le sue attività. Duer apparteneva al numero di quei creatori di persone ingegnosi che vengono durante la grande fermentazione di idee che confessano la transizione a un nuovo palcoscenico storico, e il loro lavoro converte in quel fenomeno progressista caotico in un sistema olistico di viste e forme artistiche, da tutti pieno del contenuto dell'era e aprendo un nuovo stadio della cultura nazionale. Durer era uno di quelle persone di revival universale. Non adiacente a qualsiasi gruppo politico nella lotta rivoluzionaria, Durer con l'intero orientamento della sua arte stava dirigendo di quel potente movimento culturale, che ha combattuto per la libertà della persona umana. Tutto il suo lavoro era un uomo ginnasta, il suo corpo e lo spirito, la forza e la profondità del suo intelletto. In questo senso, Duer può essere considerato uno dei maggiori umanisti del Rinascimento. Tuttavia, l'immagine creata da lui è profondamente diversa dall'ideale italiano, l'ideale di Leonardo da Vinci e Raffaello. Durer era un artista tedesco, e la sua creatività è profondamente a livello nazionale. Amava il popolo della sua patria, e l'ideale generalizzato creato da lui riprodotto la comparsa dell'uomo che vedeva vicino a se stesso è un duro, ribelle, ha realizzato forza interiore e dubbio, energia volitiva e meditazione cupa, calidità aliena e chiara armonia.

Il capo insegnante di Dürer nella sua ricerca era la natura. Ha anche imparato molto, studiando le immagini classiche dell'antichità e della rinascita italiana. L'amore e l'attenzione dell'artista alla natura parlano i suoi schizzi testardi dalla natura - il viso umano e il corpo, gli animali, le piante, i paesaggi, nonché i suoi studi teorici sullo studio della figura umana, che ha dedicato un certo numero di anni. È improbabile che qualcosa di significativo, oltre alle tecniche di pittura, poteva imparare dalla sua insegnante di Wolgemut, priva di ogni collina e profondità.

Albrecht Durer è nato nel 1471 a Norimberga nella famiglia di un artigiano - affari dorati del Maestro. Il padre di Dierer era dall'Ungheria. Formazione iniziale dell'arte Durer ricevuta da suo padre; Nel 1486, entrò nel workshop di WolgeMut. Del 1490-1494. Il suo viaggio nella Germania meridionale e in Svizzera, nel 1494-1495. Ha visitato Venezia. I primi lavori che sono venuti a noi sono disegni, incisioni e diversi ritratti pittoreschi. La prima volta è un disegno a matita d'argento "autoritratto" (1484). Un profondo senso della natura è permeato con paesaggi acquerelli di Dürer, ovviamente correlati all'inizio del 1490., Completato da lui durante le passeggiate intorno a Norimberga, durante un viaggio in Germania meridionale e in Svizzera e sulla strada per Venezia. Estremamente nuovi sono anche il loro modo gratuito di scrittura ad acquerelli basata sull'integrità premurosa del colore e una varietà di costruzioni composita. Questi sono "Tipo di Innsbruck" (1494-1495; Vienna), "Tramonto" (circa 1495; Londra), "Tipo di Trient" (Brema), "Paesaggio in Franconia" (Berlino).

Al ritorno da Venezia, Douren ha eseguito un certo numero di incisioni su rame e nadier (su rame - "vendere amore", 1495-1496, "St. Famiglia con cavalletta", ok. 1494-1496, "Tre contadini", ca. 1497 G. "Il figlio cieco", ca. 1498; incisioni sull'albero - "Ercole", "Bagno da uomo"), in cui le ricerche di un giovane maestro decisero con tutta la chiarezza. Queste incisioni, anche nei casi in cui contengono trame religiose, mitologiche o allegoriche, rappresentano principalmente scene di genere con un carattere locale pronunciato. In tutti loro c'è un moderno Dürer di una persona vivente, spesso tipo contadino, con una faccia caratteristica e espressiva, vestita in un vestito di quel tempo e circondato con precisione trasmesso da un ambiente o paesaggio di una certa località. Il posto grande è dato ai dettagli della famiglia.

Queste incisioni apre una brillante pleiad delle opere grafiche di Durera, uno di i più grandi maestri Incisioni in arte mondiale. L'artista ora possiede liberamente una taglierina, applicando un bar tagliente, angolare e nervoso, con cui vengono creati avvolgimenti, i contorni intensi, il modulo è posizionato, la luce e le ombre sono passate, lo spazio è costruito. La trama di queste incisioni con le loro migliori transizioni di toni d'argento si distingue per incredibili bellezza e varietà.

Il primo importante lavoro di Durer era una serie di incisioni su un grande albero di formato di quindici fogli sul tema dell'Apocalisse (stampato in due pubblicazioni con il testo tedesco e latino nel 1498). Questo lavoro porta in sé un complesso plesso di viste medievali con esperienze causate dagli eventi pubblici tempestosi di quei giorni. Dal Medioevo in loro ci sono allegorità, simbolismo delle immagini, la complessità di complesse consensi teologiche, fiction mistica; Dalla modernità - la sensazione generale di tensione e lotta, collisioni di forze spirituali e materiali. Le scene allegoriche introdussero le immagini dei rappresentanti di diverse classi di società tedesca, vivono persone reali, piene di esperienze appassionate e inquietanti e azione attiva. Il famoso foglio con l'immagine di quattro corridori apocalittici con cipolle, spada, pesi e forchette, che hanno soffocato le persone che li festeggiano da loro - un contadino, un abitante di città e imperatore. Non c'è dubbio che quattro cavalieri simboleggiano nella rappresentazione delle forze distruttive dell'artista - guerra, malattia, giustizia divina e morte che non sono né persone normali né imperatore. Queste fogli coperte da una bizzarra ornamento di bobina linee penetrate dal temperamento caldo vengono catturate da figuazioni luminose e potere fantasy. Sono estremamente significative e la loro abilità. L'incisione è sollevata qui al livello di arte grande e monumentale.

Nel 1490. Durent ha eseguito una serie di significativi lavoro pittorescoDa quali ritratti sono di interesse speciale: due ritratti del Padre (1490; UFFA e 1497; Londra); "Autoritratti" (1493; Louvre e 1498; Prado), "ritratto del oswet di Clell" (1499; Monaco di Baviera). In questi ritratti, uno completamente nuovo è approvato, finché non è sconosciuto all'atteggiamento dell'arte tedesca nei confronti di una persona. Una persona è interessata all'artista di per sé, oltre ogni idee laterali di ordine religioso, e in primo luogo - come persona specifica. I ritratti di Durera sono invariabilmente acutamente individuali. Durens risolve in loro l'unico, privato, caratteristico, che è concluso in ogni persona umana. I momenti della stima generalizzante vengono spostati solo nelle loro speciali tensioni, nervosismo, conosciuta preoccupazione interiore - cioè le qualità che riflettono lo stato pensando all'uomo In Germania, nel complesso, il tragismo completo e il tempo senza tempo.

Circa il 1496, è stata creata la prima importante operazione pittoresca di Durer su un terreno religioso - il cosiddetto altare di Dresda, la parte centrale del quale occupa la scena del culto del bambino di Maria a Cristo, e sui falchi laterali ci sono figure di Saints Anthony e Sebastian. È possibile notare qui tutte le stesse caratteristiche: alcune espressioni del XV secolo, espresse nelle prospettive errate, in contorni acuti e appuntiti, il deliberato imbarazzo infantile, e allo stesso tempo maggiore attenzione all'immagine di una persona di pensiero vivente con una caratteristica persona individuale.

