L'età d'oro della pittura olandese è una delle epoche più importanti nella storia di tutta la pittura mondiale. L'età d'oro della pittura olandese è considerata XVII secolo... Fu in questo momento che gli artisti e i pittori più talentuosi crearono le loro opere immortali. I loro dipinti sono ancora considerati capolavori insuperabili che sono custoditi in famosi musei di tutto il mondo e sono considerati un inestimabile patrimonio dell'umanità.

All'inizio XVII secolo in Olanda fioriva ancora un'arte piuttosto primitiva, giustificata dai gusti e dalle preferenze concrete dei ricchi e dei potenti. Come risultato di cambiamenti politici, geopolitici e religiosi, l'arte olandese è cambiata radicalmente. Se prima gli artisti hanno cercato di assecondare i borghesi olandesi, raffigurando la loro vita e la vita quotidiana, privi di qualsiasi linguaggio alto e poetico, e hanno anche lavorato per la chiesa, che ha ordinato artisti di un genere piuttosto primitivo con soggetti logori da tempo, allora l'inizio del XVII secolo fu una vera svolta. In Olanda regnava il dominio dei protestanti, che praticamente smisero di ordinare dipinti su temi religiosi da artisti. L'Olanda diventa indipendente dalla Spagna e si afferma sul podio storico generale. Gli artisti sono passati dai temi precedentemente familiari alla rappresentazione di scene quotidiane, ritratti, paesaggi, nature morte e così via. Qui, in un campo nuovo, gli artisti dell'età dell'oro sembravano avere un nuovo respiro e cominciavano ad apparire veri e propri geni dell'arte.

Gli artisti olandesi del XVII secolo hanno portato il realismo nella moda nella pittura. Sbalorditivi nelle loro parti componenti, nel realismo, nella profondità e nell'insolito, i dipinti iniziarono a riscuotere un enorme successo. La domanda di pittura è aumentata notevolmente. Di conseguenza, iniziarono ad apparire sempre più artisti, che a un ritmo incredibilmente veloce svilupparono le basi della pittura, svilupparono nuove tecniche, stili e generi. Alcuni degli artisti più famosi dell'età dell'oro furono: Jan Vermeer, Cornelis Trost, Matthias Stom, Pieter Bruegel il Vecchio, Esayas van de Velde, Frans Hals, Andrian Brouwer, Cornelis de Man, Anthony van Dyck e molti altri.

Dipinti Olandesi

Cornelis de Man - Manifattura per la lavorazione dell'olio di balena

Cornelis Trost - Divertimento nel Parco

Ludolph Bakhuisen - Bacino della campagna delle Indie Orientali ad Amsterdam

Pieter Bruegel il Vecchio - La catastrofe dell'alchimista

Rembrandt - Andris de Gref

La religione principale è il protestantesimo. Gli olandesi iniziarono a creare un ritratto dell'Olanda. Questi sono ritratti dei loro vincitori di guerra, paesaggi, nature morte, generi o dipinti di tutti i giorni apparsi. Si tratta di dipinti con composizione in bianco e nero di epoca barocca. Per la prima volta appare qui la specializzazione degli artisti. Apparvero solo i maestri della natura morta o del paesaggio. 12 tipi di paesaggi: urbano, marino, dunale, cascata, forestale. All'inizio dell'arte olandese, la ritrattistica divenne l'obiettivo principale. Nella prima metà del XVII secolo, il più grande ritrattista d'Olanda è Frans Hals.

Creatività di Frans Hals.

Nato nel 1574 ad Antvarpan. Poi la sua famiglia si trasferì ad Haarlem. Lì ha studiato con l'artista Van Mander. Van Mander ha creato biografie dei principali artisti olandesi. Frans Hals è riuscito a fare un'intera rivoluzione nella ritrattistica. Hals porta dinamicità nei ritratti. "Banchetto di ufficiali della compagnia di San Giorgio" - il primo lavoro che gli ha portato popolarità. Khals raffigura ufficiali durante una festa, ogni ufficiale è raffigurato a sua volta. Nell'immagine si ottiene una diagonale attiva. Tutto si basa sul principio di asimmetria. È attivo nel colore.

Hals dipinge i suoi ritratti molto rapidamente usando una pennellata dinamica aperta. "Tsiganka"... Il nome è molto arbitrario. " Mali piccola"- un colpo aperto, lanciato con forza. In questo momento, in quasi tutte le opere di Hals, tutti i suoi personaggi stanno sorridendo. "Cavaliere sorridente".

Le dinamiche nel ritratto sono particolarmente attive. William Van Gate Heisen... Non è sopravvissuta nemmeno una foto di Khalsa. Molto probabilmente dipinse i suoi ritratti senza disegnare e dipinse molto rapidamente.

Hals ha dipinto Van Dyck in due ore. Van Dijk lo invitò ad andare con lui in Inghilterra.

Buon compagno. Scritto nello stesso modo veloce e dinamico in cui Hals amava scrivere.

Hals dipinse anche ritratti seri: "Ritratto di Peter Van Den Brocke", il ritratto è commissionato, quindi Hals dipinge in dettaglio, un ritratto molto sobrio e laconico René Descartes. Ritratto di famiglia, il paesaggio è stato dipinto per lui da Peter Molyne. Ritratto femminile - ritratto molto espressivo di Hals. Ritratto Isaac Mas e sua moglie - un ritratto del suo amico.

All'età di 30 anni, dipinse un quadro ritratto degli Ufficiali della Compagnia di S. Adriano. Ogni figura ha il proprio turno e movimento. Negli anni '40, la pittura di Khalsa è cambiata radicalmente. In questo momento, il ritratto di Van Dyck è diventato di moda. Ritratti degli anni 40-50 - ritratti con una predominanza del nero. Di loro ritratto del Reggente della casa di cura. Ci sono 27 sfumature di nero in questo ritratto. Uno degli ultimi lavori di Hals - Reggenti della casa di cura. Emerge l'immagine della vecchiaia. Il decadimento della carne trasmette nel ritratto. Dipinge un ritratto in un modo completamente diverso. Reggenti dell'Ospedale di Santa Elisabetta. Nel ritratto, puoi vedere chiaramente la selezione di figure con un triangolo, ogni faccia è chiaramente visibile. Durante la sua vita, Hals ha creato più di 200 dipinti. C'è un suo museo ad Haarlem. Vi sono raccolte quasi tutte le opere.

Il lavoro di Rembrandt Van Rijn.

Questo è uno dei grandi artisti del XVII secolo. Nato nel 1606 nella famiglia di un mugnaio nella città di Leida. Il ragazzo era inizialmente molto dotato. Rembrandt studia per un po' all'università. Aveva 14 anni quando sentì la sua vocazione per la pittura e lasciò l'università. Affitta un fienile sulle rive del fiume e crea la sua scuola all'età di 16 anni. Artisti come Dow studiano nella sua scuola. Le prime opere che hanno scritto - Cacciata dei mercanti dal tempio. Nelle sue prime opere parla di appartenenza al Barocco. L'opera ha una composizione diagonale, composizione di luci e ombre. Il suo autoritratto è stato dipinto a Leida. Lavoro insolito con texture. In questo momento arriva il ministro olandese e acquista diverse opere di Rembrandt. Rembrandt lascia Leidan e si reca ad Amsterdam, dove entra nello studio dell'artista Lastman. Una luce irreale appare nelle opere. Questo è particolarmente evidente nella foto. L'incredulità di Thomas . Ad Amsterdam riceve la sua prima commissione per un ritratto di gruppo – Anatomia del dottor Tulip . Qui ha dipinto un quadro Sacrificio di Abramo. Profeta Geremia sulle rovine di Gerusalemme. Nel dipinto, la testa del santo emette luce. Il suo successo nella pittura lo portò a sposare Saski Van Elenburg. Rembrandt acquista un palazzo ad Amsterdam. Autoritratto con Sasuke in ginocchio. Saski con un fiore. Quell'anno, quando Sasuke è malato, Rembrandt riceve un ordine per un ritratto di gruppo della compagnia del Capitano Kok... La veglia notturna. Raffigura l'uscita dei tiratori agli esercizi. Il dipinto è un capolavoro di Rembrandt degli anni '40. Il quadro è costruito sulla subordinazione. Cominciò un lungo processo sui debiti di Rembrandt. L'addio di David a Jonathan scritto in un anno da quando Visione notturna. Il dipinto fu acquistato da Pietro I e divenne uno dei primi dipinti dell'Ermitage.

