Nagość w sztuce.

Kilka dość niespójnych cytatów i przemyśleń na temat książki, przeczytaj, kogo chcesz.

Czego nauczyłem się od Clarka? Każdy rodzaj nagości był kiedyś przez kogoś wymyślony, a następnie bezpośrednio lub pośrednio reprodukowany (z posągów, sarkofagów, cytatów innych artystów itp.). Grecy wymyślili typ Wenus (pudik, public, anadiomene...), menad, najada, umierający wojownik, Marsjasz. Europejczycy to „typ północny”. Grecy mają krzywiznę bioder, która unosi się w górę, w stylu gotyckim krzywiznę brzucha, ciągnącą się ku ziemi.

W tej książce próbowałem pokazać, w jaki sposób nagie ciało zostało ukształtowane w niezapomniany sposób, aby przekazać nam pewne idee i uczucia. Uważam, że jest to główny, ale nie jedyny powód istnienia nagości. We wszystkich epokach, kiedy ciało było przedmiotem sztuki, artyści uważali, że można je przyodziać w dobrą samo w sobie formę. Wielu poszło jeszcze dalej, wierząc, że w nagości można znaleźć optymalny wspólny czynnik formy znaczącej. 394 str.

Nagość artystyczna jest formą sztuki wymyśloną przez Greków w V wieku pne, podobnie jak opera jest formą sztuki wynalezioną we Włoszech w XVII wieku. Nagość nie jest przedmiotem sztuki, ale jej formą. 11 pkt.

Obok póz, które podobno zyskały status niemal ideogramów, w sztuce europejskiej pojawiają się tysiące aktów, które nie wyrażają żadnej idei, tylko dążenie malarza do perfekcji formy. 397 str.

Idea zwrócenia uwagi widza na ciało jako takie ważny temat kontemplacja po prostu nie przychodzi do głowy Chińczykowi czy Japończykowi... 17 s.

Sprawia, że ​​pamiętamy wszystko, co chcielibyśmy ze sobą zrobić, a przede wszystkim chcemy być uwiecznieni. 16 pkt.

Jeden z nielicznych klasycznych kanonów, co do którego nie ma wątpliwości, że w figurze nagiej kobiety odległość między piersiami jest taka sama, od klatki piersiowej do pępka i od pępka do połowy nogi . 29 stron

„Sztuka”, mówi Arystoteles, „dopełnia tego, czego natura nie może dopełnić. Artysta daje nam możliwość poznania niespełnionych celów natury.”

...wszystko ma idealną formę, a zjawiska ziemskiej rzeczywistości są tylko jej mniej lub bardziej zepsutymi kopiami. 21 stron

Są dwa sposoby na osiągnięcie ideału - artysta może wybrać idealne części kilku figur i stworzyć z nich idealną całość. Tak, jak mówi Pliniusz, zrobił Zeuxis, kiedy „zbudował” swoją Afrodytę z pięciu pięknych dziewczyn z Krotony. 21 s. Ale takiej konstrukcji brakuje organiczności. Innym sposobem jest „środkowy kształt”.

To, co zarówno Reynolds, jak i Blake rozumieli przez idealne piękno, było w rzeczywistości mglistym wspomnieniem szczególnego typu cielesnego stworzonego w Grecji między 480 a 440 pne i, z różnym stopniem intensywności i zrozumienia, przyniósł model doskonałości do świadomości człowieka Zachodu z renesans do współczesności. 23 strony

Na początku trzeciej księgi Witruwiusza, w której podany jest zbiór zasad wznoszenia budowli sakralnych, stwierdza, że ​​budowle te muszą mieć proporcje osoby.

... ciało ludzkie jest wzorem proporcji, ponieważ z wyciągnięte ramiona a stopami pasuje idealnie figury geometryczne: kwadrat i koło.

Leonardo da Vinci. Człowiek Witruwiusza ok. 1490

człowiek witruwiański- rysunek narysowany przez Leonarda Da Vinci ok. 1490-92 jako ilustracja do książki poświęconej twórczości Witruwiusza i umieszczony w jednym z jego dzienników. Przedstawia postać nagiego mężczyzny w dwóch nałożonych na siebie pozycjach: z rozłożonymi rękami i nogami, wpisanymi w okrąg; z wyciągniętymi rękami i złączonymi nogami, wpisany w kwadrat. Rysunek i wyjaśnienia są czasami nazywane proporcje kanoniczne.

Rysunek został wykonany długopisem, tuszem i akwarelami za pomocą metalowego ołówka, wymiary rysunku to 34,3×24,5 centymetra. Obecnie znajduje się w kolekcji Galerii Accademia w Wenecji.

Rysunek jest w tym samym czasie Praca naukowa i dzieło sztuki, jest również przykładem zainteresowania Leonarda w proporcji.