Questi primi dipinti di Durera si distinguono per la notevole rigidità del modo pittorico. Dominano il grafico, il modello frazionario, i toni locali chiari e freddi, chiaramente separati l'uno dall'altro, modo un po 'secco di una lettera completa e levigata.

1500 G. Risulta di essere un punto di svolta nel lavoro di Durera. Appassionatamente alla ricerca della verità dei primi passi creativi di arte, ora viene alla coscienza della necessità di trovare quelle leggi con cui le impressioni della natura dovrebbero essere implementate nelle immagini artistiche. Una ragione esterna per gli studi iniziata da lui è stata tenuta vicino a questa volta e l'incontro con l'artista italiano Jacopo de Barbari, che gli ha mostrato un'immagine scientificamente costruita di un corpo umano. Durer Greedly coglie per le informazioni segnalate a lui. Segreto ideale classico La figura umana da questo momento non gli dà la pace. Ha dedicato il lavoro sulla sua padronanza per molti anni, in seguito per riassumere i tre "libri sulle proporzioni", sulla preparazione del quale ha lavorato dal 1515 per più di dieci anni.

La prima forma di realizzazione figurativa di queste missioni è il famoso autoritratto del 1500 (Monaco di Baviera, Pinakotek), una delle opere più significative dell'artista, segnando la sua piena maturità creativa da questo ritratto scompaiono tutti gli elementi della navalità; Non contiene attributi, i dettagli della situazione, non c'è nulla di lato, distraendo l'attenzione dello spettatore dall'immagine di una persona. La più grande onestà creativa di Dürer e mai cambiarlo sincerità lo rende in questa immagine l'ombra della preoccupazione e dell'ansia. Facile piega tra le sopracciglia, la concentrazione e la gravità sottolineata dell'espressione danno il volto di una tristezza appena accattivante. Insquister I diffusori totali sono fili ricci frazionari di frammentazione dei capelli; Le dita espressive sottili delle mani sembrano essere nervosamente muoversi intorno alla pelliccia del colletto.

La ricerca di Duer è versata nella forma di classi sperimentali. Nel periodo tra 1500 e 1504. Ha eseguito una serie di disegni di una figura umana nuda, il prototipo per il quale sono serviti gli antichi monumenti. Lo scopo di questi disegni è trovare le proporzioni ideali del corpo maschile e femminile. La forma di realizzazione artistica dei risultati del sondaggio di Dürer è l'incisione su rame 1504 "Adamo ed Eva", che sono direttamente trasferite da figure dei disegni di Sthey. Sono posizionati solo in una favolosa foresta e circondato da animali. A questo punto, Dürer acquisisce ampia fama. Si avvicina al cerchio degli scienziati tedeschi - umanisti - V. Pirkheimer e altri. In piena forza, le sue classi scientifiche si svolgono. Come Leonardo da Vinci, Duer era interessato alle più diverse questioni scientifiche. Dalla giovane età e per tutta la vita, ha applicato allo studio delle piante e degli animali (alcuni dei suoi meravigliosi disegni sono stati conservati con immagini di varie erbe, colori e animali), ha anche studiato la costruzione della costruzione e della fortificazione.

Circa 1500 g. Durent ha eseguito diverse dogane monumentali. L'altare di Puumgartner, "Mailing of Christ" (sia a Monaco di Baviera Pinakotek), "Waughs" (1504 g; Firenze, Uffizi) sono i primi nell'arte tedesca con composizioni religiose di un personaggio puramente rinascimentale. Come in tutte le opere di Durera, in questi dipinti, l'interesse dell'artista per la persona vivente, al suo stato mentale. Pieno di sfondi di vita e paesaggio. Durante gli stessi anni, Dürer inizia a lavorare su tre grandi serie di incisioni su un albero (le cosiddette "piccole" e "grandi" passioni di Cristo e una serie di scene della vita di Maria), che sono state completate da lui molto dopo. Tutte le tre serie nel 1511 sono state pubblicate sotto forma di libri con testo stampato ..

A 1506-1507. Il secondo viaggio di Durera a Venezia appartiene. Il modo più significativo della ricerca creativa, un artista maturo ora potrebbe più percepire consapevolmente le impressioni dell'arte del Rinascimento italiano. Le opere create da Duer subito dopo questo viaggio sono le uniche opere del Maestro, chiudono nelle loro belle tecniche ai classici campioni italiani. Questi sono riposanti pertinenti e armonia due immagini su argomenti religiosi - "Vacanze dei rosets" (1506; Praga) e "Madonna con Chizhik" (1506; Berlino), "ritratto di Venetian" (1506; Berlino) e "Adamo ed Eva" (1507; Prado). Delle cose successive, le stesse caratteristiche conservano la "Madonna con un bambino" (1512; Vienna). Tutte queste immagini sono inerenti a essenzialmente alieno Durer, figurativo rilassante, equilibrio di costruzioni compositi, la levigatezza dei circuiti arrotondati, la scorrevolezza della formazione di plastica delle forme. Madrid "Adamo ed Eva" sono particolarmente caratteristiche di questo senso. Da queste immagini scomparve qualsiasi angolarità e nervosismo delle normali figure del Derian. Non ci sono individui, unici. Queste sono le immagini perfette di eccellenti creature umane, costruite sui principi del canone classico, parlando la più alta bellezza umana basata sull'armonia del principio corporeo e spirituale. I loro gesti si distinguono per moderazione e grazia, l'espressione delle persone è un sogno.

Questo stile non diventa dominante nel successivo lavoro di Durera. L'artista tornerà presto a immagini esacerbate e vivamente individualizzate, drammi permeati e tensioni interne. Tuttavia, ora le proprietà ottengono una nuova qualità. Dopo tutte le indagini teoriche effettuate da Durer, dopo profondamente sperimentate e rielaborate nella propria creatività dai monumenti del revival italiano, il suo realismo sorge a un nuovo, più alto passo. Dipinti mature e in ritardo e capi di Duer acquisire i tratti di grande generalizzazione e monumentalità. Si indeboliscono in modo significativo la connessione con la tarda arte figlio e il principio veramente umanistico aumenta, che ha ricevuto un'interpretazione profondamente filosofica.

Nel 1513-1514. Duer ha creato un numero di opere che segna la parte superiore del suo lavoro. Questo è principalmente tre incisioni su rame, il famoso "cavaliere, morte e diavolo" (1513), "St. Jerome "(1514) e" malinconia "(1514). Il piccolo foglio di incisione sulle macchine è interpretato in queste opere come una grande opera monumentale d'arte. Queste tre incisioni non sono correlate tra loro, ma costituiscono una singola catena figurativa, dal momento che il loro tema è solo; Tutti loro incarnano l'immagine della mente umana, ciascuno - altrimenti altrimenti.

Il primo foglio - "pilota, morte e diavolo" - enfatizza l'inizio del volitional nell'uomo. Vestito per posta e casco, armati di una spada e una lancia, un pilota forte e calmo cavalcava un cavallo potente, non prestando attenzione al brutto diavolo, che viene rafforzato per tenere il suo cavallo, su una terribile morte che lo mostra Simbolo del tempo - clessidra, che sotto i cavalli sul terreno giace il cranio umano. Il flusso del cavallo è incontrollato e sicuro, la faccia della persona viene eseguita dalla volontà e dalla concentrazione interiore.

"St. Jerome "incarna l'immagine del chiaro pensiero umano. Nella stanza che riproducendo accuratamente la situazione della Casa tedesca del XVI secolo, il vecchio si trova dietro la scrivania con una testa di un alone leggero. Dalla finestra ci sono raggi del sole che riempiono la stanza con luce d'argento. Regna di silenzio cordico. Sul pavimento c'è un leone doderato e un cane.