Danae.

La cameriera di Hendrike divenne l'affidabile assistente di Rembrandt. Diventerà la seconda moglie di Rembrandt. Nella foto Sacra famiglia con angeli, in questa foto ci sono due diagonali chiare, l'immagine è permeata di luce calda. Gendrike appare in un ritratto - Hendrike alla finestra, Donna al bagno, Versavia, nella storia dell'immagine c'è la storia di David e Versavia.

Davide e Uria - la luce gioca un ruolo enorme nella foto.

Ritratto di Jan Sixx. Tutta l'attenzione è concentrata sul viso.

Congiura di Claudio Civile. Questo è l'unico dipinto della storia degli olandesi di Rembrandt .

Ritratto di un vecchio in rosso. Biografia del ritratto. Un ritratto nel tempo.

Ritratto di un vecchio ebreo. In questo ritratto viene evidenziata solo la cosa principale: il viso e le mani.

Ritratto di una donna anziana. In questo ritratto, le transizioni più sottili dalla luce all'ombra.

Portet legge Tito.

Ritratto del poeta Decker.

Asur, Aman, Isfir. L'opera principale degli ultimi dipinti di Rembrandt. L'immagine si basa su una soluzione di illuminazione molto complessa.

Rembrandt scrive una ripetizione di questa immagine Haman chiede perdono a Isfir.

Rembrandt riceve una commissione per un ritratto di gruppo - Sindaci.

sposa ebrea. Il tema dell'amore è il principale in questa immagine. Questo è un dipinto preferito di Van Gogh e Soutine.

Porta di famiglia. Ritratto di gruppo. Un ritratto immaginario della sua famiglia.

Due autoritratti.

Nel 66-68, Rembrandt dipinge un quadro Il ritorno del figliol prodigo che conclude il suo lavoro.

Seimone nel tempio. La sua ultima foto.

Rembrandt muore nel 1669. Ebbe molti studenti: Gerard Dow, Fabricius, Gelder, uno degli ultimi studenti di Rembrandt. La sua scuola è esistita fino alla fine del XVII secolo.

Argomenti per l'offset:

rinascita tedesca.

barocco italiano. Architettura barocca. Lorenzo Bernini, Francesco Boromini e Carlo Moderno. Scultura del Bernini. Due pittori Caravaggio e Anibali Karachi. Ruben. Van Dyck. Giordano. Snyder. Navigatore.

Paesaggio olandese del XVII secolo.

Jan Fan Goyen.

È caratterizzato da paesaggi fluviali.

Mulino a vento sul fiume - caratteristico paesaggio olandese.

Paesaggio fluviale.

Quasi sempre nelle sue opere, la luce del cielo si riflette a terra.

Salomon Reizdal

Dipinse paesaggi al mattino presto.

Paesaggio con carro - un paesaggio caratteristico per questo pittore.

Traversata in traghetto. Mattina ventosa

Ha allevato uno dei principali pittori del XVII secolo, Jacob Reizad.

Jacob Reizdal.

Veduta di Edmondo. Luce nel cielo, paesaggio ritmato, campanile verticale corrisponde esattamente al formato verticale.

Jacob dipinse tutti e 12 i paesaggi e ne creò molti lui stesso.

Reisadl era un grande maestro del paesaggio forestale.

Già i contemporanei hanno notato che Reizdal è uno psicologo forestale. Ogni albero ha il suo ritratto Scrive una biografia dell'albero.

Paesaggio forestale.

Lago tra gli alberi. In primo piano c'è un albero caduto, accanto c'è un albero secco e nelle profondità ci sono giovani betulle. Ci sono diverse età degli alberi. Trasferisce questa tecnica in una serie di dipinti:

Fiume nella foresta

foresta di querce

Pantano

Paesaggio forestale

Strada

Panorama panoramico: Beintheir castello, paesaggio con rovine del castello e una chiesa.

Mulino a Vecca. Il paesaggio principale di Reizdal. Reizdal ingrandisce deliberatamente il mulino. Questo paesaggio è uno dei simboli dell'Olanda.

Le tre opere principali dell'Olanda: Ronda di notte, Mulino a Vecca, veduta della città del Delta.

Due dipinti con un titolo: cimitero ebraico. Disegno immaginario. Trasmette lo stato durante un temporale. In primo piano c'è un albero secco, ma ancora vivo. Un ruscello che scorre è un simbolo di vita che scorre veloce. L'albero è raffigurato sullo sfondo di un albero vivo e rigoglioso. In primo piano è una lapide con un ritratto dell'artista stesso e la firma di Reizdal. Nelle profondità vediamo il tempio, che è quasi distrutto e allo stesso tempo vediamo come dopo il temporale appare un arcobaleno - un simbolo di speranza. Il fulmine centrale è il monumento. L'immagine ha una ripetizione, crea un senso ancora più nitido della vita e della morte. La seconda immagine è molto scura, il contrasto tra legno secco e verde è rappresentato in modo molto nitido. La lastra con il ritratto di Reizdal appare di nuovo e il tempio ha cambiato aspetto, come una creatura con enormi orbite, l'immagine di un mondo che muore. Reizdal è considerato il creatore panorama filosofico.

Reizdal dipinse paesaggi invernali come: Paesaggio invernale, Inverno che svela il tema della solitudine. Reizdal è l'autore del mood landscape.

Fu anche un maestro della pittura marina: Tempesta in mare, Seashore.

Era un maestro del paesaggio urbano: Veduta di Amsterdam con il fiume Amstel, Veduta di Haarlem ( vista della sua città natale).

Negli ultimi anni, Reizdal ha dipinto molti paesaggi raffiguranti cascate: Paesaggio roccioso con una cascata, una cascata in Norvegia, una cascata.

due mulini- un paesaggio insolito, un mulino è chiaramente visibile e il secondo è nelle profondità.

Paesaggio montano con barca a vela - una delle ultime opere di Reizdal. In questo lavoro riassume la sua vita. Questo è un paesaggio poetico e lirico.

Creatività di Mendet Hobeme.

Era uno studente di Reizdal.

Vicolo al centro della nave ad Harls. Fu il primo a dipingere paesaggi dalla natura. A volte dipingeva paesaggi da disegni di paesaggi.

Era popolare in Inghilterra e ha contribuito al paesaggio inglese. Thomas Gainsbrat, Turner, John Constable hanno fatto affidamento sul lavoro di Hobeme e Reizdal.

Il più grande maestro del paesaggio realistico. Oltre al paesaggio inglese, l'inizio del paesaggio nazionale francese si è manifestato in molti modi.

Domande sui biglietti:

Il lavoro di Rembrandt.

Avendo ottenuto una vittoria nella lotta contro la Spagna per la sua indipendenza, l'Olanda borghese divenne lo stato economicamente più sviluppato dell'Europa occidentale. La principale città olandese di Amsterdam è stata identificata come uno dei più grandi centri commerciali d'Europa.

Insieme all'economia, si sviluppa anche la pittura olandese. A differenza di altri paesi dell'Europa occidentale, i dipinti barocchi di palazzi e castelli non erano popolari in Olanda: la debolezza della nobiltà fungeva da ostacolo allo sviluppo delle arti decorative. Anche la Chiesa calvinista in Olanda non ha cercato di decorare i suoi templi con dipinti.

Tuttavia, la pittura fiorì in Olanda: gli artisti ricevettero numerosi ordini da privati. Anche i contadini olandesi potevano appendere un piccolo quadro nella loro casa: queste opere di artisti erano così economiche.

Nel XVII sec. oltre duemila artisti hanno lavorato nella piccola Olanda. Hanno messo in funzione la produzione di dipinti, prodotto tele in interi lotti e li hanno consegnati ai venditori. Quasi ogni maestro ha eseguito da due a cinque composizioni a settimana.

Spesso la produzione di dipinti superava la domanda, quindi, per nutrirsi, gli artisti dovevano fare contemporaneamente altri lavori. Maestri famosi come J. Steen, M. Gobbema, J. van Goyen e molti altri erano allo stesso tempo impiegati, giardinieri e locandieri.

Di solito pittori specializzati in un argomento specifico. Ad esempio, H. Averkamp dipinse vedute invernali, E. van der Poole ritrasse fuochi notturni, G. Terborch e G. Metsu - scene quotidiane, P. Claes e V.K. Kheda - nature morte per la colazione.

