"Gracze w kartach"

Autor

Paul Cesanne.

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl Postresjonizm.

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Ex-En-Provence, ale malarstwo zaczęło angażować się w Paryż. Ten sukces przyszedł do niego po osobistej wystawie organizowanej przez kolektora Ambruz Wollarem. W 1886, 20 lat przed jego opieką, przeniósł się na obrzeżach swojego rodzinnego miasta. Młodzi artyści nazywali go "pielgrzymką w ex".

130x97 cm.
1895 rok
Koszt
250 milionów dolarów.
sprzedany w 2012
na prywatnym handlu

Kreatywność Cezanne jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty była bezpośrednia transmisja tematu lub fabuła na płótnie, więc jego obrazy nie powodują zakłopotania widza. Cezanne łączył dwie główne tradycje francuskie w swojej sztuce: klasycyzm i romantyzm. Z pomocą kolorowej tekstury przyłączył niesamowitą plastyczność przedmiotów.

Seria pięciu graczy "graczy na mapach" została napisana w latach 1890-1895. Ich fabuła jest taka sama - entuzjastycznie grają kilka osób. Dostępne tylko przez liczbę graczy i rozmiarów płótna.

Cztery obrazy są przechowywane w muzeach Europy i Ameryki (Muzeum D'Orce, Metropolitan Museum, Barnes Fundacji i Instytutu Kurto), a piąty czas do niedawna była dekoracja prywatnej kolekcji greckiego billionire-arabownika Georg Embyricos. Krótko przed śmiercią, w zimie 2011 r. Postanowił go ustawić na sprzedaż. Dealer artystyczny William Akvavella i mamy miłą nazwę Larry Gagosyan, który zaoferował mu około 220 milionów dolarów, którzy oferują około 220 milionów dolarów za to, że potencjalni nabywcy "wolnej" pracy. W rezultacie obraz udał się do królewskiej rodziny Państwowej Kataru Arabskiego przez 250 milionów. Największa oferta sztuki w historii malarstwa została zamknięta w lutym 2012 roku. To w Vanity Fair zgłosiło dziennikarz Alexander Pierce. Dowiedziała koszt obrazu i nazwy nowego właściciela, a następnie informacje przeniknęły na media na całym świecie.

W 2010 roku, Arabskie Muzeum Sztuki Współczesnej i Muzeum Narodowe Katari otwarte w Katarze. Teraz uzupełniane są ich kolekcje. Być może piąta wersja "graczy na karcie" została nabyta przez Sheikh w tym celu.

Sami.drogi obrazna świecie

Właściciel
Sheikha Hamad.
Bin Caliph Al-Tanya

Reguły dynastii Al-Tanya Katar ponad 130 lat. Około pół wieku temu, ogromne rezerwy ropy i gazu znaleziono tutaj, że VMIG dokonał Kataru jednego z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów w tym małym kraju odnotowano największy PKB na mieszkańca. Szejk Hamad Bin Califa Al-Tanya w 1995 r., Podczas gdy jego ojciec był w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny o przejętych mocy. Zasługa obecnej władcy, według ekspertów, w jasnej strategii rozwoju kraju, tworząc udany obraz państwa. Teraz konstytucja i premier pojawił się w Katarze, a kobiety otrzymały prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, był Emir Kataru, który założył kanał informacyjny Al-Jazeera. Ogromna uwaga władz państwa arabskiego płacą kulturę.

2

"Numer 5"

Autor

Jackson pollock.

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl Abstrakcyjny ekspresjonizm

Jack Opryskiwacz - taki pseudonim został przekazany publiczności amerykańskiej na specjalną technikę malarstwa. Artysta odmówił pędzla i sztalugi, a farba rozlała się na powierzchni płótna lub fibrolitu podczas ciągłego ruchu wokół i wewnątrz nich. Od wczesnego wieku polubił filozofii Jedda Krishnamurti, główną obietnicą, której - prawda otwiera się podczas bezpłatnego "wylania".

122x244 cm
1948.
koszt
140 milionów dolarów.
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Soteby.

Wartość pracy środka pomocniczego nie jest w rezultacie, ale w tym procesie. Autor nie przypadkowo zadzwonił do swojej sztuki akcji malarskiej. Z jego lekkiej ręki stał się główną dziedziną Ameryki. Jackson Pollock mieszana farba z piaskiem, złamanym szkłem i napisał kawałek kartonu, mastyki, nóż, miarkę. Artysta był tak popularny, że w latach 50. imitatorzy odkryli nawet w ZSRR. Obraz "Numer 5" jest rozpoznawany jako jeden z najdziwniejszych i drogich na świecie. Jednym z twórców DreamWorks David Hepfen nabył go na prywatną kolekcję, aw 2006 r. Sprzedane na aukcji Sotheby na 140 milionów dolarów do meksykańskiej Davida Martinezu. Jednak wkrótce kancelaria prawna w imieniu jego klienta wydała komunikat prasowy, który dczył, że David Martinez nie jest właścicielem obrazu. Najwyraźniej znana jest tylko jedna rzecz: Meksykański finansista rzeczywiście ostatnio zbierający dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, aby przegapił taką "dużą rybę" jako "numer 5" środka pomocniczego.

3

"Kobieta III"

Autor

Villem De Kuning.

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl Abstrakcyjny ekspresjonizm

Wyjazd z Holandii, wyemigrował w Stanach Zjednoczonych w 1926 roku. W 1948 r. Odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy artystyczni docenili złożone, nerwowe czarno-białe kompozycje, uznając w ich autorze modernizmu wielkiego artysty. Cierpiał większość życia z alkoholizmem, ale radość tworzenia nowej sztuki jest odczuwana w każdej pracy. De Kuning wyróżnia się impulsywnością malarstwa, szerokich uderzeń, który czasami obraz nie pasuje do granic na płótnie.

121x171 cm
1953.
Koszt
137 milionów dolarów.
sprzedany w 2006 roku
na prywatnym handlu

W latach 50. XX wieku kobiety z pustymi oczami, masywne piersi, brzydkie cechy twarzy pojawiają się w obrazach De Kuning. "Kobieta III" stała się ostatnią pracą z tej serii uczestniczącej w aukcji.

Od lat 70. obraz był przechowywany w Muzeum Sztuki Współczesnej Teherana, ale po wprowadzeniu ciężkich zasad moralności w kraju, starali się go pozbyć. W 1994 r. Praca została wyjęta z Iranu, a po 12 latach jego właściciel David Hepfen (najbardziej producent, który sprzedał Kanał Jacksona Pollock "Numer 5") dał obraz do Millela Stephena Cohen za 137,5 mln USD. Co ciekawe, Hepfhen zaczął sprzedawać kolekcję malarstwa w ciągu jednego roku. Wydaje się na masę pogłoski: na przykład producent postanowił kupić gazetę Los Angeles.

Na jednej z forów artystycznych wyrażono opinię o podobieństwie "kobiet III" z obrazem Leonardo da Vinci "Lady z Mornosta". Dla uśmiechu i bezkształtnej postaci bohaterki, koneseur malarstwa widział łaskę królewskiej krwi. Jest to świadczy słabo malowane korony, głowa ślubu kobiety.

4

"Portret AdeliBloch-Bauer I »

Autor

Gustav Klimt.

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl Nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie rodziny grawerskiej i był drugim z siedmiu dzieci. Trzech synów Ernesta Klimt stali się artystami, a tylko Gustav stał się sławny dla całego świata. Większość dzieciństwa spędził w ubóstwie. Po śmierci ojca był odpowiedzialny za całą rodzinę. Obecnie jest wspinaczkę rozwija swój styl. Przed jego obrazami każdy widz zamarza: pod cienkich rozmazów złota jest wyraźnie widoczne dla szczerego erotyczności.

138x136 cm
1907 roku
Koszt
135 milionów dolarów.
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Soteby.

Los obrazu, który nazywa się "Austrian Mona Liza", może łatwo stać się podstawą bestsellera. Praca artysty była przyczyną konfliktu całego państwa i jednej starszej pani.

Tak więc, na "Portret Adeli Bloch-Bauer" przedstawiłem arystokratę, żoną Ferdinand Blocha. Jej ostatnia wola miała przenieść zdjęcie Austriackiej Galerii Państwowej. Jednak pchły w jego odwołaniu darowizny, a płótno wywłaszczyli nazistów. Później galeria prawie nie kupiła "Golden Adel", ale tutaj pojawiły się spadkobiercy - Maria Altman, siostrzenica Ferdinand Bloch.

W 2005 r. Rozpoczął się głośny proces "Marii Altana przeciwko Republice austriackiej", po czym z nią obraz "Left" w Los Angeles. Austria przyjęła bezprecedensowe środki: były negocjacje na kredyty, populacja poświęciła pieniądze na zakup portretu. Dobry i nie wygrał zła: cena Altana podniesiona do 300 milionów dolarów. W momencie postępowania miała 79 lat, a ona weszła do historii jako osoby, która zmieniła woli Bloch Bauer na rzecz osobistych interesów. Obraz został nabyty przez Ronald Laoufere, właściciela "Nowej Galerii" w Nowym Jorku, gdzie wciąż jest w tym dniu. Nie dla Austrii, dla niego Altman opuścił cenę do 135 milionów dolarów.

5

"Zatoczka"

Autor

Edward Munk.

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwsze zdjęcie błota, które stało się sławnym na całym świecie, - "Chora Girl" (istnieje w pięciu kopiach) - poświęconych siostrze artysty, który zmarł z gruźlicy w wieku 15 lat. Minka zawsze interesuje się tematem śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężki, maniakalny obraz nawet sprowokował skandal. Jednak pomimo działek depresyjnych, jego obrazy mają specjalny magnetyzm. Weź przynajmniej Creek.

73,5х91 cm
1895 rok
Koszt
119,992 miliona dolarów.
sprzedany B. 2012.
na aukcji Soteby.

W ramce Nazwa zdjęcia znajduje się der Schrei der Natur (przetłumaczony z niemieckiego - "Creek of Nature"). Osoba ma to, czy osoba jest lub obcy wyrażająca rozpacz i panikę - te same emocje doświadczają widza podczas patrzenia na zdjęcie. Jednym z kluczowych dzieł ekspresji ostrzega tematy, które stały się ostre w dziedzinie XX wieku. Według jednej z wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzeń psychicznych, który cierpiał cały jego życie.

Obraz dwukrotnie został skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Uzyskane niewielkie obrażenia po kradzieży "Creek" został odnowiony, a on ponownie był gotowy pokazać w Muzeum Mill w 2008 roku. Dla przedstawicieli kultury popu, praca stała się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię swoich kopii druku, a maska \u200b\u200bz filmu "Creek" została wykonana na obrazie i podobieństwo bohatera obrazu.

Na jedną działkę, Munk napisał cztery wersje pracy: Ten jest w prywatnej kolekcji, wykonywane są pastele. Norweski Billioner Petter Olsen umieścił go na aukcji 2 maja 2012 r. Kupującym był Leon Black, który nie odpowiadał "płaczu" kwoty rekordu. Założyciel firm Advisors Apollo, LP. i Lew Doradcy, LP. Znany jego miłością. Czarny jest patronem College Dartmouth, Muzeum Sztuki Współczesnej, Centrum Sztuki Lincoln, Metropolitan Museum of Arts. Ma największy zbiór obrazów współczesnych artystów i klasycznych mistrzów minionych wieków.

6

"Nagie na tle biustu i zielonych liści"

Autor

Pablo Picasso

Kraj Hiszpania, Francja.
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Pochodząc, jest Hiszpanem, w duchu i miejscu zamieszkania - prawdziwy Francuz. Własne studio Picassa zostało otwarte w Barcelonie, kiedy miał zaledwie 16 lat. Potem poszedł do Paryża i spędził tam większość życia. Dlatego w jego nazwisku podwójnym nacisku. W sercu stylu wynalazł Picasso, istnieje zaprzeczenie opinii, że obiekt przedstawiony na płótnie można rozważyć tylko w jednym widoku.

130x162 cm
1932 rok
Koszt
106,482 miliona dolarów.
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie's.