Jak wynika z załączonych notatek Leonarda, powstał on w celu określenia proporcji (męskiego) Ludzkie ciało jak opisano w traktatach architekta Witruwiusza, który o ludzkim ciele napisał:

• długość od czubka najdłuższego do najniższej podstawy czterech palców jest równa długości dłoni
• stopa ma cztery dłonie
• łokieć ma sześć dłoni
• wysokość osoby to cztery łokcie (i odpowiednio 24 dłonie)
• krok to cztery łokcie
• rozpiętość ramion ludzkich jest równa jej wysokości
• odległość od linii włosów do podbródka to 1/10 jego wysokości
• odległość od czubka głowy do podbródka wynosi 1/8 jej wysokości
• odległość od korony do sutków to 1/4 jej wysokości
• maksymalna szerokość ramion to 1/4 jego wysokości
• odległość od łokcia do czubka dłoni wynosi 1/4 jej wysokości
• odległość od łokcia do pachy wynosi 1/8 jego wysokości
• długość ramienia to 2/5 jego wysokości
• odległość od brody do nosa to 1/3 długości jego twarzy
• odległość od linii włosów do brwi to 1/3 długości jego twarzy
• długość ucha 1/3 długość twarzy
• pępek jest środkiem okręgu

Ponowne odkrycie matematycznych proporcji ludzkiego ciała w XV wieku przez da Vinci i innych było jednym z wielkich osiągnięć poprzedzających włoski renesans.

Sam rysunek jest często używany jako niejawny symbol wewnętrznej symetrii ludzkiego ciała, a ponadto Wszechświata jako całości.

Jak widać, przeglądając rysunek, połączenie pozycji ramion i nóg w rzeczywistości daje dwie różne pozycje. Pozycja z rozłożonymi na boki rękami i nogami okazuje się być wpisana w kwadrat. Natomiast poza z rękami i nogami wyciągniętymi na boki jest wpisana w okrąg. Przy bliższym przyjrzeniu się okazuje się, że środek koła to pępek postaci, a środek kwadratu to genitalia. Następnie, używając tej samej techniki, Corbusier skompilował własną skalę dozowania – Modulor, która wpłynęła na estetykę architektury XX wieku.

Poliziano to poeta, który zainspirował Narodziny Wenus Botticellego i Galatea Rafaela.

W wierszu „Stanzy na turniej”, poświęconym bratu Lorenza Medici – Giuliano i jego ukochanej Simonetcie Vespucci, dla którego w styczniu 1476 r. zorganizowano wspaniały turniej, mitologiczna podstawa dzieła służy autorowi do stworzenia renesansowej idylli, która uduchowia przyrodą i przebóstwieniem człowieka. Artystycznie ucieleśnia także charakterystyczny dla humanizmu problem relacji męstwa i fortuny. Tematem przewodnim wiersza jest miłość, która daje radość i szczęście, ale też pozbawia człowieka wewnętrzna wolność... Piękna łowca młodości Julis (Giuliano), zakochana w nimfie (Simonetta), opłakuje utraconą wolność; „Gdzie jest twoja wolność, gdzie twoje serce? Kupidyn i kobieta odebrali je tobie.” Nimfa wśród pięknych kwiatów - ten obraz z wiersza Poliziano zainspirował również wiele obrazów na obrazie Botticellego, w tym w jego arcydziele „ Wiosna».

Symetria, osiągnięta poprzez równoważenie i kompensację, to esencja sztuki klasycznej. Figura może być w ruchu, ale pokój zawsze koncentruje się w jej centrum. Zrównoważone części muszą mieć ze sobą jakiś mierzalny stosunek - wymagany jest kanon proporcji. Polikletus ułożył taki kanon. 50.s

Lysippos. Starożytni pisarze informują nas, że wymyślił nowe proporcje postaci ludzkiej: z mniejszą głową, więcej długie nogi i bardziej zgrabny tors. 62 strony

Żadna inna cywilizacja nie doświadczyła takiego artystycznego bankructwa jak ta, cztery wieki na bankach Morze Śródziemne cieszył się bajecznym bogactwem. Przez te wieki splamione krwią sztuki plastyczne wpadł w stan hibernacji, stał się czymś w rodzaju karty przetargowej. Strona 63

To, w jaki sposób radość z ludzkiego ciała ponownie stała się uzasadnionym motywem artystycznym, jest cudowną tajemnicą włoski renesans... Kennetha Clarka. 68 stron

Powinniście wpatrywać się w Wenus, czyli Humanitas. Jej dusza i umysł to Miłość i Miłosierdzie, Jej oczy to Godność i Wielkoduszność, Jej ręce to Szczodrość i Splendor, stopy - Skromność i Skromność.

Marsilio Ficino. Listy do Lorenza di Pierfrancesco Medici. Kennetha Clarka. Nagość w sztuce. 120 stron

Niewątpliwie jest to siła Wenus, że jej twarz bardzo powściągliwie wyraża dzieło myśli. Kennetha Clarka. 123.