Molto spesso, gli artisti hanno lavorato collettivamente su un quadro: uno ha dipinto il cielo, l'altro - erba e alberi, il terzo - figure umane. Le opere di maggior successo che hanno avuto successo con il pubblico sono state copiate e sono servite da modello per la creazione di innumerevoli varianti.

Sebbene l'arte dei pittori di talento fosse subordinata a scopi commerciali, i maestri di solito riuscivano a evitare la falsità. La maggior parte di queste tele si distingue per realismo, integrità e chiarezza della composizione, colori freschi e un'eccellente tecnica di esecuzione.

Il genere del ritratto si diffuse nella pittura olandese. Un ruolo importante nella vita del paese è stato svolto da varie organizzazioni (la società di tiro, i gruppi di rappresentanti della corporazione medica e le officine commerciali), che hanno contribuito all'emergere di un ritratto pubblico di gruppo.

La lotta a lungo termine con i colonialisti spagnoli ha acuito il senso di identità nazionale, quindi, nella pittura, oltre al realismo, è stata particolarmente apprezzata la rappresentazione di caratteristiche nazionali caratteristiche. Gli artisti hanno dipinto il mare e le navi, il bestiame, i fiori. Oltre al ritratto, si svilupparono generi come il paesaggio e la natura morta. C'era anche la pittura religiosa, ma non c'era alcun elemento di misticismo in essa; storie bibliche sono state presentate
artista piuttosto come scene di tutti i giorni.

Frans Hals

Frans Hals nacque intorno al 1581 ad Anversa da una famiglia di tessitori. Da adolescente, venne ad Haarlem, dove visse quasi senza interruzione fino alla sua morte (nel 1616 visitò Anversa e, a metà degli anni '30, ad Amsterdam). Poco si sa della vita di Hals. Nel 1610 entrò nella corporazione di San Luca e nel 1616 nella camera dei retori (attori dilettanti).

Hals divenne rapidamente uno dei ritrattisti più famosi di Haarlem. Nei secoli XV-XVI. Nella pittura dei Paesi Bassi c'era la tradizione di dipingere ritratti solo di rappresentanti dei circoli dirigenti, personaggi famosi e artisti. L'arte di Hals è profondamente democratica: nei suoi ritratti possiamo vedere un aristocratico, un ricco cittadino, un artigiano e persino una persona dal basso. L'artista non cerca di idealizzare il raffigurato, la cosa principale per lui è la loro naturalezza e originalità. I suoi nobili si comportano nello stesso modo rilassato dei rappresentanti degli strati inferiori della società, che sono raffigurati nei dipinti di Hals come persone allegre, non prive di autostima.

Il ritratto di gruppo occupa un posto importante nell'opera del pittore. Le migliori opere di questo genere erano i ritratti di ufficiali della compagnia di fucilieri di San Giorgio (1627) e la compagnia di fucilieri di Sant'Adriano (1633). Ogni personaggio nei dipinti ha la sua vivida personalità e, allo stesso tempo, queste opere si distinguono per la loro integrità.

Khals dipinse anche ritratti su misura in cui ricchi borghesi e le loro famiglie sono posti in pose rilassate (Ritratto di Isaac Massa, 1626; Ritratto di Hetheisen, 1637). Le immagini di Huls sono vive e dinamiche, sembra che le persone nei ritratti parlino a un interlocutore invisibile o si rivolgano allo spettatore.

I rappresentanti dell'ambiente popolare nei ritratti di Khalsa si distinguono per la loro vivida espressività e spontaneità. Nelle immagini dei ragazzi di strada, dei pescatori, dei musicisti, dei frequentatori delle osterie, si avverte la simpatia e il rispetto dell'autore. Il suo "Gypsy" è notevole. Una giovane donna sorridente sembra sorprendentemente viva, il suo sguardo furbo è rivolto all'interlocutore invisibile al pubblico. Hals non idealizza il suo modello, ma l'immagine di una zingara allegra e spettinata delizia con il suo fascino vivace.

Molto spesso, i ritratti di Huls includono elementi di una scena di genere. Queste sono le immagini di bambini che cantano o suonano strumenti musicali (The Singing Boys, 1624-1625). Il famoso "Malle Babbe" (inizio degli anni 1630) è stato eseguito nello stesso spirito, rappresentando il noto custode di una taverna di Haarlem, che i visitatori chiamavano la strega di Harlem alle loro spalle. L'artista ha raffigurato in modo quasi grottesco una donna con un enorme boccale di birra e un gufo sulla spalla.

Nel 1640. ci sono segnali di svolta nel Paese. Sono passati solo pochi decenni dalla vittoria della rivoluzione e la borghesia ha cessato di essere una classe progressista basata su tradizioni democratiche. La veridicità della pittura di Hals non attrae più clienti facoltosi che vogliono vedersi nei ritratti meglio di quanto non siano in realtà. Ma Hulse non ha abbandonato il realismo e la sua popolarità è crollata. Nella pittura di questo periodo compaiono note di tristezza e delusione ("Ritratto di uomo con cappello a tesa larga"). La sua tavolozza diventa più rigorosa e più calma.

All'età di 84 anni Hals crea due dei suoi capolavori: i ritratti di gruppo dei reggenti (fiduciari) e il reggente del manicomio per anziani (1664). Queste ultime opere del maestro olandese si distinguono per l'emotività e la brillante personalità delle immagini. Le immagini dei reggenti - vecchi e donne - respirano tristezza e morte. Questa sensazione è enfatizzata anche dal colore, sostenuto nei toni del nero, del grigio e del bianco.

Hals morì nel 1666 in profonda povertà. La sua vera arte che afferma la vita ha fortemente influenzato molti artisti olandesi.

Rembrandt

Negli anni 1640-1660. La pittura olandese era fiorente. L'artista più significativo di questo tempo fu Rembrandt.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn nacque nel 1606 a Leida. Suo padre era un ricco mugnaio. I genitori sognavano una buona educazione per il figlio e lo assegnarono a una scuola latina, dopo di che Rembrandt entrò all'Università di Leida. Ma il giovane era attratto dall'arte. Ha lasciato l'università e ha iniziato a studiare con il pittore Jacob Svannenburch. Tre anni dopo, il giovane artista andò ad Amsterdam, dove iniziò a prendere lezioni da Peter Lastman.

Nel 1624, Rembrandt tornò a Leida. Qui, insieme al pittore Jan Lievens, affittò uno studio. L'artista lavora molto dal vero, dipinge non solo in studio, ma anche per strada e nel bazar cittadino.

Alla fine del 1620. Rembrandt ha guadagnato popolarità tra la gente di Leida. Ha ricevuto molti ordini e il suo primo allievo - Gerard Dow, che in seguito divenne un pittore abbastanza famoso.

I primi dipinti di Rembrandt sono caratterizzati da una composizione meticolosa e coscienziosità nell'esecuzione. Allo stesso tempo, sono caratterizzati da qualche costrizione ("Il tormento di San Sebastiano", 1625).

Nel 1631 Rembrandt si stabilì ad Amsterdam. La sua fama si diffuse ben presto in tutta la città, e gli ordini caddero sul pittore. Anche la vita personale di Rembrandt ebbe successo: nel 1634 sposò Saskia van Eulenburg, una ragazza di una nota famiglia borghese. Il matrimonio ha portato all'artista una fortuna significativa, che gli ha fornito l'indipendenza creativa e gli ha permesso di impegnarsi nella raccolta di opere d'arte e oggetti d'antiquariato.

Rembrandt godeva della felicità in compagnia della sua amata moglie, che interpretava molte volte. Spesso Saskia serviva da modello per dipinti con un'ampia varietà di soggetti (Flora, 1634; Autoritratto con Saskia in ginocchio, c. 1639).

Il lavoro di Rembrandt durante questo periodo è vario, scrive composizioni storiche, mitologiche e religiose, ritratti, scene quotidiane, paesaggi, nature morte, dipinti con immagini di animali. Ma l'oggetto principale della sua attenzione è una persona. Non solo nei ritratti, ma anche nelle altre sue opere, l'artista cerca di trasmettere il carattere e il mondo interiore dei suoi eroi.