Podczas pracy w Rzymie artysta spotkał tancerza Olgi Khokhlova, który wkrótce stał się jego żoną. Skończył z Vagrancą, przeniósł się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu rozpoznawanie znaleziono bohatera, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jednym z najdroższych obrazów świata powstała niemal przez przypadek - w wielkiej miłości, która, jak zawsze, Picasso był krótki. W 1927 r. Został poniesiony przez młodego Marie Terez Waltera (miała 17 lat, miał 45 lat). W tajemnicy opuścił żonę swoją kochanką w mieście w pobliżu Paryża, gdzie napisał portret, przedstawiając Marie Terez na obrazie Daphne. Płótno nabyło dealera Nowy Jork Paul Rosenberg, aw 1951 r. Sprzedał mu Sydney F. Brouda. Małżonki Brody wykazały obraz świata tylko jeden dzień i tylko dlatego, że artysta miał 80 lat. Po śmierci męża pani Brody, w marcu 2010 r., Umieść prace nad aukcją w domu Christie. Od sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner nabył ją za 106,5 mln USD. W 2011 r. "Wystawa jednego wzoru" odbyła się w Wielkiej Brytanii, gdzie widział światło po raz drugi, ale imię właściciela jest nadal nieznana.

7

"Osiem elvis"

Autor

Andy Warhole.

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art

"Seks i imprezy są jedynymi miejscami, w których musisz pojawić się z własną osobą" - powiedział kult Artysta pop-art, dyrektor, jednego z założycieli magazynu wywiadu, projektant Andy Warhol. Pracował z Vogue i Harper Bazarem, opracowywając pokrywę rekordów, wymyślił buty do I.Miller. W latach 60. pojawił się zdjęcia symboli Ameryki: zupa Campbell`s i Coca-Cola, Presley i Monroe - sprawiły, że legenda.

358x208 cm
1963 rok
Koszt
100 milionów dolarów.
sprzedany w 2008
na prywatnym handlu

Warholowski 60s - tzw. Era pop-artu w Ameryce. W 1962 r. Pracował na Manhattanie w studiu "Fabryka", gdzie zebrał się wszystkie Bohemia New York. Jego jasni przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Trueman Hood i inna osoba znana na świecie. W tym samym czasie, Próbowała technologię silkograficzną w Warhol - wielokrotne powtarzanie jednego obrazu. Użył tej metody i podczas tworzenia "osiem Elvis": widz wydaje się widzieć ramki z filmu, gdzie gwiazda przychodzi do życia. Jest wszystko, co artysta tak bardzo kochał: Win-wygrywa obraz publiczny, kolor srebrny i prześladowanie śmierci jako głównej obietnicy.

Istnieją dwóch dealerów sztuki promujących pracę w Warhola na rynku światowym dzisiaj: Larry Gagosyan i Alberto Morbai. Pierwszy w 2008 r. Spędził 200 milionów dolarów, aby zdobyć ponad 15 dzieł warg. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jako kartki świąteczne, tylko droższe. Ale nie oni, a skromna francuski konsultant Art Philip Segalo pomógł rzymskim koneserze sztuki Annibal Berlingheri sprzedać nieznanego Kupującego "Osiem Elvisa" na rekord dla Warhol - 100 milionów dolarów.

8

"Pomarańczowy,czerwony żółty"

Autor

Mark Rotko.

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl Abstrakcyjny ekspresjonizm

Jednym z twórców malowania kolorowe pole urodziło się w Dvinsk, Rosji (obecnie - Daugavpils, Łotwa), w dużej rodzinie żydowskiej farmaceuty. W 1911 r. Wyemigrowali do Stanów Zjednoczonych. Rotko studiował na Wydziale Sztuki Uniwersytetu Yale, osiągnięte stypendia, ale antysemickie uczucia zmusiły go do opuszczenia studiów. Pomimo wszystkiego, krytyka sztuki artysty była strzeżona, a muzea realizowały całe życie.

206x236 cm.
1961 rok
koszt
86882 milionów dolarów.
sprzedany w 2012
na aukcji Christie's.

Pierwsze eksperymenty artystyczne Rotko były surrealistyczną orientacją, ale z natury uprościł fabułę do kolorowych plam, pozbawiając ich dowolnego obiektu. Początkowo mieli jasne odcienie, aw latach sześćdziesiątych wylali brąz, fioletowy, pogrubiony do czerni do czasu śmierci artysty. Mark Rotko ostrzegł przed poszukiwaniem jakiegokolwiek znaczenia w jego obrazach. Autor chciał powiedzieć dokładnie, co powiedział: tylko kolor rozpuszcza się w powietrzu i nic więcej. Polecał patrząc na pracę z odległości 45 cm, aby widz "opóźnił się" w kolorze, jak w lejku. Uwaga: Szukanie wszystkich zasad może prowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowo przychodzą do świadomości nieskończoności, kompletnego zanurzenia w sobie, relaksacji, oczyszczania. Kolor w jego obrazach mieszka, oddycha i ma najsilniejszy wpływ emocjonalny (mówią, czasami gojenia). Artysta stwierdził: "Widz powinien płakać, patrząc na nich", a takie przypadki były rzeczywiście. Na teorii Rotko, w tej chwili ludzie żyją te same doświadczenie duchowe, ponieważ w trakcie pracy na zdjęciu. Jeśli udało ci się to zrozumieć na takim cienkim poziomie, nie będziesz zaskoczony, że te dzieła krytyki abstrakcji często porównują się z ikonami.

Praca "pomarańczowa, czerwona, żółta" wyraża całą istotę malarstwa Mark Rothko. Jego początkowy koszt na aukcji Christie w Nowym Jorku 35-45 milionów dolarów. Nieznany Kupujący zaoferował cenę dwukrotnie bardziej przekraczającą oszacowanie. Nazwa właściciela szczęśliwego malowania, jak to często dzieje się, nie ujawnione.

9

"Tryptyk"

Autor

Francis Bacon.

Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Beckona, kompletnego imienia i oprócz długim potomku wielkiego filozofa, zaczął się, gdy ojciec wyrzekł go, niezdolny do zaakceptowania tendencji homoseksualnych syna. Bacon poszedł pierwszy do Berlina, a następnie do Paryża, a potem jego ślady są zdezorientowane w całej Europie. Podczas życia jego praca była wystawiona w wiodących ośrodkach kulturalnych świata, wśród których Muzeum Guggenheima i Galeria TryTEAKOV.

147,5х198 cm (każdy)
1976.
Koszt
86,2 miliona dolarów.
sprzedany w 2008
na aukcji Soteby.

Prestiżowe muzea starały się posiadać malowidła Bekona, ale pierwotna angielska publiczność nie spieszyła się, by przetrwać w takiej sztuce. Legendarny premier brytyjskiej Margaret Thatcher o nim rozmawiał: "Osoba, która rysuje te przerażające obrazy".

Okres rozpoczęcia w jego pracy, sam artysta uważany za czas powojenny. Wracając z serwisu, ponownie zaangażował się w malowanie i stworzył główne arcydzieła. Przed udziałem Tryptyku, 1976 w aukcji najdroższych dzieł Bacona było "etiude do portretu papieża Innokentia X" (52,7 mln USD). W triftykh, 1976 r., Artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowań Oresta Fury. Oczywiście, Orest jest sam Bacon, a Furi jest jego męką. Od ponad 30 lat obraz był w prywatnej kolekcji i nie uczestniczył w wystawach. Fakt ten nadaje mu specjalną wartość, a zatem zwiększa koszty. Ale jaki jest kilka milionów na koneserę sztuki, a nawet w rosyjskiej hojnej? Roman Abramovich zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90., Dziewczyna Dasha Zhukov znacząco wpłynęła na niego, który stał się modną galerią w nowoczesnej Rosji. Według nieoficjalnych danych, w osobistym własności biznesmena, istnieją prace Alberto Dzhacometti i Pablo Picasso, kupiło na kwoty przekraczające 100 milionów dolarów. W 2008 r. Stał się właścicielem tryptyku. Przy okazji, w 2011 r. Pozyskano kolejną cenną pracę Bekon - "Trzy szkice do portretu Lucien Freuda". Ukryte źródła mówią, że Roman Arkadyevich ponownie stał się kupującym.

10

"Staw z lilią wodną"

Autor

Claude Monet

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta jest rozpoznawany przez przodek impresjonizmu, "Opatentowany" tej metody w swoich płótnach. Pierwszą znaczącą pracą było obraz "śniadanie na trawie" (oryginalna wersja pracy Edward Grzywa). W młodości malował karykatury, a prawdziwy obraz zajęł się podczas podróży wzdłuż wybrzeża i na zewnątrz. W Paryżu poprowadził czeski styl życia i nie zostawił go nawet po służbie w armii.

210x100 cm.
1919 roku
Koszt
80,5 mln USD
sprzedany w 2008
na aukcji Christie's.

Oprócz faktu, że Monet był wielkim artystą, entuzjastycznie zaangażowany w ogrodnictwo, uwielbiają życie i kwiaty. W swoich krajobrazach stan natury jest lekko, przedmioty, jak gdyby zamazany przez ruch powietrza. Wrażenie jest wzmocnione przez duże rozmazy, z pewnej odległości stają się niezauważalne i łączą się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W obrazie późnego monetu, temat wody i życia zajmuje specjalne miejsce. W mieście Giverni artysta był jego własnym stawem, gdzie uprawiając pita z nasion, specjalnie przywiezionych z Japonii. Kiedy kwitnął ich kwiaty, szukał rysowania. Seria "słodyczy" składa się z 60 prac, które artysta napisał przez prawie 30 lat na śmierć. Jego wizja pogorszyła się wraz z wiekiem, ale nie zatrzymał się. W zależności od wiatru, pora roku i pogody, staw stale się zmienił, zmiany te chciały uchwycić Monet. Poprzez dokładną pracę wobec niego, zrozumienie istoty natury. Niektóre skorupy serii są przechowywane w wiodących galeriach świata: Narodowe Muzeum Sztuki Zachodniej (Tokio), Orangery (Paryż). Wersja następnego "stawu z lilią wodną" wszedł w ręce nieznanego nabywcy na kwotę rekordu.

11

Fałszywa Gwiazda t.

Autor

Jasper Jones.

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art

W 1949 r. Jones wszedł do szkoły w Nowym Jorku. Wraz z Jackson Pollock, Willem de Cunning i innymi, jest uznawany za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 r. Otrzymał "medal prezydencki wolności" - najwyższą cywilną nagrodę Stanów Zjednoczonych.

137.2х170,8 cm
1959.
Koszt
80 milionów dolarów.
sprzedany w 2006 roku
na prywatnym handlu

Podobnie jak Marsylia Dushan, Jones pracowały z prawdziwymi przedmiotami, przedstawiając je na płótnie i rzeźbie w pełnej zgodności z oryginałem. Za ich pracę użył prostych i zrozumnych przedmiotów: butelka piwa, flaga lub karta. Obraz fałszywy start nie ma wyraźnej kompozycji. Artysta, jakby gra z publicznością, często "błędnymi" kolorami podpisywania na zdjęciu, obracając koncepcję samego koloru: "Chciałem znaleźć sposób na przedstawienie koloru, aby można go określić przez inną metodę". Jego najbardziej wybuchowy i "trwały w sobie", według krytyków, obraz został nabyty przez nieznanego kupującego.

12

"Posiedzenienagi na sofie"

Autor

Amedeo Modiganiani.

Kraj Włochy, Francja.
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Moodigaliali często chory od dzieciństwa, podczas gorączkowego bzdury, rozpoznał swojego projektanta artysty. Studiował malarstwo w Livorno, Florencja, Wenecja, aw 1906 roku poszedł do Paryża, gdzie rozkwitł jego sztuka.

65x100 cm
1917 rok
Koszt
68,962 milionów dolarów.
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Soteby.

W 1917 r. Modigliani spotkał się z 19-letnim Ebutera Jeanne, który stał się jego modelem, a potem jego żoną. W 2004 r. Jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 mln USD, który stał się ostatnim rekordem przed sprzedażą "Siedząc nago na kanapie" w 2010 roku. Obraz nabył nieznany nabywcę na maksymalną dla modygliani w tej chwili cena. Aktywna sprzedaż pracy rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w ubóstwie, chorej gruźlicy, a następnego dnia popełniła się z nim i Zhanna Ebuterern, który przebywał w dziewiątym miesiącu ciąży.

13

"Orzeł na sosny"

Autor

Qi Bayshi.

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl Gokhua.

Zainteresowanie kaligrafią LED QI Baisha do malowania. W wieku 28 lat stał się studentem artystów Hu Zinyuan. Ministerstwo Kultury Chińskiej przeznaczonej do niego tytuł "Wielkiego Artysty Chińczyków", w 1956 r. Otrzymał międzynarodową nagrodę świata.