... pierwszym renesansowym artystą, który przedstawił nagą kobietę jako symbol życia reprodukcyjnego, był Leonardo da Vinci. W latach 1504-1506 stworzył co najmniej trzy rysunki Lodu i łabędzia, z których jeden stał się podstawą obrazu. 142 strony

Lubię to - życie reprodukcyjne.

... kobiece ciało, w całej swej zmysłowości, ukazane jest w izolacji, jako coś samowystarczalnego. Ta interpretacja nagości, poza kontekstem niektórych wydarzeń lub środowiska, była niezwykle rzadka przed XIX wiekiem i byłoby interesujące wiedzieć, w jakich okolicznościach Tycjan wymyślił tę koncepcję. 151.

Wenus Anadiomen. OK. 1520.

Afrodyta Anadiomen(starogreckie Ἀφροδίτη Ἀναδυομένη, „wyłaniające się, wynurzające się z morza”) – epitet bogini Afrodyty, zrodzonej z piany morskiej i wynurzającej się na lądzie, a obecnie typ ikonograficzny jej wizerunku.

Dlaczego poza kontekstem? Wyjście z morza zawsze służyło jako pretekst do przedstawiania nagości, nie pływają w morzu w ubraniach, zwłaszcza od urodzenia.

Na początku swojego rozwoju manieryzm zaczął szerzyć się we Francji. Rosso, Primaticcio, Nicolo del Abbate i Cellini znaleźli w Fonteblo prace, których nie mogli znaleźć w swoim rozszczepionym kraju, i wyłaniając się z powstrzymującego wpływu tradycji klasycznej, zaczęli tworzyć nagie postacie o fantastycznie cienkich i wydłużonych formach. „Nymfa Fonteblo” Cellini jest niesamowicie daleka od starożytnych kanonów, same jej nogi mają sześć głów. ... Manieryzm rozkwitł, gdy przeniesiono go na inną glebę, częściowo z powodu ukrytych tendencji gotyckich w sztuka francuska, ale także z tego powodu, że nawet w średniowieczu Francja pozostawała w centrum zainteresowania wszystkich wyrafinowanych i spektakularnych, rozumianych przez pojęcie „szyku”. Ideałem manieryzmu jest wieczna kobiecość z modnego obrazu. 168 stron

...dlaczego personifikacja łaski przybrała tak dziwną postać: zbyt chude ręce i nogi, nienadające się do uczciwej pracy, zbyt szczupłe ciała, nieprzystosowane do porodu i zbyt małe głowy, oczywiście nie zawierające ani jednej myśli. Ale widzimy to samo wyrafinowane wyrafinowanie w wielu innych przedmiotach, do których takie materialistyczne wyjaśnienia nie mają zastosowania: w architekturze, ceramice, a nawet w piśmie. Ciało ludzkie nie jest źródłem, ale ofiarą tych rytmów. Skąd bierze się poczucie szyku, w jaki sposób jest ono kontrolowane, według jakich wewnętrznych kryteriów bezbłędnie rozpoznajemy szyk… Jedno można z całą pewnością stwierdzić: szyk jest obcy naturze. ... że prawdziwi kapłani szyku są głęboko zniesmaczeni wszystkim, co oznacza słowo "natura". .... Przepięknie wytworne damy z Fonteblo, mimo odmienności od kobiet ziemskich, zostały stworzone z oczekiwaniem wzbudzenia w widzu pożądania cielesnego; w istocie sama dziwność ich proporcji bardziej sprzyja fantazjom erotycznym niż materialne ciała kobiet Tycjana.

Na tym polega esencja - spekulacja, fantazja, więc popiersie Keiry Knightley w rozmiarze zero jest jednym z dziesięciu najbardziej uwodzicielskich

Ale ostatecznie to właśnie ta niematerialność zmienia manieryzm północny w po prostu zniewalający nurt wtórny w historii sztuki europejskiej.

W trakcie swoich poszukiwań uświadomił sobie (Rubens) jak poważnym przeobrażeniom formalnym musi przejść ludzkie ciało, aby pozostało dziełem sztuki. 167 stron.

Ingres w końcu pozwolił sobie dać upust uczuciom i wszystkiemu, co zostało pośrednio wyrażone ręką Tetii or odaliska stopa, teraz (łaźnia turecka) znalazła swoje otwarte ucieleśnienie w bujnych biodrach, piersiach i luksusowych zmysłowych pozycjach.

Kenneth Clarke Nagość w sztuce. 186 stron

Tak więc odalistyczna stopa Clarke wyraża zmysłowość! Oto ta sama stopa:

Moim zdaniem jakaś bezwyrazowa, amorficzna. Zajrzyj do mojej kolekcji, tutaj są wyrzeźbione dłutem wyraziste okazy.

Schaeffer, Cabanel, Bouguereau, Enner.

Akt, stanowiący rodzaj sztuki idealnej, jest ściśle związany z pierwszym momentem koncepcji, z linią… 195 s.