L'immagine più impressionante è stata creata nella terza incisione - famosa "malinconia".

In questo foglio, il principio simbolico è il più forte, che è andato per un'ampia varietà di interpretazioni da scienziati di molte generazioni. Attualmente, è difficile dire esattamente che senso investire investire a tutti gli oggetti presentati qui, gli attributi della scienza medievale e dell'alchimia, che indicano il polyhedron e la sfera, le scale e la campana, il piallatore e una spada seghettata, la clessidra, il sonno, i numeri Su una lavagna che scrive AMUR; Come interpretato l'artista tradizionale per l'allegoria della Melancholia. Immagine del pianeta Saturno. Ma l'immagine di una donna potente - un genio alato, immerso nella meditazione focalizzata profonda, è così significativa, così permeata con la sensazione di potere illimitato spirito umanoChe tutti questi dettagli vengono spostati sullo sfondo, e il primo posto è l'inizio umanistico. È caratteristico che la tranquillità esterna di questa immagine non nasconde la pace interiore. La vista concentrata della Melancholia, che esprime la condizione della dura meditazione, un ritmo irrequieto delle pieghe dei suoi vestiti, il mondo dei fantastici attributi, che lo esita da tutti i lati - tutto ciò è estremamente tipico per l'estetica del revival tedesco.

Queste immagini filosofiche generalizzanti erano il risultato di molti anni di pensiero dell'artista, testimoniando il suo profonda conoscenza Uomo e vita. L'attività di Durer in questi anni maturi continua ad essere molto diversificata. Esegue molti ritratti in pittura, incisione e disegno, schizza costantemente tipi folk. Da lui rimase un'intera serie di immagini di contadini, la maggior parte dei quali si applica precisamente a questi anni (incisioni su rame - "contadini danzanti", 1514; "Pushkin", 1514; "sul mercato", 1519). Allo stesso tempo, è impegnato nell'arte decorativa e nella grafica del libro decorativa, raffigurante il Grand Triumphal Arch (1515) in incisione sull'ordine dell'imperatore (1515) e decorare i disegni sui campi della sua preghiera (1513).

Nel 1520-1521. Duer ha viaggiato attraverso i Paesi Bassi. A giudicare dal diario sostanziale dell'artista conservato da questo viaggio, ha incontrato i pittori olandesi e ha guardato l'arte olandese con grande interesse. Tuttavia, la creatività di Dürer dei prossimi anni non riflette l'impatto dell'arte olandese. In questo momento, il suo stile ha raggiunto la cima del suo sviluppo, e come artista, ha continuato a fare il suo modo originale.

In un certo numero di meravigliosi ritratti realizzati per il 1510-1520, Duer, come lo era, riassume lo studio a lungo termine della persona umana. Dopo tutte le ricerche bellezza classica E i tentativi di creare norme ideali continuano ad attrarre una persona mentre era in quel momento in Germania, prima di tutto, il rappresentante dell'Intelligentia tedesco è irritabile, ansioso, anticamente contraddittorio, ha realizzato energia di volontà e potere spirituale. Scrive il suo insegnante di WolgeMut - un vecchio debole con un naso agganciato e la pelle di pergamena coperta (1516; Norimberga), il potente e orgoglioso imperatore Massimiliano (1519; Vienna), il giovane intellettuale di quel tempo Berngard von resina (1521; Dresda ); Laboratori delinea il carattere di Golzhauer (1526; Berlino).

Le singole somiglianze individuali chiaramente designate in tutti questi ritratti sono invariabilmente combinate con un'elevata idea di una persona espressa in particolare significato morale e stampa pensiero profondosdraiato su ogni faccia. Non hanno la minima tonalità di prevenzione inerente alle immagini del ritratto del XV secolo. Questi sono ritratti rinascimentali puramente secolari in cui il primo posto è occupato dalla personalità unica di una persona, e la mente parla come unificazione unificata. In tutti i tecnici in cui questi ritratti sono stati completati, Duer ora funziona con la stessa perfezione. Durante la pittura, raggiunge grande morbidezza e armonia delle combinazioni colorate, nell'incisione - l'incredibile sottigliezza e tenerezza della consistenza, nel laconismo e nella rigorosa accuratezza della linea.

Tutte le ricerche perenne di Duer si ritrovano il completamento nei meravigliosi "quattro apostoli" (1526; Monaco di Baviera, Pinakotek). L'artista è stato trovato qui dalla sintesi tra la generalizzazione del partenza filosofica nella valutazione dell'umanità e delle proprietà private di una personalità individuale. Creare "Apostoli", Durer è stato ispirato dalle immagini delle migliori persone della sua epoca, che rappresentava il tipo di wrestler in quegli anni rivoluzionari. È sufficiente guardare la faccia mirata stanca del vecchio con il LBU di Socrates - l'apostolo Pietro o sul fuoco incendio ribellioso lo sguardo dell'Apostolo Paolo, per sentire la luminosa individualità del popolo vivente in questi magnifici saggi. E allo stesso tempo, tutte e quattro le immagini sono imbevute con un alto inizio etico, il più importante per Durer, - la forza della mente umana.

Il lavoro di Duer non ha avuto seguaci immediati, ma la sua influenza sull'arte della Germania era enorme, decisiva. Dürer non aveva un grande laboratorio con molti discepoli. I suoi discepoli sono sconosciuti. Probabilmente si connette con lui prima di tutti e tre gli artisti di Norimberga - i fratelli Hans Zebald (1500-1550) e Bartera (1502-1540) Meshm e Georg Lenza (circa 1500-1550), che è principalmente noto come maestri di incisione su piccola formatta (I cosiddetti Kleinmetersters; hanno anche lavorato come pittori). Le loro masse di incisione di alta qualità sono completamente secolari in natura e indicano la forte influenza dell'incisione italiana.

La complessità dell'era, generando contrasti ed estremi nel campo della cultura e dell'arte, forse, il più efficace colpisce le opere del contemporaneo Düreir - Mattias Greir (mente nel 1528), un meraviglioso maestro, uno dei più grandi pittori della Germania . A prima vista, può sembrare che l'arte del Grünevald nel suo contenuto ideologico, nonché sulle qualità artistiche, si trova al di fuori del percorso principale dello sviluppo del Rinascimento europeo.

Tuttavia, in realtà non lo è. Un'impressione simile è causata dal fatto che il metodo creativo di Grünevald è nettamente diverso dallo stile dell'arte italiana moderna e dalle tendenze classiche che si sono sentite in un certo numero di lavori di Dierer. Ma allo stesso tempo, le opere create da Grunevald dovrebbero essere valutate come il più caratteristico e, forse, il fenomeno originale più nazionale del revival tedesco.

Con nessun potere meno potere di Dürer, Grünevald cerca di risolvere i problemi principali del suo tempo, e soprattutto - per l'esaltazione dell'arte dell'arte del potere dell'uomo e della natura. Ma lui va con un altro modo. La proprietà che definisce la sua arte è l'inseparabile, il collegamento sanguigno con il passato spirituale del popolo tedesco e con la psicologia della persona moderna dal fondo. Ecco perché Grunevald è alla ricerca di una risposta alle questioni topiche esclusivamente nella sfera di un popolo abituale e comprensibile di immagini religiose, che interpreta non in termini di chiesa ortodossa (vecchio cattolico o nuovo protestante), e nello spirito di eresia mistica che è uscito dall'opposizione del sottosuolo.

I dipinti di Grunevald sulle trame della leggenda del Vangelo portano idee e sentimenti, profondamente consonanti in coloro che vivevano in quei giorni tempestosi persone semplici Germania. Nessun artista tedesco riuscì a esprimere lo stato contraddittorio di ansia, tensioni, orrore, babysitting e gioia, come ha fatto Grunevald nelle sue opere.

