La storia di un capolavoro: "Il ritratto degli Arnolfini" di Jan van Eyck. Jan van Eyck - biografia e dipinti dell'artista nel genere del Rinascimento settentrionale - Art Challenge

Complotto

Il fascino principale dell'immagine è che non possiamo dire con assoluta certezza chi è raffigurato su di essa e in quali circostanze. Se non si entra nei dettagli delle indagini svolte da numerosi critici d'arte, la versione principale, che ha più sostenitori, è che Jan van Eyck ritrasse il mercante Giovanni di Nicolao Arnolfini con sua moglie.

"Ritratto della coppia Arnolfini". (wikipedia.org)

Inoltre, non sappiamo quale momento della vita della coppia venga catturato. Secondo una versione, - matrimonio: Giovanni incrociò le dita come avveniva durante il giuramento; nel riflesso dello specchio sul muro, ne sono visibili due: testimoni della cerimonia; l'uomo e la donna sono vestiti festosamente e riccamente.

Secondo un'altra versione, il ritratto è stato dipinto dopo la morte della donna. Giovanni di Nicolao sposò la tredicenne Costanza Trenta nel 1426. La madre Bartolomeo, in una lettera del 26 febbraio 1433, indirizzata a Lorenzo Medici, informa della morte di Costanza. La candela spenta nel lampadario sopra la donna è interpretata come un'ulteriore prova che il dipinto è stato dipinto dopo la morte della donna.

Gli oppositori dell'ipotesi che il dipinto raffiguri un matrimonio indicano che gli eroi hanno anelli alle mani sbagliate e alle dita sbagliate. Inoltre, una stretta di mano non è tipica delle cerimonie nuziali.

A proposito, c'è un'ipotesi che nella foto van Eyck si sia raffigurato con sua moglie Margarita. A favore di ciò, i ricercatori indicano la somiglianza del ritratto della donna raffigurata e della moglie dell'artista, così come la statuetta di Santa Margherita (raffigurata sopra il letto) - presumibilmente accenna al nome dell'eroina. Inoltre, la moglie di van Eyck ha partorito nello stesso anno in cui è stata dipinta la tela.

Gli eroi sono riccamente vestiti, ultima moda Nord Europa, che nel secondo quarto del XV secolo si distingueva per una discreta dose di stravaganza. Prendi, ad esempio, i cappelli. Inutile dire che la bellezza è una forza terribile.

Sembra che la donna sia incinta: l'addome è ingrossato, è in piedi con il corpo inclinato all'indietro e la mano sul ventre. Tuttavia, se guardi le donne in altri ritratti di quel tempo, sembrerà che se non ciascuna, la metà di loro sia incinta. Allora era di moda mettersi in posa, inclinando il corpo all'indietro e portando lo stomaco in avanti - la cosiddetta curva gotica. E la mano che giace sullo stomaco può essere un simbolo del principio femminile.

Gli eroi sono raffigurati in abiti festosi, ma in un interno semplice. Quest'ultimo è stato molto probabilmente inventato da van Eyck: lo ha raccolto da frammenti visti in altre case e inventato da lui stesso. Il risultato è uno spazio pieno di simboli.

Un cane è un segno di benessere, un simbolo di lealtà e devozione. I frutti (secondo una versione, le arance, secondo l'altra - le mele) possono parlare sia della ricchezza della famiglia che simboleggiare la purezza e l'innocenza. Cherry fuori dalla finestra - un desiderio di fertilità nel matrimonio. L'alcova rossa a destra è simbolo della camera nuziale e attributo classico delle scene dell'Annunciazione, della Natività di Cristo e della Natività della Vergine. La donna sta vicino al letto, il che sottolinea il suo ruolo di custode del focolare. L'uomo è raffigurato alla finestra aperta, che parla della sua connessione con il mondo esterno.

La coppia è rappresentante di una borghesia benestante, come dimostrano i loro vestiti. Un vestito con uno strascico così impressionante era impossibile da indossare senza aiuto.

Contesto

Gli Arnolfini erano una grande famiglia di mercanti e banchieri, che all'epoca aveva una filiale a Bruges. E van Eyck, che viveva al tempo del dipinto, nella stessa città, avrebbe potuto benissimo ricevere questo ordine. E poteva darlo lui stesso per amicizia. I borghesi benestanti e un artista avrebbero potuto essere amici.

La precisione quasi fotografica è il risultato di esperimenti con strumenti ottici. Presumibilmente, van Eyck, con l'aiuto di uno specchio concavo, ha tracciato proiezioni invertite degli oggetti raffigurati sulla base del dipinto o addirittura applicando vernice sulla proiezione. Questa ipotesi ha sia sostenitori (che indicano errori di prospettiva) sia oppositori (i quali notano che a quel tempo era estremamente difficile trovare un dispositivo ottico del diametro richiesto).

Domenico Lampsonio. Ritratto di Jan van Eyck. (wikipedia.org)

Il realismo è supportato anche dalla tecnologia. Van Eyck lavorava con il petrolio, che era un'innovazione per il suo tempo. A causa delle proprietà dei colori ad olio, puoi applicare diversi strati e, insieme al gioco di luci e ombre, creare l'illusione dello spazio tridimensionale.

Van Eyck è stato quasi il primo a firmare il suo dipinto. È vero, anche qui c'erano dei misteri. Innanzitutto, la firma è indicata non modestamente nell'angolo inferiore, ma in un punto ben visibile tra il lampadario e lo specchio. Invece della classica frase "la tela è stata dipinta da quello", l'artista ha scritto "Jan van Eyck era qui", rafforzando la versione che è uno dei testimoni raffigurati nel riflesso dello specchio.

Il destino dell'artista

La data di nascita esatta di Jan van Eyck è sconosciuta. Presumibilmente, nacque nel nord dell'Olanda alla fine del XIV secolo. Suo fratello gli insegnò come tenere un pennello in mano e le basi dell'artigianato artistico. Quando venne il momento di guadagnarsi il pane, Jan andò a L'Aia, dove iniziò a costruire una carriera alla corte dei conti. Devo dire che è stato molto apprezzato e non si è seduto senza ordini. Tra il 1425 e il 1430, van Eyck viaggiò molto in Europa, incontrò i colleghi nel negozio, come si suol dire. Dopo essersi abituato alla comunità culturale europea, van Eyck si stabilì a Bruges, dove trascorse il resto dei suoi giorni.

"Ritratto della coppia Arnolfini" è una delle opere più replicate dell'artista. Tuttavia, l'altra sua creazione è chiamata grande: l'altare di Gand. Immagina la scala: 24 pannelli, su di essi - 258 cifre, l'altezza massima è di 3,5 metri, la larghezza quando è aperta è di 5 metri. E tutto riguarda il culto, apostoli, profeti, antenati, martiri e santi all'Agnello, che simboleggiano Cristo.