10x26 cm.
1946.
Koszt
65,4 mln USD
sprzedany w 2011
na aukcji China Guardian.

Qi Bayshi był zainteresowany tymi objawami otaczającego świata, które wielu nie daje wartości, aw tej jego wielkości. Człowiek bez wykształcenia został profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso mówił o nim: "Boję się pójść do twojego kraju, ponieważ w Chinach są qi baisha". Skład "Eagle na sosny" jest uznawany za największe dzieło artysty. Oprócz płótna obejmuje dwa hieroglificzne zwoje. Dla Chin kwota, dla której kupiono pracę, reprezentuje rekord - 425,5 mln juanów. Tylko przewijanie starożytnej kaligrafera Juan Tinjiang został sprzedany za 436,8 miliona.

14

"1949-~ №1"

Autor

Clifford nadal.

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl Abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedził Muzeum Metropolitalne w Nowym Jorku i był rozczarowany. Później został zapisany na trasie Ligi Student of the Arts, ale pozostawiono 45 minut po rozpoczęciu zajęć - okazało się, że jest "nie." Pierwsza wystawa osobista spowodowała rezonans, artysta znalazł się i z tym uznaniem

79x93 cm
1949 rok
Koszt
61,7 miliona dolarów.
sprzedany w 2011
na aukcji Soteby.

Wszystkie ich prace, a to jest ponad 800 płótna i 1600 prac na papierze, stylista wygrał amerykańskie miasto, gdzie zostanie otwarte muzeum jego imienia. Denver stał się taki miastem, ale tylko budowa była droga dla władz, a za jego zakończenie, cztery prace zostały wystawione na aukcję. Prace Stille są mało prawdopodobne, aby jeszcze uczestniczyć w aukcji, która wcześniej zaawansowała swoją cenę z wyprzedzeniem. Obraz "1949-A-No.1" został sprzedany na rekord dla artysty, chociaż eksperci przewidywały sprzedaż 25-35 milionów dolarów.

15

"Suprematyczny skład"

Autor

Kazimir Malevich.

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl suprematyzm.

Malevich nauczył się malować w szkole sztuki w Kijowie, a następnie w Moskwie Akademii Sztuk Pięknych. W 1913 r. Zaczął pisać obrazy abstrakcyjne geometryczne w stylu, który zwany suprematyzmem (z lat "Dominance").

71x 88,5 cm
1916.
Koszt
60 milionów dolarów.
sprzedany w 2008
na aukcji Soteby.

W miejskim Muzeum Amsterdam obraz był trzymany około 50 lat, ale po 17-letniej sporze z krewnymi Malevicha muzeum dała ją. Artysta napisał tę pracę w ciągu jednego roku z "manifestem suprematyzmu", więc sotheby`s został ogłoszony przed ofertą, nie pójdzie do prywatnej kolekcji w prywatnej kolekcji. Więc się stało. Lepiej na to spojrzenie: kształty na płótnie przypominają widok ziemi z powietrza. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej, te same krewni wydłużają się z Moma Muzeum kolejnej "Suprematycznej składu", aby sprzedać go na aukcji Phillips za 17 milionów dolarów.

16

"Sprzączki"

Autor

Paul Gajen.

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl Postresjonizm.

Do siedmiu lat artysta mieszkał w Peru, a potem z rodziną wrócił do Francji, ale wspomnienia dzieci stale popchnęły go do podróży. We Francji zaczął pisać farby, byli przyjaciółmi z Van Gogh. Nawet spędził z nim kilka miesięcy w Arles, aż Van Gogh podczas kłótni odciął ucho.

93,40,4 cm
1902 rok
koszt
55 milionów dolarów.
sprzedany w 2005
na aukcji Soteby.

W 1891 r. Gauguen ułożono, aby sprzedać swoje obrazy, aby wejść głęboko na wyspę Tahiti do odwróconej pieniędzy. Tam stworzył pracę, w której delikatny związek natury i mężczyzny jest odczuwany. Gogen mieszkał w słomianej chaty, a tropikalny raj rozkwitł na płótnach. Jego żona stała się 13-letnią Tahitiankah Tehra, która nie uniemożliwiła artystce dołączyć do nierówności. Choroba syfilis, wyszedł na Francję. Jednak Mogen był ściśle, i wrócił do Tahiti. Ten okres nazywa się "Drugi Taitian" - to wtedy napisano obraz "Swimster", jeden z najbardziej luksusowych w jego pracy.

17

"Narcyz i obrus w kolorze niebieskim i różowym"

Autor

Henri Matisse.

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fovisov.

W 1889 r. Henri Matisse miał atak zapadku. Kiedy został odzyskany z operacji, matka kupiła mu farby. Początkowo Matisse z pocztówek kolorowych nudy, a następnie - dzieła wielkich malarzy, które widzieli w Luwrze, a na początku XX wieku pojawiły się styl - formizm.

65.2х81 cm
1911.
Koszt
46,4 mln USD
sprzedany w 2009
na aukcji Christie's.

Obraz "Narcyz i obrus w kolorze niebieskim i różowym" przez długi czas należał do IVA Saint-Laurent. Po śmierci Kuturiera całą kolekcję sztuki przeniósł się do rąk i kochanka Pierre'a Berez, który postanowił ustawić go na aukcji Christie. Perłą sprzedanej kolekcji była obraz "Narcyz i obrus w kolorze niebieskim i różowym", napisane na zwykłym obrusie zamiast płótna. Jako próbka foxizmu jest wypełniona energią kolorową, farby wydają się eksplodować i krzyczeć. Z słynnej serii obrazów napisanych na obrusie, dziś ta praca jest jedynym, który jest w kolekcji prywatnej.

18

"Śpiąca dziewczyna"

Autor

Roy.Kłamstwo

khtenstein.

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a ukończył szkołę, udał się do Ohio, gdzie poszedł na kursy artystyczne. W 1949 r. Liechtenstein otrzymał tytuł magistra w eleganckich sztukach. Zainteresowanie komiksami i zdolnością do prasowania kultowego artysty ubiegłego wieku.

91x91 cm
1964.
Koszt
44,880 milionów dolarów.
sprzedany w 2012
na aukcji Soteby.

Pewnego dnia guma do żucia uderzyła w Liechtenstein. Zredualizował obraz z wkładki na płótno i stał się sławny. Na tej działce z jego biografii, cała misja pop art została zawarta: konsumpcja jest nowym Bogiem, a w cukierku z Zhwachki nie mniej piękno niż w Mont Lisa. Jego obrazy przypominają komiksy i kreskówki: Liechtenstein po prostu zwiększył gotowy obraz, rysując RASTERS, używany druk szablonowy i ekranie jedwabiu. Obraz "Sleeping Girl" należała przez prawie 50 lat do kolekcjonerów Beatris i Philip Pearrs, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19

"Zwycięstwo. Boogie Woogie"

Autor

Pete Mondrian.

Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl Neolastyka

Jego prawdziwe nazwisko - Cornelis - artysta zmienił się na Mondrian, kiedy w 1912 r. Przeniósł się do Paryża. Wraz z artystą Teo Vann Dusburg założył ruch "Nexustyzm". Na cześć Mondriana język programowania Piet jest nazwany.

27x127 cm
1944.
koszt
40 milionów dolarów.
sprzedany w 1998.
na aukcji Soteby.

Najbardziej "musical" od artystów XX wieku zarobiła życie akwarelami wciąż, chociaż stało się znane z artystki nowotworowej. W USA przeniósł się w 1940 roku i spędził tam resztę życia. Jazz i Nowy Jork - to właśnie go najbardziej zainspirowało! Obraz "zwycięstwo. Bogi-Vuy "to najlepszy przykład tego. "Znakowane" schludne kwadraty uzyskano z powodu stosowania lepkiej taśmy - ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywał się "najbardziej znanym imigrantem". W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent uwolnił mondryjskie sukienki znane całym świecie z nadrukiem do dużej kolorowej komórki.

20

"Skład numer 5"

Autor

BazyliaKandinsky.

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangardowy

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec był z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z sowiecką mocą, ale wkrótce zdałem sobie sprawę, że prawa proletariatu nie zostały stworzone dla niego i nie został wyemigrowany do Niemiec bez trudności.

275x190 cm.
1911.
koszt
40 milionów dolarów.
sprzedany w 2007.
na aukcji Soteby.

Kandinsky Jeden z pierwszych całkowicie odmówił tego tematu, dla którego otrzymał tytuł geniuszu. Podczas nazizmu w Niemczech, jego obrazy przypisano "sztuce zwyrodnieniowej" i nie były wykazywane nigdzie. W 1939 r. Kandinsky przyjęła obywatelstwo francuskie, uczestniczył w procesie artystycznym w Paryżu. Jego obrazy "dźwiękowe", jakby fuga, tak wielu nazywano "kompozycjami" (pierwszy został napisany w 1910 roku, ten ostatni - w 1939 r.). "Skład numer 5" jest jednym z kluczowych prac w tym gatunku: "Słowo" kompozycja "brzmiała dla mnie jako modlitwę" - powiedział artysta. W przeciwieństwie do wielu zwolenników, planował, co przedstawiłoby na ogromnym płótnie, jakby napisał notatki.

21

"Etudium kobiety na niebiesko"

Autor

Ferniński leo.

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postresjonizm

Legeway otrzymała edukację architektoniczną, a potem był słuchacz Szkoły Eleganckich Sztuki w Paryżu. Artysta uważał się za zwolennikiem Cezanny, był apologiem kubizmu, aw XX wieku był również udany jako rzeźbiarz.

96,5х129.5 cm
1912-1913 Rok
Koszt
39,2 miliona dolarów.
sprzedany w 2008
na aukcji Soteby.

David Norman, prezes Międzynarodowego Departamentu Impresjonizmu i Modernizmu Sotheby`s, uważa ogromną kwotę zapłaconą za "panią na niebiesko", dość uzasadnione. Obraz należy do słynnej kolekcji zmiany (artysta napisał trzy zdjęcia na jednej działce, w prywatnych rękach dzisiaj - ostatnio. - ed.), A powierzchnia płótna jest zachowana w dziedzinie. Sam autor dał tę pracę Galerii Der Sturm, a potem wpadła do kolekcji Hermanna Lang, niemieckich zbierżników modernizmu, a teraz należy do nieznanego nabywcy.

22

"Scena uliczna. Berlin"

Autor

Ernst Ludwig.Kirchner.

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Dla niemieckiego ekspresji Kirchner stał się osobą znakową. Jednakże władze lokalne oskarżały go o zaangażowanie w "sztukę zwyrodnieniową", która tragicznie wpłynęła na los jego obrazów i życia artysty, który popełnił samobójstwo w 1938 roku.

95x121 cm
1913 rok
koszt
38 096 milionów dolarów.
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie's.

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców scen ulicznych. Został zainspirowany zawirowaniem i nerwowości wielkiego miasta. W filmie sprzedawany w 2006 roku w Nowym Jorku, alarmujący stan artysty jest szczególnie ostry: ludzie w Berlinie ulicy przypominają ptaki - eleganckie i niebezpieczne. Stała się ostatnią pracą z słynnej serii sprzedawanej na aukcji, reszta jest przechowywana w muzeach. W 1937 r. Naziści byli okrutnie rozpatrywani z Kirchner: 639 jego prac zostało wycofanych z niemieckich galerii, zniszczonych lub sprzedanych za granicą. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23

"Rekreacjatancerz"

Autor

Edgar Degas.

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degi jako artysta zaczęła się od faktu, że pracował jako copywriter w Luwrze. Marzył o stawaniu się "sławnym i nieznanym" i ostatecznie było możliwe. Pod koniec życia, głuchy i olśniewający 80-letni Degas nadal uczestniczyli w wystawach i aukcjach.

64x59 cm
1879 rok
koszt
37 043 milionów dolarów.
sprzedany w 2008
na aukcji Soteby.

"Ballerina zawsze była dla mnie tylko pretekstem, aby przedstawić tkaniny i chwycić ruch" - powiedział Degas. Działki z życia tancerzów, jak gdyby zaglądały: Dziewczyny nie są publikowane przez artystę, ale po prostu stają się częścią atmosfery przyłapanej przez Degasa. "Dancer spoczynkowy" został sprzedany za 28 milionów dolarów w 1999 r., A w mniej niż 10 lat kupili go przez 37 milionów - dziś jest to najdroższe dzieło artysty, kiedykolwiek wystawił na aukcję. Uwaga znacznie została wypłacona Ramamowi, sam je zaprojektował i zakazał. Zastanawiam się, jaki rodzaj ramki jest zainstalowany na zdjęciu sprzedawanym?