A proposito di Grünevalde Art Historical Science non è stata conosciuta per molto tempo. Il suo nome rimane ancora condizionale. Recentemente, abbiamo trovato numerosi documenti in cui un certo maestro Mattias è menzionato, a quanto pare, che indossava il Gothhardt-Neithardt Double cognome (è possibile che il nome Gothhardt fosse uno pseudonimo dell'artista, e Neuithardt - il suo questo cognome.). Se siamo d'accordo sul fatto che tutte queste menzioni di archiviazione miser si riferiscano a un artista, dovranno riconoscere il Maestro che ha lavorato a Ashaffenburg, Zeligenstadt (su Main), Francoforte sul Meno e il defunto a Galle, che era il tribunale artista dell'Arcivescovo di il Mainz Albrecht. L'indicazione più interessante si riferisce al fatto che Grünevald ha avuto qualche connessione con le rivolte contadine e per le sue simpatie al movimento rivoluzionario nel 1526 fu liquidata dal servizio.

Molto più decisamente descritto il cerchio delle opere dell'artista. La sua individualità creativa è così straordinariamente panoramica e il modo pittoresco è così brillante che le opere appartenenti alle sue spazzole sono determinate relativamente facilmente. Il lavoro principale di Grünevald è il famoso altare Isaengeim (OK. 1516), attualmente situato a Colmar. Questa è una struttura enorme composta da nove composizioni pittoresche e una scultura di legno colorata (realizzata nel 1505 dallo scultore Strasburgo Nicaus Hagenauer).

La parte centrale dell'altare Iengeim è una scena del Calvario. In questa immagine, l'artista ha investito tutto il potere del suo temperamento, lo sforzo con l'attività ultima per influenzare lo spettatore, scuotere la sua immaginazione. Il volto del Cristo crocifisso è distorto dalla farina di morte. Le dita delle mani e delle gambe sono ridotte da una convulsione, l'intero corpo è coperto di ferite sanguinanti. Le figure della Madonna, l'Apostolo di Giovanni e Mary Maddalene esprimono la sofisticata sofferenza pacifica, manifestata nei loro movimenti dolorosamente esaltati. Il principale mezzo di incarnazione del design tematico per l'artista è il potere panoramico intrinseco. Dietro la scena della crocifissione apre una notte cupo, il paesaggio del deserto. Sullo sfondo, le figure sono delineate, come se scoprendo dall'immagine. Dal corpo di Cristo dall'alto verso il basso, il flusso di sangue passa, una particolare estensione di cui è le numerose sfumature di rosso nei vestiti di figure in piedi. Una luce misteriosa irreale è distribuita dal corpo di un crocivolo intorno all'immagine.

L'idea dell'altare Isaengeim è caratterizzata da una profondità eccezionale. La stessa immagine della sofferenza umana è stata eretta al livello delle idee filosofiche generalizzate. Sembra un'espressione del dolore di tutta l'umanità, come simbolo di sofferenza a livello nazionale. L'impressionante forza di questo lavoro di Grunevald aumenta il fatto che insieme al potere dei sentimenti umani in esso è incorporato dal potere naturale della natura, che irrompe in ciascuno degli artisti di scena.

Con nessuna forza espressa nelle quinte dell'altare dell'isaengeim, un'idea della vittoria della luce sopra l'oscurità, una sensazione di baby sitter gioioso. Questo è particolarmente chiaro in quella canzone, dove l'apoteosi è rappresentata dalla Vergine. Dal cielo sulla figura di Maria con il bambino, la cascata dei raggi dorati è eccessiva. Le canzoni gioiose saranno dati dal loro canto e da giocando gli angeli su strumenti musicali. Sulle colonne bizzarri modellate e il filo dell'elegante edificio della cappella, davanti a cui la Vergine si siede, i vernici iridescenti traboccano. Apre un favoloso paesaggio giusto a destra.

In un atteggiamento pittoresco, la scena "risurrezione di Cristo" è sorprendente. Tira fuori anche un inizio luminoso. Qui, Grunevald raggiunge un effetto pittorico speciale. Il corpo di Cristo sembra essere dematerializzato, dissolvendosi nei raggi della luce, in uscita da esso stesso; L'alo floreale che circonda la figura, composta da toni gialli, rossi e verdastri, scoppia shrryly il blu scuro della notte, come se trionfante sulla sua vittoria.

Il lavoro più calmo ed equilibrato del Grünevald, relativo al periodo tardo della sua creatività, - "L'incontro di Santatini Erasmia e Mauritius "(1521-1523; Monaco di Baviera). Fare delle convenzioni tradizionali, come i nimbes dorati attorno alle teste dei santi o all'attributo del martirio nelle mani di Erasma, Grünevald allo stesso tempo raffigura la scena della vita di un incontro di due persone lussuose vestite con volti espressivi individuali in questa immagine . A forma di più grande, la brillante veste d'oro del vescovo, incarna l'aspetto della sua cartuccia - Arcivescovo Albrecht; Dalla natura, il volto del negro è stato cancellato.

Tra le altre opere di Grunevald, datato 1503 "Lavasore di Cristo" (Monaco), "Crocifisso" (Basilea), "St. Kiriak e St. Lavrenty "(Francoforte sul Meno)," Madonna "(1517/19, Chiesa nel destiner). Vengono conservati un certo numero di prima classe sull'abilità dei suoi disegni, che sono prevalentemente materiale preparatorio per i dipinti, oltre a schizzare teste e figure individuali.

Il corso speciale del Rinascimento tedesco, che si distingue per una particolarità nazionale pronunciata, forma il lavoro dei Maestri della cosiddetta scuola Danubio guidata da Altdorfer. Nell'arte di questi artisti, l'impronta dell'instabilità della cultura artistica tedesca del XVI secolo è evidente, in molti modi i resti viventi del passato, unendo nuovi, realistici ragionevoli opinioni sul mondo con rappresentazioni irrazionali confuse.

Albrecht Altdorfer (circa 1480-1538) ha lavorato a Regensburg. Dai primi anni vita artistica I lavori non sono preservati. Nel periodo maturo, si è esibito come maestro con una grafia creativa luminosa e originale. L'ingenua semplicità dei sentimenti e delle relazioni umane non trattati che portano la tonalità di coesistono della sobrietà di burgher nelle sue opere con un romanticismo peculiare e la poesia della fiaba folk. Le migliori immagini di Altdorfer sono quelle in cui il posto più grande è riservato dal paesaggio.

In un certo numero di dipinti, l'artista si svolge sullo sfondo della natura favolosa della scena del contenuto mitologico o biblico, come un piccolo romanzo, riempiendoli con centinaia di dettagli domestici o fantastici. Costruisce complesse composizioni spaziali,

in cui i workshops applica effetti di illuminazione. Le opere di Altdorfer sono facilmente riconoscibili dalla speciale calligrafia della pittura. Il master funziona a spazzola sottile, sovrapposizione di striscio acustiche nervose; La trama del suo dipinto, un po 'secca e stampa, scintilla la serra, i punti rossi, gialli e blu.