... prawdopodobnie mówiliby o swoich dziełach wyłącznie jako o zręcznych obrazach piękni ludzie... To jest dokładnie to, co powinien powiedzieć artysta. Ale w rzeczywistości wszyscy starali się stworzyć pewien obraz, zrodzony w wyobraźni z połączenia wspomnień, potrzeb i przekonań - wspomnień dzieł sztuki z poprzednich epok; musi wyrazić własne uczucia i przekonania, że ​​kobiece ciało jest symbolem harmonii natury. 199 stron

Sztuka dekoracyjna ma za zadanie cieszyć oko, a nie zajmować nasze umysły, nie wstrząsać wyobraźnią, należy ją postrzegać jednoznacznie, jak utrwalone od dawna zasady zachowania. Dlatego szeroko stosowane są w nim frazesy, postacie, które bez względu na ich pochodzenie sprowadzane są do symbolicznego odpowiednika zrozumiałego dla każdego. Z tego punktu widzenia nagość jest niewyczerpanym źródłem materiału dekoracyjnego. Cieszy oko, jest symetryczny i ma prostą, zapadającą w pamięć formę, nieodłączną od warunku jego istnienia. 326.

Zeus z Histiei. Posąg na poddaszu. OK. 470 pne

Rzeźba została znaleziona w morzu w pobliżu Histieia (na Przylądku Artemisy). Najpierw osobno stojąca postać, przekazana w ruchu i jedyna, która dotarła do nas w postaci brązowego oryginału. 204 s.

Ani jeden artysta renesansu nie nazwał poprawnie jednej daty, nawet daty swoich urodzin. 222 s.

Nagość w sztuce. Kenneth Clarke

Za. z angielskiego - SPb.: Azbuka-klasyczny, 2004 .-- 480 s. (seria „Artysta i koneser”).

Nowa seria „Artysta i koneser” przedstawia książkę „Nagość w sztuce” największego angielskiego krytyka sztuki Kennetha Clarke'a, po raz pierwszy przetłumaczoną na język rosyjski. Autorka zapoznaje się z rozwojem gatunku aktu od jego początków do współczesności, ujawniając w nim tak specyficzne kierunki jak „nagość energii”, „nagość patosu”, „nagość ekstazy” itp. Oryginalna interpretacja tematu , żywy, dostępny język ciekawy wybór ilustracji powinien przyciągnąć uwagę nie tylko specjalistów, ale także szerokiego grona czytelników.

Format: pdf

Rozmiar: 10,6 MB

Ściągnij: yandex.disk

Cykl „Artysta i koneser” prezentuje szereg ciekawych studiów z historii sztuki, które przede wszystkim cel edukacyjny, ale jednocześnie pozostają stricte akademickie. Ich zaletą jest dostępność i rozrywka bez celowego upraszczania i zniekształcania myśli naukowej. To nie przypadek, że w tej kolekcji znalazły się książki angielskiego historyka sztuki Kennetha Clarke'a. Jego błyskotliwa erudycja, głębokie zrozumienie tematu, wierna krytyka i szczera miłość do sztuki dopełnia szacunek dla odbiorcy. Przechodząc od prostych do złożonych, łatwo, bez najmniejszej przemocy i chęci narzucania swojego zdania, profesor zmienia czytelników z amatorów w koneserów i prawdziwych koneserów piękna. Niewielu jest naukowców, którzy potrafią mówić o skomplikowanych rzeczach w prosty, fascynujący i elegancki sposób, ale Clark chce czytać powoli, delektując się poszczególnymi frazami, uważnie przyglądając się przedstawianym przez siebie ilustracjom. Na kartach jego książek porozrzucane są urocze przykłady akademickiego humoru, zdaje się, przeniesionego tam z wykładów profesora, z którymi przemawiał nie tylko do studentów, ale także do telewidzów w Wielkiej Brytanii i Ameryce.

Być może temat opracowania wywoła u kogoś niepoważne skojarzenia, ale książka zachwyci tylko miłośników truskawek piękne zdjęcia... Według Kennetha Clarke'a, przedstawienie nagiego ludzkiego ciała jest jednym z najważniejszych i najcenniejszych tematów w sztuce, choć nie wszystkie epoki historyczne zwracały na to jednakową uwagę. Nie da się zaprzeczyć cielesnej naturze człowieka, a ponieważ jesteśmy próżni i na pewno dążymy do uwiecznienia, jest mało prawdopodobne, aby sztuki wizualne kiedykolwiek były całkowicie ograniczone do zygzaków i kolorowych plam, symbolizujących pracę naszej podświadomości. Oczywiście ideał piękna zewnętrznego ulegał ciągłym zmianom, był pod wpływem frywolnej mody, moralności religijnej, wysokiego rozumowania filozoficznego i zachwytów estetycznych. Książka Clarka zawiera miejsce i Paleolityczna Wenus, oraz greckie boginie; wychudzonych świętych w styl gotycki i ziemskie piękności Rubensa; Ładne prostaczki Renoira i sześcienny nagość Picassa. O męskie piękno też wiele zostało powiedziane, dobrze do połowa XIX wieku nie było wyraźnej dyskryminacji mężczyzn jako nagich. Bliżej naszych czasów prawo do demonstrowania swoich wdzięków stało się niestety prawie całkowitym przywilejem kobiet.