Van Eyck Jan(circa 1390-1441), pittore olandese. Uno dei pionieri dell'arte Primo Rinascimento In Olanda."Maggior parte capo artista il nostro secolo ”- così fu chiamato Jan van Eyck dal suo contemporaneo più giovane, l'umanista italiano Bartolomeo Fazio. La stessa entusiastica valutazione è stata data dopo un secolo e mezzo pittore olandese e biografo degli artisti olandesi Karel van Mander: “Ciò che né i Greci, né i Romani, né altri popoli furono portati a realizzare, nonostante tutti i loro sforzi, successe il famoso Jan van Eyck, che nacque sulle rive del bel fiume Mosa, che ora può sfidare il primato della palma con l'Arno, il Po e il fiero Tevere, poiché sulla sua sponda sorse un tale luminare che anche l'Italia, terra delle arti, rimase stupita dal suo splendore. ”Pochissime informazioni documentarie hanno sopravvissuto alla vita e all'opera dell'artista. Jan van Eyck nacque a Maaseik tra il 1390 e il 1400. Nel 1422, Van Eyck entrò al servizio di Giovanni di Baviera, sovrano di Olanda, Zelanda e Genegau. Per lui l'artista lavorò per il palazzo dell'Aia e dal 1425 al 1429 fu pittore di corte del duca di Borgogna Filippo il Buono a Lille. Il Duca apprezzava Jan come intelligente, persona istruita, nelle parole del duca, "senza pari nell'arte e nella conoscenza". Spesso Jan van Eyck, su indicazione di Filippo il Buono, svolse complessi incarichi diplomatici.Le informazioni riportate dai cronisti dell'epoca parlano dell'artista come di una persona versatile e dotata. Il già citato Bartolomeo Fazio scrisse nel "Libro degli uomini famosi" che Jan si occupava con entusiasmo di geometria, creò una sorta di cartina geografica... Gli esperimenti dell'artista nel campo della tecnologia della pittura ad olio parlano di conoscenze in chimica. I suoi dipinti dimostrano una profonda conoscenza del mondo delle piante e dei fiori.Ci sono molte ambiguità in biografia creativa Yana. La cosa principale è il rapporto di Jan con suo fratello maggiore Hubert van Eyck, con il quale ha studiato e con il quale ha eseguito numerosi lavori. Ci sono controversie sui singoli dipinti dell'artista: sul loro contenuto, sulla tecnica pittorica.Il lavoro di Jan e Hubert van Eyck deve molto all'arte degli illustratori dei fratelli Limburg e del maestro dell'altare Melchior Bruderlam, che lavorò alla corte borgognona all'inizio del XV secolo nello stile della pittura di Sion del XIV secolo. Yang ha sviluppato questo stile, creando sulla sua base nuovo stile più realistico e individuale, preannunciando una svolta decisiva nella pittura d'altare nel Nord Europa.Con ogni probabilità, Jan ha iniziato la sua carriera con la miniatura. Alcuni ricercatori ne attribuiscono diversi migliori fogli("Il servizio funebre" e "La presa in custodia di Cristo", 1415-1417), il cosiddetto libro d'ore Torino-Milano, eseguito per il duca di Berry. Uno di questi raffigura San Giuliano e Santa Marta che trasportano Cristo attraverso il fiume. Vere immagini di vari fenomeni della realtà sono state trovate nelle miniature olandesi anche prima di van Eyck, ma prima nessun artista sapeva come combinare singoli elementi con tale arte in immagine olistica... Van Eyck è anche accreditato con la paternità di alcuni dei primi altari, come la Crocifissione.Nel 1431, van Eyck si stabilì a Bruges, dove divenne pittore di corte e artista della città. Un anno dopo, l'artista completò il suo capolavoro: la Pala di Gand, un grande polittico composto da 12 porte in quercia. Suo fratello maggiore iniziò a lavorare all'altare, ma Hubert morì nel 1426 e Jan continuò il suo lavoro.

Madonna del Cancelliere Rolen 1435, Museo del Louvre, Parigi Madonna del Cancelliere Rolen (1435) - uno dei i migliori lavori maestro. “Le pietre brillano, il broccato brilla di colori e ogni peluria e ogni ruga sul viso sono irresistibili. Quanto espressive, quanto significative sono le fattezze del Cancelliere di Borgogna inginocchiato! Cosa c'è di più magnifico dei suoi paramenti? Sembra che tu stia toccando questo oro e questo broccato, e l'immagine stessa ti appare davanti come un gioiello o come un maestoso monumento. Non per niente alla corte borgognona, tali dipinti erano custoditi nei tesori accanto a cofanetti d'oro, libri d'ore con miniature scintillanti e preziose reliquie. Sbircia nei capelli della Madonna: cosa al mondo potrebbe essere più morbido di quello? Nella corona che l'angelo tiene su di lei - come risplende nell'ombra! E dietro le figure principali e dietro un sottile colonnato c'è un fiume che esce in un'ansa e una città medievale, dove l'incredibile dipinto di Vaneik ​​risplende in ogni dettaglio”.

" Madonna del Cancelliere Rolen", dettagli

L'artista è ugualmente interessato sia all'uomo in tutta la sua individualità unica che al mondo che lo circonda. Nelle sue composizioni, ritratti, paesaggi, interni e nature morte appaiono come uguali e formano un'unità armoniosa. L'estrema cura e allo stesso tempo la generalizzazione della pittura rivelano il valore intrinseco e la bellezza di ogni oggetto che acquista peso e volume reali nell'opera di van Eyck, la caratteristica tessitura della superficie. I dettagli e il tutto sono in un rapporto organico: elementi architettonici, arredi, piante fiorite, tessuti lussuosi, per così dire decorati con pietre preziose, incarnano le particelle dell'infinita bellezza dell'universo: il paesaggio panoramico pieno di luce e di aria nella "Madonna del Cancelliere Rolen" è percepito come immagine collettiva L'universo.

Ritratto della coppia Arnolfini 1434, National Gallery, Londra.Il doppio "Ritratto degli Arnolfini" (1434), insieme alla Pala di Gand, è l'opera più importante di van Eyck. In base alla progettazione, non ha analoghi nel XV secolo. Un mercante italiano, rappresentante della banca medicea di Bruges, è raffigurato in una camera matrimoniale con la giovane moglie Giovanna Chenami.

Madonna col Bambino, 1433

Lucca Madonna , 1430, Stadel Institute of the Arts, Francoforte sul Meno

Madonna canon van der Palais 1436, Pinacoteca, Bruges

Stigmatizzare San Francesco 1429 Questo piccolo dipinto fu dipinto in Spagna 1428-29.
Esiste una copia successiva (1450 circa) nella Galleria Sabauda, ​​Torino, Italia.Ritiratosi sul monte Alverna nel 1224, Francesco una volta, mentre era in preghiera, ebbe una visione che, secondo Thomas Chelansky, rappresentava un uomo come Serafino con sei ali, le sue braccia erano distese e le sue gambe erano "a forma di croce". Contemplando ciò, Francesco scoprì i segni delle piaghe di Cristo che apparivano sul suo corpo (sulle braccia, sulle gambe e sul petto) e che rimasero su di lui fino alla morte, avvenuta due anni dopo..