Le caratteristiche principali della creatività di Altdorfer sono completamente rivelate in una delle sue ferite che sono venute a noi - "Riposa sulla strada per l'Egitto" (1510; Berlino). Il motivo di genere inefficace intrecciata nella fantasia della fiaba della folk. La sensazione di poesia romantica della scena della notte di Whalp pittura Altdorofer "Natale di Cristo" (1512; Berlino). Laboratori trasferiti illuminazione notturna. Le rovine di un edificio in mattoni, invaso a colori ed erbe, dove si trovano il rifugio di Maria con un bambino e Joseph, sono stati trovati da soli, sono illuminati da luci lunari giallastri. Nel cielo scuro ci sono soli luminosi soli degli angeli. Nella "Susanna Bath" (1526; Monaco di Baviera) Altdorfer eretta un fantastico palazzo fantastico multi-piano eterogeneo, da cui i passi sono discesi alle terrazze circondate da balaustre, distrutte da dieci-kami piccole figure. In primo piano, gli eroi si trovano sotto i sette di un magnifico albero legenda biblica. Un'altra variazione del tema natalizio dà la "notte santa" (Berlino) (malato 343).

Una sorta di lavoro unico dell'arte tedesca XVI secolo. L'immagine di Altdorofer "Battaglia di Alexander Macedonsky con Godi" (1529; Monaco di Baviera) può essere considerata, secondo il suo piano, sembra essere qualcosa come un paesaggio spaziale. L'intero primo piano dell'immagine è occupato pieno di movimenti con folle di truppe da combattimento, cavalieri con banner e lance. Apre un vasto paesaggio, in cui l'artista sembra cercare di incarnare l'immagine dell'intero universo. L'alto orizzonte ti consente di vedere danni impartiti con mari e fiumi, montagne, foreste e edifici. Il cielo è permeato con raggi di luce, che illuminano i conti bizzarri delle nuvole e lanciano macchie brillanti a terra, distintamente distintamente i dettagli individuali del paesaggio e delle figure delle persone.

In totale, il carattere innovativo sta portando paesaggi forestali Altdorfer. Queste piccole immagini, realizzate in tecniche quasi in miniatura, possiedono un fascino speciale. Nella foto "St. George nella foresta "(1510; Monaco di Baviera) L'artista raffigura un favoloso foresta densa Con gli alberi giganti che coprono tutto il cielo. Piccola figurina St. George a cavallo è completamente assorbito dal prossimo secolo Boron. In uno stretto lume tra i tronchi, è visibile una distanza blu scuro. La gola della foresta è traboccante di tonalità verdastre, blu e rosse. Accuratamente e magistralmente descritto ogni pezzo.

Altdorfer molto e ha lavorato in modo produttivo nel campo dell'incisione, eseguendo incisioni sull'albero e su rame. Le sue incisioni multicast su un albero, stampate da diverse tavole (ad esempio "Madonna") sono interessanti. Nei prossimi anni, ha fatto ricorso con successo alla tecnica dell'incisione; I suoi paesaggi d'incisione si distinguono per la facilità e la tenerezza della trama.

Alcuni lati della loro creatività, e principalmente un interesse esacerbico in natura, la più grande sassonia della sassonia Lucas Grus si avvicina al Altdorfor. Le gru (1472-1553) sono nate nella città di Crohn in Franconia. Nei primi anni della vita dell'artista, sappiamo solo che nel 1500-1504. Era a Vienna; Nel 1504, Krants furono invitati a Wittenberg al cortile del Saxon Kurfürst Friedrich saggio, e poi, fino alla fine della sua vita, ha lavorato alla corte dei suoi successori. A Wittenberg, Krants ha tenuto la posizione di un prominente hamburger ricco, ha ripetutamente visitato il burgomistrome della città, si trovava al capo dell'ampio seminario che ha prodotto un numero enorme di opere, come risultato della quale non è sempre possibile allocare genuino Dipinti dell'artista.

Le gru consistevano in relazioni amichevoli con Lutero, illustrato molti dei suoi scritti. Il lavoro della gioventù dell'artista non è stato conservato. Nel primato delle opere che sono arrivate davanti a noi, prima di tutto in incisioni, è possibile notare i segni del pareggio di Kranakh con tradizioni in lattina (incisioni sull'albero 1502-1509 - "crocifisso"; "st . Jeronim "," La tentazione di Sant'Antonio "), non ci sono ancora una corretta costruttiva promettenti, sono sopraffatti con dettagli, sono presenti elementi di finzione nelle immagini; Il disegno stesso sembra composto da confusione di linee ricci.

Tuttavia, in queste opere, la personalità artistica di Cranach è descritta come uno dei caratteristici rappresentanti del revival tedesco dell'era di Dierer. La sua creatività, nonostante l'abbondanza di grafici religiosi e favolosi, è intriso di un senso della modernità. Durante tutto il percorso creativo, l'artista mostra un interesse esacerbato per la persona della sua era: è particolarmente attratto da un genere ritratto, interessa il modo di vivere di varie classi, presta particolare attenzione al costume e ai dettagli della vita. Troviamo gli argomenti e gli schemi degli argomenti, generati dalle idee degli umanisti moderni a lui.

L'attenzione alla natura è peculiare del Maestro, a partire dai primi giorni che sono venuti a noi. Il paesaggio nella sua famosa pittura di Berlino è interpretata da un ruolo decisivo "Vacanze in Egitto", 1504. Qui ci incontriamo con l'immagine più vivace natura nativa A Kranah. Raffigura sinceramente la foresta settentrionale, affacciata strettamente a Maria con Baby e Giuseppe. Come Altdorfer, le gru trasferiscono amorevolmente tutti i dettagli del paesaggio - alberi, fiori, erbe. Contribuisce all'interpretazione degli elementi della leggenda del Vangelo della narrazione del genere, spingendo il contenuto religioso sullo sfondo. Dalle tecniche tradizionali dell'interpretazione artistica della trama della chiesa, si ritira nel "crocifisso" del 1503 (Monaco).

Estremamente intrattenuto da gru incisione su un albero, riproducendo scene dalla vita della Corte Society di Wittenberg (un numero di fogli 1506-1509. Con l'immagine dei tornei cavalini, una caccia a cervo, i cavalieri, ecc.). I motivi osservati dall'artista presso il Cortile del Wittenberg Kurfürst, sono stati costantemente introdotti nelle composizioni pittoresche e grafiche su terreni religiosi e mitologici.

Una delle caratteristiche importanti di Kranakh è che appartiene al numero di quegli artisti tedeschi del XVI secolo, che ha mostrato interesse per i risultati della moderna arte classica dell'Italia. In un certo numero dei loro lavori, le gru affrontano le tecniche classiche per la trasmissione dello spazio e l'interpretazione della figura umana. Crea immagini di Madonna, come dal tipo di campioni italiani ("Maria con un bambino", wroclaw), introduce gli elementi dell'architettura rinascimentale nelle composizioni ricci ("altare

sv. Anna ", Francoforte), sta provando. Qualsiasi proporzione ideale del corpo nudo (Venere, 1509; Leningrado). Tuttavia, il rapporto tra la gru agli esempi di arte classica utilizzata da loro non è così creativa come Dierer. Nelle foto di questo tipo, di solito non va oltre qualche ripetizione ingenua di ricette pronte. Ma le migliori opere di Cranach sono inerenti alle caratteristiche di perfezionamento peculiare. Il ritmo calmo dei circuiti arrotondati morbidi a volte accarezza l'occhio con il suo movimento fluido; Lo studio dei gioielli dei dettagli è catturato dallo spettatore. L'artista scopre un tocco colorato sottile. Evitare contrasti di colori affilati, le gru possono creare squisite combinazioni di toni. Un esempio è la Madonna di Mosca con un bambino, dove la vegetazione pesante oscura dei cespugli è una bella corda colorata con una striscia verde chiaro di uno scenario di secondo piano e c, blu lontano.