Wiosną 1953 roku wygłosiłem sześć wykładów na temat nagości w sztuce na corocznych odczytach EW Mellon Memorial Fine Arts w Waszyngtonie. Galeria Narodowa... Nigdy w życiu nie przemawiałem przed bardziej wrażliwą i inteligentną publicznością i chciałbym każdemu z obecnych przekazać egzemplarz tej książki jako wyraz wdzięczności natychmiast po ukończeniu kursu. Ale wykłady trzeba było znacznie wydłużyć, trzeba było napisać trzy nowe rozdziały, aw ostatniej chwili wydawcy przekonali mnie do dodania kolejnej części przypisów. Oznaczało to prawie trzyletnie wytchnienie i jestem wdzięczny Mellon Memorial Readings i Bollingen Foundation za cierpliwość, jaką okazali w oczekiwaniu na ukończenie książki..

Jestem pewien, że piękne dziewczęta, które zobaczysz w Nîmes, nie zachwycą cię bardziej niż widok pięknych kolumn Maison Carree, ponieważ te ostatnie są niczym więcej jak starożytnymi kopiami pierwszego.

Wiosną 1953 roku wygłosiłem sześć wykładów na temat nagości w sztuce na corocznych odczytach EW Mellon Fine Arts w Galerii Narodowej w Waszyngtonie. Nigdy w życiu nie przemawiałem przed bardziej wrażliwą i inteligentną publicznością i chciałbym każdemu z obecnych przekazać egzemplarz tej książki jako wyraz wdzięczności natychmiast po ukończeniu kursu.

Trzeba było jednak znacznie wydłużyć wykłady, napisać trzy nowe rozdziały i Ostatnia chwila wydawcy przekonali mnie do dodania kolejnej sekcji notatek. Oznaczało to prawie trzyletnie wytchnienie i jestem wdzięczny Mellon Memorial Readings i Bollingen Foundation za cierpliwość, jaką okazali w oczekiwaniu na ukończenie książki.

Biorąc pod uwagę, że nagi zdominowała rzeźbę i malarstwo dwóch najważniejszych epok w ich historii, można przypuszczać, że istnieje niewielka biblioteka na ten temat. Ale w rzeczywistości są tylko dwie mniej lub bardziej wartościowe ogólne badania: Die Menschliche Gestaltin der Geschichteder Kunst (1903) autorstwa Juliusa Lange i Der nackte Mensch (1913)

Wilhelm Gausenstein, gdzie bardzo użyteczny materiał przygotowywane według receptury kuchni marksistowskiej. Powodem jest, jak szybko się zorientowałem, temat niezwykle złożony. Z jednej strony pojawia się problem formy: przegląd chronologiczny byłby długi i przeładowany powtórzeniami, a żaden inny model nie ma tu zastosowania. Z drugiej strony pojawia się problem kompetencji. Od czasów Jacoba Burckhardta żaden inteligentny krytyk sztuki nie próbował pisać zarówno o sztuce antycznej, jak i postśredniowiecznej. Przyznaję, że napisanie tak wielu stron o rzeźbie klasycznej było pochopnym posunięciem dla adepta malarstwa renesansowego, ale nie żałuję: rzeczywiście uważam, że stanowią one najbardziej użyteczną część książki. Spadek podziwu dla sztuki antycznej w ciągu ostatnich pięćdziesięciu lat skrajnie zubożył nasze rozumienie sztuki jako całości, a specjaliści w dziedzinie archeologii klasycznej, ponownie badając swoje słabe dowody fizyczne pod mikroskopem, nie pomogli nam zrozumieć, dlaczego przez cztery stulecia z rzędu artyści i amatorzy płaczą z zachwytu przed dziełami, które nas nic nie czują.

I choć wierzę, że nie ma czasu na ponowne ocenianie wszystkiego słynne pomniki Starożytność była warta podjęcia, nie śmiem powiedzieć, że zrobiłem to całkiem kompetentnie. Ale musimy ostrzec czytelnika: poniższe strony dotyczą sztuka klasyczna zaprawiony sporą ilością herezji, częściowo umyślnie, częściowo bez wątpienia z powodu ignorancji. Od Renesansu byłem bardziej ortodoksyjny, ale nawet tutaj musiałem czasem wniknąć w dziedziny wiedzy – na przykład Michała Anioła czy Rubensa – które są oznaczone napisem „Naruszenie granicy karalne”.

Próbując odnaleźć się wśród tych gęstych i skomplikowanych obiektów, skorzystałem z hojnej pomocy znanych naukowców i chciałbym im wyrazić swoją wdzięczność.