Madonna con un certosino

Altare della Vergine Maria 1437

Il pannello centrale della piccola pala rappresenta la Madonna col Bambino in chiesa, il pannello sinistro raffigura San Giorgio e il donatore (colui che ha ordinato il trittico), il pannello destro - Santa Caterina. L'Annunciazione è raffigurata chiusa sulle ante del trittico.

Madonna col Bambino, 1439

Jan van Eyck è stato anche un notevole innovatore nel campo della ritrattistica. Fu il primo a sostituire il tipo a petto con un tipo a cintura e introdusse anche un giro di tre quarti. Ha posto le basi per quel metodo del ritratto, quando l'artista si concentra sull'aspetto di una persona e vede in lui una personalità definita e unica. Esempi sono Timothy (1432), Ritratto di un uomo con un cappello rosso (1433), Ritratto di sua moglie, Marguerite van Eyck (1439), Ritratto di Baudouin de Lannoy.

Ritratto di un uomo in turbante, 1433 (secondo una versione - un autoritratto dell'artista)

Ritratto della moglie Margrethe van Eyck, 1439

Ritratto del cardinale Albergati, 1432

Ritratto di Baldovino de Lanoy, 1435

Timofey 1420

Ritratto di uomo di Garofano 1435

Ritratto di Jan de Leeuw 1436

Ritratto di Giovanni Arnolfini 1435

Ritratto di un gioielliere (Uomo con un anello) 1430

Santa Barbara 1437, olio su tavola, 31 x 18 ccm Museo Reale di Belle Arti 1437, Anversa

Quest'opera è oggetto di un lungo dibattito tra studiosi che non sono giunti a un'opinione comune se si tratti di un disegno completo o di un dipinto non scritto. Il disegno argenteo è stato realizzato con il pennello più fine su una tavola preparata (sembra marmo) inserita nella cornice dell'autore con la scritta: "John van Eyck mi fece nel 1437". Alle spalle di una bella vergine seduta su un colle con in mano un libro e un ramo di palma della martire, si sta costruendo una torre, suo attributo, ma interpretata da van Eyck in chiave di genere con l'immagine di un massa di episodi di travaglio.

San Girolamo

Madonna in chiesa 1422-1425

Non più tardi del 1426 fu scritto “ Madonna in chiesa"- uno dei primi lavori di Van Eyck. Come la maggior parte delle sue opere, l'immagine sembra risplendere dall'interno, dando origine a una sensazione di gioia sublime. Questo straordinario effetto di bagliore interno è stato ottenuto mediante l'applicazione strato per strato di pittura ad olio su un primer di gesso bianco, accuratamente levigato e verniciato. La composizione asimmetrica, insolita per Van Eyck, è spiegata dal fatto che si tratta dell'ala sinistra del dittico. L'altra ala è andata perduta, ma copie di quell'epoca lo confermano.

Annunciazione1420

Annunciazione 1435

Questi due pannelli mostrano " Crocifissione" e " L'ultimo giudizio ". Si presume che i pannelli fossero le ali di un trittico, il cui gruppo centrale è perduto. Tuttavia, secondo i temi dei dipinti, è impossibile dire se fosse originariamente concepito come un dittico o un trittico. Questi due piccoli quadri si possono osservare a lungo e con interesse.Ogni particolare è scritto con cura e minuzia. - dal paesaggio alpino, corpo sottile Cristo e sentimenti sui volti delle persone prima delle scene dell'Inferno e del Paradiso Le iscrizioni nella parte superiore dei pannelli sono detti della Bibbia.

applique tya Jan e Hubert van Eyck La pala d'altare di Gand arrotolata con le persiane chiuse

Van Eyck è stato a lungo considerato l'inventore dei colori ad olio. Tuttavia, in realtà, li ha solo migliorati. La ricetta per realizzare i colori scoperta dall'artista si rivelò così vincente che ben presto la pittura ad olio si affermò saldamente nell'arte olandese, e successivamente si diffuse in tutta Europa, occupando una posizione dominante in pittura europea e continuando così fine XIX v. Benchè Dipinti ad olio erano già in uso nel XIV secolo, ma van Eyck, con ogni probabilità, creò una nuova miscela di colori, possibilmente tempera con olio, grazie alla quale ottenne una luminosità senza precedenti, così come la vernice, che dona al quadro impenetrabilità e lucentezza. Fu uno dei primi a padroneggiare le possibilità plastiche. pittura ad olio utilizzando strati di vernice sottili e traslucidi, sovrapposti (modo fiammingo di scrittura traslucida a più strati). Questa miscela ha anche permesso di ammorbidire e sfumare i colori. Nell'arte di van Eyck, la nuova tecnica fungeva da composizione eccezionalmente ponderata, consentendo di trasmettere l'unità dello spazio. L'artista possedeva un'immagine prospettica e, combinandola con la trasmissione della luce, creava un effetto plastico, prima irraggiungibile.Van Eyck è considerato uno degli artisti più significativi del suo tempo. Gettò le basi per una nuova visione del mondo, il cui impatto si estende ben oltre la sua epoca.L'artista morì a Bruges nel 1441. Nell'epitaffio di van Eyck è scritto: “Qui giace Giovanni, glorioso per le sue straordinarie virtù, in cui era stupefacente il suo amore per la pittura; dipinse immagini di persone che respirano con la vita, e la terra con erbe fiorite, e tutti gli esseri viventi che glorificò con la sua arte ... "

(circa 1390 - 1441)

Con l'opera di Jan van Eyck, pittore olandese del XV secolo, la formazione dei principi del Rinascimento in Europa settentrionale... Superando le tradizioni dell'arte medievale, si affidava a un'osservazione viva della realtà, si sforzava di una riproduzione oggettiva della vita. Lontano dallo sviluppo scientifico dei problemi della prospettiva e dell'anatomia, non conoscendo l'eredità antica, questo artista, a differenza dei maestri italiani, si affidava maggiormente alla propria esperienza. Ha studiato da vicino la struttura mondo oggettivo catturare le peculiarità di ogni soggetto, paesaggio o ambiente interno. significato speciale l'artista ha dato l'immagine di una persona, ha cercato di trasmettere l'aspetto unico di ciascuno dei personaggi nei suoi dipinti.

Le opere di Jan van Eyck si distinguono per la saturazione del colore, i dettagli accurati, quasi simili a gioielli, e l'organizzazione sicura di una composizione integrale. La tradizione associa anche il nome dell'artista al miglioramento della tecnica della pittura a olio: l'applicazione ripetuta di strati sottili e trasparenti di colori, che consente di ottenere un'elevata intensità di ciascun colore.