Un notevole maestro del genere del ritratto, solo negli anni Trenta del Seicento. Rembrandt eseguì più di sessanta ritratti su commissione. La cosa principale per un pittore non è la somiglianza esterna con un modello, ma la profondità del mondo interiore, la forza dei movimenti e delle esperienze emotive. Il ritratto di gruppo "Anatomia del dottor Tulpa" (1632) fu accolto con gioia dai suoi contemporanei. L'artista ha apportato modifiche alla composizione tradizionale del classico ritratto di gruppo, disponendo le figure non in fila, come era consuetudine, ma liberamente. Questa costruzione ha dato all'immagine vivacità e naturalezza.

Alla fine del 1630. Rembrandt divenne l'artigiano più famoso d'Olanda. Il suo capolavoro, la famosa "Danae" (1636), appartiene a questo periodo, la cui maestria supera tutto ciò che è stato creato dai suoi contemporanei.
artista. La perfezione della sua composizione e la ricchezza dei colori, sostenuti in sfumature dorate, stupiscono. Sembra che non ci sia nulla di superfluo in questo lavoro, ogni dettaglio è attentamente pensato dall'autore. Con l'aiuto di una pennellata libera e vivace, il maestro trasmette la leggerezza del copriletto, pieghe di tende pesanti e drappeggi. Colpisce la plastica flessibile di una giovane donna sdraiata sul letto, le pallide sfumature dorate del corpo illuminate da una luce soffusa. Sebbene Danae non brilli di bellezza ideale, la sua immagine delizia lo spettatore con un fascino vivace e freschezza.

Nel 1630. l'artista lavora molto anche nell'acquaforte. È attratto dai motivi quotidiani ("Il venditore di veleno per topi", 1632). Elementi di genere sono anche inerenti alle opere con temi biblici (Il ritorno del figliol prodigo, 1636). Una delle migliori incisioni di questo periodo è La morte di Maria (1639), commovente e intrisa di un senso di profondo dolore. La complessità della composizione e la grandezza monumentale delle immagini si distingue anche per la notevole opera "Cristo guarisce i malati" (la cosiddetta "Cento foglie di fiorino" - questo nome parla del valore dell'opera).

Nel 1640. Rembrandt diventa il pittore più famoso e più pagato di Amsterdam. Gli furono commissionati ritratti e composizioni per il Palazzo Stadtholder olandese a L'Aia. Molti aspiranti artisti sono desiderosi di studiare nel suo laboratorio. La fama dell'arte di Rembrandt va oltre i confini dell'Olanda. Diversi dipinti del famoso maestro sono conservati nel palazzo del re inglese Carlo I.

Il talento di Rembrandt si manifestò nelle sue nature morte realistiche ed espressive ("Carcassa di toro") e nei paesaggi ("Paesaggio con mulino", c. 1650). Il lirismo sottile è inerente ai paesaggi olandesi senza pretese, che colpiscono lo spettatore con la loro realtà quasi tangibile.

La morte della sua amata moglie nel 1642 alienò Rembrandt dai suoi nobili parenti. L'artista smise di comunicare con i suoi conoscenti della società aristocratica. I cambiamenti nella vita del maestro si riflettono nella sua pittura, che diventa più profonda e focalizzata. Se le prime opere di Rembrandt si distinguono per uno stato d'animo calmo e uniforme, ora nei suoi dipinti iniziano a risuonare note di ansia e dubbio. Cambia anche la tavolozza, che è dominata da sfumature rosse e dorate.

La tela "David e Jonathan" (1642, Hermitage, San Pietroburgo), eseguita nei toni del rosa dorato e del blu dorato, si distingue per la sua vivida espressività.

Tutte queste nuove caratteristiche nella pittura di Rembrandt non incontrarono la comprensione tra i suoi contemporanei. Il malcontento fu causato dalla grande composizione monumentale "Night Watch" (1642). Il dipinto ha ricevuto questo nome nel XIX secolo. L'azione infatti si svolge non di notte, ma di giorno, alla luce del sole, che conferma la natura delle ombre.

Nel tempo i colori si sono scuriti e solo il restauro effettuato nel 1946-1947 ha mostrato che lo schema cromatico di quest'opera era un tempo molto più chiaro.

Il dipinto mostra le frecce della compagnia del capitano Banning Cock. Il cliente si aspettava di vedere un tradizionale ritratto cerimoniale (una scena di una festa o la presentazione da parte di un comandante dei suoi subordinati allo spettatore). Rembrandt ha anche creato un
Roiko-tela storica raffigurante le prestazioni dei tiratori su ordine del capitano. I personaggi sono agitati e dinamici; il comandante dà ordini, l'alfiere alza lo stendardo, il tamburino batte il tamburo, i tiratori caricano l'arma. Qui, non è chiaro da dove giri la bambina che è venuta con un gallo alla cintura.

Durante questi anni, Hendrickje Stoffels compare nella vita di Rembrandt, prima serva e poi sua moglie, che divenne sua fedele amica e aiutante. L'artista lavora ancora duramente. Crea il suo famoso "La Sacra Famiglia" (1645), in cui il tema religioso è trattato come un genere. Insieme alle composizioni bibliche, il pittore esegue paesaggi realistici con immagini del villaggio ("Winter View", 1646). I suoi ritratti di questo periodo si distinguono per il desiderio di mostrare i tratti individuali dei modelli.

Nel 1650. il numero di ordini è notevolmente ridotto. Rembrandt sta attraversando grandi difficoltà finanziarie. Affronta la completa rovina, perché il debito associato all'acquisto di una casa durante la vita della prima moglie di Saskia non è stato ancora pagato. Nel 1656 l'artista fu dichiarato insolvente e la sua collezione d'arte e tutti i suoi beni furono venduti all'asta. La famiglia Rembrandt dovette trasferirsi nel povero quartiere ebraico di Amsterdam.

Nonostante tutte le difficoltà, il talento del grande pittore non si secca. Ma ora il criterio per la sua abilità è completamente diverso. Nelle ultime opere di Rembrandt, i tratti colorati si manifestano nettamente sulla superficie della tela. Ora i colori nei suoi dipinti servono non solo a trasmettere l'aspetto esterno dei personaggi e l'immagine degli interni: è il colore che assume il carico semantico dell'opera. Così, la sensazione di intenso dramma nel dipinto "Assur, Aman ed Ester" (1660) è creata attraverso una complessa gamma tonale e speciali effetti di luce.

Privo di ordini, vivendo in profonda povertà, Rembrandt non smette di scrivere. Realizza ritratti espressivi e spirituali, modelli per i quali sono parenti e amici ("Ritratto della moglie del fratello dell'artista", 1654; "Ritratto di un vecchio in rosso", 1652-1654; "Ritratto del figlio di Tito che legge", 1657; "Ritratto di Hendrickje Stoffels alle finestre", 1659 circa).

Il figlio Titus, che ha finalmente ricevuto lo stato della madre defunta, sta cercando di proteggere suo padre dalle difficoltà materiali e creare le condizioni per lavorare tranquillamente. Ma le disgrazie continuano a perseguitare l'artista: nel 1663 Hendrickje muore, e pochi anni dopo Tito la segue.

Fu durante questo tragico periodo che il vecchio artista solitario creò i suoi capolavori, caratterizzati da grandezza monumentale e spiritualità (David e Uriah, 1665-1666; Return of the Prodigal Son, c. 1668-1669).

Rembrandt morì nel 1669, dimenticato da tutti. Solo nel XVIII secolo. la sua arte fu finalmente compresa e apprezzata.

Negli anni 1640-1660. il genere era il genere principale nella pittura olandese. Le immagini che ritraggono i momenti più ordinari della realtà sono sorprendentemente poetiche e liriche. L'oggetto principale dell'attenzione dei pittori è una persona e il mondo che lo circonda. La maggior parte delle composizioni di genere sono caratterizzate da una narrativa calma e dalla mancanza di dramma. Parlano delle faccende domestiche della padrona di casa (acquistare cibo, prendersi cura dei bambini, fare l'artigianato), dell'intrattenimento del borghese olandese (giocare a carte, ricevere ospiti, concerti). Gli artisti descrivono tutto ciò che accade nella casa di un ricco cittadino, ignorando il lato pubblico della vita di una persona.

I pittori di genere godevano di grande popolarità: G. Dow, i cui dipinti erano venduti a un prezzo molto alto, A. van Ostade, che dipinse scene di vita contadina ("Concerto di campagna"), J. Sten, i cui temi preferiti erano scene di divertimento e vacanze ("Merry Society"), G. Terborch, il cui grazioso dipinto rappresentava la vita di una ricca famiglia borghese ("Bicchiere di limonata"), G. Metsu con la sua ingenua narrazione ("Sick Child"), P. de Hooch, che ha creato tele liriche contemplative ("La padrona e la serva").