24

"Obraz"

Autor

Juan Miro.

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl sztuka abstrakcyjna

Podczas wojny domowej w Hiszpanii artysta był po stronie Republikanów. W 1937 r. Pobiegł z faszystowskiej mocy do Paryża, gdzie mieszkał w ubóstwie z rodziną. W tym okresie Miro pisze obraz "Pomóż Hiszpanii!", Zwracając uwagę na cały świat na dominację faszyzmu.

89x115 cm.
1927 rok
Koszt
36,824 milionów dolarów.
sprzedany w 2012
na aukcji Soteby.

Drugą nazwą obrazu jest "Blue Star". Artysta napisał go w tym samym roku, kiedy ogłosił: "Chcę zabić malarstwo" i bezlitośnie wyśmiewali płótno, drapanie farby z paznokciami, klejenie do płótna piór, obejmujące prace ze śmieciami. Jego celem było obalenie mitów o sakramencie malarstwa, ale radzenie sobie z tym, Miro stworzył własny mit - surrealistyczna abstrakcja. Jego "malarstwo" odnosi się do cyklu "Snowstice". Na aukcji czterech nabywców walczył o niej, ale jeden telefon zadzwonił incognito rozwiązany spór, a "malarstwo" stało się najdroższym obrazem artysty.

25

"Niebieska róża"

Autor

Yves klein.

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl Monochromatyczny obraz

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował orientalne, marynarzów, rzemiosła złotego barana, zen-buddyzmu i dużo. Jego osobowość i bezczelne sztuczki były czasami bardziej interesujące w monochromatycznych obrazach.

153x199x16 cm
1960.
Koszt
36 779 milionów dolarów.
sprzedawany w 2012 r
Na aukcji Christie

Pierwsza wystawa monofonicznych żółtych, pomarańczy, różowej pracy nie spowodowała interesu wśród społeczeństwa. Klein został obrażony, a następnym razem przedstawiłem 11 identycznych płótno barwionych z ultramarynką przeplataną specjalną żywicą syntetyczną. Nawet opatentował tę metodę. W historii kolor wprowadzany jako "międzynarodowy niebieski kolor Klein". Inny artysta sprzedał pustkę, stworzył zdjęcia, zastępując papier na deszcz, ustawienie na kartonie, tworząc na płótnie nadruku ludzkiego nadruku. Jednym słowem eksperymentować, jak tylko mógł. Aby utworzyć "niebieską różę" używanych suchych pigmentów, żywic, kamyków i naturalnej gąbki.

26

"W poszukiwaniu Mojżesza"

Autor

Sir Lawrence Alma Tadema

Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl Neoklasycyzm.

Prefiks "Alma" do jego nazwiska Sir Lawrence dodał jako pierwszy w katalogach artystycznych. W wiktoriańskim Anglii jego obrazy były tak twierdzili, że artysta został przypisany rangę rycerską.

213,4х136,7 cm
1902 rok
Koszt
35,922 milionów dolarów.
sprzedany w 2011
na aukcji Soteby.

Głównym tematem kreatywności Alma Tadema była starożytność. Na zdjęciach próbował w najmniejszych szczegółach, aby przedstawić epokę Imperium Rzymskiego, ponieważ nawet zaangażowała się w wykopaliska archeologiczne na Półwyspie Apenninsky, aw domu w London House reprodukował historyczne wnętrze tych lat. Mytologiczne działki stały się dla niego kolejnym źródłem inspiracji. Artysta był niezwykle na żądanie podczas życia, ale po śmierci szybko zapomniał. Teraz zainteresowanie odradza się, jako koszt obrazu "w poszukiwaniu Mojżesza", siedem razy, przekraczając oszacowanie przed sprzedażą.

27

"Portret śpiącego urzędnika nago"

Autor

Lucien Freud.

Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl Obraz symboliczny

Artystą jest wnuk Sigmund Freud, ojciec psychoanalizy. Po utworzeniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freud znajdują się w Muzeum Londynu "Spotkanie Wallace'a", gdzie wcześniej wystawiono nowoczesny artysta.

219.1х151.4 cm
1995.
Koszt
33,6 mln USD
sprzedany w 2008
na aukcji Christie's.

Podczas gdy moda artystów XX wieku stworzyli pozytywne "kolorowe plamy na ścianie" i sprzedali je za miliony, Freud napisał niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedały je jeszcze droższe. "Uchwyciłem krzyki duszy i cierpienie zanikającego ciała" - powiedział. Krytycy uważają, że wszystkie "dziedziczenie" Sigmund Freud. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i pomyślnie sprzedane, że specjaliści mieli wątpliwości co do wątpliwości: Czy mają właściwości hipnotyczne? Aukcja "Portret Sleeping Nude Oficjalna", według Sun Edition, nabyła koneserę pięknej i miliarderowej rzymskiej Abramowicz.

28

"Skrzypce i gitara"

Autor

H.uan Gras.

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodzony w Madrycie, gdzie ukończył szkolną sztukę i rzemiosło. W 1906 r. Przeniósł się do Paryża i weszła do kręgu najbardziej wpływowych artystów Ery: Picasso, Modigliani, małżeństwo, Matisse, Lyzh, również pracował z Sergey Dyagilev i jego trupe.

5x100 cm
1913 rok
Koszt
28 642 milionów dolarów.
sprzedany w 2010 roku
na aukcji Christie's.

Gria, według własnych słów, była zaangażowana w "samolot, architektura kolorów". Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie zostawił pojedynczego losowego rozmazu, co odnosi kreatywność z geometrią. Artysta stworzył swoją wersję kubizmu, chociaż Pablo Picasso, założyciel w kierunku bardzo szanowany. Następnik był nawet poświęcony mu swojej pierwszej pracy w stylu kubizmu "hołd do Picassa". Obraz "skrzypce i gitara" jest uznawana za zaległe w pracy artysty. W trakcie życia Gras był znany, klinicznie krytycy i historycy sztuki. Jego prace są wykazywane w największych na świecie muzeach, przechowywanych w prywatnych kolekcjach.

29

"PortretPola Elouar »

Autor

Salvador Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

"Surrealizm to ja" - powiedział Dali, kiedy został wykluczony z grupy surrealistów. Z biegiem czasu stał się najbardziej znanym surrealistycznym artystą. Kreatywność została przyznana wszędzie, a nie tylko w galeriach. Na przykład wymyślił opakowanie dla Chupa-Chupa.

25x33 cm
1929 rok
Koszt
20,6 miliona dolarów.
sprzedany w 2011
na aukcji Soteby.

W 1929 r. Odwiedź wielki prowokator i Scandalist Dali przyszedł poeta Paul Eluro ze swoją rosyjską żoną Galo. Spotkanie było początkiem historii miłości, która trwała ponad pół wieku. Obraz "Portret pola Eloire" jest napisany tylko podczas tej historycznej wizyty. "Czułem, że zostałem oskarżony o obowiązek uchwycenia twarzy poety, z Olymp, którego porwałem jedną z muzyki", powiedział artysta. Przed znajomym Galo był dziewicą i doświadczonym obrzydzeniem z myślą o seksie z kobietą. Trójkąt Miłości istniał przed śmiercią Eluara, po czym został Duet Dali Gala.

30

"Rocznica"

Autor

Mark Shagal.

Kraj Rosja, Francja.
Lata życia 1887–1985
Styl Avangard.

Moisha Segal urodził się w Vitebsku, ale w 1910 r. Wyemigrował do Paryża, zastąpił nazwę, stał się blisko wiodących awangardowali ery. W latach trzydziestych, podczas uchwycenia władz, faszyści poszli do Stanów Zjednoczonych za pomocą amerykańskiego konsul. Wrócił do Francji tylko w 1948 roku.

80x103 cm
1923.
Koszt
14,85 milionów dolarów.
sprzedawane w 1990 roku
Na aukcji Sotheby

Obraz "Anniversary" jest rozpoznawany jako jeden z najlepszych dzieł artysty. Posiada wszystkie cechy swojej kreatywności: Prawa fizyczne świata wymazały się, poczucie bajki w scenerii życia Meshchrzskych pozostaje, a w centrum fabuły - miłość. Chagall nie narysował ludzi z natury, ale tylko w pamięci lub fantazjowaniu. W obrazie "Rocznica" uchwycona przez artystę z żoną Bel. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie uczestniczył w aukcji. Co ciekawe, w Nowym Jorku Moma Muzeum Moma jest absolutnie taka sama, nazywana "Urodziny". Nawiasem mówiąc, została napisana przed - w 1915 roku.

projekt przygotowany
Tatyana Palaceov.
ocena złożona
według listy www.art-spb.ru.
magazyn TMN №13. (Maj-czerwiec 2013)

"Nowy świat urodził się, gdy impresjoniści napisali to"

Henri Canveyler.

XIX wiek. Francja. W malowaniu stało się to bezprecedensowe. Grupa młodych artystów postanowiła wstrząsnąć 500-letnią tradycją. Zamiast jasnego rysunku, używali szerokiego "nieostrożnego" rozmazu.

A ze zwykłych obrazów i porzuconych, przedstawiając wszystko z rzędu. I panie zachowania płuc i panów o wątpliwej reputacji.

Publiczność nie była gotowa na obraz impresjonistów. Byli wyśmienili, zbeształ. A co najważniejsze, nic nie kupili.

Ale odporność została złamana. A niektórzy impresjoniści żyli do ich triumfu. To prawda, że \u200b\u200bbyły już w 40. Podobnie jak Claude Monet lub Auguste Renaar. Inni czekali na uznanie tylko pod koniec życia jako Camille Pissarro. Ktoś, zanim go nie żył jako Alfred Sisley.

Jaki jest rewolucyjny popełnił każdy z nich? Dlaczego publiczność nie zaakceptowała ich przez tak długo? Oto 7 najbardziej znanych francuskich impresjonistów, którzy znają cały świat.

1. Eduard Mana (1832-1883)

Eduard Mana. Autoportret z palety. 1878 Prywatna kolekcja.

Mana była starsza niż większość impresjonistów. Był ich głównym inspirującym.

Sam Mana za rolę przywódcy rewolucjonistów nie twierdził. Był mężczyzną świeckim. Marzył o oficjalnych nagrodach.

Ale czekał na uznanie przez bardzo długi czas. Publiczność chciała zobaczyć greckie boginie lub wciąż życia na najgorszym końcu, pięknie spojrzał w jadalnię. Grzywa chciała napisać nowoczesne życie. Na przykład zasłony.

W rezultacie pojawiła się "śniadanie na trawie". Dwa dandie odpoczywają w społeczeństwie pani lekkiego zachowania. Jeden z nich jak nic nie siedzi obok ubranych ludzi.

Eduard Mana. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż

Porównaj swoje "śniadanie na trawie" z dziełem Tom Couture "Romans podczas upadku". Malowanie couture wytworzyło furor. Artysta natychmiast stał się sławny.

"Śniadanie na trawie" zostało oskarżone o wulgarność. Ciąży nie był absolutnie poważnie polecany do oglądania.

Tom Kutur. Rzymianie czasu upadku. 1847 Muzeum D'Ors, Paryż. Artchive.ru.

Na zdjęciu Couture widzimy wszystkie atrybuty akademicdy (tradycyjne malowanie stuleci XVI-XIX). Kolumny i posągi. Wygląd ludzi Apollo. Tradycyjne stłumione kolory. Madeness pozuje i gesty. Fabuła z odległego życia zupełnie różnych ludzi.

"Śniadanie na trawie" Mana to kolejny format. Przed nim nikt nie przedstawił takich zasłon. Obok szanowanych obywateli. Chociaż wielu ludzi czasu spędził wolny czas. To było prawdziwe życie prawdziwych ludzi.

Kiedyś przedstawiłem jedną szanowaną damę. Brzydki. Nie mógł ją schlebiać pędzlem. Dama była rozczarowana. Przeszedłem od niego we łzach.

Eduard Mana. Angelina. 1860 Muzeum D'Ors, Paryż. Wikimedia.commons.org.