Profesor Ashmole i Monsieur Jean Charbonneau odpowiedzieli na moje pytania dotyczące sztuka antyczna; Profesor Johannes Wilde podzielił się ze mną swoją niezrównaną wiedzą o twórczości Michała Anioła; we wszystkich kwestiach związanych z dziedzictwem starożytnych system figuratywny Ogromną pomoc otrzymałem od dr L.D. Ettlingera z Instytutu Warburga. To ostatnie pytanie wiele zawdzięczam niedawno opublikowanej książce A. von Salisa Antike und Renaissance, która zwróciła moją uwagę, gdy już pracowałem nad Nagością, i rozwinęła wiele moich własnych wniosków. Pani Anthony P. Millman bardzo mi pomogła w trudnym zadaniu zbierania fotografii, z których tylko jedna czwarta mieści się w książce. Na koniec muszę podziękować pannie Caryl Winayray – bez niej notatki nigdy nie byłyby kompletne.

Kościół jest winny

Dla rozwoju Dzieła wizualne a procesy w niej zachodzące, dominująca ideologia wywiera decydujący wpływ. Od wieków jest religijna. Co więcej, Rosja otrzymała najbardziej wizjonerską i skoncentrowaną na symbolach wersję chrześcijaństwa – prawosławie. Na katolickim Zachodzie artystom pozwolono malować „materialistyczne”, takie jak smukłego, podłego diabła, torturowanie męczenników rozpalonymi szczypcami, naga pierś Matki Bożej, puszyste skrzydła aniołów.

Nieznany artysta. Popularny druk religijny „O dziewczynce Maryi i jej pośmiertnym objawieniu się ojcu”. 1904-1905. Gim

W Bizancjum wszystko dotyczyło znaków i kanonów, aw jej sztuce – linearności i płaskości. Nagość w przejętej stamtąd ikonografii była dopuszczalna albo dla wyjątkowo przyzwoitych ludzi - ascetów-pustelników i świętych głupców (np. Marii Egipcjanki i Bazylego Błogosławionego), którzy prowadzili taki tryb życia, że ​​ich ciało nie mogło służyć za wzór fizyczne piękno lub dla zmarłych - dusza opuszczająca śmiertelne ciało lub grzeszników w piekle. Cóż, także demonom i wszelkiego rodzaju duchom. To wszystko nie są bynajmniej przykłady do naśladowania, takie ciała estetycznej przyjemności nie powodują.

Winna jest geografia

Uznanie pewnych rzeczy za „piękne” wymaga przyzwyczajenia, długiego treningu. Na przykład Ameryka wierzyła, że ​​czarna dziewczyna może być prawdziwym symbolem seksu ze względu na fakt, że Hollywood przez trzydzieści lat zajmowało się wizualną agitacją (jeśli liczyć od lat 70., kiedy wśród dziewcząt Bonda pojawiły się pierwsze Afroamerykanki).

Aby nagie ciało w sztuce stało się piękne i powszechnie dopuszczalne, potrzeba było wieków treningu oczu.

A także bardzo silna indoktrynacja, podczas której wszyscy inspirowali się, że ciało jest odzwierciedleniem boskiej harmonii, dlatego zasługuje na podziw (google „kalokagatiya”). W Europie pogląd ten utrwalił się gdzieś w V wieku p.n.e. mi. - v Starożytna Grecja... Kultury, które nie mają nic wspólnego z starożytnością, w kwestii nagości są złożone – weźmy zarówno muzułmanów, jak i tradycyjnego japońskiego.

Henryka Semiradzkiego. „Kobieta czy wazon?” 1887. Sotheby's

Piękno kobiecego ciała było i pozostaje pożądanym obiektem przedstawiania artystów wszystkich czasów i narodów.

Najbardziej malowniczą nagość podarował nam oczywiście Renesans, kiedy zgodnie ze starożytnymi kanonami intensywnie gloryfikowano wspaniałość nagich ciał. Jednak mistrzowie z późniejszych czasów w niczym nie ustępują w umiejętnej prezentacji kobiecy wizerunek... Zmieniły się techniki, miejsca, na których przedstawiano dziewczęta, a same muzy z czasem zaczęły nabierać innych cech. Ale portret kobiecej natury to wciąż szczególny temat, który ekscytuje umysły wszystkich fanów naturalnego piękna.

Sandro Botticellego

„Narodziny Wenus” 1482-1486

Peter Paul Rubens

Rubens był znakomitym portrecistą, pisał pejzaże i obrazy o tematyce religijnej, ufundował styl barokowy, ale opinia publiczna najlepiej zna Rubensa z wizerunków nagich kobiet i mężczyzn, delikatnie mówiąc, nie astenicznej sylwetki.