K. Fabricius, che visse una vita breve (morì a Delft nell'esplosione di un deposito di polveri), cercò di ampliare la portata del genere. Una delle sue opere migliori è La Resurrezione di Lazzaro (c. 1643), che si distingue per il suo dramma e la portata quasi monumentale. Notevoli anche i suoi ritratti e autoritratti, che pongono l'artista alla pari di F. Hals e Rembrandt.

Il destino di E. de Fabricius, un talentuoso maestro della scena domestica e delle opere raffiguranti interni di chiese ("Mercato al porto", "Interno con donna al clavicembalo"), è tragico. L'artista non ha cercato di assecondare i gusti del pubblico borghese, quindi le sue opere, che non hanno avuto successo con i contemporanei, sono state vendute per una miseria. Spesso, Fabricius era costretto a ripagare i debiti con i proprietari di case. In una notte d'inverno del 1692, un artista settantacinquenne, buttato fuori di casa dal proprietario, si impiccò alla ringhiera di un ponte. Un destino simile era tipico di molti pittori olandesi che non volevano abbandonare le tradizioni realistiche per accontentare il pubblico.

Jan Wermeer Delft

Un rappresentante di spicco della pittura di genere olandese è Jan Wermer, soprannominato Delft per il suo luogo di nascita e il suo lavoro. Il pittore nasce nel 1623 nella famiglia di un mercante di quadri e sete. Poco si sa della vita di Vermeer. Forse il suo maestro era K. Fabricius. Nel 1653 l'artista divenne membro della corporazione di San Luca e sposò la figlia di una ricca cittadina, Katerina Bolnes. A Delft, era rispettato e famoso, viveva in una grande casa situata sulla piazza del mercato.

Vermeer ha lavorato sui suoi dipinti molto lentamente e accuratamente, scrivendo attentamente ogni dettaglio. La pittura non poteva fornire alla famiglia dell'artista un'esistenza confortevole, sebbene le sue tele avessero un grande successo. Questo è probabilmente il motivo per cui Vermeer iniziò a commerciare in dipinti, continuando l'opera del padre.

Già nelle prime opere di Vermeer appare una combinazione di realismo e una certa idealizzazione delle immagini, caratteristica del suo lavoro ("Diana con le Ninfe", "Cristo con Marta e Maria" - entrambi fino al 1656). L'opera successiva - la tela a grandi figure "At the Pimp" (1656), scritta su una trama utilizzata da molti pittori, si distingue per la sua originalità di esecuzione. La scena quotidiana ordinaria dell'artista acquista un significato quasi monumentale. Il dipinto si distingue tra le altre opere con un tema simile per il suo colore audace, sostenuto nei colori puri del giallo, rosso, nero e bianco e per la brillante espressività delle immagini.

Più tardi, Vermeer si rivolse alle composizioni da camera tradizionali per la pittura olandese. Come altri maestri olandesi, descrive eventi che si svolgono nelle ricche case borghesi. L'immagine preferita dell'artista è una ragazza che legge una lettera o si prova una collana. Le sue tele rappresentano scene quotidiane non sofisticate: la cameriera consegna una lettera alla sua padrona, il signore porta alla signora un bicchiere di vino. Ma questi dipinti, semplici nella composizione, stupiscono per la loro integrità, armonia e lirismo, le loro immagini attraggono con la loro naturalezza e calma poesia.

Nella seconda metà del 1650. l'artista ha creato le sue opere più notevoli. Le profondamente liriche "Sleeping Girl", "Glass of Wine", "Girl with a Letter" sono state contrassegnate da una calda sensazione. Molti pittori olandesi di questo tempo nei loro dipinti raffiguravano servitori impegnati al lavoro, ma solo l'immagine di una donna del popolo di Vermeer ha caratteristiche di genuina bellezza e grandezza ("Una cameriera con una brocca di latte").

Vermeer è un vero virtuoso nel trasmettere l'essenza del mondo delle cose con l'ausilio di mezzi pittorici. Le nature morte nei suoi dipinti sono eseguite con grande abilità. Un piatto con mele e prugne, in piedi su un tavolo coperto da una tovaglia a motivi nella tela "Ragazza con una lettera", sembra sorprendentemente bello e naturale.

Nel dipinto "La cameriera con una brocca di latte", pane e latte, versando dalla brocca in un ruscello denso, deliziano con la loro freschezza.

La luce gioca un ruolo importante nelle opere di Vermeer. Riempie lo spazio delle tele, creando l'impressione di straordinaria ariosità; modella le forme e penetra le vernici, facendole risplendere dall'interno. È grazie a questa quantità di luce e aria che si crea uno speciale innalzamento emotivo della maggior parte delle opere di Vermeer.

La notevole abilità del pittore si è manifestata nella pittura di paesaggio. Un piccolo angolo della città, avvolto nell'atmosfera umida di una giornata nuvolosa, riproduce la composizione chiara e semplice "Street" (c. 1658). La città bagnata dalla pioggia appare pulita e fresca nel dipinto Veduta di Delft (tra il 1658 e il 1660). I raggi del sole si fanno strada attraverso le delicate nuvole argentee, creando molti bagliori luminosi sulla superficie dell'acqua. La colorazione sonora con le sue sottili transizioni di colore conferisce all'immagine espressività e armonia.

Nel 1660. La pittura di Vermeer diventa più raffinata ed elegante. Cambia anche la tavolozza, che ora è dominata da tonalità fredde e colorate ("La ragazza con la perla"). I personaggi principali delle tele sono ricchi dame e signori circondati da oggetti lussuosi ("Lettera d'amore", c. 1670).

Jan Wermeer Delft. Una cameriera con una brocca di latte. Tra il 1657 e il 1660
Jan Wermeer Delft. Laboratorio del pittore. OK. 1665 gr.

Nell'ultimo periodo della vita di Vermeer, le sue opere diventano superficiali e un po' inverosimile ("Allegoria della fede"), e la tavolozza perde la sua ricchezza e sonorità. Ma anche in questi anni, le singole opere dell'artista stupiscono per la loro antica forza espressiva. Tale è il suo "Laboratorio del pittore" (1665), in cui Vermeer dipinse se stesso al lavoro, e i dipinti "Astronomo" e "Geografo", che catturarono gli scienziati.

Il destino di Vermeer, come molti altri maestri olandesi, è tragico. Alla fine della sua vita, l'artista malato, che aveva perso la maggior parte dei suoi ex clienti, fu costretto a trasferire la sua numerosa famiglia dalla sua vecchia casa in un'abitazione più economica. Negli ultimi cinque anni, non ha dipinto un solo quadro. Il pittore morì nel 1675. La sua arte fu dimenticata a lungo, e solo a metà del XIX secolo. Wermeer è stato apprezzato e messo alla pari con maestri olandesi come Rembrandt e F. Hals.

La vittoria della rivoluzione borghese nei Paesi Bassi settentrionali portò alla formazione dello stato indipendente della Repubblica delle sette province unite d'Olanda (dal nome della più significativa di queste province); per la prima volta in uno dei paesi d'Europa si instaurava un sistema repubblicano-borghese. Le forze trainanti della rivoluzione furono i contadini e gli strati più poveri della popolazione urbana, ma le sue conquiste furono sfruttate dalla borghesia, che salì al potere. Tuttavia, nei primi decenni dopo l'istituzione della repubblica, le tradizioni democratiche del periodo rivoluzionario erano vive. L'ampiezza del movimento di liberazione nazionale, l'ascesa dell'autocoscienza del popolo, la gioia della liberazione dal giogo straniero univano gli strati più diversi della popolazione. Nel paese si sono sviluppate le condizioni per lo sviluppo delle scienze e dell'arte. I pensatori progressisti di quel tempo, in particolare il filosofo francese Cartesio, trovarono rifugio qui e si formò il sistema filosofico essenzialmente materialista di Spinoza. I risultati più alti sono stati raggiunti dagli artisti olandesi. Sono stati i primi in Europa; liberato dall'influenza opprimente dei circoli di corte e della Chiesa cattolica e ha creato un'arte democratica e realistica direttamente, che riflette la realtà sociale.