Dlatego kontynuował eksperymentowanie. Na przykład z kolorem. Nie próbował przedstawiać tak zwanego naturalnego smaku. Jeśli szaro-brązowa woda wydaje mu się jasno niebieska, przedstawił także jej jasny niebieski.

To oczywiście zirytowało społeczeństwo. "W końcu nawet Morze Śródziemne nie może pochwalić się tak niebieskiego jak człowiek wody". - Yazwili.

Eduard Mana. Arzhante. 1874 Muzeum Sztuk Pięknych, Tour, Belgia. Wikipedia.org.

Ale fakt pozostaje faktem. Mana w posiadłości zmieniła cel malowania. Obraz stał się przykładem wykonania indywidualności artysty, który pisze, jak się cieszy. Zapominanie o szablonach i tradycjach.

Nomaturacja nie wybaczyła mu przez długi czas. Uznawanie czekały tylko na koniec życia. Ale nie było już konieczne. Boleśnie zniknął z nieuleczalnej choroby.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet. Autoportret w trakcie. 1886 Kolekcja prywatna

Claude Monet można nazwać podręcznikiem impresjonistą. Ponieważ był wierny tej dziedzinie całego jego długiego życia.

Napisał nie przedmioty i ludzi, ale jedno kolorowe projektowanie blasku i plam. Oddzielne uderzenia. Potrząśnięcie powietrza.

Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Muzeum Metropolitan, Nowy Jork. Metmuseum.org.

Monet napisał nie tylko naturę. Zarządzał i miejski krajobrazy. Jeden z najbardziej sławnych - .

Na tym zdjęciu jest wiele ze zdjęcia. Na przykład ruch jest przesyłany za pomocą zamazanego obrazu.

Uwaga: Drewno daleko i liczby są tak, jakby są w dymie.

Claude Monet. Kapuchin Boulevard w Paryżu. 1873 (Galeria sztuki Europy i Ameryki 19-20 Vz.), Moskwa

Przed nami przestaną chwilą szybkiego życia Paryża. Bez zwinności. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawione jako całość rozmazów. Taka odporność i efekt "Ramki STOP" jest główną cechą impresjonizmu.

W połowie lat 80. artyści byli rozczarowani impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobrze. Ale niespójność wielu uciskanych.

Tylko Monet nadal utrzymuje się, hipertrofing impresjonizmu. Zamienił w serię obrazów.

Ten sam krajobraz przedstawił dziesiątki czasów. W różnych porach dnia. W różnych porach roku. Aby pokazać, ile temperatura i światło może zmienić ten sam wygląd poza rozpoznawaniem.

Więc były niezliczone stosy siana.

Zdjęcia Claude Monet w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie. W lewo: Stosy siana o zachodzie słońca w Zhiverny, 1891 po prawej stronie: stos siana (efekt śniegu), 1891

Należy pamiętać, że cienie na tych zdjęciach są kolorowe. A nie szary lub czarny, jak zwykle do impresjonistów. To kolejny wynalazek.

Monet zdołał cieszyć się sukcesem i dobrostanem materiałem. Po 40 lat zapomniał już o ubóstwie. Mam dom i piękny ogród. I przez długi czas spędzony przez wiele lat.

O najbardziej znakach malarstwie Mistrza Czytaj w artykule

3. Auguste Renoir (1841-1919)

Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Instytut Sztuki Sztuki i Francin Clark, Massachusetts, USA. Pinterest.ru.

Impresjonizm jest najbardziej pozytywnym obrazem. Najbardziej pozytywnym wśród impresjonistów był Renoir.

W swoich obrazach nie znajdziesz dramaty. Nawet czarna farba, której nie użył. Tylko radość bycia. Nawet najczęstszy renoire wygląda pięknie.

W przeciwieństwie do Monet, Renoir często napisał ludzi. Krajobrazy były dla niego mniej znaczące. Zdjęcia odpoczywają i cieszą się życiem jego przyjaciół i znajomych.

Pierre-Auguste Renoir. Rowers śniadaniowy. 1880-1881. Kolekcja Phillips, Waszyngton, USA. Wikimedia.commons.org.

Nie można znaleźć renoara i głębokości. Bardzo się cieszył, że dołączyli do impresjonistów, którzy byli zanieczyszczani przez działki.

Gdy sam powiedział, w końcu ma okazję pisać kwiaty i nazywać je tylko "kwiatami". I nie wymyślaj o nich żadnych historii.

Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolem w ogródzie. 1875 Muzeum Tissen-Burnis, Madryt. Arteuam.com.

Najlepszy renoir czuł się w społeczeństwie kobiet. Poprosił swoją służę, by śpiewać i żartować. Im bardziej głupi i piosenka była bardziej naiwna, tym lepiej dla niego. A mężowie mączki był zmęczony. Nie jest zaskakujące, że Renoir słynie z nagiej tkaniny.

Model na zdjęciu "nagi w świetle słonecznym", jak gdyby manifestuje się na kolorowe abstrakcyjne tło. Ponieważ nie ma nic małego dla Renuary. Oko modelu lub tylnej części tła jest równoważne.

Pierre-Auguste Renoir. Nago w świetle słonecznym. 1876 \u200b\u200bMuzeum D'Orsov, Paryż. wikimedia.commons.org.

Renoir żył długie życie. I nigdy nie odkładaj pędzla i palety. Nawet gdy jego ręce całkowicie karmiły reumatyzm, przywiązał szczotkę do ręki z liną. I malowane.

Jak Monte, czekał na uznanie po 40 latach. I widział swoje obrazy w Luwrze, obok dzieł znanych mistrzów.

O jedno z najbardziej uroczych portretów Renaary przeczytane w artykule

4. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas. Autoportret. 1863 Muzeum Gulbenkyan, Lizbona, Portugalia. Hacload.com.

Deg nie był klasyczną impresjonistą. Nie lubił pracować w niewoli (na zewnątrz). Nie znajdzie celowej palety.

Wręcz przeciwnie, kochał wyraźną linię. Ma czarny kolor. I pracował wyłącznie w studiu.

Ale nadal zawsze jest rzędowo z innymi wielkimi impresjonami. Ponieważ był wrażeniem gestem.

Nieoczekiwane perspektywy. Asymetria w lokalizacji obiektów. Pęknięte znaki niespodzianki. Oto główne atrybuty jego obrazów.

Przestał chwile życia, nie dając postaciom przyjść do swoich zmysłów. Spójrz przynajmniej na jego "opera orkiestrze".

Edgar Degas. Opera Orchestra. 1870 Muzeum D'Ors, Paryż. Commons.wikimedia.org.

Na pierwszym planie tył krzesła. Muzyk do nas z powrotem. A na tle z tyłu balerina na scenie nie pasowała do "ramki". Ich głowy są bezlitośnie "obrzezane" krawędź obrazów.

Więc tancerze je umiłowali, nie zawsze są przedstawiane w pięknych pozach. Czasami po prostu robią odcinek.

Ale ta improwizacja jest osłabiona. Oczywiście dega starannie przemyślał kompozycję. Jest to tylko efekt ramki stopu, a nie prawdziwą ramę stopy.

Edgar Degas. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelbourne, Vermouth, USA

Edgar Degas uwielbiał pisać kobiety. Ale choroba lub cechy ciała nie pozwoliły mu mieć kontakt fizyczny z nimi. Nigdy nie był żonaty. Nikt nigdy nie widział go z panią.

Brak prawdziwych działek w swoim życiu osobistym dodał cienkie i intensywne erotyczność do jego obrazów.

Edgar Degas. Gwiazda baletowa. 1876-1878. Muzeum D'Ors, Paryż. wikimedia.comons.org.

Należy pamiętać, że tylko sama balerina jest rysowana w obrazie "Gwiazda baletowego". Jej koledzy za kulisami ledwie odróżniającymi. Czy to kilka nóg.

Nie oznacza to, że Dega nie skończył zdjęcia. To jest recepcja. Odejść w skupieniu tylko najważniejszej rzeczy. Resztę zniknięcia, nieczytelny.

O innych obrazach Mistrza Czytaj w artykule

5. Berta Morizo \u200b\u200b(1841-1895)

Eduard Mana. Portret Berth Morizo. 1873 Maroton Monet Museum, Paryż.

Bert Morizo \u200b\u200brzadko włożył w pierwszym rzędzie wielkich impresjonistów. Jestem pewien, że jest niezadowolony. Czy masz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli lubisz ten styl, kochasz ją z całą duszą.

Morizo \u200b\u200bpracował szybko i popychając, przesuwając jego wrażenie na płótnie. Postacie, jak choć rozpuszcza się w przestrzeni.

Bert Morizo. Lato. 1880 Muzeum Famona, Montpellier, Francja.

Jak degi, często nie uczyła niektórych szczegółów. A nawet części modelu ciała. Nie możemy rozróżnić dziewcząt na zdjęciu "Lato".

Ścieżka do wyrażania się w Morizo \u200b\u200bbyła trudna. Nie tylko była zaangażowana w "nieostrożny" malarstwo. Wciąż była kobietą. W tamtych czasach Pani miała marzyć o małżeństwie. Potem każde hobby zostało zapomniane.

Dlatego Berta długo odmówił małżeństwa. Dopóki nie znalazłem człowieka, który z szacunkiem wziął lekcję. Eugene Mana był jego rodzimym bratem artysty Eduard Man. Ogliowo nosił sztalugę i farbę.

Bert Morizo. Eugene Grzywa z córką w Buhvalu. 1881 Maroton Monet Museum, Paryż.

Ale wciąż sprawa była w XIX wieku. Nie, spodnie Morizo \u200b\u200bnie noszone. Ale nie mogła sobie pozwolić na całkowitą swobodę przemieszczania się.

Nie mogła iść do parku, aby pracować sam, bez opieki przez kogoś z bliskich. Nie mógł usiąść samotnie w kawiarni. Dlatego jego obrazy są ludźmi z koła rodzinnego. Mąż, córka, krewni, niania.

Bert Morizo. Kobieta z dzieckiem w ogródzie w magazynie. 1881 National Museum of Wales, Cardiff.

Rozpoznawanie Morizo \u200b\u200bnie czekało. Zmarła w 54 lat od zapalenia płuc, prawie nikt nie pracuje w życiu. W jej świadectwie śmierci w kolumnie "Zajęcia pręta" stała rowie. Było nie do pomyślenia kobiecie zwaną artystą. Nawet jeśli naprawdę była.

O obrazach Mistrza Czytaj w artykule

6. Camille Pissarro (1830 - 1903)

Camille Pissarro. Autoportret. 1873 Muzeum D'Ors, Paryż. Wikipedia.org.

Camille Pissarro. Niekonflikt, rozsądny. Wielu ludzi postrzeganych jako nauczyciele. Nawet najbardziej temperamentnicze koledzy o Pissarro nie mówił źle.

Był wiernym zwolennikiem impresjonizmu. Zdecydowanie potrzebuje, mając żonę i pięcioro dzieci, nadal pracował w jego ukochanym stylu. I nigdy nie przełączaj się na malowanie salonu, aby stać się bardziej popularne. Nie wiadomo, gdzie podjął moc, by wierzyć w siebie.

Aby nie umrzeć w ogóle z głodem, Pisserro namalował fan, który byłby szczęśliwy. I to uznanie przyszło po 60 latach! W końcu był w stanie zapomnieć o potrzebie.

Camille Pissarro. Diligence w Luvezienne. 1869 Muzeum D'Ors, Paryż

Powietrze w obrazach Pissarro grube i gęste. Niezwykły stop kolor i objętości.

Artysta nie bał się napisać najbardziej zmienne zjawiska natury, które są pokazane na chwilę i znikają. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.

Camille Pissarro. Mróz. 1873 Muzeum D'Orsov, Paryż

Jego najsłynniejsze prace to typy Paryża. Z szerokim bulwarami, zatoki Motley Tłum. W nocy, po południu, w różnych warunkach pogodowych. Coś, co echo z serią zdjęć Claude Monet.

Francuski obraz XIX do początku XX wieku jest reprezentowany przez około 850 pozycji. Chronologicznie, ta sekcja rozpoczyna się od prac artystów z końca XVIII i na początku XIX wieku, których wkład w historię sztuki ogromnie różnią się ogromnie, ale których dzieła ucieleśniają artystyczne aspiracje wieku: Lethire, Lefebre, Caraffe, C. Vernet, Girodet, P. Chauvin, artystów, którzy byli bardzo popularni w czasie Imperium, takich jak Guerin, F. Gerard i inni.