L'artista studiò con il fratello maggiore Hubert, con il quale lavorò all'esecuzione della famosa Pala d'altare di Gand (1426 - 1432, Cattedrale di San Bavone, Gand). Ma se nei dipinti realizzati da Hubert c'è ancora un legame tangibile con la tradizione medievale, allora Jan cerca qualcosa di nuovo: interpreta i soggetti religiosi come immagini concrete della realtà. Ogni motivo del mondo vivo e visivo, bello e variopinto, gli è prezioso. Nelle miniature del Libro d'Ore Torino-Milanese, l'artista dipinge magistralmente paesaggi pieni d'aria e di luce. Le tendenze realistiche dell'arte di Jan van Eyck si manifestarono in modo particolarmente vivido nel campo della ritrattistica, che a quel tempo si stava formando in un genere indipendente. La cosa principale per l'artista è il mondo spirituale di una persona, il carattere individuale del modello. Uno dei capolavori dell'opera ritrattistica di Jan van Eyck è Il ritratto della coppia Arnolfini (1434, National Gallery, Londra). Per la prima volta nella storia di un ritratto europeo, a ritratto compagno... L'artista rappresenta l'eminente mercante italiano con la moglie sullo sfondo del soggiorno. Trasmette con cura l'intera atmosfera della villa borghese, ogni dettaglio. La luce soffusa riempie l'interno. Nelle stesse figure, mostrate in altezza, c'è molta voluta rappresentatività, ma allo stesso tempo il vivo, il reale assume il carattere individuale delle persone raffigurate. In questo, come in altri ritratti di Jan van Eyck, si incarnava una nuova idea di una persona, del suo posto nel mondo.

La creatività di questo artista eccezionale, che segnò l'inizio della tradizione realistica pittura olandese, - una pagina luminosa nella storia dell'arte mondiale.

- (Eusk), pittore olandese; vedi Van Eyck Yang. (Fonte: "Enciclopedia dell'arte popolare". Enciclopedia dell'arte

Ci sono articoli su Wikipedia su altre persone con questo cognome, vedi Eyck. Jacob van Eyck Nome e cognome netherl. Jacob van Eyck Data di nascita 1590 (1590) ... Wikipedia

Eyck Jan van (c. 1390 ≈ 1441), pittore olandese; vedi Van Eyck I... Grande Enciclopedia Sovietica

Domenico Lampsonio. Ritratto di Jan van Eyck Jan van Eyck (anziano) (Olandese Jan van Eyck, c. 1385 o 1390 1441) Pittore fiammingo del primo Rinascimento, maestro del ritratto, autore di oltre 100 composizioni a soggetto religioso, uno dei primi pittori , ... ... Wikipedia

Eyck, Jan van- (Eyck, Jan van) Ok. 1390, Maaseik, vicino a Maastricht 1441, Bruges. pittore olandese. Il fondatore dello stile del primo Rinascimento nella pittura del Rinascimento settentrionale. Ha studiato, forse, con suo fratello maggiore Hubert van Eyck. Pittore di corte ... ... Arte europea: pittura. Scultura. Grafica: Enciclopedia

Eyck (tedesco Eick, olandese Eijk, Eyck)) cognome. Supporti notevoli: Pittori Eyck, Hubert van (1370 1426) Pittore fiammingo, fratello maggiore di Jan van Eyck. Eyck, Jan van (1385 o 1390 1441) Pittore fiammingo dei primi ... ... Wikipedia

Yang, vedi Eik Yang van. (Fonte: "Art. Modern Illustrated Encyclopedia." A cura del Prof. AP Gorkin; Mosca: Rosmen; 2007.) ... Enciclopedia dell'arte

Vedi Van Eyck... Grande dizionario enciclopedico

- (eyck) Jan van (c. 1390, Maaseik, vicino a Maastricht - 1441, Bruges), artista olandese, uno dei fondatori dell'arte rinascimentale settentrionale. Ha studiato, forse, con suo fratello maggiore Hubert. Condividere il patrimonio artistico dei fratelli è... ... Enciclopedia dell'arte

libri

• Jan van Eyck,. Offriamo agli amanti dell'arte una selezione di immagini degli otto migliori dipinti di artisti famosi che hanno fatto la gloria della pittura mondiale. Eseguiti ad alto livello poligrafico, diventeranno ...
• Jan van Eyck. Album,. L'album contiene 22 dipinti di Jan van Eyck. Il grande artista olandese Jan van Eyck è stato all'origine dell'emergere della pittura nazionale. Le sue creazioni e ritratti religiosi ...

Il pittore olandese Jan van Eyck

introduzione

Van Eyck Jan (circa 1390-1441), pittore olandese. Il principale rappresentante e uno dei fondatori dell'arte del primo Rinascimento nei Paesi Bassi. Nel 1422-24 lavorò alla decorazione del castello del conte a L'Aia, dal 1425 fu pittore di corte del duca di Borgogna Filippo il Buono. Nel 1427 visitò la Spagna, nel 1428-29 il Portogallo. Intorno al 1430 si stabilì a Bruges.

Maggior parte grande lavoro Van Eyck - il famoso "Altare di Gand" (polittico nella Cattedrale di San Bavone a Gand). Secondo l'iscrizione successiva sull'altare, il pittore Hubert van Eyck iniziò e si laureò nel 1432 Jan (Hubert, il fratello maggiore di Jan, lavorò negli anni 1420 a Gand, dove morì nel 1426).

La questione dell'opera di Hubert van Eyck e della sua partecipazione ai lavori sull'"altare di Gand" rimane controversa. Secondo la maggior parte degli studiosi, Hubert potrebbe iniziare a lavorare solo sulle parti centrali dell'altare, ma in generale l'altare è stato realizzato da Jan Van Eyck. Nonostante la presenza di elementi arcaici in alcune scene, l'"altare di Gand" apre una nuova era nella storia dell'arte olandese. Il simbolismo religioso si trasforma in lui in immagini concrete, vitali, convincenti e tangibili. Le figure nude di Adamo ed Eva sono raffigurate sull'altare con eccezionale audacia realistica e disadorna verità; le figure di angeli che cantano e suonano sui pannelli laterali si distinguono per la loro tangibilità volumetrica e plastica; gli sfondi paesaggistici nelle scene di adorazione dell'Agnello si distinguono per la sottile poesia e l'abilità nel trasmettere lo spazio e l'ambiente luminoso e arioso.