Una caratteristica distintiva dello sviluppo dell'arte olandese è stata una significativa predominanza tra tutti i suoi tipi di pittura. Le immagini adornavano le case non solo di rappresentanti dell'élite dominante della società, ma anche di poveri borghesi, artigiani, contadini; venivano venduti alle aste e alle fiere; a volte gli artisti li usavano come mezzo per pagare le bollette. La professione di un artista non era rara, c'erano molti pittori e si contendevano ferocemente l'uno con l'altro. Il rapido sviluppo della pittura si spiegava non solo con la domanda di quadri da parte di chi voleva arredare la propria casa con essi, ma anche considerandoli come una merce, come un mezzo di profitto, una fonte di speculazione. Sbarazzatosi del cliente diretto della Chiesa cattolica o di un influente signore filantropo-feudale, l'artista si trovò del tutto dipendente dalle richieste del mercato. I gusti della società borghese hanno predeterminato il percorso di sviluppo dell'arte olandese e gli artisti che si sono opposti a loro, hanno difeso la loro indipendenza in materia di creatività, si sono trovati isolati, sono morti prematuramente nella povertà e nella solitudine. Inoltre, questi erano, di regola, i maestri più talentuosi. Basti citare i nomi di Hals e Rembrandt.

L'oggetto principale dell'immagine per gli artisti olandesi era la realtà circostante, che non era mai stata così pienamente riflessa nelle opere di pittori di altre scuole nazionali. L'appello agli aspetti più diversi della vita ha portato al rafforzamento delle tendenze realistiche nella pittura, in cui il posto principale è stato preso dal genere di genere e ritratto, paesaggio e natura morta. Quanto più sinceramente, quanto più profondamente gli artisti riflettevano il mondo reale che si apriva davanti a loro, tanto più significative erano le loro opere. Festa di Frans Hals Maslenitsa

Ogni genere aveva le sue propaggini. Così, ad esempio, tra i paesaggisti c'erano pittori di paesaggi marini (raffiguranti il ​​mare), pittori che preferivano le vedute di pianura o boschetti, vi erano maestri specializzati in paesaggi invernali e paesaggi al chiaro di luna: tra i pittori di genere, artisti che raffigurati contadini, borghesi, scene di feste e di vita domestica, scene di caccia e mercati; furono maestri di interni di chiese e di vari tipi di nature morte di "colazioni", "dessert", "negozi", ecc. Colpiti dai limiti della pittura olandese, che limitava il numero di compiti da risolvere per i suoi creatori. Ma allo stesso tempo, la concentrazione di ciascuno degli artisti su un particolare genere ha contribuito all'affinamento dell'abilità del pittore. Solo il più grande degli artisti olandesi ha lavorato in una varietà di generi. Frans Hals Gruppo di bambini

Il fondatore del ritratto realistico olandese era Frans Hals (ok :), la cui eredità artistica con fresca acutezza e potenza, abbracciando il mondo interiore di una persona va ben oltre la cultura nazionale olandese. Artista di larghe vedute, audace innovatore, distrusse i canoni del ritratto feudale (nobile) del XVI secolo che si era sviluppato prima di lui. Era interessato non a una persona raffigurata secondo la sua posizione sociale in una posa maestosa e solenne e abito da cerimonia, ma in una persona in tutta la sua essenza naturale, carattere, con i suoi sentimenti, intelletto, emozioni.

Incontro degli ufficiali della compagnia di St. Adrian ad Haarlem Durante la festa sono rappresentate persone forti ed energiche che hanno preso parte attiva alla lotta di liberazione contro i conquistatori spagnoli. Un umore allegro con un tocco di umorismo unisce ufficiali di caratteri e modi diversi. Non c'è nessun protagonista qui. Tutti i presenti sono partecipanti uguali alla vacanza.

Khals ha ritratto i suoi eroi senza abbellimenti, con i loro modi senza cerimonie, il potente amore per la vita. Ha ampliato la portata del ritratto introducendo elementi della trama, catturando il ritratto in azione, in una specifica situazione di vita, enfatizzando le espressioni facciali, il gesto, la postura, catturati istantaneamente e accuratamente. L'artista ha cercato la forza emotiva e la vitalità delle caratteristiche del ritratto, il trasferimento della loro irrefrenabile energia. Non solo ha riformato i ritratti individuali e di gruppo, ma è stato il creatore di un ritratto che rasenta il genere della vita quotidiana. Potter-musicista

I ritratti di Khals sono vari per temi e immagini. Ma i ritratti sono uniti da caratteristiche comuni: l'integrità della natura, l'amore per la vita. Hals è un pittore della risata, un sorriso allegro e contagioso. L'artista fa rivivere i volti della gente comune, dei frequentatori delle osterie, dei ragazzi di strada con frizzante allegria. I suoi personaggi non si chiudono in se stessi, rivolgono i loro sguardi e i loro gesti allo spettatore. Buon compagno

L'immagine della "zingara" (c., Parigi, Louvre) è alimentata da un alito di spirito libero. Hals ammira la posizione orgogliosa della sua testa in un'aureola di capelli soffici, un sorriso seducente, uno scintillio vivace dei suoi occhi, un'espressione di indipendenza. Il contorno vibrante della silhouette, i raggi di luce che scivolano, le nuvole che corrono, contro le quali è raffigurata una zingara, riempiono l'immagine con l'emozione della vita.

Il ritratto di Malle Babbe (primi anni x, Berlin Dahlem, Art Gallery), l'oste, non a caso soprannominata la "strega di Harlem", si sviluppa in una piccola scena di genere. Una brutta vecchia con uno sguardo furbo e bruciante, che si volta di scatto e sorride ampiamente, come se rispondesse a qualcuno dei clienti abituali della sua taverna. Un sinistro gufo incombe cupo sulla sua spalla. Colpisce la nitidezza della visione dell'artista, la cupa forza e la vitalità dell'immagine che ha creato. L'asimmetria della composizione, la dinamica, la ricchezza della pennellata angolare aumentano l'inquietudine della scena.

I ritratti successivi di Hals si affiancano alle creazioni più notevoli della ritrattistica mondiale: nel loro psicologismo, sono vicini ai ritratti del più grande pittore olandese, Rembrandt, che, come Hals, sopravvisse alla gloria della sua vita, essendo entrato in conflitto con la degenerazione élite borghese della società olandese. Reggenti delle case di cura

Il genere più popolare nella pittura olandese era il genere, che determinava in gran parte i modi peculiari del suo sviluppo rispetto all'arte di altri paesi. L'appello agli aspetti più diversi della vita quotidiana, la sua poeticizzazione ha portato alla formazione di vari tipi di dipinti di genere. L'alta abilità pittorica dei loro creatori, il carattere ottimista, il morbido lirismo conferiscono loro quel fascino che giustifica la rappresentazione dei motivi più insignificanti. Peter de Hooch Vicino all'armadio della biancheria

Il maestro barocco olandese Peter de Hooch (Hooch) è stato uno dei principali rappresentanti della scuola di Delft del XVII secolo. Le opere del pittore sono dedicate a piccoli eventi quotidiani della vita tranquilla e serena di una famiglia borghese. Gli interni sono cortili ordinati o stanze ben ordinate. I dipinti di Hoch sono caratterizzati da uno squisito disegno preciso con un colore calmo e accenti di colore discreti. Il maestro aveva un'incredibile capacità di catturare il "momento dell'essere": una conversazione si fermò per un momento, una sorta di azione. Questa capacità rende attraenti i dipinti di Hoch, creando un senso di mistero, anche se sembrerebbe che non ci sia nulla di insolito nell'immagine. Questa percezione della pittura di Hoch è facilitata anche dalla sua abilità virtuosistica e realista, capace di trasformare la quotidianità in uno spettacolo interessante.

Un profondo sentimento poetico, un gusto impeccabile, un sottile colorismo determinano il lavoro dei più importanti maestri della pittura di genere, il terzo dopo Hals e Rembrandt, il grande pittore olandese Jan Vermeer Delft (). Possedendo un occhio sorprendentemente acuto, tecnica della filigrana, ha raggiunto la poesia, l'integrità e la bellezza della soluzione figurativa, prestando grande attenzione alla trasmissione dell'ambiente luce-aria. L'eredità artistica di Vermeer è relativamente piccola, poiché ha lavorato su ogni dipinto lentamente e con una cura straordinaria. Per guadagnare denaro, Vermeer fu costretto a commerciare in dipinti.