I ritratti fatti dal Maestro nel periodo iniziale e medio della creatività sono di grande interesse. In loro, le proprietà realistiche della sua arte sono più luminose. Al meglio di loro appartiene al "ritratto del padre di Luther" (1530; Vartburg). Qui viene data un'immagine luminosa di una persona con una caratteristica faccia espressiva. Il raggiungimento più alto della gru di arte ritratto è l'immagine del profilo di Lutero (1520-1521, incisioni in rame). È fatto durante la più grande vicinanza di Kranchi con il capo della Riforma. L'artista crea una tale semplice immagine di una persona che non è più trovata nella sua arte.

Ma dal secondo decennio del XVI secolo. Altre tendenze crescono nel lavoro dei Maestri.

In un certo numero dei suoi dipinti su argomenti religiosi 1515-1530, così come nei ritratti, è possibile notare il desiderio di seguire il noto stencil della figura umana - elegante, fangut e condizionale. Negli anni di aumento della reazione, che coincidono con l'ultimo ventesimo della vita di Kranech, questa linea prende la parte superiore del suo lavoro. Le immagini decorative delle immagini vengono presentate in avanti, la pittura diventa piccola e secca.

Con Augsburg è collegato nel periodo iniziale del suo attività creativa Uno dei grandi maestri del Rinascimento tedesco è Hans Golbien Jr. (1497-1543).

Golbaine è un pittore di un tipo e temperamento completamente diverso rispetto a Durer. Come persona della prossima generazione, il figlio e lo studente del pittore, in larga misura del passaggio sul sentiero dell'alta rinascita, Golbaine in misura molto minore rispetto a Durer, è associato a tradizioni medievali. Dalla giovane età è intriso di nuove idee secolari; Ironico-relativo alla vecchia chiesa, interessi per l'antichità, amore per la conoscenza, il libro caratterizza il primo dei suoi gradini creativi. Diciassette-diciotto anni di Golbina Junior, insieme a suo fratello Ambrosio, deceduto presto dall'artista, lasciò la sua città natale e si trasferì a Basilea. Qui si è immediatamente trovato nei dintorni più vicini quindi nel Basel Erasmus Rotterdam. Basel era a quel tempo la città universitaria e un centro culturale significativo. La direzione dell'arte del Golbaine è stata determinata qui molto rapidamente. Si è immediatamente mostrato come un ritratto importante, come un maestro eccezionale del libro e un meraviglioso decoratore. Si rivolse agli argomenti religiosi molto meno spesso di altri artisti, mentre li ha superati in un'interpretazione puramente laica delle trame.

Il percorso creativo del Golbein è caratterizzato da chiarezza e certezza. Già nel primo lavoro della gioventù, ad esempio, nei ritratti del Basel Burgomistra Meyer e sua moglie, 1516 (Basilea), ha espresso completamente un atteggiamento caratteristico nei confronti di lui. Le caratteristiche dell'armonia interna ed esterna, l'equilibrio e la tranquillità, che è stata così dolorosamente alla ricerca di Durer, facilmente e naturalmente diventare la base delle immagini di Gaban.

Le migliori proprietà dell'arte del Golbaine con tutta la forza influiscono in anticipo, il periodo di Basilea del suo lavoro. Un eccellente esempio in questo senso è il famoso ritratto di un giovane moniface umanista Amerbha (1519; Basel) è una delle migliori immagini ritratto dell'Holbein, mostrando l'intera attrattiva del suo forte realismo equilibrato. In questo lavoro, un'immagine di un rappresentante della nuova intelligentia europea, che è uscito da sotto le autorità della Chiesa, sviluppata in modo completo, bello fisicamente e solido spiritualmente, circondato da un alone di una nobiltà speciale. Il ritratto è molto ben connoungato: un tronco d'albero e un ramo di quercia dietro la spalla di Amerbach sullo sfondo del cielo gli danno un'irrienza speciale.

Golbien era uno dei loro grafici più grandi della sua epoca. Disegni del suo pieno di freschezza sradicante. Particolarmente buoni schizzi ritratto su cui funziona per tutta la vita. I primi anni includono i disegni brillanti "ritratto di paracella" (1526) e "ritratto di uno sconosciuto" (circa 1523), realizzato con matita nera e colorata poco profonda. Secondo una profonda vitalità e allo stesso tempo, in grazia, accuratezza e libertà possono essere chiamate sinceramente innovative.

Il carattere avanzato dell'arte dell'Holbein con un sacco di potere nel 1516-1529. Anche Golbaine ha lavorato sodo su ornamenti del libro, eseguendo molti titoli, vignette, cornici, iniziali per la letteratura del riformatore umanistico e successivo. In loro, agisce come un decoratore di prima classe, sapendo perfettamente il classico ornamento, e allo stesso tempo di un disegnatore, che possiede liberamente l'arte di un'immagine di un corpo nudo. L'arte di Golbien come decoratore ha attirato l'attenzione dei suoi contemporanei. Il più precoce lavoro registrato dell'artista (1515) di questo tipo era il dipinto del coperchio del tavolo (tenuto nello stato distrutto nel museo di Zurigo), sulla superficie di cui sono rappresentate una serie di scene di famiglia e le immagini allegoriche divertenti. Tra il 1521 e il 1530. Golbaine ha eseguito diversi dipinti murali monumentali per ordine delle autorità cittadine di Basilea e residenti individuali di Basilea e Lucerna.

Golbain ha anche lasciato un sacco di piume di prima classe con una penna e un acquerello per la pittura a finestra, realizzata in plastica, liberamente e facilmente distinta per completa liberazione dalla rigidità e dalla angolarità del Medioevo.

Sullo stesso basel anni ci sono un certo numero di opere pittoresche di contenuti religiosi Golbayin. Madonna Burgomistra Meyer non è a malapena italiana da tutte le composizioni religiose nell'arte del Rinascimento tedesco. Questo è evidenziato dalla sua armonia chiara e un po 'impassibile, una costruzione simmetrica con una figura principale evidenziata nel mezzo e un numero uguale di figure sui lati, i tipi ideali di Nostra Signora e del bambino, cadendo silenziosamente pieghevoli di vestiti, consistenza premurosa di combinazioni colorate.

Nel 1526, Golbaine ha fatto il suo primo viaggio in Inghilterra. Come tutti gli artisti tedeschi di quel tempo, ha viaggiato molto. In Italia, era, apparentemente, due volte - nel 1518-1519 e, forse, nel 1530-1531; Ha visitato la Francia e i Paesi Bassi. In Inghilterra, è rimasto questa volta due anni. Brospoprice con Thomas Maorm, è stato quindi introdotto nel cerchio della più alta intelligentia inglese. Tra il 1526 e il 1528 Sono completati a Londra diverse opere. Dal 1527 preparatorio preparatorio conservato all'immagine insoddisfatta della penna, raffigurante la numerosa famiglia di Thomas Mora (Basel). Nello stesso anno, Golbien scrive il maggior numero di Thomas Mora (New York, il Museo Fritone), nel 1528, svolge un ritratto dell'astronomo tedesco di breve (Parigi).

Nel 1528, Golbaine tornò a Basilea. Tuttavia, non era destinato a rimanere qui per molto tempo. Nel 1528-1529. Gli eventi si sono svolti in città che hanno fortemente cambiato stili di vita e condizioni di lavoro per l'artista. La distribuzione religiosa ha portato alla miniera del cattolicesimo; Basel divenne una città protestante. L'ondata di iconocrosta spazzava, le opere di pittura e sculture furono distrutte dalle chiese. Golbaine rimase a Basilea fino al 1532. Durante questo periodo, si è laureato al dipinto della grande sala del Basel Town Hall, ha scritto un ritratto di sua moglie con bambini (1528-1529; Basel) e ha realizzato una grande serie di illustrazioni al Bibbia (91 incisioni in legno, pubblicata nel 1538.).