L'apice dell'opera di Van Eyck sono le monumentali composizioni d'altare (Madonna del Cancelliere Rolen, 1436 circa, Louvre; Madonna del Canon van der Palais, 1436, Pinacoteca comunale, Bruges). Sviluppando e arricchendo le conquiste dei suoi predecessori (R. Kampen e altri), Van Eyck trasforma la tradizionale scena del culto della divinità in un'immagine maestosa e colorata del mondo visibile e reale, piena di calma contemplazione. Van Eyck è ugualmente interessato sia all'uomo in tutta la sua individualità unica che al mondo che lo circonda. Nelle composizioni di Van Eyck, i ritratti, i paesaggi, gli interni e le nature morte giocano un ruolo essenziale e paritario. Estrema cura e al tempo stesso audace generalizzazione della pittura rivelano le peculiarità e la bellezza di ogni oggetto, che acquista peso e volume reali, la caratteristica tessitura della superficie. Dettagli e tutto sono in rapporto organico: dettagli architettonici, arredi, piante fiorite, pietre preziose e tessuti che adornano le vesti della Madre di Dio e le figure che la adorano, come se incarnassero una particella dell'infinita bellezza dell'universo; Il paesaggio panoramico pieno di luce e aria nella Madonna del Cancelliere Rolen è percepito come un'immagine collettiva armoniosa dell'Universo.

L'arte di Van Eyck è intrisa di una profonda comprensione delle leggi logiche di tutto ciò che esiste, la cui espressione è una costruzione naturale rigorosa, ponderata e allo stesso tempo vitale della composizione, piena di un sottile senso di proporzionalità spaziale. Soluzione posta da Van Eyck problemi creativi richiesto lo sviluppo di nuovi mezzi artistici.

Van Eyck è stato uno dei primi a padroneggiare la plastica e possibilità espressive pittura ad olio, utilizzando sottili strati di vernice trasparente, sovrapposti (la cosiddetta maniera fiamminga di scrittura trasparente multistrato). Questo metodo pittorico ha permesso a Van Eyck di ottenere un'eccezionale profondità, ricchezza e luminosità del colore, nonché la sottigliezza dei tagli e delle transizioni colorate. I toni sonori, intensi e puliti dei colori nei dipinti di Van Eyck sono, per così dire, permeati di aria e luce e sono uniti in un unico insieme armonioso colorato. Le scoperte pittoriche di Van Eyck hanno svolto un ruolo importante nella storia della pittura mondiale.

Van Eyck è stato uno dei primi grandi maestri in Europa ritratto dipinto... Nell'opera di Van Eyck, il ritratto si è distinto come genere indipendente. Nei ritratti a busto realizzati da Van Eyck (solitamente divaricati di tre quarti), caratterizzati da rigorosa semplicità e raffinatezza di mezzi (Timothy, 1432, The Man in the Red Headdress, 1433, entrambi alla National Gallery, Londra; ritratto del moglie dell'artista Margaret Van Eyck, 1439, Galleria d'arte municipale, Bruges), il trasferimento imparziale e accurato delle caratteristiche esterne di una persona è subordinato alla rivelazione acuta e perspicace delle caratteristiche principali del suo personaggio. Immagini di ritratto artista riflettono una profonda consapevolezza della dignità e del valore della persona umana. Van Eyck realizzò il primo ritratto di coppia nella pittura europea, raffigurante il mercante G. Arnolfini con la moglie al centro di una piccola stanza borghese piena di luce soffusa e comfort (1434, National Gallery, Londra).

Il lavoro di Van Eyck, basato in gran parte su credenze religiose, rifletteva allo stesso tempo la consapevolezza della bellezza, della diversità e del valore della vita reale e serviva in molti modi come punto di partenza per lo sviluppo del realismo nella storia della pittura europea. Ha in gran parte definito i percorsi ulteriori sviluppi La pittura olandese, la gamma dei suoi interessi e dei suoi problemi. La potente influenza dell'arte di Van Eyck fu vissuta non solo dagli olandesi, ma anche dai maestri italiani (Antonello da Messina e altri).

Biografia

"L'artista più importante del nostro secolo" - il cosiddetto Jan van Eyck<#"justify">Fatti interessanti

· Nella storia dell'arte "Ritratto della coppia Arnolfini"<#"justify">Dato che fino al XV secolo non era consuetudine firmare i propri quadri.

Ci sono diverse teorie che cercano di spiegare l'improvviso passaggio al realismo<#"justify">Composizione di lirismo del pittore di Eyck

Descrizione dei dipinti

Una delle fasi dell'evoluzione del ritratto del lavoro di Jan van Eyck è il cosiddetto ritratto di "Timofey". Altrimenti, questa immagine si chiama "Ritratto di un giovane". Il dipinto fu dipinto dall'artista nel 1432 ad olio su tavola. Questa è un'immagine a mezzo busto di una persona brutta e tranquilla che guarda nel vuoto, priva di un'espressione definita. Tuttavia, la durata, la purezza, la premura e la non fissità di questo sguardo fanno sentire che la persona ritratta è piena di modestia e pietà, sinceramente aperta al mondo. Lo sguardo di Timothy stabilisce una certa relazione tra lui e il mondo esterno. È duplice; possiamo dire che il mondo esterno, penetrando attraverso gli occhi di Timoteo, si trasforma in una nuova qualità - nella sfera interiore dell'uomo. E allo stesso tempo, come un raggio catturato in un altro mezzo e da esso rifratto, non perde la sua natura. La visione di Timothy afferma sia il coinvolgimento del suo universo che la presenza in esso di una profonda vita spirituale. Non sappiamo nulla di preciso su di lei, ma la sentiamo, e non è un caso che gli occhi nei ritratti di van Eyck abbiano spesso una sfumatura di mistero insolubile per lo spettatore.

Nel dipinto di van Eyck, un ritratto di un uomo in turbante, eseguito nel 1433 (Londra, National Gallery), l'espressione del suo volto si fa più attiva. La persona ritratta è vicina al bordo dell'immagine, i suoi occhi sono rivolti a noi (anche se è ancora impossibile dire che ti stia guardando). Il suo sguardo, più intento di quello di Timoteo, ha un certo sapore di amarezza, cioè il suo colorito emotivo è più specifico. In questi ritratti non c'è né una caratteristica sviluppata, né certa movimenti mentali... Sono sostituiti da una contemplazione prolungata e senza tempo. E la contemplazione per van Eyck non è una proprietà individuale di un modello. Per lui è piuttosto una qualità che determina il posto di una persona nel mondo (come per i ritratti italiani, tale qualità era la capacità di agire, di manifestare attivamente la propria energia interiore). E l'inizio dell'individuo nei ritratti di van Eyck si riflette esclusivamente nel modo in cui una persona contempla il mondo, come si rivolge al mondo. In realtà, il valore di una persona sta per van Eyck nella capacità di sentire la sua connessione indissolubile, la fusione con il mondo. Lo stato generale con questo tipo di percezione è uno: una sorta di cupa tristezza. Ma è vano speculare sul suo contenuto specifico. Ci è stato dato solo di sapere che Timofey guarda al mondo con una tranquilla riflessione lirica, e l'uomo con il turbante è più secco e più amaro. L'orientamento psicologico in entrambi i casi è lo stesso, ma il suo tono, la sua colorazione emotiva è diverso.