Per Vermeer, l'uomo è inseparabile dal mondo poetico, che l'artista ammira e che trova una rifrazione così peculiare nelle sue creazioni, incarnando a loro modo l'idea di bellezza, il flusso misurato e calmo della vita e la felicità dell'uomo . Particolarmente armonioso e chiaro nella costruzione compositiva "Ragazza con lettera" (fine 1650, Dresda, Pinacoteca), un dipinto saturo di aria e luce, sostenuto in toni verde bronzo, rossastro, dorato, tra cui prevalgono i colori scintillanti gialli e blu in primo piano natura morta.

Fiduciosa senza fretta nei suoi movimenti, affascinante e naturale, una donna del popolo del dipinto "La cameriera con una brocca di latte" è intrisa di luminoso ottimismo e ricrea l'atmosfera speciale e poetica della vita quotidiana. L'aspetto di una giovane donna respira con forza sana, purezza morale; gli oggetti che la circondano sono scritti con sorprendente autenticità, la morbidezza del pane fresco, la superficie liscia della brocca, lo spessore del latte che versa sembrano essere palpabili. Qui, come in una serie di altre opere di Vermeer, si manifesta il suo straordinario dono di sentire e trasmettere sottilmente la vita delle cose, la ricchezza e la varietà delle forme degli oggetti reali, la vibrazione della luce e dell'aria che li circonda.

La straordinaria abilità di Vermeer si trova anche in due paesaggi da lui dipinti, che appartengono ai meravigliosi esempi di questo genere di pittura, non solo in olandese, ma anche nell'arte mondiale. Il motivo di "Ulichka", o meglio, della sua piccola parte, con la facciata di una casa di mattoni, raffigurata in una giornata grigia e nuvolosa, è estremamente semplice. La tangibilità materiale di ogni oggetto, la spiritualità di ogni dettaglio, stupisce.

Di tutt'altro carattere è la "Veduta della città di Delft", che guarda la sua città natale in un giorno d'estate dopo la pioggia. I raggi del sole iniziano a irrompere attraverso le umide nuvole argentee e l'intera immagine brilla e brilla con molte sfumature colorate e riflessi di luce, e allo stesso tempo cattura con integrità e bellezza poetica.

I principi del paesaggio realistico olandese presero forma durante il primo terzo del XVII secolo. Invece dei canoni convenzionali e della natura idealizzata e inventata nei dipinti dei maestri della tendenza italiana, i creatori del paesaggio realistico si sono rivolti alla rappresentazione della vera natura dell'Olanda con le sue dune e canali, case e villaggi. Non solo hanno catturato il carattere dell'area con tutti i segni, creando motivi tipici del paesaggio nazionale, ma hanno cercato di trasmettere l'atmosfera della stagione, l'aria umida e lo spazio. Ciò ha contribuito allo sviluppo della pittura tonale, alla subordinazione di tutti i componenti dell'immagine a un singolo tono.

L'eccezionale paesaggista olandese fu Jacob van Ruisdael (1628/291682), che ispirò i suoi paesaggi con grandi sentimenti ed esperienze personali. Come altri grandi artisti olandesi, non fece concessioni ai gusti della clientela borghese, rimanendo sempre se stesso. Ruisdael non si limitava ad alcuni temi dell'immagine. La gamma dei suoi motivi paesaggistici è molto ampia: vedute di villaggi, pianure e dune, paludi forestali e mare, raffigurati nelle più diverse condizioni atmosferiche e stagioni. Scene invernali

La maturità creativa dell'artista cade verso la metà del XVII secolo. In questo momento, crea opere piene di profondo dramma, che trasmettono la vita interiore della natura: "View of the Egmond Village", "Forest Swamp", "Jewish Cemetery" che, con la loro colorazione sobria e cupa, monumentalizzazione di forme e costruzioni , ha risposto alle esperienze dell'artista. Raggiunge la massima forza emotiva e profondità di significato filosofico nella rappresentazione di un cimitero ebraico con le sue lapidi e rovine imbiancate, con un ruscello spumeggiante, rami avvizziti e nodosi di un albero illuminato da un lampo che illumina il verde fresco di un giovane germoglio. Quindi l'idea di una vita eternamente rinnovatrice che sfonda tutte le tempeste e le forze distruttive vince in questa cupa meditazione.

Insieme alla pittura di paesaggio, la natura morta, che si distingueva per un carattere intimo, era ampiamente diffusa in Olanda. Gli artisti olandesi hanno scelto un'ampia varietà di oggetti per le loro nature morte, hanno saputo disporli perfettamente, per rivelare le caratteristiche di ogni oggetto e la sua vita interiore, indissolubilmente legata alla vita umana. Peter Claesz (ok) e Willem Heda (/82) hanno scritto numerose varianti di "colazione", raffiguranti prosciutti, focacce rubiconde, torte di more, fragili bicchieri di vetro pieni per metà di vino sul tavolo, trasmettendo il colore, il volume, la consistenza di ciascuno oggetto con abilità sorprendente. Peter Klas Natura morta con vetro dorato.

Nell'Olanda del XVII secolo. il genere della natura morta si è diffuso. I principi estetici della natura morta erano piuttosto conservativi: il formato orizzontale della tela, il bordo inferiore del tavolo con la natura raffigurata è strettamente parallelo alla cornice. Le pieghe sulla tovaglia della sala da pranzo, di regola, entravano in linee parallele, contrariamente alle leggi della prospettiva, nella profondità della tela; gli oggetti erano visti da un punto di vista alto (per renderli più facili da catturare tutti con un colpo d'occhio), erano disposti in linea o in cerchio e praticamente non toccavano Heda Willem Claes Colazione con granchio

Heda Willem Claes Natura morta con la Coppa d'Oro di Heda e l'influente Peter Claes sono i rappresentanti più significativi di questo tipo di natura morta in Olanda. I due artigiani di Harlem vengono spesso paragonati. Entrambi hanno creato modeste "colazioni" con un semplice insieme di oggetti non complicati. Kheda e Klas hanno in comune toni grigio-verdastri o brunastri, ma le opere di Kheda sono generalmente più curate e il suo gusto è più aristocratico, che si manifesta nella scelta degli oggetti raffigurati: utensili d'argento piuttosto che di latta, ostriche piuttosto che aringhe, ecc. NS.

Olanda. XVII secolo. Il paese sta vivendo un periodo di massimo splendore senza precedenti. La cosiddetta "età dell'oro". Alla fine del XVI secolo, diverse province del paese ottennero l'indipendenza dalla Spagna.

Ora i Paesi Bassi prostane sono andati per la loro strada. E le Fiandre cattoliche (l'attuale Belgio), sotto l'ala della Spagna, sono le sue.

Nell'Olanda indipendente, quasi nessuno aveva bisogno della pittura religiosa. La Chiesa protestante non approvava il lusso della decorazione. Ma questa circostanza "ha fatto il gioco" della pittura secolare.

Letteralmente ogni abitante del nuovo paese si è svegliato per amare questa forma d'arte. Gli olandesi volevano vedere la propria vita nei dipinti. E gli artisti sono andati volentieri ad incontrarli.

Mai prima d'ora hanno ritratto così tanto la realtà circostante. Gente comune, stanze normali e la colazione dei cittadini più comuni.

Il realismo fiorì. Fino al XX secolo sarà un degno concorrente dell'accademismo con le sue ninfe e dee greche.

Questi artisti sono chiamati "piccoli" olandesi. Come mai? I dipinti erano di piccole dimensioni, perché creati per piccole case. Quindi, quasi tutti i dipinti di Jan Vermeer sono alti non più di mezzo metro.

Ma mi piace di più l'altra versione. Nei Paesi Bassi, nel XVII secolo, viveva e lavorava un grande maestro, il "grande" olandese. E tutti gli altri erano "piccoli" in confronto a lui.

Stiamo parlando, ovviamente, di Rembrandt. Cominciamo da lui.

1. Rembrandt (1606-1669)

Rembrandt. Autoritratto a 63 anni. 1669 Galleria Nazionale di Londra

Rembrandt ha avuto la possibilità di provare la più ampia gamma di emozioni durante la sua vita. Ecco perché c'è così tanto divertimento e spavalderia nei suoi primi lavori. E ci sono così tanti sentimenti difficili in quelli successivi.

Eccolo giovane e spensierato nel dipinto Il figliol prodigo in una taverna. In ginocchio c'è la mia amata moglie Saskia. È un artista popolare. Gli ordini scorrono come un fiume.