Każdy z najbardziej obchodzonych mistrzów jest reprezentowany tutaj: David przez jego wspaniały Sappho i Phaon.(1809), Gros przez Napoleon na moście w arcole (Około 1797), Ingres przez Portret hrabiego guriev (1821), Delakroix, najbardziej genialny francuskich artystów romantycznych, przez dwie płótna: Marokański siodłowy konia (1855) i Lion Hunt w Maroku (1854).

Kolekcja Hermitage zapewnia dobry przegląd szkoły Barbizon, grupa artystów, którzy osiadli w wiosce Barbizona w pobliżu Paryża: Theodore Rousseau, Dupre, Daubigny i innych, którzy mieli mieć taki duży wpływ na rozwój francuskim malarstwa krajobrazu I Corot, którego prace zawierają szczególne połączenie neoklasycyzmu, realizmu i romantyzmu. Jednym z centralnych punktów muzeum jest kolekcja lat XIX i XX wieku, która obejmuje ponad 250 prac.

Zawiera siedem dzieł jednego z założycieli impresjonizmu, Claude Monet, umożliwiając nam ocenić nie tylko jego pracę twórczą, ale także ewolucję szkoły ogólnej: od jego wcześniejszego Pani w ogrodzie (1867) do późnego Most Waterlolo.(1903). Istnieje sześć obrazów Renoir, w tym jego uwagi Portret aktorki Jeanne Samary(1878); Dwie sceny Paryża przez Pissarro; Trzy krajobrazy Sisleya; I seria pastelowych rysunków Degas.

Prace Cezanny, Gauguina i Van Gogha są najwyższej jakości. Cezanne pracował w różnych gatunkach, jak widać wybór jego obrazów na wyświetlaczu. Gauguin "S ouvre jest tutaj repreen przez prace malowane podczas jego życia w Tahiti. Wśród obrazów Van Gogha Brzask bzu. (1889), jedna z jego największych obrotów i Domki kryte strzechą. (1890), wśród jego ostatnich prac.

Carriere, Puvis de Chavannes, Odilon Redon i inni A wśród wiodących symboliistycznych artystów, których praca można zobaczyć na wystawie. Prace Nabis Group - Denis, Roussel, Vuillard, Bonnard, Vallotton - a także Marquet, Derain, Van Dongen, Vlaminck i Manguin, wystawa Hermitage zapewnia kompleksowy widok na rozwój francuskim malarstwa w tym czasie.

Kulminacja kolekcji francuskiego malarstwa XX wieku jest wyposażona w doskonały wyświetlanie utworów Matisse i Picasso. Z 37 obrazami Matisse, w tym takie godne uwagi płótna jak Czerwony pokój. (1908), Portret rodzinny.(1911) i ważne panele Taniec i muzyka (Zarówno 1910), jak i 31 obrazy Picasso, od początku Pijący z Absinthe. (1901), główna praca z jego niebieskiego okresu - Wizyta.(1902), aby pracować niezbędne do zrozumienia kubizmu - Taniec z welonami. (1907), Trzy kobiety, kobieta z fanem (1908) - Te pokoje są słusznie wśród najpopularniejszych w Muzeum.

To więcej niż piękne zdjęcia, jest to odzwierciedlenie rzeczywistości. W dziełach wielkich artystów można zobaczyć, jak zmienił się świat i świadomość ludzi.

Sztuka jest również próbą stworzenia alternatywnej rzeczywistości, w której możesz ukryć się przed okropnościami lub pragnieniem zmiany świata. Sztuka XX wieku słusznie zajmuje specjalne miejsce w historii. Ludzie, którzy mieszkali i pracowali w tamtych czasach, przeżyli wstrząsy społeczne, wojnę, bezprecedensowy rozwój nauki; I wszystko znalazło odcisk palca na płótnach. Artyści XX wieku wzięli udział w tworzeniu nowoczesnej wizji świata.

Czyjeś imiona są nadal wymawiane z pływaniem, a ktoś niesprawiedliwie zapomniany. Ktoś miał taki kontrowersyjny kreatywny sposób, że nadal nie da mu jednoznacznej oceny. Przegląd ten jest poświęcony największym artystom XX wieku. Camille Pisarro.- Francuski malarz. Wybitny przedstawiciel impresjonizmu. Praca artysty była pod wpływem Johna Conthebla, Camille Coro, Jean Francois Mill.
Urodzony 10 lipca 1830 r. W mieście Saint-Thomas, zmarł 13 listopada 1903 r. W Paryżu.

Ermitaż w Pontoise, 1868

Operowanie przejście w Paryżu, 1898

Zachód słońca w Varenzhville, 1899

Edgar Degas -francuski homeward, jeden z największych impresjonistów. W pracy Degiego wpływ japońskiej grafiki urodził się 19 lipca 1834 r. W Paryżu, zmarł 27 września 1917 r. W Paryżu.

Absintttttttury, 1876.

Gwiazda, 1877.

Oddychająca kobieta, 1885

Paul Cezanne -francuski artysta, jeden z największych przedstawicieli postysłowskich. W swojej pracy dążył do ujawnienia harmonii i równowagi natury. Jego kreatywność miała ogromny wpływ na światopogląd z artystów XX wieku.
Urodzony 19 stycznia 1839 r. W mieście Ex-En-Provence we Francji, zmarł 22 października 1906 r. W ex-en-provence.

Gry, 1893.

Nowoczesna Olympia, 1873

Martwa natura z żółwiami, 1900

Claude Monet - Znakomity francuski malarz. Jeden z założycieli impresjonizmu. W swoich pracach, Monet dążył do przekazywania bogactwa i nasycenia świata. Za późny okres, odbarwienie i
Dla późnego okresu kreatywności należy scharakteryzować, zwiększając rozpuszczenie przedmiotów formularzy w zaawansowanych kombinacjach kolorowych plam.
Urodzony 14 listopada 1840 r. W Paryżu, zmarł 5 grudnia 1926 r. W brzuchu.

Rock Welk w Purville, 1882

Po obiedzie, 1873-1876

Erthet, zachód słońca, 1883

Archka Queenji -słynny rosyjski artysta, mistrz malarstwa krajobrazu. Wcześnie stracił rodziców. Od wczesnego wieku, miłość do malowania zaczęła manifestować. Praca Archeproun to świetny wpływ na Nikolai Roerich.
Urodzony 15 stycznia 1841 r. W Mariupolu zmarł 11 lipca 1910 r. W Petersburgu.

Wołga, 1890-1895.

"North", 1879

"Widok na Kremla z Zamoskvorechye", 1882

Pierre Auguste Renoir -francuski artysta, harmonogram, rzeźbiarz, jeden z wybitnych przedstawicieli impresjonizmu. Znany również jako mistrz świeckim portretu. Auguste Roden stał się pierwszą impresjonistą, która stała się popularna wśród bogatych parysańczyków.
Urodzony 25 lutego 1841 r. W Limoges France, zmarł 2 grudnia 1919 r. W Paryżu.

Most Sztuki w Paryżu, 1867

Piłka w Moulin de la Gaette, 1876

Zhanna samari, 1877

Paul Gajen. - Francuski artysta, rzeźbiarz-ceramista, harmonogram. Na równi z dziedziny Cesan i Vincent Van Goghom jest jednym z najważniejszych przedstawicieli postmingu. Artysta żył w ubóstwie, ponieważ jego obrazy nie były pożądane.
Urodzony 7 czerwca 1848 r. W Paryżu, zmarł 8 maja 1903 r. Na wyspie Hiva-Oa, Polinezja Francuska.

Krajobraz Bretona, 1894

Breton Village w śniegu, 1888

Czy jesteś zazdrosny? 1892.

Dzień Świętego, 1894

Wasily Kandinsky -rosyjski i niemiecki artysta, poeta, teorysta sztuki. Jest uważany za jednego z przywódców awangardy pierwszej połowy XX wieku. Jest wśród założycieli sztuki abstrakcyjnej.
Urodzony 22 listopada 1866 r. W Moskwie, zmarł 13 grudnia 1944 r. W mieście Neu-sur-Sene we Francji.

Para podróżuje jazda na koniu, 1918

Pest Life, 1907

Moskwa 1, 1916

W Grey, 1919

Henri Matisse -jeden z największych francuskich artystów i rzeźbiarzy. Jeden z założycieli przepływu piechurów. W swojej pracy dążył do przeniesienia emocji przez kolor. W swojej pracy doświadczył wpływu islamskiej kultury zachodniej Maghrebu. Urodzony 31 grudnia 1869 r. W mieście Le Kato, zmarł 3 listopada 1954 roku w mieście Symode.

Kwadrat w Saint-Tropez, 1904

Kontury Notre-Lads w nocy, 1902

Kobieta w kapeluszu, 1905

Taniec, 1909.

Włoski, 1919.

Portret Deleign, 1934

Nikolai Roerich. - Rosyjski artysta, pisarz, naukowiec, mistyk. W swoim życiu napisał ponad 7000 obrazów. Jedna z wybitnych postaci kulturowych XX wieku, założyciel "świata przez ruch kultury".
Urodzony 27 października 1874 r. W Petersburgu zmarł 13 grudnia 1947 r. W mieście Kulu, Himachal Pradesh, Indie.

Goście zagraniczni, 1901

Great Spirit Himalayev, 1923

Wiadomość Shambhala, 1933

Kuzma Petrov-Vodkin -rosyjski artysta, harmonogram, teoretyk, pisarz, nauczyciel. To był jeden z ideologów, aby zreorganizować edukację sztuki w ZSRR.
Urodzony 5 listopada 1878 r. W mieście Szarnsk Prowincja Saratowa, zmarła 15 lutego 1939 r. W Leningradzie.

"1918 w Piotrogrodzie", 1920

"Grając chłopcy", 1911

Pływanie czerwona Kony, 1912

Portret Anny Ahmatova.

Kazimir Malevich. - Rosyjski artysta, założyciel suprematyzmu - kierunki sztuki abstrakcyjnej, nauczyciela, teoretyka i filozofa
Urodzony 23 lutego 1879 r. W Kijowie zmarł 15 maja 1935 r. W Moskwie.

Rekreacja (Społeczeństwo w cylindrach), 1908

"Chłopi z wiader", 1912-1913

Czarny Suprematyczny Square, 1915

Suprematyczny obraz, 1916

Na boulevard, 1903

Pablo Picasso - Hiszpański artysta, rzeźbiarz, rzeźbiarz, projektant ceramika. Jeden z założycieli kubizmu. Kreatywność Pablo Picasso miał istotny wpływ na rozwój malarstwa XX wieku. Zgodnie z wynikami badania czytelników magazynu czasu
Urodzony 25 października 1881 r. W mieście Malaga Hiszpania, zmarł 8 kwietnia 1973 r. W muzyce we Francji.

Dziewczyna na misce, 1905

Portret Ambruz Vallora, 1910

Trzy łaski

Portret Olgi.

Dance, 1919.

Kobieta z kwiatem, 1930

Amadeo Modiganiani. - Włoski artysta, rzeźbiarz. Jeden z najjaśniejszych przedstawicieli ekspresjonizmu. Podczas życia miał tylko jedną wystawę w grudniu 1917 r. W Paryżu. Urodzony 12 lipca 1884 r. W mieście Livorno, Włochy, zmarł 24 stycznia 1920 r. Od gruźlicy. Światowe uznanie otrzymało pośmiertnie globalne uznanie otrzymane pośmiertnie.

Wiolonczelista, 1909.

Małżonkowie, 1917.

Joan Ebutern, 1918

Krajobraz śródziemnomorski, 1918

Diego Rivera. - Meksykański malarz, mural, polityk. Był małżonkiem Frida Calo. W ich domu znalazł schronisko na krótki czas Lion Trocky.
Urodzony 8 grudnia 1886 r. W Guanajuato, zmarł 21 grudnia 1957 r. W Meksyku.

Notre Dame de Beta w deszczu, 1909

Kobieta w studni, 1913

Związek chłopa i pracownika, 1924

Detroit Industry, 1932

Mark Shagal. - Malarz rosyjski i francuski, harmonogram, ilustrator, artysta teatralny. Jeden z największych przedstawicieli awangond.
Urodzony 24 czerwca 1887 r. W mieście Lozino, prowincja Mohylew, zmarła 28 marca 1985 r. W Saint-Paul-de-Provence.