Nel 1434, Jan van Eyck dipinse un ritratto, solitamente considerato raffigurante un mercante italiano di Lucca, rappresentante degli interessi della casa dei Medici a Bruges, Giovanni Arnolfini e sua moglie Joanna (Londra, National Gallery). Questo ritratto non solo cattura entrambi gli Arnolfini, ma li rappresenta anche in una certa trama e situazione quotidiana: il maestro ha raffigurato il momento delle nozze. Gli sposi sono nella stanza. Giovanni Arnolfini tiene per mano Joanna (o Giovanna) Chenani, la sua giovane sposa. Un cagnolino, pantofole, frutta sul davanzale, una candela, un rosario appeso a un chiodo, assi del pavimento e un tappeto: tutto è scritto con precisione da gioielleria. Forse il dipinto è stato commissionato dall'artista per perpetuare questo felice unione e, come un testimone a una cerimonia di matrimonio, firmò sulla parete di fondo: Johannes de Eyk fuit hic (Jan van Eyck era qui). Nello specchio sotto l'iscrizione si riflettono di spalle una coppia di sposini e una terza figura, presumibilmente un artista, testimone dell'evento. L'immagine di Giovanni è interpretata in modo simile ai ritratti di Timoteo e di un uomo in turbante. Ma il maestro abbassò lo sguardo - e non si allontana più nello spazio. Il mondo spirituale, per così dire, è chiuso nella persona stessa e brilla già di luce propria, e non della luce riflessa dell'universo. Van Eyck non elenca le caratteristiche della persona ritratta. Ma sembra obbedire al suo modello, lo scrive in un "personaggio" che gli corrisponde, e lo stile pittorico colpisce con fredda e brillante sicurezza, inusuale per van Eyck, ma così corrispondente all'essenza di Arnolfini. Con un'osservazione acuta e attenta, nota tempie strette e infossate, un mento tagliato da labbra incavate e un po' storte e un ovale particolarmente lungo del viso, anche un naso lungo e cartilagineo con narici sofisticatamente ricurve, occhi freschi e chiari coperti da palpebre , e un leggero rossore sulle guance pallide. La mano stretta di Giovanni, con un mignolo immobile e piegato, era sospesa nell'aria, senza muoversi né fermarsi, una mano dal carattere inespresso, persino nascosto. E la mano di Giovanna è aperta per incontrarla, anche lei magra, ma completamente diversa nel suo tenero sottosviluppo. Giovanni sta in piedi con una concentrazione quasi orante. Non vale quanto dovrebbe essere. Ma noi, guidati dal suo movimento benedicente e ammonitore, lo percepiamo come un'espressione della severità, della serietà di Arnolfini. Al contrario, la subordinazione passiva del gesto di Giovanna al gesto del marito, la minore concentrazione dello sguardo e una certa idealizzazione le conferiscono tratti di sottomissione toccanti e morbidi. La superficie liscia e simile allo smalto del dipinto è ottenuta attraverso l'applicazione di pigmenti miscelati con olio di lino, numerosi strati di smalto. Quindi il dipinto è stato verniciato. Jan van Eyck e suo fratello Hubert, che usavano questa tecnica, erano tradizionalmente considerati gli "inventori" della pittura ad olio. Lo stile di Van Eyck è stato spesso imitato, ma non è mai stato superato.

Nella pala d'altare "Madonna del Cancelliere Rolen", il metodo dell'artista si complica. Il dipinto "Madonna del cancelliere Nicolas Rolen" (Museo del Louvre, Parigi) è stato creato da Jan van Eyck nel 1435. Non molto grande (0,66x0,62 m), sembra più grande delle sue dimensioni reali. Le immagini sono più dure e definite. Il panorama infinito si apre solennemente attraverso tre campate ad arco. La parte architettonica e paesaggistica non costituisce un'unità lirica e armoniosa con le persone, ma funge da immagine importante e indipendente: Rollen si oppone a un paesaggio con edifici residenziali, Maria si oppone a un panorama di chiese, e le linee di un lontano ponte posto lungo l'asse centrale con figure di pedoni e cavalieri che si muovono lungo di esso in modo da stabilire un collegamento tra Rolene e il gesto benedicente del Cristo bambino. La crescente certezza delle immagini (Rolene è una delle immagini più dure di van Eyck) e la consapevole enfasi sull'unità dell'uomo con l'universo indicano che (come nel ritratto dei coniugi Arnolfini) l'artista si trova di fronte alla necessità di sviluppare ulteriormente o modificare il suo sistema di pittura.

In realtà, il dipinto "Madonna Canon Van der Palais" è stato commissionato dal canonico Georg van der Palais. L'attuazione di queste nuove tendenze avvenne intorno al 1436. In ogni caso, nel 1436 il maestro creò una composizione d'altare, per molti aspetti diversa dalle sue opere precedenti: "Madonna del Canon van der Palais" (Bruges, Museo). Ritmi e forme qui sono diventati più grandi, sono diventati più pesanti e misurati. Jan van Eyck nel dipinto "Madonna di Canon van der Palais" è riuscito a creare un chiaro predominio dello spirito di equilibrio equanime e statico. I partecipanti alla fase sono caratterizzati da rappresentatività, dignità incondizionata che non richiede manifestazioni.

Rispetto ai precedenti eroi di van Eyck, questi non guardano tanto se stessi quanto consentono allo spettatore di osservare il loro semicerchio liscio. Non hanno più paura di oscurare il paesaggio o chiudere la prospettiva. I giovani, non come le madri, ma le sorelle maggiori delle Madonne degli anni precedenti, furono sostituite da un altro - un maestoso, che occupa con calma parte principale Le figure dei quattro partecipanti alla scena (Madonna, San Domiziano, San Giorgio e il donatore Pale) hanno acquisito maggiore massa materiale. Le campate ad arco non aprono spazi lontani o aspetti architettonici complessi. Jan van Eyck ha avvicinato a noi gli eroi del suo film e ha limitato a loro il nostro campo visivo. Chiusa la prospettiva della Madonna del cancelliere Rolen, chiusa la finestra del trittico di Dresda.

Ma Jan van Eyck è andato anche oltre. Nonostante tutto il suo significato, il cancelliere Rolen (nel suddetto altare) non è il personaggio principale. La sua immagine è uguale all'immagine della Madonna ed è inferiore all'attività artistica del panorama paesaggistico. In Madonna van der Pal, l'artista ha trasformato il donatore quasi nel volto principale della composizione. Il van der Palé inginocchiato domina l'immagine. Sia Maria che San Domiziano sono rivolti a lui, la sua figura sovrappeso in vesti bianche attira la nostra attenzione, e il grazioso patrono del canonico, San Giorgio, alzando l'elmo in segno di benvenuto, lo presenta alla Madonna. Lo stesso uomo, togliendosi gli occhiali e posando il dito sulle pagine necessarie del libro di preghiere, alzò uno sguardo cupo, pesante, meditabondo. Non contempla, ma riflette. E in questa riorganizzazione dell'enfasi dal trasformare una persona nel mondo alla sua immersione in se stesso - l'anticipazione delle successive tendenze dell'arte olandese. Anche qui il colore eleva l'immagine a un certo livello più alto. Ma la sua attività e, allo stesso tempo, la sua densità sono speciali. La veste in velluto di San Domiziano assume un'incredibile sonorità di colore. Le sue pieghe illuminate dal sole sono più blu di quanto sia possibile il colore reale. E quando combinati con il rosso - l'abito di Maria - e il bianco - il canone, - formano un potente accordo luminoso. Ma è proprio a causa della limitazione di questo accordo che in esso appaiono le caratteristiche del nuovo - un'attività cromatica autonoma che è impossibile in quelle opere in cui il maestro ha completamente subordinato la sua arte all'idea dell'universo.