Nel 1532, Golbaine finalmente si trasferì in Inghilterra. Per gli ultimi undici anni della sua vita, quasi tutti dedicati a Art Art. Ancora una volta, nella cerchia dei tedeschi, che viveva a Londra, scrive un certo numero di ritratti di mercanti tedeschi. Nel 1536, Golbien divenne artista del tribunale del re inglese Henry VIII. Da questo tempo, nella sua arte, iniziano a mostrare le caratteristiche del declino. Circondato da un alone di gloria europea, è troppo affezionato alla sua posizione elevata, è troppo dato nel suo lavoro nel suo lavoro, e talvolta i capricci della nobiltà inglese. Largo ritratti famosi Golbienn degli ultimi cinque anni della sua vita: Heinrich VIII (1539-1540; Roma), Queen Jen Seymour (1536; Vienna), cristiani danesi (1538; Londra), Edward Prince Galles (1538-1539; New York) Sebbene completato Con grande attenzione e virtuosismo, allo stesso tempo si distinguono da alcune secchezza, caratteristiche di monotonia e meschino nella finitura dei dettagli. Il più prezioso di ciò che è stato creato negli ultimi anni della vita di Golbien è i suoi disegni ritratti, ancora più perfetti di quelli che ha eseguito nel suo nei primi anni. La ricca collezione di questi disegni immagazzinati nel Palazzo Windsor mostra Golbiena come uno dei migliori cassetti dell'arte mondiale.

Il valore della creatività del Golbien è già nella vita dell'artista va ben oltre la sua patria. Un ruolo particolarmente importante è stato svolto dalla sua arte per la formazione della pittura inglese ritratto.

Scultura tedesca nel XVI secolo. non ha raggiunto un alto livello di sviluppo come pittura e grafica. Tra gli scultori di questo secolo non c'erano artisti, un Durer o Golbien equivalenti. Vero, nella scultura, lo sviluppo degli elementi rinascimentali si incontra su una resistenza incomparabilmente maggiore delle tradizioni gotiche della Chiesa che nella pittura (soprattutto perché la scultura è collegata principalmente con gli ordini della Chiesa). La lotta religiosa del XVI secolo ha fortemente complicato lo sviluppo delle materie plastiche; Una delle conseguenze indirette della Riforma era tenta di rafforzare la tradizionale scultura della Chiesa cattolica. Questo ha portato, in particolare, a estremamente più grande le forme gotiche, raggiungendo spesso le opere degli scultori della Chiesa del XVI secolo. alla bruttezza mostruosa.

Le opere più interessanti, la scultura tedesca del XVI secolo. Sono associati a coloro che, in qualche modo, hanno cercato di sviluppare nelle loro opere i principi del realismo rinascimentale. Centri di flussi rinascimentali nella scultura tedesca del XVI secolo. C'erano le stesse avanzate città del sud tedesco in cui sono state sviluppate la creatività del più grande. Il Rinascimento tedesco - Durera e Golbien. Era a Norimberga e Augsburg che hanno lavorato i maggiori scultori tedeschi. Peter Fisher Senior (circa 1460-1529), nato a Norimberga, e viveva lì tutta la sua vita, che rappresenta il più grande interesse tra questi master. A suo padre ereditato dal Padre, Peter Fisher sul vecchio negozio ha funzionato, ha lavorato insieme ai suoi figli; In un artigiano così modesto, guarda il suo autoritratto scultoreo, che è posto nella parte inferiore della sua principale creazione - crepe di San Zebald nella Chiesa di questo santo a Norimberga (1507-1519).

I figli di Peter Fisher Senior hanno continuato e sviluppato principi chiari e semplici realistici dell'arte del loro padre, sebbene nessuno di loro potesse paragonare con lui sulla scala della datazione. Le dipendenze sono ancora diverse; Le distorsioni più impegnate in realistiche del rinascita sono state menzionate sopra Peter Fisher Jr., che ha lavorato molto sull'immagine di un corpo umano nudo (ad esempio, in una placca di bronzo con l'immagine di Orfeo e EuroDic; circa 1515), Così come il terzo figlio di Fisher - Hans (circa 1488-1550), l'autore di un eccezionale per il revival tedesco della statuetta di bronzo di un giovane (circa 1530; Vienna), ascendendo chiaramente ai campioni italiani. Il quinto figlio di Fisher - Paulu (mente nel 1531) appartiene una delle statue più famose del Rinascimento tedesco - la cosiddetta Madonna di Norimberga (albero, circa 1525-1530), elegante e lirica, preservando alcune caratteristiche tradizionali gotiche.

Il più luminoso dopo il Senior Scultore tedesco del Fisher XV secolo. C'era Adolf Dahuer (circa 1460/65 - 1523/24), nato in ULM e dal 1491 stabilito a Augsburg. Sono eseguiti da busti vividamente realistici sulle panchine per il coro di Fugger Capella nella Chiesa di St. Anna ad Augsburg (1512-1518; poi nel museo di Berlino); Particolarmente interessante per il suo potere completo e plastico del suo "Judith di Ololfern". Principi realistici rinascimentali, espressi senza una luminosità individuale speciale, ma costantemente e chiaramente caratteristici del suo grande gruppo "lutto di Cristo" nell'altare della stessa cappella.

Il Maestro Norimberga Adam Kraft (1455 / 60-1509) appartiene a una serie di rilievi raffiguranti la "croce" (1505-1508), in cui gli elementi realistici del genere sono estremamente forti. Tipi e costumi sono presi dall'artista della vita circostante, la relazione tra le figure è costruita su una vera azione drammatica, pronunciata in modo naturale e semplicemente, senza gattini gotici e convenzionalità. Il motivo domestico puremente secolare utilizza Kraft nel sollievo, decorare la costruzione di scale urbane a Norimberga (1497).

Con la seconda metà del secolo, le tendenze realistiche nella scultura di Norimberga svaniscono. Le immagini antiche e rinascimentali diventano proprietà degli scienziati di intenditori o del radicamento delle loro forme di corte. Entro la metà del XVI secolo. In connessione con quei profondi ammortizzatori sociali ed economici che la Germania ha vissuto in questo momento, l'intera cultura tedesca in generale e arte tedesca in particolare arriva in uno stato di profondo declino. Nella seconda metà del XVI secolo, dopo aver lasciato la scena degli ultimi maestri del Rinascimento tedesco, l'arte della Germania lunghi anni congelato nel suo progressivo sviluppo.

L'architettura del Rinascimento tedesco, il significato di cui dobbiamo ricerche ampie per il lavoro, la casa, il betzold e Hoffman, poi le immagini e le pubblicazioni di Ortweyn e il lettore, i fritti e altri, non possono essere uguali alla loro sorella italiana, né grandezza o logica e chiarezza. Nel fusione e nella costruzione dell'edificio, ha mantenuto le forme stabilite. La crociata gotica con costole e gotiche attraverso i fili ha dominato la maggior parte delle poche chiese appena costruite che sono nate ora in Germania. Le torri angolari estreme, durante la transizione da castelli medievali ai moderni palazzi, spesso designavano l'inquadratura esterna del magnifico, dotato di vasti cortili interni degli edifici principesi residenziali, le cui scale all'interno delle sorgere delle torri, per non parlare delle eccezioni, durante il I secolo intero c'erano ancora viti. Le case dei cittadini preservarono i davanti di frontai, e nel nord della Germania, all'interno aveva un senso, indicando la loro origine dalla casa contadina del sassone inferiore, nella parte superiore della Germania con edifici più ricchi che hanno mantenuto il cortile attraverso il quale almeno una galleria ad arco, che collega il cortile Parte anteriore della casa con la parte posteriore. Le opere del Rinascimento tedesco Tutti questi edifici sono dovuti principalmente a decorazioni che imitano antico, grazie ai pilastri e ai frizi, decorati con riccioli di verdure simmetrici, vasi, amouri e favolosi animali nello spirito dell'itanitaliano presto rinascimentale e grazie al greco riciclato arbitrariamente -Roman capitali, i cui vettori sono spesso gonfiati nella parte inferiore delle colonne "Balyasny" o "Candelabrone". Queste nuove forme di decorazioni sono principalmente su portali, lanterne, torri delle scale, fronti. Nel Rinascimento tedesco, tuttavia, fin dall'inizio non c'è carenza e in complesse facciate multipiano con pilastri e semi-colonna; Sfortunatamente, fin dall'inizio manca solo i sentimenti di proporzioni pura e smembramento organico, manifestato solo nella seconda metà del secolo.