Annie (siostra portret), 1910

Panna młoda z fanem, 1911

I i wioska, 1911

Adam i Ewa, 1912

Mark Rotko. (Nast. Mark Rotkovich) to artysta amerykański, jeden z założycieli abstrakcyjnego ekspresjonizmu i założyciela malowania pola kolorów.
Pierwsze dzieła artysty powstały jednak w realistycznym duchu, jednak przez połowę 40s Mark Rotko apeluje do surrealizmu. Do 1947 r. Najważniejsze złamanie w pracy Mark Rotko dzieje się, tworzy własny styl - abstrakcyjny ekspresjonizm, który odjeżdża z elementów przedmiotowych.
Urodzony 25 września 1903 r. W mieście Dvinsk (obecnie Daugavpils), zmarł 25 lutego 1970 roku w Nowym Jorku.

Nieuprawny

Numer 7 lub 11

Pomarańczowy i żółty.

Salvador Dali - Malarz, harmonogram, rzeźbiarz, pisarz, projektant, reżyser. Być może najbardziej znany przedstawiciel surrealizmu i jednego z największych artystów XX wieku.
Autor projektu Chupa Chups.
Urodzony 11 maja 1904 r. W mieście Figueras, Hiszpania, zmarła 23 stycznia 1989 r. W Hiszpanii.

Pokusa św. Antoniego, 1946

Ostatnia kolacja, 1955

Kobieta z głowami z róż, 1935

Moja żona galowa, naga, patrzy na jej ciało, 1945

Frida Kalo -meksykański artysta i harmonogram, jeden z najjaśniejszych przedstawicieli surrealizmu.
Frida Kalo zaczęła czerpać po wypadku samochodowym, który był wynikiem roku przykuty do łóżka na rok.
Został żonaty ze słynną meksykańską artystą-komunistyczną rzeką Diego. Od dawna nie znaleźli Lwa Trockiego w domu.
Urodzony 6 lipca 1907 roku w mieście Koyoacan, Meksyk, zmarł 13 lipca 1954 roku w Koyoacan.

Uściski uniwersalnej miłości, ziemi, i, Diego i Cathl, 1949

Mojżesz (rdzeń stworzenia), 1945

Dwie Frida, 1939

Andy Warhole. (Nasty. Andrei Varchol) - Artysta amerykański, projektant, reżyser, producent, wydawca, pisarz, kolekcjoner. Założyciel pop-artu, jest jednej z najbardziej anty-kultywnych osobowości w historii kultury. W życiu artysty strzał kilka filmów.
Urodzony 6 sierpnia 1928 r. W Pittsburgh, Pensylwanii, zmarł w 1963 roku w Nowym Jorku.

Impresjonizm.

Eduard Mana (Fr. Édouard Manet, 23 stycznia 1832 r., Paryż - 30 kwietnia 1883, Paryż) - Francuski artysta, jeden z hedlemen impresjonizmu.

Hobby starego obrazu doprowadziły liczne grzywa podróży. Wielokrotnie odwiedził holenderskie muzea, gdzie podziwiał obraz Hals France. W 1853 r. Wykonał tradycyjną podróż do Włoch dla francuskich artystów, gdzie odwiedził Wenecja i Florencja. To wtedy początek wpływu na młode obrazy artysty przez najgorsze i wysokie odrodzenie. Jeden z artystów, którzy mieli największy wpływ na Mana staje się Velasquez. Być może jest to jego późne prace, zwłaszcza słynne Bodegony, miał ogromny wpływ na tworzenie ruchu impresjonizmu. Podróż powrotną do Francji była długa - Grzywa przeszedł przez Europę Środkową, odwiedzając muzea w Dreźnie, Praga, Wiedniu i Monachium.

W 1863 i 1864 r. Manne jest umieszczony zarówno w kabinie, jak i oficjalnym salonie, gdzie jego nowe obrazy, zwłaszcza "śniadanie na trawie" spowodowały gwałtowny oburzenie przez krytyków. Szczyt odrzucenia spada na 1865 r., Kiedy Manne położył swoją (słynną) "Olympia" w kabinie - obraz znaleziony przez jego współczesnych jest niezwykle obsceniczny i wulgarny i sprowokował wspaniałą w czasie skandalu.

Podczas oblężenia Paryża w 1870 r. Mana, jako przekonany republikanin, pozostał w stolicy. Po wojnie francusko-pruskiej i gminie Paryż, artysta zbiega się jeszcze bliżej młodych impresjonistów. Jest to świadczy, na przykład, liczne zdjęcia napisane w tempie, obok siebie z Claude Monet w Argenthe w 1874 roku. Niemniej jednak Mana nie chciała uczestniczyć w wystawach impresjonistów. Wolał na wszelkie koszty, aby osiągnąć uznanie jury oficjalnego salonów. Kolejny szum wokół jego imienia powstał w 1874 roku. "Railway" ponownie spowodowała ostre antypatia jury. I tylko w 1879 r. Salon docenił trwałość artysty: płótno "w szklarni" i "w łodzi" były bardzo spełnione.

"Absinthe amator", 1858-1859, Nowa Gilipotka Karlsberg

"Muzyka w Tuilery", 1862, Galeria Narodowa, Londyn

Olympia, 1863, Muzeum Orsay, Paryż

Hiszpański muzyk (Galterrelo). 1860 Metropolitan Museum, Nowy Jork.

Egzekucja Emperatora Meksyk Maximilian. 1867, Kunstalla, Mannheim.

Edgar-Germain-Ilher De Ga lub Edgar Degas (Fr. Edgar Degas) (19 lipca 1834, Paryż - 27 września 1917) - Francuski malarz, jeden z najbardziej znanych i oryginalnych przedstawicieli impresjonizmu.

W ciągu 20 lat (1854), Degas wchodzi do ucznia w warsztacie w swoim czasie artystą pani, który z kolei studentem Wielkiego Granu. W znanej rodzinie Degiusa Energuje się, a on długo zatrzymał swój wygląd w swojej pamięci, a jego życie zachował miłość do linii piosenkaków w Ratownika i wyraźnie. Degi uwielbiał innych wspaniałych szuflad - Nikola Poussna, Hans Golbien - i skopiował swoją pracę w Luwrze z taką starannością i umiejętnością, co było trudne do odróżnienia kopii oryginału.

Produkty DEGI z ich ściśle zweryfikowaną i jednocześnie dynamiczną, często asymetryczną kompozycją, dokładnym elastycznym wzorem, nieoczekiwaniami, aktywną interakcją figury i przestrzeni łączą wydawny niedoskonały i losowość motywu i architektonii obrazu z staranną troską i obliczeniem. "Nie było sztuki, mniej niż moje", sam artysta ocenia swoją własną kreatywność. Każda z jego pracy jest wynikiem długich obserwacji i uporczywych, żmudnych prac nad ich wdrażaniem w artystyczny obraz. W pracy mistrzów nie ma nic z wyrażenia. Zakończenie i zamyślenie jego kompozycji powoduje, że czasami przypomnieć od strony Pussena. Ale w rezultacie obrazy pojawiają się na płótnie, które nie będą przesadą, która nazywa się nieuchodnie i przypadkowym. W sztuce francuskiej XIX wieku degeneness degiczności w tym względzie jest diametrical przeciwieństwem kreatywności Cezann. W CESANNA obraz niesie całą niezmienność porządku świata i wygląda w pełni ukończone przez mikrokosmos. Degas zawiera tylko część odcięcia ramki potężnego strumienia życia. Obrazy narkotykowe są wykonywane przez dynamizm, uosabiają przyspieszone rytmy nowoczesnego artysty ERA. Był to pasja do transmisji ruchu - to, zgodnie ze słowami zidentyfikowanych działki story debetowe: obrazy skokowych koni, baleriny na próbach, prania i prasowców w pracy, ubrani lub czescy kobiety.

Edgar Degas. Odpowiednie konie przed stojakami. 1869-1872 Louvre, Paryż.

Niebieski tancerze. Muzeum. Puszkina, Moskwa.

Biuro na bawełnianym handlu w Nowym Orleanie. 1873.

Zmywanie. 1886 Hill Stand Museum, Farmington, Connecticut, USA.

Absynt, 1876, Muzeum Orsay, Paryż

Przed rozpoczęciem, 1862-1880, Muzeum OSA, Paryż

Balet Performance - Widok na scenę z Lóż, 1885, Muzeum Sztuki, Filadelfia

Szkoła baletowa.

Miss Lala w cyrku Fernando.

Bundorasa z lnem.

U modistka.

Gladliners.

Pierre Auguste Renoir (Fr. Pierre-Auguste renoir; 25 lutego 1841, Limoges - 2 grudnia 1919 r., Kan-sur-Mer) - francuski malarz, harmonogram i rzeźbiarz, jeden z głównych przedstawicieli impresjonizmu. Renoir jest znany przede wszystkim jako mistrz świeckim portretu, nie pozbawiony sentymentalizacji; Najpierw z impresjonistów zdobyli sukces w bogatych paryskach. W połowie 1880 roku. W rzeczywistości pękł z impresjonizmem, wracając do liniowości klasycyzmu, na rygor. Słynny reżyser ojca.

"Wiosenny bukiet" (1866). Muzeum Uniwersytetu Harvarda

"Piłka w Le Moulin de la Gaette" (1876). Muzeum Orsay.

"Big Swimsters" (1887). Muzeum Sztuki, Filadelfia.

"Dziewczyny fortepianowe" (1892). Muzeum Orsay.

"Gabriel w czerwonej bluzce" (1910). Spotkanie M. Vestema, Nowy Jork.

Oscar Claude Monet (fr. Oscar-Claude Monet, 1840-1926) - francuski malarz, jeden z założycieli impresjonizmu.

Kiedy chłopiec miał pięć lat, rodzina przeniosła się do Normandii, do Gavr. Na wybrzeżu Morza Normandia Monet spotkała EZHEN BUDANENE, słynnego gracza krajobrazowego i jednego z wrażeń wrażeniem impresjonizmu. Budy pokazał młody artysta trochę malowniczej pracy z natury

Obraz "W drodze Sekwany" (BenneCourt, 1868) jest to wczesny przykład impresjonizmu w niewoli, w którym umiejętne i przebudzące wyobraźnia wykorzystanie olejów zostały przedstawione jako gotowy produkt art.

Rozczarowany tradycyjną sztuką, która była nauczana w szkołach sztuki, w 1862 r. Monet wszedł na uniwersytet nazwany na cześć Karola Gleira w Paryżu, gdzie spotkał Pierre-Auguste Renoir, Frederick Basil i Alfred Sisley. Dzielili się nawzajem nowe podejścia do sztuki, sztuki efektów obrazu światła w stylu wyraźnym stylu z naruszeniem schematu kolorów i szybkich uderzeń, fakt, że później stał się znany jako impresjonizm. Obraz z portretem Camilla Monet lub "Kobieta w zielonej sukience" (La Femme i La szata Verte), napisana w 1866 roku, przyniosła mu uznanie i był jednym z wielu prac przedstawiających swoją przyszłą żonę, Camillas Donsen; Rok później pozowano na zdjęcia "Kobiet w ogrodzie" i "na drodze Sekwany" (BenneCourt, 1868).

Po rozpoczęciu Franco Prusian War (19 lipca 1870 r. Monte znalazł schronisko w Anglii we wrześniu 1870, gdzie studiował dzieła Jana Conthebla i Josepha Mallord Williama Turnera, którego obrazy krajobrazów staną się źródłem inspiracji Monet Innovation w badaniu koloru.

"Wrażenie. Rosnące słońce ", 1872, Muzeum Marmotan Monet, Paryż

"Kapuchin Boulevard", 1873

"Port"

"Staw z liliami", 1899g., Galeria Narodowa, Londyn

"Regaty w Arzhate", 1872, Muzeum Orsay, Paryż

"Żaba", 1869, Metropolitan Museum, Nowy Jork, USA

"Kobiety w ogrodzie", 1866-1867, Muzeum Orsay, Paryż, Francja

"Plaża w Purville", 1882, Narodowe Muzeum Polski, Poznań, Polska

"Lilie wodne", 1915

Jacob Abraham Camille Pissarro (Franz. Jacob Abraham Camille Pissarro, 10 lipca 1830, Wyspa Saint Thomas - 12 listopada 1903, Paryż) - Francuski malarz, jeden z pierwszych i najbardziej spójnych przedstawicieli impresjonizmu.