Tutte le opere di Jan van Eyck dopo il 1436 portano in sé un'eco del pathos dell'oggettività, che in una forma così netta si è manifestata nel dipinto "Madonna del Canon van der Palais". Ma il significato intrinseco dell'immagine si coniuga in esse con una certa prosaica interpretazione. I volti ritratti dall'artista diventano più specifici, più caratteristici. Il ritratto di Jan de Leeuw, nonostante le sue dimensioni molto ridotte, sembra monumentale: a tal punto, il modello sottolinea la solidità dell'apparenza e l'aspra immediatezza del mondo interiore. Jan de Leeuw non guarda il mondo, ma noi. Accanto a lui, Timothy e l'uomo con il turbante sembrano distanti e irraggiungibili per un contatto dal vivo. La crescente concretezza e realtà dell'immagine di una persona in lavori successivi Jan van Eyck è insolitamente veloce e si manifesta in modi diversi. Nell'incompiuta Santa Barbara (1437; Anversa, Museo), si nota nell'interpretazione del secondo e terzo piano, dove la costruzione del tempio è raffigurata in dettaglio, e le lontane colline ricevono una soluzione chiara e ordinata. Nel dipinto "Madonna alla fontana" (1439; Anversa, Museo), si vede nel desiderio di neutralizzare l'attività di costruzione prospettica dello sfondo (con l'ausilio di figure di angeli che reggono il sipario e fiori) e di mettere a fuoco sull'immagine di una persona. La soluzione pittorica sottolinea non tanto la bellezza dell'universo quanto la ricchezza decorativa del quadro. Il colore acquista forza, ricchezza, una potenza sonora ancora inedita, ma dietro di esso non si avverte più l'antica - commovente e timida - ammirazione dell'artista Jan van Eyck.

Le caratteristiche più consistenti del metodo sono incarnate nell'ultimo ritratto del maestro: il ritratto di sua moglie Margrethe van Eyck. Qui dietro la specificità apparenza esterna comincia ad emergere l'analisi del personaggio. Se nei ritratti di Timoteo e dell'uomo con il turbante rosso l'immagine dei ritratti era solo parte di un'immagine più generale (l'immagine di una persona come parte dell'universo), allora qui la creazione di un'immagine individuale esaurisce il Intenzione. Van Eyck non ha mai creato ritratti così obiettivi. E non si è mai rivolto a una gamma così insolitamente sottile, allo stesso tempo più raffinata che profonda: tessuto rosso con una sfumatura viola - bordo di pelliccia grigia - viso grigio-rosa con labbra molto pallide. Il dipinto dell'artista "Ritratto di moglie Margret van Eyck" completa la prima fase del Rinascimento olandese e testimonia l'ingresso di van Eyck in una nuova fase nello sviluppo dell'arte olandese che era già caratteristica del 1440. La morte nel 1441 interruppe le sue ulteriori attività. I fratelli Jan e Hubert van Eyck occupano un posto eccezionale nella loro arte contemporanea. Ma non erano soli. Contemporaneamente a loro, altri pittori hanno lavorato nelle Fiandre del Nord, stilisticamente e in un rapporto problematico con loro.

Polittico di Gand dei fratelli van Eyck (Cattedrale di San Bavone, Gand) - pezzo centrale arte del Rinascimento settentrionale. Si tratta di una grandiosa struttura in più parti, che misura 3.435 metri per 4.435 metri. L'altare a più ali era originariamente destinato alla cappella laterale di Giovanni Battista a Saint-Bavo a Gand. Un'attenta analisi dell'altare ha permesso di distinguere in esso l'opera di entrambi i fratelli - Hubert e Jan. Uberto, che iniziò i lavori, morì nel 1426, ma l'altare fu completato nel 1432 da Jan, che eseguì i pannelli che compongono il lato esterno dell'altare e, in gran parte, i lati interni dei pannelli laterali (comunque, La mano di Jan è riconoscibile anche in alcune scene dipinte da Hubert, e l'integrità generale del polittico testimonia il ruolo di primo piano del fratello maggiore). Confrontando la processione sul lato interno dei pannelli laterali con la scena del culto dell'agnello, si vede che nell'opera di Jan le figure sono raggruppate più liberamente. Jan presta più attenzione alla persona di Hubert. Le figure da lui dipinte si distinguono per una maggiore armonia, rivelano in modo più coerente, uniforme la natura preziosa dell'uomo e del mondo.

Nei giorni festivi le porte venivano aperte. La scena leggera e ariosa nella stanza di Mary è stata rivelata - letteralmente e figurativamente - nella sua stessa essenza. L'altare diventa grande il doppio (grazie alle porte aperte), acquista un suono polifonico ampio e solenne. Si illumina con un bagliore di colore profondo. La scena luminosa e trasparente dell'Annunciazione è sostituita da una maestosa e magnifica fila di figure. Sono soggetti a leggi speciali. Ogni figura è come un'estrazione, un concentrato di realtà. E ciascuno è soggetto a una gerarchia gioiosa e trionfante, guidata da Dio. È il punto focale dell'intero sistema. È il più grande di tutti, è respinto e sublime, è immobile e, l'unico, è girato fuori dell'altare. Il suo viso è serio. Dirige lo sguardo nello spazio e il suo gesto deciso è privo di casualità. Questa è una benedizione, ma anche un'affermazione della più alta necessità. È a colori - in un colore rosso bruciante, che si riversa ovunque, che divampa negli angoli più nascosti del polittico e solo nelle pieghe dei suoi vestiti acquisisce il suo massimo ardore. Dalla figura del padrino, come dall'inizio, come dal punto di partenza, la gerarchia si dispiega solennemente.

Maria e Giovanni Battista, raffigurati accanto a lui, gli sono subordinati; sono anche sublimi, sono privati ​​della sua stabile simmetria. In essi la plastica non è sconfitta dal colore e la sonorità infinita e profonda del colore non si trasforma in una combustione intensa e fiammeggiante. Sono più materiali, non si fondono con lo sfondo. Gli angeli sono rappresentati dopo. Sono come sorelle più giovani Maria. E il colore di queste porte svanisce e diventa più caldo. Ma, come per compensare l'attività cromatica indebolita, vengono presentati cantando. L'accuratezza delle loro espressioni facciali rende l'altezza e la trasparenza del suono dei loro canti chiari per lo spettatore, come se fossero effettivamente percepiti. E più forte e materiale è la manifestazione di Adamo ed Eva. La loro nudità non è solo indicata, ma presentata in tutta la sua evidenza. Sono alti, convessi reali. Vediamo come la pelle delle ginocchia e delle mani di Adamo diventa rosa, come le forme di Eva si girano.