„Unia ziemi i wody”, 1618

Trzy Gracje, 1639

Francisco Goya

Maha nago, około 1800

Nie wszyscy wiedzą, że Macha wcale nie jest nazwą, ale nazwą hiszpańskich mieszczan z XVIII-XIX wieku.

Maha, której wizerunek ukształtował się w Andaluzji, z czasem zaczęła być postrzegana jako kwintesencja Hiszpanki. Z racji romantyzmu, malowniczości, silnego narodowego akcentu i gwałtownej pasji.

Eugene Delacroix

„Wolność prowadząca lud”, 1830

Delacroix stworzył obraz oparty na rewolucji lipcowej 1830, która położyła kres reżimowi Restauracji w monarchii Burbonów. W liście do brata z 12 października 1830 r. Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem o Ojczyznę, to przynajmniej będę o niej pisał”.

Nagie piersi na zdjęciu nie są do niczego. Symbolizuje poświęcenie ówczesnych Francuzów, którzy z „ nagiej piersi„Poszedł do wroga.

Jules Joseph Lefebvre

Lefebvre był francuskim malarzem salonowym, który specjalizował się w przedstawianiu pięknych dziewczyn. To dzięki obrazowi kobiece piękno zyskał sławę jako pełen wdzięku, choć nieco kiczowaty, rysownik.

„Maria Magdalena w grocie”, 1836

Obraz „Maria Magdalena w grocie” ma swoją szczególną historię. Po wystawie w 1876 roku kupił go syn Aleksander Dumas. Po jego śmierci została wysłana do Petersburga na wystawę w 1896 roku. Mikołaj II nabył ją za Zimowy pałac a teraz wśród skarbów Ermitażu można zobaczyć „Maryę Magdalenę”.

Edouarda Maneta

Na Salonie Paryskim w 1865 r. obraz wywołał jedną z najbardziej wielkie skandale w historii sztuki. Współcześni nie widzieli objętości przedstawionej postaci i uważali kompozycję obrazu za szorstką i płaską. Manet został oskarżony o niemoralność i wulgarność. Obraz przyciągnął setki ludzi, którzy przybyli na wystawę tylko po to, by przeklinać obraz i pluć na niego. W efekcie obraz został przeniesiony do najdalszej sali Salonu na taką wysokość, że był prawie niewidoczny. Jacy ludzie byli wtedy zdenerwowani.

Pierre-Auguste Renoir

Renoir znany jest przede wszystkim jako mistrz portretu świeckiego, niepozbawionego sentymentalizmu; był pierwszym impresjonistą, który odniósł sukces u bogatych paryżan. Nagość była jednym z ulubionych gatunków Renoira.

„Nude w światło słoneczne”, 1876

Po raz pierwszy pokazany na Drugiej Wystawie Impresjonistów w 1876 roku, gdzie otrzymał bardzo ostre recenzje krytyków: „Zainspiruj Monsieur Renoir, że ciało kobiety nie jest kupą rozkładającego się ciała z zielonymi i fioletowymi plamami, które wskazują, że zwłoki już w pełni gniją prędkość!"

Wielcy Kąpiący się, 1887

I ten obraz oznaczał przejście Renoira od czystego impresjonizmu do klasycyzmu i engryzmu. „Large Bathers” jest wykonany z wyraźniejszymi liniami, chłodniejszymi kolorami, a pisząc to zdjęcie, Renoir po raz pierwszy użył szkiców i szkiców.

Władysław Podkowiński

Kobiecy orgazm, 1894

Z tytułu jasno wynika, że ​​w swojej pracy przedstawiał polski artysta Vladislav Podkovinsky ... Wystawa malarstwa rozpoczęła się ogromny skandal i trwało 36 dni. Nie mogąc wytrzymać nacisku, 37 dnia Podkovinsky przyszedł z nożem i przeciął całe płótno. Artysta zmarł na gruźlicę w wieku 29 lat. Po jego śmierci postanowiono odrestaurować obraz.

Adolphe-William Bouguereau

John Collier

Zakres tematyczny obrazów angielskiego malarza Colliera jest bardzo szeroki. Największą popularność zyskał jednak dzięki swojemu prawdziwemu zastosowaniu romantyczna tradycja obrazy piękne kobiety z legend, mitów, literatury i historii jako główny temat jego obrazów.

Lady Godiva została napisana na podstawie historii legendy. Przedstawiona na obrazie naga piękność (Lady Godiva) błagała swojego potężnego i apodyktycznego męża (hrabiego Leofrica) o obniżenie podatków dla ubogich w swojej posiadłości. Na którym zaoferował prawie przegrany zakład. Obiecał obniżyć podatki, jeśli jego dama przejedzie nago przez wioskę Coventry na koniu, co zrobiła jego żona.

Herbert James Draper

Odyseusz i syreny, 1909

Dawid Szterenberg

"Akt", 1908

Gustav Klimt

Wszystkie szczegóły związane z mitologiczna fabuła, usunięta z obrazu, pozostaje tylko scena zapłodnienia złotym deszczem, w którą zamienił się Zeus. Wybór postawy i zniekształcona perspektywa nadaje ciału Danae niezwykłą seksualność.