Pizarro zaczął jak student Camilla Coro. W tym wyborze nauczyciela wpłynęło już na wrodzoną miłość artysty do malowania krajobrazu. Ale nie mniej uwagi na początku jego twórczej ścieżki Camille Pisilo płaci rysunek. Już we wczesnych dziełach artysta zwróciła szczególną uwagę na wizerunek oświetlonych obiektów w powietrzu. Światło i powietrze stały się motywem prowadzącym w pracy Pisarro.

Stopniowo Pizarro zaczął uwolnić się od wpływu Coro, jego własny styl dojrzewał. Od 1866 r. Paleta artysty staje się lżejsza, dominant jej fabuły staje się przestrzeń przeniknięta światłem słonecznym i lekkim powietrzem, a osobliwe odcienie neutralne Coro znikają.

Praca, uwielbiona przez Pizarro, jest połączeniem tradycyjnych działek krajobrazowych i niezwykłego sprzętu na rysunku światła i oświetlonych obiektów. Zdjęcia dojrzałego pizarro napisane z gęstymi uderzeniami i wypełnione fizycznym odczuciem światła, aby wyrazić, który poszukiwał.

Pissarro miał silny wpływ na impresjonistów, niezależnie generując wiele zasad opartych na stylu malarskim. Był przyjaciółmi z takich artystów jak Degas, Cezanne i Gajn. Pizarro jest jedynym uczestnikiem wszystkich ośmiu wystawach impresjonistów.

"Bulwar Montmartre. Popołudnie, słonecznie. " 1897.

Autoportret, 1873.

Neo-sympresjonizm.

Paul Signc (ks. Paul Signc, 11 listopada 1863 r., Paryż - 15 sierpnia 1935 r., Paryż) - francuskie stopnie-postimigressismister, przedstawiciel kierunku poentonizmu.

W 1882 r. W Paryżu i Brittany zaczęli pisać zdjęcia pod wpływem impresjonistów, głównie monet. W 1884 r. W latach 1884 uczestniczy w tworzeniu "społeczeństwa niezależnych artystów", gdzie spotkał George'a Siera, z którym w 1889 r. Opracował malowniczej techniki transaktywności, chociaż na ostatniej wystawie impresjonistów swoich obrazów odzwierciedlało estetykę działu.

W życiu artysta był uznanym klasykiem. W 1911 roku otrzymał porządek Honorowy Legion.

Les Andely (1886)

Femme Lisant (1887), Muzeum Orsay, Paryż. Olej, drzewo

Château de Comblat (1887), Muzeum Liege, Belgia

La Bouée Rouge (1895) Muzeum Orsay

L'Orage, (1895) Musée de l "annonciade,

Le Phare d'Antibes (1909)

Plakaciizm.

Paul Cezanne (ks. Paul Cézanne) jest francuskim artystą, jasnym przedstawicielem postmasistyzmu.

Paul Cesann urodził się we Francji 19 stycznia 1839 roku w mieście Ex-En-Provence w rodzinie bogatych burżuazyjnych. W College, Bourbon, w którym studiował, Paweł został przyjaciółmi z przyszłego słynnego pisarza Emila Zol. Paweł studiował prawo na University of Exce, ale nie ukończył kursu, zdecydowanie zdecydowanie poświęcić się do malowania.

Po krótkim badaniu w Szkole Sztuk Pięknych, ex-Prowansja Cesanne poszła do Paryża, gdzie spotkał Camiel Piserro, Pierre-Auguste Renoir, Claude Mona i Alfred Siseli. Wraz z nimi uczestniczył w pierwszej wystawie impresjonistów w 1874 roku w studiu fotograficznym Nadaru w Paryżu.

Prace Cezanny przenoszą odcisk wewnętrzny artysty. Są pełne wewnętrznej energii przyciągania i odpychania. Kontradekcje były pierwotnie specyficzne dla świata mentalnego artysty, a jego aspiracje artystyczne. Southern Temperament został połączony w życie gospodarstwa domowego Cezanna z Pinnacle i Ascetyzmem, Produktem - z próbami uwolnienia się od temperamentu tradycji religijnych. Ufny w jego geniuszu Cezanne był jednak zawsze obsesję na punkcie strachu przed faktem, że nie znalazł dokładnych środków wyrażania tego, co widział i chciał wyrazić na zdjęciu z obrazem malarskim. Zawsze mówi o niezdolności do "wdrożenia" własnej wizji, cały czas wątpił, że był w stanie to zrobić, a każdy nowy obraz stał się obojętnością i potwierdzeniem tego.

Dziewczyna fortepianowa (Uwertura do "Tangseyzera"). DOBRZE. 1868. Hermitaż, Petersburg

Bukiet kwiatów w niebieskim wazonie. 1873-1875. Hermitage, St. Petersburg

Most nad Marla w Creek (Marn Bank). 1888-1894. GMI ich. A. S. Pushkin, Moskwa

Palący. 1890-1892. Hermitage, St. Petersburg

Zamontować św. Wiktoria. 1897-1898. Hermitage, St. Petersburg

Vincent Vill Van Gogh (Notherl. Vincent Willem van Gogh, 30 marca 1853 r., Grotyn-Sunting, niedaleko Breda, Holandia - 29 lipca 1890 r., Over-sur-UZ, Francja) - Światowe holenderskie artysta Graduation.

W latach 1880, Van Gogh odwołał się do sztuki, odwiedził Akademię Sztuki w Brukseli (1880-1881) i Antwerpię (1885-1886), ciesząc się końcówkami malarza A. Mauwe w Hadze, z hobby, malowane kopalnie, chłopów , rzemieślnicy. W serii obrazów i etiudów w połowie lat 80-tych. ("Peasantkaya", 1885, Muzeum Kleler-Muller, Otterlo; "Etheries ziemniaczane", 1885, Muzeum Państwowe Vincent Van Gogh, Amsterdam), napisane w ciemnym malowniczym zasięgu oznaczonym bolesnym postrzeganiem ludzkich cierpieniach i uczuć depresji , Artysta odtworzył opresyjną atmosferę napięć psychologicznych.

W 1886-1888 Van Gogh mieszkał w Paryżu, odwiedził prestiżowe prywatne studio sztuki nauczyciela P. Kormon słynącego z całej Europy, studiował obraz impresjonizmu, japońskiego grawerowania, syntetyczne dzieła pola Gaugarenu. W tym okresie paleta Wan Gogha stała się lekką, ziemistym kołnierzem został zniknął, czystym niebieskim, złotym żółtym, czerwonym tonom, charakterystyczny dla niego dynamiczny, jakby jogging rozmaz (most nad Seine ", 1887, Muzeum Państwowe Vincent Vancent Van Gogh, Amsterdam; "Tato Tangi", 1887, Roden Museum, Paryż).

W 1888 r. Van Gogh przeniósł się do Arles, gdzie w końcu został określony przez oryginalność jego twórczy. Płonący temperament sztuki, bolesne pędzące do harmonii, piękna i szczęścia, a jednocześnie strach przed siłami wrogich człowieków, znajdź przykład wykonania południowych krajobrazów świecących przez farby przeciwsłoneczne ("zbiorów. Dolina La Cro", 1888, stan Muzeum Vincent Van Gogh, Amsterdam), potem w złowrogim, przypominającym koszmar obrazów ("Night Cafe", 1888, Museum of the Kleler-Muller, Otterlo); Dynamika koloru i rozmazu wypełnia życie duchowe i ruch nie tylko przyrody i zamieszkuje jej ludzi ("czerwone winnice w Arle", 1888, Muzeum Sztuk Pięknych o nazwie As Pushkin, Moskwa), ale także nieożywione przedmioty ( "Sypialnia Van Gogh w Arles, 1888, Vincent Van Gogh State Museum, Amsterdam). W ostatnim tygodniu swojego życia Van Gogh napisał swoje ostatnie i znane zdjęcie: pole zboża z koroną. Była dowodem tragicznej śmierci artysty.

Eugene Henri Paul Gaugugen (7 czerwca 1848 - 8 maja 1903) - francuski malarz, ceramika rzeźbiarz i harmonogram.

Wraz z Cezanne i Van Gogh był największym przedstawicielem Postresjonizmu.

Na początku lat 70. zaczął angażować się w malarstwo jako amator. Wczesny okres kreatywności (pod wpływem Pissarro) wiąże się z impresjonizmem. Od 1880 roku uczestniczył w wystawach impresjonistów. Od 1883 roku profesjonalny artysta.

Testowanie z dzieciństwa spędzonego w Peru (na matce matki), pragnienie egzotycznych miejsc i biorąc pod uwagę cywilizację "choroby", Gauguin, spragnienie "scalania z naturą", w 1891 r. Liście Tahiti, gdzie mieszkał w Papeete i gdzie on mieszkał w Papeete i gdzie on Pisze w 1892 r. Aż 80 płótnach. Po krótkim okresie (1893-1895) powrócić do Francji ze względu na chorobę i brak funduszy, opuszcza Oceanii na zawsze - pierwszy do Tahiti, a od 1901 roku, na wyspę Khiva OA (Markiza), gdzie Bierze siebie młodego tahitańskiego i działa w pełnej mocy: pisze krajobrazy, historie, prace dziennikarza. Na tej wyspie umiera. Pomimo chorób, ubóstwa i depresji, które przyniosły mu do próby samobójstwa, najlepsze dzieła Hogena napisały dokładnie tam. Obserwacja prawdziwego życia i życia Oceanii ludzie są w nich wollę z lokalnymi mitami.

Kobieta szycia (1880)

Żółty Chrystus (1889)

Kobieta z kwiatem (1891)

Duch martwych nie śpi (1892)

Czy jesteś zazdrosny? (1892)

Zabawa zły duch (1894)

Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy? (1897-1898)

Więcej nigdy (1897)

Francois Auguste Rene Roden (François-Auguste-René Rodin) (12 listopada 1840 - 17 listopada 1917) - słynny francuski rzeźbiarz, jeden z założycieli impresjonizmu w rzeźbie.

Auguste Roden urodził się w Paryżu. Studiował w Paryżu Szkoły Rysowania i Matematyki, zapisując się tam, wbrew życzenia Ojca, a Antoine Bari w Muzeum Historii Naturalnej.

W 1864 roku pierwsza praca Rodna - "złamany nos" był odrzucony w Salonie Paris, gdy ścigał wyzwanie dla kanonów akademickich piękna. Roden nie został również przyjęty do szkoły Sztuk Pięknych, a od 1864 do 1870 r. Pracował w warsztacie A.Karie-Belleza podczas Surowej Manufologii, zdobywając stworzenie dekoracyjnej rzeźby.

rzeźba "myśliciel"

"Obywatele Kale". Roden Museum w Filadelfii

Statua Honor De Balzac. Roden Museum w Filadelfii

"Gate Hell" Muzeum Rodin w Filadelfii

Człowiek ze złamanym nosem. Roden Museum w Filadelfii

Theophile-Aleksander Steinlen (fr. Théople-Alexandre Steinlen; Listopad 10, 1859, Lozanna - 14 grudnia 1923 r., Paryż) - artysta francuski i szwajcarski, harmonogram i ilustrator, pracujący zarówno w stylu realistycznym, jak i nowoczesnym stylu.

T.-A. Steinlen stał się sławny dzięki swoim PARIS Plakaty utworzone przez około 1900 r., Jego sceny z nocnego życia Montmartre i oczywiście jego "Cat" obraz i wykres, który sprawił, że nazwa. Inne krawędzie talentu artysty są mniej znane: jego malarstwo, rzeźba i grafika poświęcona wydarzeniom pierwszej wojny światowej, zwłaszcza wydarzeń w Serbii i Belgii. Steinlen był samodzielny, a jednak dziedzic do bogatych tradycji artystycznych. Jego prace odczuwają wpływ kreatywności Delacra, Domiego, Dore i Człowieka. To rozprzestrzenianie się i popularność Steinlen miała prace w Paryżu w czasie Belle Epoque, wykonał artystę przez centralną postać w europejskiej artystce początku XX wieku; Stali się źródłem inspiracji dla licznych mistrzów awangardowych, w tym Picasso

Aristide Brian: à la Villette

Anatole Francja.

Suzanna Valadon.

Georges Khorutlen: Une Canaille

Zapisz Serbię!

Pij gotowane mleko!

Książka Książka Eugene Buçe "My Life, My Love, My Adventures" Działa Steinlen

Stock Illustration Le Gil Blas Gazeta