È severo e soprattutto imitato dall'arte antica, è chiaro che gli architetti tedeschi che stessi hanno visitato l'Italia. In realtà, gli italiani eretti in Germania non appartenevano al Rinascimento tedesco, come, ad esempio, circondato da Gallery con arcate semi-curvi adorabili palazzo vari di Belvedere a Praga (1536), quindi il cortile del palazzo di Landsgut (1536- 1547) nello stile di un classico alto rinascimento, e anche il portale del palazzo attualmente puro (1555) sullo Yenadafe a Dresda, la costruzione di Giovanni-Maria Noseni, descritta da Makovsky, in particolare la sua magnifica cappella principesca (1585) nel La cattedrale di Freiberg e il magnifico palazzo di Pisels a Brega (1547), i cui costruttori supernataliani tuttavia, con l'assistenza, naturalmente, i lavoratori tedeschi hanno fatto tante concessioni al gusto tedesco che possiamo classificarlo al Rinascimento tedesco.

La vera architettura tedesca del Rinascimento, la cui conoscenza delle forme italiane si basa sugli ornamenti di incisioni e linee guida artistiche, deriva dalla ornamentale tedesca italiana XVI secolo, accuratamente illuminata da Lychvarkk, e recentemente Derie. Alle sue fonti includono incisioni sull'albero di Peter Flettner (Fletner, Mind. Nel 1546), esteso da Gauput non senza stretching fino al primo piano di sviluppo generale, dopo che Reimer ha fatto un riassunto delle sue incisioni su un albero e disegni, Domainig - Medaglie e Conrad Lange - tutte le sue opere in generale. I lavori stampati che avevano la più grande influenza erano: un piccolo libro sull'arte di Fogtgerra (1537), "Mauritan Ornament" Flettner (1549), illustrazione dello stesso Flettner a Vitruvia tedesca (1548) di Rivius e, infine, il libro Capanne dal libro sull'architettura di Vendel Ditterlin (1598), su tutte le vele che galleggiano nel meraviglioso paese dello stile del barocco.

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Tra i paesi dell'Europa occidentale, che ha sviluppato un sistema feudale sviluppato di relazioni, in Germania, l'uscita degli oscuri medievali è stata la via più carica e complicata. In economico e politicamente, la Germania ha sviluppato contraddizione e difficile; Non meno contraddittorio era la cultura spirituale, e in particolare la sua arte.

Al risultato del Medioevo in Germania, gli stessi processi si sono verificati come in altri paesi europei: il ruolo delle città è stato intensificato, produzione fabbricata e i commercianti stavano diventando sempre più importanti, il sistema del negozio medievale è stato dimesso. Shifts simili sono stati eseguiti in cultura e nella visione del mondo: l'autocoscienza di una persona è aumentata e aumentata, il suo interesse è stato cresciuto allo studio della realtà reale, il desiderio di avere conoscenza scientifica, la necessità di trovare il loro posto nel mondo; C'era una graduale prudenza della scienza e dell'arte, la liberazione di loro dalla vecchia autorità della Chiesa. Le città dell'umanismismo sono nate nelle città. Il popolo tedesco apparteneva a una delle più grandi conquiste culturali dell'Epoch - il maggior contributo allo sviluppo della tipografia. Tuttavia, i turni spirituali si sono svolti in Germania più lentamente e con grandi deviazioni rispetto a paesi come l'Italia e i Paesi Bassi.

Alla fine di 14 - 15 VV. Nelle terre tedesche, non solo non è stato osservato, le tendenze verso la centralizzazione del paese, ma, al contrario, la sua frammentazione è aumentata, promuovendo la sopravvivenza degli oscuri feudali. La nascita e lo sviluppo in alcune industrie della crescita delle relazioni capitaliste non hanno portato all'unificazione della Germania. Era una varietà di grandi e piccoli principati e città imperiali indipendenti, che sentono un'esistenza quasi indipendente e ha cercato di mantenere un tale stato di cose. L'E-TIM è in gran parte determinato dalla natura della relazione di classe. Nel suo lavoro, "Guerra contadina in Germania" Engels caratterizza la vita sociale della Germania all'inizio del 16 W.: " . . Diverse proprietà dell'impero - principi, nobili, pretrati, patrizi, borghesi, plebei e contadini - fecero una massa estremamente caotica con molto diversificata, in tutte le direzioni con i bisogni reciprocamente intersecanti "ostili, gli interessi felvici delle proprietà spesso li condussero alle contraddizioni e scontri reciproci, che hanno impedito il principale caso è quello di combattere il feudalesimo, superando le tradizioni medievali nell'economia, la politica, la cultura, in compagnia della vita pubblica. Aumentare continuamente il malcontento universale, a volte rompendo sotto forma di singoli rivolte locali, non ha ancora assunto la natura del movimento rivoluzionario nazionale, che copriva la Germania nei primi decenni del XVI secolo.

Le contraddizioni dello sviluppo sociale della Germania si sono riflesse nell'architettura tedesca del XV secolo. Come nei Paesi Bassi, non c'era nessuna svolta decisiva a un nuovo contenuto a forma di mano e un nuovo linguaggio di forme architettoniche, che caratterizza l'architettura dell'Italia. Sebbene gotico come uno stile architettonico dominante fosse già sul risultato, le sue tradizioni erano ancora molto forti; La stragrande maggioranza della sedile delle 15b dei servizi. In un modo o nell'altro porta un'impronta del suo impatto. I germogli del nuovo, furono costretti a sfondare in una difficile lotta attraverso lo spessore degli strati conservativi.

La percentuale di monumenti di architettura di culto in Germania il 15 ° secolo era maggiore rispetto ai Paesi Bassi. La costruzione delle grandiose cattedrali gotiche avviata nel secolo precedente (ad esempio, in ULM) continuò. Nuovi edifici del tempio, tuttavia, non più differiti da un ambito simile. Queste erano chiese più semplici, prevalentemente a livello; Bisogno della stessa altezza in assenza di una transpetinità contribuita alla fusione del loro spazio interno in un unico intero prevedibile. Un'attenzione particolare è stata rivolta alla decisione decorativa degli archi: prevaleva volte di mesh e altri disegni complessi. Esempi di tali strutture includono la Chiesa di Nostra Signora in Ingolstatt e Chiesa di Anaberg. Un'estensione dei vecchi templi è caratterizzata da un unico livello - il coro della Chiesa di San Lawrence a Norimberga e nella Chiesa della Chiesa della Madonna di Esslingen. Le forme architettoniche stesse hanno acquisito maggiori complicazioni e adorazione nello spirito di "fiammeggiante" gotico. Un campione della ricchezza decorativa delle forme può essere considerata una mannaia della cattedrale a Eichstatte.

Architettura rinascimentale nei paesi tedeschi. Germania Art XVII secolo I commenti di finitura

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