W żadnej innej pracy artystka nie doprowadziła kobiecej seksualności do tak przerośniętego stanu - jest ona pochłoniętym sobą pożądaniem.

Herbert James Draper

Herbert James Draper był artystą znane prace na historycznym i motywy mitologiczne... Chociaż Draper zyskał uznanie przez całe życie, jego prace są teraz niesłusznie zapomniane i rzadko widywane na aukcjach.

„Góra Mgieł”, 1912

„Góra mgieł” to jeden z najsilniejszych, zmysłowych i czarujących obrazów artysty. Przedstawione nagie dziewczyny są równie piękne jak nimfy Waterhouse, choć w przeciwieństwie do jego Femme fatale zwabić ludzi na ich zgubę.

Borys Kustodiew

Malarskie tworzywo, nacisk na kunszt modelki i jasna charakterystyka wygląd - to główne cechy twórczości Borysa Kustodiewa.

„Rosyjska Wenus” 1925-1926

„Rosyjska Wenus” przedstawia opuchniętą kobietę w łaźni, ale w przeciwieństwie do bogini, naga dziewczyna nie jest otoczona piana morska, a kluby parowe rosyjska łaźnia. Tęczowe bąbelki na drewnianej ławce potwierdzają, że Wenus jest przed nami. Bogini narodziła się z piany Morza Śródziemnego! A tutaj, w Rosji, z pianki do kąpieli ...

Amedeo Modigliani

Modigliani jest słusznie uważany za piosenkarza piękna nagiego kobiecego ciała. Był jednym z pierwszych, którzy przedstawili akt w bardziej realistyczny sposób emocjonalny. Ta okoliczność doprowadziła kiedyś do błyskawicznego zamknięcia jego pierwszej indywidualnej wystawy w Paryżu. Nagie obrazy Modiglianiego uważane są za perłę jego artystycznego dziedzictwa.

Siedzący akt, 1916

Egon Schiele

Obrazy i grafiki Egona Schielego są nerwowe, wyrafinowane, dramatyczne i bardzo seksowne. Pod silnym wpływem psychoanalizy Zygmunta Freuda Schiele w swojej twórczości dał upust własnym kompleksom i wątpliwościom, a wiele jego prac miało charakter jawnie seksualny. Stało się to nawet powodem uwięzienia artysty za „tworzenie niemoralnych rysunków”.

Akt na kolanach, 1917

Leżąca kobieta, 1917

Anders Zorn

Szwedzki malarz i grafik, który zwracał szczególną uwagę na indywidualność nagiej modelki, oryginalność jej mimiki, gestykulacji, mimiki, które ostro utrwalane są w jego pracach.

„W łodzi wiosłowej Wernera”, 1917

Refleksje, 1889

Zinaida Serebriakowa

Zinaida Evgenievna Serebryakova jest jedną z pierwszych Rosjanek, które weszły do ​​historii malarstwa. Artysta za pomocą malarstwa przedstawił obraz czystego kobiecego ciała. Jej modele nie miały sportowej sylwetki, nie mają sztywności, szorstkości, a jedynie płynne współbrzmienie z otoczeniem.

W „Łaźni” Serebryakova portretowała nagie kobiety bez upiększeń, cechy idealizacji pojawiły się później w jej twórczości.

„Kłamstwo”, portret Nevedomskiej, 1935

V późna kreatywność Temat prac Serebryakova przedstawiających nagie modelki stawał się coraz częstszy, a Serebryakova pozostała wierna gatunkowi aktów. W Leżąc nago czuje, że w tym temacie jej się udaje i nieustannie się do niej zwraca.

"Śpiąca modelka", 1941

Igor Emmanuilovich Grabar

Igor Emmanuilovich Grabar jest jednym z najbardziej znany artysta w historii kultury rosyjskiej XX wieku. Jednym z jego najbardziej znanych dzieł jest portret Flory.

Aleksander Michajłowicz Gierasimow

Inny znany rosyjski artysta, który w przeciwieństwie do poprzedniego zajmował się przedstawianiem surowej i uproszczonej erotyki.

"Wiejska Łaźnia", 1938

Na temat „Wioskowej kąpieli” artysta na przestrzeni lat napisał wiele szkiców „dla siebie”. Na zdjęciu kilka nagich kobiece ciała połączone złożonym składem strukturalnym. Każda figura to obraz, indywidualna postać.

Arkady Aleksandrowicz Plastov

Arkady Plastov jest „pieśniarzem sowieckiego chłopstwa”. W swoich pracach zwracał szczególną uwagę na patriotyczną pracę kobiet w okresie Wielkiej Wojna Ojczyźniana... Kolorowy obraz i prostotę artysta uchwycił w obrazie „Kierowcy traktorów”

„Kierowcy ciągników”, 1943