Rembrandt. Il figliol prodigo nella taverna. 1635 Galleria dei vecchi maestri, Dresda

Ma tutto questo scomparirà in circa 10 anni. Saskia morirà di tisi. La popolarità si dissolverà come il fumo. Una grande casa con una collezione unica sarà portata via per debiti.

Ma apparirà lo stesso Rembrandt, che rimarrà per secoli. Sentimenti nudi di eroi. I loro pensieri più intimi.

2. Frans Hals (1583-1666)

Frans Hals. Auto ritratto. 1650 Metropolitan Museum of Art, New York

Frans Hals è uno dei più grandi ritrattisti di tutti i tempi. Pertanto, lo classificherei anche tra i "grandi" olandesi.

In Olanda a quel tempo era consuetudine ordinare ritratti di gruppo. Ecco come sono apparse molte opere simili, raffiguranti persone che lavorano insieme: tiratori della stessa gilda, medici della stessa città, che gestiscono una casa di cura.

In questo genere, Hals si distingue di più. Dopotutto, la maggior parte di questi ritratti sembrava un mazzo di carte. Le persone con la stessa espressione facciale sono sedute al tavolo e si limitano a guardare. Con Hals è stato diverso.

Guarda il suo ritratto di gruppo di S. Giorgio ".

Frans Hals. Frecce della corporazione di st. Giorgio. 1627 Museo Frans Hals, Haarlem, Paesi Bassi

Qui non troverai una singola ripetizione nella postura o nell'espressione facciale. Inoltre, non c'è caos qui. I personaggi sono tanti, ma nessuno sembra superfluo. Grazie al posizionamento sorprendentemente corretto delle figure.

E in un singolo ritratto, Khals era superiore a molti artisti. I suoi modelli sono naturali. Le persone dell'alta società nei suoi dipinti sono prive di grandezza forzata e i modelli delle classi inferiori non sembrano umiliati.

E anche i suoi personaggi sono molto emotivi: sorridono, ridono, fanno gesti. Come, ad esempio, questo è "Gypsy" con uno sguardo furbo.

Frans Hals. Zingaro. 1625-1630

Hals, come Rembrandt, ha concluso la sua vita in povertà. Per la stessa ragione. Il suo realismo andava contro i gusti dei clienti. Chi ha voluto impreziosire il proprio aspetto. Khals non è andato all'adulazione aperta, e quindi ha firmato la sua stessa frase - "Oblivion".

3. Gerard Terborch (1617-1681)

Gerardo Terborch. Auto ritratto. 1668 Mauritshuis Royal Gallery, L'Aia, Paesi Bassi

Terborch era un maestro del genere di genere. I ricchi e non così borghesi parlano tranquillamente, le signore leggono le lettere e il protettore assiste al corteggiamento. Due o tre figure ravvicinate.

È stato questo maestro a sviluppare i canoni del genere quotidiano. Che sarà poi preso in prestito da Jan Vermeer, Peter de Hooch e tanti altri "piccoli" olandesi.

Gerardo Terborch. Un bicchiere di limonata. 1660. Ermitage di Stato, San Pietroburgo

Un bicchiere di limonata è una delle opere famose di Terborch. Mostra un'altra dignità dell'artista. Un'immagine incredibilmente realistica del tessuto del vestito.

Terborch ha anche opere insolite. Che parla della sua voglia di andare oltre le esigenze dei clienti.

Il suo Grinder mostra la vita delle persone più povere in Olanda. Siamo abituati a vedere cortili accoglienti e stanze pulite nei dipinti di "piccoli" olandesi. Ma Terborch ha osato mostrare la sgradevole Olanda.

Gerardo Terborch. Macinino. 1653-1655 Musei statali a Berlino

Come puoi immaginare, tali lavori non erano richiesti. E sono un evento raro anche con Terborch.

4. Jan Vermeer (1632-1675)

Jan Vermeer. Laboratorio d'artista. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vienna

L'aspetto di Jan Vermeer non è noto con certezza. È solo ovvio che nel dipinto "La bottega dell'artista" ha raffigurato se stesso. La verità dal retro.

Pertanto, è sorprendente che recentemente sia diventato noto un nuovo fatto della vita del maestro. È associato al suo capolavoro "Delft Street".

Jan Vermeer. Strada di Delft. 1657 Rijksmuseum di Amsterdam

Si è scoperto che l'infanzia di Vermeer è passata in questa strada. La casa raffigurata apparteneva a sua zia. Ci ha cresciuto i suoi cinque figli. Forse è seduta sulla soglia di casa a cucire e i suoi due figli stanno giocando sul marciapiede. Vermeer stesso viveva nella casa di fronte.

Ma più spesso dipinse l'interno di queste case e dei loro abitanti. Sembrerebbe che le trame dei dipinti siano molto semplici. Ecco una bella signora, una ricca cittadina, che controlla il lavoro della sua bilancia.

Jan Vermeer. Donna con pesi. 1662-1663 Galleria Nazionale d'Arte, Washington

In che modo Vermeer si è distinto tra migliaia di altri "piccoli" olandesi?

Era il maestro consumato della luce. Nel dipinto "Donna con i pesi", la luce avvolge morbidamente il viso, i tessuti e le pareti dell'eroina. Dare all'immagine una spiritualità sconosciuta.

E anche le composizioni dei dipinti di Vermeer sono accuratamente verificate. Non troverai un singolo dettaglio superfluo. Basta rimuoverne uno, l'immagine "si sbriciola" e la magia scomparirà.

Tutto questo non è stato facile per Vermeer. Una qualità così straordinaria ha richiesto un lavoro scrupoloso. Solo 2-3 dipinti all'anno. Di conseguenza, l'incapacità di nutrire la famiglia. Vermeer ha anche lavorato come mercante d'arte, vendendo opere di altri artisti.

5. Peter de Hooch (1629-1884)

Peter de Hooch. Auto ritratto. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam

Hoha è spesso paragonato a Vermeer. Hanno lavorato contemporaneamente, c'è stato anche un periodo nella stessa città. E in un genere: tutti i giorni. A Hoch, vediamo anche una o due figure in accoglienti cortili o stanze olandesi.

Porte e finestre aperte rendono lo spazio dei suoi dipinti multistrato e divertente. E le figure sono iscritte in questo spazio in modo molto armonioso. Come, ad esempio, nel suo dipinto "Una cameriera con una ragazza nel cortile".

Peter de Hooch. Una cameriera con una ragazza nel cortile. 1658 Galleria Nazionale di Londra

Fino al 20 ° secolo, Hoh era molto apprezzato. Ma le poche opere del suo concorrente Vermeer, poche persone hanno notato.

Ma nel XX secolo tutto è cambiato. La gloria di Hoh svanì. Tuttavia, è difficile non riconoscere i suoi successi nella pittura. Poche persone potrebbero combinare l'ambiente e le persone in modo così competente.

Peter de Hooch. I giocatori di carte nella stanza soleggiata. 1658 Royal Art Collection, Londra

Nota che in una casa modesta, la tela "Giocatori di carte" appende un'immagine in una cornice costosa.

Questo dimostra ancora una volta quanto fosse popolare la pittura tra gli olandesi comuni. Le immagini adornavano ogni casa: la casa di un ricco borghese, un modesto abitante della città e persino un contadino.

6. Jan Steen (1626-1679)

Jan Steen. Autoritratto con liuto. 1670 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Jan Steen è forse il "piccolo" olandese più divertente. Ma amare la moralità. Dipinse spesso taverne o case povere in cui era prevalente il vizio.

I suoi personaggi principali sono festaioli e dame di facili costumi. Voleva intrattenere lo spettatore, ma latentemente lo metteva in guardia contro una vita viziosa.

Jan Steen. Un casino. 1663 Kunsthistorisches Museum, Vienna

Sten ha anche lavori più silenziosi. Come, ad esempio, "WC mattutino". Ma anche qui l'artista sorprende lo spettatore con dettagli troppo franchi. Ci sono tracce di elastico nelle calze, e non un vaso da notte vuoto. E in qualche modo il cane è sdraiato proprio sul cuscino.

Jan Steen. Toilette mattutina. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam

Ma nonostante tutta la frivolezza, le combinazioni di colori di Sten sono molto professionali. In questo ha superato molti "piccoli olandesi". Guarda come una calza rossa si sposa bene con una giacca blu e un tappeto beige brillante.

7. Jacobs van Ruisdael (1629-1882)

Il ritratto di Ruisdael. Litografia da un libro del XIX secolo.