Così, il livello superiore dell'altare si dispiega come una gerarchia di realtà che colpisce nel suo successivo mutamento. Il livello inferiore, raffigurante il culto dell'agnello, è deciso in modo diverso ed è contrapposto a quello superiore. Luminoso, apparentemente immenso, si estende dal primo piano, dove è distinguibile la struttura di ogni fiore, all'infinito, dove esili verticali di cipressi e chiese si alternano in una sequenza libera. Questo livello ha proprietà panoramiche. I suoi eroi non appaiono come entità singole, ma come parti di una moltitudine: da tutta la terra, in un movimento misurato, si radunano in processione sacerdoti ed eremiti, profeti e apostoli, martiri e spose sante. In silenzio o cantando, circondano l'agnello sacro, simbolo della missione sacrificale di Cristo. Le loro solenni comunità passano davanti a noi, le distese terrene e celesti si aprono in tutto il loro splendore e il paesaggio assume un significato emozionante e nuovo: più che una visione lontana, si trasforma in una sorta di incarnazione dell'universo. Il livello inferiore rappresenta un aspetto della realtà diverso da quello superiore, ma entrambi costituiscono un'unità. In combinazione con la spaziosità di "Worship", il colore dei vestiti del Dio-padre fiammeggia ancora più profondamente. Allo stesso tempo, la sua figura grandiosa non sopprime l'ambiente: si alza, come se irradiasse da sé i principi della bellezza e della realtà, incorona e abbraccia tutto. E come baricentro, come punto che completa tutto costruzione compositiva, posta sotto la sua figura, una preziosa corona traforata iridescente con tutti i multicolori immaginabili. Non è difficile vedere nell'altare di Gand i principi delle miniature degli anni '20 del XV secolo, ma nel polittico sono eretti in un sistema artistico e ideologico completo.

Quando è chiusa, la Pala d'altare di Gand è una composizione a due livelli, il livello inferiore del quale è occupato da immagini di statue di due Giovanni - il Battista e l'Evangelista, su entrambi i lati dei quali sono clienti inginocchiati - Jodokus Wade ed Elizabeth Burlut; il livello superiore è dedicato alla scena dell'"Annunciazione", coronata da figure di sibille e profeti, che completano la composizione. Il livello inferiore dell'altare grazie all'immagine persone reali e la naturalezza, la tangibilità delle statue, più di quella superiore, è associata all'ambiente in cui si trova lo spettatore. La combinazione di colori di questo livello sembra essere densa e pesante. L'"Annunciazione" sembra invece essere più distaccata, la sua colorazione è brillante e lo spazio non è chiuso. L'artista sposta gli eroi - l'angelo evangelizzatore e Maria che offre il ringraziamento - ai bordi del palcoscenico. E libera l'intero spazio della stanza, lo riempie di luce. Questa luce, ancor più che nella Madonna nella Chiesa, ha una duplice natura: introduce un principio sublime, ma poeticizza anche il puro conforto della quotidianità ordinaria.

E quasi a provare l'unità di questi due aspetti della vita - l'universale, il sublime e il reale, quotidiano - i pannelli centrali dell'Annunciazione sono assegnati a una veduta della prospettiva lontana della città e alla raffigurazione di un toccante dettaglio di uso domestico - un lavabo con un asciugamano appeso accanto. L'artista evita diligentemente lo spazio limitato. Luce, anche luminosa, continua fuori dalla stanza, fuori dalle finestre, e dove non c'è finestra c'è un avvallamento o una nicchia, e dove non c'è nicchia la luce cade come un raggio di sole, ripetendo sottili cornici di finestre sul parete. L'intera parte esterna del polittico è subordinata all'idea dell'annunciazione, cioè della previsione della venuta nel mondo di Cristo, e dovrebbe, secondo gli artisti, precedere il tema della redenzione. E, in corrispondenza di questo compito, l'altare chiuso custodisce un senso di gioiosa understatement e attesa. Per tutta la solennità di "Annunciazione" - questa è solo una singola scena, episodio. Solo le parti interne dell'altare - che rappresentano l'espiazione dei peccati umani - trasmettono un senso di realizzazione sublime ed emozionante. Non è difficile vedere nell'altare di Gand i principi delle miniature degli anni '20 del XV secolo, ma nel polittico sono eretti in un sistema artistico e ideologico completo.

Il desiderio in ogni scena, in ogni persona e oggetto di riflettere in primo luogo la bellezza dell'universo ha avuto un forte impatto sull'interpretazione dello spazio. Conservando la spaziosità e l'ariosità delle miniature degli anni '20 del XV secolo, l'altare di Gand conferisce a queste qualità un'adesione programmatica ai principi, al significato ideologico. Lì, l'uomo si è fuso con l'universo in una sorta di unità paesaggistica. Qui sia la distanza paesaggistica, sia la persona, sia il dettaglio dell'oggetto hanno un'espressività così accentuata che, privando in qualche misura la scena della sua naturalezza quotidiana, rendendola più "natura morta", le dona tremendo potere impatto artistico ed emotivo. I principi incarnati nell'altare di Gand non si manifestavano in tutte le immagini nella stessa misura. Così, nell'altare di Gand, gli ingegnosi ritrovamenti dell'autore delle miniature del Libro d'Ore di Torino diedero risultati straordinari. E, in effetti, anche la relativa lentezza e originalità dello sviluppo rinascimentale dei Paesi Bassi, l'assenza del culto di un'individualità brillante ed eroica, che era così importante in Italia, hanno portato qui frutti inaspettatamente preziosi.

Il dipinto "Annunciazione" è stato dipinto dal pittore Jan van Eyck durante il periodo di massimo splendore del suo talento. In sostanza, la scena è intesa sia come evento che come azione imminente. Nel dipinto l'artista raffigura un angelo evangelizzatore e una Maria orante, sulla quale discende lo Spirito Santo. Il dipinto dell'artista Jan van Eyck è pieno di sottile lirismo: la gioia tranquilla di un angelo, il brivido emotivo e l'eccitazione di Maria. La lucentezza multicolore del vetro, la lucentezza del metallo, il gioco profondo del velluto e la lucentezza dello smalto del cielo più di ogni altra cosa, trasmettono la bellezza di cui è pieno il mondo, l'unicità, la preziosità di ogni particolare e l'intero universo nel complesso.

tutoraggio

Hai bisogno di aiuto per esplorare un argomento?

I nostri esperti ti consiglieranno o forniranno servizi di tutoraggio su argomenti di tuo interesse.
Invia una richiesta con l'indicazione dell'argomento sin d'ora per conoscere la possibilità di ottenere una consulenza.